HAWKWIND (Bio)

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alcat01
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HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 11:09

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Formé en Novembre 1969, Hawkwind est un groupe de Rock Britannique, originaire de Ladbroke Grove, à Londres, en Angleterre, considéré comme l'un des pionniers du genre Space Rock.

La formation a traversé de nombreuses incarnations, des dizaines de musiciens en ont fait partie au fil des années.
Cependant, le groupe est le plus étroitement associé à leur fondateur, chanteur, auteur-compositeur et guitariste Dave Brock, qui est le seul membre original restant.
Parmi les figures marquantes, on peut citer Lemmy Kilmister, Ginger Baker, Nik Turner, Harvey Bainbridge, Del Dettmar, Dik Mik, Huw Lloyd-Langton, Robert Calvert, Paul Rudolph et plus tard, Ron Tree en tant que bassiste et meneur du groupe. Beaucoup de danseurs et d'écrivains ont également travaillé avec Hawkwind depuis sa création.

Le groupe a incorporé de nombreux styles différents dans sa musique, y compris le Hard Rock, le Rock Progressif et le Rock Psychédélique. Ils sont également considérés comme un groupe Proto-Punk influent.
Leurs paroles favorisent les thèmes urbains et de science-fiction.

Hawkwind est surtout connu pour la chanson "Silver Machine", qui est devenu numéro trois dans les Charts Britanniques en 1972, mais ils se sont faits remarquer avec d'autres Hit singles comme "Urban Guerrilla" (dans le Top 40) et "Shot Down in the Night". Le groupe a eu une série de vingt-deux de leurs albums au Royaume-Uni de 1971 à 1993.

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En général, les amateurs d'Hawkwind apprécient les créations parallèles et personnelles des musiciens qui ont contribué au groupe. Robert Calvert, Nick Turner, Alan Davey ont enregistré des disques solos, et même D. Brock a fait des disques sous son nom.

La musique d'Hawkwind est Rock et Spatiale. C'est le genre de musique appropriée pour se promener d'une galaxie à l'autre dans des vaisseaux cosmiques lancés à des vitesses folles dans le vide sidéral. Cela n'arrivant pas souvent, on se contentera de pousser le volume sonore à un niveau respectable pour avoir de bonnes impressions. Attention, ce n'est généralement pas 'planant': une rythmique puissante, basse et batterie, émet des pulsations hypnotiques, parfois à des cadences infernales comme sur "Brainstorm", "Master of Universe" ou encore "Born to Go", et la guitare électrique, très présente avec des effets, soutient le martèlement pour décrocher dans des solos parfois éruptifs conduisant à l'occasion Hawkwind à flirter avec le Hard Rock malgré son enrobage électronique.

Leur musique change, mais n'est pas pour autant dans le flot des modes, ni des 'catégories', chères aux mélomanes ephémères et peu eclectiques. On ressent cependant bien l'époque de chaque disque par l'exploitation permanente des disponibilités techniques du moment. Par ailleurs, on remarque occasionnellement l'exploitation de mondes musicaux originaux, comme par exemple le Reggae, pour la création de morceaux pourtant toujours dans la lignée 'spatiale'. Si l'on doit faire des catégories, la musique d'Hawkwind et de ses relations constitue une catégorie à part entière.

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Dave Brock et Mick Slattery avaient fait partie d'un groupe Psychédélique Londonien appelé Famous Cure, et une rencontre avec le bassiste John Harrison a révélé un intérêt mutuel pour la musique électronique qui a conduit le trio à se lancer ensemble dans une nouvelle aventure musicale en formant un nouveau groupe.
Le batteur Terry Ollis, âgé de 17 ans à l'époque, répond à une annonce parue dans un hebdomadaire musical, tandis que Nik Turner et Michael "Dik Mik" Davies, de vieilles connaissances de Brock, offrent leur aide pour le transport et l'équipement (road crew), mais ont rapidement été intégrés au groupe.

S'invitant à une soirée de talents locaux au All Saints Hall, à Notting Hill, ils étaient tellement désorganisés qu'ils n'avaient même pas de nom, optant pour "Group X" à la dernière minute, ni aucune chanson, choisissant de jouer un jam prolongé de plus de 20 minutes sur le "Eight Miles High" des Byrds.
Le DJ de la BBC Radio 1, John Peel, assistant à leur prestation dans le public a été suffisamment impressionné pour dire à l'organisateur de l'événement, Douglas Smith, de garder un œil sur eux. Smith les signe rapidement et leur obtient un contrat avec Liberty Records au moment où un autre accord était mis en place avec Cochise.

Le groupe choisit finalement le nom de Hawkwind après avoir brièvement adopté les noms de Group X et Hawkwind Zoo.

Une session aux studios Abbey Road prend place pour enregistrer des demos de "Hurry on Sundown" et quelques autres, après quoi Slattery est parti pour être remplacé par Huw Lloyd-Langton, qui avait connu Brock pendant sa période de travail dans une boutique de musique en lui vendant des cordes de guitare, avant de devenir musicien ambulant.

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Le guitariste de The Pretty Things, Dick Taylor, est ensuite engagé pour produire le premier album éponyme en 1970.

Pour ceux qui ne connaissent pas le groupe, on pourrait définir la musique comme du 'Rock Spatial'. C'est une sorte de Rock Progressif aromatisé avec quelques pincées du Psyché de Pink Floyd, un soupçon de Moody Blues, un léger soupçon de King Crimson, avec des effets de synthétiseur, des phases, des échos, des orchestrations, des guitares ... À part le travail solo de Nik Turner, aucun autre groupe ne leur ressemblait vraiment.

Ce n'est peut-être pas forcément le meilleur disque d'introduction à leur musique car ils s'améliorent avec chaque album successif, mais Il s'agit autant d'une pièce historique que d'une pièce importante dans l'histoire du groupe.

La majeure partie de l'album provient d'une longue jam de forme libre appelée "Sunshine Special" qui a été décomposée en pistes individuelles avec des interludes synthétisés spacieux. Et cela a certainement du sens car la musique partage la même ambiance tout au long du disque.
Mais il ne faut pas se laisser rebuter par la balise 'free form jam'. La musique n'est pas un gâchis alimenté par une drogue chaotique à la Amon Düül. Elle a une base solide dans le genre Psyché, et l'amélioration s'intègre dans ce son structuré. On dirait que le groupe a joué 'live in the studio" et qu'l était enfermé dans un groove fantastique. L'ajout de flûte, saxophone et harmonique au mixage est très appréciable.
C'est l'un des meilleurs exemples de Rock Spatial Psyché.

Cela peut sembler décousu pour certains, mais ils produisent un son unique; à l'époque, la magie électronique en était à ses balbutiements. Le son qu'ils produisent est donc vraiment remarquable. Combinez cela avec la guitare, la basse, la batterie et des paroles brillantes, alors vous avez Hawkwind.
Le groupe deviendra beaucoup plus cohérent à partir du prochain album.

Ce premier opus est intéressant en ce qu'il contient à la fois les meilleures et les pires chansons du groupe:
Parlons d'abord des meilleures chansons. Le joyeux acoustique post-hippie "Hurry On Sundown", avec un bon jeu d'harmonica et des voix magnifiquement brillantes ... c'est vraiment une chanson spectaculaire. La jam fringante "Be Yourself" qui a de merveilleux passages de saxophones qui mènent à un solo de guitare tout aussi impressionnant innove le Space Rock. Et enfin, le "Mirror of Illusion" au son du Creedence Clearwater Revival, avec une mélodie vocale de type John Fogerty à la fois mélodique et très bonne est, certainement, l'une des meilleures chansons de Hawkwind.
Les mauvaises chansons sont les deux pistes "Paranoia" et "Seeing It As You Really Are":
Pour le lavage sonique surréaliste de "Paranoia", ce n'est pas une bonne idée de répéter les mêmes 4 ou 5 notes pendant plusieurs minutes. "Seeing It As You Really Are" suit en quelque sorte la même idée, avec trop de choses dominées par des notes répétitives. Cependant, dans ce cas, la chanson finit par devenir un très bon solo de guitare et un peu de saxophone mélodique à la fin, ce qui en fait une assez bonne jam.

Ce premier jet affiche une grande partie de ce qui identifiera bientôt le groupe, en particulier son passage entre la musique acoustique éthérée et le hard rock électronique transdimensionnel, mais ici, il conserve le sentiment très lâche et très aléatoire auquel vous pouvez vous attendre. voici un groupe qui a trouvé son son mais qui essaie de décider exactement ce qu'il a vraiment à dire.
A noter que Dick Taylor a non seulement produit l'album, mais il a également joué de la guitare et de la basse.

Pourtant, c'est un album au son charmant qui met souvent en évidence le saxophone de Nik Turner et des breaks mélodieux et percutants du guitariste Dave Brock, à la fois sur une section rythmique tendue et sur l'électronique subtilement savoureuse de Dik Mik Davies.

Mais ce line up d'Hawkwind composé de Brock, Turner, Davies, du bassiste John Harrison puis de Thomas Crimble, du deuxième guitariste Huw Lloyd Langton et du batteur Terry Ollis n'était pas destinée à durer: exit Crimble, Langton et Davies après la sortie de l'album; et entrée de l'ancien bassiste d'Amon Duul, Dave Anderson, du claviériste Del Dettmar et du poète / chanteur Robert Calvert.
Toutes les chansons sont créditées à Dave Brock sur l'album original, puis à l'ensemble des membres du groupe à partir de la réédition remasterisée de 1996.

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Bien que ce ne soit pas un succès commercial, cela a attiré l'attention de la scène Underground Britannique quand ils se sont mis à jouer des concerts gratuits, des concerts-bénéfice et autres festivals.

Jouant gratuitement en parallèle à l'extérieur du Bath Festival, ils y ont rencontré un autre groupe basé à Ladbroke Grove, The Pink Fairies, qui partageaient des intérêts similaires dans la musique et les activités récréatives; une amitié s'est développée qui a conduit les deux groupes à devenir des partenaires musicaux et à jouer en tant que "Pinkwind".
Leur consommation de drogues a cependant conduit au départ de Harrison, qui n'a pas participé, qui sera brièvement remplacé parThomas Crimble (vers Juillet 1970 - Mars 1971). Crimble a joué sur quelques sessions de la BBC avant de partir pour aider à organiser le Glastonbury Free Festival 1971; il s'est assis pendant la performance du groupe là-bas. Lloyd-Langton a également démissionné, après un mauvais voyage en LSD au festival de l' île de Wight qui a provoqué une dépression nerveuse.

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Dans une première phase, le groupe préfère privilégier le spectacle scénique global avec des projections d'images et de ce qui deviendront des clips, plutôt que de mettre en avant tel ou tel musicien. Des danseuses sont ajoutées en avant-scène; Del Dettmar joue souvent derrière les rideaux de la scène à l'abri des regards du public, tandis que deux batteurs (à partir de 1974) scandent les hymnes répétitifs.

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Le second album de Hawkwind, "In Search of Space", sort au Royaume-Uni le 8 octobre 1971. L'enregistrement avait commencé brièvement aux Air Studios ("Master Of The Universe"), puis a été transféré aux Olympic Studios.

Le bassiste John A Harrison est parti juste après l'enregistrement du premier album, remplacé par Thomas Crimble qui à son tour a été remplacé par Dave Anderson d' Amon Düül II pour cet album, et qui à son tour sera parti avant sa sortie. Le joueur d'électronique Dik Mik Davies avait également quitté temporairement le groupe, l'ingénieur du son live du groupe Del Dettmar étant alors remplacé, tandis que Huw Lloyd-Langton était parti après une mauvaise expérience de LSD au the Isle of Wight Festival.

La conception innovante de la pochette a été réalisée par Barney Bubbles (Colin Fulcher). Un dépliant de 8 pages (carte non laminée) imprimé en couleur sur le devant et en demi-teinte noir et blanc au verso.
Lorsqu'il est ouvert, le manchon découpé forme une forme d'oiseau avec des ailes déployées - un peu comme un faucon. Une fois pliés, les découpes s'emboîtent au centre avant, les formes et l'imprimé formant un 'X', selon le caractère initial du titre. La forme pliée crée ainsi un portefeuille ouvert pour le disque.
En ce qui concerne le 'X', le crédit 'Optique / sémantique' à ce sujet est probablement assez profond rétrospectivement. La sémantique visuelle de la conception et de la créativité de Barney Bubbles dans l'art de la pochette a conduit à beaucoup de conjectures concernant le vrai titre de cette œuvre. Pour ceux du berceau de Notting Hill du 'underground movement' et de sa presse musicale à l'époque, l'œuvre était communément connue (d'après le titre de sa pochette "X IN SEARCH OF SPACE") comme "X In Search Of Space".

Le 'Log' (journal), développé par l'artiste et Bob Calvert, était fondamental dans l'imagerie et la 'philosophie' du groupe qui en résulta au moment de "Space Ritual" et au-delà, encore aidé par l'apport de Michael Moorcock. Cependant, malgré les preuves visuelles du titre - conçu par un artiste de haute estime et affiché dans les galeries sous le nom de "X In Search Of Space" et également mentionné comme tel dans le livre 2010 du magazine MOJO Award "Reasons To Be Cheerful" - les différents éditeurs de cet ouvrage l'ont toujours intitulé "In Search Of Space", pour des raisons encore inconnues. Il y a même une 'controverse sur le crénage' selon laquelle le titre pourrait être "Xin Search Of Space", mais la base de données Discogs opte simplement pour l'inclusion du fait que le 'X'existe dans le titre, jusqu'à ce que ce ne soit pas le cas.
Le disque Britannique est dans une doublure imprimée UA, accompagné d'un 'Hawkwind Log Book' de 24 pages (imprimé en noir et blanc) détaillant les minuties du 'vol' du groupe à travers l'espace et le temps. Ce problème n'était pas présent dans les numéros ultérieurs, bien que le remaster du CD de 1996 reproduise à la fois le manchon et le journal. Les premières copies du journal étaient sur du papier blanc cassé de 'qualité journal', les problèmes ultérieurs semblent être sur un blanc plus propre avec une teinte bleue à l'impression noire. Il y a une différence nette entre les deux, ce dernier de meilleure qualité - délivré avec les pressages A1 / B2 appariés et par la suite.

Une réédition ultérieure avec UA 'R' (symbole de marque déposée) apparaît de '76 -'77. Il n'est pas sûr que ces dernières sorties aient tous des journaux de bord. On peut noter également que le texte autour du label est 'A product of United Artists Records' (Un produit de United Artists Records). Les copies originales sont référencées Liberty / United Artists (pochettes E J Day).
Il est possible de ce fameux 'X' soit une allusion au premier nom du groupe (Group X).

Après des débuts non ciblés en 1970, le plan d'un style de groupe plus distinctif commençait à se fondre, avec l'aide du graphiste Colin Fulcher, alias Barney Bubbles, qui a donné à l'album son titre et illustré le Hawkwind Log élaboré inclus dans les premiers pressages LP. Et le groupe apprenait le secret du voyage: pousser les jams en avant avec un élan implacable et limiter les changements d'accords au strict minimum.

"In Search Of Space" est une amélioration substantielle par rapport au premier opus. L'album montre clairement un changement de direction musicale et une grande évolution pour le groupe. Le son est plus brut, plus agressif, plus trippant, plus puissant et flottant. Cependant, les inflences Jazz sont toujours présentes.

En fait, les musiciens commencent à définir leur propre personnalité ainsi que le genre rock spatial.
Toute trace persistante de Blues du premier album a été à jamais rasée sous les guitares et les synthétiseurs conduisant "You Shouldn't Do That" et "Master of the Univers".
Ajoutez un rythme régulier, les flûtes et les saxophones traités de Nik Turner, l'élément déterminant du son Hawkwind, et quelques ballades de guitare acoustique effectivement spacieuses (comme le requiem "We Took the Wrong Step Years Ago"), et le Le résultat est une ébauche d'une feuille de route menant à la prochaine épiphanie du rituel spatial.

Même avec toute l'innovation et la progression rapide de la musique en 1971, cet album était vraiment original. "In Search of Space" est l'album qui a mis Hawkwind sur la voie du succès. L'emballage a sans aucun doute aidé, avec sa pochette pliable multiple et son excellent livret intitulé "The Hawkwind log".

Hawkwind n'a pas essayé d'écrire du Prog Rock, mais les idées qu'ils avaient étaient des perceptions Heavy du Space Rock, fondées dans les premières expérimentations de Pink Floyd de la fin des années 1960 et quelques autres.
Mais il y a toujours une différence critique entre les deux groupes: tandis que les membres du Pink Floyd suivaient des cours d'architecture au London Polytechnic, le gang d'Hawkwind quittait la Notting Hill School of Hard Knocks et trouvait sa vraie voix en cours de route.

ImageNik Turner

Des morceaux comme "You Know You Only Dreaming", "We Took The Wrong Step Years Ago" et "Children Of The Sun" ressemblent à du Pink Floyd car il y a une sensation acoustique plus douce qui comprend des types d'instrumentation plus interactifs apportant les aspects plus spatiaux encore plus sous les projecteurs. Les riffs de guitare sont légèrement plus variés et rejoints par la flûte également. Les instruments ont également plus de licence pour tisser une tapisserie de sons autour d'un noyau de rythme plutôt que d'adhérer obséquieusement à une esthétique rock traditionnelle, mais en gardant toujours en mouvement cette énergie rock plus dure. Les guitares et les basses sont toujours chargées électriquement, ce qui maintient les niveaux d'énergie de tous les musiciens à bord élevés et cet album donne généralement l'impression que les modèles de vibration d'énergie vont vraiment s'accélérer à l'infini dans un état d'anti-gravité où le temps et l'espace se confondent.
Alors que Pink Floyd créait des paysages sonores surréalistes moelleux, Hawkwind était pionnier dans la branche hyperdrive de la psychédélie.

La musique a, par ailleurs, plus en commun avec le Krautrock que le Prog "Symphonic", et en tant que telle est en grande partie minimale et transe plutôt qu'expansive en termes de paramètres musicaux. Sur une écoute décontractée, cela semblera extrêmement répétitif, et le plus souvent, tout simplement bizarre.

Mettant en avant les puissants riffs de Dave Anderson à la basse, ce deuxième album est une étape claire et impressionnante des débuts du groupe. Le groupe atteint ses atmosphères spatiales à travers des modèles de section rythmique puissants, hypnotiques et pulsants qui forment un cadre à partir duquel des solos de guitare, de claviers, de saxophone et de flûte émergent et se fondent avec le chant. L'impression générale est un croisement entre les éléments plus répétitifs ressemblant à des drones de Krautrock et le matériel de Pink Floyd de l'ère psychédélique plus tumultueux, résultant en une fusion qui sonne à des années-lumière de l'un ou de l'autre.

L'endroit où la musique de Hawkwind est expansive se trouve dans l'exploration de germes d'idées, car malgré l'énorme quantité de place laissée à l'improvisation, ce n'est pas une simple session de jam.
Hawkwind va audacieusement là où aucun homme n'est allé auparavant, peignant de vastes toiles de coins reculés de l'univers, peuplées d'étranges créatures souvent démunies, l'avenir, vraisemblablement humain, et leurs interactions avec l'espace et la technologie.
Avec "In Search of Space", Hawkwind a trouvé sa propre place dans l'Histoire musicale. Ils ont cessé de sonner comme les autres et ils ont atteint un groove envoûtant qui était vraiment le leur, un mélange très original de Hard Rock accrocheur, d'improvisation et d'expérimentation et d'essences psychédéliques.

Le groupe travaille constamment comme une seule unité, ce qui est toujours la chose la plus étonnante de presque toutes les albums studio de Hawkwind. La façon dont les instrumentistes réagissent les uns aux autres et colorent les paroles et les voix est au-delà de la perfection.
Les concepts et l'expérimentation musicale sont courageux, les sons de guitare et les compositions acoustiques de Dave Brock sont excellents et Nick Turners est un saxophone hors norme. Les effets sonores et la production sont courageux et audacieux, le concept d'album est profond et hallucinant. La batterie de Terry Ollis est unique et intéressante, parfois jazzy parfois presque tribale et les parties de synthé sont audacieuses et toute la section rythmique est sérieuse.

Malgré une bonne production et un mixage très puissant, "In Search of Space" est réellement criblé d'imperfections, mais c'est tout simplement le son du Rock Spatial qui est caractéristique de l'époque.
C'est le disque où la magie a commencé à se produire. Le groupe a réussi à passer du délire psychédélique naissant à quelque chose de plus solide, produisant une partie de leur matériel classique.
Ce disque a également marqué le début de la collaboration du groupe avec Robert Calvert, qui allait commencer le lyrisme futuriste qui a marqué certains des meilleurs moments du groupe.
Calvert a commencé à réciter de la poésie lors des performances du groupe à l'invitation de Nik Turner, les deux se connaissant professionnellement (Turner est mécanicien automobile et Calvert a ensuite travaillé dans un magasin de pneus). Calvert allait ensuite évoluer vers le chant et la composition, écrivant certains des matériels les plus durables du groupe.

Le son distinctif du groupe à cette période provient de trois "instruments": le générateur audio qui est en fait un moteur électrique passant par une pédale wha-wha;les saxophones et les flûtes filtrés de Nik; un synthétiseur utilisé de manière à imiter particulièrement les sons présents dans les films de science-fiction des années 1950 et 1960. C'est l'imaginaire folklorique de l'espace avant 2001 et également Also Sprach Zarathustra.

Face à la presse, Hawkwind a admis que la plupart d'entre eux n'avaient jamais joué d'un instrument avant 1969 et ils ne se moquaient pas du fait qu'ils n'étaient qu'un groupe de monstres qui s'amusaient. Cela dit, ils ont réussi à créer quelque chose de presque complètement unique avec cet album. Aucun autre ne sonne comme ça (même dans leur long répertoire). Il s'agit d'un type de musique totalement unique utilisant, à l'époque, des générateurs audio et des synthétiseurs primitifs de pointe, avec un retour de Krautrock fourni par le bassiste d'Amon Duul Dave Anderson, et des "bruits" de saxophone totalement erratiques de Nik Turner. Ce n'est pas sophistiqué, ce n'est certainement pas poli mais c'est complètement unique. C'est le rock spatial dans sa forme la plus insistante et la plus histrionique.

"You shouldn't Do That" qui ouvre l'album avec une mystérieuse couche de synthétiseur en attirant l'attention de l'auditeur est un long morceau que le groupe a joué en live depuis l'époque de Crimble dans le groupe, et celui-ci affirme qu'il aurait dû recevoir un crédit d'écrivain pour la ligne de basse centrale sur laquelle cela est basé. Il a été enregistré pour une session de la 'BBC Maida Vale' le 19 Mai 1971 pour le spectacle 'Sounds of the Seventies', une version bootleg de la session peut être trouvée sur "The Text of Festival". C'était le rappel du Space Ritual show mais omis de cet album, apparaissant plus tard en 1976 sur l'album de compilation "Roadhawks". Il a fait partie du set live à différents moments de sa carrière, dont des versions sont disponibles sur "The Business Trip" (1994) et "Spaced Out in London" (2004).
Cette chanson commence là où les débuts éponymes ont cessé et que les rythmes de guitare Hard Rock sont devenus plus féroces et plus énergiques tandis que le délire spatial fait un voyage complet autour du système solaire.
Ce morceau totalement hypnotique commence par le son futuriste du 'générateur audio' avant de plonger dans un rythme endiablé et chanté. C'est une jam psychédélique monotone prolongée avec beaucoup de synthés, saxos, basses et batterie qui maintiennent ce rythme hypnotique acharné. Les synthétiseurs se tordent et bourdonnent comme du magma percolant. Une variété de sons, une guitare et une basse fortes, des effets sonores étranges, des voix obsédantes et bien plus encore. Le jeu de basse pulsé de Dave Anderson, le saxo énergique et ses sons manipulés par Nik Turner, les effets électroniques, les voix bizarres et les réverbérations accrocheuses de guitare rendent cette chanson unique en termes d'espace. Commençant par un synthétiseur à balayage (Del Dettmar sur un VCS3, mais pour l'électronique, Dikmik est également crédité de 'Audio Generator'), le groupe emmène l'auditeur dans un voyage implacable à travers le cosmos, avec des chants répétitifs et des jams sans fin.
Les percussions d'Ollis et les riffs constants de la guitare sont des exemples de la profondeur de l'héritage immédiat du garage rock et du psychédélisme des années 60, les motifs essentiels du groupe: mais il y a aussi des signes de progression vers de nouveaux territoires étranges dans la façon dont l'ensemble du groupe parvient à créer une atmosphère surnaturelle, et plus spécifiquement, l'entrée du générateur audio pertinente qui résume à la fois l'excitation et la terreur de voyager à travers l'espace, à travers des ténèbres mystérieuses qui pourraient aussi bien vous apporter joie ou destruction. Parfois, la cacophonie qui en résulte semble captivante, d'autres fois elle a tendance à sembler amateur, mais une chose est claire, elle est définie par un engagement sérieux envers les explorations psychédéliques de la musique.
La piste se déplace dans un riff lourd, entraîné par la guitare et la basse, planant sur les ailes d'un synthétiseur analogique chaleureux. Le saxophone de Nik Turner est astucieusement tissé dans le barrage du son, ajoutant un sentiment d'excentricité et d'individualité au son autrement austère et effronté. Les synthétiseurs sont superbes, bouillonnants et planant au-dessus du mix d'une manière incroyablement cinématographique.
Ensuite, un enchaînement presque 'Floydien' avec "You Know You're Only Dreaming" suit presque instantanément le psychédélisme incessant du morceau précédent, avec une ambiance excitante, des percussions légèrement jazzy de Terry Ollis, le jeu de flûte wah wah de Turner et des guitares spacieuses et liquides de Brock.
Les amateurs de "Piper At The Gates Of Down" n'ont aucune raison d'ignorer cette piste. L'approche décousue de "Interstellar Overdrive" se trouve ici et c'est vraiment génial. "Hawkwind" est probablement arrivé quelques années trop tard mais malgré tout, c'est une piste merveilleuse. C'est une piste qui introduit une musique plus mélodique et plus douce, pour ensuite développer une sorte de jungle sonore ambiante rassemblant différents types d'instruments. C'est une autre bonne jam, mais avec plus de guitare cette fois.
Le son de flûte manipulée de Turner caresse cette piste avec une beauté subtile, créant un paysage sonore sur lequel le reste du son du groupe est construit. La jam improvisée de ce morceau se déplace dans des vagues sonores géantes, combinant des timbres cassants et déformés avec des timbres doux et aspirés pour créer un paysage musical dense. Une fin vraiment magique résumant la piste avec un drone ambiant de saxophone et de guitare, suivi d'un rugissement tumultueux du son du groupe et d'un tourbillon de voix manipulées.
La chanson utilise le riff et le feeling de "Jackson-Kent Blues" du Steve Miller Band sur "Number 5", un artiste que Brock a reconnu comme ayant une influence sur lui. Cela aussi a été enregistré pour la session 'BBC Sounds of the Seventies' et est apparu en live à différents moments de leur carrière, notamment 'The 1999 Party '(1974) et 'The Business Trip' (1994).
C'est toujours une piste trippante mais sur un format plus solide. Principalement instrumentaux, tous les musiciens semblent trouver de l'espace pour se dégourdir les jambes sans diluer la direction de base. Brock improvise avec Turner, qui utilise le saxo filtré pendant la majeure partie du morceau. La fin apaisante est réglée avec de vrais saxophones, où vous semblez être entraîné dans l'espace profond sans destination. L'une des pistes les plus fortes ici.
Ici, un chanteur à double piste automatique (Turner ou Brock?) chante les mots, légèrement secoués par l'effet ADT. Cela donne lieu à une merveilleuse jam vraiment en studio pour laquelle Hawkwind était célèbre. Cette jam comporte beaucoup d'espace ouvert, avec des instruments suspendus aux battements de batterie dans le style le plus limpide, mais jamais de manière non musicale.
Cette mini-épopée est beaucoup mieux sous la forme éditée comme on le trouve sur certaines compilations.
Vient ensuite l'une des premières chansons de Metal Spatial de l'histoire, le destructeur "Master of the Universe", plus caustique et énervé, qui ramène l'auditeur directement aux galaxies. Les airs de musique sont basiques, simples mais le résultat est agréable. Elle n'est, cependant, pas fantastique, du moins dans cette version, et sonne même plutôt bâclé.
Plus lente que ses différentes futures versions live, la mélodie est formidable et pourrait facilement servir d'hymne aux guerriers de la galaxie. L'introduction avec les instruments apparaissant un par un est super, le chant apporte une touche mystique et les improvisations jazzy au milieu de la chanson fonctionnent très bien.
Ce classique live, apparemment joué à presque tous les concerts à ce jour, n'en est pas moins brillant, l'excellent riff de basse de Dave A étant tellement accrocheur. Son rythme bat sans cesse avec des basses et des tambours incessants et la guitare fuzz sonne métallique.
C'est l'un des points de repère déterminant du genre, produit d'un des moments où Dave Brock et Nik Turner ont pu s'asseoir et travailler ensemble: Tout commence sur un riff de guitare languissant autour duquel le groupe construit un environnement fantastique avec tous les sons spacieux du générateur audio et du synthé, des tambours hypnotiques et une riche et belle ligne de basse. En plus de cela, Nik Turner fait sa magie, en chantant ou en improvisant avec le saxophone. Le morceau se caractérise par plusieurs arrêts après lesquels le groupe décolle à nouveau, laissant l'auditeur anxieux pour une nouvelle séquence de sax déformé, de la guitare ou des voix plus étranges. Il présente même un peu de phasage pour faire bonne mesure. L'ambiance doit beaucoup à un travail sérieux en studio avec deux pistes de guitare rythmique (distorsions différentes), deux pistes de sax improvisation (également toutes deux filtrées) et des voix en arrière.
"Masters of the Universe" se termine par une explosion déformée, une conclusion appropriée à la psychédélie explosive qui a été explorée.
Et puis, des cendres du martèlement incessant de "Masters of the Universe", monte le phénix de "We Took The Wrong Step Years Ago", projetant des rayons de guitares acoustiques 12 cordes chatoyantes sur les oreilles de l'auditeur. Ce point culminant incroyablement émouvant déplace l'album immédiatement dans une direction plus douce et plus réfléchie, un peu folky, agissant comme une sorte de révélation dans l'abîme des guitares martelantes et de la batterie agressive qui l'entoure. Le son acoustique est chaleureusement accueilli après la cascade de distorsions agressives, et le scintillement des guitares ajoute un contraste bien nécessaire au disque. Les paroles de cette chanson sont d'une belle simplicité, un appel important aux citoyens de la terre à prendre soin de leur habitat.
Cette piste qui semble refléter les préoccupations environnementales qui se posaient à l'époque est une complainte pour la direction que l'humanité a prise qui apporte un changement de rythmes entraînants et convaincants avec ses passages de guitare acoustique dominants, se penchant ainsi un peu plus près de l'Acid Folk.
Le début folklorique est accompagné de mouettes qui sont finalement remplacées par le synthé produisant des sons similaires. Le reste du groupe se joint brièvement à mi-chemin, mais laisse finalement le synthé tout seul.
Ceci est suivi de "Adjust Me" qui n'est qu'une bouffée de folie improvisée et donc moins structurée. Le morceau est tout simplement étrange et progressif dans sa structure abandonnant les marques de rock familières, mais s'intègre bien dans l'album en générant des paysages sonores éthérés.
C'est une piste trippante où le groupe fait le pont entre le pur Psyché et le Space Rock, avec un générateur audio et un saxo filtré en vedette. Ce morceau est tout simplement incroyable, un ensemble instrumental mi-chaotique mi-dramatique d'humeurs cosmiques dans lequel le saxo déformé et le synthétiseur de générateur audio occupent une place centrale parmi le schéma sonore sauvage qui continue de se développer avec une volonté de fer. Hawkwind déclare une alliance sonore avec Pink Floyd de l'époque "Ummagumma" et ​​le Krautrock de leurs cousins Allemands.
C'est également l'un des premiers exemples de l'utilisation de voix manipulées par le groupe, résultant en une interprétation robotique intéressante.
"Adjust Me" suit un format similaire aux précédents jams psychédéliques qui sont présentés sur l'album, mais cette fois il y a une approche patiente et plus subtile de l'improvisation. Cette piste a plus une saveur exotique que les jams précédentes,qui est créé par le manque de distorsion et l'abondance d'instruments acoustiques qui caractérisent son son.
Le disque se termine magnifiquement avec "Children Of The Sun", qui ressemble à une version plus douce de "Master Of The Universe", avec un chant acoustique à la guitare sur les rêves de liberté spirituelle, très hippie.
Le Space Rock est entré à l'avant-garde du Rock avec cet effort incroyable des 'Space Gods" d'Hawkwind. Une grande partie du matériel de cet album sera utilisée dans l'épopée live "Space Ritual". Del Mik, Brock et Anderson sont à l'apogée de leurs pouvoirs sur ce classique.
Cela sonne différemment du reste de l'album, et en tant que dernier morceau, cela peut marquer les esprits. Il n'utilise que trois instruments: une guitare acoustique stable et grattante, une guitare électrique subtile et une flûte qui sonne comme si elle venait de sous l'eau.
Cette chanson avec un riff lent et une flûte spacieuse qui mélange Folk Rock et encore Psychédélisme aurait mérité un traitement plus long. Enregistré probablement pour être un morceau radiophonique, quelque chose a dû mal se passer et la chanson n'a pas été produite.
Cette piste résume avec brio le son du disque, avec un riff de guitare et de basse répétitif, légèrement agrémenté d'un son de flûte aspirée et des profondes réverbérations d'un gong. Cette charmante résolution de l'album laisse le disque s'envoler dans la platine, un souvenir du voyage qui a eu lieu qui conclut l'album avec le son hippie Acid Folk qui se retrouve dans tout l'album.
Plus de voix de réverbération inversée, la voix de Brock est exceptionnelle. De belles flûtes wah-wah contribuent à ajouter suffisamment de procédure pour que Black Sabbath vole rapidement le son et le mette sur leur propre "Planet Caravan", leur propre offre spatiale.
"Children Of The Sun" sonne comme une introduction d'une épopée qui n'existera jamais. Une bonne chanson spatiale qui aurait mérité bien plus si elle avait été prolongée de manière appropriée.

"In Search of Space" a remporté un grand succès commercial, atteignant le numéro 18 dans les Charts des albums Britanniques. Cet opus a offert un raffinement de l'image et de la philosophie du groupe avec la permission du graphiste Barney Bubbles et de l'écrivain de presse underground Robert Calvert, comme décrit dans le livret Hawklog qui l'accompagnera, qui sera ensuite développé dans le spectacle scénique "Space Ritual". L'auteur de science-fiction Michael Moorcock et la danseuse Stacia ont également commencé à contribuer au groupe.
C'est l'un des albums emblématiques du début des années 70, mais ce n'est pas encore un chef-d'œuvre, certains moments sont même un peu difficiles pour les auditeurs et le groupe s'est heureusement avéré capable de produire une musique encore bien meilleure.
Hawkwind a eu de nombreuses années et de nombreuses autres versions pour développer leur son, mais alors que bon nombre de leurs albums suivants sont magistraux, chaque version ultérieure les a éloignés de la véritable puissance cosmique de leur son spatial d'origine. Ce sera dans "Doremifasol Latido" et d'autres albums suivants que le groupe concrétisera sa voie musicale dans sa définition ultime, mais "In Search Of Space" montre que le groupe n'est pas seulement sur la bonne voie, il est assis au bon endroit de où le point culminant et les progrès ultérieurs peuvent être correctement démarrés.

Un peu après la sortie du disque, le groupe a changé de batteur et de bassiste, en prenant Simon King (qui restera pendant une décennie) et
Ian Fraser 'Lemmy' Kilmister (Lemmy étant un surnom venant de Lemme, abréviation de Let me a few money, qui viendrait du fait que, dans sa vie de jeune adulte, il était fauché et demandait sans cesse de l'argent à ses amis, qui ont immortalisé ainsi ce détail en le surnommant Lemmy) qui n'avait jamais joué de la basse auparavant. Robert Calvert a lentement assumé un rôle plus important en tant que chanteur juste pour avoir une dépression qui l'a hospitalisé.

Dik Mik avait quitté le groupe, remplacé par l'ingénieur du son Del Dettmar, mais a choisi de revenir pour cet album donnant au groupe deux joueurs d'électronique. Le bassiste Dave Anderson, qui avait fait partie du groupe Allemand Amon Düül II, avait également rejoint et joué sur l'album mais était parti avant sa sortie en raison de tensions personnelles avec certains autres membres du groupe. Anderson et Lloyd-Langton ont alors formé la formation éphémère Amon Din.
Pendant ce temps, Ollis démissionne, mécontent de la direction commerciale dans laquelle se dirigeait le groupe.

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L'ajout du bassiste Ian 'Lemmy' Kilmister et du batteur Simon King propulsa le groupe vers de plus hauts sommets.
L'un des premiers concerts du groupe a été un avantage pour les Greasy Truckers à The Roundhouse le 13 février 1972. Un album live du concert, "Greasy Truckers Party", est sorti après avoir réenregistré la voix.

Un single, "Silver Machine", a également été édité, atteignant le numéro 3 dans les Charts Britanniques.

Cela a généré des fonds suffisants pour l'album suivant "Doremi Fasol Latido", Space Ritual tour. Le spectacle mettait en vedette les danseuses Stacia et Miss Renee exécutant généralement des seins nus ou portant uniquement de la peinture pour le corps, l'artiste mime Tony Carrera et un spectacle de lumière de Liquid Lenet a été enregistré sur le package élaboré Space Ritual.

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"Doremi Fasol Latido" est sorti en Novembre 1972 sur le label United Artists. Enregistré au pays de Galles, dans les studios Rockfield, au Pays de Galles, entre Septembre et Octobre 1972, il est produit par Dave Brock et Del Dettmar. L'enregistrement a été rapide! Ce qui explique vraisemblablement que la production de l'album soit aussi moyenne, le son est caverneux, monolithique, et, sincèrement, ne reflète pas totalement la puissance de feu du groupe.

Hawkwind est alors constitué de Dave Brock au chant, à la guitare électrique et acoustique; de Lemmy Kilmister (basse, choeurs, chant sur un titre); de Nik Turner (saxophone, chant); de Dik Mik et de Del Dettmar ((synthétiseurs); de Simon King (batterie); et, sur scène, d'une certaine Stacia, une danseuse plantureuse qui évoluait nue ou presque, peinturlurée, pendant les concerts, partie intégrante de l'univers d'Hawkwind.

La nouvelle section rythmique composée de Lemmy et Simon King a un style notablement bien différent de la précédente. Cela a changé la direction musicale globale du groupe. Lemmy était un guitariste incompétent avoué qui a utilisé le volume et la mise en scène pour couvrir son manque de capacité. Il est devenu bassiste par accident après avoir rejoint le groupe, pensant qu'il remplaçait Huw Lloyd-Langton. Lemmy a dit: "...Je connaissais le guitariste car il a pris huit comprimés d'acide et ensuite on ne l'a plus vu depuis cinq ans...".

Cependant, Dave Brock a décidé de jouer le rôle principal et de continuer sans deuxième guitariste. Le bassiste de Hawkwind ne s'est pas présenté et Lemmy était disponible. Il a dit: "...J'ai appris à jouer de la basse sur scène avec Hawkwind… Je sors sur scène avec cette basse autour du cou, et c'était aussi une Rickenbacker. Le bassiste, comme un idiot, a laissé sa basse dans le camion. J'apprends donc. Nik Turner dit de faire des bruits en E. Celui-ci s'appelle 'You shouldn't Do That'...". Puis il s'éloigne.
Cela a, par conséquent, conduit à la technique très peu orthodoxe de Lemmy. Celui-ci a déclaré: "...Je ne joue pas comme un bassiste. Il y a de temps à autre des plaintes à mon sujet. Ce n'est pas comme avoir un bassiste; c'est comme avoir un guitariste profond...".

Les percussions de King étaient plus rythmées et 'rock' que celles d'Ollis qui étaient plus jazzy.

Rockfield Studios était à ses balbutiements et l'environnement à l'époque était spartiate, Lemmy expliquant qu'ils "...l'ont enregistré dans la grange, avant de le moderniser, avec des matelas sur les murs et tout ça...". Certains membres du groupe ont exprimé des inquiétudes quant à la qualité de la production, Simon King estimant que "...Cela sonnait comme si toutes les basses étaient éteintes, votre ampli ne fonctionnait pas correctement et votre chaîne stéréo était groupée en même temps...". et Lemmy ajoutant "...Ce n'était tout simplement pas très bien enregistré. C'était tout mince et minuscule...".
Dave Brock a expliqué leur méthode de travail: "...Nous avons enregistré la basse, la guitare, la batterie et le chant ensemble, donc c'est aussi live que possible, puis nous avons mis les autres choses après ... Nous avons simplement laissé les bandes tourner et jouer comme nous faisons quand nous jouons en live; faites une piste de trois heures, puis découpez-la en morceaux, utilisez un morceau comme section complète, et joignez-le à un autre morceau avec un lien de synthétiseur ou quelque chose ... C'est improvisé, mais c'est ensemble en premier lieu...".

De nouvelles versions acoustiques de "Down Through The Night" et "The Watcher" ont été incluses dans "The Road to Utopia" (2018), produites et arrangées par Mike Batt avec des orchestrations supplémentaires, et une apparition comme invité d' Eric Clapton sur "The Watcher".

Le package de la pochette a été à nouveau réalisé, assemblé et intitulé par le graphiste Anglais Barney Bubbles (qui a conçu également le poster inclus dans la version originale du disque) et c'est une continuation sur des thèmes qu'il a introduits avec "In Search of Space", réalisé et culminant dans le Space Ritual. Le titre fait référence à l' attribution de syllabes aux pas de l' échelle diatonique ( Do-Ré-Mi , etc.). Il fait allusion à la musique des sphères sur laquelle Barney Bubbles expose:
Le principe de base du vaisseau spatial et du rituel spatial est basé sur le concept pythagoricien du son. En bref, cela a conçu l'Univers comme un immense monocorde, avec sa corde unique tendue entre l'esprit absolu et à son extrémité inférieure - la matière absolue. Le long de cette chaîne étaient positionnées les planètes de notre système solaire. On pensait que chacune de ces sphères se précipitant dans l'espace émettait un certain ton provoqué par son déplacement continu de l'éther. Ces intervalles et harmonies sont appelés 'le son des sphères'. L'intervalle entre la Terre et les étoiles fixes étant l'intervalle harmonique le plus parfait.
Do - Mars - rouge
Re - Soleil - orange
Mi - Mercure - jaune
Fa - Saturne - vert
Sol - Jupiter - bleu
La - Vénus - Indigo
Ti - Lune - violet

La pochette d'origine est livrée dans une pochette en feuille d'argent sur fond noir, la face avant représentant une sorte de bouclier qui est devenu une identité et qui deviendra un emblème pour le groupe, utilisée sur de nombreux autres albums et pochettes individuelles.
A l'intérieur (sous-pochette), on a un dessin représentant une horde de guerriers de type barbares dans des décors futuristes, à cheval, sur fond orangé, on distingue des soucoupes volantes dans le ciel, rétrofuturisme absolu. Le gros souci concernant cette illustration qui s'étend sur une double page est qu'elle n'est pas imprimée à l'intérieur d'une pochette ouvrante, mais sur les deux côtés de la sous-pochette renfermant le disque! Au dos de pochette, on voit une illustration spatiarte assez étrange, et avec, aussi, sur la sous-pochette, un texte assez fantasy pour illustrer le propos. Le groupe possède une dimension SF / fantasy importante, Michael Moorcock, auteur de SF / fantasy, écrira des textes, des chansons pour le groupe par la suite!
Pour le fun, voici le texte de la sous-pochette (dans le phylactère), situé dans le livret CD aussi:
The Saga of Doremi Fasol Latido is a collection of ritualistic space chants, battle hymns and stellar songs of praise as used by the family clan of Hawkwind on their epic journey to the fabled land of Thorasin. The legend tells of the Hawklords last and defeated stand against the "tyranny of the corrupt forces for law and evil", but the inner sleeve has redemption in the legend : And in the fullness of time, the prophecy must be fulfilled and the Hawklords shall return to smite the land. And the dark forces shall be scourged, the cities razed and made into parks. Peace shall come to everyone. For is it not written that the sword is key to Heaven and Hell ?
(La saga de Doremi Fasol Latido est une collection de chants spatiaux rituels, d'hymnes de combat et de chants de louange stellaires utilisés par le clan familial de Hawkwind lors de leur voyage épique vers la terre légendaire de Thorasin. La légende raconte que les Hawklords derniers ont résisté pour la dernière fois à la "tyrannie des forces corrompues pour la loi et le mal", mais la pochette intérieure a le rachat (la rédemption) dans la légende: Et dans la plénitude des temps, la prophétie doit s'accomplir et les Hawklords retourneront pour frapper la terre. Et les forces obscures seront flagellées, les villes rasées et transformées en parcs. La paix reviendra pour tous. Car n'est-il pas écrit que l'épée est la clé du ciel et de l'enfer?)...

"Doremi Fasol Latido" possède un son sensiblement plus heavy que les albums précédents sans doute en raison de l'attaque féroce des cordes par Lemmy ainsi que de la sensibilité plus Rock de King.
Puissant de bout en bout, l'album est un concept album classique du Space Rock et du Hard Rock. Le groupe n'avait pas de gros moyens à leurs dispositions et le studio Gallois de Rockfield n'est pas Abbey Road ou le Record Plant de Los Angeles, loin de là. Avec les moyens du bord, le groupe a cependant réussi un disque puissant, monstrueux même qui, malgré le son, est, finalement, quasiment parfait.

C'est un disque lourd, étouffant, cavernaux, très noir au final, mais noir comme l'infini de l'Espace que le groupe ne cesse de chanter depuis maintenant deux ans.
C'est assurément l'album qui consacre le génie d'Hawkwind, après deux albums de tatonnements. Ses ambiances sont variées, mais cette hétérogénéité apparente masque en réalité une véritable cohésion. "Doremi Fasol Latido" forme un tout, un ensemble lourd et solide, et au final un recueil d'hymnes Space Rock essentiels. Il s'agit véritablement de l'album sur lequel la présence de Lemmy est la plus visible, et son influence y est déterminante dans les sonorités lourdes du disque.

Dès son entrée au sein de l'équipage, la présence de Lemmy provoque un déclic sur la direction musicale recherchée car celui-ci fait déjà sensiblement du Motörhead avant l'heure! Son arrivée au sein du groupe en 1971-72 est effectivement une étape décisive dans l'évolution du son d'Hawkwind vers des sonorités résolument Metal, sonorités que le groupe aura quelque peu tendance à abandonner à la fin des années 70 avant d'y revenir complètement dans les années 80.

La presse musicale Britannique a chaleureusement reçu l'album, Nick Kent dans New Musical Express avouant "...J'aurais honte de dire que je ne l'aimais pas...", décrivant la musique comme un accord à court de "...l'enjoliveur cosmique à haute énergie le plus fort de ce côté de la Metal Zone ...".
Andrew Means de Melody Maker a commenté que "...Ce n'est pas de la mélodie et ce n'est pas de l'harmonie, et ce n'est pas vraiment du rythme... c'est de l'ambiguïté. C'est le sillage espacé, le torrent bruyant et gargouillis de son en apesanteur qui transforme d'abord le cercle d'images mentales, d'associations et d'impressions tirées de l'espace, du temps et de la terre... L'auditeur est autant un voyageur qu'un musicien...".
Martin Hayman de Sounds Magazine a, quant à lui, décrit la musique comme "...la basse et la batterie battent avec un rythme inébranlable, des synthétiseurs tourbillonnent et sifflent autour des riffs de blocs tonitruants dont la répétition sans fin génère cette hypnose engourdie, des voix sans accord et menaçantes incantant des paroles largement incompréhensibles. Ce n'est pas pour frapper Hawkwind: le son qu'ils obtiennent est plus épais, plus complet, plus convaincant que jamais. Son effet total est assez dévastateur, mais le moyen par lequel l'effet est obtenu n'est pas une révolution dans le son...".

L'album n'offre que sept titres, mais quels morceaux!

Le disque s'ouvre en fanfare avec la très heavy "Brainstorm" qui est la première composition solo de Turner pour le groupe, et elle comporte une section médiane étendue qui sera retravaillée au fil des ans (y compris le solo de batterie de Ginger Baker en 1980). Avant son apparition sur cet album, le morceau avait été enregistré le 2 Août 1972 au studio Maida Vale de la BBC pour diffusion sur le Johnnie Walker Show avec "Silver Machine", suivi d'une apparition sur la BBC d'une heure en concert diffusée depuis Paris Cinéma le 28 Septembre 1972. Il est presque resté omniprésent dans le set live avec de nombreuses versions live en cours de sortie, et a été repris par Monster Magnet sur leur album de 1993, "Superjudge".
"Brainstorm" est le morceau le plus long de l'album, plus de onze minutes de folie spatiale et heavy. Le morceau commence directement par un riff mortel, immédiatement suivi de la basse de Lemmy et de ruades de batterie fantastiques. Un morceau qui décolle, embarque l'auditeur dans un voyage stellaire ahurissant, une décharge d'électricité constante.
Alors que cette chanson présente une nouvelle version Rock plus Hard du Rock Spatial lancé comme un missile avec le premier album éponyme, il jette immédiatement un sort hypnotique avec le groove de basse explosif de Lemmy augmenté par les bouffonneries de guitare grésillantes de Brock. La basse est plus que marquée, semblant assurer l'essentiel de la structure du morceau. Après avoir établi un contrôle ferme, la piste se transforme en véritable gazon de Space Rock.
"Brainstorm" n'est, semble-t'il, pas sans rappeller "You Shouldn't Do That", première piste du précédent opus, même si l'on a affaire, ici, à quelque chose de foncièrement plus musclé. Le changement de personnel a été d'un grand intérêt.
En écrivant cette chanson, le saxophoniste et flûtiste Nik Turner permet de lancer un excellent groove de Rock Spatial qui permet à ses compétences de souffle de montrer une frénésie époustouflante pendant le passage de folie majeure de la piste vers le milieu.
La chanson suivante, "Space Is Deep", revient à des atmosphères plus feutrées et plus acoustiques.
Les paroles sont dérivées du poème "Black Corridor" de Michael Moorcock. La première partie vocale est une pièce acoustique jouée à la fois par Dave Brock sur une guitare 12 cordes et Lemmy avec des effets électroniques en couches, la deuxième partie instrumentale étant le groupe complet dans un entraînement électrique, revenant finalement à une coda acoustique.
Le morceau a été retiré du set live en 1973 alors que le groupe s'éloignait du show Space Ritual, ne ressuscitant que brièvement pour quelques spectacles de retrouvailles en 2000, dont une version peut être entendue sur l' album "Yule Ritual".
"Space Is Deep" est un morceau d'apparence plus reposant, le chant est posé (Brock chante bien), l'ambiance est assez spatiarte, mais aussi plus floydienne que Metal. Si on excepte un passage monstrueux avec la basse, encore, qui viole littéralement les oreilles de l'auditeur, dans son centre, faisant intervenir des synthés de Dik Mik et Dettmar.
C'est ainsi une véritable ode à l'infini de l'Espace, très influencée, par exemple, par les essais folks de Led Zeppelin et magnifiée par la voix de Brock.
"One Change" est un bref instrumental calme avec une contribution aux claviers fortement en écho de Del Dettmar. Ce morceau atmosphérique n'a qu'une importance relative, il n'est là qu'en interlude... Cet instrumental, musicalement joli est une grosse bizarrerie puisqu'il est composée uniquement d'une basse et d'un piano. L'ambiance distillée par la succession des deux derniers titres est une franche réussite: l'ambiance spatiale y est à son paroxysme, l'auditeur ne peut que s'extasier devant le Cosmos qui se présente alors à lui dans toute son immensité.
La seconde face, encore plus fantastique, démarre en fanfare avec les sept minutes apocalyptiques de "Lord Of Light". Intro stellaire, floydienne, et morceau qui, rapidement, décolle.
Ce titre est chanté par Dave Brock mais demeure plus que soutenu par la présence de Lemmy dont les lignes de basse recherchées font de cette chanson un vrai titre de Speed Hard Rock avant l'heure, toujours émaillé de quelques touches psychédéliques.
La basse de Lemmy est vraiment mortelle. Dire qu'il a empoigné la basse pour rendre service au groupe, lui qui n'était, avant, qu'un simple roadie! Sur cette chanson, la basse fait encore des merveilles et c'est elle qui mène la danse.
Une version éditée de "Lord of Light" (voir "Lord of Light" de Zelazny) est sortie en single en Allemagne en Juin 1973, soutenue par une version éditée de "Born to Go" de l' album "Greasy Truckers Party".
Ce morceau a été retiré du set live au milieu des années 1970, mais réintégré pour la tournée "Alien 4" de 1995, une version étant publiée en face B du single "Love in Space" de 1997.
"Down Through the Night" est un autre morceau acoustique, une sorte de ballade Folk futuriste écrite par Brock avec de l'électronique en couches, des flûtes et des voix à écho inversé. Pour le set Space Ritual, il comportait la bande électrique complète.
C'est une pure merveille, douce, l'exact opposé des deux morceaux qui la sandwichent sur l'album. Le chant de Brock est parfait, et les flûtes suramplifiées et les guitares sont de retour pour cette nouvelle comptine à la gloire de l'Espace.
"Down Through The Night" offre, dans les faits, un autre répit plus doux mais il ne se contente pas de copier et de dépasser "Space Is Deep", il crée plutôt un mélange angulaire frénétique d'une grosse instrumentalisation de guitare acoustique avec des sons de flûte chuchotant dans l'espace résonnant du ciel. Les vents électroniques fortifiés imitent un ouragan avec certaines des voix les plus répétées de tout l'album.
Titre Doom ralenti au son résolument Metal, "Time We Left (This World Today)" est une chanson en quatre mouvements, le premier étant un appel scandé et une réponse déplorant la direction dans laquelle la société se dirigeait dans la même veine que Brock explorait avec "We Took the Wrong Step Years Ago". Le deuxième mouvement est un passage de dissonance instrumentale menant au troisième mouvement mettant en vedette une puissante basse et un échange de guitare solo, revenant finalement au premier mouvement. Il est apparu dans le set Space Ritual avec "Paranoia" remplaçant la section centrale, et a également fait une apparition en 1989-1991 avec "Heads" comme section centrale, comme on peut l'entendre à Palace Springs.
C'est une longue jam bien Boogie sur laquelle Lemmy est encore une fois énormément mis en valeur, puisque sa basse ronronne de façon omniprésente et qu'il assure les choeurs..
Ce déluge de puissance avec une ambiance bien prenante ressemble d'ailleurs parfois à s'y méprendre aux premiers essais Doom psychédéliques de Black Sabbath. Le morceau est un petit peu long, mais quelle transe, là encore, et quelle basse! Les saxophones saturés et les phrases répétées en boucle sont de nouveau de sortie, et la fin du morceau se perd dans les constellations d'improvisations infinies lourdes et mégalithiques.
C'est une autre méthodologie complètement différente avec des riffs de guitare bluesy Heavy et des voix d'appel et de réponse des différents membres. Bien que les effets sonores électroniques soient présents, ils sont atténués en toile de fond. Les guitares sonnent légèrement désaccordées, ajoutant une touche de dissonance avant-gardiste qui permet à la piste de se développer en mouvements progressifs plus bizarres qui, malgré une puissance constante sur la piste, trouvent l'interaction instrumentale de plus en plus expérimentale et libre. Les rythmes syncopés et le chant tombent dans un brouillard psychédélique d'un groove répétitif avec des changements subtils qui évoluent en de nouvelles variations.
L'album se clôt enfin sur "The Watcher", petite chanson acoustique spacieuse avec fuzz-bass chantée par Lemmy. C'est aussi la première composition de Lemmy pour Hawkwind qui a été appelée la toute première chanson de Motorhead.Bien qu'il ne soit interprété que sur une guitare acoustique avec une basse floue, ce morceau psychédélique qui raconte la destruction de la Terre par la cupidité humaine du point de vue de l'espace, a le style de Lemmy estampillé partout.
Les paroles ont été écrites du point de vue de quelqu'un de loin (peut-être Dieu ou une race de maîtres extraterrestres) regardant les habitants de la Terre se détruire par leur propre cupidité. C'est la seule chanson de l'album qui ne figurait pas dans le set Space Ritual, mais elle a fait une brève apparition en 1973 et 1974, comme on peut l'entendre sur "The 1999 Party", légèrement réarrangé comme une performance de groupe plus uptempo.

"Doremi Fasol Latido" est devenu un véritable monument de l'Histoire du Rock et Hawkwind était au sommet de son art après que cet album soit entré en scène.
L'énergie Rock explosive de Lemmy était finalement exactement ce qui manquait au groupe dans leurs premières années et les conduira à traverser la meilleure période de leur carrière jusqu'à ce qu'un Lemmy agité découvre que la musique Heavy Metal était sa véritable vocation.
Avec le single non-album "Silver Machine" dans le top 40 et la tournée réussie, le succès énorme de cet album et la popularité du matériel qui le compose sera les principaux ingrédients musicaux de l'album live monumental du groupe en 1973 "Space Ritual", qui présentait tous les morceaux de "Doremi Fasol Latido" à la seule exception de "The Watcher".

Au plus fort de ce succès, en 1973, le groupe sort le single "Urban Guerrilla", qui coïncide avec une campagne de bombardements de l'IRA à Londres, donc la BBC refuse de le jouer et la direction du groupe décide à contrecœur de le retirer par crainte d'accusations d'opportunisme, bien que le disque ait déjà grimpé au 39e rang des Charts Britanniques.

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"Space Ritual", ou "The Space Ritual Alive in Liverpool and London" est sorti en 1973 sur le label United Artists.
La pochette est à nouveau réalisée par Barney Bubbles.

C'est le premier album live du groupe, enregistré lors de deux concerts de la tournée de promotion de l'album "Doremi Fasol Latido", donnés le 22 Décembre 1972 au Liverpool Stadium et le 30 Décembre au Brixton Sundown. Il est composé majoritairement de titres de "Doremi Fasol latido", mais comporte aussi de multiples interludes (notamment des poèmes de Robert Calvert et de Michael Moorcock) qui relient les titres entre eux pour donner un concert sans interruption.

Trois nouveaux titres ("Born to Go", "Upside Down" et "Orgone Accumulator") font aussi leur apparition sur cet album. Cependant le hit single "Silver Machine" n'est pas présent sur cet album et seul "Master of Universe" provient des deux premiers albums du groupe.

"Space Ritual" est un excellent document de la formation classique de Hawkwind, composée de Dave Brock, guitare et chant; de Robert Calvert, narration; de Nik Turner, saxophone, flûte et chant; de Lemmy Kilmister, basse et chant; de Dik Mik et Del Dettmar , synthétiseur; et de Simon King, batterie. soulignant le statut du groupe en tant que pionnier du Space Rock.
En tant que 'groupe populaire' par excellence, Hawkwind a porté l'idéalisme contre-culturel des années 60 dans les années 70, jouant constamment, jouant partout où il y avait un public, et même jouant gratuitement pendant cinq jours consécutifs en dehors du Festival de l'île de Wight de 1970. Les performances multimédias du groupe étaient l'accompagnement parfait pour explorer l'espace intérieur et imaginer l'espace extra-atmosphérique.

Bien que non concerné par les pièges matériels du Rock, Hawkwind étaient, ironiquement, parmi les groupes de travail les plus durs en Grande-Bretagne, avec en moyenne une émission tous les trois jours au cours de l'année précédant ces enregistrements. Compte tenu de toute cette pratique, il n'est pas surprenant que les performances rassemblées ici soient incroyablement abouties.

Le spectacle 'Space Ritual' a tenté de créer une expérience audiovisuelle complète, représentant des thèmes développés par Barney Bubbles et Robert Calvert mêlant le fantasme des 'starfarers' dans une animation suspendue voyageant à travers le temps et l'espace avec le concept de la musique des sphères. La performance a présenté les danseuses et danseurs Stacia, Mlle Renee, Jonathan Carney et Tony Carrera, mis en scène par Bubbles, un lightshow par Liquid Len et des récitations de poésie par Calvert. En entrant dans la salle, les membres du public ont reçu un programme (reproduit sur le CD remasterisé de 1996) avec une courte histoire de science-fiction de Bubbles mettant le groupe dans un scénario de retour sur Terre de Starfarers.

La version originale comportait des modifications et des overdubs, les notes de la pochette expliquant que "...Nous avons dû couper un morceau de "Brainstorm" et de "Time We Left" parce qu'ils étaient trop longs...", mais l' album de 1985, "Space Ritual Volume 2" contient les versions complètes non éditées. Une version éditée jusque-là inédite de "You Shouldn't Do That" (avec un "Seeing It As You Really Are" non répertorié) de ce concert a été incluse sur l' album de compilation "Roadhawks" de 1976, puis incluse en bonus sur le CD remasterisé de 1996. La version intégrale non éditée de la piste se trouve sur l' album "Hawkwind Anthology".

Le spectacle de la tournée Space Ritual avait été conçu comme un opéra de Rock Spatial, son mélange d'électronique de science-fiction, de grooves psy-fi fascinants et de jam lourde et terrestre, ponctué d'interludes de mots parlés du poète astral Bob Calvert. Bien que ses réflexions intergalactiques datent de l'album, apparaissant maintenant comme du futurisme de camp, elles fournissent toujours des préambules atmosphériques appropriés aux sons stupéfiants et déformants de Hawkwind. Le récital maniaque de Calvert de "Sonic Attack" de Michael Moorcock, par exemple, est un exercice de tension qui explose par la suite sur le remuant "Time We Left This World Today"; avec le saxo d'un autre monde de Nik Turner, la distorsion de guitare de Dave Brock et la section rythmique terrienne de Simon King et Lemmy, ce morceau offre un plan pour le matériel le plus puissant de l'album.
Un autre inédit, "Orgone Accumulator", dix minutes de Reich & Roll hypnotiques (Wilhelm) pourraient être le chaînon manquant entre Booker T. et Stereolab.
Une publicité de 1973 décrivait "Space Ritual" comme "88 minutes de lésions cérébrales"; cette caractérisation est toujours vraie.
A noter que "Sonic Attack" était prévu pour une sortie en single, des copies promotionnelles étant distribuées dans une pochette en tissu, mais il n'a jamais reçu de version complète.

Le disque est entré dans le Top 10 dans les charts Britanniques en se classant à la 9e place et il sera le premier album du groupe à entrer dans le classement du Billboard Top 200, au numéro 159, aux États-Unis.
Dans la Classic Special Edition 'Pink Floyd & The Story of Prog Rock' de Q & Mojo, l'album est arrivé numéro 8 dans sa liste de "40 Cosmic Rock Albums". L'album a également été inclus dans le livre '1001 Albums You Must Hear Before You Die' au numéro 276.

Après la sortie de "Space Ritual", le chanteur Robert Calvert s'est mis en retrait du groupe pour enregistrer son premier album solo, "Captain Lockheed and the Starfighters", et le joueur d'électronique Dik Mik Davies a quitté le groupe en 1973 après un concert donné à Rome pour s'y installer, laissant le groupe à cinq.

En Novembre et Décembre 1973, Hawkwind a entrepris sa première tournée live en Amérique du Nord avec dix dates. Pendant ce temps, Del Dettmar a acheté un terrain près de Calgary au Canada et il a signalé au groupe son intention d'émigrer plus tard, lui et sa femme enceinte.

Le groupe a continué de faire de nombreuses tournées en Grande-Bretagne et en Irlande de Décembre à Février sous la bannière "The Ridiculous Roadshow with the Silly Hawkwind Brothers". À cette époque, leur set live avait été réorganisé et contenait ce qui allait devenir la majeure partie de cet album.

Deux dates, les 25 et 26 janvier 1974, au Edmonton Sundown ont été l'occasion d'auditionner Simon House en tant que remplaçant de Dettmar, comme claviériste et violoniste. House était un ancien membre du groupe de Rock Anglais, High Tide, qui partageait la même société de management, Clearwater Productions de Douglas Smith.
Ces dates ont été enregistrées professionnellement, avec les performances de "You'd Better Believe It", "Paradox" et "It's So Easy" qui apparaitront sur l'album et les singles, mais avec des overdubs en studio.

Le groupe est retourné en Amérique du Nord une seconde fois pour une tournée plus complète de 22 dates en Mars et Avril sous la bannière "1999 Party", emmenant tout leur entourage avec eux, notamment la danseuse Stacia, MC et DJ Andy Dunkley, un spectacle de lumières de Jonathan Smeeton (Liquid Len) et le soutien, en première partie, de leurs camarades du label United Artists Records, Man.
Bien que Dettmar n'ait pas encore quitté le groupe, House a rejoint le groupe pour cette tournée, mais n'ayant pas le permis de travail approprié, ses performances étaient strictement non officielles.
Les spectacles de Chicago et Detroit des 21 et 23 Mars ont été enregistrés professionnellement, le premier étant sorti en 1997 sous le nom de "The 1999 Party".

Del Dettmar a finalement annoncé qu'il quittera le groupe après l'enregistrement du prochain album pour s'installer définitivement au Canada.
A son retour, le groupe s'est installé à Clearwell Castle, dans la forêt de Dean, dans lequel un studio d'enregistrement et de répétition avait été installé, non loin de la frontière du Pays de Galles pour répéter ses nouveaux titres.

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Hawkwind est ensuite entré dans les Olympic Studios de Londres pour enregistrer leur nouvel opus,"Hall of the Mountain Grill", en Mai et Juin, avec l'aide des producteurs Doug Bennett et Roy Thomas Baker.
Les singles principaux "Psychedelic Warlords (Disappear In Smoke)" / "It's So Easy" au Royaume-Uni et une version alternative de "You'd Better Believe It" / "Paradox" en France et en Europe ont été publiés le 2 Août, suivi de l'album le 6 Septembre.
Ces quatre morceaux sont apparus sur la réédition 2001 du CD de l'album par EMI.
Un EP avec "The Psychedelic Warlords", "Hall of the Mountain Grill", "D-Rider" et "Wind of Change" est sorti en promo aux Etats-Unis en 1974.

"Hall of the Mountain Grill", sorti en 1974, est considéré par de nombreux critiques comme un moment fort de la carrière du groupe, en studio. Il est sorti le 6 Septembre 1974 sur le label United Artists et a été produit par Roy Thomas Baker, Doug Bennett et Hawkwind.
C'est le premier album d'un nouveau line-up qui comprend Simon House au synthétiseur, Mellotron et violon électrique.
Le titre de l'album était un clin d'œil à "In the Hall of the Mountain King" d' Edvard Grieg et à un café de Portobello Road appelé The Mountain Grill (maintenant fermé), fréquenté par le groupe au début des années 1970. La couverture de la pochette, un vaisseau spatial abandonné dans les brumes d'un lagon extraterrestre a été peinte par le collaborateur artistique régulier du groupe, Barney Bubbles. Le verso a été réalisée par l'artiste spatial David A. Hardy.

Au moment de la sortie de l'album, Simon King a déclaré: "L' album Doremi manquait de production. Je n'étais pas vraiment content du Space Ritual non plus. Mais le nouveau - j'en suis assez content. J'aime la première face parce que je pense c'est quelque chose que nous n'avons jamais fait auparavant. Ouais - je suis satisfait de la moitié du nouvel album." Lemmy a commenté plus tard que "Pour moi, c'était quand le groupe était à leur apogée. Oh, et j'étais dans le groupe à l'époque." (Classic Rock, Avril 2006), le classant comme n ° 3 dans "My Top British Rock Albums".

Après avoir sorti des disques à un rythme uniforme d'un par an depuis 1970, le groupe s'est consacré à des tournées constantes pendant un certain temps (mettant en scène leur set séminal Space Ritual), ce qui a à son tour déclenché un changement d'attitude et de personnel. Le violon classique et l'épopée Mellotron joués par le nouveau venu Simon House ont introduit une grandeur presque symphonique au son de Hawkwind, renforçant les obsessions cosmiques du groupe au nième degré, comme l'illustre le paysage de rêve extraterrestre lumineux représenté sur la couverture arrière.
Avant d'entrer dans la musique, la pochette à elle seule est devenue une icône du Rock, élue comme l'une des meilleures pochettes d'album de tous les temps dans de nombreuses listes d'albums respectées. Le vaisseau spatial Hawkwind s'est écrasé sur cette couverture, un symbolisme prophétique peut-être d'albums à suivre qui manquent parfois la cible.

"Hall of the Mountain Grill" est un changement majeur dans le son par rapport à l'album studio précédent, "Doremi Fasol Latido", et c'est un excellent album, mais il peut ne pas être totalement satisfaisant pour certains amateurs très accros au groupe Hawkwind brut à l'ancienne, mais c'est quasiment un joyau Psyché Prog.
L'arrivée de House a coïncidé avec un changement de direction assez spectaculaire pour le gtroupe. Le Mellotron et le violon électrique de House ont finalement réussi à éthérifier le son de Hawkwind.
Il est vrai qu'avec cette sortie de 1974, les fans de Hawkwind ont été un peu choqués avec le nouveau son du groupe car Hawkwind est devenu plus mélodique! Les chansons ont une construction plus complexe que tout ce qu'elles ont essayé auparavant, avec des vers déclamatoires, un peu de ponts musicaux et un beau refrain mellotronné.
Pourtant, la musique est toujours indéniablement Hawkwind. Des rythmes insistants et implacables, des sons psychédéliques et un fond de Heavy Rock. Avec l'ajout de Simon House, Hawkwind a également adopté une approche très symphonique qui distingue vraiment "Hall of the Mountain Grill" des albums précédents.

A ce stade de leur carrière, c'est certainement leur meilleur opus, même si "Space Ritual" était excellent. le line up: Dave Brock, Lemmy, Nik Turner, Del Dettmar, Simon King et le nouveau venu Simon House, anciennement du groupe de Hard Rock des années 60, High Tide.
Cela semble beaucoup plus mature et professionnel. Et la pochette est tellement bien faite, particulièrement la photo au verso qui est incroyablement belle.

Les musiciens ont un sens du timing incroyable alors qu'ils font tourner une piste après l'autre. Sur ses meilleurs moments, le groupe est assez excitant avec de belles sections expérimentales.
L'ajout des Mellotrons tourbillonnants et du violon n'a fait qu'améliorer les atmosphères spatiales et trippantes du groupe.

Image Stacia

"Hall of The Mountain Grill" est un essai méritant d'Hawkwind pour ouvrir leur son dense et introduire des éléments symphoniques dans leur obscurité. Le son, en particulier le mixage de jeu de guitare à volume élevé et de claviers électroniques ("The Psychedelic Warlords", "D-Rider"), sera plus tard coopté par des groupes telles que Blue Öyster Cult ("(Don't Fear) The Reaper") et Kansas.
Le nouveau son a été mieux réalisé sur des morceaux comme "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", "D-Rider" et "Paradox". Le côté Rock est toujours bien diffusé sur des morceaux comme "You'd Better Believe It" et "Lost Johnny" (enregistré par la suite par Motörhead et aussi par le co-scénariste Mick Farren avec son groupe The Deviants), sur lequel Lemmy monte au micro! Simon House a une belle entrée en solo dans "Hall of the Mountain Grill".

La musicalité est excellente et chaque piste se fusionne pour offrir une expérience sonore globale contrairement à tout autre album de Hawkwind.
Dans l'ensemble, l'album a une qualité de production claire, nette et convenablement spacieuse, ne basculant heureusement pas dans une bouillie imbibée d'écho, chaque instrument étant clair et distinct. Cet album a marqué l'introduction par le groupe de morceaux plus ambiants et mélodiques, ou, parfois, de parties de morceaux. Ce faisant, le groupe a démontré qu'il était en fait extrêmement adaptable.
À la suite du départ de Robert Calvert, le chant principal de l'album est tenu par Dave Brock, avec Lemmy sur "Lost Johnny" et Nik Turner sur "D-Rider".

Avec l'arrivée de Simon House, Hawkwind a commencé une variation plus élégante de sa tendance psychédélique cosmique: la maîtrise de la magie de House sur le Mellotron et le violon électrique (en plus de quelques autres claviers) a contribué à ajouter une sorte de sensation orchestrale au son massivement énergique du groupe, en le décrivant de la manière la plus rafraîchissante. En fait, malgré cette nouvelle source de délicatesse sonore, la musique de Hawkwind est devenue encore plus oppressive et moins prévisible également: les couches de mellotron ont servi de complément approprié aux riffs de guitare de Brock et d'une contrepartie spatiale pour la section rythmique enthousiaste, House apportant une énorme atmosphère surnaturelle qui sert de contrepartie puissante aux efforts combinés de Brock, Lemmy et King.
Les rôles de Del Dettmar et Nick Turner semblent avoir souffert, en quelque sorte, de l'incorporation et de la contribution du nouveau venu, bien que Turner puisse encore occuper le devant de la scène de temps en temps avec quelques fioritures au saxophone (comme dans le morceau d'ouverture) et à la flûte, en plus de quelques lignes étranges sur le hautbois. La position de Dettmar était beaucoup plus menacée: malgré les ambiances productives fournies par ses parures de synthé solides pour des morceaux tels que "D-Rider" ou "You'd Better Believe It", le fait est qu'il y avait, certainement, un claviériste de trop dans le groupe. Ses interventions étaient évidemment devenues beaucoup moins pertinentes pour les attaques sonores rénovées du groupe. Il ne prendra pas trop de temps avant de prendre congé: en fait, Brock était en charge de quelques trucs synthétiques supplémentaires avant le départ de Dettmar.

Avec "Hall Of The Mountain Grill", Hawkwind s'est imposé comme un maître dans son art. Mélangeant des emprunts de Hard Rock et de Heavy Metal des années 70 avec des sons spatiaux et une construction de chansons psychédéliques, cet album allie le Hawkwind familier de l'ancien avec un nouveau style qu'ils perfectionnent. Là où, comme sur les albums précédents, le son était presque un océan de sons impénétrables et désordonnés, ce qui fonctionnait bien, ce qu'ils jouent sur le disque est beaucoup plus propre, et les voix ont enfin une place où il n'y en avait pas grand-chose pour elles auparavant. Dans l'ensemble, cet album montre Hawkwind à un moment parfait de sa carrière.
Avec le riff propre de "Psychedelic Warlords", on peut dire que le groupe a beaucoup changé; des voix harmonisées viennent prendre le relais des voix là où le groupe faisait auparavant des compromis et c'est une bonne chose car cela ajoute à cette atmosphère mondaine extérieure. Cela aide aussi parce qu'aucun de ces gars n'est un chanteur vraiment fantastique, mais mis ensemble, ils forment un mélange intéressant. Les chansons semblent avoir pris une structure plus ordonnée qui n'est ni bonne ni mauvaise, juste différente, car leurs travaux précédents sur des albums comme "In Search Of Space" semblaient beaucoup plus improvisées et cela a fonctionné dans le contexte de l'album.

Basculant de manière transparente entre les chansons chantées et les instrumentaux avec leur marque de fabrique, cet album semble toujours cohérent.
Les instrumentaux de l'album ressemblent plus à une version diabolique de Pink Floyd qu'à ce que Hawkwind fait habituellement. Des chansons comme "Winds Of Change" et la chanson titre ont une sensation très 'space' tout en conservant la poussée d'énergie de Hawkwind.
L'espace de Hawkwind est un endroit très sombre et effrayant, mais cet album est un tel voyage cosmique que l'on peut que le recommander. On peut même dire qu'il n'y a aucun autre groupe qui emmène l'auditeur dans les endroits où Hawkwind le fait.
Le meilleur album studio du groupe, issu du succès de "Space Ritual". Les racines Rock du groupe sont juxtaposées efficacement avec les fioritures de synthétiseur et les idées de chansons plus prétentieuses, créant le disque de Space Rock par excellence axé sur la guitare.

Symptômes de douleurs de croissance inévitables, peut-être, pour un groupe de musiciens étrangers soudainement affligés de succès et de renommée. Il est possible que la notoriété de leur single "Urban Guerrilla", avorté à la hâte, ait également fait peur au groupe. Quelle que soit la motivation, Dave Brock et sa société faisaient une tentative courageuse de mettre à niveau leur identité impolie et de devenir respectables.
Tous les membres du groupe sont en forme et l'écriture des chansons montre à quel point ils étaient créatifs à l'époque.
Dave Brock (chant, guitares, orgue, synthétiseurs), Del Dettmar (claviers, kalimba), Simon House (violon, mellotron), Lemmy Kilminster (basse, chant, guitares), Simon King (batterie) et Nik Turner (sax, hautbois) , flûte, chant) font un excellent travail avec les instruments. On entend de beaux accents, des violons, des saxos et quelques sons spacieux dans une musique Hard Rock plus brute. Ce n'est absolument pas du Prog Symphonique mais une autre facette de ce paradis.

Cet effort n'a pas de moments faibles et la brutalité de la musique est unique car ce n'est absolument pas du Metal ou juste du Hard Rock. Il semble avoir été inspiré par des groupes de Krautrock mais aussi du pur Rock'N'Roll. Il a un son intéressant.
De l'ouverture d'auto-mythologie "The Psychedelic Warlords (Disappear In Smoke)" jusqu'au délire d'un"Paradox", "Hall Of The Mountain Grill" est un album passionnant, cohérent et parfois même magnifique.

Les choses commencent bien avec l'excellent morceau d'ouverture, "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", qui est un exemple clair du son classique rafraîchi du groupe. Psychédélique et Hard, il est propulsif comme l'enfer avec des ondes électriques, donnant naissance au riff de guitare menaçant, une bonne jam, les mucisiens tous dans le groove avec Simon House et Nik Turner qui se démarquent.
C'est l'exemple suprême de l'attrait de Hawkwind, un voyage spatial à la fois entraînant et mélodique qui accroche l'auditeur et le jette carrément dans le vide.
L'effrayante et courte intro est superbe dans sa construction. Le chœur de voix commence à chanter le thème de la chanson, envisageant les possibilités d'échapper à la grisaille de la vie quotidienne. Le motif construit se transforme en une longue improvisation hallucinogène, avec les mélodies de saxophone dissonantes et un beau solo de saxo de Turner, quelques lignes de basse proéminentes de Lemmy, des passages instrumentaux surréalistes intéressants et un écho chaotique révéré. Cependant, il est également syntonisé avec un pont musical accrocheur. L'excellent riff de guitare est souligné par le Mellotron, et une belle improvisation au saxophone par Nik Turner à mi-chemin de la chanson. Tout dérive dans une jam psychédélique, atteignant un point optimal.
Son motif rythmique est devenu, en quelque sorte, une déclaration officielle du Space Rock avec la guitare rythmique typique et un rythme simple mais efficace dans une ambiance brumeuse avec des effets d'écho atmosphériques pour briser la monotonie.
La chanson disparaît dans un épais mur de vent soufflant, qui évoque alors un très beau et dramatique morceau instrumental, mélodie principale dessinée par un violon sur des reflets orchestrés.
"Psychedelic Warlords" apparaît sur bien d'autres albums, mais c'est sans aucun doute la meilleure version, tordant et tournant bien plus que les quatre dimensions habituelles, et explosant littéralement dans le sombre paysage sonore de "Wind of Change", le Hammond annonçant quelque chose comme une version plus sombre de "A Saucerful of Secrets" (la section vocale), magnifiquement construite, la basse de Lemmy fournissant une énorme quantité de pulsion, et des accords douloureux balayant le multivers du plaintif Mellotron de Simon House.
Quant à leur penchant pour alterner des morceaux de Rock avec des morceaux électroniques, quel meilleur manuscrit que le morceau suivant, le fabuleux "Wind of Change", une belle pièce ambiante majestueusement symphonique, mais alourdie par une mélancolie cachée alors que les Mellotrons explosent en avant, le violon House caresse les horizons sonores avec une habileté remarquable, un classique du rock progressif.
Avec cet excellent jeu de claviers, ironiquement, c'est probablement le meilleur morceau du disque. L'aventure symphonique instrumentale est, en quelque sorte, une vitrine de la finesse de House au violon, tandis que Brock affiche les accords de base à l'orgue d'une manière très Pink Floydien.
C'est un beau morceau, même s'il n'est pas caractéristique et bien plus symphonique que ce à quoi on est habitué dans ce groupe. Il utilise des couches de synthétiseurs lents et des violons pour créer une ambiance aérienne et mélancolique.
Il s'ouvre sur une explosion alors que des vents violents entrent en jeu. L'orgue et les synthés font une introduction fantastique. La batterie entre ensuite légèrement, bientôt rejoint par le violon de House. C'est tellement relaxant et beau à la fois. Il se termine par des synthés spatiaux.
Spacieux, glorieux, c'est presque du 'Morricone'. Cette chanson rappelle dramatiquement l'atmosphère fabuleuse de "The Good, The Ugly and The Bad" ou de "Once Upon A Time In The West". Superbe violon et thème fantastique et hypnotique.
Jonathan Smeeton (Liquid Len) a déclaré que Brock avait spécifiquement écrit "Wind of Change" pour une séquence de diapositives particulière qu'il avait eue lors de la tournée Space Ritual (un arbre englouti par une ville, puis la ville s'effondrant avec l'arbre restant).
Les compositions sont toutes très bien travaillées et agréables comme le très mélodique et plutôt surprenant "D-Rider" qui est la composition de Turner, avec une intro de saxophone quasi primitive façon Roxy Music qui s'installe dans un autre voyage cosmique, mis en valeur par un jeu de batterie grinçant au milieu des synthés vaporeux et des riffs de guitare.
Cela rappelle les débuts de Pink Floyd, sauf pour les synthés spatiaux avec le Mellotron.
"D-Rider" propose des claviers planants luxuriants. Le riff de guitare est encore une fois très typique. En fait, Hawkwind est si heureux de jouer ce strumming rythmique d'inspiration moyen-orientale qu'ils l'ont surfait et ont utilisé exactement le même riff et le même rythme sur le dernier morceau de l'album, "Paradox".
La chanson oscille entre dépressions internes anxieuses et explosion de soulagement en vers cosmique grandiose, mais quelle mélodie vocale!
Les voix fortement phasées et tourbillonnantes évoquent l'ère psychédélique, tandis que les accords plutôt tonitruants suggèrent du Heavy Metal beaucoup plus tardif, des tambours pétillants et un accompagnement riche qui vont hardiment là où aucun groupe n'est jamais allé auparavant, dans les dimensions intérieures de votre esprit; reliant cela à l'univers extérieur, le sax éthéré de Turner et le rythme tranchant de Brock attaquent brillamment les champs de bruit denses, tandis que les lignes de basse de Lemmy se tordent et enroulent des flux de conscience à travers les éthers des générateurs de sons toujours sifflants et hurlants.
L'agréable Space Folk "Web Weaver" avec une guitare acoustique et une foule de sons qui descendent du ciel apporte une détente momentanée avant de se perdre dans l'espace.
C'est une courte chanson sur un thème de Hawkwind avec une première moitié forte et une seconde moitié instrumentale sous-produite. Les célèbres paysages sonores électroniques prenant une chanson par ailleurs assez simple aux proportions cosmiques, l'ambiance est relevée avec un petit piano de style gospel et des harmonies vocales épaisses.
Ce morceau sonne presque San Francico vers 1968, Hippy-Trippy avec une jam fulgurante qui est des plus concluantes.
Il utilise aussi exactement les mêmes idées que "Paradox", mais cette fois, c'est la mélodie vocale qui est copiée. Il rappelle un peu "You Know You Only Dreaming" de l'album "In Search of Space".
La seconde face du vinyle commence par le punch classique plus Heavy de "You'd Better Believe It" qui est tiré d'un concert live et il a un son différent de celui du studio. Il représente assez bien le Space Metal du groupe à cette époque.
C'est un morceau assez simple avec un son Hawkwind classique, mais c'est vraiment bon.
Il s'ouvre avec un travail de synthés spatiaux qui sonne presque avant-gardiste, au fur et à mesure que la batterie entre en jeu. King joue magistralement en fournissant une confusion rythmique jusqu'au début des vocaux. Il prend un son plein rapidement. C'est un voyage fantastique et sauvage et le rythme magnifique s'accentue.
Les voix sont fournies par Dave Brock et Lemmy en harmonie, et les mélodies quasi orientales évoquent des parties de "Brainstorm". Il y a un étrange optimisme qui brille à travers les paysages sonores sombres et des voix de synthé dérangeantes, alors que les rythmes s'accélèrent et ralentissent, prouvant que l'instabilité est familière à toutes les chansons de Hawkwind, Lemmy et King fonctionnant parfaitement en tandem sous les accords de puissance de Brock. Un violon plane au-dessus de cette texture, donnant une étrange saveur Country et occidentale que l'on penserait ne pas pouvoir fonctionner, mais TOUT fonctionne dans le monde sonore de Hawkwind. Une section médiane donne aux musiciens une scène pour étendre leur métier.
C'est certainement l'un des meilleurs morceaux avec des riffs de guitare tueur et un mur de sons avec des guitares fuzz et des saluts de batterie chargés partout. C'est un véritable 'blitz' progressif.
Ce n'est pas une musique complexe mais très puissante, surtout dans un contexte live. C'est, d'aillieurs la chanson que le groupe a aimé jouer en live à de nombreuses reprises.
Le joli morceau "Hall Of The Mountain Grill" est une composition qui recherche à nouveau la beauté interstellaire au milieu des tempêtes cosmiques. C'est la seule composition de Simon House, une sonate instrumentale sombre et dramatique au piano, qui rappelle une scène d'un film de science-fiction teinté d'horreur.
Il est tout simplement étrange et progressif dans sa structure abandonnant les marques de rock familières. En fait, il sonne étrangement comme le thème de "Picnic at Hanging Rock" où les écolières escaladent la montagne vers leur destin en disparaissant mystérieusement de la planète.
C'est en fait une courte transition sombre emmenée par le piano et la guitare dans laquelle un violon multicouche et un mellotron éthéré suivent les progressions d'accords de piano à queue: un autre moment de soulagement, construit cette fois dans une pure beauté romantique.
Ce morceau est là pour rappeler une certaine réminiscence avec la musique spatiale. Aérien et plein de tranquillité.
Les textures somptueuses de la chanson titre sont une sorte d'introduction luxuriante et satie-esque à "Lost Johnny" qui est quelque chose de complètement différent, brut mais accrocheur, composé et chanté par Lemmy, mais habillé en sons de Hawkwind.
Un Rock assez sympathique et efficace avec une légère touche bluesy prédisant sa prochaine carrière chez Motörhead, mais s'écartant peut-être un peu du sentiment plus réfléchi et plus élancé des autres chansons de l'album.
Pour le moment, sa voix n'est pas aussi rocailleuse que dans Motörhead. Un gros morceau de rock éraflé, que le bassiste réutilisera plus tard dans une version accélérée sur le premier album de son futur groupe.
C'est un conte sombre et effrayant qui est prétendument à propos d'un personnage qui a traîné dans le bosquet de Ladbroke. Les références constantes à la drogue en font un compte rendu particulièrement déchirant du côté sombre de cette célèbre scène underground de la fin des années 1960 à Londres.
Poursuivant sur ce thème, un morceau servant d'intro au suivant, "Goat Willow" est un court instrumental éthéré et obsédant composé par Dettmar avec un somptueux duo de flûtes en écho de Turner qui alimente directement ce qui est probablement le meilleur morceau de l'album, "Paradox".
C'est juste une courte vision auditive particulière, une brise synthétique qui sert d'intermède: Clavecin, synthés et flûte ouvrent la voie avec un gong de King.
Cet album classique impressionnant se termine par le morose "Paradox" qui imite à peu près la structure de "Psychedelic Warlords", bien qu'il soit moins puissant. Il sonne aussi similaire à "D-rider" au début, mais il contient un passage puissant avec un riff space metal efficace.
Cette chanson a des paroles métaphoriques vraiment brillantes, et la composition elle-même se construit à partir de progressions d'accords mineurs puissants mais simples.
Enregistré à partir d'un concert live, elle commence avec un riff typique de Hawkwind, Lemmy serpentant l'une de ses célèbres lignes de basse autour des rythmes martelés de la guitare de Brock. Viennent ensuite les voix et les cordes harmonisées, les tambours faisant à peine sentir leur présence jusqu'au moment où la chanson explose dans la fureur de l'espace punk, s'adoucissant pour les lignes hypnotiques: "...Down, down, round and round you go...", et la détente dans la musique permet de ressentir cette sensation toujours plus profonde, tourbillonnante et tournante, disponible chez pratiquement aucun autre groupe dans l'Histoire de la musique Rock.
Cela permet au groupe d'ouvrir la séquence d'improvisation plus Rock qu'après le récital des débuts. Un ensemble de Mellotrons a également été amené sur scène, et c'est l'une des plus belles chansons du groupe.

Cet album est un autre favoris des fans de Hawkwind et avec raison. Il est amélioré par les versions précédentes, mais c'était l'une des dernières fois que tout semblait fonctionner parfaitement pour Hawkwind.

"Hall of the Mountain Grill" se classe à la 16e place des Charts Britanniques et sera certifié disque d'argent (60 000 exemplaires vendus) en 1978. Aux États-Unis, il se classe à la 110e place du Billboard 200.

Les examens rétrospectifs ont été généralement positifs. Bien qu'ils aient critiqué la chanson titre, Allmusic a appelé "Hall of the Mountain Grill" Le meilleur album studio du groupe" et "le disque de rock spatial par excellence orienté guitare". Head Heritage était beaucoup moins impressionné, affirmant que les départs de Robert Calvert et Dik Mik étaient des pertes que Hawkwind ne pouvait pas compenser à distance, et que l'album entier "a la sensation indéniable d'un album provisoire sorti à moitié désespérément pour garder la machinerie de tournée constante de Hawkwind bien graissée". Ils ont toutefois ajouté que les deux morceaux live de l'album sont les points forts du catalogue Hawkwind.
ImageDave Brock

Une tournée Européenne de neuf dates fin Juin a été entreprise. Cependant, le batteur Simon King s'était fracturé quelques côtes en jouant au football, interdisant sa participation, alors il a nommé son ami Alan Powell pour le remplacer aux dates. À la fin de la tournée, King avait suffisamment récupéré pour reprendre le jeu aux côtés de Powell, et le groupe était assez content de l'arrangement de deux batteurs que Powell a été intégré à la formation permanente du groupe. À la fin de la tournée, Dettmar est finalement parti.

Le groupe est revenu pour une troisième tournée en Amérique du Nord en Septembre, mais à leur cinquième rendez-vous à Hammond, Indiana, le 7, leur équipement a été saisi par l'IRS et ils ont reçu une facture pour les taxes impayées de leur tournée précédente. Une impasse s'en est suivie et la bande a finalement continué la tournée un mois plus tard après que tous les problèmes aient été résolus.

Tout au long de l'année 1974, Hawkwind a fait de nombreuses tournées au Royaume-Uni, en Europe et en Amérique du Nord, leur set étant principalement composé de l'album "Hall of the Mountain Grill".
Fait inhabituel pour eux, aucun nouveau matériel n'a été introduit à l'exception de certains poèmes de Michael Moorcock basés sur son personnage fictif d'Elric, apparu sur l'album live de 1974 "The 1999 Party".

De Décembre à Février, le groupe s'est lancé dans une série de dates Britanniques connues sous le nom de tournée "A Dead Singer" après l'histoire de Moorcock publiée dans le programme de tournée d'accompagnement, avec Dr Feelgood en première partie:
Selon Wilko Johnson: "...Nous et Hawkwind étions une affiche formidable. Nous venions d'être signés par United Artists, le label de Hawkwind. UA voulait nous faire vivre un peu d'expérience dans les grandes salles. C'est là que j'ai rencontré Lemmy pour la première fois. qui s'est avéré être un bon copain...".

Comme le groupe devait un dernier single à United Artists pour conclure son contrat d'enregistrement, pendant une pause à mi-tournée, ils sont entrés aux Olympic studios les 5 et 6 Janvier où ils ont enregistré "Kings of Speed", écrit par Brock, qui comportait des paroles écrites par Moorcock initialement destinées à être incluses sur son album "New Worlds Fair", "Motorhead" de Lemmy et "Spiral Galaxy" de House.
Les deux premiers ont été sélectionnés pour le côté A et B respectivement, et le single est sorti le 7 Mars.

Lors de la reprise de leur tournée au Royaume-Uni, Brock a exprimé sa désillusion face à la popularité du groupe en déclarant que "...ça devient comme une guerre...", préférant sa vie avec sa femme Sylvie et leurs deux enfants dans leur ferme Devon de dix acres, négociant sous un pseudonyme dans un communauté qui ne savait rien de son association avec la musique Rock.
Il a révélé la discorde croissante au sein du groupe, "...vous ne croiriez pas certaines des scènes qui se passent dans les coulisses. Toutes les putains de querelles, les gens perdent leur sang-froid...". Il a particulièrement critiqué Turner tant sur le plan musical ("...Certains soirs, j'ai débranché ma guitare et j'ai traversé la scène pour trier Nik. Il continue de jouer du saxophone quand je chante et je lui ai dit mille fois ne pas faire ça ...") et au niveau personnel ("...Nik est vraiment crédule, tu sais. Il connaît tellement de gens et ils avaient toujours l'habitude de l'emmener faire un tour. C'est tellement facile parce qu'il n'est pas très averti..."). Il a également critiqué Lemmy qui énumère un catalogue de problèmes sur scène avec lui, et il "...vit ce fantasme [des Hells Angels]. C'est ce qu'il aimerait être, mais il ne peut pas...", mais il est "...plutôt un bon leader, cependant...". Du prochain projet Eternal Champion, Brock a révélé qu'il voulait Brown pour le rôle titre, et ce serait "...un voyage fantastique complet à tous les niveaux ... et si nous le faisions, ce serait la fin [de Hawkwind]...".

Le prochain contrat signé par le groupe fut un accord Nord Américain avec la filiale d'Atlantic Records, Atco Records.
Avec une tournée Nord Américaine prévue pour Avril et Mai, "...Atlantic ... avait besoin d'un album pour co-inciter à notre tournée...".
Pour la seule fois dans les années 1970, le groupe devait enregistrer sans avoir préparé de nouveau matériel dans un environnement live, ce qui a conduit à s'inquiéter du fait que "...nous allons être vraiment poussés juste à monter un album...".
Le groupe est entré dans les studios Rockfield en Mars, King expliquant: "...Nous avons posé toutes les pistes d'accompagnement en environ trois jours et demi. Puis, après quelques jours de congé, nous sommes allés à Olympic et avons ajouté des morceaux ici et là, doublés. sur le chant et tout mixé. Cela a pris environ trois jours, et c'était fini...".
Le groupe "...a fait [les chansons] leurs débuts sur deux concerts Britanniques à Yeovil et Dunstable [12 et 13 Avril]...", puis s'est dirigé vers l'Amérique du Nord pour une tournée fin Avril en Mai, au cours de laquelle Paul Rudolph a remplacé Lemmy.
L'album a été publié par ATCO le 9 Mai et autorisé à United Artists pour une sortie au Royaume-Uni. Le groupe a fait la promotion de l'album avec des tournées en Allemagne et en France en Juin, au Royaume-Uni en Juillet et Août, notamment en tête d'affiche du Reading Festival et en apparaissant au Watchfield Free Festival.

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"Warrior On The Edge Of Time" a donc été enregistré au mois de Mars 1975 dans les Rockfield Studios à Rockfield au Pays de Galles. Le batteur Alan Powell qui avait remplacé Simon King lors de la tournée de promotion de l'album "Hall of the Mountain Grill" est toujours présent. L'album fut donc enregistré avec les deux batteurs qui composèrent ensemble le titre "Opa-Loka" et co-signèrent, par ailleurs, trois autres titres.
Hawkwind est constitué du guitariste et chanteur Dave Brock, de Lemmy à la basse, de Nik Turner au saxophone et à la flûte, de Simon House au violon et mellotron, d'Alan Powell et Simon King à la batterie et aux percussions, de la danseuse Stacia et d'un invité, un certain Michael Moorcock.

Moorcock est un écrivain Britannique de SF / Fantasy, créateur du personnage du Champion Eternel, créateur d'Elric de Melniboné, une sorte de Conan albinos et frêle, drogué et totalement oppressé par son épée magique et maudite appelée Stormbringer), de Jerry Cornelius...
Moorcock, grand amateur de Rock, avait déjà collaboré avec Hawkwind sur le "Space Ritual" de 1973, il leur avait écrit des monologues conceptuels que le groupe déclamait entre deux chansons, tout du long des concerts en forme de voyages mentaux qu'ils faisaient à l'époque. Par la suite, il collaborera avec Blue Öyster Cult (sur "Mirrors", "Cultösaurus Erectus", "Fire Of Unknown Origin"), et recollaborera encore avec Hawkwind, groupe dont la carrière est toujours en cours, même si elle se fait nettement plus discrète.

Pour cet album, l'écrivain a signé quatre morceaux, et il clame les textes de deux morceaux, "The Wizard Blew His Horn" et "Warriors", qui sont ce que l'on pourrait appeler des 'spoken-words'. Plusieurs de ces textes sont inspirés par le mythe du Champion Eternel.

C'est, sans contestation possible, l'un des meilleurs albums du groupe, mais probablement aussi leur dernier véritable chef d'oeuvre. Conceptuellement flou, il faut vraiment bien connaître l'univers particulier et gigogne de Moorcock pour arriver à s'y retrouver.
L'album offre quelques passages étonnants comme "Opa-Loka", par exemple, qui fait la part belle aux deux batteries ou les narrations que l'on peut aimer ou pas.

La magnifique pochette originale, dans sa rare version vinyle d'époque, se déplie en quatre en une grande forme de bouclier, révélant que le guerrier en silhouette se tient au bord d'un gouffre apparemment sans fond.
Le paysage de l'autre côté du gouffre est une image miroir, avec un autre soleil couchant, une inspection plus approfondie de cette image entière révèle un visage casqué. Le revers de la couverture représente un bouclier en bronze portant l'emblème à huit rayons du Chaos, tel que décrit dans les livres de Moorcock.

Cet album, sorti en 1975, est incontestablement un joyau du Space Rock et d'Hawkwind, un de leurs meilleurs albums, une pièce de choix. Ce n'est pourtant pas l'album le plus connu du groupe, mais les moments de bravoure Space Rock sont en très grand nombre et les morceaux classiques sont bel et bien là. Cet opus mérite donc amplement la (re)découverte, rien que pour des morceaux comme "Magnu" et "Assault And Battery / The Golden Void".

De l’avis de certains journalistes, il s’agit de l’album le plus "professionnel" des années d’Or d’Hawkwind. En effet, la qualité du son y est remarquable, et si cet album est globalement dans la continuité des précédents, il est en revanche enfin doté d'une production impeccable. Simon House, l’homme aux claviers, introduit des effets synthétiques relativement avant-gardistes pour l’époque, qui ne manqueront pas d’être remarqués.
Cependant, quelque chose cloche sur ce disque: on sent que tout ne s’est pas fait dans la plus grande entente. Le fait que Lemmy ai claqué la porte rapidement après l’enregistrement n’est évidemment pas sans rapport. Ce qu’il faut dire aussi, c’est qu’un trublion de taille en la personne de Moorcock est venu participer aux hostilités cosmiques sur cet album. Car "Warrior On The Edge Of Time" est un concept-album, commandé par Dave Brock à Moorcock, et presque entièrement basé sur les aventures d’Elric, le Champion Eternel. C’est un fait notable quand on sait que cette collaboration entre Hawkwind et Moorcock ne sera pas la dernière.

Les critiques ont été mixtes, Melody Maker faisant un panoramique de l'album et critiquant particulièrement le travail vocal tandis que le All Music Guide a fait l'éloge de l'album pour des fonctionnalités telles que l'écriture de chansons. Ce sera également le dernier album à présenter le bassiste classique du groupe Ian "Lemmy" Kilmister, qui a été renvoyé du groupe un jour avant la sortie de l'album.
Allan Jones dans Melody Maker (10 Mai 1975) a été critique dans son analyse de l'album malgré qu'il soit "...probablement le disque le plus professionnel de Hawkwind..." en raison de l'avancée de leur "maîtrise technique", en particulier les contributions de Simon House. Les compositions sont dans la "tradition Hawkwind standard des passages de synthétiseur balayants contrastant l'espace éthéré avec la violence de la basse monotone et de la guitare rythmique", et des poèmes qu'il dit "...Si Moorcock se sent qualifié pour décrire l'une de ces pièces comme de la poésie, alors c'est son problème..." et qu'ils sont livrés "... avec toute l'émotion de l'extermination de Davros par les renégats Daleks...".
Geoff Barton dans Sounds l'a évalué comme "... incluant la plupart de leurs caractéristiques traditionnelles (guitare plombée, chant rituel, moogs gémissants, paroles de SF) mais dans un cadre beaucoup plus mature et varié...", et que "... l'influence de Simon House se fait fortement sentir "le rendant" plutôt plus complet, plus intéressant que d'habitude...".

Du côté des membres du groupes, c'est aussi assez mitigé:
Selon Michael Moorcock (qui n'a jamais été membre du groupe, mais plutôt un invité): "Warrior On The Edge Of Time" était un de mes concepts. Ce que Dave a tendance à faire, c'est qu'il dit "Fais-nous un concept" ou "J'ai ce concept approximatif, pouvez-vous le résoudre?" Je le fais, puis Dave a une idée différente et tout change, donc c'est comme ça que ça fonctionne. C'est une très bonne façon de travailler - ça a tendance à donner à Dave un peu de départ ou autre chose. Je faisais beaucoup de mes trucs 'Eternal Champion' sur scène, donc ça me semblait automatique de le faire parce qu'il y avait tellement de numéros que je pouvais intégrer. Je n'étais en studio qu'environ une heure pour faire ce que j'ai fait, et c'était l'un des ces choses bizarres, je n'ai pas non plus reçu les frais de session...".
Pour Lemmy: "...L'album était une merde du début à la fin. Ce 'Opa-Loka' était beaucoup de conneries. Je n'étais même pas là-dessus. C'était le truc du batteur, ce morceau... Nous étions gentils. Si vous avez un album à succès, vous êtes complaisants, et si vous en avez deux, vous avez vraiment des problèmes. Avec eux, ils en avaient quatre, parce qu'ils avaient 'In Search of Space' avant moi... sur tous ces albums. 'The Golden Void' était un beau morceau, mais à ce moment-là, j'étais bien en disgrâce...".
D'après Dave Brock: "...Il y avait du bon truc sur cet album. Je pense que nous avons atteint un sommet à l'époque, en 1974 / 75...".
Enfin, pour Simon King: "...Je suppose que je suis satisfait aux deux tiers de celui-ci. Pour moi, ce n'est pas mal car je n'étais qu'à moitié content du dernier! Warriors est une chose musicale différente parce que c'est la première vraie contribution de Simon House: sur Mountain Grill il était trop nouveau pour pouvoir avoir autant d'influence, et maintenant, bien sûr, nous avons Alan comme deuxième batteur, ce qui a entraîné beaucoup de changements...".

L’album débute sur un duo de titres enchainés absolument gigantesque: "Assault And Battery / The Golden Void", environ une dizaine de minutes tuantes gorgées de mellotrons envapés (il y à beaucoup plus de mellotron que sur le précédent opus) et avec, comme toujours, la voix rauque de Brock. Les deux chansons sont souvent interprétées en live par paire comme sur les albums "Palace Springs" (1991) et "Canterbury Fayre" 2001.
"Assault and Battery" est une citation des paroles du poème de Henry Wadsworth Longfellow "A Psalm of Life". La chanson est devenue un morceau live très populaire, étant joué occasionnellement au fil des ans, et elle est apparue sur de nombreux albums live, parfois sous le titre "Lives of Great Men". Il a été inclus dans le cadre du spectacle live du concept "The Chronicle of the Black Sword", apparaissant sur l'album "Live Chronicles".
Futur classique du répertoire du groupe, "Assault And Battery" est un morceau époustouflant qui voit l’équipage Hawkwind s’envoler pour des cieux infiniment étoilées. Les guitares sont affutées, et ce morceau sonne éminement Metal. Il est assez long, mais il n’est que l’introduction du voyage.
Le morceau sublime qui suit directement cette mise en bouche, "The Golden Void", est la suite directe du premier. Il fait plonger l'auditeur plus avant dans un gouffre stellaire dont il ne ressort pas indemne: la basse s’y fait martiale, pendant que les synthétiseurs new age de Simon House portent le vaisseau Hawkwind vers des cieux astronomiquement infinis. La chanson est un morceau live populaire, joué aussi occasionnellement au fil des ans, et il est apparue sur de nombreux albums live, parfois sous le titre "Void of Golden Light", comme sur "The Business Trip" en 1994 .
Mais après une si extraordinaire introduction, c’est là que le concept est censé réellement se mettre en place: Moorcock entre en scène et déclame tout son Multivers sur trois pistes réparties sur l'album: "The Wizard Blew His Horn", après "The Golden Void", "Standing at the Edge" (un texte qui sera réadapté plus tard par Blue Öyster Cult), après "Magnu" et "Warriors" après "Spiral Galaxy 28948". Ces trois pistes sont un peu particulières, et tout le monde n'est pas d'accord pour les considérer comme réussies, tant le style Moorcock n'est pas forcément accessible à tous. Ce sont des poèmes de Moorcock basés sur sa figure littéraire de Eternal Champion. Les poèmes sont récités sur des paysages sonores atmosphériques fournis par Simon House et les percussionnistes Simon King et Alan Powell. Le groupe les avait joués sur scène en 1974, des versions apparaissant sur l' album live de "The 1999 Party".
"The Wizard Blew His Horn" se fond ensuite dans "Opa-Loka", écrit par les deux batteurs, qui présente un bon rythme hypnotique (comme CAN sait si bien le faire), que construit notamment le mellotron, les sons spatiaux arrivent plus tard.
"Opa-Loka" prend son nom, assez perplexe, d'une ville de Floride et non d'une quelconque planète mythique qui se rattache à la vague histoire conceptuelle de Moorcock.
C'est un Space Rock hypnotique qui reste essentiellement un excellent instrumental, énergique et rêveur avec sa basse et son synthétiseur retentissants, qui emmène l'auditeur vers les étoiles. Il est basé sur un rythme moteur connu sous le nom de rythme "motorick", nommé et rendu célèbre par le groupe de Krautrock "Neu!", particulièrement avec ce son de batterie autoritaire, simple mais fluide avec des cymbales à flasques et une ligne de basse simple. La chanson elle-même est, d'ailleurs, un air de Krautrock typique avec des instrumentaux atmosphériques improvisés basés sur un seul accord.
"Opa-Loka" a été joué en live, mais quand Robert Calvert a rejoint le groupe au début de 1976, il récitait le poème "Vikings on Mars" dessus, la chanson évoluant en "Uncle Sam's on Mars" sur l'album de 1979 "PXR5".
A noter que Lemmy détestait ce morceau et l'appelait "poubelle". Brock a fini par jouer de la basse pour le morceau.
"The Demented Man" qui, sur certain vinyle, est crédité sous le titre "The Demented King" est une belle ballade Rock acoustique sans batterie signée Brock, jouée à la guitare acoustique 12 cordes qui termine la première face de l'album.
C'est un autre de ces beaux airs acoustiques de Hawkwind où le groupe a vraiment réussi à garder la sensation d'espace obligatoire. Un cri de mouette et les Mellotrons renforcent l'ensemble du morceau..
"The Demented Man", avec ses guitares acoustiques, ses synthétiseurs épiques et la voix délicate de Dave Brock, est un petit bijou, dans la droite lignée de certains titres des albums précédents.
Cependant, le clou de l'album est, sans aucun doute, "Magnu", piste de près de neuf minutes oppressante et mystérieuse de Rock pure et dure, quasiment Metal, une ode vibrante au Psychédélisme, qui tire l'album vers le haut. Ce titre épique, où les saxophones de Nik Turner font merveille et où la basse vrombissante de Lemmy est encore une fois bien présente, est définitivement le titre classique de cet album, que le groupe joue encore de nos jours. Un titre encore une fois assez long, mais doté d'une rythmique martiale en acier trempé au Beat répétitif et soutenu. Les paroles de "Magnu" sont basées sur le poème de Percy Shelley "Hymn of Apollo".
Au moins aussi grandiose que "Assault And Battery", "Magnu", aux saveurs orientales, est un morceau très énergique, qui est le premier morceau de l'album à présenter un riff assez Heavy. Il voit Brock et Lemmy tirer des riffs menaçants au milieu d'un violon éblouissant de House, du saxophone jazzy de Turner et de claviers obsédants. C'est du Hawkwind très typique. Il a des rythmes répétitifs et des riffs qui bercent l'auditeur dans une brume psychédélique, avec saxophone, violon et synthétiseurs zappant à gauche et à droite dans le mixage.
Ce rituel futuriste de Space Metal est un morceau live populaire, étant exécuté occasionnellement à une vitesse plus rapide au fil des ans, des versions sur les albums "Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2" (1982), "The Friday Rock Show Sessions" (1986) et "Canterbury Fayre" 2001. Les six premières lignes de "Magnu" sont presque mot pour mot identiques à un chant magique qui apparaît dans un vieux conte folklorique slave, "The History Of Prince Slugobyl; Or, The Invisible Knight", utilisé pour invoquer le cheval magique, Magu, publié pour la première fois en traduction Anglaise en 1896 dans "Fairy tales of the Slav peasants and herdsmen".

A SUIVRE

Discographie

1970 : Hawkwind
1971 : In Search of Space
1972 : Doremi Fasol Latido
1973 : Space Ritual
1974 : Hall of the Mountain Grill
1975 : Warrior on the Edge of Time
1976 : Astounding Sounds, Amazing Music
1977 : Quark, Strangeness and Charm
1978 : 25 Years On ("Hawklords")
1979 : PXR5
1980 : Live Seventy Nine
1980 : Levitation
1981 : Sonic Attack
1982 : Church of Hawkwind
1982 : Choose Your Masques
1985 : The Chronicle of the Black Sword
1986 : Live Chronicles
1988 : The Xenon Codex
1990 : Space Bandits
1991 : Palace Springs
1992 : Electric Tepee
1993 : It Is the Business of the Future to Be Dangerous
1994 : The Business Trip
1995 : White Zone ("Psychedelic Warriors")
1995 : Alien 4
1996 : Love in Space
1997 : Distant Horizons
1999 : In Your Area
2000 : Spacebrock
2001 : Yule Ritual
2002 : Canterbury Fayre 2001
2005 : Take Me to Your Leader
2006 : Take Me to Your Future
2008 : Knights of Space
2010 : Blood of the Earth
2012 : Onward
2016 : The Machine Stops
2017 : Into the Woods
2019 : All Aboard The Skylark

Source: wikipedia, Prog Archives, RED ONE, ClashDoherty, Wilson Neate, Bruce Eder
Modifié en dernier par alcat01 le ven. 7 août 2020 23:29, modifié 76 fois.
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Slade » mar. 7 juil. 2020 15:27

Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
I'm a dude, dad

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par nunu » mar. 7 juil. 2020 15:32

Slade a écrit :
mar. 7 juil. 2020 15:27
Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
Je suis pas sur que ça soit pire que Magma

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 15:49

Slade a écrit :
mar. 7 juil. 2020 15:27
Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
Pas compliqué!

Membres actuels

Dave Brock : chant, guitares, claviers, synthétiseurs (depuis 1969)
Tim Blake : claviers, chant (1979-1980, 2000, 2002, depuis 2007)
Richard Chadwick : batterie, chant (depuis 1988)
Mr Dibs : chant, violoncelle, basse (depuis 2007)
Niall Hone : basse, guitares, sampling, synthétiseurs, claviers (depuis 2008)

Invité :
Dead Fred : claviers, synthétiseurs (invité depuis 2012, membre à part entière 1983-1984)

Anciens membres

Nik Turner : saxophone, flûte, chant (1969-1976, 1982-1984)
Dik Mik : claviers, synthétiseurs (†2017) (1969-1973)
Terry Ollis : batterie (1969-1972)
John Harrison : basse (1969-1970)
Mick Slattery : guitare (1969)
Huw Lloyd-Langton : (†2012) guitare (1969-1971, 1979-1988, invité 2002-2005)
Thomas Crimble : basse (1970-1971)
Del Dettmar : claviers, synthétiseurs (1971-1974)
Dave Anderson : basse (1971-1972)
Simon King : batterie (1972-1979, 1979-1980)
Lemmy Kilmister († 2015) : basse (1972-1975)
Robert Calvert : chant (†1988) (1972-1973, 1975-1979)
Simon House : claviers, synthétiseurs, violon (1974-1978, 1989-1991, invité 2000-2002)
Alan Powell : batterie (1974-1976)
Paul Rudolph : basse (1975-1976)
Adrian Shaw : basse (1976-1978)
Harvey Bainbridge : basse, claviers, synthétiseurs (1978-1991)
Martin Griffin : (†2019) batterie (1978-1979, 1981-1983)
Paul Hayles : claviers, synthétiseurs (1978)
Steve Swindells : claviers, synthétiseurs (1978-1979)
Ginger Baker : batterie (†2019) (1980-1981)
Keith Hale : claviers, synthétiseurs (1980-1981)
Andy Anderson : batterie (†2019) (1983)
Robert Heaton : batterie (1983)
Rik Martinez : batterie (1983)
Clive Deamer : batterie (1983-1985)
Alan Davey : basse (1984-1996, 2000-2007)
Danny Thompson Jr. : batterie (1985-1988)
Bridget Wishart : chant (1990-1991)
Ron Tree : chant, basse (1995-2001)
Jerry Richards : guitare (1996-2001)
Jason Stuart : claviers, synthétiseurs (†2008) (2005-2008)

Anciens invités :
Michael Moorcock : chant (1975, 1981)
Captain Rizz : chant (1997-2000)
Jez Huggett : saxophone, flûte (2000-2002)
Arthur Brown : chant (2001-2003)
Jon Sevink : violon (2009)

ça te va! :hehe:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Slade » mar. 7 juil. 2020 16:08

Une p'tite photo de chacun peut être afin qu'on puisse mieux les visualiser ? :mdr2: :mdr2:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 18:47

Tu voudrais pas aussi leurs adresses et leurs numéros de téléphone??? :siffle:
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Boris Vian

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