HAWKWIND (Bio)

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alcat01
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HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 11:09

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Formé en Novembre 1969, Hawkwind est un groupe de Rock Britannique, originaire de Ladbroke Grove, à Londres, en Angleterre, considéré comme l'un des pionniers du genre Space Rock.

La formation a traversé de nombreuses incarnations, des dizaines de musiciens en ont fait partie au fil des années.
Cependant, le groupe est le plus étroitement associé à leur fondateur, chanteur, auteur-compositeur et guitariste Dave Brock, qui est le seul membre original restant.
Parmi les figures marquantes, on peut citer Lemmy Kilmister, Ginger Baker, Nik Turner, Harvey Bainbridge, Del Dettmar, Dik Mik, Huw Lloyd-Langton, Robert Calvert, Paul Rudolph et plus tard, Ron Tree en tant que bassiste et meneur du groupe. Beaucoup de danseurs et d'écrivains ont également travaillé avec Hawkwind depuis sa création.

Le groupe a incorporé de nombreux styles différents dans sa musique, y compris le Hard Rock, le Rock Progressif et le Rock Psychédélique. Ils sont également considérés comme un groupe Proto-Punk influent.
Leurs paroles favorisent les thèmes urbains et de science-fiction.

Hawkwind est surtout connu pour la chanson "Silver Machine", qui est devenu numéro trois dans les Charts Britanniques en 1972, mais ils se sont faits remarquer avec d'autres Hit singles comme "Urban Guerrilla" (dans le Top 40) et "Shot Down in the Night". Le groupe a eu une série de vingt-deux de leurs albums au Royaume-Uni de 1971 à 1993.

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En général, les amateurs d'Hawkwind apprécient les créations parallèles et personnelles des musiciens qui ont contribué au groupe. Robert Calvert, Nick Turner, Alan Davey ont enregistré des disques solos, et même D. Brock a fait des disques sous son nom.

La musique d'Hawkwind est Rock et Spatiale. C'est le genre de musique appropriée pour se promener d'une galaxie à l'autre dans des vaisseaux cosmiques lancés à des vitesses folles dans le vide sidéral. Cela n'arrivant pas souvent, on se contentera de pousser le volume sonore à un niveau respectable pour avoir de bonnes impressions. Attention, ce n'est généralement pas 'planant': une rythmique puissante, basse et batterie, émet des pulsations hypnotiques, parfois à des cadences infernales comme sur "Brainstorm", "Master of Universe" ou encore "Born to Go", et la guitare électrique, très présente avec des effets, soutient le martèlement pour décrocher dans des solos parfois éruptifs conduisant à l'occasion Hawkwind à flirter avec le Hard Rock malgré son enrobage électronique.

Leur musique change, mais n'est pas pour autant dans le flot des modes, ni des 'catégories', chères aux mélomanes ephémères et peu eclectiques. On ressent cependant bien l'époque de chaque disque par l'exploitation permanente des disponibilités techniques du moment. Par ailleurs, on remarque occasionnellement l'exploitation de mondes musicaux originaux, comme par exemple le Reggae, pour la création de morceaux pourtant toujours dans la lignée 'spatiale'. Si l'on doit faire des catégories, la musique d'Hawkwind et de ses relations constitue une catégorie à part entière.

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Dave Brock et Mick Slattery avaient fait partie d'un groupe Psychédélique Londonien appelé Famous Cure, et une rencontre avec le bassiste John Harrison a révélé un intérêt mutuel pour la musique électronique qui a conduit le trio à se lancer ensemble dans une nouvelle aventure musicale en formant un nouveau groupe.
Le batteur Terry Ollis, âgé de 17 ans à l'époque, répond à une annonce parue dans un hebdomadaire musical, tandis que Nik Turner et Michael "Dik Mik" Davies, de vieilles connaissances de Brock, offrent leur aide pour le transport et l'équipement (road crew), mais ont rapidement été intégrés au groupe.

S'invitant à une soirée de talents locaux au All Saints Hall, à Notting Hill, ils étaient tellement désorganisés qu'ils n'avaient même pas de nom, optant pour "Group X" à la dernière minute, ni aucune chanson, choisissant de jouer un jam prolongé de plus de 20 minutes sur le "Eight Miles High" des Byrds.
Le DJ de la BBC Radio 1, John Peel, assistant à leur prestation dans le public a été suffisamment impressionné pour dire à l'organisateur de l'événement, Douglas Smith, de garder un œil sur eux. Smith les signe rapidement et leur obtient un contrat avec Liberty Records au moment où un autre accord était mis en place avec Cochise.

Le groupe choisit finalement le nom de Hawkwind après avoir brièvement adopté les noms de Group X et Hawkwind Zoo.

Une session aux studios Abbey Road prend place pour enregistrer des demos de "Hurry on Sundown" et quelques autres, après quoi Slattery est parti pour être remplacé par Huw Lloyd-Langton, qui avait connu Brock pendant sa période de travail dans une boutique de musique en lui vendant des cordes de guitare, avant de devenir musicien ambulant.

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Le guitariste de The Pretty Things, Dick Taylor, est ensuite engagé pour produire le premier album éponyme en 1970.

Pour ceux qui ne connaissent pas le groupe, on pourrait définir la musique comme du 'Rock Spatial'. C'est une sorte de Rock Progressif aromatisé avec quelques pincées du Psyché de Pink Floyd, un soupçon de Moody Blues, un léger soupçon de King Crimson, avec des effets de synthétiseur, des phases, des échos, des orchestrations, des guitares ... À part le travail solo de Nik Turner, aucun autre groupe ne leur ressemblait vraiment.

Ce n'est peut-être pas forcément le meilleur disque d'introduction à leur musique car ils s'améliorent avec chaque album successif, mais Il s'agit autant d'une pièce historique que d'une pièce importante dans l'histoire du groupe.

La majeure partie de l'album provient d'une longue jam de forme libre appelée "Sunshine Special" qui a été décomposée en pistes individuelles avec des interludes synthétisés spacieux. Et cela a certainement du sens car la musique partage la même ambiance tout au long du disque.
Mais il ne faut pas se laisser rebuter par la balise 'free form jam'. La musique n'est pas un gâchis alimenté par une drogue chaotique à la Amon Düül. Elle a une base solide dans le genre Psyché, et l'amélioration s'intègre dans ce son structuré. On dirait que le groupe a joué 'live in the studio" et qu'l était enfermé dans un groove fantastique. L'ajout de flûte, saxophone et harmonique au mixage est très appréciable.
C'est l'un des meilleurs exemples de Rock Spatial Psyché.

Cela peut sembler décousu pour certains, mais ils produisent un son unique; à l'époque, la magie électronique en était à ses balbutiements. Le son qu'ils produisent est donc vraiment remarquable. Combinez cela avec la guitare, la basse, la batterie et des paroles brillantes, alors vous avez Hawkwind.
Le groupe deviendra beaucoup plus cohérent à partir du prochain album.

Ce premier opus est intéressant en ce qu'il contient à la fois les meilleures et les pires chansons du groupe:
Parlons d'abord des meilleures chansons. Le joyeux acoustique post-hippie "Hurry On Sundown", avec un bon jeu d'harmonica et des voix magnifiquement brillantes ... c'est vraiment une chanson spectaculaire. La jam fringante "Be Yourself" qui a de merveilleux passages de saxophones qui mènent à un solo de guitare tout aussi impressionnant innove le Space Rock. Et enfin, le "Mirror of Illusion" au son du Creedence Clearwater Revival, avec une mélodie vocale de type John Fogerty à la fois mélodique et très bonne est, certainement, l'une des meilleures chansons de Hawkwind.
Les mauvaises chansons sont les deux pistes "Paranoia" et "Seeing It As You Really Are":
Pour le lavage sonique surréaliste de "Paranoia", ce n'est pas une bonne idée de répéter les mêmes 4 ou 5 notes pendant plusieurs minutes. "Seeing It As You Really Are" suit en quelque sorte la même idée, avec trop de choses dominées par des notes répétitives. Cependant, dans ce cas, la chanson finit par devenir un très bon solo de guitare et un peu de saxophone mélodique à la fin, ce qui en fait une assez bonne jam.

Ce premier jet affiche une grande partie de ce qui identifiera bientôt le groupe, en particulier son passage entre la musique acoustique éthérée et le hard rock électronique transdimensionnel, mais ici, il conserve le sentiment très lâche et très aléatoire auquel vous pouvez vous attendre. voici un groupe qui a trouvé son son mais qui essaie de décider exactement ce qu'il a vraiment à dire.
A noter que Dick Taylor a non seulement produit l'album, mais il a également joué de la guitare et de la basse.

Pourtant, c'est un album au son charmant qui met souvent en évidence le saxophone de Nik Turner et des breaks mélodieux et percutants du guitariste Dave Brock, à la fois sur une section rythmique tendue et sur l'électronique subtilement savoureuse de Dik Mik Davies.

Mais ce line up d'Hawkwind composé de Brock, Turner, Davies, du bassiste John Harrison puis de Thomas Crimble, du deuxième guitariste Huw Lloyd Langton et du batteur Terry Ollis n'était pas destinée à durer: exit Crimble, Langton et Davies après la sortie de l'album; et entrée de l'ancien bassiste d'Amon Duul, Dave Anderson, du claviériste Del Dettmar et du poète / chanteur Robert Calvert.
Toutes les chansons sont créditées à Dave Brock sur l'album original, puis à l'ensemble des membres du groupe à partir de la réédition remasterisée de 1996.

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Bien que ce ne soit pas un succès commercial, cela a attiré l'attention de la scène Underground Britannique quand ils se sont mis à jouer des concerts gratuits, des concerts-bénéfice et autres festivals.

Jouant gratuitement en parallèle à l'extérieur du Bath Festival, ils y ont rencontré un autre groupe basé à Ladbroke Grove, The Pink Fairies, qui partageaient des intérêts similaires dans la musique et les activités récréatives; une amitié s'est développée qui a conduit les deux groupes à devenir des partenaires musicaux et à jouer en tant que "Pinkwind".
Leur consommation de drogues a cependant conduit au départ de Harrison, qui n'a pas participé, qui sera brièvement remplacé parThomas Crimble (vers Juillet 1970 - Mars 1971). Crimble a joué sur quelques sessions de la BBC avant de partir pour aider à organiser le Glastonbury Free Festival 1971; il s'est assis pendant la performance du groupe là-bas. Lloyd-Langton a également démissionné, après un mauvais voyage en LSD au festival de l' île de Wight qui a provoqué une dépression nerveuse.

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Dans une première phase, le groupe préfère privilégier le spectacle scénique global avec des projections d'images et de ce qui deviendront des clips, plutôt que de mettre en avant tel ou tel musicien. Des danseuses sont ajoutées en avant-scène; Del Dettmar joue souvent derrière les rideaux de la scène à l'abri des regards du public, tandis que deux batteurs (à partir de 1974) scandent les hymnes répétitifs.

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Le second album de Hawkwind, "In Search of Space", sort au Royaume-Uni le 8 octobre 1971. L'enregistrement avait commencé brièvement aux Air Studios ("Master Of The Universe"), puis a été transféré aux Olympic Studios.

Le bassiste John A Harrison est parti juste après l'enregistrement du premier album, remplacé par Thomas Crimble qui à son tour a été remplacé par Dave Anderson d' Amon Düül II pour cet album, et qui à son tour sera parti avant sa sortie. Le joueur d'électronique Dik Mik Davies avait également quitté temporairement le groupe, l'ingénieur du son live du groupe Del Dettmar étant alors remplacé, tandis que Huw Lloyd-Langton était parti après une mauvaise expérience de LSD au the Isle of Wight Festival.

La conception innovante de la pochette a été réalisée par Barney Bubbles (Colin Fulcher). Un dépliant de 8 pages (carte non laminée) imprimé en couleur sur le devant et en demi-teinte noir et blanc au verso.
Lorsqu'il est ouvert, le manchon découpé forme une forme d'oiseau avec des ailes déployées - un peu comme un faucon. Une fois pliés, les découpes s'emboîtent au centre avant, les formes et l'imprimé formant un 'X', selon le caractère initial du titre. La forme pliée crée ainsi un portefeuille ouvert pour le disque.
En ce qui concerne le 'X', le crédit 'Optique / sémantique' à ce sujet est probablement assez profond rétrospectivement. La sémantique visuelle de la conception et de la créativité de Barney Bubbles dans l'art de la pochette a conduit à beaucoup de conjectures concernant le vrai titre de cette œuvre. Pour ceux du berceau de Notting Hill du 'underground movement' et de sa presse musicale à l'époque, l'œuvre était communément connue (d'après le titre de sa pochette "X IN SEARCH OF SPACE") comme "X In Search Of Space".

Le 'Log' (journal), développé par l'artiste et Bob Calvert, était fondamental dans l'imagerie et la 'philosophie' du groupe qui en résulta au moment de "Space Ritual" et au-delà, encore aidé par l'apport de Michael Moorcock. Cependant, malgré les preuves visuelles du titre - conçu par un artiste de haute estime et affiché dans les galeries sous le nom de "X In Search Of Space" et également mentionné comme tel dans le livre 2010 du magazine MOJO Award "Reasons To Be Cheerful" - les différents éditeurs de cet ouvrage l'ont toujours intitulé "In Search Of Space", pour des raisons encore inconnues. Il y a même une 'controverse sur le crénage' selon laquelle le titre pourrait être "Xin Search Of Space", mais la base de données Discogs opte simplement pour l'inclusion du fait que le 'X'existe dans le titre, jusqu'à ce que ce ne soit pas le cas.
Le disque Britannique est dans une doublure imprimée UA, accompagné d'un 'Hawkwind Log Book' de 24 pages (imprimé en noir et blanc) détaillant les minuties du 'vol' du groupe à travers l'espace et le temps. Ce problème n'était pas présent dans les numéros ultérieurs, bien que le remaster du CD de 1996 reproduise à la fois le manchon et le journal. Les premières copies du journal étaient sur du papier blanc cassé de 'qualité journal', les problèmes ultérieurs semblent être sur un blanc plus propre avec une teinte bleue à l'impression noire. Il y a une différence nette entre les deux, ce dernier de meilleure qualité - délivré avec les pressages A1 / B2 appariés et par la suite.

Une réédition ultérieure avec UA 'R' (symbole de marque déposée) apparaît de '76 -'77. Il n'est pas sûr que ces dernières sorties aient tous des journaux de bord. On peut noter également que le texte autour du label est 'A product of United Artists Records' (Un produit de United Artists Records). Les copies originales sont référencées Liberty / United Artists (pochettes E J Day).
Il est possible de ce fameux 'X' soit une allusion au premier nom du groupe (Group X).

Après des débuts non ciblés en 1970, le plan d'un style de groupe plus distinctif commençait à se fondre, avec l'aide du graphiste Colin Fulcher, alias Barney Bubbles, qui a donné à l'album son titre et illustré le Hawkwind Log élaboré inclus dans les premiers pressages LP. Et le groupe apprenait le secret du voyage: pousser les jams en avant avec un élan implacable et limiter les changements d'accords au strict minimum.

"In Search Of Space" est une amélioration substantielle par rapport au premier opus. L'album montre clairement un changement de direction musicale et une grande évolution pour le groupe. Le son est plus brut, plus agressif, plus trippant, plus puissant et flottant. Cependant, les inflences Jazz sont toujours présentes.

En fait, les musiciens commencent à définir leur propre personnalité ainsi que le genre rock spatial.
Toute trace persistante de Blues du premier album a été à jamais rasée sous les guitares et les synthétiseurs conduisant "You Shouldn't Do That" et "Master of the Univers".
Ajoutez un rythme régulier, les flûtes et les saxophones traités de Nik Turner, l'élément déterminant du son Hawkwind, et quelques ballades de guitare acoustique effectivement spacieuses (comme le requiem "We Took the Wrong Step Years Ago"), et le Le résultat est une ébauche d'une feuille de route menant à la prochaine épiphanie du rituel spatial.

Même avec toute l'innovation et la progression rapide de la musique en 1971, cet album était vraiment original. "In Search of Space" est l'album qui a mis Hawkwind sur la voie du succès. L'emballage a sans aucun doute aidé, avec sa pochette pliable multiple et son excellent livret intitulé "The Hawkwind log".

Hawkwind n'a pas essayé d'écrire du Prog Rock, mais les idées qu'ils avaient étaient des perceptions Heavy du Space Rock, fondées dans les premières expérimentations de Pink Floyd de la fin des années 1960 et quelques autres.
Mais il y a toujours une différence critique entre les deux groupes: tandis que les membres du Pink Floyd suivaient des cours d'architecture au London Polytechnic, le gang d'Hawkwind quittait la Notting Hill School of Hard Knocks et trouvait sa vraie voix en cours de route.

ImageNik Turner

Des morceaux comme "You Know You Only Dreaming", "We Took The Wrong Step Years Ago" et "Children Of The Sun" ressemblent à du Pink Floyd car il y a une sensation acoustique plus douce qui comprend des types d'instrumentation plus interactifs apportant les aspects plus spatiaux encore plus sous les projecteurs. Les riffs de guitare sont légèrement plus variés et rejoints par la flûte également. Les instruments ont également plus de licence pour tisser une tapisserie de sons autour d'un noyau de rythme plutôt que d'adhérer obséquieusement à une esthétique rock traditionnelle, mais en gardant toujours en mouvement cette énergie rock plus dure. Les guitares et les basses sont toujours chargées électriquement, ce qui maintient les niveaux d'énergie de tous les musiciens à bord élevés et cet album donne généralement l'impression que les modèles de vibration d'énergie vont vraiment s'accélérer à l'infini dans un état d'anti-gravité où le temps et l'espace se confondent.
Alors que Pink Floyd créait des paysages sonores surréalistes moelleux, Hawkwind était pionnier dans la branche hyperdrive de la psychédélie.

La musique a, par ailleurs, plus en commun avec le Krautrock que le Prog "Symphonic", et en tant que telle est en grande partie minimale et transe plutôt qu'expansive en termes de paramètres musicaux. Sur une écoute décontractée, cela semblera extrêmement répétitif, et le plus souvent, tout simplement bizarre.

Mettant en avant les puissants riffs de Dave Anderson à la basse, ce deuxième album est une étape claire et impressionnante des débuts du groupe. Le groupe atteint ses atmosphères spatiales à travers des modèles de section rythmique puissants, hypnotiques et pulsants qui forment un cadre à partir duquel des solos de guitare, de claviers, de saxophone et de flûte émergent et se fondent avec le chant. L'impression générale est un croisement entre les éléments plus répétitifs ressemblant à des drones de Krautrock et le matériel de Pink Floyd de l'ère psychédélique plus tumultueux, résultant en une fusion qui sonne à des années-lumière de l'un ou de l'autre.

L'endroit où la musique de Hawkwind est expansive se trouve dans l'exploration de germes d'idées, car malgré l'énorme quantité de place laissée à l'improvisation, ce n'est pas une simple session de jam.
Hawkwind va audacieusement là où aucun homme n'est allé auparavant, peignant de vastes toiles de coins reculés de l'univers, peuplées d'étranges créatures souvent démunies, l'avenir, vraisemblablement humain, et leurs interactions avec l'espace et la technologie.
Avec "In Search of Space", Hawkwind a trouvé sa propre place dans l'Histoire musicale. Ils ont cessé de sonner comme les autres et ils ont atteint un groove envoûtant qui était vraiment le leur, un mélange très original de Hard Rock accrocheur, d'improvisation et d'expérimentation et d'essences psychédéliques.

Le groupe travaille constamment comme une seule unité, ce qui est toujours la chose la plus étonnante de presque toutes les albums studio de Hawkwind. La façon dont les instrumentistes réagissent les uns aux autres et colorent les paroles et les voix est au-delà de la perfection.
Les concepts et l'expérimentation musicale sont courageux, les sons de guitare et les compositions acoustiques de Dave Brock sont excellents et Nick Turners est un saxophone hors norme. Les effets sonores et la production sont courageux et audacieux, le concept d'album est profond et hallucinant. La batterie de Terry Ollis est unique et intéressante, parfois jazzy parfois presque tribale et les parties de synthé sont audacieuses et toute la section rythmique est sérieuse.

Malgré une bonne production et un mixage très puissant, "In Search of Space" est réellement criblé d'imperfections, mais c'est tout simplement le son du Rock Spatial qui est caractéristique de l'époque.
C'est le disque où la magie a commencé à se produire. Le groupe a réussi à passer du délire psychédélique naissant à quelque chose de plus solide, produisant une partie de leur matériel classique.
Ce disque a également marqué le début de la collaboration du groupe avec Robert Calvert, qui allait commencer le lyrisme futuriste qui a marqué certains des meilleurs moments du groupe.
Calvert a commencé à réciter de la poésie lors des performances du groupe à l'invitation de Nik Turner, les deux se connaissant professionnellement (Turner est mécanicien automobile et Calvert a ensuite travaillé dans un magasin de pneus). Calvert allait ensuite évoluer vers le chant et la composition, écrivant certains des matériels les plus durables du groupe.

Le son distinctif du groupe à cette période provient de trois "instruments": le générateur audio qui est en fait un moteur électrique passant par une pédale wha-wha;les saxophones et les flûtes filtrés de Nik; un synthétiseur utilisé de manière à imiter particulièrement les sons présents dans les films de science-fiction des années 1950 et 1960. C'est l'imaginaire folklorique de l'espace avant 2001 et également Also Sprach Zarathustra.

Face à la presse, Hawkwind a admis que la plupart d'entre eux n'avaient jamais joué d'un instrument avant 1969 et ils ne se moquaient pas du fait qu'ils n'étaient qu'un groupe de monstres qui s'amusaient. Cela dit, ils ont réussi à créer quelque chose de presque complètement unique avec cet album. Aucun autre ne sonne comme ça (même dans leur long répertoire). Il s'agit d'un type de musique totalement unique utilisant, à l'époque, des générateurs audio et des synthétiseurs primitifs de pointe, avec un retour de Krautrock fourni par le bassiste d'Amon Duul Dave Anderson, et des "bruits" de saxophone totalement erratiques de Nik Turner. Ce n'est pas sophistiqué, ce n'est certainement pas poli mais c'est complètement unique. C'est le rock spatial dans sa forme la plus insistante et la plus histrionique.

"You shouldn't Do That" qui ouvre l'album avec une mystérieuse couche de synthétiseur en attirant l'attention de l'auditeur est un long morceau que le groupe a joué en live depuis l'époque de Crimble dans le groupe, et celui-ci affirme qu'il aurait dû recevoir un crédit d'écrivain pour la ligne de basse centrale sur laquelle cela est basé. Il a été enregistré pour une session de la 'BBC Maida Vale' le 19 Mai 1971 pour le spectacle 'Sounds of the Seventies', une version bootleg de la session peut être trouvée sur "The Text of Festival". C'était le rappel du Space Ritual show mais omis de cet album, apparaissant plus tard en 1976 sur l'album de compilation "Roadhawks". Il a fait partie du set live à différents moments de sa carrière, dont des versions sont disponibles sur "The Business Trip" (1994) et "Spaced Out in London" (2004).
Cette chanson commence là où les débuts éponymes ont cessé et que les rythmes de guitare Hard Rock sont devenus plus féroces et plus énergiques tandis que le délire spatial fait un voyage complet autour du système solaire.
Ce morceau totalement hypnotique commence par le son futuriste du 'générateur audio' avant de plonger dans un rythme endiablé et chanté. C'est une jam psychédélique monotone prolongée avec beaucoup de synthés, saxos, basses et batterie qui maintiennent ce rythme hypnotique acharné. Les synthétiseurs se tordent et bourdonnent comme du magma percolant. Une variété de sons, une guitare et une basse fortes, des effets sonores étranges, des voix obsédantes et bien plus encore. Le jeu de basse pulsé de Dave Anderson, le saxo énergique et ses sons manipulés par Nik Turner, les effets électroniques, les voix bizarres et les réverbérations accrocheuses de guitare rendent cette chanson unique en termes d'espace. Commençant par un synthétiseur à balayage (Del Dettmar sur un VCS3, mais pour l'électronique, Dikmik est également crédité de 'Audio Generator'), le groupe emmène l'auditeur dans un voyage implacable à travers le cosmos, avec des chants répétitifs et des jams sans fin.
Les percussions d'Ollis et les riffs constants de la guitare sont des exemples de la profondeur de l'héritage immédiat du garage rock et du psychédélisme des années 60, les motifs essentiels du groupe: mais il y a aussi des signes de progression vers de nouveaux territoires étranges dans la façon dont l'ensemble du groupe parvient à créer une atmosphère surnaturelle, et plus spécifiquement, l'entrée du générateur audio pertinente qui résume à la fois l'excitation et la terreur de voyager à travers l'espace, à travers des ténèbres mystérieuses qui pourraient aussi bien vous apporter joie ou destruction. Parfois, la cacophonie qui en résulte semble captivante, d'autres fois elle a tendance à sembler amateur, mais une chose est claire, elle est définie par un engagement sérieux envers les explorations psychédéliques de la musique.
La piste se déplace dans un riff lourd, entraîné par la guitare et la basse, planant sur les ailes d'un synthétiseur analogique chaleureux. Le saxophone de Nik Turner est astucieusement tissé dans le barrage du son, ajoutant un sentiment d'excentricité et d'individualité au son autrement austère et effronté. Les synthétiseurs sont superbes, bouillonnants et planant au-dessus du mix d'une manière incroyablement cinématographique.
Ensuite, un enchaînement presque 'Floydien' avec "You Know You're Only Dreaming" suit presque instantanément le psychédélisme incessant du morceau précédent, avec une ambiance excitante, des percussions légèrement jazzy de Terry Ollis, le jeu de flûte wah wah de Turner et des guitares spacieuses et liquides de Brock.
Les amateurs de "Piper At The Gates Of Down" n'ont aucune raison d'ignorer cette piste. L'approche décousue de "Interstellar Overdrive" se trouve ici et c'est vraiment génial. "Hawkwind" est probablement arrivé quelques années trop tard mais malgré tout, c'est une piste merveilleuse. C'est une piste qui introduit une musique plus mélodique et plus douce, pour ensuite développer une sorte de jungle sonore ambiante rassemblant différents types d'instruments. C'est une autre bonne jam, mais avec plus de guitare cette fois.
Le son de flûte manipulée de Turner caresse cette piste avec une beauté subtile, créant un paysage sonore sur lequel le reste du son du groupe est construit. La jam improvisée de ce morceau se déplace dans des vagues sonores géantes, combinant des timbres cassants et déformés avec des timbres doux et aspirés pour créer un paysage musical dense. Une fin vraiment magique résumant la piste avec un drone ambiant de saxophone et de guitare, suivi d'un rugissement tumultueux du son du groupe et d'un tourbillon de voix manipulées.
La chanson utilise le riff et le feeling de "Jackson-Kent Blues" du Steve Miller Band sur "Number 5", un artiste que Brock a reconnu comme ayant une influence sur lui. Cela aussi a été enregistré pour la session 'BBC Sounds of the Seventies' et est apparu en live à différents moments de leur carrière, notamment 'The 1999 Party '(1974) et 'The Business Trip' (1994).
C'est toujours une piste trippante mais sur un format plus solide. Principalement instrumentaux, tous les musiciens semblent trouver de l'espace pour se dégourdir les jambes sans diluer la direction de base. Brock improvise avec Turner, qui utilise le saxo filtré pendant la majeure partie du morceau. La fin apaisante est réglée avec de vrais saxophones, où vous semblez être entraîné dans l'espace profond sans destination. L'une des pistes les plus fortes ici.
Ici, un chanteur à double piste automatique (Turner ou Brock?) chante les mots, légèrement secoués par l'effet ADT. Cela donne lieu à une merveilleuse jam vraiment en studio pour laquelle Hawkwind était célèbre. Cette jam comporte beaucoup d'espace ouvert, avec des instruments suspendus aux battements de batterie dans le style le plus limpide, mais jamais de manière non musicale.
Cette mini-épopée est beaucoup mieux sous la forme éditée comme on le trouve sur certaines compilations.
Vient ensuite l'une des premières chansons de Metal Spatial de l'histoire, le destructeur "Master of the Universe", plus caustique et énervé, qui ramène l'auditeur directement aux galaxies. Les airs de musique sont basiques, simples mais le résultat est agréable. Elle n'est, cependant, pas fantastique, du moins dans cette version, et sonne même plutôt bâclé.
Plus lente que ses différentes futures versions live, la mélodie est formidable et pourrait facilement servir d'hymne aux guerriers de la galaxie. L'introduction avec les instruments apparaissant un par un est super, le chant apporte une touche mystique et les improvisations jazzy au milieu de la chanson fonctionnent très bien.
Ce classique live, apparemment joué à presque tous les concerts à ce jour, n'en est pas moins brillant, l'excellent riff de basse de Dave A étant tellement accrocheur. Son rythme bat sans cesse avec des basses et des tambours incessants et la guitare fuzz sonne métallique.
C'est l'un des points de repère déterminant du genre, produit d'un des moments où Dave Brock et Nik Turner ont pu s'asseoir et travailler ensemble: Tout commence sur un riff de guitare languissant autour duquel le groupe construit un environnement fantastique avec tous les sons spacieux du générateur audio et du synthé, des tambours hypnotiques et une riche et belle ligne de basse. En plus de cela, Nik Turner fait sa magie, en chantant ou en improvisant avec le saxophone. Le morceau se caractérise par plusieurs arrêts après lesquels le groupe décolle à nouveau, laissant l'auditeur anxieux pour une nouvelle séquence de sax déformé, de la guitare ou des voix plus étranges. Il présente même un peu de phasage pour faire bonne mesure. L'ambiance doit beaucoup à un travail sérieux en studio avec deux pistes de guitare rythmique (distorsions différentes), deux pistes de sax improvisation (également toutes deux filtrées) et des voix en arrière.
"Masters of the Universe" se termine par une explosion déformée, une conclusion appropriée à la psychédélie explosive qui a été explorée.
Et puis, des cendres du martèlement incessant de "Masters of the Universe", monte le phénix de "We Took The Wrong Step Years Ago", projetant des rayons de guitares acoustiques 12 cordes chatoyantes sur les oreilles de l'auditeur. Ce point culminant incroyablement émouvant déplace l'album immédiatement dans une direction plus douce et plus réfléchie, un peu folky, agissant comme une sorte de révélation dans l'abîme des guitares martelantes et de la batterie agressive qui l'entoure. Le son acoustique est chaleureusement accueilli après la cascade de distorsions agressives, et le scintillement des guitares ajoute un contraste bien nécessaire au disque. Les paroles de cette chanson sont d'une belle simplicité, un appel important aux citoyens de la terre à prendre soin de leur habitat.
Cette piste qui semble refléter les préoccupations environnementales qui se posaient à l'époque est une complainte pour la direction que l'humanité a prise qui apporte un changement de rythmes entraînants et convaincants avec ses passages de guitare acoustique dominants, se penchant ainsi un peu plus près de l'Acid Folk.
Le début folklorique est accompagné de mouettes qui sont finalement remplacées par le synthé produisant des sons similaires. Le reste du groupe se joint brièvement à mi-chemin, mais laisse finalement le synthé tout seul.
Ceci est suivi de "Adjust Me" qui n'est qu'une bouffée de folie improvisée et donc moins structurée. Le morceau est tout simplement étrange et progressif dans sa structure abandonnant les marques de rock familières, mais s'intègre bien dans l'album en générant des paysages sonores éthérés.
C'est une piste trippante où le groupe fait le pont entre le pur Psyché et le Space Rock, avec un générateur audio et un saxo filtré en vedette. Ce morceau est tout simplement incroyable, un ensemble instrumental mi-chaotique mi-dramatique d'humeurs cosmiques dans lequel le saxo déformé et le synthétiseur de générateur audio occupent une place centrale parmi le schéma sonore sauvage qui continue de se développer avec une volonté de fer. Hawkwind déclare une alliance sonore avec Pink Floyd de l'époque "Ummagumma" et ​​le Krautrock de leurs cousins Allemands.
C'est également l'un des premiers exemples de l'utilisation de voix manipulées par le groupe, résultant en une interprétation robotique intéressante.
"Adjust Me" suit un format similaire aux précédents jams psychédéliques qui sont présentés sur l'album, mais cette fois il y a une approche patiente et plus subtile de l'improvisation. Cette piste a plus une saveur exotique que les jams précédentes,qui est créé par le manque de distorsion et l'abondance d'instruments acoustiques qui caractérisent son son.
Le disque se termine magnifiquement avec "Children Of The Sun", qui ressemble à une version plus douce de "Master Of The Universe", avec un chant acoustique à la guitare sur les rêves de liberté spirituelle, très hippie.
Le Space Rock est entré à l'avant-garde du Rock avec cet effort incroyable des 'Space Gods" d'Hawkwind. Une grande partie du matériel de cet album sera utilisée dans l'épopée live "Space Ritual". Del Mik, Brock et Anderson sont à l'apogée de leurs pouvoirs sur ce classique.
Cela sonne différemment du reste de l'album, et en tant que dernier morceau, cela peut marquer les esprits. Il n'utilise que trois instruments: une guitare acoustique stable et grattante, une guitare électrique subtile et une flûte qui sonne comme si elle venait de sous l'eau.
Cette chanson avec un riff lent et une flûte spacieuse qui mélange Folk Rock et encore Psychédélisme aurait mérité un traitement plus long. Enregistré probablement pour être un morceau radiophonique, quelque chose a dû mal se passer et la chanson n'a pas été produite.
Cette piste résume avec brio le son du disque, avec un riff de guitare et de basse répétitif, légèrement agrémenté d'un son de flûte aspirée et des profondes réverbérations d'un gong. Cette charmante résolution de l'album laisse le disque s'envoler dans la platine, un souvenir du voyage qui a eu lieu qui conclut l'album avec le son hippie Acid Folk qui se retrouve dans tout l'album.
Plus de voix de réverbération inversée, la voix de Brock est exceptionnelle. De belles flûtes wah-wah contribuent à ajouter suffisamment de procédure pour que Black Sabbath vole rapidement le son et le mette sur leur propre "Planet Caravan", leur propre offre spatiale.
"Children Of The Sun" sonne comme une introduction d'une épopée qui n'existera jamais. Une bonne chanson spatiale qui aurait mérité bien plus si elle avait été prolongée de manière appropriée.

"In Search of Space" a remporté un grand succès commercial, atteignant le numéro 18 dans les Charts des albums Britanniques. Cet opus a offert un raffinement de l'image et de la philosophie du groupe avec la permission du graphiste Barney Bubbles et de l'écrivain de presse underground Robert Calvert, comme décrit dans le livret Hawklog qui l'accompagnera, qui sera ensuite développé dans le spectacle scénique "Space Ritual". L'auteur de science-fiction Michael Moorcock et la danseuse Stacia ont également commencé à contribuer au groupe.
C'est l'un des albums emblématiques du début des années 70, mais ce n'est pas encore un chef-d'œuvre, certains moments sont même un peu difficiles pour les auditeurs et le groupe s'est heureusement avéré capable de produire une musique encore bien meilleure.
Hawkwind a eu de nombreuses années et de nombreuses autres versions pour développer leur son, mais alors que bon nombre de leurs albums suivants sont magistraux, chaque version ultérieure les a éloignés de la véritable puissance cosmique de leur son spatial d'origine. Ce sera dans "Doremifasol Latido" et d'autres albums suivants que le groupe concrétisera sa voie musicale dans sa définition ultime, mais "In Search Of Space" montre que le groupe n'est pas seulement sur la bonne voie, il est assis au bon endroit de où le point culminant et les progrès ultérieurs peuvent être correctement démarrés.

Un peu après la sortie du disque, le groupe a changé de batteur et de bassiste, en prenant Simon King (qui restera pendant une décennie) et
Ian Fraser 'Lemmy' Kilmister (Lemmy étant un surnom venant de Lemme, abréviation de Let me a few money, qui viendrait du fait que, dans sa vie de jeune adulte, il était fauché et demandait sans cesse de l'argent à ses amis, qui ont immortalisé ainsi ce détail en le surnommant Lemmy) qui n'avait jamais joué de la basse auparavant. Robert Calvert a lentement assumé un rôle plus important en tant que chanteur juste pour avoir une dépression qui l'a hospitalisé.

Dik Mik avait quitté le groupe, remplacé par l'ingénieur du son Del Dettmar, mais a choisi de revenir pour cet album donnant au groupe deux joueurs d'électronique. Le bassiste Dave Anderson, qui avait fait partie du groupe Allemand Amon Düül II, avait également rejoint et joué sur l'album mais était parti avant sa sortie en raison de tensions personnelles avec certains autres membres du groupe. Anderson et Lloyd-Langton ont alors formé la formation éphémère Amon Din.
Pendant ce temps, Ollis démissionne, mécontent de la direction commerciale dans laquelle se dirigeait le groupe.

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L'ajout du bassiste Ian 'Lemmy' Kilmister et du batteur Simon King propulsa le groupe vers de plus hauts sommets.
L'un des premiers concerts du groupe a été un avantage pour les Greasy Truckers à The Roundhouse le 13 février 1972. Un album live du concert, "Greasy Truckers Party", est sorti après avoir réenregistré la voix.

Un single, "Silver Machine", a également été édité, atteignant le numéro 3 dans les Charts Britanniques.

Cela a généré des fonds suffisants pour l'album suivant "Doremi Fasol Latido", Space Ritual tour. Le spectacle mettait en vedette les danseuses Stacia et Miss Renee exécutant généralement des seins nus ou portant uniquement de la peinture pour le corps, l'artiste mime Tony Carrera et un spectacle de lumière de Liquid Lenet a été enregistré sur le package élaboré Space Ritual.

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"Doremi Fasol Latido" est sorti en Novembre 1972 sur le label United Artists. Enregistré au pays de Galles, dans les studios Rockfield, au Pays de Galles, entre Septembre et Octobre 1972, il est produit par Dave Brock et Del Dettmar. L'enregistrement a été rapide! Ce qui explique vraisemblablement que la production de l'album soit aussi moyenne, le son est caverneux, monolithique, et, sincèrement, ne reflète pas totalement la puissance de feu du groupe.

Hawkwind est alors constitué de Dave Brock au chant, à la guitare électrique et acoustique; de Lemmy Kilmister (basse, choeurs, chant sur un titre); de Nik Turner (saxophone, chant); de Dik Mik et de Del Dettmar ((synthétiseurs); de Simon King (batterie); et, sur scène, d'une certaine Stacia, une danseuse plantureuse qui évoluait nue ou presque, peinturlurée, pendant les concerts, partie intégrante de l'univers d'Hawkwind.

La nouvelle section rythmique composée de Lemmy et Simon King a un style notablement bien différent de la précédente. Cela a changé la direction musicale globale du groupe. Lemmy était un guitariste incompétent avoué qui a utilisé le volume et la mise en scène pour couvrir son manque de capacité. Il est devenu bassiste par accident après avoir rejoint le groupe, pensant qu'il remplaçait Huw Lloyd-Langton. Lemmy a dit: "...Je connaissais le guitariste car il a pris huit comprimés d'acide et ensuite on ne l'a plus vu depuis cinq ans...".

Cependant, Dave Brock a décidé de jouer le rôle principal et de continuer sans deuxième guitariste. Le bassiste de Hawkwind ne s'est pas présenté et Lemmy était disponible. Il a dit: "...J'ai appris à jouer de la basse sur scène avec Hawkwind… Je sors sur scène avec cette basse autour du cou, et c'était aussi une Rickenbacker. Le bassiste, comme un idiot, a laissé sa basse dans le camion. J'apprends donc. Nik Turner dit de faire des bruits en E. Celui-ci s'appelle 'You shouldn't Do That'...". Puis il s'éloigne.
Cela a, par conséquent, conduit à la technique très peu orthodoxe de Lemmy. Celui-ci a déclaré: "...Je ne joue pas comme un bassiste. Il y a de temps à autre des plaintes à mon sujet. Ce n'est pas comme avoir un bassiste; c'est comme avoir un guitariste profond...".

Les percussions de King étaient plus rythmées et 'rock' que celles d'Ollis qui étaient plus jazzy.

Rockfield Studios était à ses balbutiements et l'environnement à l'époque était spartiate, Lemmy expliquant qu'ils "...l'ont enregistré dans la grange, avant de le moderniser, avec des matelas sur les murs et tout ça...". Certains membres du groupe ont exprimé des inquiétudes quant à la qualité de la production, Simon King estimant que "...Cela sonnait comme si toutes les basses étaient éteintes, votre ampli ne fonctionnait pas correctement et votre chaîne stéréo était groupée en même temps...". et Lemmy ajoutant "...Ce n'était tout simplement pas très bien enregistré. C'était tout mince et minuscule...".
Dave Brock a expliqué leur méthode de travail: "...Nous avons enregistré la basse, la guitare, la batterie et le chant ensemble, donc c'est aussi live que possible, puis nous avons mis les autres choses après ... Nous avons simplement laissé les bandes tourner et jouer comme nous faisons quand nous jouons en live; faites une piste de trois heures, puis découpez-la en morceaux, utilisez un morceau comme section complète, et joignez-le à un autre morceau avec un lien de synthétiseur ou quelque chose ... C'est improvisé, mais c'est ensemble en premier lieu...".

De nouvelles versions acoustiques de "Down Through The Night" et "The Watcher" ont été incluses dans "The Road to Utopia" (2018), produites et arrangées par Mike Batt avec des orchestrations supplémentaires, et une apparition comme invité d' Eric Clapton sur "The Watcher".

Le package de la pochette a été à nouveau réalisé, assemblé et intitulé par le graphiste Anglais Barney Bubbles (qui a conçu également le poster inclus dans la version originale du disque) et c'est une continuation sur des thèmes qu'il a introduits avec "In Search of Space", réalisé et culminant dans le Space Ritual. Le titre fait référence à l' attribution de syllabes aux pas de l' échelle diatonique ( Do-Ré-Mi , etc.). Il fait allusion à la musique des sphères sur laquelle Barney Bubbles expose:
Le principe de base du vaisseau spatial et du rituel spatial est basé sur le concept pythagoricien du son. En bref, cela a conçu l'Univers comme un immense monocorde, avec sa corde unique tendue entre l'esprit absolu et à son extrémité inférieure - la matière absolue. Le long de cette chaîne étaient positionnées les planètes de notre système solaire. On pensait que chacune de ces sphères se précipitant dans l'espace émettait un certain ton provoqué par son déplacement continu de l'éther. Ces intervalles et harmonies sont appelés 'le son des sphères'. L'intervalle entre la Terre et les étoiles fixes étant l'intervalle harmonique le plus parfait.
Do - Mars - rouge
Re - Soleil - orange
Mi - Mercure - jaune
Fa - Saturne - vert
Sol - Jupiter - bleu
La - Vénus - Indigo
Ti - Lune - violet

La pochette d'origine est livrée dans une pochette en feuille d'argent sur fond noir, la face avant représentant une sorte de bouclier qui est devenu une identité et qui deviendra un emblème pour le groupe, utilisée sur de nombreux autres albums et pochettes individuelles.
A l'intérieur (sous-pochette), on a un dessin représentant une horde de guerriers de type barbares dans des décors futuristes, à cheval, sur fond orangé, on distingue des soucoupes volantes dans le ciel, rétrofuturisme absolu. Le gros souci concernant cette illustration qui s'étend sur une double page est qu'elle n'est pas imprimée à l'intérieur d'une pochette ouvrante, mais sur les deux côtés de la sous-pochette renfermant le disque! Au dos de pochette, on voit une illustration spatiarte assez étrange, et avec, aussi, sur la sous-pochette, un texte assez fantasy pour illustrer le propos. Le groupe possède une dimension SF / fantasy importante, Michael Moorcock, auteur de SF / fantasy, écrira des textes, des chansons pour le groupe par la suite!
Pour le fun, voici le texte de la sous-pochette (dans le phylactère), situé dans le livret CD aussi:
The Saga of Doremi Fasol Latido is a collection of ritualistic space chants, battle hymns and stellar songs of praise as used by the family clan of Hawkwind on their epic journey to the fabled land of Thorasin. The legend tells of the Hawklords last and defeated stand against the "tyranny of the corrupt forces for law and evil", but the inner sleeve has redemption in the legend : And in the fullness of time, the prophecy must be fulfilled and the Hawklords shall return to smite the land. And the dark forces shall be scourged, the cities razed and made into parks. Peace shall come to everyone. For is it not written that the sword is key to Heaven and Hell ?
(La saga de Doremi Fasol Latido est une collection de chants spatiaux rituels, d'hymnes de combat et de chants de louange stellaires utilisés par le clan familial de Hawkwind lors de leur voyage épique vers la terre légendaire de Thorasin. La légende raconte que les Hawklords derniers ont résisté pour la dernière fois à la "tyrannie des forces corrompues pour la loi et le mal", mais la pochette intérieure a le rachat (la rédemption) dans la légende: Et dans la plénitude des temps, la prophétie doit s'accomplir et les Hawklords retourneront pour frapper la terre. Et les forces obscures seront flagellées, les villes rasées et transformées en parcs. La paix reviendra pour tous. Car n'est-il pas écrit que l'épée est la clé du ciel et de l'enfer?)...

"Doremi Fasol Latido" possède un son sensiblement plus heavy que les albums précédents sans doute en raison de l'attaque féroce des cordes par Lemmy ainsi que de la sensibilité plus Rock de King.
Puissant de bout en bout, l'album est un concept album classique du Space Rock et du Hard Rock. Le groupe n'avait pas de gros moyens à leurs dispositions et le studio Gallois de Rockfield n'est pas Abbey Road ou le Record Plant de Los Angeles, loin de là. Avec les moyens du bord, le groupe a cependant réussi un disque puissant, monstrueux même qui, malgré le son, est, finalement, quasiment parfait.

C'est un disque lourd, étouffant, cavernaux, très noir au final, mais noir comme l'infini de l'Espace que le groupe ne cesse de chanter depuis maintenant deux ans.
C'est assurément l'album qui consacre le génie d'Hawkwind, après deux albums de tatonnements. Ses ambiances sont variées, mais cette hétérogénéité apparente masque en réalité une véritable cohésion. "Doremi Fasol Latido" forme un tout, un ensemble lourd et solide, et au final un recueil d'hymnes Space Rock essentiels. Il s'agit véritablement de l'album sur lequel la présence de Lemmy est la plus visible, et son influence y est déterminante dans les sonorités lourdes du disque.

Dès son entrée au sein de l'équipage, la présence de Lemmy provoque un déclic sur la direction musicale recherchée car celui-ci fait déjà sensiblement du Motörhead avant l'heure! Son arrivée au sein du groupe en 1971-72 est effectivement une étape décisive dans l'évolution du son d'Hawkwind vers des sonorités résolument Metal, sonorités que le groupe aura quelque peu tendance à abandonner à la fin des années 70 avant d'y revenir complètement dans les années 80.

La presse musicale Britannique a chaleureusement reçu l'album, Nick Kent dans New Musical Express avouant "...J'aurais honte de dire que je ne l'aimais pas...", décrivant la musique comme un accord à court de "...l'enjoliveur cosmique à haute énergie le plus fort de ce côté de la Metal Zone ...".
Andrew Means de Melody Maker a commenté que "...Ce n'est pas de la mélodie et ce n'est pas de l'harmonie, et ce n'est pas vraiment du rythme... c'est de l'ambiguïté. C'est le sillage espacé, le torrent bruyant et gargouillis de son en apesanteur qui transforme d'abord le cercle d'images mentales, d'associations et d'impressions tirées de l'espace, du temps et de la terre... L'auditeur est autant un voyageur qu'un musicien...".
Martin Hayman de Sounds Magazine a, quant à lui, décrit la musique comme "...la basse et la batterie battent avec un rythme inébranlable, des synthétiseurs tourbillonnent et sifflent autour des riffs de blocs tonitruants dont la répétition sans fin génère cette hypnose engourdie, des voix sans accord et menaçantes incantant des paroles largement incompréhensibles. Ce n'est pas pour frapper Hawkwind: le son qu'ils obtiennent est plus épais, plus complet, plus convaincant que jamais. Son effet total est assez dévastateur, mais le moyen par lequel l'effet est obtenu n'est pas une révolution dans le son...".

L'album n'offre que sept titres, mais quels morceaux!

Le disque s'ouvre en fanfare avec la très heavy "Brainstorm" qui est la première composition solo de Turner pour le groupe, et elle comporte une section médiane étendue qui sera retravaillée au fil des ans (y compris le solo de batterie de Ginger Baker en 1980). Avant son apparition sur cet album, le morceau avait été enregistré le 2 Août 1972 au studio Maida Vale de la BBC pour diffusion sur le Johnnie Walker Show avec "Silver Machine", suivi d'une apparition sur la BBC d'une heure en concert diffusée depuis Paris Cinéma le 28 Septembre 1972. Il est presque resté omniprésent dans le set live avec de nombreuses versions live en cours de sortie, et a été repris par Monster Magnet sur leur album de 1993, "Superjudge".
"Brainstorm" est le morceau le plus long de l'album, plus de onze minutes de folie spatiale et heavy. Le morceau commence directement par un riff mortel, immédiatement suivi de la basse de Lemmy et de ruades de batterie fantastiques. Un morceau qui décolle, embarque l'auditeur dans un voyage stellaire ahurissant, une décharge d'électricité constante.
Alors que cette chanson présente une nouvelle version Rock plus Hard du Rock Spatial lancé comme un missile avec le premier album éponyme, il jette immédiatement un sort hypnotique avec le groove de basse explosif de Lemmy augmenté par les bouffonneries de guitare grésillantes de Brock. La basse est plus que marquée, semblant assurer l'essentiel de la structure du morceau. Après avoir établi un contrôle ferme, la piste se transforme en véritable gazon de Space Rock.
"Brainstorm" n'est, semble-t'il, pas sans rappeller "You Shouldn't Do That", première piste du précédent opus, même si l'on a affaire, ici, à quelque chose de foncièrement plus musclé. Le changement de personnel a été d'un grand intérêt.
En écrivant cette chanson, le saxophoniste et flûtiste Nik Turner permet de lancer un excellent groove de Rock Spatial qui permet à ses compétences de souffle de montrer une frénésie époustouflante pendant le passage de folie majeure de la piste vers le milieu.
La chanson suivante, "Space Is Deep", revient à des atmosphères plus feutrées et plus acoustiques.
Les paroles sont dérivées du poème "Black Corridor" de Michael Moorcock. La première partie vocale est une pièce acoustique jouée à la fois par Dave Brock sur une guitare 12 cordes et Lemmy avec des effets électroniques en couches, la deuxième partie instrumentale étant le groupe complet dans un entraînement électrique, revenant finalement à une coda acoustique.
Le morceau a été retiré du set live en 1973 alors que le groupe s'éloignait du show Space Ritual, ne ressuscitant que brièvement pour quelques spectacles de retrouvailles en 2000, dont une version peut être entendue sur l' album "Yule Ritual".
"Space Is Deep" est un morceau d'apparence plus reposant, le chant est posé (Brock chante bien), l'ambiance est assez spatiarte, mais aussi plus floydienne que Metal. Si on excepte un passage monstrueux avec la basse, encore, qui viole littéralement les oreilles de l'auditeur, dans son centre, faisant intervenir des synthés de Dik Mik et Dettmar.
C'est ainsi une véritable ode à l'infini de l'Espace, très influencée, par exemple, par les essais folks de Led Zeppelin et magnifiée par la voix de Brock.
"One Change" est un bref instrumental calme avec une contribution aux claviers fortement en écho de Del Dettmar. Ce morceau atmosphérique n'a qu'une importance relative, il n'est là qu'en interlude... Cet instrumental, musicalement joli est une grosse bizarrerie puisqu'il est composée uniquement d'une basse et d'un piano. L'ambiance distillée par la succession des deux derniers titres est une franche réussite: l'ambiance spatiale y est à son paroxysme, l'auditeur ne peut que s'extasier devant le Cosmos qui se présente alors à lui dans toute son immensité.
La seconde face, encore plus fantastique, démarre en fanfare avec les sept minutes apocalyptiques de "Lord Of Light". Intro stellaire, floydienne, et morceau qui, rapidement, décolle.
Ce titre est chanté par Dave Brock mais demeure plus que soutenu par la présence de Lemmy dont les lignes de basse recherchées font de cette chanson un vrai titre de Speed Hard Rock avant l'heure, toujours émaillé de quelques touches psychédéliques.
La basse de Lemmy est vraiment mortelle. Dire qu'il a empoigné la basse pour rendre service au groupe, lui qui n'était, avant, qu'un simple roadie! Sur cette chanson, la basse fait encore des merveilles et c'est elle qui mène la danse.
Une version éditée de "Lord of Light" (voir "Lord of Light" de Zelazny) est sortie en single en Allemagne en Juin 1973, soutenue par une version éditée de "Born to Go" de l' album "Greasy Truckers Party".
Ce morceau a été retiré du set live au milieu des années 1970, mais réintégré pour la tournée "Alien 4" de 1995, une version étant publiée en face B du single "Love in Space" de 1997.
"Down Through the Night" est un autre morceau acoustique, une sorte de ballade Folk futuriste écrite par Brock avec de l'électronique en couches, des flûtes et des voix à écho inversé. Pour le set Space Ritual, il comportait la bande électrique complète.
C'est une pure merveille, douce, l'exact opposé des deux morceaux qui la sandwichent sur l'album. Le chant de Brock est parfait, et les flûtes suramplifiées et les guitares sont de retour pour cette nouvelle comptine à la gloire de l'Espace.
"Down Through The Night" offre, dans les faits, un autre répit plus doux mais il ne se contente pas de copier et de dépasser "Space Is Deep", il crée plutôt un mélange angulaire frénétique d'une grosse instrumentalisation de guitare acoustique avec des sons de flûte chuchotant dans l'espace résonnant du ciel. Les vents électroniques fortifiés imitent un ouragan avec certaines des voix les plus répétées de tout l'album.
Titre Doom ralenti au son résolument Metal, "Time We Left (This World Today)" est une chanson en quatre mouvements, le premier étant un appel scandé et une réponse déplorant la direction dans laquelle la société se dirigeait dans la même veine que Brock explorait avec "We Took the Wrong Step Years Ago". Le deuxième mouvement est un passage de dissonance instrumentale menant au troisième mouvement mettant en vedette une puissante basse et un échange de guitare solo, revenant finalement au premier mouvement. Il est apparu dans le set Space Ritual avec "Paranoia" remplaçant la section centrale, et a également fait une apparition en 1989-1991 avec "Heads" comme section centrale, comme on peut l'entendre à Palace Springs.
C'est une longue jam bien Boogie sur laquelle Lemmy est encore une fois énormément mis en valeur, puisque sa basse ronronne de façon omniprésente et qu'il assure les choeurs..
Ce déluge de puissance avec une ambiance bien prenante ressemble d'ailleurs parfois à s'y méprendre aux premiers essais Doom psychédéliques de Black Sabbath. Le morceau est un petit peu long, mais quelle transe, là encore, et quelle basse! Les saxophones saturés et les phrases répétées en boucle sont de nouveau de sortie, et la fin du morceau se perd dans les constellations d'improvisations infinies lourdes et mégalithiques.
C'est une autre méthodologie complètement différente avec des riffs de guitare bluesy Heavy et des voix d'appel et de réponse des différents membres. Bien que les effets sonores électroniques soient présents, ils sont atténués en toile de fond. Les guitares sonnent légèrement désaccordées, ajoutant une touche de dissonance avant-gardiste qui permet à la piste de se développer en mouvements progressifs plus bizarres qui, malgré une puissance constante sur la piste, trouvent l'interaction instrumentale de plus en plus expérimentale et libre. Les rythmes syncopés et le chant tombent dans un brouillard psychédélique d'un groove répétitif avec des changements subtils qui évoluent en de nouvelles variations.
L'album se clôt enfin sur "The Watcher", petite chanson acoustique spacieuse avec fuzz-bass chantée par Lemmy. C'est aussi la première composition de Lemmy pour Hawkwind qui a été appelée la toute première chanson de Motorhead.Bien qu'il ne soit interprété que sur une guitare acoustique avec une basse floue, ce morceau psychédélique qui raconte la destruction de la Terre par la cupidité humaine du point de vue de l'espace, a le style de Lemmy estampillé partout.
Les paroles ont été écrites du point de vue de quelqu'un de loin (peut-être Dieu ou une race de maîtres extraterrestres) regardant les habitants de la Terre se détruire par leur propre cupidité. C'est la seule chanson de l'album qui ne figurait pas dans le set Space Ritual, mais elle a fait une brève apparition en 1973 et 1974, comme on peut l'entendre sur "The 1999 Party", légèrement réarrangé comme une performance de groupe plus uptempo.

"Doremi Fasol Latido" est devenu un véritable monument de l'Histoire du Rock et Hawkwind était au sommet de son art après que cet album soit entré en scène.
L'énergie Rock explosive de Lemmy était finalement exactement ce qui manquait au groupe dans leurs premières années et les conduira à traverser la meilleure période de leur carrière jusqu'à ce qu'un Lemmy agité découvre que la musique Heavy Metal était sa véritable vocation.
Avec le single non-album "Silver Machine" dans le top 40 et la tournée réussie, le succès énorme de cet album et la popularité du matériel qui le compose sera les principaux ingrédients musicaux de l'album live monumental du groupe en 1973 "Space Ritual", qui présentait tous les morceaux de "Doremi Fasol Latido" à la seule exception de "The Watcher".

Au plus fort de ce succès, en 1973, le groupe sort le single "Urban Guerrilla", qui coïncide avec une campagne de bombardements de l'IRA à Londres, donc la BBC refuse de le jouer et la direction du groupe décide à contrecœur de le retirer par crainte d'accusations d'opportunisme, bien que le disque ait déjà grimpé au 39e rang des Charts Britanniques.

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"Space Ritual", ou "The Space Ritual Alive in Liverpool and London" est sorti en 1973 sur le label United Artists.
La pochette est à nouveau réalisée par Barney Bubbles.

C'est le premier album live du groupe, enregistré lors de deux concerts de la tournée de promotion de l'album "Doremi Fasol Latido", donnés le 22 Décembre 1972 au Liverpool Stadium et le 30 Décembre au Brixton Sundown. Il est composé majoritairement de titres de "Doremi Fasol latido", mais comporte aussi de multiples interludes (notamment des poèmes de Robert Calvert et de Michael Moorcock) qui relient les titres entre eux pour donner un concert sans interruption.

Trois nouveaux titres ("Born to Go", "Upside Down" et "Orgone Accumulator") font aussi leur apparition sur cet album. Cependant le hit single "Silver Machine" n'est pas présent sur cet album et seul "Master of Universe" provient des deux premiers albums du groupe.

"Space Ritual" est un excellent document de la formation classique de Hawkwind, composée de Dave Brock, guitare et chant; de Robert Calvert, narration; de Nik Turner, saxophone, flûte et chant; de Lemmy Kilmister, basse et chant; de Dik Mik et Del Dettmar , synthétiseur; et de Simon King, batterie. soulignant le statut du groupe en tant que pionnier du Space Rock.
En tant que 'groupe populaire' par excellence, Hawkwind a porté l'idéalisme contre-culturel des années 60 dans les années 70, jouant constamment, jouant partout où il y avait un public, et même jouant gratuitement pendant cinq jours consécutifs en dehors du Festival de l'île de Wight de 1970. Les performances multimédias du groupe étaient l'accompagnement parfait pour explorer l'espace intérieur et imaginer l'espace extra-atmosphérique.

Bien que non concerné par les pièges matériels du Rock, Hawkwind étaient, ironiquement, parmi les groupes de travail les plus durs en Grande-Bretagne, avec en moyenne une émission tous les trois jours au cours de l'année précédant ces enregistrements. Compte tenu de toute cette pratique, il n'est pas surprenant que les performances rassemblées ici soient incroyablement abouties.

Le spectacle 'Space Ritual' a tenté de créer une expérience audiovisuelle complète, représentant des thèmes développés par Barney Bubbles et Robert Calvert mêlant le fantasme des 'starfarers' dans une animation suspendue voyageant à travers le temps et l'espace avec le concept de la musique des sphères. La performance a présenté les danseuses et danseurs Stacia, Mlle Renee, Jonathan Carney et Tony Carrera, mis en scène par Bubbles, un lightshow par Liquid Len et des récitations de poésie par Calvert. En entrant dans la salle, les membres du public ont reçu un programme (reproduit sur le CD remasterisé de 1996) avec une courte histoire de science-fiction de Bubbles mettant le groupe dans un scénario de retour sur Terre de Starfarers.

La version originale comportait des modifications et des overdubs, les notes de la pochette expliquant que "...Nous avons dû couper un morceau de "Brainstorm" et de "Time We Left" parce qu'ils étaient trop longs...", mais l' album de 1985, "Space Ritual Volume 2" contient les versions complètes non éditées. Une version éditée jusque-là inédite de "You Shouldn't Do That" (avec un "Seeing It As You Really Are" non répertorié) de ce concert a été incluse sur l' album de compilation "Roadhawks" de 1976, puis incluse en bonus sur le CD remasterisé de 1996. La version intégrale non éditée de la piste se trouve sur l' album "Hawkwind Anthology".

Le spectacle de la tournée Space Ritual avait été conçu comme un opéra de Rock Spatial, son mélange d'électronique de science-fiction, de grooves psy-fi fascinants et de jam lourde et terrestre, ponctué d'interludes de mots parlés du poète astral Bob Calvert. Bien que ses réflexions intergalactiques datent de l'album, apparaissant maintenant comme du futurisme de camp, elles fournissent toujours des préambules atmosphériques appropriés aux sons stupéfiants et déformants de Hawkwind. Le récital maniaque de Calvert de "Sonic Attack" de Michael Moorcock, par exemple, est un exercice de tension qui explose par la suite sur le remuant "Time We Left This World Today"; avec le saxo d'un autre monde de Nik Turner, la distorsion de guitare de Dave Brock et la section rythmique terrienne de Simon King et Lemmy, ce morceau offre un plan pour le matériel le plus puissant de l'album.
Un autre inédit, "Orgone Accumulator", dix minutes de Reich & Roll hypnotiques (Wilhelm) pourraient être le chaînon manquant entre Booker T. et Stereolab.
Une publicité de 1973 décrivait "Space Ritual" comme "88 minutes de lésions cérébrales"; cette caractérisation est toujours vraie.
A noter que "Sonic Attack" était prévu pour une sortie en single, des copies promotionnelles étant distribuées dans une pochette en tissu, mais il n'a jamais reçu de version complète.

Le disque est entré dans le Top 10 dans les charts Britanniques en se classant à la 9e place et il sera le premier album du groupe à entrer dans le classement du Billboard Top 200, au numéro 159, aux États-Unis.
Dans la Classic Special Edition 'Pink Floyd & The Story of Prog Rock' de Q & Mojo, l'album est arrivé numéro 8 dans sa liste de "40 Cosmic Rock Albums". L'album a également été inclus dans le livre '1001 Albums You Must Hear Before You Die' au numéro 276.

Après la sortie de "Space Ritual", le chanteur Robert Calvert s'est mis en retrait du groupe pour enregistrer son premier album solo, "Captain Lockheed and the Starfighters", et le joueur d'électronique Dik Mik Davies a quitté le groupe en 1973 après un concert donné à Rome pour s'y installer, laissant le groupe à cinq.

En Novembre et Décembre 1973, Hawkwind a entrepris sa première tournée live en Amérique du Nord avec dix dates. Pendant ce temps, Del Dettmar a acheté un terrain près de Calgary au Canada et il a signalé au groupe son intention d'émigrer plus tard, lui et sa femme enceinte.

Le groupe a continué de faire de nombreuses tournées en Grande-Bretagne et en Irlande de Décembre à Février sous la bannière "The Ridiculous Roadshow with the Silly Hawkwind Brothers". À cette époque, leur set live avait été réorganisé et contenait ce qui allait devenir la majeure partie de cet album.

Deux dates, les 25 et 26 janvier 1974, au Edmonton Sundown ont été l'occasion d'auditionner Simon House en tant que remplaçant de Dettmar, comme claviériste et violoniste. House était un ancien membre du groupe de Rock Anglais, High Tide, qui partageait la même société de management, Clearwater Productions de Douglas Smith.
Ces dates ont été enregistrées professionnellement, avec les performances de "You'd Better Believe It", "Paradox" et "It's So Easy" qui apparaitront sur l'album et les singles, mais avec des overdubs en studio.

Le groupe est retourné en Amérique du Nord une seconde fois pour une tournée plus complète de 22 dates en Mars et Avril sous la bannière "1999 Party", emmenant tout leur entourage avec eux, notamment la danseuse Stacia, MC et DJ Andy Dunkley, un spectacle de lumières de Jonathan Smeeton (Liquid Len) et le soutien, en première partie, de leurs camarades du label United Artists Records, Man.
Bien que Dettmar n'ait pas encore quitté le groupe, House a rejoint le groupe pour cette tournée, mais n'ayant pas le permis de travail approprié, ses performances étaient strictement non officielles.
Les spectacles de Chicago et Detroit des 21 et 23 Mars ont été enregistrés professionnellement, le premier étant sorti en 1997 sous le nom de "The 1999 Party".

Del Dettmar a finalement annoncé qu'il quittera le groupe après l'enregistrement du prochain album pour s'installer définitivement au Canada.
A son retour, le groupe s'est installé à Clearwell Castle, dans la forêt de Dean, dans lequel un studio d'enregistrement et de répétition avait été installé, non loin de la frontière du Pays de Galles pour répéter ses nouveaux titres.

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Hawkwind est ensuite entré dans les Olympic Studios de Londres pour enregistrer leur nouvel opus,"Hall of the Mountain Grill", en Mai et Juin, avec l'aide des producteurs Doug Bennett et Roy Thomas Baker.
Les singles principaux "Psychedelic Warlords (Disappear In Smoke)" / "It's So Easy" au Royaume-Uni et une version alternative de "You'd Better Believe It" / "Paradox" en France et en Europe ont été publiés le 2 Août, suivi de l'album le 6 Septembre.
Ces quatre morceaux sont apparus sur la réédition 2001 du CD de l'album par EMI.
Un EP avec "The Psychedelic Warlords", "Hall of the Mountain Grill", "D-Rider" et "Wind of Change" est sorti en promo aux Etats-Unis en 1974.

"Hall of the Mountain Grill", sorti en 1974, est considéré par de nombreux critiques comme un moment fort de la carrière du groupe, en studio. Il est sorti le 6 Septembre 1974 sur le label United Artists et a été produit par Roy Thomas Baker, Doug Bennett et Hawkwind.
C'est le premier album d'un nouveau line-up qui comprend Simon House au synthétiseur, Mellotron et violon électrique.
Le titre de l'album était un clin d'œil à "In the Hall of the Mountain King" d' Edvard Grieg et à un café de Portobello Road appelé The Mountain Grill (maintenant fermé), fréquenté par le groupe au début des années 1970. La couverture de la pochette, un vaisseau spatial abandonné dans les brumes d'un lagon extraterrestre a été peinte par le collaborateur artistique régulier du groupe, Barney Bubbles. Le verso a été réalisée par l'artiste spatial David A. Hardy.

Au moment de la sortie de l'album, Simon King a déclaré: "L' album Doremi manquait de production. Je n'étais pas vraiment content du Space Ritual non plus. Mais le nouveau - j'en suis assez content. J'aime la première face parce que je pense c'est quelque chose que nous n'avons jamais fait auparavant. Ouais - je suis satisfait de la moitié du nouvel album." Lemmy a commenté plus tard que "Pour moi, c'était quand le groupe était à leur apogée. Oh, et j'étais dans le groupe à l'époque." (Classic Rock, Avril 2006), le classant comme n ° 3 dans "My Top British Rock Albums".

Après avoir sorti des disques à un rythme uniforme d'un par an depuis 1970, le groupe s'est consacré à des tournées constantes pendant un certain temps (mettant en scène leur set séminal Space Ritual), ce qui a à son tour déclenché un changement d'attitude et de personnel. Le violon classique et l'épopée Mellotron joués par le nouveau venu Simon House ont introduit une grandeur presque symphonique au son de Hawkwind, renforçant les obsessions cosmiques du groupe au nième degré, comme l'illustre le paysage de rêve extraterrestre lumineux représenté sur la couverture arrière.
Avant d'entrer dans la musique, la pochette à elle seule est devenue une icône du Rock, élue comme l'une des meilleures pochettes d'album de tous les temps dans de nombreuses listes d'albums respectées. Le vaisseau spatial Hawkwind s'est écrasé sur cette couverture, un symbolisme prophétique peut-être d'albums à suivre qui manquent parfois la cible.

"Hall of the Mountain Grill" est un changement majeur dans le son par rapport à l'album studio précédent, "Doremi Fasol Latido", et c'est un excellent album, mais il peut ne pas être totalement satisfaisant pour certains amateurs très accros au groupe Hawkwind brut à l'ancienne, mais c'est quasiment un joyau Psyché Prog.
L'arrivée de House a coïncidé avec un changement de direction assez spectaculaire pour le gtroupe. Le Mellotron et le violon électrique de House ont finalement réussi à éthérifier le son de Hawkwind.
Il est vrai qu'avec cette sortie de 1974, les fans de Hawkwind ont été un peu choqués avec le nouveau son du groupe car Hawkwind est devenu plus mélodique! Les chansons ont une construction plus complexe que tout ce qu'elles ont essayé auparavant, avec des vers déclamatoires, un peu de ponts musicaux et un beau refrain mellotronné.
Pourtant, la musique est toujours indéniablement Hawkwind. Des rythmes insistants et implacables, des sons psychédéliques et un fond de Heavy Rock. Avec l'ajout de Simon House, Hawkwind a également adopté une approche très symphonique qui distingue vraiment "Hall of the Mountain Grill" des albums précédents.

A ce stade de leur carrière, c'est certainement leur meilleur opus, même si "Space Ritual" était excellent. le line up: Dave Brock, Lemmy, Nik Turner, Del Dettmar, Simon King et le nouveau venu Simon House, anciennement du groupe de Hard Rock des années 60, High Tide.
Cela semble beaucoup plus mature et professionnel. Et la pochette est tellement bien faite, particulièrement la photo au verso qui est incroyablement belle.

Les musiciens ont un sens du timing incroyable alors qu'ils font tourner une piste après l'autre. Sur ses meilleurs moments, le groupe est assez excitant avec de belles sections expérimentales.
L'ajout des Mellotrons tourbillonnants et du violon n'a fait qu'améliorer les atmosphères spatiales et trippantes du groupe.

Image Stacia

"Hall of The Mountain Grill" est un essai méritant d'Hawkwind pour ouvrir leur son dense et introduire des éléments symphoniques dans leur obscurité. Le son, en particulier le mixage de jeu de guitare à volume élevé et de claviers électroniques ("The Psychedelic Warlords", "D-Rider"), sera plus tard coopté par des groupes telles que Blue Öyster Cult ("(Don't Fear) The Reaper") et Kansas.
Le nouveau son a été mieux réalisé sur des morceaux comme "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", "D-Rider" et "Paradox". Le côté Rock est toujours bien diffusé sur des morceaux comme "You'd Better Believe It" et "Lost Johnny" (enregistré par la suite par Motörhead et aussi par le co-scénariste Mick Farren avec son groupe The Deviants), sur lequel Lemmy monte au micro! Simon House a une belle entrée en solo dans "Hall of the Mountain Grill".

La musicalité est excellente et chaque piste se fusionne pour offrir une expérience sonore globale contrairement à tout autre album de Hawkwind.
Dans l'ensemble, l'album a une qualité de production claire, nette et convenablement spacieuse, ne basculant heureusement pas dans une bouillie imbibée d'écho, chaque instrument étant clair et distinct. Cet album a marqué l'introduction par le groupe de morceaux plus ambiants et mélodiques, ou, parfois, de parties de morceaux. Ce faisant, le groupe a démontré qu'il était en fait extrêmement adaptable.
À la suite du départ de Robert Calvert, le chant principal de l'album est tenu par Dave Brock, avec Lemmy sur "Lost Johnny" et Nik Turner sur "D-Rider".

Avec l'arrivée de Simon House, Hawkwind a commencé une variation plus élégante de sa tendance psychédélique cosmique: la maîtrise de la magie de House sur le Mellotron et le violon électrique (en plus de quelques autres claviers) a contribué à ajouter une sorte de sensation orchestrale au son massivement énergique du groupe, en le décrivant de la manière la plus rafraîchissante. En fait, malgré cette nouvelle source de délicatesse sonore, la musique de Hawkwind est devenue encore plus oppressive et moins prévisible également: les couches de mellotron ont servi de complément approprié aux riffs de guitare de Brock et d'une contrepartie spatiale pour la section rythmique enthousiaste, House apportant une énorme atmosphère surnaturelle qui sert de contrepartie puissante aux efforts combinés de Brock, Lemmy et King.
Les rôles de Del Dettmar et Nick Turner semblent avoir souffert, en quelque sorte, de l'incorporation et de la contribution du nouveau venu, bien que Turner puisse encore occuper le devant de la scène de temps en temps avec quelques fioritures au saxophone (comme dans le morceau d'ouverture) et à la flûte, en plus de quelques lignes étranges sur le hautbois. La position de Dettmar était beaucoup plus menacée: malgré les ambiances productives fournies par ses parures de synthé solides pour des morceaux tels que "D-Rider" ou "You'd Better Believe It", le fait est qu'il y avait, certainement, un claviériste de trop dans le groupe. Ses interventions étaient évidemment devenues beaucoup moins pertinentes pour les attaques sonores rénovées du groupe. Il ne prendra pas trop de temps avant de prendre congé: en fait, Brock était en charge de quelques trucs synthétiques supplémentaires avant le départ de Dettmar.

Avec "Hall Of The Mountain Grill", Hawkwind s'est imposé comme un maître dans son art. Mélangeant des emprunts de Hard Rock et de Heavy Metal des années 70 avec des sons spatiaux et une construction de chansons psychédéliques, cet album allie le Hawkwind familier de l'ancien avec un nouveau style qu'ils perfectionnent. Là où, comme sur les albums précédents, le son était presque un océan de sons impénétrables et désordonnés, ce qui fonctionnait bien, ce qu'ils jouent sur le disque est beaucoup plus propre, et les voix ont enfin une place où il n'y en avait pas grand-chose pour elles auparavant. Dans l'ensemble, cet album montre Hawkwind à un moment parfait de sa carrière.
Avec le riff propre de "Psychedelic Warlords", on peut dire que le groupe a beaucoup changé; des voix harmonisées viennent prendre le relais des voix là où le groupe faisait auparavant des compromis et c'est une bonne chose car cela ajoute à cette atmosphère mondaine extérieure. Cela aide aussi parce qu'aucun de ces gars n'est un chanteur vraiment fantastique, mais mis ensemble, ils forment un mélange intéressant. Les chansons semblent avoir pris une structure plus ordonnée qui n'est ni bonne ni mauvaise, juste différente, car leurs travaux précédents sur des albums comme "In Search Of Space" semblaient beaucoup plus improvisées et cela a fonctionné dans le contexte de l'album.

Basculant de manière transparente entre les chansons chantées et les instrumentaux avec leur marque de fabrique, cet album semble toujours cohérent.
Les instrumentaux de l'album ressemblent plus à une version diabolique de Pink Floyd qu'à ce que Hawkwind fait habituellement. Des chansons comme "Winds Of Change" et la chanson titre ont une sensation très 'space' tout en conservant la poussée d'énergie de Hawkwind.
L'espace de Hawkwind est un endroit très sombre et effrayant, mais cet album est un tel voyage cosmique que l'on peut que le recommander. On peut même dire qu'il n'y a aucun autre groupe qui emmène l'auditeur dans les endroits où Hawkwind le fait.
Le meilleur album studio du groupe, issu du succès de "Space Ritual". Les racines Rock du groupe sont juxtaposées efficacement avec les fioritures de synthétiseur et les idées de chansons plus prétentieuses, créant le disque de Space Rock par excellence axé sur la guitare.

Symptômes de douleurs de croissance inévitables, peut-être, pour un groupe de musiciens étrangers soudainement affligés de succès et de renommée. Il est possible que la notoriété de leur single "Urban Guerrilla", avorté à la hâte, ait également fait peur au groupe. Quelle que soit la motivation, Dave Brock et sa société faisaient une tentative courageuse de mettre à niveau leur identité impolie et de devenir respectables.
Tous les membres du groupe sont en forme et l'écriture des chansons montre à quel point ils étaient créatifs à l'époque.
Dave Brock (chant, guitares, orgue, synthétiseurs), Del Dettmar (claviers, kalimba), Simon House (violon, mellotron), Lemmy Kilminster (basse, chant, guitares), Simon King (batterie) et Nik Turner (sax, hautbois) , flûte, chant) font un excellent travail avec les instruments. On entend de beaux accents, des violons, des saxos et quelques sons spacieux dans une musique Hard Rock plus brute. Ce n'est absolument pas du Prog Symphonique mais une autre facette de ce paradis.

Cet effort n'a pas de moments faibles et la brutalité de la musique est unique car ce n'est absolument pas du Metal ou juste du Hard Rock. Il semble avoir été inspiré par des groupes de Krautrock mais aussi du pur Rock'N'Roll. Il a un son intéressant.
De l'ouverture d'auto-mythologie "The Psychedelic Warlords (Disappear In Smoke)" jusqu'au délire d'un"Paradox", "Hall Of The Mountain Grill" est un album passionnant, cohérent et parfois même magnifique.

Les choses commencent bien avec l'excellent morceau d'ouverture, "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", qui est un exemple clair du son classique rafraîchi du groupe. Psychédélique et Hard, il est propulsif comme l'enfer avec des ondes électriques, donnant naissance au riff de guitare menaçant, une bonne jam, les mucisiens tous dans le groove avec Simon House et Nik Turner qui se démarquent.
C'est l'exemple suprême de l'attrait de Hawkwind, un voyage spatial à la fois entraînant et mélodique qui accroche l'auditeur et le jette carrément dans le vide.
L'effrayante et courte intro est superbe dans sa construction. Le chœur de voix commence à chanter le thème de la chanson, envisageant les possibilités d'échapper à la grisaille de la vie quotidienne. Le motif construit se transforme en une longue improvisation hallucinogène, avec les mélodies de saxophone dissonantes et un beau solo de saxo de Turner, quelques lignes de basse proéminentes de Lemmy, des passages instrumentaux surréalistes intéressants et un écho chaotique révéré. Cependant, il est également syntonisé avec un pont musical accrocheur. L'excellent riff de guitare est souligné par le Mellotron, et une belle improvisation au saxophone par Nik Turner à mi-chemin de la chanson. Tout dérive dans une jam psychédélique, atteignant un point optimal.
Son motif rythmique est devenu, en quelque sorte, une déclaration officielle du Space Rock avec la guitare rythmique typique et un rythme simple mais efficace dans une ambiance brumeuse avec des effets d'écho atmosphériques pour briser la monotonie.
La chanson disparaît dans un épais mur de vent soufflant, qui évoque alors un très beau et dramatique morceau instrumental, mélodie principale dessinée par un violon sur des reflets orchestrés.
"Psychedelic Warlords" apparaît sur bien d'autres albums, mais c'est sans aucun doute la meilleure version, tordant et tournant bien plus que les quatre dimensions habituelles, et explosant littéralement dans le sombre paysage sonore de "Wind of Change", le Hammond annonçant quelque chose comme une version plus sombre de "A Saucerful of Secrets" (la section vocale), magnifiquement construite, la basse de Lemmy fournissant une énorme quantité de pulsion, et des accords douloureux balayant le multivers du plaintif Mellotron de Simon House.
Quant à leur penchant pour alterner des morceaux de Rock avec des morceaux électroniques, quel meilleur manuscrit que le morceau suivant, le fabuleux "Wind of Change", une belle pièce ambiante majestueusement symphonique, mais alourdie par une mélancolie cachée alors que les Mellotrons explosent en avant, le violon House caresse les horizons sonores avec une habileté remarquable, un classique du rock progressif.
Avec cet excellent jeu de claviers, ironiquement, c'est probablement le meilleur morceau du disque. L'aventure symphonique instrumentale est, en quelque sorte, une vitrine de la finesse de House au violon, tandis que Brock affiche les accords de base à l'orgue d'une manière très Pink Floydien.
C'est un beau morceau, même s'il n'est pas caractéristique et bien plus symphonique que ce à quoi on est habitué dans ce groupe. Il utilise des couches de synthétiseurs lents et des violons pour créer une ambiance aérienne et mélancolique.
Il s'ouvre sur une explosion alors que des vents violents entrent en jeu. L'orgue et les synthés font une introduction fantastique. La batterie entre ensuite légèrement, bientôt rejoint par le violon de House. C'est tellement relaxant et beau à la fois. Il se termine par des synthés spatiaux.
Spacieux, glorieux, c'est presque du 'Morricone'. Cette chanson rappelle dramatiquement l'atmosphère fabuleuse de "The Good, The Ugly and The Bad" ou de "Once Upon A Time In The West". Superbe violon et thème fantastique et hypnotique.
Jonathan Smeeton (Liquid Len) a déclaré que Brock avait spécifiquement écrit "Wind of Change" pour une séquence de diapositives particulière qu'il avait eue lors de la tournée Space Ritual (un arbre englouti par une ville, puis la ville s'effondrant avec l'arbre restant).
Les compositions sont toutes très bien travaillées et agréables comme le très mélodique et plutôt surprenant "D-Rider" qui est la composition de Turner, avec une intro de saxophone quasi primitive façon Roxy Music qui s'installe dans un autre voyage cosmique, mis en valeur par un jeu de batterie grinçant au milieu des synthés vaporeux et des riffs de guitare.
Cela rappelle les débuts de Pink Floyd, sauf pour les synthés spatiaux avec le Mellotron.
"D-Rider" propose des claviers planants luxuriants. Le riff de guitare est encore une fois très typique. En fait, Hawkwind est si heureux de jouer ce strumming rythmique d'inspiration moyen-orientale qu'ils l'ont surfait et ont utilisé exactement le même riff et le même rythme sur le dernier morceau de l'album, "Paradox".
La chanson oscille entre dépressions internes anxieuses et explosion de soulagement en vers cosmique grandiose, mais quelle mélodie vocale!
Les voix fortement phasées et tourbillonnantes évoquent l'ère psychédélique, tandis que les accords plutôt tonitruants suggèrent du Heavy Metal beaucoup plus tardif, des tambours pétillants et un accompagnement riche qui vont hardiment là où aucun groupe n'est jamais allé auparavant, dans les dimensions intérieures de votre esprit; reliant cela à l'univers extérieur, le sax éthéré de Turner et le rythme tranchant de Brock attaquent brillamment les champs de bruit denses, tandis que les lignes de basse de Lemmy se tordent et enroulent des flux de conscience à travers les éthers des générateurs de sons toujours sifflants et hurlants.
L'agréable Space Folk "Web Weaver" avec une guitare acoustique et une foule de sons qui descendent du ciel apporte une détente momentanée avant de se perdre dans l'espace.
C'est une courte chanson sur un thème de Hawkwind avec une première moitié forte et une seconde moitié instrumentale sous-produite. Les célèbres paysages sonores électroniques prenant une chanson par ailleurs assez simple aux proportions cosmiques, l'ambiance est relevée avec un petit piano de style gospel et des harmonies vocales épaisses.
Ce morceau sonne presque San Francico vers 1968, Hippy-Trippy avec une jam fulgurante qui est des plus concluantes.
Il utilise aussi exactement les mêmes idées que "Paradox", mais cette fois, c'est la mélodie vocale qui est copiée. Il rappelle un peu "You Know You Only Dreaming" de l'album "In Search of Space".
La seconde face du vinyle commence par le punch classique plus Heavy de "You'd Better Believe It" qui est tiré d'un concert live et il a un son différent de celui du studio. Il représente assez bien le Space Metal du groupe à cette époque.
C'est un morceau assez simple avec un son Hawkwind classique, mais c'est vraiment bon.
Il s'ouvre avec un travail de synthés spatiaux qui sonne presque avant-gardiste, au fur et à mesure que la batterie entre en jeu. King joue magistralement en fournissant une confusion rythmique jusqu'au début des vocaux. Il prend un son plein rapidement. C'est un voyage fantastique et sauvage et le rythme magnifique s'accentue.
Les voix sont fournies par Dave Brock et Lemmy en harmonie, et les mélodies quasi orientales évoquent des parties de "Brainstorm". Il y a un étrange optimisme qui brille à travers les paysages sonores sombres et des voix de synthé dérangeantes, alors que les rythmes s'accélèrent et ralentissent, prouvant que l'instabilité est familière à toutes les chansons de Hawkwind, Lemmy et King fonctionnant parfaitement en tandem sous les accords de puissance de Brock. Un violon plane au-dessus de cette texture, donnant une étrange saveur Country et occidentale que l'on penserait ne pas pouvoir fonctionner, mais TOUT fonctionne dans le monde sonore de Hawkwind. Une section médiane donne aux musiciens une scène pour étendre leur métier.
C'est certainement l'un des meilleurs morceaux avec des riffs de guitare tueur et un mur de sons avec des guitares fuzz et des saluts de batterie chargés partout. C'est un véritable 'blitz' progressif.
Ce n'est pas une musique complexe mais très puissante, surtout dans un contexte live. C'est, d'aillieurs la chanson que le groupe a aimé jouer en live à de nombreuses reprises.
Le joli morceau "Hall Of The Mountain Grill" est une composition qui recherche à nouveau la beauté interstellaire au milieu des tempêtes cosmiques. C'est la seule composition de Simon House, une sonate instrumentale sombre et dramatique au piano, qui rappelle une scène d'un film de science-fiction teinté d'horreur.
Il est tout simplement étrange et progressif dans sa structure abandonnant les marques de rock familières. En fait, il sonne étrangement comme le thème de "Picnic at Hanging Rock" où les écolières escaladent la montagne vers leur destin en disparaissant mystérieusement de la planète.
C'est en fait une courte transition sombre emmenée par le piano et la guitare dans laquelle un violon multicouche et un mellotron éthéré suivent les progressions d'accords de piano à queue: un autre moment de soulagement, construit cette fois dans une pure beauté romantique.
Ce morceau est là pour rappeler une certaine réminiscence avec la musique spatiale. Aérien et plein de tranquillité.
Les textures somptueuses de la chanson titre sont une sorte d'introduction luxuriante et satie-esque à "Lost Johnny" qui est quelque chose de complètement différent, brut mais accrocheur, composé et chanté par Lemmy, mais habillé en sons de Hawkwind.
Un Rock assez sympathique et efficace avec une légère touche bluesy prédisant sa prochaine carrière chez Motörhead, mais s'écartant peut-être un peu du sentiment plus réfléchi et plus élancé des autres chansons de l'album.
Pour le moment, sa voix n'est pas aussi rocailleuse que dans Motörhead. Un gros morceau de rock éraflé, que le bassiste réutilisera plus tard dans une version accélérée sur le premier album de son futur groupe.
C'est un conte sombre et effrayant qui est prétendument à propos d'un personnage qui a traîné dans le bosquet de Ladbroke. Les références constantes à la drogue en font un compte rendu particulièrement déchirant du côté sombre de cette célèbre scène underground de la fin des années 1960 à Londres.
Poursuivant sur ce thème, un morceau servant d'intro au suivant, "Goat Willow" est un court instrumental éthéré et obsédant composé par Dettmar avec un somptueux duo de flûtes en écho de Turner qui alimente directement ce qui est probablement le meilleur morceau de l'album, "Paradox".
C'est juste une courte vision auditive particulière, une brise synthétique qui sert d'intermède: Clavecin, synthés et flûte ouvrent la voie avec un gong de King.
Cet album classique impressionnant se termine par le morose "Paradox" qui imite à peu près la structure de "Psychedelic Warlords", bien qu'il soit moins puissant. Il sonne aussi similaire à "D-rider" au début, mais il contient un passage puissant avec un riff space metal efficace.
Cette chanson a des paroles métaphoriques vraiment brillantes, et la composition elle-même se construit à partir de progressions d'accords mineurs puissants mais simples.
Enregistré à partir d'un concert live, elle commence avec un riff typique de Hawkwind, Lemmy serpentant l'une de ses célèbres lignes de basse autour des rythmes martelés de la guitare de Brock. Viennent ensuite les voix et les cordes harmonisées, les tambours faisant à peine sentir leur présence jusqu'au moment où la chanson explose dans la fureur de l'espace punk, s'adoucissant pour les lignes hypnotiques: "...Down, down, round and round you go...", et la détente dans la musique permet de ressentir cette sensation toujours plus profonde, tourbillonnante et tournante, disponible chez pratiquement aucun autre groupe dans l'Histoire de la musique Rock.
Cela permet au groupe d'ouvrir la séquence d'improvisation plus Rock qu'après le récital des débuts. Un ensemble de Mellotrons a également été amené sur scène, et c'est l'une des plus belles chansons du groupe.

Cet album est un autre favoris des fans de Hawkwind et avec raison. Il est amélioré par les versions précédentes, mais c'était l'une des dernières fois que tout semblait fonctionner parfaitement pour Hawkwind.

"Hall of the Mountain Grill" se classe à la 16e place des Charts Britanniques et sera certifié disque d'argent (60 000 exemplaires vendus) en 1978. Aux États-Unis, il se classe à la 110e place du Billboard 200.

Les examens rétrospectifs ont été généralement positifs. Bien qu'ils aient critiqué la chanson titre, Allmusic a appelé "Hall of the Mountain Grill" Le meilleur album studio du groupe" et "le disque de rock spatial par excellence orienté guitare". Head Heritage était beaucoup moins impressionné, affirmant que les départs de Robert Calvert et Dik Mik étaient des pertes que Hawkwind ne pouvait pas compenser à distance, et que l'album entier "a la sensation indéniable d'un album provisoire sorti à moitié désespérément pour garder la machinerie de tournée constante de Hawkwind bien graissée". Ils ont toutefois ajouté que les deux morceaux live de l'album sont les points forts du catalogue Hawkwind.
ImageDave Brock

Une tournée Européenne de neuf dates fin Juin a été entreprise. Cependant, le batteur Simon King s'était fracturé quelques côtes en jouant au football, interdisant sa participation, alors il a nommé son ami Alan Powell pour le remplacer aux dates. À la fin de la tournée, King avait suffisamment récupéré pour reprendre le jeu aux côtés de Powell, et le groupe était assez content de l'arrangement de deux batteurs que Powell a été intégré à la formation permanente du groupe. À la fin de la tournée, Dettmar est finalement parti.

Le groupe est revenu pour une troisième tournée en Amérique du Nord en Septembre, mais à leur cinquième rendez-vous à Hammond, Indiana, le 7, leur équipement a été saisi par l'IRS et ils ont reçu une facture pour les taxes impayées de leur tournée précédente. Une impasse s'en est suivie et la bande a finalement continué la tournée un mois plus tard après que tous les problèmes aient été résolus.

Tout au long de l'année 1974, Hawkwind a fait de nombreuses tournées au Royaume-Uni, en Europe et en Amérique du Nord, leur set étant principalement composé de l'album "Hall of the Mountain Grill".
Fait inhabituel pour eux, aucun nouveau matériel n'a été introduit à l'exception de certains poèmes de Michael Moorcock basés sur son personnage fictif d'Elric, apparu sur l'album live de 1974 "The 1999 Party".

De Décembre à Février, le groupe s'est lancé dans une série de dates Britanniques connues sous le nom de tournée "A Dead Singer" après l'histoire de Moorcock publiée dans le programme de tournée d'accompagnement, avec Dr Feelgood en première partie:
Selon Wilko Johnson: "...Nous et Hawkwind étions une affiche formidable. Nous venions d'être signés par United Artists, le label de Hawkwind. UA voulait nous faire vivre un peu d'expérience dans les grandes salles. C'est là que j'ai rencontré Lemmy pour la première fois. qui s'est avéré être un bon copain...".

Comme le groupe devait un dernier single à United Artists pour conclure son contrat d'enregistrement, pendant une pause à mi-tournée, ils sont entrés aux Olympic studios les 5 et 6 Janvier où ils ont enregistré "Kings of Speed", écrit par Brock, qui comportait des paroles écrites par Moorcock initialement destinées à être incluses sur son album "New Worlds Fair", "Motorhead" de Lemmy et "Spiral Galaxy" de House.
Les deux premiers ont été sélectionnés pour le côté A et B respectivement, et le single est sorti le 7 Mars.

Lors de la reprise de leur tournée au Royaume-Uni, Brock a exprimé sa désillusion face à la popularité du groupe en déclarant que "...ça devient comme une guerre...", préférant sa vie avec sa femme Sylvie et leurs deux enfants dans leur ferme Devon de dix acres, négociant sous un pseudonyme dans un communauté qui ne savait rien de son association avec la musique Rock.
Il a révélé la discorde croissante au sein du groupe, "...vous ne croiriez pas certaines des scènes qui se passent dans les coulisses. Toutes les putains de querelles, les gens perdent leur sang-froid...". Il a particulièrement critiqué Turner tant sur le plan musical ("...Certains soirs, j'ai débranché ma guitare et j'ai traversé la scène pour trier Nik. Il continue de jouer du saxophone quand je chante et je lui ai dit mille fois ne pas faire ça ...") et au niveau personnel ("...Nik est vraiment crédule, tu sais. Il connaît tellement de gens et ils avaient toujours l'habitude de l'emmener faire un tour. C'est tellement facile parce qu'il n'est pas très averti..."). Il a également critiqué Lemmy qui énumère un catalogue de problèmes sur scène avec lui, et il "...vit ce fantasme [des Hells Angels]. C'est ce qu'il aimerait être, mais il ne peut pas...", mais il est "...plutôt un bon leader, cependant...". Du prochain projet Eternal Champion, Brock a révélé qu'il voulait Brown pour le rôle titre, et ce serait "...un voyage fantastique complet à tous les niveaux ... et si nous le faisions, ce serait la fin [de Hawkwind]...".

Le prochain contrat signé par le groupe fut un accord Nord Américain avec la filiale d'Atlantic Records, Atco Records.
Avec une tournée Nord Américaine prévue pour Avril et Mai, "...Atlantic ... avait besoin d'un album pour co-inciter à notre tournée...".
Pour la seule fois dans les années 1970, le groupe devait enregistrer sans avoir préparé de nouveau matériel dans un environnement live, ce qui a conduit à s'inquiéter du fait que "...nous allons être vraiment poussés juste à monter un album...".
Le groupe est entré dans les studios Rockfield en Mars, King expliquant: "...Nous avons posé toutes les pistes d'accompagnement en environ trois jours et demi. Puis, après quelques jours de congé, nous sommes allés à Olympic et avons ajouté des morceaux ici et là, doublés. sur le chant et tout mixé. Cela a pris environ trois jours, et c'était fini...".
Le groupe "...a fait [les chansons] leurs débuts sur deux concerts Britanniques à Yeovil et Dunstable [12 et 13 Avril]...", puis s'est dirigé vers l'Amérique du Nord pour une tournée fin Avril en Mai, au cours de laquelle Paul Rudolph a remplacé Lemmy.
L'album a été publié par ATCO le 9 Mai et autorisé à United Artists pour une sortie au Royaume-Uni. Le groupe a fait la promotion de l'album avec des tournées en Allemagne et en France en Juin, au Royaume-Uni en Juillet et Août, notamment en tête d'affiche du Reading Festival et en apparaissant au Watchfield Free Festival.

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"Warrior On The Edge Of Time" a donc été enregistré au mois de Mars 1975 dans les Rockfield Studios à Rockfield au Pays de Galles. Le batteur Alan Powell qui avait remplacé Simon King lors de la tournée de promotion de l'album "Hall of the Mountain Grill" est toujours présent. L'album fut donc enregistré avec les deux batteurs qui composèrent ensemble le titre "Opa-Loka" et co-signèrent, par ailleurs, trois autres titres.
Hawkwind est constitué du guitariste et chanteur Dave Brock, de Lemmy à la basse, de Nik Turner au saxophone et à la flûte, de Simon House au violon et mellotron, d'Alan Powell et Simon King à la batterie et aux percussions, de la danseuse Stacia et d'un invité, un certain Michael Moorcock.

Moorcock est un écrivain Britannique de SF / Fantasy, créateur du personnage du Champion Eternel, créateur d'Elric de Melniboné, une sorte de Conan albinos et frêle, drogué et totalement oppressé par son épée magique et maudite appelée Stormbringer), de Jerry Cornelius...
Moorcock, grand amateur de Rock, avait déjà collaboré avec Hawkwind sur le "Space Ritual" de 1973, il leur avait écrit des monologues conceptuels que le groupe déclamait entre deux chansons, tout du long des concerts en forme de voyages mentaux qu'ils faisaient à l'époque. Par la suite, il collaborera avec Blue Öyster Cult (sur "Mirrors", "Cultösaurus Erectus", "Fire Of Unknown Origin"), et recollaborera encore avec Hawkwind, groupe dont la carrière est toujours en cours, même si elle se fait nettement plus discrète.

Pour cet album, l'écrivain a signé quatre morceaux, et il clame les textes de deux morceaux, "The Wizard Blew His Horn" et "Warriors", qui sont ce que l'on pourrait appeler des 'spoken-words'. Plusieurs de ces textes sont inspirés par le mythe du Champion Eternel.

C'est, sans contestation possible, l'un des meilleurs albums du groupe, mais probablement aussi leur dernier véritable chef d'oeuvre. Conceptuellement flou, il faut vraiment bien connaître l'univers particulier et gigogne de Moorcock pour arriver à s'y retrouver.
L'album offre quelques passages étonnants comme "Opa-Loka", par exemple, qui fait la part belle aux deux batteries ou les narrations que l'on peut aimer ou pas.

La magnifique pochette originale, dans sa rare version vinyle d'époque, se déplie en quatre en une grande forme de bouclier, révélant que le guerrier en silhouette se tient au bord d'un gouffre apparemment sans fond.
Le paysage de l'autre côté du gouffre est une image miroir, avec un autre soleil couchant, une inspection plus approfondie de cette image entière révèle un visage casqué. Le revers de la couverture représente un bouclier en bronze portant l'emblème à huit rayons du Chaos, tel que décrit dans les livres de Moorcock.

Cet album, sorti en 1975, est incontestablement un joyau du Space Rock et d'Hawkwind, un de leurs meilleurs albums, une pièce de choix. Ce n'est pourtant pas l'album le plus connu du groupe, mais les moments de bravoure Space Rock sont en très grand nombre et les morceaux classiques sont bel et bien là. Cet opus mérite donc amplement la (re)découverte, rien que pour des morceaux comme "Magnu" et "Assault And Battery / The Golden Void".

De l’avis de certains journalistes, il s’agit de l’album le plus "professionnel" des années d’Or d’Hawkwind. En effet, la qualité du son y est remarquable, et si cet album est globalement dans la continuité des précédents, il est en revanche enfin doté d'une production impeccable. Simon House, l’homme aux claviers, introduit des effets synthétiques relativement avant-gardistes pour l’époque, qui ne manqueront pas d’être remarqués.
Cependant, quelque chose cloche sur ce disque: on sent que tout ne s’est pas fait dans la plus grande entente. Le fait que Lemmy ai claqué la porte rapidement après l’enregistrement n’est évidemment pas sans rapport. Ce qu’il faut dire aussi, c’est qu’un trublion de taille en la personne de Moorcock est venu participer aux hostilités cosmiques sur cet album. Car "Warrior On The Edge Of Time" est un concept-album, commandé par Dave Brock à Moorcock, et presque entièrement basé sur les aventures d’Elric, le Champion Eternel. C’est un fait notable quand on sait que cette collaboration entre Hawkwind et Moorcock ne sera pas la dernière.

Les critiques ont été mixtes, Melody Maker faisant un panoramique de l'album et critiquant particulièrement le travail vocal tandis que le All Music Guide a fait l'éloge de l'album pour des fonctionnalités telles que l'écriture de chansons. Ce sera également le dernier album à présenter le bassiste classique du groupe Ian "Lemmy" Kilmister, qui a été renvoyé du groupe un jour avant la sortie de l'album.
Allan Jones dans Melody Maker (10 Mai 1975) a été critique dans son analyse de l'album malgré qu'il soit "...probablement le disque le plus professionnel de Hawkwind..." en raison de l'avancée de leur "maîtrise technique", en particulier les contributions de Simon House. Les compositions sont dans la "tradition Hawkwind standard des passages de synthétiseur balayants contrastant l'espace éthéré avec la violence de la basse monotone et de la guitare rythmique", et des poèmes qu'il dit "...Si Moorcock se sent qualifié pour décrire l'une de ces pièces comme de la poésie, alors c'est son problème..." et qu'ils sont livrés "... avec toute l'émotion de l'extermination de Davros par les renégats Daleks...".
Geoff Barton dans Sounds l'a évalué comme "... incluant la plupart de leurs caractéristiques traditionnelles (guitare plombée, chant rituel, moogs gémissants, paroles de SF) mais dans un cadre beaucoup plus mature et varié...", et que "... l'influence de Simon House se fait fortement sentir "le rendant" plutôt plus complet, plus intéressant que d'habitude...".

Du côté des membres du groupes, c'est aussi assez mitigé:
Selon Michael Moorcock (qui n'a jamais été membre du groupe, mais plutôt un invité): "Warrior On The Edge Of Time" était un de mes concepts. Ce que Dave a tendance à faire, c'est qu'il dit "Fais-nous un concept" ou "J'ai ce concept approximatif, pouvez-vous le résoudre?" Je le fais, puis Dave a une idée différente et tout change, donc c'est comme ça que ça fonctionne. C'est une très bonne façon de travailler - ça a tendance à donner à Dave un peu de départ ou autre chose. Je faisais beaucoup de mes trucs 'Eternal Champion' sur scène, donc ça me semblait automatique de le faire parce qu'il y avait tellement de numéros que je pouvais intégrer. Je n'étais en studio qu'environ une heure pour faire ce que j'ai fait, et c'était l'un des ces choses bizarres, je n'ai pas non plus reçu les frais de session...".
Pour Lemmy: "...L'album était une merde du début à la fin. Ce 'Opa-Loka' était beaucoup de conneries. Je n'étais même pas là-dessus. C'était le truc du batteur, ce morceau... Nous étions gentils. Si vous avez un album à succès, vous êtes complaisants, et si vous en avez deux, vous avez vraiment des problèmes. Avec eux, ils en avaient quatre, parce qu'ils avaient 'In Search of Space' avant moi... sur tous ces albums. 'The Golden Void' était un beau morceau, mais à ce moment-là, j'étais bien en disgrâce...".
D'après Dave Brock: "...Il y avait du bon truc sur cet album. Je pense que nous avons atteint un sommet à l'époque, en 1974 / 75...".
Enfin, pour Simon King: "...Je suppose que je suis satisfait aux deux tiers de celui-ci. Pour moi, ce n'est pas mal car je n'étais qu'à moitié content du dernier! Warriors est une chose musicale différente parce que c'est la première vraie contribution de Simon House: sur Mountain Grill il était trop nouveau pour pouvoir avoir autant d'influence, et maintenant, bien sûr, nous avons Alan comme deuxième batteur, ce qui a entraîné beaucoup de changements...".

L’album débute sur un duo de titres enchainés absolument gigantesque: "Assault And Battery / The Golden Void", environ une dizaine de minutes tuantes gorgées de mellotrons envapés (il y à beaucoup plus de mellotron que sur le précédent opus) et avec, comme toujours, la voix rauque de Brock. Les deux chansons sont souvent interprétées en live par paire comme sur les albums "Palace Springs" (1991) et "Canterbury Fayre" 2001.
"Assault and Battery" est une citation des paroles du poème de Henry Wadsworth Longfellow "A Psalm of Life". La chanson est devenue un morceau live très populaire, étant joué occasionnellement au fil des ans, et elle est apparue sur de nombreux albums live, parfois sous le titre "Lives of Great Men". Il a été inclus dans le cadre du spectacle live du concept "The Chronicle of the Black Sword", apparaissant sur l'album "Live Chronicles".
Futur classique du répertoire du groupe, "Assault And Battery" est un morceau époustouflant qui voit l’équipage Hawkwind s’envoler pour des cieux infiniment étoilées. Les guitares sont affutées, et ce morceau sonne éminement Metal. Il est assez long, mais il n’est que l’introduction du voyage.
Le morceau sublime qui suit directement cette mise en bouche, "The Golden Void", est la suite directe du premier. Il fait plonger l'auditeur plus avant dans un gouffre stellaire dont il ne ressort pas indemne: la basse s’y fait martiale, pendant que les synthétiseurs new age de Simon House portent le vaisseau Hawkwind vers des cieux astronomiquement infinis. La chanson est un morceau live populaire, joué aussi occasionnellement au fil des ans, et il est apparue sur de nombreux albums live, parfois sous le titre "Void of Golden Light", comme sur "The Business Trip" en 1994 .
Mais après une si extraordinaire introduction, c’est là que le concept est censé réellement se mettre en place: Moorcock entre en scène et déclame tout son Multivers sur trois pistes réparties sur l'album: "The Wizard Blew His Horn", après "The Golden Void", "Standing at the Edge" (un texte qui sera réadapté plus tard par Blue Öyster Cult), après "Magnu" et "Warriors" après "Spiral Galaxy 28948". Ces trois pistes sont un peu particulières, et tout le monde n'est pas d'accord pour les considérer comme réussies, tant le style Moorcock n'est pas forcément accessible à tous. Ce sont des poèmes de Moorcock basés sur sa figure littéraire de Eternal Champion. Les poèmes sont récités sur des paysages sonores atmosphériques fournis par Simon House et les percussionnistes Simon King et Alan Powell. Le groupe les avait joués sur scène en 1974, des versions apparaissant sur l' album live de "The 1999 Party".
"The Wizard Blew His Horn" se fond ensuite dans "Opa-Loka", écrit par les deux batteurs, qui présente un bon rythme hypnotique (comme CAN sait si bien le faire), que construit notamment le mellotron, les sons spatiaux arrivent plus tard.
"Opa-Loka" prend son nom, assez perplexe, d'une ville de Floride et non d'une quelconque planète mythique qui se rattache à la vague histoire conceptuelle de Moorcock.
C'est un Space Rock hypnotique qui reste essentiellement un excellent instrumental, énergique et rêveur avec sa basse et son synthétiseur retentissants, qui emmène l'auditeur vers les étoiles. Il est basé sur un rythme moteur connu sous le nom de rythme "motorick", nommé et rendu célèbre par le groupe de Krautrock "Neu!", particulièrement avec ce son de batterie autoritaire, simple mais fluide avec des cymbales à flasques et une ligne de basse simple. La chanson elle-même est, d'ailleurs, un air de Krautrock typique avec des instrumentaux atmosphériques improvisés basés sur un seul accord.
"Opa-Loka" a été joué en live, mais quand Robert Calvert a rejoint le groupe au début de 1976, il récitait le poème "Vikings on Mars" dessus, la chanson évoluant en "Uncle Sam's on Mars" sur l'album de 1979 "PXR5".
A noter que Lemmy détestait ce morceau et l'appelait "poubelle". Brock a fini par jouer de la basse pour le morceau.
"The Demented Man" qui, sur certain vinyle, est crédité sous le titre "The Demented King" est une belle ballade Rock acoustique sans batterie signée Brock, jouée à la guitare acoustique 12 cordes qui termine la première face de l'album.
C'est un autre de ces beaux airs acoustiques de Hawkwind où le groupe a vraiment réussi à garder la sensation d'espace obligatoire. Un cri de mouette et les Mellotrons renforcent l'ensemble du morceau..
"The Demented Man", avec ses guitares acoustiques, ses synthétiseurs épiques et la voix délicate de Dave Brock, est un petit bijou, dans la droite lignée de certains titres des albums précédents.
Cependant, le clou de l'album est, sans aucun doute, "Magnu", piste de près de neuf minutes oppressante et mystérieuse de Rock pure et dure, quasiment Metal, une ode vibrante au Psychédélisme, qui tire l'album vers le haut. Ce titre épique, où les saxophones de Nik Turner font merveille et où la basse vrombissante de Lemmy est encore une fois bien présente, est définitivement le titre classique de cet album, que le groupe joue encore de nos jours. Un titre encore une fois assez long, mais doté d'une rythmique martiale en acier trempé au Beat répétitif et soutenu. Les paroles de "Magnu" sont basées sur le poème de Percy Shelley "Hymn of Apollo".
Au moins aussi grandiose que "Assault And Battery", "Magnu", aux saveurs orientales, est un morceau très énergique, qui est le premier morceau de l'album à présenter un riff assez Heavy. Il voit Brock et Lemmy tirer des riffs menaçants au milieu d'un violon éblouissant de House, du saxophone jazzy de Turner et de claviers obsédants. C'est du Hawkwind très typique. Il a des rythmes répétitifs et des riffs qui bercent l'auditeur dans une brume psychédélique, avec saxophone, violon et synthétiseurs zappant à gauche et à droite dans le mixage.
Ce rituel futuriste de Space Metal est un morceau live populaire, étant exécuté occasionnellement à une vitesse plus rapide au fil des ans, des versions sur les albums "Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2" (1982), "The Friday Rock Show Sessions" (1986) et "Canterbury Fayre" 2001. Les six premières lignes de "Magnu" sont presque mot pour mot identiques à un chant magique qui apparaît dans un vieux conte folklorique slave, "The History Of Prince Slugobyl; Or, The Invisible Knight", utilisé pour invoquer le cheval magique, Magu, publié pour la première fois en traduction Anglaise en 1896 dans "Fairy tales of the Slav peasants and herdsmen".
"Spiral Galaxy 28948", piste instrumentale étonnante, plus Heavy et plus sombre, avec un sens très fort de la mélodie, de Mellotron et autres claviers omniprésents signée Simon House est l'un de ces moments de bravoure aux fortes consonnances avant-gardistes. Le titre étant la date de naissance (28 septembre 1948) de House. C'est une excellente jam de Space Rock avec tout le monde fournissant de la texture, mais elle est trop courte.
Il a été joué en live en 1975 après la sortie de l'album, et à nouveau en 2001 lorsque House avait temporairement rejoint le groupe, une version apparaissant sur l'album "Canterbury Fayre" 2001.
Les morceaux plus courts de ce côté de l'album, jusqu'à présent, fonctionnent mieux comme étant liés ou considérés comme des sous-sections d'une seule composition. Peut-être qu'ils avaient été conçus de cette façon à l'origine, parce que cela semble être le cas, mais après tout, c'était, à l'origine, destiné à être un album concept.
Le bon Space Rock sombre futuriste avec des effets sonores de science-fiction, "Dying seas" a une attitude frénétique avec un excellent riff, une ligne de basse lancinante et quelques riffs de guitare déformés et déchiquetés. C'est une autre bizarrerie avec des effets de Turner imbibés de voix glissant à travers un épais brouillard de synthétiseurs.
Les vocaux de Nik et Dave sont multipistes et aliénants. Le violon électrique est incroyablement tranchant. Le solo de synthé effervescent se répand, scintillant sur des paysages sonores galactiques.
Co-écrit par Brock et Moorcock, "Kings of Speed" est un pur morceau de Hard Rock accrocheur dirigé par des grondements de basse épais et un savoureux travail de lead guitare, avec House également dans l'action avec des vols de violon de style Country.
Kings Of Speed" qui a été choisi comme le single tiré de l'album est une petite furie bien speedée très efficace aux consonnances Space Rock, qui clôt remarquablement l'album, même s'il n'apporte rien de plus.

"Warrior on the Edge of Time" a atteint le numéro 13 dans les Charts Britanniques, meilleur classement pour un album studio du groupe, seulement dépassé par l'album live "Space Ritual" qui avait atteint la 9e place en Juin 1973. Et ce fut leur troisième et dernier album à figurer dans le Billboard Américain, où il culmina au numéro 150.
L'album marque la fin d'une époque pour Hawkwind. Ceux qui ne voient pas plus loin que le bout de leur nez s'arrêteront surtout au fait que c'est le dernier enregistré avec Lemmy, à peine quelques mois avant que celui-ci ne fonde Motörhead.
C'est également le dernier album du groupe paru pour le label United Artists Records, il signera ensuite pour Charisma Records.
Mais en réalité, ce disque marque surtout la fin de la période dite 'classique'. Avec le départ de Lemmy, beaucoup de choses vont changer dans les années à venir, notamment d’un point de vue musical, et en cela, "Warrior On The Edge Of Time" apparaît comme le dernier opus du groupe à poursuivre encore les expérimentations initiées sur "In Search Of Space" en 1971 et il clôt donc au final avec brio la période classique du groupe.
Car lors d'une tournée Nord Américaine en Mai, Lemmy a été surpris en possession d'amphétamine dans ses bagages par les douanes Canadiennes en traversant la frontière des États-Unis vers le Canada. La police des frontières avait confondu la poudre avec de la cocaïne et il a été emprisonné pendant cinq jours, forçant le groupe à annuler certains spectacles. Marre de son comportement erratique, le groupe a licencié le bassiste en le remplaçant par leur ami de longue date et ancien guitariste des Pink Fairies Paul Rudolph. Lemmy s'est alors associé un peu plus tard à un autre guitariste de Pink Fairies, Larry Wallis, pour former Motörhead, du nom de la dernière chanson qu'il avait écrite pour Hawkwind et qui figurera en face B de l'unique single issu de cet album, "King of Speed".

Au début de l'année, Turner, House, Powell et King ont contribué à "New Worlds Fair" de Michael Moorcock & The Deep Fix, qui a également présenté une apparition en invité de Brock. En Avril, Moorcock, House et Turner ont contribué à l'enregistrement de "Lucky Leif and the Longships" de Robert Calvert, produit par Brian Eno et arrangé par Rudolph.

Dans une interview de 2011, Nigel Reeve, gardien des archives United Artists Records de Hawkwind chez EMI, a expliqué que "Warrior on the Edge of Time" avait initialement été publié sous contrat séparé avec United Artists et que ses droits n'étaient plus détenus par EMI, d'où omission de la remasterisation d'EMI et de la publication du catalogue United Artists de Hawkwind en 1996.

L'album est sorti au Royaume-Uni en CD pour la première fois en 1992 sur le label Dojo, masterisé à partir de vinyle. Une deuxième version est sortie en 1993 sur le label Canadien Griffin Music, masterisée à partir d'une copie de première génération du master original. Ce master était la bande Atco utilisée pour la sortie de vinyle nord-américain de 1975 et comprenait le single mix de "Kings of Speed". Le master Atco utilisé par Griffin a été créé à l'origine aux Olympic studios et n'avait aucun fondu sur les pistes.
Un ensemble de notes d'accompagnement écrites par Dave Brock en 1975 a été utilisé pour recréer les fondus originaux lorsque Griffin a créé leur master numérique. Aucun égaliseur n'a été utilisé lors de la création du master numérique de Griffin. Le transfert a été fait pour correspondre le plus possible au vinyle original.

En Mai 2013, Cherry Red a réédité l'album, accompagné d'un nouveau mix stéréo et 5.1 de Steven Wilson, sur le label Atomhenge géré par Esoteric Recordings. Il a également été confirmé que les bandes originales avaient été utilisées.

Quelques mois après cet album, Hawkwind tentera heureusement de se renouveller en compagnie du sympathique Robert Calvert, sans pour autant y arriver immédiatement...

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Robert Calvert a fait une apparition avec le groupe pour leur titre au Redding Festival en Août 1975, après quoi il a choisi de rejoindre le groupe en tant que chanteur à plein temps. Stacia a choisi d'abandonner ses devoirs de danse et de s'installer dans la vie de famille.
Le groupe a changé de maison de disques pour Charisma Records de Tony Stratton-Smith et, sur sa suggestion, la gestion du groupe est passée de Douglas Smith à Tony Howard.

Produit par Hawkwind et enregistré par Mark Dearnley aux Roundhouse Studios, de Février à Mars 1976, l'album suivant, "Astounding Sounds, Amazing Music" est sorti la même année.
Sa pochette (réalisée par Tony Hyde et Barney Bubbles) et son titre font référence à deux magazines de l'âge d'or de la Science-Fiction: 'Astounding Stories' et 'Amazing Stories'.
Le concept étant que chaque morceau de musique (et son titre) serait interprété comme une histoire de Science-Fiction individuelle. La couverture du disque est une parodie de la couverture de ces magazines, tandis que la pochette intérieure porte de petites publicités, chaque membre du groupe ayant son propre produit (par exemple le remède contre les piles atomique du Dr Brock, le Manly Strapon de Paul Rudolph et le Pleasure Primer de Simon King, ...).
La couverture est recto-verso, une face illustrée par l'ami d'enfance de Calvert, Tony Hyde, l'autre par Barney Bubbles signé Grove Lane. La conception originale de Bubbles devait être Steppenwolf qui se profilait au-dessus de la ville.

C'est le premier album du groupe avec le bassiste Paul Rudolph, et le premier sorti sur le label Charisma Records. Il voit également le retour de Robert Calvert, trois ans après "Space Ritual".
Calvert apporte alors la première personnalisation et mise en avant d'un membre du groupe. Il se déguise sur scène, adoptant un jeu théâtral, un peu à l'image de Peter Gabriel avec Genesis.

Hawkwind se compose alors de Dave Brock: guitare, claviers, chœurs, de Nik Turner: saxophone, flûte, de Robert Calvert: chant, de Paul Rudolph: basse, guitare, de Simon House: violon, claviers, et des deux batteurs, Simon King et Alan Powell.

Cet album marque le début d'une nouvelle ère pour Hawkwind, après avoir quitté le management de Douglas Smith pour Tony Howard et changé de maisons de disques de United Artists Records à Charisma Record.
Musicalement, le jeu de guitare basse heavy metal sale de Lemmy a été remplacé par le jeu de basse plus propre et plus formellement joué de Paul Rudolph. Tous les membres du groupe contribuent maintenant à l'écriture et à l'arrangement de la musique menant à plus de largeur dans le style, et l'enregistrement et la production sont mieux définis que les albums précédents.

Mais, le plus grand changement est dans le retour de Calvert, cette fois en tant que chanteur permanent plutôt que dans le rôle de poète périphérique qu'il avait occupé sur "Space Ritual". Non seulement il apporte des paroles artisanales au groupe, mais il avait l'intention de transformer des spectacles live en une pièce de théâtre musicale avec des personnages spécifiques à jouer, Il explique dans une interview de 1976 que "...Nous écrivons des morceaux maintenant avec des idées visuelles en tête, plutôt que d'essayer de penser des choses à imposer aux morceaux que nous avons déjà. Nous essayons de concentrer le côté visuel du groupe sur les individus plutôt que sur les projections à l'écran. Nik, Dave et moi-même sommes, dans certaines parties du spectacle, jouant les rôles d'acteurs... Dans l'ensemble, cela fonctionne jusqu'à une assez belle pièce de théâtre, c'est du théâtre spontané...".

Le journaliste d'investigation du New Musical Express Dick Tracy (un pseudonyme de John May) a examiné l'album comme "...Hawkwind est de retour sur la forme... leur musique a acquis environ quinze nouveaux niveaux depuis l'époque des barattes...". Il met en évidence "Reefer Madness" comme le morceau "hors concours" et note que "...Simon House a injecté un grand coup de clavier mélodique dans le mix...".

Le morceau d'ouverture, le sardonique "Reefer madness", est un bon début, avec des synthés fournissant une pléthore d'effets étranges et le piano et la guitare en première ligne avec un riff haletant comme un bon Rock doit l'être, une ligne de basse tout à fait correcte, des percussions sauvages, et la voix de Calvert plus dure que les octaves spatiales de Brock.
La chanson a, pratiquement, le même son décadent que le premier album "Roxy Music". "Reefer Madness" est en effet une sorte de chanson démoniaque, pleine de frénésie et de folie ultime avec un superbe beat et un saxophone fantastique. C'est une chanson très riche, parfois proche d'une merveilleuse cacophonie et très entraînante à la fois.
Immédiatement, on peut entendre la différence dans les basses et on remarque que le son est plus clair. Cependant, cela ne gâche pas le plaisir du sentiment Space Rock / Science-Fiction de l'album. À mesure que la chanson approche de sa section instrumentale centrale, les choses deviennent plus chaotiques, et dans ce cas, plus agréables. Même les sons de synthé aigus s'intègrent parfaitement à la sensation psychédélique. Au fur et à mesure que des frasques vocales sont ajouté, l'humour de la chanson devient facilement plus apparent. Cela correspond assez bien au sentiment du vieux film du même nom.
Une attention toute particulière doit, cependant, être prêtée aux paroles avec toute la controverse autour d'elles. Ces paroles, bien sûr, sont inspirées du vieux film culte en noir et blanc de propagande anti-marijuana de 1936, 'Reefer Madness'.
Les paroles à propos de la drogue sont en fait plus une anti-toxicomanie qu'une glorification; "...Open your eyes, you'll get a surprise, evil is sweeping the nation, It's killing your sons and what merely stuns is Your daughters are out for sensation, When they turn on their morals are gone, They don't really know what they're doing, It's a teenage malaise, a dangerous craze, Leading their bodies to ruin...". ("...Ouvrez les yeux, vous aurez une surprise, le mal balaie la nation, Il tue vos fils et ce qui étourdit simplement, c'est que vos filles sont à la recherche de sensations, quand elles se retournent, leurs moralités sont parties, elles ne savent pas vraiment ce qu'elles font, C'est un malaise chez les adolescentes, un engouement dangereux, Conduisant leurs corps à la ruine...").
C'était un son plus punk et plus agressif envers le sujet; "...Marijuana monster is stalking the streets, He knows what he's up to, he knows what he eats, He gobbles your body and spits out your mind, If you don't believe it then you must be blind...". ("...Le monstre de la marijuana traque les rues, Il sait ce qu'il fait, il sait ce qu'il mange, Il engloutit votre corps et crache votre esprit, Si vous ne le croyez pas alors vous devez être aveugle...").
C'est donc une une condamnation ricanante d'amour / haine du syndrome de la marijuana avec la prose sarcastique de Calvert sur les maux du pot (il a, en fait, interdit le cannabis du studio, au grand dam de Capitaine Brock et du 'Hawkcrew'). Calvert était un individu naturellement défoncé, excentrique, sauvage et extravagant, offrant une performance intemporelle permanente.
A noter l'intermède psychédélique jazzy dans lequel Calvert raconte comment un de ses doigts est tombé de sa main, a attaqué sa tirelire et a volé sa cachette! Son envoi de la propagande anti-pot des années 1940 et 1950 alors qu'en même temps, il ne chante pas exactement les louanges de l'herbe. Reflétant peut-être la position de Calvert sur les drogues inhibant la créativité, et non une aide à celle-ci comme Hawkwind l'avait longtemps témoigné.
"Reefer Madness" a été interprété pendant la tournée de promotion de l'album, apparaissant sur l'album live "Atomhenge 76", et est il resté dans le set jusqu'à la formation des Hawklords en 1978. La chanson a été ajoutée à la setlist en 1990 pour être interprétée par Bridget Wishart, une version apparaissant sur l'album live "California Brainstorm".
Le grand riff hypnotique de 'Steppenwolf' suit, et c'est un véritable classique. Long et conceptuel, maussade, sombre, paranoïaque avec un excellent travail d'orgue et un riff de guitare mémorable. Pas aussi dérangeant que le morceau d'ouverture, mais tout à fait différent d'une chanson 'traditionnelle' du groupe.
Avec des percussions, des claviers et des voix commençant dans une ambiance toute Santana, mais changeant pour un air plus psychédélique au fur et à mesure que la chanson avance, son côté latino est omniprésent. C'est un Rock de plus de neuf minutes avec un riff répété rappelant quelque peu Deep Purple ou Steppenwolf, assez ironiquement.
"Steppenwolf" avait été écrit pendant que Calvert lisait le roman de Hermann Hesse du même titre.
La chanson est un récit à la première personne d'une créature mi-homme / mi-loup à l'affût:
"Like a wolf my wilful loafing, My languishing alone in my lair, Where you will never hear me laughing, I'm half in love with dark and despair, The Moon's a howling, mouth of mercury, Quicksilver quivering in the sky, It echoes like a cave of chromium, That'll vacuum up my soul when I die." ("Comme un loup ma flânerie volontaire, Mon languissement seul dans mon repaire, Où tu ne m'entendras jamais rire, Je suis à moitié amoureux de l'obscurité et du désespoir, La Lune est une gueule de mercure hurlante, Vif-argent frémissant dans le ciel, cela résonne comme une grotte de chrome, qui aspirera mon âme quand je mourrai. ") Les violons de House sont magnifiques sur le break instrumental, montant et descendant sur la vague du son.
Calvert avait écrit les paroles de "Steppenwolf" quand Adrian Wagner, pour son album "Distances Between Us" (1974), "...voulait une chanson sur la vie dans les villes et je relisais 'Steppenwolf' de Hesse à l'époque. Il me semblait qu'il y avait une mythe fort sur la vie en ville et cela m'a donné l'idée de base...".
La chanson était donc apparue pour la première fois, sous une forme beaucoup plus synthétisée sur l'album de Wagner (Calvert avait écrit la chanson et Wagner était également apparue sur l'album solo de Calvert "Captain Lockheed & the Starfighters"). La version de Hawkwind est beaucoup plus longue et toute la chanson est absolument tueuse!
C'est une chanson sur la vie citadine et les mythes liés à la vie en ville. La chanson a un excellent pont musical pour guitare, et un bon rythme entrainant, avec beaucoup d'orgue, et du saxo ajouté au mix plus tard.
Elle a été exécutée pendant la tournée de l'album, apparaissant sur l'album live "Atomhenge 76" et elle est resté dans le set du groupe jusqu'à ce que Calvert soit parti en 1978, versions incluses sur "Weird Tape 4 et 5". Elle a parfois été réintégrée dans le live, entre 1982 et 1984, elle a été interprétée par Turner, en 1996 par Ron Tree, en 2003 parArthur Brown et en 2017 par Mr Dibs lors de la tournée 'Into The oods'.
La musicalité est toujours aussi bonne, en particulier lors d'excursions spatiales telles que la merveilleuse pièce instrumentale "City Of Lagoons" avec Mellotron saturé. Pas très typique de Hawkwind, mais agréable à écouter.
Cet instrumental floydien est est une chanson à tempo moyen, avec des synthés étincelants et des tourbillons galactiques. Il est bluesy, mais l'arrière-plan est spatial avec son ambiance répétitive.
C'est un morceau composé par Powell, bien que crédité à tort à House lors de la sortie de l'album.
L'album présente certaines des œuvres les plus trippantes de Hawkwind, notamment le court "The Aubergine that Ate Rangoon", animé par des battements de cœur et les accents percutants de Rudolph; Les synthés génèrent des agrandissements psychédéliques énergétiques d'imagerie mystique. Le violon électrique de Simon House et le saxo de Turner dictent l'atmosphère.
Son titre fait référence au Medicine Show du Dr West et au single "The Eggplant That Ate Chicago" du Junk Band en 1967.
C'est un morceau de Jazz bizarre, instrumental, cette fois écrit par le bassiste Paul Rudolph et animé par le synthétiseur et la basse. Celui-ci est beaucoup plus rapide, funky et intéressant grâce à la présence du saxophoniste Nik Turner.
Cela se termine par les bruits de la circulation bruyante qui se transforment en "Kerb Crawler". Morceau le moins spatial, C'est une sorte de Hard Rock énergique avec une touche de saxophone. Celui-ci tourne avec une guitare et un rythme entraînant:
"Synchromesh gearbox, Overhead cams, Mohair motorised wolf, Lying round looking for lambs, Power-assisted steering, 8-track stereo, Leopard skin upholstery, FM radio."
("Boîte de vitesses synchronisée, arbre à cames en tête, loup motorisé en Mohair, couché à la recherche d'agneaux, direction assistée, stéréo 8 pistes, revêtement en peau de léopard, radio FM.")
Les paroles orientées fou de voiture sont reprises par un break principal fort, un orgue scintillant et un riff de guitare déformé. Les paroles sont toujours irrésistibles et peu de personnes ne trouveront de paroles comme celle-ci sur de nombreux albums; "Adagio insect in the skyscraper shade, He's a night city mantis, In the neon parade." ("Adagio insecte à l'ombre des gratte-ciel, C'est une mante de la ville de nuit, Dans le défilé de néons."
"Kerb Crawler", remixé par David Gilmour, est sorti en single avec "Honky Dorky" en face B avec les musiciens qui jouent sur "Reefer Madness". Il y aura deux versions de la face A, l'originale et un re-mix fait par David Gilmour de Pink Floyd, et c'est ce dernier qui apparait sur l'album.
Il a un très bon break de guitare et la chanson est assez intéressante, mais elle n'a pas bien fonctionné en tant que single malheureusement, car pour une chanson assez forte, elle est malheureusement trop courte.
Vient ensuite "Kadu Flyer", un étrange melting pot de claviers, synthétiseurs, flûte égyptienne et même un sitar qui sonne comme une vieille chanson psychédélique qui aurait pu sortir huit ans auparavant.
Elle commence à rocker, mais vers la fin, elle devient tout orientale avec l'utilisation du sitar. Le chant est à nouveau très différent de celui de Hawkwind précédent mais avec des paroles édifiantes sur un vol mystique:
"...Crawl the thermal up a mountain, Like the Pteradacyl's wings, Waves of lift and wing vibrations, Help me to invoke the sun, True me up in soaring fun, Rising like the phoenix, In full flight from the fire...". ("Rampe le thermique sur une montagne, Comme les ailes du Ptérodactyle, Vagues de portance et vibrations des ailes, Aide-moi à invoquer le soleil, Equilibre-moi dans un plaisir fou, Me levant comme le phénix, En plein vol venant du feu...").
Turner est le chanteur principal et House joue du sitar. La voix de Turner laisse beaucoup à désirer, mais le morceau est quand même intéressant. Il est principalement bien structuré jusqu'à la dernière partie, où les choses sont plus improvisées. La chanson se transforme alors en un instrumental prolongé avec des cris du saxophone et du violon.
Les paroles de "Kadu Flyer" ont été écrites par Turner, qui les a créditées à Jamie Mandelkau pour des raisons juridiques (Turner était toujours sous contrat avec United Artists ou Douglas Smith). Calvert reçoit également un crédit d'auteur sur certaines versions. A noter que Kadu est une abréviation de Katmandou.
Le disque se termine en grande forme avec "Chronoglide Skyway" qui est un instrumental composé par House, bien que crédité à tort à Powell lors de la sortie de l'album. Il a été joué pendant la tournée de promotion de l'album, apparaissant sur l'album live "Atomhenge 76".
On y trouve de bons claviers, des effets de saxophone agréables, de jolis riffs de guitare le tout avec un bon support par la section rythmique, basse et batterie.
Cela commence avec des effets intéressants et est assez minime au début. Mais ça finit par tomber dans un motif rythmique, assez spatial comme on peut s'y attendre. Le saxophone traité dans celui-ci est d'une délicate attention.
Le morceau conclut l'album avec un gong et quelques effets de hurlements de vent. Les paysages sonores glaciaux avec des bandes de synthétiseur et des tons de saxophone tourbillonnants créent une atmosphère éthérée.
Les instrumentaux de Hawkwind sont toujours un pur délice. La mélodie de ceci sonne en partie comme "Autobahn" dans certains passages. La lead guitare est un apport sensationnel et cela élève la musique principalement grâce à un beau long solo de guitare trippy.

En conclusion, la nouvelle direction musicale est intéressante et le musicalité et le feeling sont toujours présents.

"Astounding Sounds, Amazing Music" a atteint la 33e place dans les Charts Britanniques.

Après la tournée de promotion de l'album "Astounding Sounds, Amazing Music", et à la veille de l'enregistrement du single "Back on the Streets", le saxophoniste Nik Turner a été licencié pour son jeu en live erratique et le batteur Alan Powell a, tout d'un coup, été jugé excédentaire, réduisant le groupe à un quintuor.
La formation a entrepris une tournée de huit dates en Angleterre pour promouvoir le single en Décembre qui a aussi présenté des versions embryonnaires des morceaux de leur prochain album, "Spirit of the Age", "Hassan I Sabbah" et "Damnation Alley".

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Le groupe est ensuite entré à Rockfield Studios pour l'enregistrer en Janvier et Février 1977, autoproduisant l'album avec l'aide de l'ingénieur du son résident Dave Charles.
Paul Rudolph a également été licencié pour avoir prétendument tenté d'orienter le groupe dans une direction musicale en contradiction avec la vision de Calvert et Brock. Il est parti pendant les séances d'enregistrement après avoir reçu un ultimatum pour présenter "...des excuses pour quelque chose ou pour partir. J'ai choisi cette derniére (option), ne comprenant pas complètement la situation...".

Afin de finir l'album, le remplaçant de Rudolph fut Adrian "Ade" Shaw, bassiste du groupe Magic Muscle qui avait partagé le management de Hawkwind et qui avait ouvert pour Hawkwind lors de la tournée Space Ritual de 1972. L'introduction de Shaw dans le groupe s'est faite après que les morceaux d'accompagnement aient été terminés, il a donc été obligé de superposer ses parties de basse sur les pistes existantes. Le batteur Simon King a déploré: "...J'aurais seulement souhaité avoir enregistré les pistes rythmiques avec lui en premier lieu. Pour moi, le changement de bassistes s'est produit au bon moment. Avec le retour à l'utilisation d'un batteur, j'avais besoin de l'aide d'un bassiste et comme les choses étaient je ne l'ai pas compris...".
Cependant, Rudolph joue quelques parties instrumentales sur le morceau "Hassan I Sabbah", bien qu'il ne soit pas crédité. Sur la dernière version prolongée, son jeu de basse peut être entendu sur les premiers extraits de plusieurs chansons, y compris une version alternative de la chanson "Damnation Alley".

"Quark, Strangeness and Charm" est donc sorti en 1977. Son titre fait référence à la physique quantique: les quarks sont des particules subatomiques, et l'étrangeté (strangeness) et le charme (charm) sont des propriétés de certaines particules.
Il s'agit du septième album studio de Hawkwind, d'où le titre "The Hawkwind Part 7" que l'on peut trouver sur la pochette intérieure.
C'est, surtout, le premier album du groupe sans le membre co-fondateur Nik Turner.

C'est aussi une bonne surprise. Plus ciblé que son prédécesseur, il démontre que Hawkwind est à la hauteur de son époque, car la musique utilise des éléments des développements musicaux récents de cette période: l'électronique, le Punk et le Heavy Metal plus direct.
Plus concis, le style musical est en train d'évoluer, naturellement, et les musiciens s'aventurent à nouveau dans des territoires spatiaux inexplorés.
Hawkwind se retrouve complètement repensé. Ils ont toujours maintenu ce jeu de guitare typique, le rythme, les mélodies orientales et leur excellente composition de chansons, mais le style et le son sont complètement mis à jour: le style se rapproche de la Pop Arty Punk et le son est frais et nouveau, plus proche. L'album ressemble plus à l'Art Rock de David Bowie ou Roxy Music qu'à leur drone spatial d'origine.
L'électronique est quelque peu modérée dans ce disque. Une guitare puissante mène le groupe à travers les jams et les compositions, tandis que Calvert se révèle être un grand chanteur et leader.

Le son a perdu la majeure partie de sa sensation d'espace: finis les saxophones tourbillonnants, les effets de guitare, les mellotrons et les moogs. Ils sont remplacés par une batterie des claviers modernes que de nombreux groupes de nouvelles vagues comme Japan, Magazine et d'innombrables autres commenceront à utiliser juste un an plus tard.
Par conséquent, ils s'intègrent à merveille avec le mouvement Punk / New Wave qui était sur le point de décoller. En fait, l'album commence une période de trois ans pendant lesquels Hawkwind est devenu une sorte de groupe Punk-Pop-Prog, cette combinaison est des plus étranges: en tant que tel, ils se sont avérés être l'un de ces rares groupes du début des années 70 à pouvoir se fondre dans les temps nouveaux avec succès. Il est, en quelque sorte et à bien des égards, un retour en forme.

Cet album est donc très différent de ce que Hawkwind avait fait auparavant. Tout d'abord, cet album est mieux produit. Il est également beaucoup plus mélodique et le jeu est également moins bâclé qu'il ne l'était auparavant. Tout cela est une très bonne nouvelle puisque les albums précédents manquaient clairement de ces aspects essentiels.

"Quark, Strangeness and Charm" a deux atouts principaux, à savoir le sujet intéressant des paroles et le son très concentré. Robert Calvert a écrit toutes les paroles inspirées de Science-Fiction qui sont pleines d'humour et d'esprit.
De plus, Nik Turner est maintenant parti, ce qui entraîne la disparition des instruments à vent dans le paysage sonore du groupe.
Calvert est, par conséquent, la principale force motrice de cet album avec son style de voix tirant vers la New Wave. En effet, il semble totalement intégré et dominant dans la scène Hawkwind, sa voix sonne fort et haut. Son chant est similaire à celui de David Bowie ou Marc Bolan. Il a également interdit les drogues en studio, ce qui a contribué à un son plus concentré et plus clair.
Quant à Simon House, il comble le vide laissé par l'absence de flûte et de saxophone de Turner avec des claviers luxuriants et un jeu de violon particulièrement raffiné. Pas étonnant que David Bowie l'ait recruté pour sa tournée mondiale de 1978.
A noter que l'ajout du violon électrique est très agréable et c'est l'instrument principal de la chanson qui est certainement la meilleure sans doute: "Hassan I Sahba".

Après le départ de Paul Rudolph lors des répétitions, les overdubs de basse faits par Ade Shaw se sont avérées tout simplement excellentes.

Soniquement, l'album est donc une sorte de fusion plutôt enivrante de Punk et Space-Rock.
C'est un excellent disque de Hawkwind en termes de production et de musicalité. La musique de cet album est plus orientée Pop que leurs offres précédentes.
C'est un tournant pour le groupe, car il donne un aperçu du futur à venir.
Il est même devenu un autre album classique de Hawkwind qui montre que le groupe n'a pas peur de développer et d'embrasser le son punk plus minimaliste qui existait à l'époque.

L'excellent et accrocheur morceau d'ouverture, "Spirit Of The Age" est une histoire d'amour de science-fiction dans un avenir lointain. Le changement musical peut être perçu tout de suite car moins stoner, plus concentré et avec un son plus clair.
La chanson a un riff Rock dans le style typique de Hawkwind. Elle a toujours le même genre d'effets qui figurent sur le vaste catalogue de Hawkwind, à savoir des voix off, des octets sonores et des composants électroniques étranges sonnant comme du code morse.
"Spirit of the Age" concerne principalement l'anonymat et l'inhumanité clinique du clônage et se moque généralement des processus naturels.
Il a des paroles amusantes sur les voyages dans l'espace, les amoureux d'Android et le fait d'être vraiment un clone: "...Ta réplique d'Android est de nouveau en lecture..." et "...Je suis un clône, je ne suis pas seul Chaque fibre de ma chair et de mes os est identique aux autres Tout ce que je dis est du même ton que la voix de mon frère éprouvette Et il n'y a pas de choix entre nous, si vous nous avez déjà vus vous vous réjouiriez de votre unicité...". Pas étonnant que cela convienne au chant de Calvert.
C'est un Hawkwind rajeuni, le ton de l'album est donné et les paroles de Calvert sur le clonage jettent toujours une ombre sur le monde d'aujourd'hui.
La relation plus étroite semble être l'album "Ultravox!", surtout la partie vocale si proche de celle de John Foxx. L'utilisation d'un violon ne fait qu'ajouter à la comparaison. Le tout dans une ambiance similaire à NEU!, cette chanson est un Rock parfaitement trippant.
Cette version est de loin supérieure aux versions live en raison du mixage et de la production globale.
"Spirit Of The Age" deviendra un classique du groupe.
L'ambiance perdure avec l'ultra énergique "Damnation Alley" qui se combine bien avec le morceau précédent, il y a un calme initial apparent changé par une chanson Rock vraiment ancienne et la basse, la guitare et la batterie fonctionnent à merveille.
Le morceau qui peut être décrit comme un "Soft Space Punk", avec des changements intéressants, par exemple un court passage Reggae, est basé sur un roman de Science-Fiction de Roger Zelany et il décrit une mission de sauvetage transaméricaine se déroulant dans un état policier post-apocalyptique.
La partie principale de la chanson se compose de Punk-Pop entraînante, mais il y a une longue section centrale qui est tout le contraire. Simon House est inclus dans le générique d'écriture de cette chanson, et il contribuE à cette section du milieu avec son magnifique arrangement de violon et de claviers.
"Damnation Alley'' consiste à parcourir une ville pendant une guerre nucléaire et la musique aide également les paroles en faisant en fait le même voyage qu'un Captain Calvert, avec une électronique en plein essor et une puissance fournie par un riff de guitare quasiment Punk. Calvert, vraiment au sommet de sa forme, est d'accord là-dessus et il a un riff lourd, avec des lignes de synthé formidables. "...Merci Dr Strangelove, descendant à Damnation Alley et bonne chance à vous...". La rupture instrumentale finale avec les synthés cathédrales est magnifique.
Dans un effet d'ouverture inquiétant, "Damnation Alley" commence par un son d'alarme en raison de l'arrivée d'une bombe nucléaire, suivi de drones et d'atmosphères effrayantes alors que la pluie tombe, cela rappelle une dystopie cyber punk. Puis la guitare joue et reprend à plusieurs reprises, la batterie et Calvert qui chante sur le rayonnement des terres en friche, entrent tour à tour, cette piste est plus rapide que la première.
Après l'explosion atomique, c'est une chanson sur la menace nucléaire qui prévalait lorsque l'album est sorti.
"Damnation Alley" a été joué pour la première fois lors de la tournée Britannique de Décembre 1976, et il est resté dans le set jusqu'à la formation des Hawklords en 1978. Il a été réintroduit dans le set entre 1989 et 1992, une version apparaissant sur l'album de 1991 "Palace Springs".
Le morceau suivant, "Fable of a Failed Race", est une ballade spatiale Soft Rock formidable et éthérée avec des atmosphères mélancoliques et la voix aérienne de Calvert. Elle est bourrée de guitares et de vocaux de Brock merveilleusement superposés. Juste magnifique.
Le bon vieux Rock "Quark, Strangeness And Charm" est probablement la chanson la plus faible de l'album.
Elle parle d'Albert Einstein ... et de son manque de chance avec les dames. C'est hilarant et les comparaisons des relations avec la chromodynamique quantique correspondent vraiment aux thèmes de l'ère spatiale de Calvert.
C'est une pièce originale aussi Glam Rock que Marc Bolan qui étaient amis du groupe à l'époque, qui grandit avec le temps.
Cependant, l'album n'est pas uniquement de Science-Fiction et de Métafiction car le morceau "Hassan I Sahba" au son du Moyen-Orient contient des thèmes sur le pétrole et le terrorisme de Septembre Noir.
Cette chanson tire son nom d'un missionnaire Persan du Moyen Âge dont les adeptes étaient appelés les Hashshashin, et les paroles contiennent une référence évidente à la drogue. C'est la chanson la plus puissante avec toujours plus de superbes violons de House, de belle ligne de basse et un bon chant.
Ce Heavy Rock 'oriental' prédit en fait une guerre au Moyen-Orient à cause du pétrole, bref quelque chose encore d'actualité d'aujourd'hui.
Dans le style de "Magnu", quoique plus Heavy et plus court, cette chanson mystique aux paroles arabes est un classique!
"Hassan I sabha" n'est pas seulement une rêverie hippie dopée sur un thème arabe, Calvert a eu des contacts parmi des musulmans radicaux qui prédisaient une guerre sainte avec l'Occident et l'impérialisme Anglo-Américain. Il avait donc écrit ce thème à la fin des années 70, une vingtaine d'années avant qu'il ne secoue le monde. Calvert a repris les notions les plus farfelues et extrêmes de son temps. La vie sur Terre a été semée depuis l'espace. La vie sera bientôt clonée. Les assassins d'Allah se battront pour des pétro-dollars.
"Hassan-i Sabbah" (épelé Hassan I Sahba sur la couverture) est, en fait, une chanson mêlant la légende de Hassan-i Sabbah (assassins et haschich) à des questions contemporaines (pétrole et terrorisme palestinien).
Il s'agit d'une collaboration Paul Rudolph / Robert Calvert. Cette version est sortie en 45 tours en Italie et en France. Lors de la performance live de cette chanson, Calvert a pris le personnage d'Aubrey Dawney, qu'il décrit comme "une sorte d'as de combat 1914-1918, et un peu plus. Mick Farren l'a décrit comme étant un croisement entre Biggles et Lawrence d'Arabie - ce qu'il est, il a des connexions avec l'Extrême-Orient et aussi le tabagisme de l'opium". Il a été exécuté pour la première fois en direct pendant la tournée d'albums "Astounding Sounds, Amazing Music" de 1976 , une version apparaissant sur "Atomhenge 76", et est resté dans l'ensemble jusqu'à la formation des Hawklords en 1978. Une nouvelle version studio a été enregistrée pour l'album de 1987 "Out & Intake", et depuis lors, il a presque été omniprésent dans le set live, apparaissant sur de nombreux albums live, généralement sous le titre "Assassins of Allah".
"The Forge Of Vulcan" ressemblerait presque à un extrait d'un album de Tangerine Dream. Cependant, les différences notables sont le ton plus sombre et l'effet sonore du marteau.
C'est le seul moment véritablement spatial de ce disque, juste une confirmation que le groupe changeait d'orientation.
C'est un instrumental intéressant de Simon House avec des textures multicouches de claviers, orgue, synthétiseur et séquenceur plus des percussions fournies par le martelage d'une enclume réelle en référence à la mythologie de Vulcan.
Le morceau a été joué en live pendant la tournée de l'album, une version apparaissant sur "Weird Tape 5", mais il a ensuite été abandonné.
A noter que c'est la dernière contribution de House au groupe avant d'être embauché par David Bowie!
"Days of the Underground" ramène le son plus typique de Hawkwind en rendant hommage à la scène underground psychédélique d'où Hawkwind a émergé.
Dans cette chanson, Calvert porte un regard critique sur les vestiges de la contre-culture post-hippie dans laquelle Hawkwind avait été immergé quelques années auparavant.
Il raconte l'histoire d'un jeune Hawkwind, chouchou de la scène musicale underground. C'est un morceau agréable, malgré la voix théâtrale de Robert Calvert.
Il est suivi d'une composition de Simon King, "The Iron Dream", une belle fin d'album qui ressemble beaucoup plus au fer qu'au rêve.
C'est un instrumental basé sur "Mars" de Gustav Holst, son nom tiré du livre de Norman Spinrad 'The Iron Dream'. La piste était généralement jouée en live comme point culminant de "Uncle Sam's on Mars", dont des versions peuvent être entendues sur "The Weird Tapes". Il est également apparu sous le titre "The Dream Goes On" sur l'album "The Business Trip" de 1994, et avec des paroles supplémentaires comme "Are You Losing Your Mind?" sur l' album "Alien 4" de 1995.

"Quark, Strangeness and Charm" a été chaleureusement accueilli par les journaux de musique hebdomadaires Britanniques au moment de sa sortie, Sounds notant que "...le groupe est toujours capable de faire des remous...", et Melody Maker qu'ils avaient "...fait une partie du chemin [en se réhabilitant]...".
Les critiques ont particulièrement fait l'éloge de Calvert, Sounds déclarant que "...Calvert, s'étant adapté à son rôle de leader, retire maintenant les marrons du feu, ses contributions poético-lyriques fonctionnant particulièrement bien...", Melody Maker observant que "...le groupe a développé un réel sens de l'humour..." et l'album "...trouve Calvert sous une forme très fine en tant que parolier...", tandis que le NME l'a évalué comme "...la bande dessinée de science-fiction excite les prolétaires, mais cette fois-ci, le sens de l'humour psychotique de Bob Calvert est bon pour le premier plan...".
Les critiques ont été moins élogieux sur les progrès de la musique du groupe, Melody Maker notant que l'amélioration lyrique "...n'a pas été égalée sur le plan instrumental ou structurel. Le seul musicien notable... est Simon House pour ses passages de violon toujours impressionnants...", tandis que le NME a déclaré que "...musicalement, ce sont tous des riffs de bélier battant et des drones synthétisés monoplan, avec Dave Brock coupant occasionnellement à la guitare (plutôt que de simplement fournir un rythme frénétique) et Simon House contribuant à des solos de violon hypnotiques...". Sounds a estimé que la "...production peut être nulle en parties...", croyant que la "... lourdeur magnifique..." de "Doremi Fasol Latido" plus adaptée au son du groupe.

"Quark, Strangeness and Charm" a passé six semaines dans les Charts des albums Britanniques culminant au numéro 30.
La réédition 2009 2CD de l'album inclut les premières versions des pistes avec les contributions de Rudolph.

Après l'enregistrement de l'album, le groupe a entrepris une tournée de 11 dates en Allemagne et aux Pays-Bas en Mars, suivie d'une tournée de cinq dates en France en Avril. En Juin, lors de la sortie générale de l'album, le groupe entreprend une tournée de 10 dates en Angleterre avec le soutien du groupe Motörhead de l'ancien bassiste Lemmy. Ils ont suivi cela avec des apparitions au Stonehenge Free Festival le 21 Juin et en tête d'affiche le Reading Festival le 28 août.
Le groupe est apparu dans l'émission de Marc Bolan, 'Marc at Granada Television' aux studios de Manchester, le 14 Septembre, mimant une version pré-enregistrée du single "Quark, Strangeness and Charm", alors qu'il était sorti deux mois auparavant. Leur place dans l'émission a été assurée car leur équipe de management, Tony Howard et Jeff Dexter, a également géré Bolan. Leur apparence était significative en ce que Brock n'apparaissait pas, en raison d'un ressentiment de longue date de sa part envers Bolan. Son rôle a été joué par Shaw enregistrant les pistes de guitare lors du pré-enregistrement, tandis que Calvert a mimé la guitare pendant le tournage.

Une vaste tournée de 20 dates au Royaume-Uni en Septembre et Octobre a été entreprise, avec le soutien de Bethnal (qui allait devenir le groupe de soutien de Calvert pour son album de 1981 "Hype"). Cela a été immédiatement suivi par une tournée d'Octobre en France, mais en raison du comportement erratique de Calvert, la tournée a été interrompue après 3 dates. Lors du mariage de Calvert avec l'auteur Pamela Townley le 5 Novembre, il a répliqué que "...Brock a convaincu les autres que je faisais une dépression nerveuse. Quelle absurdité! un peu joyeux - après tout, j'allais me marier! La vérité est que Dave Brock ne voulait pas faire les concerts supplémentaires...". Cependant, dans un documentaire de la BBC4 sur le groupe, plusieurs membres du groupe ont déclaré que la raison était en effet la santé mentale de Calvert et qu'il avait poursuivi la voiture du groupe en agitant une épée et en escaladant les voitures pour les atteindre.

Le groupe continue de connaître un succès commercial modéré, mais la maladie mentale de Calvert cause souvent des problèmes. Une phase maniaque a vu le groupe abandonner une tournée Européenne en France, tandis qu'une phase de dépression lors d'une tournée Nord-Américaine de 1978 a convaincu Brock de dissoudre le groupe.
Entre ces deux tournées, entre Janvier et Février 1978, le groupe enregistre l'album "PXR5", mais sa sortie a été retardée jusqu'en 1979, et en Mars fait une tournée en Amérique du Nord, après quoi ils se dissolvent.

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Hawklords


Il existe plusieurs enregistrements live de ces tournées qui ont été publiés sous différents titres. Les dates données pour les pistes PXR5 en live ne correspondent pas aux dates de la tournée, et si ces pistes ont effectivement été enregistrées lors d'un spectacle en live, elles ont ensuite été soumises à des overdubs en studio. Toutes les autres pistes, bien que des sources différentes soient données, sont les mêmes enregistrements, à l'exception de "Robot" qui est de deux performances différentes.

Le 23 Décembre 1977 à Barnstaple, Brock et Calvert effectuent un concert unique avec le groupe Devon Ark en tant que Sonic Assassins, et à la recherche d'un nouveau projet en 1978, le bassiste Harvey Bainbridge et le batteur Martin Griffin ont été recrutés pour cet événement. Steve Swindells a été recruté comme claviériste.

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La nouvelle incarnation de Hawkwind, Hawklords a vu le jour lorsque le vaisseau-mère a cessé d'exister pendant un certain temps de la fin de 77 à 78, pour toutes les raisons tumultueuses qui entouraient souvent le groupe!

"The Hawklords - 25 Years On" est sorti en Octobre 1978 sur le label Charisma. L'album a été initialement publié sous le nom de Hawklords en raison d'un différend juridique sur la propriété du nom Hawkwind, Hawkwind s'étant séparé lors d'une tournée aux États-Unis plus tôt la même année et apparemment divers membres du groupe ayant revendiqué le nom de Hawkwind.
Le résultat est que seuls Robert Calvert, Dave Brock et Simon King font partie de la formation qui a enregistré ce disque.

Ils ont été rejoints par Harvey Bainbridge qui avait joué de la basse dans le groupe Devon Ark qui à son tour avait joué avec Calvert et Brock en tant que Sonic Assassins, et par le claviériste Steve Swindells qui avait été dans Pilot.
Pendant la session d'enregistrement du Devon, King rentra chez lui à Londres et il fut remplacé par Martin Griffin (également d'Ark), mais King revint par la suite en donnant au groupe deux batteurs.
Simon House avait quitté le groupe pour rejoindre David Bowie mais il a contribué au violon aux sessions, comme l'a fait remarquer le trompettiste de Jazz Britannique Henry Lowther.

Ce groupe avait enregistré l'album qui deviendra "25 Years On" dans une ferme du Devon à l'aide du studio mobile de Ronnie Lane, et il s'est séparé un an plus tard.
Comme ce disque est désormais considéré comme faisant partie de la discographie de Hawkwind, il est techniquement la dernière sortie studio de Brock and co. avec Robert Calvert.

King avait été à l'origine le batteur du projet, mais il est parti pendant les sessions d'enregistrement pour retourner à Londres, tandis que House, qui avait temporairement quitté le groupe pour rejoindre une Tournée de David Bowie, choisi pour rester à plein temps avec Bowie, mais contribuant néanmoins au violon lors de ces sessions. À la fin de la tournée Britannique du groupe, Calvert, voulant que King revienne dans le groupe, a congédié Griffin, puis s'est résigné rapidement, choisissant de poursuivre une carrière dans la littérature. Swindells est parti enregistrer un album solo après qu'une offre lui ait été faite par la maison de disques ATCO.

Bien que la pochette peu attrayante pourrait certainement effrayer les fans de Space Rock Psyché, il n'y a vraiment rien à craindre à l'intérieur de l'album. La musique est bien composée et jouée et cet album a, étonnement, une bien pire réputation que ce qu'il mérite car il contient des bonnes chansons, certaines, peut-être un peu plus faibles, pour la plupart courtes et accrocheuses avec une sensibilité considérable penchant vers la New Wave, mais la production est vraiment complète et assez luxuriante.

Au cours de sa longue carrière, Hawkwind a subi de nombreux changements dans son line up et dans sa direction. Chaque parution de Hawkwind s'accompagne d'une progression sonore. Si "25 Years On" fait certainement partie de la discographie de l'incarnation épurée et punk de Hawkwind par Robert Calvert, il ne fait certainement pas exception à cette tendance.
Cet album est une tentative de fusionner la New Wave avec l'approche musicale de "Quark, Strangeness and Charm".

Musicalement, le défi majeur auquel le groupe fut confronté est le départ de Simon House après les sessions "PXR5" (bien qu'il soit invité sur les trois derniers morceaux). Un problème moins signalé était les problèmes de santé mentale récurrents de Calvert, qui étaient à l'origine de son départ initial du groupe au début des années 1970.
Bien qu'il fut apparemment déprimé après le retrait de "PXR5", Calvert est en fait très présent sur cet album et il bénéficie d'une grande partie des projecteurs.

Chacune des chansons qui apparaissent sur "25 Years On" est forte dans sa composition, et la prestation vocale charismatique de Robert Calvert donne à l'album un son dynamique.
En fait, il domine même absolument et il ressemble un peu à une imitation des débuts de Bryan Ferry avec Roxy Music, surtout dans le morceau "25 Years", qui aurait tout aussi bien pu être une chanson de Roxy Music.

Hawkwind était passé maître des longues jams et cet album prouve qu'ils peuvent aussi travailler un format court.
Car, dans l'ensemble, les compositions deviennent plus courtes et plus concises et les morceaux sont un peu moins lâches et plus structurés généralement que Hawkwind, mais à part cela, c'est, sans aucun doute, toujours le son de Hawkwind. Les riffs Hard Rock, le rythme entraînant, les voix distinctes de Robert Calvert et les sons psychadéliques sont indéniablement présents, mais il y a un élément de New Wave dans le son qui n’était pas là avant.

Lyriquement c'est le traitement le plus diversifié de Calvert avec des thèmes tels que la télépathie ("Psi Power"), le parachutisme ("Free Fall"), l'abus de drogue australien ("Flying Doctor"), la bravoure héroïque ("The Only Ones") et l'espionnage (""(Only) The Dead Dream Of The Cold War Kid").
Il y a un caractère ludique dans ces morceaux, seules les paroles de "The Age of the Micro Man" font allusion au sombre concept futuriste des ouvriers d'usine que Calvert et Barney Bubbles ont mis en place pour le spectacle de l'album. Le programme a été reproduit dans le livret CD de la réédition d' "Atomhenge".

La vague Punk sur laquelle Hawkwind a probablement eu une assez grande influence n'est pas non plus passée inaperçue car "Flying Doctor" est un morceau d'influence très Punk avec une attitude agressive. Mais, malgré cela, le son "central" de Hawkwind est resté intact.
Singulière dans leur discographie, la musique est assez innovante et prouve que le groupe était à la hauteur de son temps, explorant de nouvelles directions tout en gardant sa touche personnelle. Si les morceaux sont moins remarquables que sur "Quark, Strangeness and Charm", le rendu est globalement moins inégal et plus cohérent. En fait, ce disque est certainement le plus Punk que les rockers de l'espace aient jamais enregistré.

Bien que ces chansons reflètent le climat musical de l'époque, Calvert a plus tard dénigré, quelque peu paradoxalement ou peut-être ironiquement, la nature conservatrice de la New Wave et son retour au format de chanson Pop de trois minutes.

L'album fut, à l'origine, intitulé "25 Years On" et les 25000 premiers ont été pressés comme ça jusqu'à ce que le groupe décide de l'appeler simplement "Hawklords". Les rééditions ultérieures sont revenues au nom "25 Years On" et le groupe utilise également ce nom sur son site Web.

L'album a une chanson d'ouverture assez divertissante bien composée et étonnamment accessible, "Psi Power", qui est presque Pop avec un bon synthétiseur et le beat caractéristique de Hawkwind.
Dans ce morceau certainement le plus accessible du disque, Calvert explore le thème de la télépathie, et la musique est très comparable à celle de "Quark Strangeness and Charm". On notera en particulier le refrain mélodique; "Je peux lire dans tes pensées comme un magazine", et "j'obtiens tous les secrets". La production est nette et en fait un produit hors du commun, surtout la musicalité, l'acoustique, les percussions et ce superbe solo de synthé. "Psi power" était une interprétation parfaite du projet secret de visualisation à distance et d'ESP militaire pendant la guerre froide.
Vers la fin du morceau, la musique se transforme en un tourbillon de voix chuchotées, terminant la chanson dans le style psychédélique habituel de Hawkwind.
A partir des notes de la pochette, on peut avoir une idée des exaltations étranges qui hantaient l'esprit de Calvert: "Harvey Bainbridge est allé chez Calvert, où il a trouvé le chanteur et parolier vêtu de l'uniforme d'officier de la Première Guerre mondiale".
"Psi Power" deviendra un 'aliment de base' en live, et il existe, d'ailleurs, dans de meilleures versions en live.
Presque floydien, du moins pendant la première partie, le majestueux "Freefall" est plus ambiant et le groupe revient également à des standards plus "normaux". C'est une belle façon de se rappeler que le groupe jouait de la musique spatiale et psyché il n'y a pas si longtemps.
C'est une chanson incroyable avec une belle mélodie et des paroles sur le saut d'un gratte-ciel, chantée de façon dramatique par Calvert. C'est, en fait, une chanson sinistre sur le parachutisme.
"Freefall" est bien faite avec des enchaînements intenses en elctronica de forme libre et de retour au Hard Core Rock.
Accompagné d'un savoureux travail de synthé et d'une basse envoûtante, la section principale présente un excellent riff de basse Heavy et beaucoup d'ambiance.
On y trouve un synthé qui tourbillonne et une basse qui plonge soudainement dans un groove sombre hypnotique avec la batterie, Brock déchaînant un riff entraînant tandis que la batterie adhère tranquilement à la pulsion générée. Calvert flotte doucement dans un verbiage psychédélique, des mots tumultueux qui atteignent l'abîme. "Tout ce que vous avez à faire est de faire un pas dans le ciel".
Puissant!
"Automaton" est une bizarrerie électronique expérimentale étrange mais brève, qui sert d'intro à la chanson "25 Years", un Rock punkoïde / psychotique qui saute dans une chicane dissonante... Un morceau haletant de brutalité qui toujours incite à la rébellion, à ces oreilles en tout cas!
C'est, en quelque sorte, le tarif standard Hawkwind, agissant comme un pont expérimental entre le riff obscur de 'Free Fall', et la marche battante de "25 Years".
L'accrocheur "25 years" ravive le beat, cette fois combiné avec le chant du road manager du groupe, Les McClure
Il se dégage une bonne énergie dans ce morceau, et le chant maniaque de McClure fait un crochet instantanément accrocheur.
Mais, comme dans "Quark, Strangeness and Charm", cette chanson Pop Punk de base est un peu déplacée et, à coup sûr, la plus faible du disque. La musique se noie dans sa propre production, ce qui donne forcément un morceau digne de grincement.
Un autre excellent morceau est le drôle "Flying Doctor'', construit autour d'un riff Heavy et Calvert chante avec un accent australien. C'est, par ailleurs, un hommage à la série télévisée australienne "Flying Doctors", mais avec une sensation Bowie très amusante et très agréable et la voix fait vraiment amateur de pub.
"Flying Doctor" présente une guimbarde qui sert de didgeridoo de substitution et Calvert explore à la première personne le thème de la toxicomanie en Australie avec des paroles répétitives et une satire mordante. Le travail de guitare est excellent, imprégnant la piste de riffs saturés et d'un solo bluesy qui ajoute une belle touche.
Brock emmène la chanson dans un excellent tour de guitare céleste mêlé à cet esprit perturbé qu'était Calvert. Le batteur Martin Griffin frappe puissamment, imitant ainsi courageusement l'énorme Simon King. Un bon son lourd avec des bons vocaux. C'est du Hawkwind vintage.
Vient ensuite "The Only Ones", une chanson plus classique dans la veine des ballades spatiales de "Hall of the Mountain Grill", mais plus concise. Avec ses tons pop harmoniques, c'est probablement le meilleur morceau du disque.
Cette chanson au rythme rapide et acoustique rappelle la partie III de "Ummagumma" de Pink Floyd, "The Narrow Way Part III" signée David Gilmour, et cela pousse vraiment le reste de l'album dans ce qui aurait été une excellente direction pour tout l'album.
Le son général de cette piste sonne comme une incarnation polie des précédents disques de Hawkwind, avec une couche de guitares acoustiques caressée par un nuage de mélotron.
Vient ensuite "(Only) The Dead Dream Of The Cold War Kid" est un autre morceau fantastique, avec une production sombre qui rappelle un peu "Hall of the Mountain Grill". Calvert couvre le thème de l'espionnage avec un portrait lyrique descriptif qui se tisse magistralement dans les lavis froids du son et le timbre nasal des accords de guitare.
C'est un discours de la guerre froide sur la paranoïa de vivre sous la menace de l'effacement nucléaire, magistralement chanté et écrit par Calvert, propulsé par un simple battement de batterie de Simon King, des synthés spatiaux en piqué et des grooves de basse. Le chant rappelle le Psyché de la fin des années 60.
Enfin, sans aucune pitié, le morceau de clôture, le majestueux "The Age of the Micro Man", vient briller à travers la brume électronique avec des voix évanouies qui contemplent, selon les notes de la doublure, "l'avenir de l'être humain, pions dans le jeu de l'industrie mécanisée".
Son rythme lent est l'un des temps forts de l'album et ses paroles concernent les 'Voluntary Prisoners ', ou travailleurs, de l'usine géante PTi.
C'est une pièce Soft Space agréable pour piano, très lente dans le tempo chantée par Brock.
Elle résume les faibles efforts des humains pour contrôler le monde et cette partie de l'univers. C'est un peu une ballade, mais le travail du synthé et les effets contribuent grandement à faire en sorte que la chanson surprenne.

Peut-être le meilleur album des années Charisma de Hawkwind, même s'il n'a même pas pu sortir sous le nom de Hawkwind.
La tournée Britannique que Hawklords entreprirent pour promouvoir l'album impliquait un spectacle sur scène élaboré avec la fiction Pan-Transcendental Industries (PTi) de Calvert dans son centre dystopique. Le plan de 25 Years du PTi recherchait 'une autorité absolue sur la planète' via 'l'industrialisation de la religion' et l'effacement de la nature par 'la nouvelle psycho-technologie'.

"25 Years On" a atteint la 48e place des Charts Britanniques.
"Psi Power" avec un son plutôt commercial et le punky "25 Years" sont sortis en singles mais avec des versions légèrement différentes de celles qui sont apparues sur l'album.
De nouvelles versions acoustiques de "Flying Doctor", "Psychic Power" et "The Age of the Micro Man" ont été incluses dans "The Road to Utopia" (2018), produites et arrangées par Mike Batt avec des orchestrations supplémentaires.

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L' album "PXR5" est finalement sorti le 15 Juin 1979, et le message énigmatique sur la pochette "This is the last but one" fait référence au fait qu'il a été enregistré avant "25 Years On".
Les 5000 premiers exemplaires contenaient l'affiche Hawkwind Family Tree de Pete Frame. La couverture originale contenait une illustration d'une prise électrique britannique BS 1363 câblée de manière dangereuse qui a provoqué une controverse pour des raisons de sécurité, de sorte que les copies suivantes ont été publiées avec un autocollant supposément inamovible couvrant l'œuvre d'art incriminée.
Peu de temps après la sortie de l'album, l'illustration de la prise était recouverte d'un autocollant obscurcissant l'image.

La formation est alors composée d'Adrian Shaw à la basse, de Simon King à la batterie, de Simon House aux claviers, de Robert Calvert au chant et de Dave Brock au chant, à la basse, à la guitare et aux claviers.
A noter que les deux singles, "Psi Power" et "25 Years", comportaient respectivement "Death Trap" et "PXR5" tirés de l'album sur leur face B.
A noter aussi que "Infinity" et "Life Form" devaient à l'origine faire partie d'un album solo sur lequel Dave Brock travaillait.

L'album avait été enregistré et mixé aux Rockfield Studios en Janvier et Février 1978. "Uncle Sam's on Mars", "Robot" et "High Rise" avaient été initialement enregistrés lors de la précédente tournée Britannique mais ils ont été en partie 'overdubbed' en studio, en particulier la voix de Robert Calvert en double piste.

"PXR5" est un album agréable mais il est un peu irrégulier. Les chansons sont généralement plus Rock mainstream que ce que les fans avaient l'habitude d'entendre jusqu'à présent, et au niveau des paroles, Calvert propose une poésie époustouflante, cousue de satire sur tout, de la course à l'espace ("Uncle Sam's on Mars") au déclin urbain et à l'aliénation ("High Rise"). La science-fiction est toujours là, bien sûr, avec "Robot'' parodiant les trois lois de la robotique d'Asimov, mais dans l'ensemble, c'est un Hawkwind plus strict et plus Rock.

Le disque est, en fait, un album mi-studio mi-live: "Uncle Sam's On Mars", "Robot" et "High Rise" ont été enregistrés en live lors de la tournée de 1977 en Angleterre, puis remixés et 'overdubbed' en studio, alors que "Infinity" était basé sur un poème récité par Robert Calvert pour le Space Ritual Tour de 1973.

Stylistiquement, il ressemble aux deux albums précédents avec un peu d'éclat Punk et New Wave, à mi-chemin entre "Quark, Strangeness and Charm" et la fusion plus aboutie de New Wave-space rock réalisée sur "25 Years On".

Certaines des pistes, dont "Uncle Sam's On Mars" et le Heavy et entraînant "Robot", sont tirées de performances en live, révélant que, sur scène, Hawkwind avait gardé des choses plus lourdes alors même que le groupe appliquait une touche plus légère en studio pendant sa période de Charisma. Cela fonctionne parfaitement dans un but utile, à savoir, donner à l'album un son plus varié que tout autre.
Mais "PRX5" prouve que Hawkwind semble avoir du mal, pour le moment du moins, à s'adapter à la fois aux exigences de son son en développement rapide et à l'évolution du paysage musical.

Il s'agit d'une corne d'abondance peut-être un peu trop désordonnée, quelque peu sur-produite, d'ingrédients contradictoires qui, plutôt ironiquement, résume la nature chaotique de la carrière de Hawkwind jusqu'à présent.

Sur cet album, le groupe mélange des synthétiseurs chics avec des guitares New Wave, des mélodies plongées dans la Pop et un barrage d'effets colorés, comme s'il tentait de montrer à quel point cette formation est différente de leur incarnation psychédélique précédente.
Il y a une sorte d'influence Marc Bolan / David Bowie / Roxy Music flagrante sur ce disque, avec de légers embellissements électroniques et Hawkwind a sauté dans le train de la New Wave et les musiciens se sont même aventurés vers le Punk, aliénant certains de leurs premiers fans dans le processus. Le présent album s'appuie sur la formule de "Quark, Strangeness And Charm" et reste assez proche du style de cet album. Cependant, les mélodies ne sont pas aussi mémorables, et en tant que telles, cela apparaît comme une copie plutôt sombre de "Quark, Strangeness And Charm".

La musique tourne au Punk, tandis que les éléments métalliques et futuristes sont temporairement mis de côté. Par conséquent, le style n'est pas vraiment Space Rock et IL peut être comparé à celui de "25 Years On", mais malheureusement sans la même qualité de composition.

Cet album reprend en quelque sorte là où "Quark Strangeness and Charm" s'est arrêté, mais le groupe n'est pas aussi innovant que sur "Quark, Strangeness And Charm" et pas aussi audacieux que sur "25 Years On".
Il n'est pas aisé de suivre le rythme de cet album de Hawkwind et cette étrange combinaison de chansons. Les différents styles / sons de production ne font que créer une ambiance de compilation, au lieu de celle d'un album rock cohérent. Sur la version remasterisée, la qualité sonore globale est cependant relativement bonne.

Plutôt pour les fans de Hawkwind ou peut-être les fans de punk à la recherche de quelque chose qu'ils n'ont peut-être jamais entendu auparavant.

L'album s'ouvre avec "Death Trap" qui est pratiquement un hymne pur Punk, basique et répétitif. Le rythme, le son brut et la fureur des instruments donnent une puissante combinaison. C'est un Rock rapide sur un pilote de course. "Death Trap" aurait pu tout aussi bien sur un album de Clash de la même époque ou des Buzzcocks.
En phase avec son époque, "Jack Of Shadows" est un morceau fantastique et ludique, un Soft Rock agréable avec un excellent riff de guitare et quelques claviers spatiaux. Les paroles sont inspirées du livre du même titre, de Roger Zelazny. Calvert rappelle encore le début de Bryan Ferry. C'est une chanson fraîche et trépidante très 'hawkwindienne'. La musique est accrocheuse, simple et directe.
Puis le groupe revient étonnamment à quelque chose de complètement différent, un Stoner avec le psychédélique "Uncle Sam's on Mars", qui est né de "Opa Loka", avec une diatribe anti-U.S. écrite par Calvert par-dessus. Elle aborde l'obsession fanatique des États-Unis pour l'exploration spatiale avec un mépris total pour notre environnement en décomposition. Cette chanson qui a des similitudes avec "Brainstorm", est cependant plus douce et elle ressemble quelque peu au Pink Floyd du début.
Sa première représentation eut lieu au Cardiff Castle Festival en Eté 1976 sous le nom de "Vikings on Mars", lu par Calvert à partir de ses notes de presse-papiers, et à l'aide d'un mégaphone, sur scène après "Opa Loka". Le morceau est devenu à juste titre un incontournable en live.
"Infinity" rompt avec l'ambiance générale car c'est presque une ballade spatiale Folk avec divers effets sonores, mais, peut-être un peu faible. C'est un morceau de synthé qui présente Brock comme chanteur utilisant un poème de Calvert de "Space Ritual" et qui embrasse notre avenir incertain. Elle rappelle "We Took the Wrong Step Years Ago" du deuxième album de Hawkwind, "In Search of Space".
"Life Form" a un joli motif électronique séquencé sur lequel se verrouiller, mais ce n'est qu'une courte introduction électronique ambiante pour le morceau suivant, "Robot".
La chanson suivante, "Robot", se démarque toujours comme un morceau agréable à écouter avec des effets innovants et un riff de guitare heavy, avec des improvisations spatiales.
Le titre de la chanson lui-même est une distorsion de " Whitey on the Moon " de Gil Scott-Heron.
Elle est Inspirée de la trilogie d'Isaac Asimov "Les Robots" et son riff agressif Moyen-Oriental est dans le style de "Magnu". "Robot" fait référence aux Trois lois de la robotique d' Isaac Asimov qui sont utilisées métaphoriquement pour illustrer comment l'humanité a été réduite à des unités de carbone programmables à l'ère de l'automatisation en 1979 et encore plus vraie aujourd'hui.
C'est un remue-méninges: Il y a plus de paroles et de déclamations de Calvert que sur "Brainstorm" mais il a un riff similaire, un drone similaire, des effets spatiaux et malheureusement aussi des mélodies plutôt inadéquates. Ce n'est pas mal mais il manque un peu de punch pour rester intéressant pendant toutes ses huit minutes.
"Robot" a fait une brève apparition en poème lors du concert historique au Cardiff Castle Festival en Eté 1976.
Le meilleur du lot est la ballade construite en crescendo entièrement orientée New Wave, "High Rise", avec son paysage sonore sombre et ses claviers. Une pièce aérienne trippante, avec des guitares spacieuses.
Elle a une lente accumulation de son et peut rappeller un croisement entre Pink Floyd et le début de David Bowie. Les textures spatiales lentes et la mélodie de construction sont très agréables, et Calvert n'est pas tellement punk mais ses vocaux qui sonnent presque comme Bryan Ferry sont réfléchis.
Les paroles capturent en quelque sorte le sentiment d'être cerné par des gratte-ciel; "...un zoo humain, une machine à suicides, un stock de flypaper, soyez un rebelle de sabotage, empilés dans un immeuble de grande hauteur...".
Accrocheuse, bien conçue et original, c'est, peut-être, l'une des chansons les plus inquiétantes de Hawkwind sur la sur- urbanisation dont les paroles peuvent également être considérées comme des références aux attentats terroristes du 11 septembre contre le World Trade Center.
Les paroles de "High Rise" ont été inspirées du livre de JG Ballard High-Rise et de la nouvelle "The Man on the 99th Floor".
Brock contribue beaucoup à "PXR5", tout aussi impressionnant et intrigant qui est un excellent morceau Punk Rock en clôture de l'album qui se distingue comme un point fort avec des bons vocaux spaciaux de Dave Brock et des atmosphères globalement fortes.
C'est une sorte de chanson mi-punk, mi-robotique, mais un peu difficile à suivre, qui conclut la plongée de Hawkwind dans la nouvelle vague spatiale.
Les paroles de "PXR5" traitent de la période de transition de Hawkwind entre les sons étonnants, la musique étonnante et Quark, l'étrangeté et le charme.

Le CD paru sur Virgin a été masterisé avec des bandes différentes de celles utilisées pour la version vinyle originale. La différence la plus notable est que "High Rise" est la version live sans overdubs studio, donc commence par un clunk plutôt que par une intro basse douce et a une voix plus grossière de Calvert. "PXR5" gagne également une introduction qui manque à l'original.
Le CD de Atomhenge restaure la version originale de l'album, et inclut les différentes versions de "High Rise" et "PXR5" comme pistes bonus 14 et 15 respectivement.

Allmusic a qualifié "PXR5" de "...le dernier de la séquence de disques cassants et influencés par la pop que le groupe ait lancés avec "Astounding Sounds, Amazing Music"..., disant que Hawkwind "...a compris et s'est permis d'absorber les énergies de la New Wave..." sur "PXR5".

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À la fin de 1979, le groupe se reforme: Il s'agit d'un Hawkwind reconstitué avec Brock, Bainbridge et King sortant des Hawklords dissous, rejoints par le lead guitariste Huw Lloyd-Langton qui avait joué sur le premier album d'Hawkwind et le claviériste Tim Blake qui était un ami de longue date du groupe et avait joué sur la trilogie "Radio Gnome" de Gong.
Cette formation s'est lancée dans une tournée au Royaume-Uni à l'Hiver 1979 malgré l'absence de contrat d'enregistrement ni de produit à promouvoir.

Certains spectacles ont été enregistrés et un contrat a été passé avec le label Bronze Records, aboutissant en l'album "Live Seventy Nine".

À l'origine, le groupe "...ne pensait pas que le concert d'Oxford était très bon, mais nous avons écouté la bande de la table de mixage et avons été vraiment surpris. Nous avons donc mixé la bande maîtresse et avons conclu un accord avec Bronze, nous nous serions probablement séparés - nous n'aurions pas pu continuer seuls...". Le manager Douglas Smith a obtenu un contrat de deux albums avec Bronze Records, même si Gerry Bron a avoué "...Je ne pense pas que nous aurions signé Hawkwind si ce n'était pas pour Motorhead, je ne peux pas dire que j'étais intéressé... Une fois que vous dirigez un label et que vous employez des gens, vous devez prendre de bonnes décisions commerciales - vous ne pouvez pas refuser des affaires, même si l'entreprise n'est pas ce que vous voulez faire particulièrement...".
La musique est plus énergique et agressive que les albums précédents sortis sur Charisma Records et l'album a bénéficié de la montée en popularité de la NWOBHM à l'époque.

Paru en 1980, "Live Seventy Nine" a atteint la 15e place du classement des albums britanniques.

Cet album est sérieusement orienté Hard Rock ou même Metal. Alors que le premier live "Space Ritual" était plus orienté 'trip', ce "Live Seventy-Nine" est définitivement un grand moment de musique Rock très rythmée.
Ce n'est pas le Hawkwind du légendaire début des années 70 et Dave Brock et Simon King sont les seuls survivants de l'ère de Space ritual. Huw Lloyd-Langton revient, n'ayant plus été revu depuis le premier album. Harvey Bainbridge continue sur la lancée des Hawklords, et Tim Blake remplit la chaise vacante des synthés pour le groupe pour la première fois.

Avec un set bien choisi de vieux classiques ("Brainstorm", "Master Of The Universe", un peu de "Silver Machine" avant que la machine n'explose, et des morceaux plus récents comme "Spirit of the Age") et du nouveau matériel ("Shot Down In the Night" est le grand single de cette sortie, et "Motorway City", un aperçu de leur album à venir, "Levitation"), l'album comprend également une rare performance live de "Lighthouse", un morceau de l'album solo "Crystal Machine" de Tim Blake, car le vétéran de Gong, Blake avait sauté à bord du Starship Hawkwind pour cette parution.
Cela montre également que même à leurs débuts, l'énergie signifiait réellement quelque chose pour le groupe et cet album cimente vraiment la réputation du groupe en tant que trésor live.
Car Hawkwind est un groupe qui doit, avant tout, être écouté en live et le groupe joue du Metal Punk Space Rock avec un bon équipement électronique. Il n'y a pas beaucoup de 'songwriting', mais le son est excellent et les atmosphères créées sont une véritable bénédiction.

L'album n'est pas l'un des lives les plus importants, car il est trop court et il a des vocaux plutôt médiocres et des pistes un peu faibles. Tout au long de l'album, on peut entendre les influences Punk dans la musique, tandis que les tendances progressistes du début et du milieu des années soixante-dix ont presque disparu.

Le groupe est en excellente forme avec Brock qui sonne brut mais vibrant sur les vocaux et les guitares, avec un peu de synthé. Il parle à la foule de temps en temps, comme avant le Requiem ridiculement court de 'Silver Machine' qui semble mal coupé. La basse de Harvey Bainbridge et les guitares de Huw Lloyd-Langton sont très agréables à écouter. Tim Blake aux claviers et Simon King à la batterie sont formidables.
En plus d'être une évolution opportune en termes de tendances actuelles grâce à l'apport de la New Wave of British Heavy Metal qui frappait à ce moment-là, c'est une véritable bouffée d'oxygène créative pour le groupe, qui leur permettra de faire le magnifique "Levitation", leur prochain album studio.

Le résultat est une explosion d'énergie glorieuse et bruyante, présentée à merveille par un travail de mixage complexe qui fait beaucoup pour camoufler les problèmes de la performance de guitare de Dave Brock et qui ajoute de l'intérêt à ces moments où le barattage deviendrait autrement monotone.
Cet album et ses imperfections font partie de son charme. Hawkwind n'a jamais sonné aussi bien, ni avant ni depuis; et ce qui manque à l'album dans des structures élaborées, il compense largement avec son énergie abondante, sa solide musicalité et l'un des mixages les plus intelligents jamais entendu...

Le son de Hawkind des années 70 traverse chaque morceau de cet album. Fantastiques synthétiseurs spatiaux de Tim Blake et excellent travail de guitare de Brock et Lloyd-Langton. Un chef-d'œuvre du prog psychédélique de la fin des années 70 avec une ouverture impressionnante et puissante ("Shot down the night") et une version live très Heavy de "Master of the Universe".
Fantastiquement énergique, souvent avec un côté New Wave Parfaitement compensé par les synthétiseurs spatiaux de Tim Blake.

Tout commence avec le punky "Shot Down In The Night" sur lequel Tim Blake fournit le synthétiseur bouillonnant et tout démarre solidement.
"Shot Down in the Night" avait été écrit par le claviériste des Hawklords, Steve Swindells, pour la sortie d'un single, mais il est parti au cours de l'année pour enregistrer un album solo. Le single a été soutenu en face B par le morceau sans album " Urban Guerrilla " et il a atteint la 59e place du classement des singles Britanniques.
Swindells a également sorti une version studio de ce morceau en single et sur son album "Fresh Blood" qu'il a enregistré avec King, Lloyd-Langton et Nic Potter.
L'énergie baisse un peu pour l'introduction à "Motorway City", avec tous les accords de synthé à libération lente et la guitare tintante avant que Dave Brock ne s'amuse avec un riff de guitare rythmique en phase. Une chanson simple mais mortellement efficace.
"Spirit Of The Age" qui suit est une variation de la version entonnée par Calvert lors des précédents concerts de Hawkwind.
Ce n'est pas la même chose que l'original avec Nik Turner. Il semble même que Dave Brock oublie les mots à mi-chemin et enchaîne maladroitement dans un morceau différent. Heureusement, l'instrumentation du groupe est cependant toujours bonne et il est bon d'entendre Hawkwind en quintuor.
La version de "Brainstorm" est totalement décousue et d'une extrême violence. Les guitares sont dévastatrices et après un tel morceau, le public doit avoir été assez renversé. Fabuleux travail aussi de la section rythmique.
Il y a une section improvisée avec des tambours battants, de l'électro et des sons de guitare expérimentaux, ce qui en fait un pur délice.
Un moment aérien est alors nécessaire pour se rafraîchir un peu et l'énergie retombe à nouveau pour l'intro de synthé de Tim Blake sur sa propre chanson, "Lighthouse", de son album "Blake's New Jerusalem".
C'est une belle diversion de toute la lourdeur et cette version est renforcée par une solide jam d'Hawkwind.
Ensuite, c'est un retour à la guitare énergique avec "Master of the Universe". Cette version folle est également plutôt énergique, plus rapide mais elle reste fantastique à entendre.
Le pré-écho très efficace sur la voix de Dave Brock a dû certainement être ajouté lors du mixage de l'album.
Dans "Silver Machine (Requiem)", le morceau "Silver Machine" explose à mi-chemin dans la chanson et il est suffixé avec "Requiem" dans la tentative de Brock de le tuer, étant malade de ce 'Hit single' qu'il était censé jouer tous les soirs.
Décevant! mais alors, combien d'autres albums se terminent par une explosion au milieu d'une chanson?

Dans l'ensemble, il s'agit donc d'une solide sortie en live qui lance les années 80 en pleine forme pour Hawkwind.
Comme avec de nombreux albums de Hawkwind, celui-ci apparaît dans différents formats avec des listes de pistes différentes; le vinyle étant différent du CD, mais dans ce cas, il ne semble pas nuire au plaisir général du concert.
Attention: la sortie connue sous différents noms, dont "Complete '79", qui prétend être un enregistrement complet de ce concert, n'est pas vraiment digne de confiance.
C'est bien le concert complet mais la qualité sonore est absolument désastreuse et provient apparemment d'un enregistrement du public, et ne peut que décevoir à côté du son de cette sortie.

La réédition d'Atomhenge comprend en bonus "Urban Guerilla" provenant du même set, mais c'est tout pour les enregistrements de ce concert avec une qualité sonore acceptable. Cela signifie que cet album live est un peu court par rapport à des sorties plus épiques de plus en plus tard dans la carrière de Hawkwind, mais ce qui lui manque en masse, cela le compense en substance.
Alors un conseil, procurez-vous l'original, éteignez les lumières et monter le volume...

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TRANSITION

C'est alors que commence à circuler des "Weird Tapes" qui sont un ensemble de cassettes émises au début des années 1980 qui contiennent des séances en live, des séances de radio, des sorties et des démos:
Dave Brock avait rassemblé ce matériel à partir de sa propre bibliothèque privée et il les a publiés sous forme de cassettes TDK de 40 minutes sur son propre label Weird via Geoff Hocking.

La première bande (101) a été mise à disposition par correspondance au début de 1980, tandis que la dernière bande (108) a été publiée pour la première fois à la fin de 1983. Lorsque Brock a rencontré Rob Ayling de Voiceprint Records à la fin de 1999, ce matériel a été réédité sur CD sans aucune modification.

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"Volume 1: Sonic Assassins / Dave Brock" est paru en Mars 1980 et en CD en Septembre 2000.

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"Over the Top" ( Robert Calvert , Dave Brock ) – 7:53
"Magnu"/"Angels of Life" (Brock) – 4:23
"Freefall" (Calvert, Harvey Bainbridge ) – 7:54
"Death Trap" (Calvert, Brock) – 4:30
"Nuclear Toy" [aka "Nuclear Drive"] (Brock) – 4:21
"Who's Gonna Win the War" (Brock) – 5:55
"The Dream" (Brock) – 1:21
"Assassination" [aka "Some People Never Die"] (Brock) – 3:34
"The Dream II" (Brock) – 0:26
"Satellite" [aka "The Phenomenon of Luminosity"] (Brock) – 2:49

Pistes 1 à 4: Sonic Assassins, à Barnstaple le 23 Décembre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Harvey Bainbridge; Paul Hayles; Martin Griffin. Inclus sur "25 Years On" remasterisé de 2009 (2 CD)
Pistes 5,7–10: Démos de Dave Brock 1979.
Piste 6: Hawklords, aux Rockfield Studios 1979: Dave Brock; Harvey Bainbridge; Steve Swindells; Simon King. Inclus sur le CD "Levitation" remasterisé en 2009.

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"Volume 2: Hawkwind Live / Hawklords Studio" est paru en Octobre 1980 et en CD en Septembre 2000

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"Quark, Strangeness and Charm" (Calvert, Brock) – 2:38
"Master of the Universe" ( Nik Turner , Brock) – 4:44
"Welcome to the Future" (Calvert) – 2:10
"Spirit of the Age" (Calvert, Brock) – 5:57
"Sonic Attack" ( Michael Moorcock ) – 5:27
"Valium 10" (Brock, Bainbridge, Steve Swindells , Simon King ) – 7:51
"Douglas in the Jungle (Ode to A Manager)" (Brock, Bainbridge, Swindells, King) – 6:53
"Time of the Hawklords" (Brock, Bainbridge, Swindells, King) – 4:07

Pistes 1 à 5: Stonehenge Free Festival, le 21 Juin 1977 et New Theatre Oxford, le 30 Septembre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King. La piste 1 est incluse sur le CD "PXR5" remasterisé en 2009. La piste 4 est incluse sur "Quark, Strangeness and Charm" remasterisé de 2009 (2CD).
Pistes 6 à 8: Hawklords, aux Rockfield Studios en 1979: Dave Brock; Harvey Bainbridge; Steve Swindells; Simon King. Inclus sur le CD "Levitation" remasterisé en 2009.

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"Volume 3: Hawkwind Free Festivals" est paru en Octobre 1980 et en CD en Septembre 2000

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"High Rise" (Calvert, Simon House ) – 5:37
"Damnation Alley" (Calvert, Brock, House) – 8:00
"Uncle Sam's on Mars" (Calvert, Brock, House, King) / "The Iron Dream" [unlisted] (King)– 6:33
"Robot" (Calvert, Brock) – 7:21
"Cake Out" [aka "Hash Cake"] (Hawkwind) – 4:44
"Circles" (Turner, Brock, Paul Rudolph , Alan Powell ) – 4:29
"Elements" [aka "I Am the Eye"] (Turner, Brock, Rudolph, Powell) – 4:26
"Slap It on De Table" (Hawkwind) – 0:50

Pistes 1 à 4: Stonehenge Free Festival le 21 Juin 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King. La piste 1 est incluse sur "Quark, Strangeness and Charm" remasterisé de 2009 (2CD).
Pistes 5 et 8: Rockfield Studios, en Janvier 1977: Dave Brock; Paul Rudolph; Simon House; Simon King. La piste 5 est incluse sur sur "Quark, Strangeness and Charm" remasterisé de 2009 sous le nom de "Hash Cake Cut" (2CD).
Pistes 6 et 7: Watchfield Festival le 23 Août 1975: Dave Brock; Paul Rudolph; Nik Turner; Alan Powell. Les deux morceaux sont inclus sur "Warrior on the Edge of Time" remasterisé de 2013 (2CD + DVD-A et Box Set).

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"Volume 4: Hawklords Live 1978" est paru en Juin 1981 et en CD en 2001

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"Death Trap" (Calvert, Brock) – 6:21
"Age of the Micro Man" (Calvert, Brock) – 3:40
"Spirit of the Age" (Calvert, Brock) – 9:25
"Urban Guerilla" (Calvert, Brock) – 5:18
"Steppenwolf" (Calvert, Brock) – 9:07
"Freefall" (Calvert, Bainbridge) – 5:28
"Uncle Sam's on Mars" (Calvert, Brock, House, King) – 6:28
"The Iron Dream" [unlisted] (King) – 2:05

Hawklords, Plymouth Polytechnic le 23 Novembre 1978: Robert Calvert; Dave Brock; Harvey Bainbridge; Steve Swindells; Martin Griffin.

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"Volume 5: Hawkwind Live 1976-77" est paru en Septembre 1981 et en CD en Septembre 2000

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"Back on the Streets" (Calvert, Rudolph) – 3:50
"Chronoglide Skyway" [incorrectly listed as "City of Lagoons"] (House) – 5:09
"Brainstorm" (Turner) – 7:25
"Wind of Change" (Brock) – 4:07
"Assassins of Allah" [aka "Hassan I Sabbah"] (Calvert, Rudolph) – 7:17
"Forge of Vulcan" (House) – 2:33
"Steppenwolf" (Calvert, Brock) – 10:29
"Where Are They Now?" (Brock) – 2:19

Pistes 1-2: Hammersmith Odeon , le 5 Octobre 1976: Robert Calvert; Dave Brock; Paul Rudolph; Nik Turner; Simon House; Alan Powell; Simon King.
Pistes 3 à 6: Hammersmith Odeon, le 5 Octobre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King.
Pistes 7: Leicester DeMontford Hall, le 3 Octobre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King.
Piste 8: inconnue.

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"Volume 6: Hawkwind Live 1970-73" est paru en Octobre 1982 et en CD en 2001

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"Volume 6: Hawkwind Live 1970-73" est paru en Octobre 1982 en CD en 2001
"Make What You Can" (Brock) – 7:11
"Born to Go" (Calvert, Brock) – 5:05
"Master of the Universe" (Turner, Brock) – 7:18
"Seeing It As You Really Are" [listed as "Jam"] (Hawkwind) – 3:25
"Hurry on Sundown" (Brock) – 4:49
"Come Home" [aka "Some of That Stuff"] (Hawkwind) – 2:11
"We Do It" (Hawkwind) – 10:35
"Earth Calling" (Calvert) – 3:28

Piste 1: studio 1973: Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.
Pistes 2 à 4: The Roundhouse, le 12 Février 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King. Inclus sur "Greasy Truckers Party" remastérisé de 2007 (3CD).
Pistes 5 à 6: session BBC Radio 1, aux Maida Vale Studios, le 18 Août 1970: Dave Brock; Thomas Crimble; Nik Turner; Dik Mik; Terry Ollis; Huw Lloyd-Langton.
Track 7: BBC Radio 1 In Concert, au Paris Cinema, à Londres, le 5 Novembre 1970: Dave Brock; Thomas Crimble; Nik Turner; Dik Mik; Terry Ollis.
Track 8: Brixton Sundown, 30 December 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.
Piste 8: Brixton Sundown, le 30 Décembre 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.

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"Volume 7: Dave Brock Demos" est paru en Octobre 1983 et en CD en Septembre 2000

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"Welcome to the Dream Machine" [unlisted] (Brock) – 0:19
"Streets of Fear" (Brock) – 4:18
"First Landing on Medusa" [aka "The Church"] (Brock) – 3:14
"Touchdown" (Brock) – 1:56
" Winter of Discontent " ( William Shakespeare , Brock) – 2:41
"Outer Limits" [unlisted] (Brock) – 1:03
"Choose Your Masks" (Moorcock, Brock) – 4:58
"Looking in the Future" (Brock) – 3:39
"Space Travellers" (Brock) – 2:36
"Disintegration" [unlisted] (Brock) – 1:06
"Circles" (Brock) – 6:25
"Speed of Light" [aka "Transdimensional Man"] (Brock) – 5:40
"Bombed Out" (Brock) – 4:08

Démos de Dave Brock, 1980–82.

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"Volume 8: Live 1966-73" est paru en Novembre 1983 et en CD en Mars 2006.

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"Space Is Deep" (Brock) – 8:05
"Down on Her Knees" (Brock) – 5:58
"Live and Let Live" (Brock) – 4:07
"Etchanaty" (Brock) – 3:21
" Roll 'Em Pete " ( Big Joe Turner , Pete Johnson ) – 2:15
"Come On" (unknown) – 2:25
"Dealing With the Devil" ( Sonny Boy Williamson II ) – 2:10
" Bring It On Home " ( Willie Dixon ) – 3:11
"You Know You're Only Dreaming" (Brock) / "You Shouldn't Do That" (Turner, Brock) – 12:00

Piste 1: Brixton Sundown, le 30 Décembre 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.
Pistes 2 à 4: inconnues.
Pistes 5 à 8: pré-Hawkwind Dave Brock 1966-69. La piste 8 est incluse sur le CD "Hawkwind" remasterisé en 1996.
Pistes 9: session BBC Radio 1, aux Maida Vale Studios, le 19 Mai 1971: Dave Brock; Dave Anderson; Nik Turner; Dik Mik; Terry Ollis.

FIN DE LA TRANSITION

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Lalbum suivant, "Levitation", a été enregistré entre Juillet et Août 1980 et il est sorti le 27 Octobre de la même année.
Le batteur Simon King a été remplacé par l'un des meilleurs batteurs de l'époque, un certain Ginger Baker, ancien batteur de Graham Bond, de Cream, de Blind Faith, de Air Force et de Baker Gurvitz Army, au tout début des sessions d'enregistrement.

Au moment de sa sortie, le leader du groupe Dave Brock a déclaré: "...Avec Levitation, nous avons bouclé la boucle avec le style de notre premier album. Et c'était l'album qui exprimait totalement nos idéaux et ce que nous défendions...".

C'est leur premier album de studio après le départ du chanteur et parolier Robert Calvert et les paroles ont tendance à être superficielles et le nombre d'instrumentaux est en augmentation. C'est aussi le seul album studio d'Hawkwind à présenter Ginger Baker et le claviériste Tim Blake, qui reviendra plus tard dans le groupe et jouera sur "Blood of the Earth" en 2010.

Le groupe, alors composé du même personnel que sur l'album live "Live Seventy Nine", entra dans les studios de The Roundhouse en Juillet et Août 1980 pour enregistrer cet album.
Le studio avait été nouvellement équipé d'un système de masterisation numérique 3M de Bronze Records, ce qui en fit l'un des premiers albums Rock à être enregistré avec la technologie d' enregistrement numérique en plein essor.
Pendant l'enregistrement, Dave Brock marqua son mécontent de l' incapacité du batteur Simon King à garder un tempo constant, affirmant qu'"il ne pouvait pas jouer correctement de sa batterie parce qu'il prenait de mauvaises drogues", bien que King ait déclaré pour sa défense: "Je voulais simplement m'évader... J'avais beaucoup envie de boire... et [après mon départ, j'étais] déterminé à reprendre ma vie de famille...".

Ils avaient alors envisagé d'utiliser une boîte à rythmes qui était en studio, mais personne ne savait comment s'en servir. Marion, épouse du guitariste Huw Lloyd-Langton, attachée de presse pour la 'manager Roy Ward's company' de Ginger Baker, a suggéré d'approcher le batteur pour contribuer en tant que musicien de session.
Celui-ci a accepté l'offre et il a terminé ses travaux en deux jours, dépassant les attentes. Lloyd-Langton a observé qu'"...il a tout de suite traversé ["Space Chase"]. Je ne pense pas que Simon aurait pu jouer ça... Ginger a ajusté le groupe comme un gant. Son style était parfait pour ça...".

L'album a été enregistré numériquement. C'était en 1980, l'enregistrement numérique en était encore à ses balbutiements, Stevie Wonder ("The Secret Life of Plants"), Ry Cooder ("Bop till You Drop") et un petit groupe de musique progressif canadien nommé True Myth enregistraient tous numériquement à cette époque, et Hawkwind était un nouveau venu dans cette technologie. Cela donne à "Levitation" un son clair car, au moins, il n'a pas ce son synthétique et stérile que l'on peut rencontrer avec trop d'enregistrements numériques quelques années plus tard (en particulier au milieu des années 1980 et au-delà), pas de gros sons de batterie des années 80 et pas de synthétiseurs synthétiques car Tim Blake utilisait toujours ses vieux synthétiseurs Mini Moog et Synth "A", plus un synthé polyphonique.

Avec un accent beaucoup plus sur les instrumentaux par opposition aux voix clairsemées, l'accent lyrique des albums de Calvert des quatre dernières années cède la place à un rétablissement de la vision musicale originale du groupe à certains égards, bien que cela soit fusionné à la mode avec un standard de production et de nouveaux jouets synthétiseurs dont Hawkwind n'aurait pu que rêver.
Enfin, Hawkwind privilégie la musique sur la drogue, la mélodie sur le rythme, le son sur le bruit et "Levitation" caractérise la nouvelle direction pour Hawkwind qui entre dans les années 80 avec un Space Rock et un son rétro. Les chansons diffèrent un peu du son Hawkwind. C'est peut-être l'album le plus agréable de Hawkwind car il est spacial, concentré, percutant et amusant!

Il y a encore des effets étranges et des ponts musicaux accrocheurs, mais ce qui distingue cette nouvelle ère, c'est que la musicalité monte de quelques crans. Fini les rythmes répétés à l'infini pour faire place à des solos complexes de lead guitare et à des riffs plus accessibles. Les claviers sont joués avec brio par Tim Blake, et Bainbridge et Lloyd-Langton sont excellents partout. Ginger Baker à la batterie est définitivement la carte maîtresse; l'homme est une légende omniprésente et il prête son experience sur chacune des pistes.

Dans l'ensemble, "Levitation" est certainement la sortie la plus cohérente en termes de structures et d'arrangements innovants.
En termes de qualité, cet album est en phase avec la plupart de leurs précédents opus. Agréable à écouter mais rien d'exceptionnel, même si une excellente guitare acoustique peut être entendue dans "The Fifth Second Of Forever". Le morceau de clôture solide est particulièrement brillant. Une belle façon de fermer après tout, surtout pendant les sections instrumentales.
Les pistes sont à la fois des Rocks propres avec des sons spatiaux et des paysages audio électroniques. Pas aussi bon que les disques étourdissants des années 1970, mais toujours un bon album, et il est même accessible aux auditeurs de musique non progressive.

Avec "Levitation", Hawkwind embrasse vraiment le nouvel esprit des années 80. Dave Brock a utilisé le meilleur de ce que cette décennie controversée a à offrir pour rafraîchir le style musical du groupe: heavy metal, synthétiseurs accrocheurs, urgence et énergie. Fini le rock psychédélique stoner ou les longues improvisations, les morceaux sont désormais plus courts, plus directs et plus concis. Il n'y aura pas de retour en arrière. Cependant, cet opus de 1980 offre vraiment des ambiances variées, car il alterne passages agressifs, paisibles, rock et électroniques. En fait, près de la moitié du disque est instrumental! Mais, le plus important, l'inspiration et la nouveauté sont présentes. La production s'est également améliorée et la qualité sonore est excellente.

"Levitation" n'est, à proprement parlé, pas du Heavy Metal, mais un mélange assez raffiné de guitares heavy, de synthés spatiaux et un beau jeu de lumières et d'ombrages. Les influences de la New Wave des années 77-79 ont pratiquement disparu et Hawkwind est revenu à son son de Space Rock connu.
La production n'est pas trop exagérément année 80, ce qui permet à cet album de rester quasi intemporel. "Levitation" est, en fait, un album équilibré, plus poli que d'habitude.

L'album possède un style plus poli et accessible, tout en conservant le son 'space / heavy' comme guide. Bien que les musiciens soient toujours très Rock, l'ambiance est moins sale. De plus, l'instrumentation est excellente, les chansons sont généralement de moyennes à bonnes et les arrangements sont bons.

Nouvelle décennie, nouveau line-up. Calvert parti, Dave Brock est le seul membre original restant et revient donc au chant principal. Ginger Baker et surtout Tim Blake rejoignent le groupe. Mais,"Levitation" marque aussi le grand retour surprenant du guitariste Huw Lloyd-Langton, qui était apparu sur l'album live, "Live Seventy Nine". L'ancien Hawklords, Harvey Bainbridge, est confirmé à la basse.
Brock, Bainbridge et Lloyd-Langton composent ensemble un lot de morceaux intéressants. Du rythme insouciant de "Levitation" aux moments désespérés et à l'impulsion plus joyeuse de "Dust Of Time", il y a un degré remarquable de substance piste par piste.

Cet album bénéficie énormément des contributions Bainbridge et Lloyd-Langton car ils sont responsables, conjointement ou séparément, de titres de l'album comme le bruyant "Psychosis", pièce maîtresse de "World Of Tiers" et la tension fascinante de "Space Chase" (les sons cosmiques absolument luxuriants abondent des synthés et des guitares). Et puis Brock n'est pas en reste avec le trajet un peu trop long de "Motorway City", et l'hymne presque métallique, "Who's Gonna Win The War".

Le travail de lead guitare de Huw Lloyd-Langton est excellent et il y a même quelques parties de guitares acoustiques plus discrètes! L'intro / outro acoustique de "The 5th Second Of Forever" mérite même une mention spéciale. La batterie est jouée par Ginger Baker et sa contribution est à des kilomètres de la batterie répétitive et souvent sans imagination des premiers albums de Hawkwind. Les claviers de Tim Blake sont principalement spacieux, mais parfois il parvient aussi à être quelque peu symphonique. La basse est également bien jouée, mais les vocaux limités de Brock trop monocordes ne sont pas impressionnants, loin s'en faut, mais rien n'est bâclé comme sur les premiers albums.
Avec Ginger Baker à la batterie et Tim Blake au synthétiseur sur le vaisseau mère Hawkwind, "Levitation" est en quelque sorte un album de retour pour Hawkwind après les circonstances confuses de la fin de son passage chez Charisma.

Avec seulement 37 minutes, c'est un peu court, mais c'est juste assez pour être agréable.
"Levitation" propose véritablement un voyage dans le cosmos à travers diverses galaxies musicales. Une fois de plus, Dave Brock prouve que son groupe est toujours à la hauteur de son époque tout en conservant et en adaptant son identité. Après les expérimentations audacieuses mais inégales de la fin des années 70 de l'époque Calvert / années Punk, cet opus représente la renaissance de Hawkwind. Le vaisseau spatial est prêt à s'aventurer dans les années 80, qui ont été fatales pour tant de groupes progressistes. Avec le capitaine Brock en tête, les passagers sont complètement rassurés.

Pas aussi essentiel que "Space Ritual", "Warrior On The Edge of Time" ou "Quark Strangeness and Charm", mais relativement proche d'eux en qualité. Malheureusement, il s'est avéré que c'était pour la dernière fois qu'ils ont réalisé cela sur un album studio pour le reste de leur carrière.
"Levitation" est sans doute l'album de Hawkwind le plus accessible à ce moment-là, mais aussi le plus Heavy. Sur ce disque, les compositions sont bien plus complexes et avancées que sur tous les autres disques de Hawkwind. Une grande variété de thèmes, des solos inspirés et une large palette de sons pour les guitares et les synthés.

Ce n'est en aucun cas mauvais, mais ce n'est pas non plus excellent. Bien sûr, un disque de Hawkwind ne sera jamais parfait. Par exemple les mauvaix vocaux de David Brock sur la plupart des chansons, la basse plutôt disco imparfaite sur "Motorway City" et la perte de direction sur certaines des chansons ultérieures de l'album. Ce groupe sonne comme s'il était en feu! Est-ce à cause de la batterie de Ginger Baker? Peut-être la rivalité entre les guitares de Huw Lloyd-Langton et David Brock? Peut-être que former un nouveau Hawkwind pour une nouvelle ère, sans Calvert, a donné beaucoup à réfléchir.

L'atmosphère générale de l'album côtoie des groupes d'autres genres de l'ère post-prog, post-punk - décadence sociale et urbaine, claustrophobie et sentiment général d'isolement que beaucoup ont retrouvé à la fin des années 1970.

"Levitation" ouvre l'album avec un bon dialogue entre la basse et la guitare; le chant et la batterie font leur travail avec précision. La musique est un peu psychédélique spatiale comme Eloy mais moins ambiante. Le solo de claviers au milieu de la piste est vraiment bon. Le son de la guitare est excellent surtout pendant la section instrumentale prolongée.
'Levitation' est un Rock qui sonne un peu punky comme Souxiee & The Banshees avec des chorus contagieux et des riffs croquants qui figurent sur de nombreuses compilations. C'est simplement un hymne de Space Metal.
C'est la chanson la plus connue et elle existe en d'innombrables versions live qui a étéreprise par de nombreux groupes, par exemple Amorphis sur "My Kantele".
Terry Bickers a nommé son groupe Levitation d' après cet album.
"Levitation" avait été joué lors de la précédente tournée du groupe au Royaume-Uni pendant l'Hiver 1979 et, bien que non inclus dans l'album live "Live Seventy Nine", une version bootleg fut plus tard publiée sur l' album "Complete '79". Une version live de la tournée Levitation est sortie sur l'album "This is Hawkwind, Do Not Panic".
Le long morceau mélodique, "Motorway City", joué avec un superbe travail instrumental, est la meilleure chanson de l'album entre dans un style moins rapide tout en conservant un style Space Psyché. Le solo de guitare est fantastique et avec les claviers, la suite montre clairement qu'ils font pratiquement du Rock Progressif, mais plus Rock que Progressif mais qui s'en soucie.
Le morceau s'ouvre avec ce riff de marque Hawkwind immédiatement reconnaissable. Une progression de trois accords répartis sur 4 mesures... Simple mais efficace.
En fait, "Motorway City" ressemblant un peu à du Motorhead contient tous les ingrédients principaux du groupe, à savoir une guitare accrocheuse et simple, des claviers d'une autre dimension, un rythme entraînant plus Hard Rock que Prog, et des paroles futuristes qui ne peuvent venir que de ce groupe.
Le groupe avait voulu que "Motorway City" soit sorti comme single de l'album, mais la maison de disques a préféré "Who's Gonna Win the War?".
Il avait été joué lors de la précédente tournée Britannique du groupe à l'Hiver 1979 et inclus sur l' album "Live Seventy Nine". Une version live de cette chanson de la tournée Levitation a ensuite été publiée en 1983 en tant que single de l' album "Zones".
"Psychosis" est un étrange et court passage expérimental composé par Harvey Bainbridge. Il sert d'introduction au tonnerre "World Of Tiers".
Cela commence par un son comme un vaisseau spatial qui s'approcherait de la planète Terre, surtout quand il est combiné avec quelques voix off typiques d'un vol spatial qui pourraient ressembler à des gens commandant l'engin spatial. Puis après un peu de psychédélisme, le riff commence et la batterie de Baker martèlent sans relâche et il y a un son délicieux sur l'acoustique. Les sons du clavier dominent cette chanson de manière non structurée qui se déplace de manière transparente vers la piste suivante "World of tiers".
C'est une pièce instrumentale de synthétiseur courte qui a été inclus dans la tournée de Levitation, une version étant incluse, mais non répertoriée, sur l'album "This Is Hawkwind, Do Not Panic".
Le morceau suivant, "World of tiers", est un Hard Space Rock rapide avec une bonne mélodie et une combinaison équilibrée d'ambiance, de travail de guitare, de batterie et de claviers; tous bougent de manière flottante. C'est un excellent instrumental. Superbement mélodique pour commencer, la chanson évolue vers un rythme super et acéré.
Elle a une intro spatiale qui est rapidement remplacée par un superbe paysage sonore. Elle surprend car elle alterne un Space Metal puissant et des moments plus calmes.
"World of Tiers" fait référence à la série de romans de science-fiction 'World of Tiers' de Philip José Farmer. Instrumentale, elle rappelle "Oh Well" de Fleetwood Mac. C'est une chanson qui avait aussi été jouée lors de la précédente tournée Britannique de l'Hiver 1979, une version bootleg a été publiée plus tard sur l' album "Complet '79". Une version live de cette chanson de la tournée Levitation a été publiée sur la collection "Hawkwind Anthology".
"Prelude'' est un autre morceau court, un morceau de synthétiseur instrumental de Tim Blake, où les effets sonores reviennent d'une manière plus douce, avec des vents spatiaux et une ambiance électronique paisible se connectant avec la chanson suivante, il ne fournit qu'un pont qui mène à la belle chanson "Who's gona win the war" avec une belle mélodie.
Un message puissant suit avec "Who's Gonna Win the War?", une chanson proche d'une ballade plutôt exceptionnelle sur laquelle Brock sonne bien. Sa belle mélodie est entraînante avec des accents spatiaux. La ligne de basse est formidable et l'excellent solo de guitare monte avec les effets de vent.
La musique est fondamentalement simple avec un style flottant comme corps principal de celle-ci tandis que la basse fournit ses lignes ambulantes combinées avec une guitare, une batterie et un clavier spatial.
"Who's Gonna Win The War?" est sorti en single avec la piste non-album "Nuclear Toy". Il avait également été joué lors de la précédente tournée du groupe au Royaume-Uni à l'Hiver 1979, une version bootleg a ensuite été publiée sur l' album "Complete '79".
L'instrumental uptempo, "Space Chase", un autre joyau de Space Metal féroce, maintient délicieusement l'atmosphère générale en tirant une grande partie de son énergie d'une performance de batterie déchirante de Ginger Baker.
Il s'ouvre sur de l'électronique auquel se joint rapidement à un assaut instrumental.
C'est un bon morceau avec un excellent travail de batterie, de guitare et de claviers. Ginger Baker est tout simplement fantastique sur cette piste.
En tant qu'instrumental, il offre certaines des meilleures qualités musicales du vaste catalogue Hawkwind. Les effets sonores des claviers qui rappellent le voyage des vaisseaux spatiaux enrichissent la musique, en termes de textures. Le solo de claviers est d'ailleurs vraiment magnifique et le solo de guitare qui suit est également agréable.
Une version live de la tournée Levitation est sortie sur l'album "This is Hawkwind, Do Not Panic".
La douceur se poursuit avec une autre chanson instrumentale, "The 5th second of forever (From The Film)" qui commence par une délicate introduction par une belle guitare acoustique juste pour laisser place à une section plus agitée. C'est quelque chose de différent par rapport aux autres morceaux de cet album. Le clavier suit ensuite avec ses sons spatiaux suivis de la musique à part entière dans un tempo moyen. Encore une fois, la guitare offre une bonne mélodie pendant la partie chantée. Le solo de guitare qui suit est étonnant mais malheureusement court et il s'estompe lorsque la guitare acoustique revient.
Le titre "The 5th Second of Forever" fait référence au poème de Space Ritual de Robert Calvert de 1972 "The Ten Seconds of Forever", et il a été sous-titré "from the film" sur l'album comme une blague par le groupe, la chanson n'ayant pas été utilisé par n'importe quel film. Il comporte une intro et une outro de guitare acoustique à cordes en nylon de Lloyd-Langton. Une version live de cette chanson de la tournée Levitation a été publiée sur l' album "This is Hawkwind, Do Not Panic" sous le titre "Circles". Ses paroles ont également été utilisées sous le titre "Cercles", mais sans similitude musicale,'overdubbed' sur Hawkwind au Watchfield Festival 1975 (piste 5 de "Weird Tape 3") et sur les démos de Dave Brock 1982 (piste 8 de "Weird Tape 7").
Enfin, l'album se finit par la merveilleuse mélodie de "Dust Of Time, avec une musique à tempo moyen.
Elle adopte une ligne de rythme et de basse similaire à "Another Brick in the Wall Part 2" de Pink Floyd, mais dans un but musical futuriste. Couplé à une ambiance robotique et une mélodie percutante, le résultat final est assez unique, même dans la discographie du groupe: bonnes guitares et percussions, vocaux en conséquence, effets de claviers efficaces.
Le break de leadguitare est un vrai régal et des claviers très atmosphériques viennent enrichir le paysage sonore.
"Dust of Time" a été joué pendant la tournée de Levitation, et une version instrumentale éditée avec une intro tirée de la sortie de "The 5th Second of Forever" a été publiée sur l'album "Zones" sous le titre "The Island".

L'album a culminé à la 21e place dans les UK Charts Albums.

Le groupe a ensuite demandé à Ginger Baker de rester avec eux, et malgré avoir précédemment déclaré à la presse ses intentions de rejoindre Atomic Rooster nouvellement reformé, il "...a trouvé l'ambiance des sessions tellement fantastique que j'ai tout de suite décidé de rester avec Hawkwind. Pour moi ce n'est pas seulement mon énième groupe, je suis déterminé à lui donner tout ce que j'ai. Hawkwind a toujours fait de la musique intemporelle, mais vous pouvez certainement encore entendre les années quatre-vingt...".

Hawkwind a alors entrepris une tournée de 33 dates en Grande-Bretagne et en Irlande du 10 Octobre au 15 Novembre pour promouvoir l'album. Huit dates après la tournée, Blake est parti après s'être affronté avec Brock à la suite d'un incident quittant l'hôtel le matin après le concert de Stoke.
Le technicien de Blake, Paul "Twink" Noble (qui avait auparavant joué avec Here and Now et qui rejoindra plus tard Gong), prit la place de Blake en utilisant l'équipement de Blake, jusqu'à ce qu'un accident de la route l'oblige à quitter la tournée après cinq autres dates. Keith Hale, qui avait été dans Blood Donor et écrivait et produisait pour Toyah, a ensuite rejoint le groupe pour le reste de la tournée.

Le groupe a également entrepris une tournée supplémentaire de onze dates en Grande-Bretagne entre le 12 et le 22 Décembre, le concert de Lewisham Odeon le 18 étant enregistré professionnellement.
Brock a pressé Bronze Records de sortir un autre album live de ces bandes, mais après avoir publié "Live Seventy Nine", le chef du label Gerry Bron a refusé en déclarant à Hawkwind qu'"...ils étaient un peu paresseux, ils voulaient constamment faire des albums live, donc ils ne le feraient pas et ils doivent écrire des chansons...".
Les enregistrements ont été publiés plus tard sur les albums "Zones" (1983), "This Is Hawkwind, Do Not Panic" (1984) et "Hawkwind Anthology". La réédition de luxe 2009 de "Levitation" par Atomhenge Records comprend une version nouvellement remixée de l'ensemble du concert.

Le 14 Février 1981, le groupe est apparu à l'émission de télévision Allemande Musikladen en interprétant "Motorway City" et "Who's Gonna Win the War".

Ce fut, cependant, un line-up de courte durée, mais musicalement réussi du groupe.
Tim Blake avait quitté le groupe au moment de la sortie de "Levitation" parce qu'il passait trop de temps à parler à sa petite amie au téléphone, et cela était arrivé pendant un concert.

En 1981, Baker et Hale sont partis après avoir insisté sur le fait que Bainbridge devait être licencié et Brock et Bainbridge ont choisi de gérer eux-mêmes les synthétiseurs et les séquenceurs, avec l'aide de l'anbien batteur des Hawklords, Martin Griffin.
La véritable raison pour laquelle Baker a quitté le groupe vers Mars 1981 était qu'il avait eu l'idée de faire venir son ancien "meilleur ennemi" de Cream, Jack Bruce pour remplacer Bainbridge à la basse (car Baker et Bainbridge n'étaient pas en bons termes), mais Dave Brock n'a pas aimé du tout l'idée et Baker est parti, pour être remplacé par un Martin Griffin de retour.

Par la suite, trois albums, dans lesquels Moorcock a de nouveau contribué paroles et vocaux, ont été enregistrés pour RCA / Active: "Sonic Attack", "Church of Hawkwind" et "Choose Your Masques".

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"Sonic Attack" est sorti le 18 Octobre 1981.

Après le départ de Ginger Baker, l'ancien batteur des Hawklords, Martin Griffin, a donc saisi l'opportunité de rejoindre le groupe, mais il y a une différence plus que notable avec l'album précédent car Griffin se limite aux rythmes Rock de base. La batterie souffre malheureusement également d'une production typique des années 80 (le grand syndrome de la caisse claire). Ça a tendance à tuer l'attaque et le dynamisme.
Le guitariste Dave Brock et le bassiste Harvey Bainbridge ont décidé de renoncer à un claviériste dédié et de gérer les synthétiseurs et les séquenceurs eux-mêmes.
De plus, l'auteur de Science-Fiction Michael Moorcock, collaborateur de longue date de Hawkwind, contribue aux paroles et aux vocaux, son thème étant le contrôle social par l'utilisation de la langue et il chante sur "Coded languages".

Le groupe se compose donc de Huw Lloyd-Langton à la guitare, de Martin Griffin à la batterie, de Dave Brock à la guitare, aux claviers et au chant et de Harvey Bainbridge àla basse et aux claviers.

L'album a été enregistré de Juin à Août 1981 aux Rockfield Studios, mais pendant l'enregistrement, Martin Griffin a contracté la rougeole allemande, réduisant ses contributions et l'obligeant à 'overduber' certaines de ses parties de batterie.
Pour les morceaux de Brock, Bainbridge a expliqué le processus d'enregistrement comme suit: "...Dave est arrivé avec ses huit morceaux, a jeté ce qu'il avait sur le multipiste et le reste d'entre nous a dû jouer autour de ce qu'il avait fait...".

Musicalement, c'est l'un des albums du groupe les plus influencés par le Metal car après que l'album "Levitation" se soit avéré être un certain retour en force, Hawkwind a pris la décision de mettre à jour son son en empruntant des idées à des groupes de Metal contemporains pour produire une sorte de Space Metal hybride de leur style classique et de la New Wave of British Heavy Metal qui était alors à la mode.

Cependant, malgré sa couverture brillante, "Sonic Attack" n'est pas aussi inspiré et innovant que son prédécesseur. Avec le Space Metal, la musique intègre de plus en plus des passages électroniques ambiants et un côté Hard Rock FM.
L'album n'est pas l'un de tout ces bootlegs et autres compilations inutiles sortis sur des labels obscurs, mais un album de toutes nouvelles compositions. Cette fois, le groupe s'est déchaîné sur les synthétiseurs car le bassiste Harvey Bainbridge assure maintenant aussi sur les synthés, démontrant qu'il était plus qu'un musicien électronique capable.
Ce n'est pas une mauvaise collection de morceaux, dont beaucoup furent très souvent appréciés en live et on peut même dire que c'est un album très heavy dans le vrai sens du terme.

Ce diisque a des thèmes orwelliens très forts, avec des chansons qui ont des thèmes sur la surveillance des citoyens, la technologie prenant le dessus, le contrôle de l'esprit, il est évident que ce groupe avait de réelles inquiétudes sur la façon dont la société évoluait, en 1981, pendant les ères Thatcher et Reagan.

Mais le problème crucial est le manque d'idée directrice. À moins d'apprécier la poésie de science-fiction, "Sonic Attack", "Psychosonia", "Virgin of the World" et "Coded Language" peuvent finir par agacer l'auditeur.
La musique est pourtant globalement agréable, mais cet album est décevant à peine un an après "Levitation". Les compositions sont agréables mais ne comportent pas beaucoup de changements, comme s'il s'agissait de brouillons pour autre chose. En fait, elles dévoilent un aperçu de l'intérêt croissant de Dave Brock pour les technologies électroniques.

En gros, Hawkwind est revenu un peu à un stade antérieur de son évolution avec cet album. Le premier signe en est qu'ils ont délibérément choisi d'ouvrir l'album avec une refonte qui donne aussi à l'album son titre. Ce morceau de mots parlés qui est apparu à l'origine sur un album live est plutôt ennuyeux et peut être ignoré en toute sécurité. Ce qui suit est un tour de force de morceaux typiques de Hawkwind. Les rythmes sont encore une fois assez répétitifs, les riffs de guitare plutôt simples. Les chansons sonnent toutes à peu près de la même manière et il n'y a pas beaucoup de variation et de diversité à proprement parler.

La plupart des paroles sont très très sombres et il y a d'excellents commentaires sociaux. Pourtant, Huw Lloyd Langton fait une partie de son meilleur travail de lead guitare sur cet album, en particulier sur "Rocky Paths" et "Living on a knife edge".
Le travail discret de la basse de Harvey Bainbridge est principalement composé de riffs simples mais très efficaces.

L'album s'ouvre avec la chanson titre, un remake d'un morceau de dialogue parlé de l'ère Calvert qui remontait à "Space Ritual".
C'est une référence à un poème de Moorcock. Il réutilise la pièce de transition interprétée en live par Calvert lors de la tournée Space Ritual de 1972, avec des effets sonores supplémentaires. Puisque Calvert n'est pas dans le groupe à cette époque, c'est Bainbridge qui fait le dialogue parlé, dans lequel il crie. Une pièce plutôt efficace et dérangeante.
il s'agit d'un réenregistrement complètement recontextualisé avec un groove lourd et bizarrement dansant.
C'est une sorte d'annonce qui se veut amusante de l'action à entreprendre en cas d'attaque sonique, comme "...amener tous les corps à l'orgasme simultanément...". Le morceau était déjà apparu sur "Space ritual" et il a été jugé nécessaire de le réenregistrer pour cet album.
Les paroles sont toujours intrigantes comme elles l'étaient sur "Space Ritual"; "...En cas d'attaque sonique sur votre quartier, suivez ces règles... Utilisez vos roues, c'est ce à quoi elles servent, Les petits bébés peuvent être placés à l'intérieur des cocons spéciaux et doivent être laissés, si possible, dans des abris, N'essayez pas d'utiliser vos propres membres Si aucune roue n'est disponible, en métal, pas en organique, les membres doivent être utilisés autant que possible... Rappelez-vous, dans le cas d'une attaque sonique, la survie signifie le chacun pour soi, statistiquement plus de gens survivent s'ils ne pensent qu'à eux-mêmes, Ce sont les premiers signes d'attaque sonique: Vous remarquerez de petits objets, tels que des ornements, oscillants, Vous remarquerez une vibration dans votre diaphragme Vous entendrez un sifflement lointain dans vos oreilles,Vous vous sentirez étourdi, Vous ressentirez le besoin de vômir, Il y aura des saignements des orifices, Il y aura une douleur dans la région pelvienne, Vous pourriez être sujet à des crises de cris hystériques, ou même de rire, Ce sont tous des signes de destruction sonique imminente, votre seule protection est le vol. Si vous avez moins de dix ans, restez dans les abris et utilisez votre cocon... Ne paniquez pas... Ne paniquez pas...".
Cette version retravaillée n'apporte pas grand chose à l'original et elle est assez longue. En conclusion, elle est même pratiquement inutile.
Après cinq minutes de poésie sonore, l'album démarre enfin avec l'excellent "Rocky Paths" qui est un morceau de Hard Rock spatial énergique et passionnant avec des guitares heavy. Le rythme est soutenu et uptempo, avec de bons vocaux de Huw Lloyd-Langton, et des solos de guitare perçants. C'est une chanson quasi démoniaque: beat sauvage, super guitare. La tradition de cet angle musical du groupe est très bien défendue avec un tel morceau. Tout cela est noyé dans une abondante soupe de synthé cosmique. Un classique!
"Rocky Paths" souffre légèrement d'une production approximative sur le chant mais il a un très beau solo de guitare. En fait, la combinaison du solo de guitare et du scintillement électronique en arrière-plan pourrait presque constituer une base pour les premières explorations sonores d'Ozric Tentacles, qui surgiront plus tard dans la décennie.
Le groupe présente des moments psychés, parfois. "Psychosonia" est la continuation du morceau précédent et il présente une basse et une guitare rock, ainsi que Moorcock récitant ses poèmes. C'est une étrange expérience qui est une combinaison de trucs spatiaux et de hard-rock qui est totalement inapproprié.
Au contraire, l'étrange "Virgin Of The World" est absolument sublime; si émotif, si mélodique. C'est une étrange expérience électronique de Bainbridge, un morceau de synthé séquencé avec doublage.
La séquence de fond rappelle un peu "On the Run" de Pink Floyd. Principalement synthétique, ce morceau sera remixé dans une version encore plus électronique sous le nom "Experiment with Destiny" dans l'album "Church of Hawkwind" qui paraitra un an plus tard. Il contient un solo de guitare flottant cool.
Dans le même esprit, "Angels Of Death" avec son petit riff de hard rock spatial répétitif est le morceau classique que tous les fans de Hawkwind devraient entendre. Brock est merveilleux à ce sujet; "...Nous sommes des anges de la vie, nous sommes des anges de la mort...", et le break de la lead guitare est dynamique avec un riff entraînant simple mais efficace.
Le rythme répétitif, le merveilleux solo de guitare et la basse hypnotique créent une chanson très convaincante et agréable.
"Angels of Death" figure sur chacun des albums live ultérieurs que Hawkwind a sortis depuis. Il est sorti en single soutenu par le non-album "Transdimensional Man" en face B.
Le punky "Living on a Knife Edge" présente des paroles protestant contre la surveillance.
Il démontre un excellent travail et les vocaux avec une partie haute et basse chantent les couplets en harmonie. Le refrain est excellent et il y a des paroles mémorables; "...Les générations futures comptent sur nous...". Il est énergique et plus orienté Pop combiné avec beaucoup de travail de synthé.
Cette chanson est intéressante car elle contient des passages cosmiques de synthétiseur et un très bon jeu de guitare.
"Coded Languages" met en scène le retour de Michael Moorcock criant au sujet de sa révolte contre l'establishment, et dans la seconde moitié, il chante. Cette pièce démontre qu'il ne devrait pas chanter car il n'est pas vraiment un chanteur. Que l'on aime ou que l'on déteste sa voix, les mots sont cependant fantastiques et sont livrés avec une sensation toute punky.
Sa poésie est plutôt une protestation du conformisme: "...Examinez le sens de votre phrase, remettez en question la nature de vos commandes!..." et mieux "...ils volent votre liberté et votre amour!...".
"Coded Languages" ​​fusionne peut-être le mieux l'énergie punky de la NWOBHM avec les obsessions spatiales psychédéliques sauvages de Hawkwind.
Ce poème sert surtout d'introduction au punchy Metal Punk "Disintegration".
A l'écoute de "Disintegration", on a presque l'impression d'entendre les Sex Pistols. C'est la même approche chaotique et dynamique, et les vocaux également ne sont pas loin de ceux de Johnny Rotten.
Ce n'est pas vraiment surprenant car le groupe a été populaire parmi le public Punk et ils avaient déjà flirté ici et là avec le style.
Cela ressemble au vieux Hawkwind et il faut aimer Brock quand il chante des mensonges tels que "...La panique est la règle que je fais ...".
"Disintegration" est une autre transition vers "Streets Of Fear" qui est un autre excellent morceau avec un rythme effréné, des guitares haletantes, des superbes breaks de guitare , la voix de Brock et l'électronique spatiale.
"Streets Of Fear" a quelques similitudes avec "The Bogus Man" de Roxy Music. Ce n'est pas la première fois que l'on peut trouver une relation entre ces deux groupes.
Ce morceau a, de loin, également des réminiscences de "Magnu" avec ses guitares heavy au son distordu.
Rythme, Rock solide et grande guitare sont les ingrédients de la chanson de clôture, "Lost Chances", qui a de bons vocaux en écho de Brock, et une guitare plus heavy sur des couches de synthé électronique.
Les paroles sont typiquement futuristes et sont des phrases pour augmenter les guitares heavy; "...La course est lancée, le moment est venu, sortez votre arme, il est temps de se battre...".

L'album a passé cinq semaines dans les Charts albums du Royaume Uni, culminant au numéro 19.

Hawkwind a entrepris une tournée de 28 dates au Royaume-Uni en Septembre et Octobre pour promouvoir l'album, avec le soutien de Mama's Boys. Sept autres dates de Noël ont suivi, qui ont vu les anciens membres Robert Calvert, Nik Turner et Moorcock invités à la date du London Rainbow. Une tournée Européenne de 13 dates en Mars 1982 a suivi, soutenant Krokus.

Le groupe fut à la tête du Festival de Glastonbury en 1981 et a fait une apparition au Festival de Donington Monsters of Rock en 1982, tout en continuant à jouer pour le solstice d'été au Stonehenge Free Festival.

Image

Enregistré aux studios Rockfield de Décembre 1981 à Février 1982, Initialement sorti en tant qu'album solo de Dave Brock, "Church of Hawkwind" est maintenant considéré comme un album studio de Hawkwind car il présente les membres du groupe de l'opus précédent du groupe, "Sonic Attack", mais il est sorti, à l'époque, sous le nom du groupe Church of Hawkwind en 1982. Néanmoins, ce disque n'est pas au même niveau que celui-ci.

Le changement de nom reflète le fait qu'il s'agit d'un départ musical pour le groupe, étant une offre électronique plus expérimentale que le Rock Heavy habituel que le groupe jouait à l'époque.
En fait, c'est pratiquement un album solo de Brock, compte tenu de la forte partialité envers son travail, et qu'aucun de ces morceaux n'a été interprété en live par le groupe, à l'exception de "Looking in the Future" qui sera réenregistré sous le titre "Letting in the Past" sur l'album "It Is the Business of the Future to Be Dangerous".
Et Brock ressuscite, à l'occasion, son alias "Dr Technical" qu'il avait précédemment utilisé pour la production du single "Silver Machine" en 1972.

"Church of Hawkwind" est influencé par les sons de l'époque et il est un peu plus expérimental et plus électronique. En réalité, l'intention originale était que le nom du groupe soit "Church of Hawkwind'' en raison du son différent sur l'album, et aussi parce qu'il s'agissait davantage d'un album centré sur Dave Brock, et pourrait presque être considéré comme un album solo de celui-ci.
La plupart des autres albums de Hawkwind présentent des contributions de tout le groupe, mais cette fois, Brock est le principal compositeur. Tous les morceaux sont attribués ou co-attribués à Brock.

Le disque est donc assez différent de tout ce que le groupe a fait auparavant. Il y a encore quelques traces du Hawkwind connu, mais c'est beaucoup plus électronique.
Cet opus consiste principalement en des expérimentations électroniques du leader du groupe, montrant son intérêt croissant pour les technologies de musique électronique alors naissantes des années quatre-vingt. L'ensemble du disque est donc dominé par de courtes pièces transitionnelles pilotées par un synthétiseur. Il n'y a que quelques chansons de Space Rock.

Globalement, cet album semble sans direction et il contient un peu de ceci et de cela sans aucun thème ou concept musical ou lyrique pour le maintenir cohérent. Beaucoup de pièces peuvent être, au mieux, décrites comme expérimentales.

"Church Of Hawkwind" est dominé par des sons de fond électroniques informatiques et spatiaux. La plupart des chansons sont similaires et il n'y a pas grand chose à retenir d'une telle œuvre.
Les pistes sont généralement courtes. Un certain nombre de morceaux tels que "Angel voices", "The Church" et "Joker at the gate" ne sont guère plus que des liens ambiants.

L'original était divisé en deux faces, le premier côté étant appelé 'Space' et le deuxième appelé 'Fate'. Il y avait 12 titres au total sur l'album, mais les chansons véritablement écoutables sont "Nuclear Drive", "Damage of Life" et "Some People Never Die", les autres étant malheureusement des instrumentaux plutôt ennuyeux et même sans aucun intérêt.
Certaines paroles sont plus parlées que chantées, et ce ton monotone ne fait qu'ajouter au sentiment ennuyeux que l'on ressent en écoutant l'album dans sa totalité.

C'est un album de Space Rock instrumental ambiant avec quelques courtes 'chansons' avec des paroles également. Certaines pièces sont des échantillons audio, des chants et / ou des poèmes mis en musique également. Certaines paroles sont un peu idiotes, certaines sont excellentes. La qualité sonore est bonne.

C'est un opus bien médiocre. C'est même, à mon avis, de loin le pire album de "Hawkwind" à ce jour. Il y a beaucoup d'instruments et d'effets mais pas de vraies chansons à proprement parler.
En conclusion, les pistes courtes, par elles-mêmes, pourraient bien fonctionner comme transitions, musique de fond ou brouillons, mais cela n'est pas suffisant pour créer un album convaincant. Même les trois chansons de rock spatial ne sont pas très mémorables.
De fréquentes références de science-fiction sont faites concernant le destin futur, etc. sous la forme de courts monologues et de chansons complètes, mais peuvent parfois aller un peu loin. Quelques effets, parfois sympathiques, peuvent être entendus tout au long de l'album pour soutenir ces réflexions dont, par exemple, un enregistrement d'actualité de l'assassinat de JFK!

Une chose est certaine, c'est que la production est claire et nette.

La piste d'introduction, "Angel Voices", est juste une introduction électronique, avec des voix extraterrestres.
Elle agit comme une brève introduction à l'album et présente des effets vocaux traités avec des voix basses et des voix rapides dans un style d'appel et de réponse avec des sons spatiaux se construisant en menant vers le morceau suivant "Nuclear Drive".
"Nuclear drive" est une version de style Space Rock, de qualité inférieure de "Silver machine" sur un rythme rapide, sur laquelle Brock est en belle forme au chant et Huw Lloyd-Langton à la une lead guitare. Le problème est que la batterie sonne trop années 80. Elle ressemblerait presque à la version des années 80 d'un morceau perdu de NEU !, avec des vocaux moyens.
Les guitares sont cependant un peu en retrait par rapport aux synthétiseurs nouvelle vague. Sinon, c'est la même formule de base Hawkwind, mais sous une forme plus condensée et plus courte, et cela se termine au moment où les choses deviennent intéressantes.
L'album plonge dans des chants New Wave punky sur la chanson suivante, "Star Cannibal", avec un dialogue semi-parlé. C'est la plus longue piste avec un peu plus de cinq minutes, et la première vraie chanson, malheureusement il y a toujours cette batterie années 80 catastrophique.
La voix narrative de Brocks sur un groove hypnotique et spatial et les influences Krautrock auraient pu tout aussi bien convenir à l'ambiance de l'album "PXR5".
Par contre, les paroles sont carrément idiotes, à propos de manger de la chair humaine.
Le synthé est nettement plus proéminent, et les voix sont dans un style parlé et rythmique. Les couches de synthés enterrent malheureusement tout ce qui aurait pu rendre cette piste intéressante.
Les choses deviennent intenses à la fin, mais cela s'estompe au plus mauvais moment.
Ceci est suivi par l'espace et les drones sur "The Phenomenon of Luminosity" et il a une voix off futuriste intrigante et des lignes de synthé séquencées. Les synthés sonnent un peu comme les premiers sons de Kraftwerk de "Autobahn".
C'est une pièce entièrement électronique avec de nombreux effets EMS Synthi et des pistes de synthé.
Cette piste est une série d'effets spatiaux avec un échantillon de John Glenn transmis par le vaisseau spatial Friendship Seven lors de la mission Mercury-Atlas 6 le 20 Février 1962. Les effets électroniques et les synthés jouent des boucles et des effets sonores.
Une version alternative de "Experiment With Destiny" était apparue sur l'album "Sonic Attack" de l' année précédente sous le nom de "Virgin Of The World".
Vient ensuite "Fall of Earth City" avec des couches de synthé et la narration vocale lointaine de Brock. Encore une fois pas vraiment une chanson mais un instrumental avec un peu de poésie parlée.
Il y a de l'improvisation de guitare sous les voix et les synthés.
Ensuite, il y a "The Church"qui termine la première face, un petit truc avec des synthés séquencés et des chants de protestation de la foule.
Un autre court morceau, une pièce électronique avec dialogue de voix off, "The Joker at the Gate", démarre la deuxième face de l'album. Toujours plus de synthés, mais au moins cette fois, il y a un semblant de mélodie.
Le meilleur morceau, "Some People Never Die", a une véritable attaque Hard Rock mais augmentée d'effets sonores ambiants et il contient des extraits audio et les sons réels du meurtre de J.F. Kennedy et de Lee Harvey Oswald.
La mort de JFK au journal télévisé en direct est mise en musique. Et la voix off sur la "musique" parait assez indécente.
On entend une respiration lourde et des effets ressemblant à "On The Run" de Pink Floyd. Il y a même une section séquencée. "...Oswald a été abattu..." dit une voix pressante et il est évident que la pièce est au coeur de l'événement. On entend parler de l'assassinat de JF Kennedy, les cris sont là et les rapports réels "...prenez l'arme, éloignez-vous de l'arme, sa main est cassée...".
"Some People Never Die" a été attribué à Brock, mais en réalité, il a pris beaucoup de matériel d'un autre groupe appelé On the Seventh Day. Même les enregistrements sur le terrain des tournages de JF Kennedy et Lee Harvey Oswald figuraient dans l'enregistrement original et sont conservés sur cette piste. Tout ce morceau se compose de ces enregistrements de terrain copiés et de synthétiseurs de type drone.
Des versions alternatives de cette même piste figurent également sur l'album solo de Brock. Bien que crédité à Dave Brock, le morceau "Some People Never Die" emprunte une grande partie de son matériel au morceau "They Call Me Gun" tiré d'un album obscur d'un groupe appelé On The Seventh Day, jusqu'aux commentaires de l'assassinat de John F. Kennedy par Lee Harvey Oswald. Des versions alternatives de "Some People Never Die" apparaissent sur "Spacebrock" et l'album solo de Dave Brock "Earthed to the Ground" (comme "Assassination").
"Light Specific Data" a un riff en boucle de la guitare et encore plus de couches de synthé. Il ne se passe pas grand-chose, sauf pour une improvisation fluide et des boucles répétitives.
"Experiment with Destiny" est un morceau plus atmosphérique qui s'éloigne des boucles rythmiques pendant un court instant. Ce n'est qu'une version alternative d'un morceau précédemment sorti avec un titre différent, "Virgin of the World" de l'album "Sonic Attack".
Une autre pièce électronique étrange, le mystérieux "The Last Messiah" est encore une fois une autre courte piste de boucles et de textures électroniques.
"Looking in the Future", une version alternative de "Lives of Great men", termine l'album original, mais à ce moment-là, la plupart des auditeurs ont probablement abandonné cet album.
C'est, pourtant, du Hawkwind plus typique auquel les fans sont plus habitués car c'est un morceau de Space Rock dans le style de "Sonic Attack". Cela a un certain punch, ce n'est pas mauvais, mais ce n'est pas génial non plus et le son batterie des années 80 est encore présent.

En conclusion, cet album est à éviter par tous les fans du groupe!

Image

A SUIVRE

Normalement, un amateur d'Hawkwind possède une bonne centaine de disques de cette tribu Britannique. Le nombre de disques est en effet très nombreux, car en plus de la "discographie principale", on trouve d'innombrables compilations de morceaux sous différentes versions ou dans différents concerts.

Discographie

1970 : Hawkwind
1971 : In Search of Space
1972 : Doremi Fasol Latido
1973 : Space Ritual
1974 : Hall of the Mountain Grill
1975 : Warrior on the Edge of Time
1976 : Astounding Sounds, Amazing Music
1977 : Quark, Strangeness and Charm
1978 : 25 Years On ("Hawklords")
1979 : PXR5
1980 : Live Seventy Nine
1980 : Levitation
1981 : Sonic Attack
1982 : Church of Hawkwind
1982 : Choose Your Masques
1985 : The Chronicle of the Black Sword
1986 : Live Chronicles
1988 : The Xenon Codex
1990 : Space Bandits
1991 : Palace Springs
1992 : Electric Tepee
1993 : It Is the Business of the Future to Be Dangerous
1994 : The Business Trip
1995 : White Zone ("Psychedelic Warriors")
1995 : Alien 4
1996 : Love in Space
1997 : Distant Horizons
1999 : In Your Area
2000 : Spacebrock
2001 : Yule Ritual
2002 : Canterbury Fayre 2001
2005 : Take Me to Your Leader
2006 : Take Me to Your Future
2008 : Knights of Space
2010 : Blood of the Earth
2012 : Onward
2016 : The Machine Stops
2017 : Into the Woods
2019 : All Aboard The Skylark

Archives

1980 Weird Tape Volume 1
1980 Weird Tape Volume 2
1981 Weird Tape Volume 3
1981 Weird Tape Volume 4
1982 Weird Tape Volume 5
1982 Weird Tape Volume 6
1983 Weird Tape Volume 7
1983 Weird Tape Volume 8
1983 The Text of Festival
1983 Zones
1984 This Is Hawkwind, Do Not Panic
1984 Space Ritual Volume 2
1985 Bring Me the Head of Yuri Gagarin
1985 Hawkwind Anthology
1987 Out & Intake
1991 BBC Radio 1 Live in Concert
1992 The Friday Rock Show Sessions
1992 Hawklords Live
1992 California Brainstorm
1995 Undisclosed Files Addendum
1997 The 1999 Party
1999 Glastonbury 90
1999 Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2
1999 Complete '79: Collectors Series Volume 1
2000 Atomhenge 76
2002 Live 1990
2008 Minneapolis, 4th October 1989
2008 Reading University, 19th May 1992
2009 Live '78
2009 Winter Solstice 2005
2010 Treworgey Tree Fayre 1989
2010 San Francisco 1990
2010 At the BBC - 1972
2011 No Star Unturned
2011 Parallel Universe

Source: wikipedia, Prog Archives, RED ONE, ClashDoherty, Wilson Neate, Bruce Eder
Modifié en dernier par alcat01 le dim. 27 sept. 2020 21:41, modifié 195 fois.
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Message par Slade » mar. 7 juil. 2020 15:27

Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par nunu » mar. 7 juil. 2020 15:32

Slade a écrit :
mar. 7 juil. 2020 15:27
Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
Je suis pas sur que ça soit pire que Magma

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Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 15:49

Slade a écrit :
mar. 7 juil. 2020 15:27
Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
Pas compliqué!

Membres actuels

Dave Brock : chant, guitares, claviers, synthétiseurs (depuis 1969)
Tim Blake : claviers, chant (1979-1980, 2000, 2002, depuis 2007)
Richard Chadwick : batterie, chant (depuis 1988)
Mr Dibs : chant, violoncelle, basse (depuis 2007)
Niall Hone : basse, guitares, sampling, synthétiseurs, claviers (depuis 2008)

Invité :
Dead Fred : claviers, synthétiseurs (invité depuis 2012, membre à part entière 1983-1984)

Anciens membres

Nik Turner : saxophone, flûte, chant (1969-1976, 1982-1984)
Dik Mik : claviers, synthétiseurs (†2017) (1969-1973)
Terry Ollis : batterie (1969-1972)
John Harrison : basse (1969-1970)
Mick Slattery : guitare (1969)
Huw Lloyd-Langton : (†2012) guitare (1969-1971, 1979-1988, invité 2002-2005)
Thomas Crimble : basse (1970-1971)
Del Dettmar : claviers, synthétiseurs (1971-1974)
Dave Anderson : basse (1971-1972)
Simon King : batterie (1972-1979, 1979-1980)
Lemmy Kilmister († 2015) : basse (1972-1975)
Robert Calvert : chant (†1988) (1972-1973, 1975-1979)
Simon House : claviers, synthétiseurs, violon (1974-1978, 1989-1991, invité 2000-2002)
Alan Powell : batterie (1974-1976)
Paul Rudolph : basse (1975-1976)
Adrian Shaw : basse (1976-1978)
Harvey Bainbridge : basse, claviers, synthétiseurs (1978-1991)
Martin Griffin : (†2019) batterie (1978-1979, 1981-1983)
Paul Hayles : claviers, synthétiseurs (1978)
Steve Swindells : claviers, synthétiseurs (1978-1979)
Ginger Baker : batterie (†2019) (1980-1981)
Keith Hale : claviers, synthétiseurs (1980-1981)
Andy Anderson : batterie (†2019) (1983)
Robert Heaton : batterie (1983)
Rik Martinez : batterie (1983)
Clive Deamer : batterie (1983-1985)
Alan Davey : basse (1984-1996, 2000-2007)
Danny Thompson Jr. : batterie (1985-1988)
Bridget Wishart : chant (1990-1991)
Ron Tree : chant, basse (1995-2001)
Jerry Richards : guitare (1996-2001)
Jason Stuart : claviers, synthétiseurs (†2008) (2005-2008)

Anciens invités :
Michael Moorcock : chant (1975, 1981)
Captain Rizz : chant (1997-2000)
Jez Huggett : saxophone, flûte (2000-2002)
Arthur Brown : chant (2001-2003)
Jon Sevink : violon (2009)

ça te va! :hehe:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Slade » mar. 7 juil. 2020 16:08

Une p'tite photo de chacun peut être afin qu'on puisse mieux les visualiser ? :mdr2: :mdr2:
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Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 18:47

Tu voudrais pas aussi leurs adresses et leurs numéros de téléphone??? :siffle:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Suricate » mer. 12 août 2020 09:35

A compter de "Astounding" on passe à autre chose, "Astounding" & "Quark..." deux albums que je prend plaisir à l'écoute, il faut faire abstraction des albums précédents. Et puis comme dit nunu, sans la verrue, c'est mort ! ::d

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Algernon » mer. 12 août 2020 10:01

Merci Alain.
Je devrais trouver le temps de lire la bio de ces babas moins mollassons que les autres dans sa totalité.
Un LP que je n'ai jamais écouté c'est "P.X.R.5", je ne sais pas ce qu'il vaut.
"Jimi prenait une guitare de droitier et il la tournait dans l'autre sens. Ça veut dire que l'ordre des cordes était inversé. Je connais quelques personnes capables de faire ça, mais c'est très rare, car il faut savoir penser à l'envers."

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Suricate » mer. 12 août 2020 10:14

Algernon a écrit :
mer. 12 août 2020 10:01
Merci Alain.
Je devrais trouver le temps de lire la bio de ces babas moins mollassons que les autres dans sa totalité.
Un LP que je n'ai jamais écouté c'est "P.X.R.5", je ne sais pas ce qu'il vaut.
PXR5, c'est de la bonne !

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Echoes » mer. 12 août 2020 10:14

Algernon a écrit :
mer. 12 août 2020 10:01
Merci Alain.
Je devrais trouver le temps de lire la bio de ces babas moins mollassons que les autres dans sa totalité.
Un LP que je n'ai jamais écouté c'est "P.X.R.5", je ne sais pas ce qu'il vaut.
Le hasard fait que je l'ai écouté il y a peu.
Un album un peu étrange mais que j'aime bien, par moment punk ou encore new Wawe, et bien sûr rock et Space Rock.
"La vie sans musique est tout simplement une erreur, une fatigue, un exil." F. Nietzsche

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Algernon » mer. 12 août 2020 10:15

Attention ! Tu t'engages... :]
"Jimi prenait une guitare de droitier et il la tournait dans l'autre sens. Ça veut dire que l'ordre des cordes était inversé. Je connais quelques personnes capables de faire ça, mais c'est très rare, car il faut savoir penser à l'envers."

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mer. 12 août 2020 21:23

J'ai toujours eu du mal à véritablement cataloguer ce genre de groupe...
Space Rock, oui, faute de mieux...
Mais il y a tellement d'autres choses!
Surtout en cinquante ans de carrière.
Une chose est certaine, c'est le feeling qui se dégage de chacun de leurs albums...
La théorie, c’est quand on sait tout et que rien ne fonctionne. La pratique, c’est quand tout fonctionne et que personne ne sait pourquoi. Ici, nous avons réuni théorie et pratique : Rien ne fonctionne… et personne ne sait pourquoi! Albert Einstein

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