HAWKWIND (Bio)

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alcat01
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HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 11:09

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Formé en Novembre 1969, Hawkwind est un groupe de Rock Britannique, originaire de Ladbroke Grove, à Londres, en Angleterre, considéré comme l'un des pionniers du genre Space Rock.

La formation a traversé de nombreuses incarnations, des dizaines de musiciens en ont fait partie au fil des années.
Cependant, le groupe est le plus étroitement associé à leur fondateur, chanteur, auteur-compositeur et guitariste Dave Brock, qui est le seul membre original restant.
Parmi les figures marquantes, on peut citer Lemmy Kilmister, Ginger Baker, Nik Turner, Harvey Bainbridge, Del Dettmar, Dik Mik, Huw Lloyd-Langton, Robert Calvert, Paul Rudolph et plus tard, Ron Tree en tant que bassiste et meneur du groupe. Beaucoup de danseurs et d'écrivains ont également travaillé avec Hawkwind depuis sa création.

Le groupe a incorporé de nombreux styles différents dans sa musique, y compris le Hard Rock, le Rock Progressif et le Rock Psychédélique. Ils sont également considérés comme un groupe Proto-Punk influent.
Leurs paroles favorisent les thèmes urbains et de science-fiction.

Hawkwind est surtout connu pour la chanson "Silver Machine", qui est devenu numéro trois dans les Charts Britanniques en 1972, mais ils se sont faits remarquer avec d'autres Hit singles comme "Urban Guerrilla" (dans le Top 40) et "Shot Down in the Night". Le groupe a eu une série de vingt-deux de leurs albums au Royaume-Uni de 1971 à 1993.

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En général, les amateurs d'Hawkwind apprécient les créations parallèles et personnelles des musiciens qui ont contribué au groupe. Robert Calvert, Nick Turner, Alan Davey ont enregistré des disques solos, et même D. Brock a fait des disques sous son nom.

La musique d'Hawkwind est Rock et Spatiale. C'est le genre de musique appropriée pour se promener d'une galaxie à l'autre dans des vaisseaux cosmiques lancés à des vitesses folles dans le vide sidéral. Cela n'arrivant pas souvent, on se contentera de pousser le volume sonore à un niveau respectable pour avoir de bonnes impressions. Attention, ce n'est généralement pas 'planant': une rythmique puissante, basse et batterie, émet des pulsations hypnotiques, parfois à des cadences infernales comme sur "Brainstorm", "Master of Universe" ou encore "Born to Go", et la guitare électrique, très présente avec des effets, soutient le martèlement pour décrocher dans des solos parfois éruptifs conduisant à l'occasion Hawkwind à flirter avec le Hard Rock malgré son enrobage électronique.

Leur musique change, mais n'est pas pour autant dans le flot des modes, ni des 'catégories', chères aux mélomanes ephémères et peu eclectiques. On ressent cependant bien l'époque de chaque disque par l'exploitation permanente des disponibilités techniques du moment. Par ailleurs, on remarque occasionnellement l'exploitation de mondes musicaux originaux, comme par exemple le Reggae, pour la création de morceaux pourtant toujours dans la lignée 'spatiale'. Si l'on doit faire des catégories, la musique d'Hawkwind et de ses relations constitue une catégorie à part entière.

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Dave Brock et Mick Slattery avaient fait partie d'un groupe Psychédélique Londonien appelé Famous Cure, et une rencontre avec le bassiste John Harrison a révélé un intérêt mutuel pour la musique électronique qui a conduit le trio à se lancer ensemble dans une nouvelle aventure musicale en formant un nouveau groupe.
Le batteur Terry Ollis, âgé de 17 ans à l'époque, répond à une annonce parue dans un hebdomadaire musical, tandis que Nik Turner et Michael "Dik Mik" Davies, de vieilles connaissances de Brock, offrent leur aide pour le transport et l'équipement (road crew), mais ont rapidement été intégrés au groupe.

S'invitant à une soirée de talents locaux au All Saints Hall, à Notting Hill, ils étaient tellement désorganisés qu'ils n'avaient même pas de nom, optant pour "Group X" à la dernière minute, ni aucune chanson, choisissant de jouer un jam prolongé de plus de 20 minutes sur le "Eight Miles High" des Byrds.
Le DJ de la BBC Radio 1, John Peel, assistant à leur prestation dans le public a été suffisamment impressionné pour dire à l'organisateur de l'événement, Douglas Smith, de garder un œil sur eux. Smith les signe rapidement et leur obtient un contrat avec Liberty Records au moment où un autre accord était mis en place avec Cochise.

Le groupe choisit finalement le nom de Hawkwind après avoir brièvement adopté les noms de Group X et Hawkwind Zoo.

Une session aux studios Abbey Road prend place pour enregistrer des demos de "Hurry on Sundown" et quelques autres, après quoi Slattery est parti pour être remplacé par Huw Lloyd-Langton, qui avait connu Brock pendant sa période de travail dans une boutique de musique en lui vendant des cordes de guitare, avant de devenir musicien ambulant.

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Le guitariste de The Pretty Things, Dick Taylor, est ensuite engagé pour produire le premier album éponyme en 1970.

Pour ceux qui ne connaissent pas le groupe, on pourrait définir la musique comme du 'Rock Spatial'. C'est une sorte de Rock Progressif aromatisé avec quelques pincées du Psyché de Pink Floyd, un soupçon de Moody Blues, un léger soupçon de King Crimson, avec des effets de synthétiseur, des phases, des échos, des orchestrations, des guitares ... À part le travail solo de Nik Turner, aucun autre groupe ne leur ressemblait vraiment.

Ce n'est peut-être pas forcément le meilleur disque d'introduction à leur musique car ils s'améliorent avec chaque album successif, mais Il s'agit autant d'une pièce historique que d'une pièce importante dans l'histoire du groupe.

La majeure partie de l'album provient d'une longue jam de forme libre appelée "Sunshine Special" qui a été décomposée en pistes individuelles avec des interludes synthétisés spacieux. Et cela a certainement du sens car la musique partage la même ambiance tout au long du disque.
Mais il ne faut pas se laisser rebuter par la balise 'free form jam'. La musique n'est pas un gâchis alimenté par une drogue chaotique à la Amon Düül. Elle a une base solide dans le genre Psyché, et l'amélioration s'intègre dans ce son structuré. On dirait que le groupe a joué 'live in the studio" et qu'l était enfermé dans un groove fantastique. L'ajout de flûte, saxophone et harmonique au mixage est très appréciable.
C'est l'un des meilleurs exemples de Rock Spatial Psyché.

Cela peut sembler décousu pour certains, mais ils produisent un son unique; à l'époque, la magie électronique en était à ses balbutiements. Le son qu'ils produisent est donc vraiment remarquable. Combinez cela avec la guitare, la basse, la batterie et des paroles brillantes, alors vous avez Hawkwind.
Le groupe deviendra beaucoup plus cohérent à partir du prochain album.

Ce premier opus est intéressant en ce qu'il contient à la fois les meilleures et les pires chansons du groupe:
Parlons d'abord des meilleures chansons. Le joyeux acoustique post-hippie "Hurry On Sundown", avec un bon jeu d'harmonica et des voix magnifiquement brillantes ... c'est vraiment une chanson spectaculaire. La jam fringante "Be Yourself" qui a de merveilleux passages de saxophones qui mènent à un solo de guitare tout aussi impressionnant innove le Space Rock. Et enfin, le "Mirror of Illusion" au son du Creedence Clearwater Revival, avec une mélodie vocale de type John Fogerty à la fois mélodique et très bonne est, certainement, l'une des meilleures chansons de Hawkwind.
Les mauvaises chansons sont les deux pistes "Paranoia" et "Seeing It As You Really Are":
Pour le lavage sonique surréaliste de "Paranoia", ce n'est pas une bonne idée de répéter les mêmes 4 ou 5 notes pendant plusieurs minutes. "Seeing It As You Really Are" suit en quelque sorte la même idée, avec trop de choses dominées par des notes répétitives. Cependant, dans ce cas, la chanson finit par devenir un très bon solo de guitare et un peu de saxophone mélodique à la fin, ce qui en fait une assez bonne jam.

Ce premier jet affiche une grande partie de ce qui identifiera bientôt le groupe, en particulier son passage entre la musique acoustique éthérée et le hard rock électronique transdimensionnel, mais ici, il conserve le sentiment très lâche et très aléatoire auquel vous pouvez vous attendre. voici un groupe qui a trouvé son son mais qui essaie de décider exactement ce qu'il a vraiment à dire.
A noter que Dick Taylor a non seulement produit l'album, mais il a également joué de la guitare et de la basse.

Pourtant, c'est un album au son charmant qui met souvent en évidence le saxophone de Nik Turner et des breaks mélodieux et percutants du guitariste Dave Brock, à la fois sur une section rythmique tendue et sur l'électronique subtilement savoureuse de Dik Mik Davies.

Mais ce line up d'Hawkwind composé de Brock, Turner, Davies, du bassiste John Harrison puis de Thomas Crimble, du deuxième guitariste Huw Lloyd Langton et du batteur Terry Ollis n'était pas destinée à durer: exit Crimble, Langton et Davies après la sortie de l'album; et entrée de l'ancien bassiste d'Amon Duul, Dave Anderson, du claviériste Del Dettmar et du poète / chanteur Robert Calvert.
Toutes les chansons sont créditées à Dave Brock sur l'album original, puis à l'ensemble des membres du groupe à partir de la réédition remasterisée de 1996.

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Bien que ce ne soit pas un succès commercial, cela a attiré l'attention de la scène Underground Britannique quand ils se sont mis à jouer des concerts gratuits, des concerts-bénéfice et autres festivals.

Jouant gratuitement en parallèle à l'extérieur du Bath Festival, ils y ont rencontré un autre groupe basé à Ladbroke Grove, The Pink Fairies, qui partageaient des intérêts similaires dans la musique et les activités récréatives; une amitié s'est développée qui a conduit les deux groupes à devenir des partenaires musicaux et à jouer en tant que "Pinkwind".
Leur consommation de drogues a cependant conduit au départ de Harrison, qui n'a pas participé, qui sera brièvement remplacé parThomas Crimble (vers Juillet 1970 - Mars 1971). Crimble a joué sur quelques sessions de la BBC avant de partir pour aider à organiser le Glastonbury Free Festival 1971; il s'est assis pendant la performance du groupe là-bas. Lloyd-Langton a également démissionné, après un mauvais voyage en LSD au festival de l' île de Wight qui a provoqué une dépression nerveuse.

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Dans une première phase, le groupe préfère privilégier le spectacle scénique global avec des projections d'images et de ce qui deviendront des clips, plutôt que de mettre en avant tel ou tel musicien. Des danseuses sont ajoutées en avant-scène; Del Dettmar joue souvent derrière les rideaux de la scène à l'abri des regards du public, tandis que deux batteurs (à partir de 1974) scandent les hymnes répétitifs.

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Le second album de Hawkwind, "In Search of Space", sort au Royaume-Uni le 8 octobre 1971. L'enregistrement avait commencé brièvement aux Air Studios ("Master Of The Universe"), puis a été transféré aux Olympic Studios.

Le bassiste John A Harrison est parti juste après l'enregistrement du premier album, remplacé par Thomas Crimble qui à son tour a été remplacé par Dave Anderson d' Amon Düül II pour cet album, et qui à son tour sera parti avant sa sortie. Le joueur d'électronique Dik Mik Davies avait également quitté temporairement le groupe, l'ingénieur du son live du groupe Del Dettmar étant alors remplacé, tandis que Huw Lloyd-Langton était parti après une mauvaise expérience de LSD au the Isle of Wight Festival.

La conception innovante de la pochette a été réalisée par Barney Bubbles (Colin Fulcher). Un dépliant de 8 pages (carte non laminée) imprimé en couleur sur le devant et en demi-teinte noir et blanc au verso.
Lorsqu'il est ouvert, le manchon découpé forme une forme d'oiseau avec des ailes déployées - un peu comme un faucon. Une fois pliés, les découpes s'emboîtent au centre avant, les formes et l'imprimé formant un 'X', selon le caractère initial du titre. La forme pliée crée ainsi un portefeuille ouvert pour le disque.
En ce qui concerne le 'X', le crédit 'Optique / sémantique' à ce sujet est probablement assez profond rétrospectivement. La sémantique visuelle de la conception et de la créativité de Barney Bubbles dans l'art de la pochette a conduit à beaucoup de conjectures concernant le vrai titre de cette œuvre. Pour ceux du berceau de Notting Hill du 'underground movement' et de sa presse musicale à l'époque, l'œuvre était communément connue (d'après le titre de sa pochette "X IN SEARCH OF SPACE") comme "X In Search Of Space".

Le 'Log' (journal), développé par l'artiste et Bob Calvert, était fondamental dans l'imagerie et la 'philosophie' du groupe qui en résulta au moment de "Space Ritual" et au-delà, encore aidé par l'apport de Michael Moorcock. Cependant, malgré les preuves visuelles du titre - conçu par un artiste de haute estime et affiché dans les galeries sous le nom de "X In Search Of Space" et également mentionné comme tel dans le livre 2010 du magazine MOJO Award "Reasons To Be Cheerful" - les différents éditeurs de cet ouvrage l'ont toujours intitulé "In Search Of Space", pour des raisons encore inconnues. Il y a même une 'controverse sur le crénage' selon laquelle le titre pourrait être "Xin Search Of Space", mais la base de données Discogs opte simplement pour l'inclusion du fait que le 'X'existe dans le titre, jusqu'à ce que ce ne soit pas le cas.
Le disque Britannique est dans une doublure imprimée UA, accompagné d'un 'Hawkwind Log Book' de 24 pages (imprimé en noir et blanc) détaillant les minuties du 'vol' du groupe à travers l'espace et le temps. Ce problème n'était pas présent dans les numéros ultérieurs, bien que le remaster du CD de 1996 reproduise à la fois le manchon et le journal. Les premières copies du journal étaient sur du papier blanc cassé de 'qualité journal', les problèmes ultérieurs semblent être sur un blanc plus propre avec une teinte bleue à l'impression noire. Il y a une différence nette entre les deux, ce dernier de meilleure qualité - délivré avec les pressages A1 / B2 appariés et par la suite.

Une réédition ultérieure avec UA 'R' (symbole de marque déposée) apparaît de '76 -'77. Il n'est pas sûr que ces dernières sorties aient tous des journaux de bord. On peut noter également que le texte autour du label est 'A product of United Artists Records' (Un produit de United Artists Records). Les copies originales sont référencées Liberty / United Artists (pochettes E J Day).
Il est possible de ce fameux 'X' soit une allusion au premier nom du groupe (Group X).

Après des débuts non ciblés en 1970, le plan d'un style de groupe plus distinctif commençait à se fondre, avec l'aide du graphiste Colin Fulcher, alias Barney Bubbles, qui a donné à l'album son titre et illustré le Hawkwind Log élaboré inclus dans les premiers pressages LP. Et le groupe apprenait le secret du voyage: pousser les jams en avant avec un élan implacable et limiter les changements d'accords au strict minimum.

"In Search Of Space" est une amélioration substantielle par rapport au premier opus. L'album montre clairement un changement de direction musicale et une grande évolution pour le groupe. Le son est plus brut, plus agressif, plus trippant, plus puissant et flottant. Cependant, les inflences Jazz sont toujours présentes.

En fait, les musiciens commencent à définir leur propre personnalité ainsi que le genre rock spatial.
Toute trace persistante de Blues du premier album a été à jamais rasée sous les guitares et les synthétiseurs conduisant "You Shouldn't Do That" et "Master of the Univers".
Ajoutez un rythme régulier, les flûtes et les saxophones traités de Nik Turner, l'élément déterminant du son Hawkwind, et quelques ballades de guitare acoustique effectivement spacieuses (comme le requiem "We Took the Wrong Step Years Ago"), et le Le résultat est une ébauche d'une feuille de route menant à la prochaine épiphanie du rituel spatial.

Même avec toute l'innovation et la progression rapide de la musique en 1971, cet album était vraiment original. "In Search of Space" est l'album qui a mis Hawkwind sur la voie du succès. L'emballage a sans aucun doute aidé, avec sa pochette pliable multiple et son excellent livret intitulé "The Hawkwind log".

Hawkwind n'a pas essayé d'écrire du Prog Rock, mais les idées qu'ils avaient étaient des perceptions Heavy du Space Rock, fondées dans les premières expérimentations de Pink Floyd de la fin des années 1960 et quelques autres.
Mais il y a toujours une différence critique entre les deux groupes: tandis que les membres du Pink Floyd suivaient des cours d'architecture au London Polytechnic, le gang d'Hawkwind quittait la Notting Hill School of Hard Knocks et trouvait sa vraie voix en cours de route.

ImageNik Turner

Des morceaux comme "You Know You Only Dreaming", "We Took The Wrong Step Years Ago" et "Children Of The Sun" ressemblent à du Pink Floyd car il y a une sensation acoustique plus douce qui comprend des types d'instrumentation plus interactifs apportant les aspects plus spatiaux encore plus sous les projecteurs. Les riffs de guitare sont légèrement plus variés et rejoints par la flûte également. Les instruments ont également plus de licence pour tisser une tapisserie de sons autour d'un noyau de rythme plutôt que d'adhérer obséquieusement à une esthétique rock traditionnelle, mais en gardant toujours en mouvement cette énergie rock plus dure. Les guitares et les basses sont toujours chargées électriquement, ce qui maintient les niveaux d'énergie de tous les musiciens à bord élevés et cet album donne généralement l'impression que les modèles de vibration d'énergie vont vraiment s'accélérer à l'infini dans un état d'anti-gravité où le temps et l'espace se confondent.
Alors que Pink Floyd créait des paysages sonores surréalistes moelleux, Hawkwind était pionnier dans la branche hyperdrive de la psychédélie.

La musique a, par ailleurs, plus en commun avec le Krautrock que le Prog "Symphonic", et en tant que telle est en grande partie minimale et transe plutôt qu'expansive en termes de paramètres musicaux. Sur une écoute décontractée, cela semblera extrêmement répétitif, et le plus souvent, tout simplement bizarre.

Mettant en avant les puissants riffs de Dave Anderson à la basse, ce deuxième album est une étape claire et impressionnante des débuts du groupe. Le groupe atteint ses atmosphères spatiales à travers des modèles de section rythmique puissants, hypnotiques et pulsants qui forment un cadre à partir duquel des solos de guitare, de claviers, de saxophone et de flûte émergent et se fondent avec le chant. L'impression générale est un croisement entre les éléments plus répétitifs ressemblant à des drones de Krautrock et le matériel de Pink Floyd de l'ère psychédélique plus tumultueux, résultant en une fusion qui sonne à des années-lumière de l'un ou de l'autre.

L'endroit où la musique de Hawkwind est expansive se trouve dans l'exploration de germes d'idées, car malgré l'énorme quantité de place laissée à l'improvisation, ce n'est pas une simple session de jam.
Hawkwind va audacieusement là où aucun homme n'est allé auparavant, peignant de vastes toiles de coins reculés de l'univers, peuplées d'étranges créatures souvent démunies, l'avenir, vraisemblablement humain, et leurs interactions avec l'espace et la technologie.
Avec "In Search of Space", Hawkwind a trouvé sa propre place dans l'Histoire musicale. Ils ont cessé de sonner comme les autres et ils ont atteint un groove envoûtant qui était vraiment le leur, un mélange très original de Hard Rock accrocheur, d'improvisation et d'expérimentation et d'essences psychédéliques.

Le groupe travaille constamment comme une seule unité, ce qui est toujours la chose la plus étonnante de presque toutes les albums studio de Hawkwind. La façon dont les instrumentistes réagissent les uns aux autres et colorent les paroles et les voix est au-delà de la perfection.
Les concepts et l'expérimentation musicale sont courageux, les sons de guitare et les compositions acoustiques de Dave Brock sont excellents et Nick Turners est un saxophone hors norme. Les effets sonores et la production sont courageux et audacieux, le concept d'album est profond et hallucinant. La batterie de Terry Ollis est unique et intéressante, parfois jazzy parfois presque tribale et les parties de synthé sont audacieuses et toute la section rythmique est sérieuse.

Malgré une bonne production et un mixage très puissant, "In Search of Space" est réellement criblé d'imperfections, mais c'est tout simplement le son du Rock Spatial qui est caractéristique de l'époque.
C'est le disque où la magie a commencé à se produire. Le groupe a réussi à passer du délire psychédélique naissant à quelque chose de plus solide, produisant une partie de leur matériel classique.
Ce disque a également marqué le début de la collaboration du groupe avec Robert Calvert, qui allait commencer le lyrisme futuriste qui a marqué certains des meilleurs moments du groupe.
Calvert a commencé à réciter de la poésie lors des performances du groupe à l'invitation de Nik Turner, les deux se connaissant professionnellement (Turner est mécanicien automobile et Calvert a ensuite travaillé dans un magasin de pneus). Calvert allait ensuite évoluer vers le chant et la composition, écrivant certains des matériels les plus durables du groupe.

Le son distinctif du groupe à cette période provient de trois "instruments": le générateur audio qui est en fait un moteur électrique passant par une pédale wha-wha;les saxophones et les flûtes filtrés de Nik; un synthétiseur utilisé de manière à imiter particulièrement les sons présents dans les films de science-fiction des années 1950 et 1960. C'est l'imaginaire folklorique de l'espace avant 2001 et également Also Sprach Zarathustra.

Face à la presse, Hawkwind a admis que la plupart d'entre eux n'avaient jamais joué d'un instrument avant 1969 et ils ne se moquaient pas du fait qu'ils n'étaient qu'un groupe de monstres qui s'amusaient. Cela dit, ils ont réussi à créer quelque chose de presque complètement unique avec cet album. Aucun autre ne sonne comme ça (même dans leur long répertoire). Il s'agit d'un type de musique totalement unique utilisant, à l'époque, des générateurs audio et des synthétiseurs primitifs de pointe, avec un retour de Krautrock fourni par le bassiste d'Amon Duul Dave Anderson, et des "bruits" de saxophone totalement erratiques de Nik Turner. Ce n'est pas sophistiqué, ce n'est certainement pas poli mais c'est complètement unique. C'est le rock spatial dans sa forme la plus insistante et la plus histrionique.

"You shouldn't Do That" qui ouvre l'album avec une mystérieuse couche de synthétiseur en attirant l'attention de l'auditeur est un long morceau que le groupe a joué en live depuis l'époque de Crimble dans le groupe, et celui-ci affirme qu'il aurait dû recevoir un crédit d'écrivain pour la ligne de basse centrale sur laquelle cela est basé. Il a été enregistré pour une session de la 'BBC Maida Vale' le 19 Mai 1971 pour le spectacle 'Sounds of the Seventies', une version bootleg de la session peut être trouvée sur "The Text of Festival". C'était le rappel du Space Ritual show mais omis de cet album, apparaissant plus tard en 1976 sur l'album de compilation "Roadhawks". Il a fait partie du set live à différents moments de sa carrière, dont des versions sont disponibles sur "The Business Trip" (1994) et "Spaced Out in London" (2004).
Cette chanson commence là où les débuts éponymes ont cessé et que les rythmes de guitare Hard Rock sont devenus plus féroces et plus énergiques tandis que le délire spatial fait un voyage complet autour du système solaire.
Ce morceau totalement hypnotique commence par le son futuriste du 'générateur audio' avant de plonger dans un rythme endiablé et chanté. C'est une jam psychédélique monotone prolongée avec beaucoup de synthés, saxos, basses et batterie qui maintiennent ce rythme hypnotique acharné. Les synthétiseurs se tordent et bourdonnent comme du magma percolant. Une variété de sons, une guitare et une basse fortes, des effets sonores étranges, des voix obsédantes et bien plus encore. Le jeu de basse pulsé de Dave Anderson, le saxo énergique et ses sons manipulés par Nik Turner, les effets électroniques, les voix bizarres et les réverbérations accrocheuses de guitare rendent cette chanson unique en termes d'espace. Commençant par un synthétiseur à balayage (Del Dettmar sur un VCS3, mais pour l'électronique, Dikmik est également crédité de 'Audio Generator'), le groupe emmène l'auditeur dans un voyage implacable à travers le cosmos, avec des chants répétitifs et des jams sans fin.
Les percussions d'Ollis et les riffs constants de la guitare sont des exemples de la profondeur de l'héritage immédiat du garage rock et du psychédélisme des années 60, les motifs essentiels du groupe: mais il y a aussi des signes de progression vers de nouveaux territoires étranges dans la façon dont l'ensemble du groupe parvient à créer une atmosphère surnaturelle, et plus spécifiquement, l'entrée du générateur audio pertinente qui résume à la fois l'excitation et la terreur de voyager à travers l'espace, à travers des ténèbres mystérieuses qui pourraient aussi bien vous apporter joie ou destruction. Parfois, la cacophonie qui en résulte semble captivante, d'autres fois elle a tendance à sembler amateur, mais une chose est claire, elle est définie par un engagement sérieux envers les explorations psychédéliques de la musique.
La piste se déplace dans un riff lourd, entraîné par la guitare et la basse, planant sur les ailes d'un synthétiseur analogique chaleureux. Le saxophone de Nik Turner est astucieusement tissé dans le barrage du son, ajoutant un sentiment d'excentricité et d'individualité au son autrement austère et effronté. Les synthétiseurs sont superbes, bouillonnants et planant au-dessus du mix d'une manière incroyablement cinématographique.
Ensuite, un enchaînement presque 'Floydien' avec "You Know You're Only Dreaming" suit presque instantanément le psychédélisme incessant du morceau précédent, avec une ambiance excitante, des percussions légèrement jazzy de Terry Ollis, le jeu de flûte wah wah de Turner et des guitares spacieuses et liquides de Brock.
Les amateurs de "Piper At The Gates Of Down" n'ont aucune raison d'ignorer cette piste. L'approche décousue de "Interstellar Overdrive" se trouve ici et c'est vraiment génial. "Hawkwind" est probablement arrivé quelques années trop tard mais malgré tout, c'est une piste merveilleuse. C'est une piste qui introduit une musique plus mélodique et plus douce, pour ensuite développer une sorte de jungle sonore ambiante rassemblant différents types d'instruments. C'est une autre bonne jam, mais avec plus de guitare cette fois.
Le son de flûte manipulée de Turner caresse cette piste avec une beauté subtile, créant un paysage sonore sur lequel le reste du son du groupe est construit. La jam improvisée de ce morceau se déplace dans des vagues sonores géantes, combinant des timbres cassants et déformés avec des timbres doux et aspirés pour créer un paysage musical dense. Une fin vraiment magique résumant la piste avec un drone ambiant de saxophone et de guitare, suivi d'un rugissement tumultueux du son du groupe et d'un tourbillon de voix manipulées.
La chanson utilise le riff et le feeling de "Jackson-Kent Blues" du Steve Miller Band sur "Number 5", un artiste que Brock a reconnu comme ayant une influence sur lui. Cela aussi a été enregistré pour la session 'BBC Sounds of the Seventies' et est apparu en live à différents moments de leur carrière, notamment 'The 1999 Party '(1974) et 'The Business Trip' (1994).
C'est toujours une piste trippante mais sur un format plus solide. Principalement instrumentaux, tous les musiciens semblent trouver de l'espace pour se dégourdir les jambes sans diluer la direction de base. Brock improvise avec Turner, qui utilise le saxo filtré pendant la majeure partie du morceau. La fin apaisante est réglée avec de vrais saxophones, où vous semblez être entraîné dans l'espace profond sans destination. L'une des pistes les plus fortes ici.
Ici, un chanteur à double piste automatique (Turner ou Brock?) chante les mots, légèrement secoués par l'effet ADT. Cela donne lieu à une merveilleuse jam vraiment en studio pour laquelle Hawkwind était célèbre. Cette jam comporte beaucoup d'espace ouvert, avec des instruments suspendus aux battements de batterie dans le style le plus limpide, mais jamais de manière non musicale.
Cette mini-épopée est beaucoup mieux sous la forme éditée comme on le trouve sur certaines compilations.
Vient ensuite l'une des premières chansons de Metal Spatial de l'histoire, le destructeur "Master of the Universe", plus caustique et énervé, qui ramène l'auditeur directement aux galaxies. Les airs de musique sont basiques, simples mais le résultat est agréable. Elle n'est, cependant, pas fantastique, du moins dans cette version, et sonne même plutôt bâclé.
Plus lente que ses différentes futures versions live, la mélodie est formidable et pourrait facilement servir d'hymne aux guerriers de la galaxie. L'introduction avec les instruments apparaissant un par un est super, le chant apporte une touche mystique et les improvisations jazzy au milieu de la chanson fonctionnent très bien.
Ce classique live, apparemment joué à presque tous les concerts à ce jour, n'en est pas moins brillant, l'excellent riff de basse de Dave A étant tellement accrocheur. Son rythme bat sans cesse avec des basses et des tambours incessants et la guitare fuzz sonne métallique.
C'est l'un des points de repère déterminant du genre, produit d'un des moments où Dave Brock et Nik Turner ont pu s'asseoir et travailler ensemble: Tout commence sur un riff de guitare languissant autour duquel le groupe construit un environnement fantastique avec tous les sons spacieux du générateur audio et du synthé, des tambours hypnotiques et une riche et belle ligne de basse. En plus de cela, Nik Turner fait sa magie, en chantant ou en improvisant avec le saxophone. Le morceau se caractérise par plusieurs arrêts après lesquels le groupe décolle à nouveau, laissant l'auditeur anxieux pour une nouvelle séquence de sax déformé, de la guitare ou des voix plus étranges. Il présente même un peu de phasage pour faire bonne mesure. L'ambiance doit beaucoup à un travail sérieux en studio avec deux pistes de guitare rythmique (distorsions différentes), deux pistes de sax improvisation (également toutes deux filtrées) et des voix en arrière.
"Masters of the Universe" se termine par une explosion déformée, une conclusion appropriée à la psychédélie explosive qui a été explorée.
Et puis, des cendres du martèlement incessant de "Masters of the Universe", monte le phénix de "We Took The Wrong Step Years Ago", projetant des rayons de guitares acoustiques 12 cordes chatoyantes sur les oreilles de l'auditeur. Ce point culminant incroyablement émouvant déplace l'album immédiatement dans une direction plus douce et plus réfléchie, un peu folky, agissant comme une sorte de révélation dans l'abîme des guitares martelantes et de la batterie agressive qui l'entoure. Le son acoustique est chaleureusement accueilli après la cascade de distorsions agressives, et le scintillement des guitares ajoute un contraste bien nécessaire au disque. Les paroles de cette chanson sont d'une belle simplicité, un appel important aux citoyens de la terre à prendre soin de leur habitat.
Cette piste qui semble refléter les préoccupations environnementales qui se posaient à l'époque est une complainte pour la direction que l'humanité a prise qui apporte un changement de rythmes entraînants et convaincants avec ses passages de guitare acoustique dominants, se penchant ainsi un peu plus près de l'Acid Folk.
Le début folklorique est accompagné de mouettes qui sont finalement remplacées par le synthé produisant des sons similaires. Le reste du groupe se joint brièvement à mi-chemin, mais laisse finalement le synthé tout seul.
Ceci est suivi de "Adjust Me" qui n'est qu'une bouffée de folie improvisée et donc moins structurée. Le morceau est tout simplement étrange et progressif dans sa structure abandonnant les marques de rock familières, mais s'intègre bien dans l'album en générant des paysages sonores éthérés.
C'est une piste trippante où le groupe fait le pont entre le pur Psyché et le Space Rock, avec un générateur audio et un saxo filtré en vedette. Ce morceau est tout simplement incroyable, un ensemble instrumental mi-chaotique mi-dramatique d'humeurs cosmiques dans lequel le saxo déformé et le synthétiseur de générateur audio occupent une place centrale parmi le schéma sonore sauvage qui continue de se développer avec une volonté de fer. Hawkwind déclare une alliance sonore avec Pink Floyd de l'époque "Ummagumma" et ​​le Krautrock de leurs cousins Allemands.
C'est également l'un des premiers exemples de l'utilisation de voix manipulées par le groupe, résultant en une interprétation robotique intéressante.
"Adjust Me" suit un format similaire aux précédents jams psychédéliques qui sont présentés sur l'album, mais cette fois il y a une approche patiente et plus subtile de l'improvisation. Cette piste a plus une saveur exotique que les jams précédentes,qui est créé par le manque de distorsion et l'abondance d'instruments acoustiques qui caractérisent son son.
Le disque se termine magnifiquement avec "Children Of The Sun", qui ressemble à une version plus douce de "Master Of The Universe", avec un chant acoustique à la guitare sur les rêves de liberté spirituelle, très hippie.
Le Space Rock est entré à l'avant-garde du Rock avec cet effort incroyable des 'Space Gods" d'Hawkwind. Une grande partie du matériel de cet album sera utilisée dans l'épopée live "Space Ritual". Del Mik, Brock et Anderson sont à l'apogée de leurs pouvoirs sur ce classique.
Cela sonne différemment du reste de l'album, et en tant que dernier morceau, cela peut marquer les esprits. Il n'utilise que trois instruments: une guitare acoustique stable et grattante, une guitare électrique subtile et une flûte qui sonne comme si elle venait de sous l'eau.
Cette chanson avec un riff lent et une flûte spacieuse qui mélange Folk Rock et encore Psychédélisme aurait mérité un traitement plus long. Enregistré probablement pour être un morceau radiophonique, quelque chose a dû mal se passer et la chanson n'a pas été produite.
Cette piste résume avec brio le son du disque, avec un riff de guitare et de basse répétitif, légèrement agrémenté d'un son de flûte aspirée et des profondes réverbérations d'un gong. Cette charmante résolution de l'album laisse le disque s'envoler dans la platine, un souvenir du voyage qui a eu lieu qui conclut l'album avec le son hippie Acid Folk qui se retrouve dans tout l'album.
Plus de voix de réverbération inversée, la voix de Brock est exceptionnelle. De belles flûtes wah-wah contribuent à ajouter suffisamment de procédure pour que Black Sabbath vole rapidement le son et le mette sur leur propre "Planet Caravan", leur propre offre spatiale.
"Children Of The Sun" sonne comme une introduction d'une épopée qui n'existera jamais. Une bonne chanson spatiale qui aurait mérité bien plus si elle avait été prolongée de manière appropriée.

"In Search of Space" a remporté un grand succès commercial, atteignant le numéro 18 dans les Charts des albums Britanniques. Cet opus a offert un raffinement de l'image et de la philosophie du groupe avec la permission du graphiste Barney Bubbles et de l'écrivain de presse underground Robert Calvert, comme décrit dans le livret Hawklog qui l'accompagnera, qui sera ensuite développé dans le spectacle scénique "Space Ritual". L'auteur de science-fiction Michael Moorcock et la danseuse Stacia ont également commencé à contribuer au groupe.
C'est l'un des albums emblématiques du début des années 70, mais ce n'est pas encore un chef-d'œuvre, certains moments sont même un peu difficiles pour les auditeurs et le groupe s'est heureusement avéré capable de produire une musique encore bien meilleure.
Hawkwind a eu de nombreuses années et de nombreuses autres versions pour développer leur son, mais alors que bon nombre de leurs albums suivants sont magistraux, chaque version ultérieure les a éloignés de la véritable puissance cosmique de leur son spatial d'origine. Ce sera dans "Doremifasol Latido" et d'autres albums suivants que le groupe concrétisera sa voie musicale dans sa définition ultime, mais "In Search Of Space" montre que le groupe n'est pas seulement sur la bonne voie, il est assis au bon endroit de où le point culminant et les progrès ultérieurs peuvent être correctement démarrés.

Un peu après la sortie du disque, le groupe a changé de batteur et de bassiste, en prenant Simon King (qui restera pendant une décennie) et
Ian Fraser 'Lemmy' Kilmister (Lemmy étant un surnom venant de Lemme, abréviation de Let me a few money, qui viendrait du fait que, dans sa vie de jeune adulte, il était fauché et demandait sans cesse de l'argent à ses amis, qui ont immortalisé ainsi ce détail en le surnommant Lemmy) qui n'avait jamais joué de la basse auparavant. Robert Calvert a lentement assumé un rôle plus important en tant que chanteur juste pour avoir une dépression qui l'a hospitalisé.

Dik Mik avait quitté le groupe, remplacé par l'ingénieur du son Del Dettmar, mais a choisi de revenir pour cet album donnant au groupe deux joueurs d'électronique. Le bassiste Dave Anderson, qui avait fait partie du groupe Allemand Amon Düül II, avait également rejoint et joué sur l'album mais était parti avant sa sortie en raison de tensions personnelles avec certains autres membres du groupe. Anderson et Lloyd-Langton ont alors formé la formation éphémère Amon Din.
Pendant ce temps, Ollis démissionne, mécontent de la direction commerciale dans laquelle se dirigeait le groupe.

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L'ajout du bassiste Ian 'Lemmy' Kilmister et du batteur Simon King propulsa le groupe vers de plus hauts sommets.
L'un des premiers concerts du groupe a été un avantage pour les Greasy Truckers à The Roundhouse le 13 février 1972. Un album live du concert, "Greasy Truckers Party", est sorti après avoir réenregistré la voix.

Un single, "Silver Machine", a également été édité, atteignant le numéro 3 dans les Charts Britanniques.

Cela a généré des fonds suffisants pour l'album suivant "Doremi Fasol Latido", Space Ritual tour. Le spectacle mettait en vedette les danseuses Stacia et Miss Renee exécutant généralement des seins nus ou portant uniquement de la peinture pour le corps, l'artiste mime Tony Carrera et un spectacle de lumière de Liquid Lenet a été enregistré sur le package élaboré Space Ritual.

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"Doremi Fasol Latido" est sorti en Novembre 1972 sur le label United Artists. Enregistré au pays de Galles, dans les studios Rockfield, au Pays de Galles, entre Septembre et Octobre 1972, il est produit par Dave Brock et Del Dettmar. L'enregistrement a été rapide! Ce qui explique vraisemblablement que la production de l'album soit aussi moyenne, le son est caverneux, monolithique, et, sincèrement, ne reflète pas totalement la puissance de feu du groupe.

Hawkwind est alors constitué de Dave Brock au chant, à la guitare électrique et acoustique; de Lemmy Kilmister (basse, choeurs, chant sur un titre); de Nik Turner (saxophone, chant); de Dik Mik et de Del Dettmar ((synthétiseurs); de Simon King (batterie); et, sur scène, d'une certaine Stacia, une danseuse plantureuse qui évoluait nue ou presque, peinturlurée, pendant les concerts, partie intégrante de l'univers d'Hawkwind.

La nouvelle section rythmique composée de Lemmy et Simon King a un style notablement bien différent de la précédente. Cela a changé la direction musicale globale du groupe. Lemmy était un guitariste incompétent avoué qui a utilisé le volume et la mise en scène pour couvrir son manque de capacité. Il est devenu bassiste par accident après avoir rejoint le groupe, pensant qu'il remplaçait Huw Lloyd-Langton. Lemmy a dit: "...Je connaissais le guitariste car il a pris huit comprimés d'acide et ensuite on ne l'a plus vu depuis cinq ans...".

Cependant, Dave Brock a décidé de jouer le rôle principal et de continuer sans deuxième guitariste. Le bassiste de Hawkwind ne s'est pas présenté et Lemmy était disponible. Il a dit: "...J'ai appris à jouer de la basse sur scène avec Hawkwind… Je sors sur scène avec cette basse autour du cou, et c'était aussi une Rickenbacker. Le bassiste, comme un idiot, a laissé sa basse dans le camion. J'apprends donc. Nik Turner dit de faire des bruits en E. Celui-ci s'appelle 'You shouldn't Do That'...". Puis il s'éloigne.
Cela a, par conséquent, conduit à la technique très peu orthodoxe de Lemmy. Celui-ci a déclaré: "...Je ne joue pas comme un bassiste. Il y a de temps à autre des plaintes à mon sujet. Ce n'est pas comme avoir un bassiste; c'est comme avoir un guitariste profond...".

Les percussions de King étaient plus rythmées et 'rock' que celles d'Ollis qui étaient plus jazzy.

Rockfield Studios était à ses balbutiements et l'environnement à l'époque était spartiate, Lemmy expliquant qu'ils "...l'ont enregistré dans la grange, avant de le moderniser, avec des matelas sur les murs et tout ça...". Certains membres du groupe ont exprimé des inquiétudes quant à la qualité de la production, Simon King estimant que "...Cela sonnait comme si toutes les basses étaient éteintes, votre ampli ne fonctionnait pas correctement et votre chaîne stéréo était groupée en même temps...". et Lemmy ajoutant "...Ce n'était tout simplement pas très bien enregistré. C'était tout mince et minuscule...".
Dave Brock a expliqué leur méthode de travail: "...Nous avons enregistré la basse, la guitare, la batterie et le chant ensemble, donc c'est aussi live que possible, puis nous avons mis les autres choses après ... Nous avons simplement laissé les bandes tourner et jouer comme nous faisons quand nous jouons en live; faites une piste de trois heures, puis découpez-la en morceaux, utilisez un morceau comme section complète, et joignez-le à un autre morceau avec un lien de synthétiseur ou quelque chose ... C'est improvisé, mais c'est ensemble en premier lieu...".

De nouvelles versions acoustiques de "Down Through The Night" et "The Watcher" ont été incluses dans "The Road to Utopia" (2018), produites et arrangées par Mike Batt avec des orchestrations supplémentaires, et une apparition comme invité d' Eric Clapton sur "The Watcher".

Le package de la pochette a été à nouveau réalisé, assemblé et intitulé par le graphiste Anglais Barney Bubbles (qui a conçu également le poster inclus dans la version originale du disque) et c'est une continuation sur des thèmes qu'il a introduits avec "In Search of Space", réalisé et culminant dans le Space Ritual. Le titre fait référence à l' attribution de syllabes aux pas de l' échelle diatonique ( Do-Ré-Mi , etc.). Il fait allusion à la musique des sphères sur laquelle Barney Bubbles expose:
Le principe de base du vaisseau spatial et du rituel spatial est basé sur le concept pythagoricien du son. En bref, cela a conçu l'Univers comme un immense monocorde, avec sa corde unique tendue entre l'esprit absolu et à son extrémité inférieure - la matière absolue. Le long de cette chaîne étaient positionnées les planètes de notre système solaire. On pensait que chacune de ces sphères se précipitant dans l'espace émettait un certain ton provoqué par son déplacement continu de l'éther. Ces intervalles et harmonies sont appelés 'le son des sphères'. L'intervalle entre la Terre et les étoiles fixes étant l'intervalle harmonique le plus parfait.
Do - Mars - rouge
Re - Soleil - orange
Mi - Mercure - jaune
Fa - Saturne - vert
Sol - Jupiter - bleu
La - Vénus - Indigo
Ti - Lune - violet

La pochette d'origine est livrée dans une pochette en feuille d'argent sur fond noir, la face avant représentant une sorte de bouclier qui est devenu une identité et qui deviendra un emblème pour le groupe, utilisée sur de nombreux autres albums et pochettes individuelles.
A l'intérieur (sous-pochette), on a un dessin représentant une horde de guerriers de type barbares dans des décors futuristes, à cheval, sur fond orangé, on distingue des soucoupes volantes dans le ciel, rétrofuturisme absolu. Le gros souci concernant cette illustration qui s'étend sur une double page est qu'elle n'est pas imprimée à l'intérieur d'une pochette ouvrante, mais sur les deux côtés de la sous-pochette renfermant le disque! Au dos de pochette, on voit une illustration spatiarte assez étrange, et avec, aussi, sur la sous-pochette, un texte assez fantasy pour illustrer le propos. Le groupe possède une dimension SF / fantasy importante, Michael Moorcock, auteur de SF / fantasy, écrira des textes, des chansons pour le groupe par la suite!
Pour le fun, voici le texte de la sous-pochette (dans le phylactère), situé dans le livret CD aussi:
The Saga of Doremi Fasol Latido is a collection of ritualistic space chants, battle hymns and stellar songs of praise as used by the family clan of Hawkwind on their epic journey to the fabled land of Thorasin. The legend tells of the Hawklords last and defeated stand against the "tyranny of the corrupt forces for law and evil", but the inner sleeve has redemption in the legend : And in the fullness of time, the prophecy must be fulfilled and the Hawklords shall return to smite the land. And the dark forces shall be scourged, the cities razed and made into parks. Peace shall come to everyone. For is it not written that the sword is key to Heaven and Hell ?
(La saga de Doremi Fasol Latido est une collection de chants spatiaux rituels, d'hymnes de combat et de chants de louange stellaires utilisés par le clan familial de Hawkwind lors de leur voyage épique vers la terre légendaire de Thorasin. La légende raconte que les Hawklords derniers ont résisté pour la dernière fois à la "tyrannie des forces corrompues pour la loi et le mal", mais la pochette intérieure a le rachat (la rédemption) dans la légende: Et dans la plénitude des temps, la prophétie doit s'accomplir et les Hawklords retourneront pour frapper la terre. Et les forces obscures seront flagellées, les villes rasées et transformées en parcs. La paix reviendra pour tous. Car n'est-il pas écrit que l'épée est la clé du ciel et de l'enfer?)...

"Doremi Fasol Latido" possède un son sensiblement plus heavy que les albums précédents sans doute en raison de l'attaque féroce des cordes par Lemmy ainsi que de la sensibilité plus Rock de King.
Puissant de bout en bout, l'album est un concept album classique du Space Rock et du Hard Rock. Le groupe n'avait pas de gros moyens à leurs dispositions et le studio Gallois de Rockfield n'est pas Abbey Road ou le Record Plant de Los Angeles, loin de là. Avec les moyens du bord, le groupe a cependant réussi un disque puissant, monstrueux même qui, malgré le son, est, finalement, quasiment parfait.

C'est un disque lourd, étouffant, cavernaux, très noir au final, mais noir comme l'infini de l'Espace que le groupe ne cesse de chanter depuis maintenant deux ans.
C'est assurément l'album qui consacre le génie d'Hawkwind, après deux albums de tatonnements. Ses ambiances sont variées, mais cette hétérogénéité apparente masque en réalité une véritable cohésion. "Doremi Fasol Latido" forme un tout, un ensemble lourd et solide, et au final un recueil d'hymnes Space Rock essentiels. Il s'agit véritablement de l'album sur lequel la présence de Lemmy est la plus visible, et son influence y est déterminante dans les sonorités lourdes du disque.

Dès son entrée au sein de l'équipage, la présence de Lemmy provoque un déclic sur la direction musicale recherchée car celui-ci fait déjà sensiblement du Motörhead avant l'heure! Son arrivée au sein du groupe en 1971-72 est effectivement une étape décisive dans l'évolution du son d'Hawkwind vers des sonorités résolument Metal, sonorités que le groupe aura quelque peu tendance à abandonner à la fin des années 70 avant d'y revenir complètement dans les années 80.

La presse musicale Britannique a chaleureusement reçu l'album, Nick Kent dans New Musical Express avouant "...J'aurais honte de dire que je ne l'aimais pas...", décrivant la musique comme un accord à court de "...l'enjoliveur cosmique à haute énergie le plus fort de ce côté de la Metal Zone ...".
Andrew Means de Melody Maker a commenté que "...Ce n'est pas de la mélodie et ce n'est pas de l'harmonie, et ce n'est pas vraiment du rythme... c'est de l'ambiguïté. C'est le sillage espacé, le torrent bruyant et gargouillis de son en apesanteur qui transforme d'abord le cercle d'images mentales, d'associations et d'impressions tirées de l'espace, du temps et de la terre... L'auditeur est autant un voyageur qu'un musicien...".
Martin Hayman de Sounds Magazine a, quant à lui, décrit la musique comme "...la basse et la batterie battent avec un rythme inébranlable, des synthétiseurs tourbillonnent et sifflent autour des riffs de blocs tonitruants dont la répétition sans fin génère cette hypnose engourdie, des voix sans accord et menaçantes incantant des paroles largement incompréhensibles. Ce n'est pas pour frapper Hawkwind: le son qu'ils obtiennent est plus épais, plus complet, plus convaincant que jamais. Son effet total est assez dévastateur, mais le moyen par lequel l'effet est obtenu n'est pas une révolution dans le son...".

L'album n'offre que sept titres, mais quels morceaux!

Le disque s'ouvre en fanfare avec la très heavy "Brainstorm" qui est la première composition solo de Turner pour le groupe, et elle comporte une section médiane étendue qui sera retravaillée au fil des ans (y compris le solo de batterie de Ginger Baker en 1980). Avant son apparition sur cet album, le morceau avait été enregistré le 2 Août 1972 au studio Maida Vale de la BBC pour diffusion sur le Johnnie Walker Show avec "Silver Machine", suivi d'une apparition sur la BBC d'une heure en concert diffusée depuis Paris Cinéma le 28 Septembre 1972. Il est presque resté omniprésent dans le set live avec de nombreuses versions live en cours de sortie, et a été repris par Monster Magnet sur leur album de 1993, "Superjudge".
"Brainstorm" est le morceau le plus long de l'album, plus de onze minutes de folie spatiale et heavy. Le morceau commence directement par un riff mortel, immédiatement suivi de la basse de Lemmy et de ruades de batterie fantastiques. Un morceau qui décolle, embarque l'auditeur dans un voyage stellaire ahurissant, une décharge d'électricité constante.
Alors que cette chanson présente une nouvelle version Rock plus Hard du Rock Spatial lancé comme un missile avec le premier album éponyme, il jette immédiatement un sort hypnotique avec le groove de basse explosif de Lemmy augmenté par les bouffonneries de guitare grésillantes de Brock. La basse est plus que marquée, semblant assurer l'essentiel de la structure du morceau. Après avoir établi un contrôle ferme, la piste se transforme en véritable gazon de Space Rock.
"Brainstorm" n'est, semble-t'il, pas sans rappeller "You Shouldn't Do That", première piste du précédent opus, même si l'on a affaire, ici, à quelque chose de foncièrement plus musclé. Le changement de personnel a été d'un grand intérêt.
En écrivant cette chanson, le saxophoniste et flûtiste Nik Turner permet de lancer un excellent groove de Rock Spatial qui permet à ses compétences de souffle de montrer une frénésie époustouflante pendant le passage de folie majeure de la piste vers le milieu.
La chanson suivante, "Space Is Deep", revient à des atmosphères plus feutrées et plus acoustiques.
Les paroles sont dérivées du poème "Black Corridor" de Michael Moorcock. La première partie vocale est une pièce acoustique jouée à la fois par Dave Brock sur une guitare 12 cordes et Lemmy avec des effets électroniques en couches, la deuxième partie instrumentale étant le groupe complet dans un entraînement électrique, revenant finalement à une coda acoustique.
Le morceau a été retiré du set live en 1973 alors que le groupe s'éloignait du show Space Ritual, ne ressuscitant que brièvement pour quelques spectacles de retrouvailles en 2000, dont une version peut être entendue sur l' album "Yule Ritual".
"Space Is Deep" est un morceau d'apparence plus reposant, le chant est posé (Brock chante bien), l'ambiance est assez spatiarte, mais aussi plus floydienne que Metal. Si on excepte un passage monstrueux avec la basse, encore, qui viole littéralement les oreilles de l'auditeur, dans son centre, faisant intervenir des synthés de Dik Mik et Dettmar.
C'est ainsi une véritable ode à l'infini de l'Espace, très influencée, par exemple, par les essais folks de Led Zeppelin et magnifiée par la voix de Brock.
"One Change" est un bref instrumental calme avec une contribution aux claviers fortement en écho de Del Dettmar. Ce morceau atmosphérique n'a qu'une importance relative, il n'est là qu'en interlude... Cet instrumental, musicalement joli est une grosse bizarrerie puisqu'il est composée uniquement d'une basse et d'un piano. L'ambiance distillée par la succession des deux derniers titres est une franche réussite: l'ambiance spatiale y est à son paroxysme, l'auditeur ne peut que s'extasier devant le Cosmos qui se présente alors à lui dans toute son immensité.
La seconde face, encore plus fantastique, démarre en fanfare avec les sept minutes apocalyptiques de "Lord Of Light". Intro stellaire, floydienne, et morceau qui, rapidement, décolle.
Ce titre est chanté par Dave Brock mais demeure plus que soutenu par la présence de Lemmy dont les lignes de basse recherchées font de cette chanson un vrai titre de Speed Hard Rock avant l'heure, toujours émaillé de quelques touches psychédéliques.
La basse de Lemmy est vraiment mortelle. Dire qu'il a empoigné la basse pour rendre service au groupe, lui qui n'était, avant, qu'un simple roadie! Sur cette chanson, la basse fait encore des merveilles et c'est elle qui mène la danse.
Une version éditée de "Lord of Light" (voir "Lord of Light" de Zelazny) est sortie en single en Allemagne en Juin 1973, soutenue par une version éditée de "Born to Go" de l' album "Greasy Truckers Party".
Ce morceau a été retiré du set live au milieu des années 1970, mais réintégré pour la tournée "Alien 4" de 1995, une version étant publiée en face B du single "Love in Space" de 1997.
"Down Through the Night" est un autre morceau acoustique, une sorte de ballade Folk futuriste écrite par Brock avec de l'électronique en couches, des flûtes et des voix à écho inversé. Pour le set Space Ritual, il comportait la bande électrique complète.
C'est une pure merveille, douce, l'exact opposé des deux morceaux qui la sandwichent sur l'album. Le chant de Brock est parfait, et les flûtes suramplifiées et les guitares sont de retour pour cette nouvelle comptine à la gloire de l'Espace.
"Down Through The Night" offre, dans les faits, un autre répit plus doux mais il ne se contente pas de copier et de dépasser "Space Is Deep", il crée plutôt un mélange angulaire frénétique d'une grosse instrumentalisation de guitare acoustique avec des sons de flûte chuchotant dans l'espace résonnant du ciel. Les vents électroniques fortifiés imitent un ouragan avec certaines des voix les plus répétées de tout l'album.
Titre Doom ralenti au son résolument Metal, "Time We Left (This World Today)" est une chanson en quatre mouvements, le premier étant un appel scandé et une réponse déplorant la direction dans laquelle la société se dirigeait dans la même veine que Brock explorait avec "We Took the Wrong Step Years Ago". Le deuxième mouvement est un passage de dissonance instrumentale menant au troisième mouvement mettant en vedette une puissante basse et un échange de guitare solo, revenant finalement au premier mouvement. Il est apparu dans le set Space Ritual avec "Paranoia" remplaçant la section centrale, et a également fait une apparition en 1989-1991 avec "Heads" comme section centrale, comme on peut l'entendre à Palace Springs.
C'est une longue jam bien Boogie sur laquelle Lemmy est encore une fois énormément mis en valeur, puisque sa basse ronronne de façon omniprésente et qu'il assure les choeurs..
Ce déluge de puissance avec une ambiance bien prenante ressemble d'ailleurs parfois à s'y méprendre aux premiers essais Doom psychédéliques de Black Sabbath. Le morceau est un petit peu long, mais quelle transe, là encore, et quelle basse! Les saxophones saturés et les phrases répétées en boucle sont de nouveau de sortie, et la fin du morceau se perd dans les constellations d'improvisations infinies lourdes et mégalithiques.
C'est une autre méthodologie complètement différente avec des riffs de guitare bluesy Heavy et des voix d'appel et de réponse des différents membres. Bien que les effets sonores électroniques soient présents, ils sont atténués en toile de fond. Les guitares sonnent légèrement désaccordées, ajoutant une touche de dissonance avant-gardiste qui permet à la piste de se développer en mouvements progressifs plus bizarres qui, malgré une puissance constante sur la piste, trouvent l'interaction instrumentale de plus en plus expérimentale et libre. Les rythmes syncopés et le chant tombent dans un brouillard psychédélique d'un groove répétitif avec des changements subtils qui évoluent en de nouvelles variations.
L'album se clôt enfin sur "The Watcher", petite chanson acoustique spacieuse avec fuzz-bass chantée par Lemmy. C'est aussi la première composition de Lemmy pour Hawkwind qui a été appelée la toute première chanson de Motorhead.Bien qu'il ne soit interprété que sur une guitare acoustique avec une basse floue, ce morceau psychédélique qui raconte la destruction de la Terre par la cupidité humaine du point de vue de l'espace, a le style de Lemmy estampillé partout.
Les paroles ont été écrites du point de vue de quelqu'un de loin (peut-être Dieu ou une race de maîtres extraterrestres) regardant les habitants de la Terre se détruire par leur propre cupidité. C'est la seule chanson de l'album qui ne figurait pas dans le set Space Ritual, mais elle a fait une brève apparition en 1973 et 1974, comme on peut l'entendre sur "The 1999 Party", légèrement réarrangé comme une performance de groupe plus uptempo.

"Doremi Fasol Latido" est devenu un véritable monument de l'Histoire du Rock et Hawkwind était au sommet de son art après que cet album soit entré en scène.
L'énergie Rock explosive de Lemmy était finalement exactement ce qui manquait au groupe dans leurs premières années et les conduira à traverser la meilleure période de leur carrière jusqu'à ce qu'un Lemmy agité découvre que la musique Heavy Metal était sa véritable vocation.
Avec le single non-album "Silver Machine" dans le top 40 et la tournée réussie, le succès énorme de cet album et la popularité du matériel qui le compose sera les principaux ingrédients musicaux de l'album live monumental du groupe en 1973 "Space Ritual", qui présentait tous les morceaux de "Doremi Fasol Latido" à la seule exception de "The Watcher".

Au plus fort de ce succès, en 1973, le groupe sort le single "Urban Guerrilla", qui coïncide avec une campagne de bombardements de l'IRA à Londres, donc la BBC refuse de le jouer et la direction du groupe décide à contrecœur de le retirer par crainte d'accusations d'opportunisme, bien que le disque ait déjà grimpé au 39e rang des Charts Britanniques.

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"Space Ritual", ou "The Space Ritual Alive in Liverpool and London" est sorti en 1973 sur le label United Artists.
La pochette est à nouveau réalisée par Barney Bubbles.

C'est le premier album live du groupe, enregistré lors de deux concerts de la tournée de promotion de l'album "Doremi Fasol Latido", donnés le 22 Décembre 1972 au Liverpool Stadium et le 30 Décembre au Brixton Sundown. Il est composé majoritairement de titres de "Doremi Fasol latido", mais comporte aussi de multiples interludes (notamment des poèmes de Robert Calvert et de Michael Moorcock) qui relient les titres entre eux pour donner un concert sans interruption.

Trois nouveaux titres ("Born to Go", "Upside Down" et "Orgone Accumulator") font aussi leur apparition sur cet album. Cependant le hit single "Silver Machine" n'est pas présent sur cet album et seul "Master of Universe" provient des deux premiers albums du groupe.

"Space Ritual" est un excellent document de la formation classique de Hawkwind, composée de Dave Brock, guitare et chant; de Robert Calvert, narration; de Nik Turner, saxophone, flûte et chant; de Lemmy Kilmister, basse et chant; de Dik Mik et Del Dettmar , synthétiseur; et de Simon King, batterie. soulignant le statut du groupe en tant que pionnier du Space Rock.
En tant que 'groupe populaire' par excellence, Hawkwind a porté l'idéalisme contre-culturel des années 60 dans les années 70, jouant constamment, jouant partout où il y avait un public, et même jouant gratuitement pendant cinq jours consécutifs en dehors du Festival de l'île de Wight de 1970. Les performances multimédias du groupe étaient l'accompagnement parfait pour explorer l'espace intérieur et imaginer l'espace extra-atmosphérique.

Bien que non concerné par les pièges matériels du Rock, Hawkwind étaient, ironiquement, parmi les groupes de travail les plus durs en Grande-Bretagne, avec en moyenne une émission tous les trois jours au cours de l'année précédant ces enregistrements. Compte tenu de toute cette pratique, il n'est pas surprenant que les performances rassemblées ici soient incroyablement abouties.

Le spectacle 'Space Ritual' a tenté de créer une expérience audiovisuelle complète, représentant des thèmes développés par Barney Bubbles et Robert Calvert mêlant le fantasme des 'starfarers' dans une animation suspendue voyageant à travers le temps et l'espace avec le concept de la musique des sphères. La performance a présenté les danseuses et danseurs Stacia, Mlle Renee, Jonathan Carney et Tony Carrera, mis en scène par Bubbles, un lightshow par Liquid Len et des récitations de poésie par Calvert. En entrant dans la salle, les membres du public ont reçu un programme (reproduit sur le CD remasterisé de 1996) avec une courte histoire de science-fiction de Bubbles mettant le groupe dans un scénario de retour sur Terre de Starfarers.

La version originale comportait des modifications et des overdubs, les notes de la pochette expliquant que "...Nous avons dû couper un morceau de "Brainstorm" et de "Time We Left" parce qu'ils étaient trop longs...", mais l' album de 1985, "Space Ritual Volume 2" contient les versions complètes non éditées. Une version éditée jusque-là inédite de "You Shouldn't Do That" (avec un "Seeing It As You Really Are" non répertorié) de ce concert a été incluse sur l' album de compilation "Roadhawks" de 1976, puis incluse en bonus sur le CD remasterisé de 1996. La version intégrale non éditée de la piste se trouve sur l' album "Hawkwind Anthology".

Le spectacle de la tournée Space Ritual avait été conçu comme un opéra de Rock Spatial, son mélange d'électronique de science-fiction, de grooves psy-fi fascinants et de jam lourde et terrestre, ponctué d'interludes de mots parlés du poète astral Bob Calvert. Bien que ses réflexions intergalactiques datent de l'album, apparaissant maintenant comme du futurisme de camp, elles fournissent toujours des préambules atmosphériques appropriés aux sons stupéfiants et déformants de Hawkwind. Le récital maniaque de Calvert de "Sonic Attack" de Michael Moorcock, par exemple, est un exercice de tension qui explose par la suite sur le remuant "Time We Left This World Today"; avec le saxo d'un autre monde de Nik Turner, la distorsion de guitare de Dave Brock et la section rythmique terrienne de Simon King et Lemmy, ce morceau offre un plan pour le matériel le plus puissant de l'album.
Un autre inédit, "Orgone Accumulator", dix minutes de Reich & Roll hypnotiques (Wilhelm) pourraient être le chaînon manquant entre Booker T. et Stereolab.
Une publicité de 1973 décrivait "Space Ritual" comme "88 minutes de lésions cérébrales"; cette caractérisation est toujours vraie.
A noter que "Sonic Attack" était prévu pour une sortie en single, des copies promotionnelles étant distribuées dans une pochette en tissu, mais il n'a jamais reçu de version complète.

Le disque est entré dans le Top 10 dans les charts Britanniques en se classant à la 9e place et il sera le premier album du groupe à entrer dans le classement du Billboard Top 200, au numéro 159, aux États-Unis.
Dans la Classic Special Edition 'Pink Floyd & The Story of Prog Rock' de Q & Mojo, l'album est arrivé numéro 8 dans sa liste de "40 Cosmic Rock Albums". L'album a également été inclus dans le livre '1001 Albums You Must Hear Before You Die' au numéro 276.

Après la sortie de "Space Ritual", le chanteur Robert Calvert s'est mis en retrait du groupe pour enregistrer son premier album solo, "Captain Lockheed and the Starfighters", et le joueur d'électronique Dik Mik Davies a quitté le groupe en 1973 après un concert donné à Rome pour s'y installer, laissant le groupe à cinq.

En Novembre et Décembre 1973, Hawkwind a entrepris sa première tournée live en Amérique du Nord avec dix dates. Pendant ce temps, Del Dettmar a acheté un terrain près de Calgary au Canada et il a signalé au groupe son intention d'émigrer plus tard, lui et sa femme enceinte.

Le groupe a continué de faire de nombreuses tournées en Grande-Bretagne et en Irlande de Décembre à Février sous la bannière "The Ridiculous Roadshow with the Silly Hawkwind Brothers". À cette époque, leur set live avait été réorganisé et contenait ce qui allait devenir la majeure partie de cet album.

Deux dates, les 25 et 26 janvier 1974, au Edmonton Sundown ont été l'occasion d'auditionner Simon House en tant que remplaçant de Dettmar, comme claviériste et violoniste. House était un ancien membre du groupe de Rock Anglais, High Tide, qui partageait la même société de management, Clearwater Productions de Douglas Smith.
Ces dates ont été enregistrées professionnellement, avec les performances de "You'd Better Believe It", "Paradox" et "It's So Easy" qui apparaitront sur l'album et les singles, mais avec des overdubs en studio.

Le groupe est retourné en Amérique du Nord une seconde fois pour une tournée plus complète de 22 dates en Mars et Avril sous la bannière "1999 Party", emmenant tout leur entourage avec eux, notamment la danseuse Stacia, MC et DJ Andy Dunkley, un spectacle de lumières de Jonathan Smeeton (Liquid Len) et le soutien, en première partie, de leurs camarades du label United Artists Records, Man.
Bien que Dettmar n'ait pas encore quitté le groupe, House a rejoint le groupe pour cette tournée, mais n'ayant pas le permis de travail approprié, ses performances étaient strictement non officielles.
Les spectacles de Chicago et Detroit des 21 et 23 Mars ont été enregistrés professionnellement, le premier étant sorti en 1997 sous le nom de "The 1999 Party".

Del Dettmar a finalement annoncé qu'il quittera le groupe après l'enregistrement du prochain album pour s'installer définitivement au Canada.
A son retour, le groupe s'est installé à Clearwell Castle, dans la forêt de Dean, dans lequel un studio d'enregistrement et de répétition avait été installé, non loin de la frontière du Pays de Galles pour répéter ses nouveaux titres.

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Hawkwind est ensuite entré dans les Olympic Studios de Londres pour enregistrer leur nouvel opus,"Hall of the Mountain Grill", en Mai et Juin, avec l'aide des producteurs Doug Bennett et Roy Thomas Baker.
Les singles principaux "Psychedelic Warlords (Disappear In Smoke)" / "It's So Easy" au Royaume-Uni et une version alternative de "You'd Better Believe It" / "Paradox" en France et en Europe ont été publiés le 2 Août, suivi de l'album le 6 Septembre.
Ces quatre morceaux sont apparus sur la réédition 2001 du CD de l'album par EMI.
Un EP avec "The Psychedelic Warlords", "Hall of the Mountain Grill", "D-Rider" et "Wind of Change" est sorti en promo aux Etats-Unis en 1974.

"Hall of the Mountain Grill", sorti en 1974, est considéré par de nombreux critiques comme un moment fort de la carrière du groupe, en studio. Il est sorti le 6 Septembre 1974 sur le label United Artists et a été produit par Roy Thomas Baker, Doug Bennett et Hawkwind.
C'est le premier album d'un nouveau line-up qui comprend Simon House au synthétiseur, Mellotron et violon électrique.
Le titre de l'album était un clin d'œil à "In the Hall of the Mountain King" d' Edvard Grieg et à un café de Portobello Road appelé The Mountain Grill (maintenant fermé), fréquenté par le groupe au début des années 1970. La couverture de la pochette, un vaisseau spatial abandonné dans les brumes d'un lagon extraterrestre a été peinte par le collaborateur artistique régulier du groupe, Barney Bubbles. Le verso a été réalisée par l'artiste spatial David A. Hardy.

Au moment de la sortie de l'album, Simon King a déclaré: "L' album Doremi manquait de production. Je n'étais pas vraiment content du Space Ritual non plus. Mais le nouveau - j'en suis assez content. J'aime la première face parce que je pense c'est quelque chose que nous n'avons jamais fait auparavant. Ouais - je suis satisfait de la moitié du nouvel album." Lemmy a commenté plus tard que "Pour moi, c'était quand le groupe était à leur apogée. Oh, et j'étais dans le groupe à l'époque." (Classic Rock, Avril 2006), le classant comme n ° 3 dans "My Top British Rock Albums".

Après avoir sorti des disques à un rythme uniforme d'un par an depuis 1970, le groupe s'est consacré à des tournées constantes pendant un certain temps (mettant en scène leur set séminal Space Ritual), ce qui a à son tour déclenché un changement d'attitude et de personnel. Le violon classique et l'épopée Mellotron joués par le nouveau venu Simon House ont introduit une grandeur presque symphonique au son de Hawkwind, renforçant les obsessions cosmiques du groupe au nième degré, comme l'illustre le paysage de rêve extraterrestre lumineux représenté sur la couverture arrière.
Avant d'entrer dans la musique, la pochette à elle seule est devenue une icône du Rock, élue comme l'une des meilleures pochettes d'album de tous les temps dans de nombreuses listes d'albums respectées. Le vaisseau spatial Hawkwind s'est écrasé sur cette couverture, un symbolisme prophétique peut-être d'albums à suivre qui manquent parfois la cible.

"Hall of the Mountain Grill" est un changement majeur dans le son par rapport à l'album studio précédent, "Doremi Fasol Latido", et c'est un excellent album, mais il peut ne pas être totalement satisfaisant pour certains amateurs très accros au groupe Hawkwind brut à l'ancienne, mais c'est quasiment un joyau Psyché Prog.
L'arrivée de House a coïncidé avec un changement de direction assez spectaculaire pour le gtroupe. Le Mellotron et le violon électrique de House ont finalement réussi à éthérifier le son de Hawkwind.
Il est vrai qu'avec cette sortie de 1974, les fans de Hawkwind ont été un peu choqués avec le nouveau son du groupe car Hawkwind est devenu plus mélodique! Les chansons ont une construction plus complexe que tout ce qu'elles ont essayé auparavant, avec des vers déclamatoires, un peu de ponts musicaux et un beau refrain mellotronné.
Pourtant, la musique est toujours indéniablement Hawkwind. Des rythmes insistants et implacables, des sons psychédéliques et un fond de Heavy Rock. Avec l'ajout de Simon House, Hawkwind a également adopté une approche très symphonique qui distingue vraiment "Hall of the Mountain Grill" des albums précédents.

A ce stade de leur carrière, c'est certainement leur meilleur opus, même si "Space Ritual" était excellent. le line up: Dave Brock, Lemmy, Nik Turner, Del Dettmar, Simon King et le nouveau venu Simon House, anciennement du groupe de Hard Rock des années 60, High Tide.
Cela semble beaucoup plus mature et professionnel. Et la pochette est tellement bien faite, particulièrement la photo au verso qui est incroyablement belle.

Les musiciens ont un sens du timing incroyable alors qu'ils font tourner une piste après l'autre. Sur ses meilleurs moments, le groupe est assez excitant avec de belles sections expérimentales.
L'ajout des Mellotrons tourbillonnants et du violon n'a fait qu'améliorer les atmosphères spatiales et trippantes du groupe.

Image Stacia

"Hall of The Mountain Grill" est un essai méritant d'Hawkwind pour ouvrir leur son dense et introduire des éléments symphoniques dans leur obscurité. Le son, en particulier le mixage de jeu de guitare à volume élevé et de claviers électroniques ("The Psychedelic Warlords", "D-Rider"), sera plus tard coopté par des groupes telles que Blue Öyster Cult ("(Don't Fear) The Reaper") et Kansas.
Le nouveau son a été mieux réalisé sur des morceaux comme "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", "D-Rider" et "Paradox". Le côté Rock est toujours bien diffusé sur des morceaux comme "You'd Better Believe It" et "Lost Johnny" (enregistré par la suite par Motörhead et aussi par le co-scénariste Mick Farren avec son groupe The Deviants), sur lequel Lemmy monte au micro! Simon House a une belle entrée en solo dans "Hall of the Mountain Grill".

La musicalité est excellente et chaque piste se fusionne pour offrir une expérience sonore globale contrairement à tout autre album de Hawkwind.
Dans l'ensemble, l'album a une qualité de production claire, nette et convenablement spacieuse, ne basculant heureusement pas dans une bouillie imbibée d'écho, chaque instrument étant clair et distinct. Cet album a marqué l'introduction par le groupe de morceaux plus ambiants et mélodiques, ou, parfois, de parties de morceaux. Ce faisant, le groupe a démontré qu'il était en fait extrêmement adaptable.
À la suite du départ de Robert Calvert, le chant principal de l'album est tenu par Dave Brock, avec Lemmy sur "Lost Johnny" et Nik Turner sur "D-Rider".

Avec l'arrivée de Simon House, Hawkwind a commencé une variation plus élégante de sa tendance psychédélique cosmique: la maîtrise de la magie de House sur le Mellotron et le violon électrique (en plus de quelques autres claviers) a contribué à ajouter une sorte de sensation orchestrale au son massivement énergique du groupe, en le décrivant de la manière la plus rafraîchissante. En fait, malgré cette nouvelle source de délicatesse sonore, la musique de Hawkwind est devenue encore plus oppressive et moins prévisible également: les couches de mellotron ont servi de complément approprié aux riffs de guitare de Brock et d'une contrepartie spatiale pour la section rythmique enthousiaste, House apportant une énorme atmosphère surnaturelle qui sert de contrepartie puissante aux efforts combinés de Brock, Lemmy et King.
Les rôles de Del Dettmar et Nick Turner semblent avoir souffert, en quelque sorte, de l'incorporation et de la contribution du nouveau venu, bien que Turner puisse encore occuper le devant de la scène de temps en temps avec quelques fioritures au saxophone (comme dans le morceau d'ouverture) et à la flûte, en plus de quelques lignes étranges sur le hautbois. La position de Dettmar était beaucoup plus menacée: malgré les ambiances productives fournies par ses parures de synthé solides pour des morceaux tels que "D-Rider" ou "You'd Better Believe It", le fait est qu'il y avait, certainement, un claviériste de trop dans le groupe. Ses interventions étaient évidemment devenues beaucoup moins pertinentes pour les attaques sonores rénovées du groupe. Il ne prendra pas trop de temps avant de prendre congé: en fait, Brock était en charge de quelques trucs synthétiques supplémentaires avant le départ de Dettmar.

Avec "Hall Of The Mountain Grill", Hawkwind s'est imposé comme un maître dans son art. Mélangeant des emprunts de Hard Rock et de Heavy Metal des années 70 avec des sons spatiaux et une construction de chansons psychédéliques, cet album allie le Hawkwind familier de l'ancien avec un nouveau style qu'ils perfectionnent. Là où, comme sur les albums précédents, le son était presque un océan de sons impénétrables et désordonnés, ce qui fonctionnait bien, ce qu'ils jouent sur le disque est beaucoup plus propre, et les voix ont enfin une place où il n'y en avait pas grand-chose pour elles auparavant. Dans l'ensemble, cet album montre Hawkwind à un moment parfait de sa carrière.
Avec le riff propre de "Psychedelic Warlords", on peut dire que le groupe a beaucoup changé; des voix harmonisées viennent prendre le relais des voix là où le groupe faisait auparavant des compromis et c'est une bonne chose car cela ajoute à cette atmosphère mondaine extérieure. Cela aide aussi parce qu'aucun de ces gars n'est un chanteur vraiment fantastique, mais mis ensemble, ils forment un mélange intéressant. Les chansons semblent avoir pris une structure plus ordonnée qui n'est ni bonne ni mauvaise, juste différente, car leurs travaux précédents sur des albums comme "In Search Of Space" semblaient beaucoup plus improvisées et cela a fonctionné dans le contexte de l'album.

Basculant de manière transparente entre les chansons chantées et les instrumentaux avec leur marque de fabrique, cet album semble toujours cohérent.
Les instrumentaux de l'album ressemblent plus à une version diabolique de Pink Floyd qu'à ce que Hawkwind fait habituellement. Des chansons comme "Winds Of Change" et la chanson titre ont une sensation très 'space' tout en conservant la poussée d'énergie de Hawkwind.
L'espace de Hawkwind est un endroit très sombre et effrayant, mais cet album est un tel voyage cosmique que l'on peut que le recommander. On peut même dire qu'il n'y a aucun autre groupe qui emmène l'auditeur dans les endroits où Hawkwind le fait.
Le meilleur album studio du groupe, issu du succès de "Space Ritual". Les racines Rock du groupe sont juxtaposées efficacement avec les fioritures de synthétiseur et les idées de chansons plus prétentieuses, créant le disque de Space Rock par excellence axé sur la guitare.

Symptômes de douleurs de croissance inévitables, peut-être, pour un groupe de musiciens étrangers soudainement affligés de succès et de renommée. Il est possible que la notoriété de leur single "Urban Guerrilla", avorté à la hâte, ait également fait peur au groupe. Quelle que soit la motivation, Dave Brock et sa société faisaient une tentative courageuse de mettre à niveau leur identité impolie et de devenir respectables.
Tous les membres du groupe sont en forme et l'écriture des chansons montre à quel point ils étaient créatifs à l'époque.
Dave Brock (chant, guitares, orgue, synthétiseurs), Del Dettmar (claviers, kalimba), Simon House (violon, mellotron), Lemmy Kilminster (basse, chant, guitares), Simon King (batterie) et Nik Turner (sax, hautbois) , flûte, chant) font un excellent travail avec les instruments. On entend de beaux accents, des violons, des saxos et quelques sons spacieux dans une musique Hard Rock plus brute. Ce n'est absolument pas du Prog Symphonique mais une autre facette de ce paradis.

Cet effort n'a pas de moments faibles et la brutalité de la musique est unique car ce n'est absolument pas du Metal ou juste du Hard Rock. Il semble avoir été inspiré par des groupes de Krautrock mais aussi du pur Rock'N'Roll. Il a un son intéressant.
De l'ouverture d'auto-mythologie "The Psychedelic Warlords (Disappear In Smoke)" jusqu'au délire d'un"Paradox", "Hall Of The Mountain Grill" est un album passionnant, cohérent et parfois même magnifique.

Les choses commencent bien avec l'excellent morceau d'ouverture, "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)", qui est un exemple clair du son classique rafraîchi du groupe. Psychédélique et Hard, il est propulsif comme l'enfer avec des ondes électriques, donnant naissance au riff de guitare menaçant, une bonne jam, les mucisiens tous dans le groove avec Simon House et Nik Turner qui se démarquent.
C'est l'exemple suprême de l'attrait de Hawkwind, un voyage spatial à la fois entraînant et mélodique qui accroche l'auditeur et le jette carrément dans le vide.
L'effrayante et courte intro est superbe dans sa construction. Le chœur de voix commence à chanter le thème de la chanson, envisageant les possibilités d'échapper à la grisaille de la vie quotidienne. Le motif construit se transforme en une longue improvisation hallucinogène, avec les mélodies de saxophone dissonantes et un beau solo de saxo de Turner, quelques lignes de basse proéminentes de Lemmy, des passages instrumentaux surréalistes intéressants et un écho chaotique révéré. Cependant, il est également syntonisé avec un pont musical accrocheur. L'excellent riff de guitare est souligné par le Mellotron, et une belle improvisation au saxophone par Nik Turner à mi-chemin de la chanson. Tout dérive dans une jam psychédélique, atteignant un point optimal.
Son motif rythmique est devenu, en quelque sorte, une déclaration officielle du Space Rock avec la guitare rythmique typique et un rythme simple mais efficace dans une ambiance brumeuse avec des effets d'écho atmosphériques pour briser la monotonie.
La chanson disparaît dans un épais mur de vent soufflant, qui évoque alors un très beau et dramatique morceau instrumental, mélodie principale dessinée par un violon sur des reflets orchestrés.
"Psychedelic Warlords" apparaît sur bien d'autres albums, mais c'est sans aucun doute la meilleure version, tordant et tournant bien plus que les quatre dimensions habituelles, et explosant littéralement dans le sombre paysage sonore de "Wind of Change", le Hammond annonçant quelque chose comme une version plus sombre de "A Saucerful of Secrets" (la section vocale), magnifiquement construite, la basse de Lemmy fournissant une énorme quantité de pulsion, et des accords douloureux balayant le multivers du plaintif Mellotron de Simon House.
Quant à leur penchant pour alterner des morceaux de Rock avec des morceaux électroniques, quel meilleur manuscrit que le morceau suivant, le fabuleux "Wind of Change", une belle pièce ambiante majestueusement symphonique, mais alourdie par une mélancolie cachée alors que les Mellotrons explosent en avant, le violon House caresse les horizons sonores avec une habileté remarquable, un classique du rock progressif.
Avec cet excellent jeu de claviers, ironiquement, c'est probablement le meilleur morceau du disque. L'aventure symphonique instrumentale est, en quelque sorte, une vitrine de la finesse de House au violon, tandis que Brock affiche les accords de base à l'orgue d'une manière très Pink Floydien.
C'est un beau morceau, même s'il n'est pas caractéristique et bien plus symphonique que ce à quoi on est habitué dans ce groupe. Il utilise des couches de synthétiseurs lents et des violons pour créer une ambiance aérienne et mélancolique.
Il s'ouvre sur une explosion alors que des vents violents entrent en jeu. L'orgue et les synthés font une introduction fantastique. La batterie entre ensuite légèrement, bientôt rejoint par le violon de House. C'est tellement relaxant et beau à la fois. Il se termine par des synthés spatiaux.
Spacieux, glorieux, c'est presque du 'Morricone'. Cette chanson rappelle dramatiquement l'atmosphère fabuleuse de "The Good, The Ugly and The Bad" ou de "Once Upon A Time In The West". Superbe violon et thème fantastique et hypnotique.
Jonathan Smeeton (Liquid Len) a déclaré que Brock avait spécifiquement écrit "Wind of Change" pour une séquence de diapositives particulière qu'il avait eue lors de la tournée Space Ritual (un arbre englouti par une ville, puis la ville s'effondrant avec l'arbre restant).
Les compositions sont toutes très bien travaillées et agréables comme le très mélodique et plutôt surprenant "D-Rider" qui est la composition de Turner, avec une intro de saxophone quasi primitive façon Roxy Music qui s'installe dans un autre voyage cosmique, mis en valeur par un jeu de batterie grinçant au milieu des synthés vaporeux et des riffs de guitare.
Cela rappelle les débuts de Pink Floyd, sauf pour les synthés spatiaux avec le Mellotron.
"D-Rider" propose des claviers planants luxuriants. Le riff de guitare est encore une fois très typique. En fait, Hawkwind est si heureux de jouer ce strumming rythmique d'inspiration moyen-orientale qu'ils l'ont surfait et ont utilisé exactement le même riff et le même rythme sur le dernier morceau de l'album, "Paradox".
La chanson oscille entre dépressions internes anxieuses et explosion de soulagement en vers cosmique grandiose, mais quelle mélodie vocale!
Les voix fortement phasées et tourbillonnantes évoquent l'ère psychédélique, tandis que les accords plutôt tonitruants suggèrent du Heavy Metal beaucoup plus tardif, des tambours pétillants et un accompagnement riche qui vont hardiment là où aucun groupe n'est jamais allé auparavant, dans les dimensions intérieures de votre esprit; reliant cela à l'univers extérieur, le sax éthéré de Turner et le rythme tranchant de Brock attaquent brillamment les champs de bruit denses, tandis que les lignes de basse de Lemmy se tordent et enroulent des flux de conscience à travers les éthers des générateurs de sons toujours sifflants et hurlants.
L'agréable Space Folk "Web Weaver" avec une guitare acoustique et une foule de sons qui descendent du ciel apporte une détente momentanée avant de se perdre dans l'espace.
C'est une courte chanson sur un thème de Hawkwind avec une première moitié forte et une seconde moitié instrumentale sous-produite. Les célèbres paysages sonores électroniques prenant une chanson par ailleurs assez simple aux proportions cosmiques, l'ambiance est relevée avec un petit piano de style gospel et des harmonies vocales épaisses.
Ce morceau sonne presque San Francico vers 1968, Hippy-Trippy avec une jam fulgurante qui est des plus concluantes.
Il utilise aussi exactement les mêmes idées que "Paradox", mais cette fois, c'est la mélodie vocale qui est copiée. Il rappelle un peu "You Know You Only Dreaming" de l'album "In Search of Space".
La seconde face du vinyle commence par le punch classique plus Heavy de "You'd Better Believe It" qui est tiré d'un concert live et il a un son différent de celui du studio. Il représente assez bien le Space Metal du groupe à cette époque.
C'est un morceau assez simple avec un son Hawkwind classique, mais c'est vraiment bon.
Il s'ouvre avec un travail de synthés spatiaux qui sonne presque avant-gardiste, au fur et à mesure que la batterie entre en jeu. King joue magistralement en fournissant une confusion rythmique jusqu'au début des vocaux. Il prend un son plein rapidement. C'est un voyage fantastique et sauvage et le rythme magnifique s'accentue.
Les voix sont fournies par Dave Brock et Lemmy en harmonie, et les mélodies quasi orientales évoquent des parties de "Brainstorm". Il y a un étrange optimisme qui brille à travers les paysages sonores sombres et des voix de synthé dérangeantes, alors que les rythmes s'accélèrent et ralentissent, prouvant que l'instabilité est familière à toutes les chansons de Hawkwind, Lemmy et King fonctionnant parfaitement en tandem sous les accords de puissance de Brock. Un violon plane au-dessus de cette texture, donnant une étrange saveur Country et occidentale que l'on penserait ne pas pouvoir fonctionner, mais TOUT fonctionne dans le monde sonore de Hawkwind. Une section médiane donne aux musiciens une scène pour étendre leur métier.
C'est certainement l'un des meilleurs morceaux avec des riffs de guitare tueur et un mur de sons avec des guitares fuzz et des saluts de batterie chargés partout. C'est un véritable 'blitz' progressif.
Ce n'est pas une musique complexe mais très puissante, surtout dans un contexte live. C'est, d'aillieurs la chanson que le groupe a aimé jouer en live à de nombreuses reprises.
Le joli morceau "Hall Of The Mountain Grill" est une composition qui recherche à nouveau la beauté interstellaire au milieu des tempêtes cosmiques. C'est la seule composition de Simon House, une sonate instrumentale sombre et dramatique au piano, qui rappelle une scène d'un film de science-fiction teinté d'horreur.
Il est tout simplement étrange et progressif dans sa structure abandonnant les marques de rock familières. En fait, il sonne étrangement comme le thème de "Picnic at Hanging Rock" où les écolières escaladent la montagne vers leur destin en disparaissant mystérieusement de la planète.
C'est en fait une courte transition sombre emmenée par le piano et la guitare dans laquelle un violon multicouche et un mellotron éthéré suivent les progressions d'accords de piano à queue: un autre moment de soulagement, construit cette fois dans une pure beauté romantique.
Ce morceau est là pour rappeler une certaine réminiscence avec la musique spatiale. Aérien et plein de tranquillité.
Les textures somptueuses de la chanson titre sont une sorte d'introduction luxuriante et satie-esque à "Lost Johnny" qui est quelque chose de complètement différent, brut mais accrocheur, composé et chanté par Lemmy, mais habillé en sons de Hawkwind.
Un Rock assez sympathique et efficace avec une légère touche bluesy prédisant sa prochaine carrière chez Motörhead, mais s'écartant peut-être un peu du sentiment plus réfléchi et plus élancé des autres chansons de l'album.
Pour le moment, sa voix n'est pas aussi rocailleuse que dans Motörhead. Un gros morceau de rock éraflé, que le bassiste réutilisera plus tard dans une version accélérée sur le premier album de son futur groupe.
C'est un conte sombre et effrayant qui est prétendument à propos d'un personnage qui a traîné dans le bosquet de Ladbroke. Les références constantes à la drogue en font un compte rendu particulièrement déchirant du côté sombre de cette célèbre scène underground de la fin des années 1960 à Londres.
Poursuivant sur ce thème, un morceau servant d'intro au suivant, "Goat Willow" est un court instrumental éthéré et obsédant composé par Dettmar avec un somptueux duo de flûtes en écho de Turner qui alimente directement ce qui est probablement le meilleur morceau de l'album, "Paradox".
C'est juste une courte vision auditive particulière, une brise synthétique qui sert d'intermède: Clavecin, synthés et flûte ouvrent la voie avec un gong de King.
Cet album classique impressionnant se termine par le morose "Paradox" qui imite à peu près la structure de "Psychedelic Warlords", bien qu'il soit moins puissant. Il sonne aussi similaire à "D-rider" au début, mais il contient un passage puissant avec un riff space metal efficace.
Cette chanson a des paroles métaphoriques vraiment brillantes, et la composition elle-même se construit à partir de progressions d'accords mineurs puissants mais simples.
Enregistré à partir d'un concert live, elle commence avec un riff typique de Hawkwind, Lemmy serpentant l'une de ses célèbres lignes de basse autour des rythmes martelés de la guitare de Brock. Viennent ensuite les voix et les cordes harmonisées, les tambours faisant à peine sentir leur présence jusqu'au moment où la chanson explose dans la fureur de l'espace punk, s'adoucissant pour les lignes hypnotiques: "...Down, down, round and round you go...", et la détente dans la musique permet de ressentir cette sensation toujours plus profonde, tourbillonnante et tournante, disponible chez pratiquement aucun autre groupe dans l'Histoire de la musique Rock.
Cela permet au groupe d'ouvrir la séquence d'improvisation plus Rock qu'après le récital des débuts. Un ensemble de Mellotrons a également été amené sur scène, et c'est l'une des plus belles chansons du groupe.

Cet album est un autre favoris des fans de Hawkwind et avec raison. Il est amélioré par les versions précédentes, mais c'était l'une des dernières fois que tout semblait fonctionner parfaitement pour Hawkwind.

"Hall of the Mountain Grill" se classe à la 16e place des Charts Britanniques et sera certifié disque d'argent (60 000 exemplaires vendus) en 1978. Aux États-Unis, il se classe à la 110e place du Billboard 200.

Les examens rétrospectifs ont été généralement positifs. Bien qu'ils aient critiqué la chanson titre, Allmusic a appelé "Hall of the Mountain Grill" Le meilleur album studio du groupe" et "le disque de rock spatial par excellence orienté guitare". Head Heritage était beaucoup moins impressionné, affirmant que les départs de Robert Calvert et Dik Mik étaient des pertes que Hawkwind ne pouvait pas compenser à distance, et que l'album entier "a la sensation indéniable d'un album provisoire sorti à moitié désespérément pour garder la machinerie de tournée constante de Hawkwind bien graissée". Ils ont toutefois ajouté que les deux morceaux live de l'album sont les points forts du catalogue Hawkwind.
ImageDave Brock

Une tournée Européenne de neuf dates fin Juin a été entreprise. Cependant, le batteur Simon King s'était fracturé quelques côtes en jouant au football, interdisant sa participation, alors il a nommé son ami Alan Powell pour le remplacer aux dates. À la fin de la tournée, King avait suffisamment récupéré pour reprendre le jeu aux côtés de Powell, et le groupe était assez content de l'arrangement de deux batteurs que Powell a été intégré à la formation permanente du groupe. À la fin de la tournée, Dettmar est finalement parti.

Le groupe est revenu pour une troisième tournée en Amérique du Nord en Septembre, mais à leur cinquième rendez-vous à Hammond, Indiana, le 7, leur équipement a été saisi par l'IRS et ils ont reçu une facture pour les taxes impayées de leur tournée précédente. Une impasse s'en est suivie et la bande a finalement continué la tournée un mois plus tard après que tous les problèmes aient été résolus.

Tout au long de l'année 1974, Hawkwind a fait de nombreuses tournées au Royaume-Uni, en Europe et en Amérique du Nord, leur set étant principalement composé de l'album "Hall of the Mountain Grill".
Fait inhabituel pour eux, aucun nouveau matériel n'a été introduit à l'exception de certains poèmes de Michael Moorcock basés sur son personnage fictif d'Elric, apparu sur l'album live de 1974 "The 1999 Party".

De Décembre à Février, le groupe s'est lancé dans une série de dates Britanniques connues sous le nom de tournée "A Dead Singer" après l'histoire de Moorcock publiée dans le programme de tournée d'accompagnement, avec Dr Feelgood en première partie:
Selon Wilko Johnson: "...Nous et Hawkwind étions une affiche formidable. Nous venions d'être signés par United Artists, le label de Hawkwind. UA voulait nous faire vivre un peu d'expérience dans les grandes salles. C'est là que j'ai rencontré Lemmy pour la première fois. qui s'est avéré être un bon copain...".

Comme le groupe devait un dernier single à United Artists pour conclure son contrat d'enregistrement, pendant une pause à mi-tournée, ils sont entrés aux Olympic studios les 5 et 6 Janvier où ils ont enregistré "Kings of Speed", écrit par Brock, qui comportait des paroles écrites par Moorcock initialement destinées à être incluses sur son album "New Worlds Fair", "Motorhead" de Lemmy et "Spiral Galaxy" de House.
Les deux premiers ont été sélectionnés pour le côté A et B respectivement, et le single est sorti le 7 Mars.

Lors de la reprise de leur tournée au Royaume-Uni, Brock a exprimé sa désillusion face à la popularité du groupe en déclarant que "...ça devient comme une guerre...", préférant sa vie avec sa femme Sylvie et leurs deux enfants dans leur ferme Devon de dix acres, négociant sous un pseudonyme dans un communauté qui ne savait rien de son association avec la musique Rock.
Il a révélé la discorde croissante au sein du groupe, "...vous ne croiriez pas certaines des scènes qui se passent dans les coulisses. Toutes les putains de querelles, les gens perdent leur sang-froid...". Il a particulièrement critiqué Turner tant sur le plan musical ("...Certains soirs, j'ai débranché ma guitare et j'ai traversé la scène pour trier Nik. Il continue de jouer du saxophone quand je chante et je lui ai dit mille fois ne pas faire ça ...") et au niveau personnel ("...Nik est vraiment crédule, tu sais. Il connaît tellement de gens et ils avaient toujours l'habitude de l'emmener faire un tour. C'est tellement facile parce qu'il n'est pas très averti..."). Il a également critiqué Lemmy qui énumère un catalogue de problèmes sur scène avec lui, et il "...vit ce fantasme [des Hells Angels]. C'est ce qu'il aimerait être, mais il ne peut pas...", mais il est "...plutôt un bon leader, cependant...". Du prochain projet Eternal Champion, Brock a révélé qu'il voulait Brown pour le rôle titre, et ce serait "...un voyage fantastique complet à tous les niveaux ... et si nous le faisions, ce serait la fin [de Hawkwind]...".

Le prochain contrat signé par le groupe fut un accord Nord Américain avec la filiale d'Atlantic Records, Atco Records.
Avec une tournée Nord Américaine prévue pour Avril et Mai, "...Atlantic ... avait besoin d'un album pour co-inciter à notre tournée...".
Pour la seule fois dans les années 1970, le groupe devait enregistrer sans avoir préparé de nouveau matériel dans un environnement live, ce qui a conduit à s'inquiéter du fait que "...nous allons être vraiment poussés juste à monter un album...".
Le groupe est entré dans les studios Rockfield en Mars, King expliquant: "...Nous avons posé toutes les pistes d'accompagnement en environ trois jours et demi. Puis, après quelques jours de congé, nous sommes allés à Olympic et avons ajouté des morceaux ici et là, doublés. sur le chant et tout mixé. Cela a pris environ trois jours, et c'était fini...".
Le groupe "...a fait [les chansons] leurs débuts sur deux concerts Britanniques à Yeovil et Dunstable [12 et 13 Avril]...", puis s'est dirigé vers l'Amérique du Nord pour une tournée fin Avril en Mai, au cours de laquelle Paul Rudolph a remplacé Lemmy.
L'album a été publié par ATCO le 9 Mai et autorisé à United Artists pour une sortie au Royaume-Uni. Le groupe a fait la promotion de l'album avec des tournées en Allemagne et en France en Juin, au Royaume-Uni en Juillet et Août, notamment en tête d'affiche du Reading Festival et en apparaissant au Watchfield Free Festival.

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"Warrior On The Edge Of Time" a donc été enregistré au mois de Mars 1975 dans les Rockfield Studios à Rockfield au Pays de Galles. Le batteur Alan Powell qui avait remplacé Simon King lors de la tournée de promotion de l'album "Hall of the Mountain Grill" est toujours présent. L'album fut donc enregistré avec les deux batteurs qui composèrent ensemble le titre "Opa-Loka" et co-signèrent, par ailleurs, trois autres titres.
Hawkwind est constitué du guitariste et chanteur Dave Brock, de Lemmy à la basse, de Nik Turner au saxophone et à la flûte, de Simon House au violon et mellotron, d'Alan Powell et Simon King à la batterie et aux percussions, de la danseuse Stacia et d'un invité, un certain Michael Moorcock.

Moorcock est un écrivain Britannique de SF / Fantasy, créateur du personnage du Champion Eternel, créateur d'Elric de Melniboné, une sorte de Conan albinos et frêle, drogué et totalement oppressé par son épée magique et maudite appelée Stormbringer), de Jerry Cornelius...
Moorcock, grand amateur de Rock, avait déjà collaboré avec Hawkwind sur le "Space Ritual" de 1973, il leur avait écrit des monologues conceptuels que le groupe déclamait entre deux chansons, tout du long des concerts en forme de voyages mentaux qu'ils faisaient à l'époque. Par la suite, il collaborera avec Blue Öyster Cult (sur "Mirrors", "Cultösaurus Erectus", "Fire Of Unknown Origin"), et recollaborera encore avec Hawkwind, groupe dont la carrière est toujours en cours, même si elle se fait nettement plus discrète.

Pour cet album, l'écrivain a signé quatre morceaux, et il clame les textes de deux morceaux, "The Wizard Blew His Horn" et "Warriors", qui sont ce que l'on pourrait appeler des 'spoken-words'. Plusieurs de ces textes sont inspirés par le mythe du Champion Eternel.

C'est, sans contestation possible, l'un des meilleurs albums du groupe, mais probablement aussi leur dernier véritable chef d'oeuvre. Conceptuellement flou, il faut vraiment bien connaître l'univers particulier et gigogne de Moorcock pour arriver à s'y retrouver.
L'album offre quelques passages étonnants comme "Opa-Loka", par exemple, qui fait la part belle aux deux batteries ou les narrations que l'on peut aimer ou pas.

La magnifique pochette originale, dans sa rare version vinyle d'époque, se déplie en quatre en une grande forme de bouclier, révélant que le guerrier en silhouette se tient au bord d'un gouffre apparemment sans fond.
Le paysage de l'autre côté du gouffre est une image miroir, avec un autre soleil couchant, une inspection plus approfondie de cette image entière révèle un visage casqué. Le revers de la couverture représente un bouclier en bronze portant l'emblème à huit rayons du Chaos, tel que décrit dans les livres de Moorcock.

Cet album, sorti en 1975, est incontestablement un joyau du Space Rock et d'Hawkwind, un de leurs meilleurs albums, une pièce de choix. Ce n'est pourtant pas l'album le plus connu du groupe, mais les moments de bravoure Space Rock sont en très grand nombre et les morceaux classiques sont bel et bien là. Cet opus mérite donc amplement la (re)découverte, rien que pour des morceaux comme "Magnu" et "Assault And Battery / The Golden Void".

De l’avis de certains journalistes, il s’agit de l’album le plus "professionnel" des années d’Or d’Hawkwind. En effet, la qualité du son y est remarquable, et si cet album est globalement dans la continuité des précédents, il est en revanche enfin doté d'une production impeccable. Simon House, l’homme aux claviers, introduit des effets synthétiques relativement avant-gardistes pour l’époque, qui ne manqueront pas d’être remarqués.
Cependant, quelque chose cloche sur ce disque: on sent que tout ne s’est pas fait dans la plus grande entente. Le fait que Lemmy ai claqué la porte rapidement après l’enregistrement n’est évidemment pas sans rapport. Ce qu’il faut dire aussi, c’est qu’un trublion de taille en la personne de Moorcock est venu participer aux hostilités cosmiques sur cet album. Car "Warrior On The Edge Of Time" est un concept-album, commandé par Dave Brock à Moorcock, et presque entièrement basé sur les aventures d’Elric, le Champion Eternel. C’est un fait notable quand on sait que cette collaboration entre Hawkwind et Moorcock ne sera pas la dernière.

Les critiques ont été mixtes, Melody Maker faisant un panoramique de l'album et critiquant particulièrement le travail vocal tandis que le All Music Guide a fait l'éloge de l'album pour des fonctionnalités telles que l'écriture de chansons. Ce sera également le dernier album à présenter le bassiste classique du groupe Ian "Lemmy" Kilmister, qui a été renvoyé du groupe un jour avant la sortie de l'album.
Allan Jones dans Melody Maker (10 Mai 1975) a été critique dans son analyse de l'album malgré qu'il soit "...probablement le disque le plus professionnel de Hawkwind..." en raison de l'avancée de leur "maîtrise technique", en particulier les contributions de Simon House. Les compositions sont dans la "tradition Hawkwind standard des passages de synthétiseur balayants contrastant l'espace éthéré avec la violence de la basse monotone et de la guitare rythmique", et des poèmes qu'il dit "...Si Moorcock se sent qualifié pour décrire l'une de ces pièces comme de la poésie, alors c'est son problème..." et qu'ils sont livrés "... avec toute l'émotion de l'extermination de Davros par les renégats Daleks...".
Geoff Barton dans Sounds l'a évalué comme "... incluant la plupart de leurs caractéristiques traditionnelles (guitare plombée, chant rituel, moogs gémissants, paroles de SF) mais dans un cadre beaucoup plus mature et varié...", et que "... l'influence de Simon House se fait fortement sentir "le rendant" plutôt plus complet, plus intéressant que d'habitude...".

Du côté des membres du groupes, c'est aussi assez mitigé:
Selon Michael Moorcock (qui n'a jamais été membre du groupe, mais plutôt un invité): "Warrior On The Edge Of Time" était un de mes concepts. Ce que Dave a tendance à faire, c'est qu'il dit "Fais-nous un concept" ou "J'ai ce concept approximatif, pouvez-vous le résoudre?" Je le fais, puis Dave a une idée différente et tout change, donc c'est comme ça que ça fonctionne. C'est une très bonne façon de travailler - ça a tendance à donner à Dave un peu de départ ou autre chose. Je faisais beaucoup de mes trucs 'Eternal Champion' sur scène, donc ça me semblait automatique de le faire parce qu'il y avait tellement de numéros que je pouvais intégrer. Je n'étais en studio qu'environ une heure pour faire ce que j'ai fait, et c'était l'un des ces choses bizarres, je n'ai pas non plus reçu les frais de session...".
Pour Lemmy: "...L'album était une merde du début à la fin. Ce 'Opa-Loka' était beaucoup de conneries. Je n'étais même pas là-dessus. C'était le truc du batteur, ce morceau... Nous étions gentils. Si vous avez un album à succès, vous êtes complaisants, et si vous en avez deux, vous avez vraiment des problèmes. Avec eux, ils en avaient quatre, parce qu'ils avaient 'In Search of Space' avant moi... sur tous ces albums. 'The Golden Void' était un beau morceau, mais à ce moment-là, j'étais bien en disgrâce...".
D'après Dave Brock: "...Il y avait du bon truc sur cet album. Je pense que nous avons atteint un sommet à l'époque, en 1974 / 75...".
Enfin, pour Simon King: "...Je suppose que je suis satisfait aux deux tiers de celui-ci. Pour moi, ce n'est pas mal car je n'étais qu'à moitié content du dernier! Warriors est une chose musicale différente parce que c'est la première vraie contribution de Simon House: sur Mountain Grill il était trop nouveau pour pouvoir avoir autant d'influence, et maintenant, bien sûr, nous avons Alan comme deuxième batteur, ce qui a entraîné beaucoup de changements...".

L’album débute sur un duo de titres enchainés absolument gigantesque: "Assault And Battery / The Golden Void", environ une dizaine de minutes tuantes gorgées de mellotrons envapés (il y à beaucoup plus de mellotron que sur le précédent opus) et avec, comme toujours, la voix rauque de Brock. Les deux chansons sont souvent interprétées en live par paire comme sur les albums "Palace Springs" (1991) et "Canterbury Fayre" 2001.
"Assault and Battery" est une citation des paroles du poème de Henry Wadsworth Longfellow "A Psalm of Life". La chanson est devenue un morceau live très populaire, étant joué occasionnellement au fil des ans, et elle est apparue sur de nombreux albums live, parfois sous le titre "Lives of Great Men". Il a été inclus dans le cadre du spectacle live du concept "The Chronicle of the Black Sword", apparaissant sur l'album "Live Chronicles".
Futur classique du répertoire du groupe, "Assault And Battery" est un morceau époustouflant qui voit l’équipage Hawkwind s’envoler pour des cieux infiniment étoilées. Les guitares sont affutées, et ce morceau sonne éminement Metal. Il est assez long, mais il n’est que l’introduction du voyage.
Le morceau sublime qui suit directement cette mise en bouche, "The Golden Void", est la suite directe du premier. Il fait plonger l'auditeur plus avant dans un gouffre stellaire dont il ne ressort pas indemne: la basse s’y fait martiale, pendant que les synthétiseurs new age de Simon House portent le vaisseau Hawkwind vers des cieux astronomiquement infinis. La chanson est un morceau live populaire, joué aussi occasionnellement au fil des ans, et il est apparue sur de nombreux albums live, parfois sous le titre "Void of Golden Light", comme sur "The Business Trip" en 1994 .
Mais après une si extraordinaire introduction, c’est là que le concept est censé réellement se mettre en place: Moorcock entre en scène et déclame tout son Multivers sur trois pistes réparties sur l'album: "The Wizard Blew His Horn", après "The Golden Void", "Standing at the Edge" (un texte qui sera réadapté plus tard par Blue Öyster Cult), après "Magnu" et "Warriors" après "Spiral Galaxy 28948". Ces trois pistes sont un peu particulières, et tout le monde n'est pas d'accord pour les considérer comme réussies, tant le style Moorcock n'est pas forcément accessible à tous. Ce sont des poèmes de Moorcock basés sur sa figure littéraire de Eternal Champion. Les poèmes sont récités sur des paysages sonores atmosphériques fournis par Simon House et les percussionnistes Simon King et Alan Powell. Le groupe les avait joués sur scène en 1974, des versions apparaissant sur l' album live de "The 1999 Party".
"The Wizard Blew His Horn" se fond ensuite dans "Opa-Loka", écrit par les deux batteurs, qui présente un bon rythme hypnotique (comme CAN sait si bien le faire), que construit notamment le mellotron, les sons spatiaux arrivent plus tard.
"Opa-Loka" prend son nom, assez perplexe, d'une ville de Floride et non d'une quelconque planète mythique qui se rattache à la vague histoire conceptuelle de Moorcock.
C'est un Space Rock hypnotique qui reste essentiellement un excellent instrumental, énergique et rêveur avec sa basse et son synthétiseur retentissants, qui emmène l'auditeur vers les étoiles. Il est basé sur un rythme moteur connu sous le nom de rythme "motorick", nommé et rendu célèbre par le groupe de Krautrock "Neu!", particulièrement avec ce son de batterie autoritaire, simple mais fluide avec des cymbales à flasques et une ligne de basse simple. La chanson elle-même est, d'ailleurs, un air de Krautrock typique avec des instrumentaux atmosphériques improvisés basés sur un seul accord.
"Opa-Loka" a été joué en live, mais quand Robert Calvert a rejoint le groupe au début de 1976, il récitait le poème "Vikings on Mars" dessus, la chanson évoluant en "Uncle Sam's on Mars" sur l'album de 1979 "PXR5".
A noter que Lemmy détestait ce morceau et l'appelait "poubelle". Brock a fini par jouer de la basse pour le morceau.
"The Demented Man" qui, sur certain vinyle, est crédité sous le titre "The Demented King" est une belle ballade Rock acoustique sans batterie signée Brock, jouée à la guitare acoustique 12 cordes qui termine la première face de l'album.
C'est un autre de ces beaux airs acoustiques de Hawkwind où le groupe a vraiment réussi à garder la sensation d'espace obligatoire. Un cri de mouette et les Mellotrons renforcent l'ensemble du morceau..
"The Demented Man", avec ses guitares acoustiques, ses synthétiseurs épiques et la voix délicate de Dave Brock, est un petit bijou, dans la droite lignée de certains titres des albums précédents.
Cependant, le clou de l'album est, sans aucun doute, "Magnu", piste de près de neuf minutes oppressante et mystérieuse de Rock pure et dure, quasiment Metal, une ode vibrante au Psychédélisme, qui tire l'album vers le haut. Ce titre épique, où les saxophones de Nik Turner font merveille et où la basse vrombissante de Lemmy est encore une fois bien présente, est définitivement le titre classique de cet album, que le groupe joue encore de nos jours. Un titre encore une fois assez long, mais doté d'une rythmique martiale en acier trempé au Beat répétitif et soutenu. Les paroles de "Magnu" sont basées sur le poème de Percy Shelley "Hymn of Apollo".
Au moins aussi grandiose que "Assault And Battery", "Magnu", aux saveurs orientales, est un morceau très énergique, qui est le premier morceau de l'album à présenter un riff assez Heavy. Il voit Brock et Lemmy tirer des riffs menaçants au milieu d'un violon éblouissant de House, du saxophone jazzy de Turner et de claviers obsédants. C'est du Hawkwind très typique. Il a des rythmes répétitifs et des riffs qui bercent l'auditeur dans une brume psychédélique, avec saxophone, violon et synthétiseurs zappant à gauche et à droite dans le mixage.
Ce rituel futuriste de Space Metal est un morceau live populaire, étant exécuté occasionnellement à une vitesse plus rapide au fil des ans, des versions sur les albums "Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2" (1982), "The Friday Rock Show Sessions" (1986) et "Canterbury Fayre" 2001. Les six premières lignes de "Magnu" sont presque mot pour mot identiques à un chant magique qui apparaît dans un vieux conte folklorique slave, "The History Of Prince Slugobyl; Or, The Invisible Knight", utilisé pour invoquer le cheval magique, Magu, publié pour la première fois en traduction Anglaise en 1896 dans "Fairy tales of the Slav peasants and herdsmen".
"Spiral Galaxy 28948", piste instrumentale étonnante, plus Heavy et plus sombre, avec un sens très fort de la mélodie, de Mellotron et autres claviers omniprésents signée Simon House est l'un de ces moments de bravoure aux fortes consonnances avant-gardistes. Le titre étant la date de naissance (28 septembre 1948) de House. C'est une excellente jam de Space Rock avec tout le monde fournissant de la texture, mais elle est trop courte.
Il a été joué en live en 1975 après la sortie de l'album, et à nouveau en 2001 lorsque House avait temporairement rejoint le groupe, une version apparaissant sur l'album "Canterbury Fayre" 2001.
Les morceaux plus courts de ce côté de l'album, jusqu'à présent, fonctionnent mieux comme étant liés ou considérés comme des sous-sections d'une seule composition. Peut-être qu'ils avaient été conçus de cette façon à l'origine, parce que cela semble être le cas, mais après tout, c'était, à l'origine, destiné à être un album concept.
Le bon Space Rock sombre futuriste avec des effets sonores de science-fiction, "Dying seas" a une attitude frénétique avec un excellent riff, une ligne de basse lancinante et quelques riffs de guitare déformés et déchiquetés. C'est une autre bizarrerie avec des effets de Turner imbibés de voix glissant à travers un épais brouillard de synthétiseurs.
Les vocaux de Nik et Dave sont multipistes et aliénants. Le violon électrique est incroyablement tranchant. Le solo de synthé effervescent se répand, scintillant sur des paysages sonores galactiques.
Co-écrit par Brock et Moorcock, "Kings of Speed" est un pur morceau de Hard Rock accrocheur dirigé par des grondements de basse épais et un savoureux travail de lead guitare, avec House également dans l'action avec des vols de violon de style Country.
Kings Of Speed" qui a été choisi comme le single tiré de l'album est une petite furie bien speedée très efficace aux consonnances Space Rock, qui clôt remarquablement l'album, même s'il n'apporte rien de plus.

"Warrior on the Edge of Time" a atteint le numéro 13 dans les Charts Britanniques, meilleur classement pour un album studio du groupe, seulement dépassé par l'album live "Space Ritual" qui avait atteint la 9e place en Juin 1973. Et ce fut leur troisième et dernier album à figurer dans le Billboard Américain, où il culmina au numéro 150.
L'album marque la fin d'une époque pour Hawkwind. Ceux qui ne voient pas plus loin que le bout de leur nez s'arrêteront surtout au fait que c'est le dernier enregistré avec Lemmy, à peine quelques mois avant que celui-ci ne fonde Motörhead.
C'est également le dernier album du groupe paru pour le label United Artists Records, il signera ensuite pour Charisma Records.
Mais en réalité, ce disque marque surtout la fin de la période dite 'classique'. Avec le départ de Lemmy, beaucoup de choses vont changer dans les années à venir, notamment d’un point de vue musical, et en cela, "Warrior On The Edge Of Time" apparaît comme le dernier opus du groupe à poursuivre encore les expérimentations initiées sur "In Search Of Space" en 1971 et il clôt donc au final avec brio la période classique du groupe.
Car lors d'une tournée Nord Américaine en Mai, Lemmy a été surpris en possession d'amphétamine dans ses bagages par les douanes Canadiennes en traversant la frontière des États-Unis vers le Canada. La police des frontières avait confondu la poudre avec de la cocaïne et il a été emprisonné pendant cinq jours, forçant le groupe à annuler certains spectacles. Marre de son comportement erratique, le groupe a licencié le bassiste en le remplaçant par leur ami de longue date et ancien guitariste des Pink Fairies Paul Rudolph. Lemmy s'est alors associé un peu plus tard à un autre guitariste de Pink Fairies, Larry Wallis, pour former Motörhead, du nom de la dernière chanson qu'il avait écrite pour Hawkwind et qui figurera en face B de l'unique single issu de cet album, "King of Speed".

Au début de l'année, Turner, House, Powell et King ont contribué à "New Worlds Fair" de Michael Moorcock & The Deep Fix, qui a également présenté une apparition en invité de Brock. En Avril, Moorcock, House et Turner ont contribué à l'enregistrement de "Lucky Leif and the Longships" de Robert Calvert, produit par Brian Eno et arrangé par Rudolph.

Dans une interview de 2011, Nigel Reeve, gardien des archives United Artists Records de Hawkwind chez EMI, a expliqué que "Warrior on the Edge of Time" avait initialement été publié sous contrat séparé avec United Artists et que ses droits n'étaient plus détenus par EMI, d'où omission de la remasterisation d'EMI et de la publication du catalogue United Artists de Hawkwind en 1996.

L'album est sorti au Royaume-Uni en CD pour la première fois en 1992 sur le label Dojo, masterisé à partir de vinyle. Une deuxième version est sortie en 1993 sur le label Canadien Griffin Music, masterisée à partir d'une copie de première génération du master original. Ce master était la bande Atco utilisée pour la sortie de vinyle nord-américain de 1975 et comprenait le single mix de "Kings of Speed". Le master Atco utilisé par Griffin a été créé à l'origine aux Olympic studios et n'avait aucun fondu sur les pistes.
Un ensemble de notes d'accompagnement écrites par Dave Brock en 1975 a été utilisé pour recréer les fondus originaux lorsque Griffin a créé leur master numérique. Aucun égaliseur n'a été utilisé lors de la création du master numérique de Griffin. Le transfert a été fait pour correspondre le plus possible au vinyle original.

En Mai 2013, Cherry Red a réédité l'album, accompagné d'un nouveau mix stéréo et 5.1 de Steven Wilson, sur le label Atomhenge géré par Esoteric Recordings. Il a également été confirmé que les bandes originales avaient été utilisées.

Quelques mois après cet album, Hawkwind tentera heureusement de se renouveller en compagnie du sympathique Robert Calvert, sans pour autant y arriver immédiatement...

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Robert Calvert a fait une apparition avec le groupe pour leur titre au Redding Festival en Août 1975, après quoi il a choisi de rejoindre le groupe en tant que chanteur à plein temps. Stacia a choisi d'abandonner ses devoirs de danse et de s'installer dans la vie de famille.
Le groupe a changé de maison de disques pour Charisma Records de Tony Stratton-Smith et, sur sa suggestion, la gestion du groupe est passée de Douglas Smith à Tony Howard.

Produit par Hawkwind et enregistré par Mark Dearnley aux Roundhouse Studios, de Février à Mars 1976, l'album suivant, "Astounding Sounds, Amazing Music" est sorti la même année.
Sa pochette (réalisée par Tony Hyde et Barney Bubbles) et son titre font référence à deux magazines de l'âge d'or de la Science-Fiction: 'Astounding Stories' et 'Amazing Stories'.
Le concept étant que chaque morceau de musique (et son titre) serait interprété comme une histoire de Science-Fiction individuelle. La couverture du disque est une parodie de la couverture de ces magazines, tandis que la pochette intérieure porte de petites publicités, chaque membre du groupe ayant son propre produit (par exemple le remède contre les piles atomique du Dr Brock, le Manly Strapon de Paul Rudolph et le Pleasure Primer de Simon King, ...).
La couverture est recto-verso, une face illustrée par l'ami d'enfance de Calvert, Tony Hyde, l'autre par Barney Bubbles signé Grove Lane. La conception originale de Bubbles devait être Steppenwolf qui se profilait au-dessus de la ville.

C'est le premier album du groupe avec le bassiste Paul Rudolph, et le premier sorti sur le label Charisma Records. Il voit également le retour de Robert Calvert, trois ans après "Space Ritual".
Calvert apporte alors la première personnalisation et mise en avant d'un membre du groupe. Il se déguise sur scène, adoptant un jeu théâtral, un peu à l'image de Peter Gabriel avec Genesis.

Hawkwind se compose alors de Dave Brock: guitare, claviers, chœurs, de Nik Turner: saxophone, flûte, de Robert Calvert: chant, de Paul Rudolph: basse, guitare, de Simon House: violon, claviers, et des deux batteurs, Simon King et Alan Powell.

Cet album marque le début d'une nouvelle ère pour Hawkwind, après avoir quitté le management de Douglas Smith pour Tony Howard et changé de maisons de disques de United Artists Records à Charisma Record.
Musicalement, le jeu de guitare basse heavy metal sale de Lemmy a été remplacé par le jeu de basse plus propre et plus formellement joué de Paul Rudolph. Tous les membres du groupe contribuent maintenant à l'écriture et à l'arrangement de la musique menant à plus de largeur dans le style, et l'enregistrement et la production sont mieux définis que les albums précédents.

Mais, le plus grand changement est dans le retour de Calvert, cette fois en tant que chanteur permanent plutôt que dans le rôle de poète périphérique qu'il avait occupé sur "Space Ritual". Non seulement il apporte des paroles artisanales au groupe, mais il avait l'intention de transformer des spectacles live en une pièce de théâtre musicale avec des personnages spécifiques à jouer, Il explique dans une interview de 1976 que "...Nous écrivons des morceaux maintenant avec des idées visuelles en tête, plutôt que d'essayer de penser des choses à imposer aux morceaux que nous avons déjà. Nous essayons de concentrer le côté visuel du groupe sur les individus plutôt que sur les projections à l'écran. Nik, Dave et moi-même sommes, dans certaines parties du spectacle, jouant les rôles d'acteurs... Dans l'ensemble, cela fonctionne jusqu'à une assez belle pièce de théâtre, c'est du théâtre spontané...".

Le journaliste d'investigation du New Musical Express Dick Tracy (un pseudonyme de John May) a examiné l'album comme "...Hawkwind est de retour sur la forme... leur musique a acquis environ quinze nouveaux niveaux depuis l'époque des barattes...". Il met en évidence "Reefer Madness" comme le morceau "hors concours" et note que "...Simon House a injecté un grand coup de clavier mélodique dans le mix...".

Le morceau d'ouverture, le sardonique "Reefer madness", est un bon début, avec des synthés fournissant une pléthore d'effets étranges et le piano et la guitare en première ligne avec un riff haletant comme un bon Rock doit l'être, une ligne de basse tout à fait correcte, des percussions sauvages, et la voix de Calvert plus dure que les octaves spatiales de Brock.
La chanson a, pratiquement, le même son décadent que le premier album "Roxy Music". "Reefer Madness" est en effet une sorte de chanson démoniaque, pleine de frénésie et de folie ultime avec un superbe beat et un saxophone fantastique. C'est une chanson très riche, parfois proche d'une merveilleuse cacophonie et très entraînante à la fois.
Immédiatement, on peut entendre la différence dans les basses et on remarque que le son est plus clair. Cependant, cela ne gâche pas le plaisir du sentiment Space Rock / Science-Fiction de l'album. À mesure que la chanson approche de sa section instrumentale centrale, les choses deviennent plus chaotiques, et dans ce cas, plus agréables. Même les sons de synthé aigus s'intègrent parfaitement à la sensation psychédélique. Au fur et à mesure que des frasques vocales sont ajouté, l'humour de la chanson devient facilement plus apparent. Cela correspond assez bien au sentiment du vieux film du même nom.
Une attention toute particulière doit, cependant, être prêtée aux paroles avec toute la controverse autour d'elles. Ces paroles, bien sûr, sont inspirées du vieux film culte en noir et blanc de propagande anti-marijuana de 1936, 'Reefer Madness'.
Les paroles à propos de la drogue sont en fait plus une anti-toxicomanie qu'une glorification; "...Open your eyes, you'll get a surprise, evil is sweeping the nation, It's killing your sons and what merely stuns is Your daughters are out for sensation, When they turn on their morals are gone, They don't really know what they're doing, It's a teenage malaise, a dangerous craze, Leading their bodies to ruin...". ("...Ouvrez les yeux, vous aurez une surprise, le mal balaie la nation, Il tue vos fils et ce qui étourdit simplement, c'est que vos filles sont à la recherche de sensations, quand elles se retournent, leurs moralités sont parties, elles ne savent pas vraiment ce qu'elles font, C'est un malaise chez les adolescentes, un engouement dangereux, Conduisant leurs corps à la ruine...").
C'était un son plus punk et plus agressif envers le sujet; "...Marijuana monster is stalking the streets, He knows what he's up to, he knows what he eats, He gobbles your body and spits out your mind, If you don't believe it then you must be blind...". ("...Le monstre de la marijuana traque les rues, Il sait ce qu'il fait, il sait ce qu'il mange, Il engloutit votre corps et crache votre esprit, Si vous ne le croyez pas alors vous devez être aveugle...").
C'est donc une une condamnation ricanante d'amour / haine du syndrome de la marijuana avec la prose sarcastique de Calvert sur les maux du pot (il a, en fait, interdit le cannabis du studio, au grand dam de Capitaine Brock et du 'Hawkcrew'). Calvert était un individu naturellement défoncé, excentrique, sauvage et extravagant, offrant une performance intemporelle permanente.
A noter l'intermède psychédélique jazzy dans lequel Calvert raconte comment un de ses doigts est tombé de sa main, a attaqué sa tirelire et a volé sa cachette! Son envoi de la propagande anti-pot des années 1940 et 1950 alors qu'en même temps, il ne chante pas exactement les louanges de l'herbe. Reflétant peut-être la position de Calvert sur les drogues inhibant la créativité, et non une aide à celle-ci comme Hawkwind l'avait longtemps témoigné.
"Reefer Madness" a été interprété pendant la tournée de promotion de l'album, apparaissant sur l'album live "Atomhenge 76", et est il resté dans le set jusqu'à la formation des Hawklords en 1978. La chanson a été ajoutée à la setlist en 1990 pour être interprétée par Bridget Wishart, une version apparaissant sur l'album live "California Brainstorm".
Le grand riff hypnotique de 'Steppenwolf' suit, et c'est un véritable classique. Long et conceptuel, maussade, sombre, paranoïaque avec un excellent travail d'orgue et un riff de guitare mémorable. Pas aussi dérangeant que le morceau d'ouverture, mais tout à fait différent d'une chanson 'traditionnelle' du groupe.
Avec des percussions, des claviers et des voix commençant dans une ambiance toute Santana, mais changeant pour un air plus psychédélique au fur et à mesure que la chanson avance, son côté latino est omniprésent. C'est un Rock de plus de neuf minutes avec un riff répété rappelant quelque peu Deep Purple ou Steppenwolf, assez ironiquement.
"Steppenwolf" avait été écrit pendant que Calvert lisait le roman de Hermann Hesse du même titre.
La chanson est un récit à la première personne d'une créature mi-homme / mi-loup à l'affût:
"Like a wolf my wilful loafing, My languishing alone in my lair, Where you will never hear me laughing, I'm half in love with dark and despair, The Moon's a howling, mouth of mercury, Quicksilver quivering in the sky, It echoes like a cave of chromium, That'll vacuum up my soul when I die." ("Comme un loup ma flânerie volontaire, Mon languissement seul dans mon repaire, Où tu ne m'entendras jamais rire, Je suis à moitié amoureux de l'obscurité et du désespoir, La Lune est une gueule de mercure hurlante, Vif-argent frémissant dans le ciel, cela résonne comme une grotte de chrome, qui aspirera mon âme quand je mourrai. ") Les violons de House sont magnifiques sur le break instrumental, montant et descendant sur la vague du son.
Calvert avait écrit les paroles de "Steppenwolf" quand Adrian Wagner, pour son album "Distances Between Us" (1974), "...voulait une chanson sur la vie dans les villes et je relisais 'Steppenwolf' de Hesse à l'époque. Il me semblait qu'il y avait une mythe fort sur la vie en ville et cela m'a donné l'idée de base...".
La chanson était donc apparue pour la première fois, sous une forme beaucoup plus synthétisée sur l'album de Wagner (Calvert avait écrit la chanson et Wagner était également apparue sur l'album solo de Calvert "Captain Lockheed & the Starfighters"). La version de Hawkwind est beaucoup plus longue et toute la chanson est absolument tueuse!
C'est une chanson sur la vie citadine et les mythes liés à la vie en ville. La chanson a un excellent pont musical pour guitare, et un bon rythme entrainant, avec beaucoup d'orgue, et du saxo ajouté au mix plus tard.
Elle a été exécutée pendant la tournée de l'album, apparaissant sur l'album live "Atomhenge 76" et elle est resté dans le set du groupe jusqu'à ce que Calvert soit parti en 1978, versions incluses sur "Weird Tape 4 et 5". Elle a parfois été réintégrée dans le live, entre 1982 et 1984, elle a été interprétée par Turner, en 1996 par Ron Tree, en 2003 parArthur Brown et en 2017 par Mr Dibs lors de la tournée 'Into The oods'.
La musicalité est toujours aussi bonne, en particulier lors d'excursions spatiales telles que la merveilleuse pièce instrumentale "City Of Lagoons" avec Mellotron saturé. Pas très typique de Hawkwind, mais agréable à écouter.
Cet instrumental floydien est est une chanson à tempo moyen, avec des synthés étincelants et des tourbillons galactiques. Il est bluesy, mais l'arrière-plan est spatial avec son ambiance répétitive.
C'est un morceau composé par Powell, bien que crédité à tort à House lors de la sortie de l'album.
L'album présente certaines des œuvres les plus trippantes de Hawkwind, notamment le court "The Aubergine that Ate Rangoon", animé par des battements de cœur et les accents percutants de Rudolph; Les synthés génèrent des agrandissements psychédéliques énergétiques d'imagerie mystique. Le violon électrique de Simon House et le saxo de Turner dictent l'atmosphère.
Son titre fait référence au Medicine Show du Dr West et au single "The Eggplant That Ate Chicago" du Junk Band en 1967.
C'est un morceau de Jazz bizarre, instrumental, cette fois écrit par le bassiste Paul Rudolph et animé par le synthétiseur et la basse. Celui-ci est beaucoup plus rapide, funky et intéressant grâce à la présence du saxophoniste Nik Turner.
Cela se termine par les bruits de la circulation bruyante qui se transforment en "Kerb Crawler". Morceau le moins spatial, C'est une sorte de Hard Rock énergique avec une touche de saxophone. Celui-ci tourne avec une guitare et un rythme entraînant:
"Synchromesh gearbox, Overhead cams, Mohair motorised wolf, Lying round looking for lambs, Power-assisted steering, 8-track stereo, Leopard skin upholstery, FM radio."
("Boîte de vitesses synchronisée, arbre à cames en tête, loup motorisé en Mohair, couché à la recherche d'agneaux, direction assistée, stéréo 8 pistes, revêtement en peau de léopard, radio FM.")
Les paroles orientées fou de voiture sont reprises par un break principal fort, un orgue scintillant et un riff de guitare déformé. Les paroles sont toujours irrésistibles et peu de personnes ne trouveront de paroles comme celle-ci sur de nombreux albums; "Adagio insect in the skyscraper shade, He's a night city mantis, In the neon parade." ("Adagio insecte à l'ombre des gratte-ciel, C'est une mante de la ville de nuit, Dans le défilé de néons."
"Kerb Crawler", remixé par David Gilmour, est sorti en single avec "Honky Dorky" en face B avec les musiciens qui jouent sur "Reefer Madness". Il y aura deux versions de la face A, l'originale et un re-mix fait par David Gilmour de Pink Floyd, et c'est ce dernier qui apparait sur l'album.
Il a un très bon break de guitare et la chanson est assez intéressante, mais elle n'a pas bien fonctionné en tant que single malheureusement, car pour une chanson assez forte, elle est malheureusement trop courte.
Vient ensuite "Kadu Flyer", un étrange melting pot de claviers, synthétiseurs, flûte égyptienne et même un sitar qui sonne comme une vieille chanson psychédélique qui aurait pu sortir huit ans auparavant.
Elle commence à rocker, mais vers la fin, elle devient tout orientale avec l'utilisation du sitar. Le chant est à nouveau très différent de celui de Hawkwind précédent mais avec des paroles édifiantes sur un vol mystique:
"...Crawl the thermal up a mountain, Like the Pteradacyl's wings, Waves of lift and wing vibrations, Help me to invoke the sun, True me up in soaring fun, Rising like the phoenix, In full flight from the fire...". ("Rampe le thermique sur une montagne, Comme les ailes du Ptérodactyle, Vagues de portance et vibrations des ailes, Aide-moi à invoquer le soleil, Equilibre-moi dans un plaisir fou, Me levant comme le phénix, En plein vol venant du feu...").
Turner est le chanteur principal et House joue du sitar. La voix de Turner laisse beaucoup à désirer, mais le morceau est quand même intéressant. Il est principalement bien structuré jusqu'à la dernière partie, où les choses sont plus improvisées. La chanson se transforme alors en un instrumental prolongé avec des cris du saxophone et du violon.
Les paroles de "Kadu Flyer" ont été écrites par Turner, qui les a créditées à Jamie Mandelkau pour des raisons juridiques (Turner était toujours sous contrat avec United Artists ou Douglas Smith). Calvert reçoit également un crédit d'auteur sur certaines versions. A noter que Kadu est une abréviation de Katmandou.
Le disque se termine en grande forme avec "Chronoglide Skyway" qui est un instrumental composé par House, bien que crédité à tort à Powell lors de la sortie de l'album. Il a été joué pendant la tournée de promotion de l'album, apparaissant sur l'album live "Atomhenge 76".
On y trouve de bons claviers, des effets de saxophone agréables, de jolis riffs de guitare le tout avec un bon support par la section rythmique, basse et batterie.
Cela commence avec des effets intéressants et est assez minime au début. Mais ça finit par tomber dans un motif rythmique, assez spatial comme on peut s'y attendre. Le saxophone traité dans celui-ci est d'une délicate attention.
Le morceau conclut l'album avec un gong et quelques effets de hurlements de vent. Les paysages sonores glaciaux avec des bandes de synthétiseur et des tons de saxophone tourbillonnants créent une atmosphère éthérée.
Les instrumentaux de Hawkwind sont toujours un pur délice. La mélodie de ceci sonne en partie comme "Autobahn" dans certains passages. La lead guitare est un apport sensationnel et cela élève la musique principalement grâce à un beau long solo de guitare trippy.

En conclusion, la nouvelle direction musicale est intéressante et le musicalité et le feeling sont toujours présents.

"Astounding Sounds, Amazing Music" a atteint la 33e place dans les Charts Britanniques.

Après la tournée de promotion de l'album "Astounding Sounds, Amazing Music", et à la veille de l'enregistrement du single "Back on the Streets", le saxophoniste Nik Turner a été licencié pour son jeu en live erratique et le batteur Alan Powell a, tout d'un coup, été jugé excédentaire, réduisant le groupe à un quintuor.
La formation a entrepris une tournée de huit dates en Angleterre pour promouvoir le single en Décembre qui a aussi présenté des versions embryonnaires des morceaux de leur prochain album, "Spirit of the Age", "Hassan I Sabbah" et "Damnation Alley".

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Le groupe est ensuite entré à Rockfield Studios pour l'enregistrer en Janvier et Février 1977, autoproduisant l'album avec l'aide de l'ingénieur du son résident Dave Charles.
Paul Rudolph a également été licencié pour avoir prétendument tenté d'orienter le groupe dans une direction musicale en contradiction avec la vision de Calvert et Brock. Il est parti pendant les séances d'enregistrement après avoir reçu un ultimatum pour présenter "...des excuses pour quelque chose ou pour partir. J'ai choisi cette derniére (option), ne comprenant pas complètement la situation...".

Afin de finir l'album, le remplaçant de Rudolph fut Adrian "Ade" Shaw, bassiste du groupe Magic Muscle qui avait partagé le management de Hawkwind et qui avait ouvert pour Hawkwind lors de la tournée Space Ritual de 1972. L'introduction de Shaw dans le groupe s'est faite après que les morceaux d'accompagnement aient été terminés, il a donc été obligé de superposer ses parties de basse sur les pistes existantes. Le batteur Simon King a déploré: "...J'aurais seulement souhaité avoir enregistré les pistes rythmiques avec lui en premier lieu. Pour moi, le changement de bassistes s'est produit au bon moment. Avec le retour à l'utilisation d'un batteur, j'avais besoin de l'aide d'un bassiste et comme les choses étaient je ne l'ai pas compris...".
Cependant, Rudolph joue quelques parties instrumentales sur le morceau "Hassan I Sabbah", bien qu'il ne soit pas crédité. Sur la dernière version prolongée, son jeu de basse peut être entendu sur les premiers extraits de plusieurs chansons, y compris une version alternative de la chanson "Damnation Alley".

"Quark, Strangeness and Charm" est donc sorti en 1977. Son titre fait référence à la physique quantique: les quarks sont des particules subatomiques, et l'étrangeté (strangeness) et le charme (charm) sont des propriétés de certaines particules.
Il s'agit du septième album studio de Hawkwind, d'où le titre "The Hawkwind Part 7" que l'on peut trouver sur la pochette intérieure.
C'est, surtout, le premier album du groupe sans le membre co-fondateur Nik Turner.

C'est aussi une bonne surprise. Plus ciblé que son prédécesseur, il démontre que Hawkwind est à la hauteur de son époque, car la musique utilise des éléments des développements musicaux récents de cette période: l'électronique, le Punk et le Heavy Metal plus direct.
Plus concis, le style musical est en train d'évoluer, naturellement, et les musiciens s'aventurent à nouveau dans des territoires spatiaux inexplorés.
Hawkwind se retrouve complètement repensé. Ils ont toujours maintenu ce jeu de guitare typique, le rythme, les mélodies orientales et leur excellente composition de chansons, mais le style et le son sont complètement mis à jour: le style se rapproche de la Pop Arty Punk et le son est frais et nouveau, plus proche. L'album ressemble plus à l'Art Rock de David Bowie ou Roxy Music qu'à leur drone spatial d'origine.
L'électronique est quelque peu modérée dans ce disque. Une guitare puissante mène le groupe à travers les jams et les compositions, tandis que Calvert se révèle être un grand chanteur et leader.

Le son a perdu la majeure partie de sa sensation d'espace: finis les saxophones tourbillonnants, les effets de guitare, les mellotrons et les moogs. Ils sont remplacés par une batterie des claviers modernes que de nombreux groupes de nouvelles vagues comme Japan, Magazine et d'innombrables autres commenceront à utiliser juste un an plus tard.
Par conséquent, ils s'intègrent à merveille avec le mouvement Punk / New Wave qui était sur le point de décoller. En fait, l'album commence une période de trois ans pendant lesquels Hawkwind est devenu une sorte de groupe Punk-Pop-Prog, cette combinaison est des plus étranges: en tant que tel, ils se sont avérés être l'un de ces rares groupes du début des années 70 à pouvoir se fondre dans les temps nouveaux avec succès. Il est, en quelque sorte et à bien des égards, un retour en forme.

Cet album est donc très différent de ce que Hawkwind avait fait auparavant. Tout d'abord, cet album est mieux produit. Il est également beaucoup plus mélodique et le jeu est également moins bâclé qu'il ne l'était auparavant. Tout cela est une très bonne nouvelle puisque les albums précédents manquaient clairement de ces aspects essentiels.

"Quark, Strangeness and Charm" a deux atouts principaux, à savoir le sujet intéressant des paroles et le son très concentré. Robert Calvert a écrit toutes les paroles inspirées de Science-Fiction qui sont pleines d'humour et d'esprit.
De plus, Nik Turner est maintenant parti, ce qui entraîne la disparition des instruments à vent dans le paysage sonore du groupe.
Calvert est, par conséquent, la principale force motrice de cet album avec son style de voix tirant vers la New Wave. En effet, il semble totalement intégré et dominant dans la scène Hawkwind, sa voix sonne fort et haut. Son chant est similaire à celui de David Bowie ou Marc Bolan. Il a également interdit les drogues en studio, ce qui a contribué à un son plus concentré et plus clair.
Quant à Simon House, il comble le vide laissé par l'absence de flûte et de saxophone de Turner avec des claviers luxuriants et un jeu de violon particulièrement raffiné. Pas étonnant que David Bowie l'ait recruté pour sa tournée mondiale de 1978.
A noter que l'ajout du violon électrique est très agréable et c'est l'instrument principal de la chanson qui est certainement la meilleure sans doute: "Hassan I Sahba".

Après le départ de Paul Rudolph lors des répétitions, les overdubs de basse faits par Ade Shaw se sont avérées tout simplement excellentes.

Soniquement, l'album est donc une sorte de fusion plutôt enivrante de Punk et Space-Rock.
C'est un excellent disque de Hawkwind en termes de production et de musicalité. La musique de cet album est plus orientée Pop que leurs offres précédentes.
C'est un tournant pour le groupe, car il donne un aperçu du futur à venir.
Il est même devenu un autre album classique de Hawkwind qui montre que le groupe n'a pas peur de développer et d'embrasser le son punk plus minimaliste qui existait à l'époque.

L'excellent et accrocheur morceau d'ouverture, "Spirit Of The Age" est une histoire d'amour de science-fiction dans un avenir lointain. Le changement musical peut être perçu tout de suite car moins stoner, plus concentré et avec un son plus clair.
La chanson a un riff Rock dans le style typique de Hawkwind. Elle a toujours le même genre d'effets qui figurent sur le vaste catalogue de Hawkwind, à savoir des voix off, des octets sonores et des composants électroniques étranges sonnant comme du code morse.
"Spirit of the Age" concerne principalement l'anonymat et l'inhumanité clinique du clônage et se moque généralement des processus naturels.
Il a des paroles amusantes sur les voyages dans l'espace, les amoureux d'Android et le fait d'être vraiment un clone: "...Ta réplique d'Android est de nouveau en lecture..." et "...Je suis un clône, je ne suis pas seul Chaque fibre de ma chair et de mes os est identique aux autres Tout ce que je dis est du même ton que la voix de mon frère éprouvette Et il n'y a pas de choix entre nous, si vous nous avez déjà vus vous vous réjouiriez de votre unicité...". Pas étonnant que cela convienne au chant de Calvert.
C'est un Hawkwind rajeuni, le ton de l'album est donné et les paroles de Calvert sur le clonage jettent toujours une ombre sur le monde d'aujourd'hui.
La relation plus étroite semble être l'album "Ultravox!", surtout la partie vocale si proche de celle de John Foxx. L'utilisation d'un violon ne fait qu'ajouter à la comparaison. Le tout dans une ambiance similaire à NEU!, cette chanson est un Rock parfaitement trippant.
Cette version est de loin supérieure aux versions live en raison du mixage et de la production globale.
"Spirit Of The Age" deviendra un classique du groupe.
L'ambiance perdure avec l'ultra énergique "Damnation Alley" qui se combine bien avec le morceau précédent, il y a un calme initial apparent changé par une chanson Rock vraiment ancienne et la basse, la guitare et la batterie fonctionnent à merveille.
Le morceau qui peut être décrit comme un "Soft Space Punk", avec des changements intéressants, par exemple un court passage Reggae, est basé sur un roman de Science-Fiction de Roger Zelany et il décrit une mission de sauvetage transaméricaine se déroulant dans un état policier post-apocalyptique.
La partie principale de la chanson se compose de Punk-Pop entraînante, mais il y a une longue section centrale qui est tout le contraire. Simon House est inclus dans le générique d'écriture de cette chanson, et il contribuE à cette section du milieu avec son magnifique arrangement de violon et de claviers.
"Damnation Alley'' consiste à parcourir une ville pendant une guerre nucléaire et la musique aide également les paroles en faisant en fait le même voyage qu'un Captain Calvert, avec une électronique en plein essor et une puissance fournie par un riff de guitare quasiment Punk. Calvert, vraiment au sommet de sa forme, est d'accord là-dessus et il a un riff lourd, avec des lignes de synthé formidables. "...Merci Dr Strangelove, descendant à Damnation Alley et bonne chance à vous...". La rupture instrumentale finale avec les synthés cathédrales est magnifique.
Dans un effet d'ouverture inquiétant, "Damnation Alley" commence par un son d'alarme en raison de l'arrivée d'une bombe nucléaire, suivi de drones et d'atmosphères effrayantes alors que la pluie tombe, cela rappelle une dystopie cyber punk. Puis la guitare joue et reprend à plusieurs reprises, la batterie et Calvert qui chante sur le rayonnement des terres en friche, entrent tour à tour, cette piste est plus rapide que la première.
Après l'explosion atomique, c'est une chanson sur la menace nucléaire qui prévalait lorsque l'album est sorti.
"Damnation Alley" a été joué pour la première fois lors de la tournée Britannique de Décembre 1976, et il est resté dans le set jusqu'à la formation des Hawklords en 1978. Il a été réintroduit dans le set entre 1989 et 1992, une version apparaissant sur l'album de 1991 "Palace Springs".
Le morceau suivant, "Fable of a Failed Race", est une ballade spatiale Soft Rock formidable et éthérée avec des atmosphères mélancoliques et la voix aérienne de Calvert. Elle est bourrée de guitares et de vocaux de Brock merveilleusement superposés. Juste magnifique.
Le bon vieux Rock "Quark, Strangeness And Charm" est probablement la chanson la plus faible de l'album.
Elle parle d'Albert Einstein ... et de son manque de chance avec les dames. C'est hilarant et les comparaisons des relations avec la chromodynamique quantique correspondent vraiment aux thèmes de l'ère spatiale de Calvert.
C'est une pièce originale aussi Glam Rock que Marc Bolan qui étaient amis du groupe à l'époque, qui grandit avec le temps.
Cependant, l'album n'est pas uniquement de Science-Fiction et de Métafiction car le morceau "Hassan I Sahba" au son du Moyen-Orient contient des thèmes sur le pétrole et le terrorisme de Septembre Noir.
Cette chanson tire son nom d'un missionnaire Persan du Moyen Âge dont les adeptes étaient appelés les Hashshashin, et les paroles contiennent une référence évidente à la drogue. C'est la chanson la plus puissante avec toujours plus de superbes violons de House, de belle ligne de basse et un bon chant.
Ce Heavy Rock 'oriental' prédit en fait une guerre au Moyen-Orient à cause du pétrole, bref quelque chose encore d'actualité d'aujourd'hui.
Dans le style de "Magnu", quoique plus Heavy et plus court, cette chanson mystique aux paroles arabes est un classique!
"Hassan I sabha" n'est pas seulement une rêverie hippie dopée sur un thème arabe, Calvert a eu des contacts parmi des musulmans radicaux qui prédisaient une guerre sainte avec l'Occident et l'impérialisme Anglo-Américain. Il avait donc écrit ce thème à la fin des années 70, une vingtaine d'années avant qu'il ne secoue le monde. Calvert a repris les notions les plus farfelues et extrêmes de son temps. La vie sur Terre a été semée depuis l'espace. La vie sera bientôt clonée. Les assassins d'Allah se battront pour des pétro-dollars.
"Hassan-i Sabbah" (épelé Hassan I Sahba sur la couverture) est, en fait, une chanson mêlant la légende de Hassan-i Sabbah (assassins et haschich) à des questions contemporaines (pétrole et terrorisme palestinien).
Il s'agit d'une collaboration Paul Rudolph / Robert Calvert. Cette version est sortie en 45 tours en Italie et en France. Lors de la performance live de cette chanson, Calvert a pris le personnage d'Aubrey Dawney, qu'il décrit comme "une sorte d'as de combat 1914-1918, et un peu plus. Mick Farren l'a décrit comme étant un croisement entre Biggles et Lawrence d'Arabie - ce qu'il est, il a des connexions avec l'Extrême-Orient et aussi le tabagisme de l'opium". Il a été exécuté pour la première fois en direct pendant la tournée d'albums "Astounding Sounds, Amazing Music" de 1976 , une version apparaissant sur "Atomhenge 76", et est resté dans l'ensemble jusqu'à la formation des Hawklords en 1978. Une nouvelle version studio a été enregistrée pour l'album de 1987 "Out & Intake", et depuis lors, il a presque été omniprésent dans le set live, apparaissant sur de nombreux albums live, généralement sous le titre "Assassins of Allah".
"The Forge Of Vulcan" ressemblerait presque à un extrait d'un album de Tangerine Dream. Cependant, les différences notables sont le ton plus sombre et l'effet sonore du marteau.
C'est le seul moment véritablement spatial de ce disque, juste une confirmation que le groupe changeait d'orientation.
C'est un instrumental intéressant de Simon House avec des textures multicouches de claviers, orgue, synthétiseur et séquenceur plus des percussions fournies par le martelage d'une enclume réelle en référence à la mythologie de Vulcan.
Le morceau a été joué en live pendant la tournée de l'album, une version apparaissant sur "Weird Tape 5", mais il a ensuite été abandonné.
A noter que c'est la dernière contribution de House au groupe avant d'être embauché par David Bowie!
"Days of the Underground" ramène le son plus typique de Hawkwind en rendant hommage à la scène underground psychédélique d'où Hawkwind a émergé.
Dans cette chanson, Calvert porte un regard critique sur les vestiges de la contre-culture post-hippie dans laquelle Hawkwind avait été immergé quelques années auparavant.
Il raconte l'histoire d'un jeune Hawkwind, chouchou de la scène musicale underground. C'est un morceau agréable, malgré la voix théâtrale de Robert Calvert.
Il est suivi d'une composition de Simon King, "The Iron Dream", une belle fin d'album qui ressemble beaucoup plus au fer qu'au rêve.
C'est un instrumental basé sur "Mars" de Gustav Holst, son nom tiré du livre de Norman Spinrad 'The Iron Dream'. La piste était généralement jouée en live comme point culminant de "Uncle Sam's on Mars", dont des versions peuvent être entendues sur "The Weird Tapes". Il est également apparu sous le titre "The Dream Goes On" sur l'album "The Business Trip" de 1994, et avec des paroles supplémentaires comme "Are You Losing Your Mind?" sur l' album "Alien 4" de 1995.

"Quark, Strangeness and Charm" a été chaleureusement accueilli par les journaux de musique hebdomadaires Britanniques au moment de sa sortie, Sounds notant que "...le groupe est toujours capable de faire des remous...", et Melody Maker qu'ils avaient "...fait une partie du chemin [en se réhabilitant]...".
Les critiques ont particulièrement fait l'éloge de Calvert, Sounds déclarant que "...Calvert, s'étant adapté à son rôle de leader, retire maintenant les marrons du feu, ses contributions poético-lyriques fonctionnant particulièrement bien...", Melody Maker observant que "...le groupe a développé un réel sens de l'humour..." et l'album "...trouve Calvert sous une forme très fine en tant que parolier...", tandis que le NME l'a évalué comme "...la bande dessinée de science-fiction excite les prolétaires, mais cette fois-ci, le sens de l'humour psychotique de Bob Calvert est bon pour le premier plan...".
Les critiques ont été moins élogieux sur les progrès de la musique du groupe, Melody Maker notant que l'amélioration lyrique "...n'a pas été égalée sur le plan instrumental ou structurel. Le seul musicien notable... est Simon House pour ses passages de violon toujours impressionnants...", tandis que le NME a déclaré que "...musicalement, ce sont tous des riffs de bélier battant et des drones synthétisés monoplan, avec Dave Brock coupant occasionnellement à la guitare (plutôt que de simplement fournir un rythme frénétique) et Simon House contribuant à des solos de violon hypnotiques...". Sounds a estimé que la "...production peut être nulle en parties...", croyant que la "... lourdeur magnifique..." de "Doremi Fasol Latido" plus adaptée au son du groupe.

"Quark, Strangeness and Charm" a passé six semaines dans les Charts des albums Britanniques culminant au numéro 30.
La réédition 2009 2CD de l'album inclut les premières versions des pistes avec les contributions de Rudolph.

Après l'enregistrement de l'album, le groupe a entrepris une tournée de 11 dates en Allemagne et aux Pays-Bas en Mars, suivie d'une tournée de cinq dates en France en Avril. En Juin, lors de la sortie générale de l'album, le groupe entreprend une tournée de 10 dates en Angleterre avec le soutien du groupe Motörhead de l'ancien bassiste Lemmy. Ils ont suivi cela avec des apparitions au Stonehenge Free Festival le 21 Juin et en tête d'affiche le Reading Festival le 28 août.
Le groupe est apparu dans l'émission de Marc Bolan, 'Marc at Granada Television' aux studios de Manchester, le 14 Septembre, mimant une version pré-enregistrée du single "Quark, Strangeness and Charm", alors qu'il était sorti deux mois auparavant. Leur place dans l'émission a été assurée car leur équipe de management, Tony Howard et Jeff Dexter, a également géré Bolan. Leur apparence était significative en ce que Brock n'apparaissait pas, en raison d'un ressentiment de longue date de sa part envers Bolan. Son rôle a été joué par Shaw enregistrant les pistes de guitare lors du pré-enregistrement, tandis que Calvert a mimé la guitare pendant le tournage.

Une vaste tournée de 20 dates au Royaume-Uni en Septembre et Octobre a été entreprise, avec le soutien de Bethnal (qui allait devenir le groupe de soutien de Calvert pour son album de 1981 "Hype"). Cela a été immédiatement suivi par une tournée d'Octobre en France, mais en raison du comportement erratique de Calvert, la tournée a été interrompue après 3 dates. Lors du mariage de Calvert avec l'auteur Pamela Townley le 5 Novembre, il a répliqué que "...Brock a convaincu les autres que je faisais une dépression nerveuse. Quelle absurdité! un peu joyeux - après tout, j'allais me marier! La vérité est que Dave Brock ne voulait pas faire les concerts supplémentaires...". Cependant, dans un documentaire de la BBC4 sur le groupe, plusieurs membres du groupe ont déclaré que la raison était en effet la santé mentale de Calvert et qu'il avait poursuivi la voiture du groupe en agitant une épée et en escaladant les voitures pour les atteindre.

Le groupe continue de connaître un succès commercial modéré, mais la maladie mentale de Calvert cause souvent des problèmes. Une phase maniaque a vu le groupe abandonner une tournée Européenne en France, tandis qu'une phase de dépression lors d'une tournée Nord-Américaine de 1978 a convaincu Brock de dissoudre le groupe.
Entre ces deux tournées, entre Janvier et Février 1978, le groupe enregistre l'album "PXR5", mais sa sortie a été retardée jusqu'en 1979, et en Mars fait une tournée en Amérique du Nord, après quoi ils se dissolvent.

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Hawklords


Il existe plusieurs enregistrements live de ces tournées qui ont été publiés sous différents titres. Les dates données pour les pistes PXR5 en live ne correspondent pas aux dates de la tournée, et si ces pistes ont effectivement été enregistrées lors d'un spectacle en live, elles ont ensuite été soumises à des overdubs en studio. Toutes les autres pistes, bien que des sources différentes soient données, sont les mêmes enregistrements, à l'exception de "Robot" qui est de deux performances différentes.

Le 23 Décembre 1977 à Barnstaple, Brock et Calvert effectuent un concert unique avec le groupe Devon Ark en tant que Sonic Assassins, et à la recherche d'un nouveau projet en 1978, le bassiste Harvey Bainbridge et le batteur Martin Griffin ont été recrutés pour cet événement. Steve Swindells a été recruté comme claviériste.

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La nouvelle incarnation de Hawkwind, Hawklords a vu le jour lorsque le vaisseau-mère a cessé d'exister pendant un certain temps de la fin de 77 à 78, pour toutes les raisons tumultueuses qui entouraient souvent le groupe!

"The Hawklords - 25 Years On" est sorti en Octobre 1978 sur le label Charisma. L'album a été initialement publié sous le nom de Hawklords en raison d'un différend juridique sur la propriété du nom Hawkwind, Hawkwind s'étant séparé lors d'une tournée aux États-Unis plus tôt la même année et apparemment divers membres du groupe ayant revendiqué le nom de Hawkwind.
Le résultat est que seuls Robert Calvert, Dave Brock et Simon King font partie de la formation qui a enregistré ce disque.

Ils ont été rejoints par Harvey Bainbridge qui avait joué de la basse dans le groupe Devon Ark qui à son tour avait joué avec Calvert et Brock en tant que Sonic Assassins, et par le claviériste Steve Swindells qui avait été dans Pilot.
Pendant la session d'enregistrement du Devon, King rentra chez lui à Londres et il fut remplacé par Martin Griffin (également d'Ark), mais King revint par la suite en donnant au groupe deux batteurs.
Simon House avait quitté le groupe pour rejoindre David Bowie mais il a contribué au violon aux sessions, comme l'a fait remarquer le trompettiste de Jazz Britannique Henry Lowther.

Ce groupe avait enregistré l'album qui deviendra "25 Years On" dans une ferme du Devon à l'aide du studio mobile de Ronnie Lane, et il s'est séparé un an plus tard.
Comme ce disque est désormais considéré comme faisant partie de la discographie de Hawkwind, il est techniquement la dernière sortie studio de Brock and co. avec Robert Calvert.

King avait été à l'origine le batteur du projet, mais il est parti pendant les sessions d'enregistrement pour retourner à Londres, tandis que House, qui avait temporairement quitté le groupe pour rejoindre une Tournée de David Bowie, choisi pour rester à plein temps avec Bowie, mais contribuant néanmoins au violon lors de ces sessions. À la fin de la tournée Britannique du groupe, Calvert, voulant que King revienne dans le groupe, a congédié Griffin, puis s'est résigné rapidement, choisissant de poursuivre une carrière dans la littérature. Swindells est parti enregistrer un album solo après qu'une offre lui ait été faite par la maison de disques ATCO.

Bien que la pochette peu attrayante pourrait certainement effrayer les fans de Space Rock Psyché, il n'y a vraiment rien à craindre à l'intérieur de l'album. La musique est bien composée et jouée et cet album a, étonnement, une bien pire réputation que ce qu'il mérite car il contient des bonnes chansons, certaines, peut-être un peu plus faibles, pour la plupart courtes et accrocheuses avec une sensibilité considérable penchant vers la New Wave, mais la production est vraiment complète et assez luxuriante.

Au cours de sa longue carrière, Hawkwind a subi de nombreux changements dans son line up et dans sa direction. Chaque parution de Hawkwind s'accompagne d'une progression sonore. Si "25 Years On" fait certainement partie de la discographie de l'incarnation épurée et punk de Hawkwind par Robert Calvert, il ne fait certainement pas exception à cette tendance.
Cet album est une tentative de fusionner la New Wave avec l'approche musicale de "Quark, Strangeness and Charm".

Musicalement, le défi majeur auquel le groupe fut confronté est le départ de Simon House après les sessions "PXR5" (bien qu'il soit invité sur les trois derniers morceaux). Un problème moins signalé était les problèmes de santé mentale récurrents de Calvert, qui étaient à l'origine de son départ initial du groupe au début des années 1970.
Bien qu'il fut apparemment déprimé après le retrait de "PXR5", Calvert est en fait très présent sur cet album et il bénéficie d'une grande partie des projecteurs.

Chacune des chansons qui apparaissent sur "25 Years On" est forte dans sa composition, et la prestation vocale charismatique de Robert Calvert donne à l'album un son dynamique.
En fait, il domine même absolument et il ressemble un peu à une imitation des débuts de Bryan Ferry avec Roxy Music, surtout dans le morceau "25 Years", qui aurait tout aussi bien pu être une chanson de Roxy Music.

Hawkwind était passé maître des longues jams et cet album prouve qu'ils peuvent aussi travailler un format court.
Car, dans l'ensemble, les compositions deviennent plus courtes et plus concises et les morceaux sont un peu moins lâches et plus structurés généralement que Hawkwind, mais à part cela, c'est, sans aucun doute, toujours le son de Hawkwind. Les riffs Hard Rock, le rythme entraînant, les voix distinctes de Robert Calvert et les sons psychadéliques sont indéniablement présents, mais il y a un élément de New Wave dans le son qui n’était pas là avant.

Lyriquement c'est le traitement le plus diversifié de Calvert avec des thèmes tels que la télépathie ("Psi Power"), le parachutisme ("Free Fall"), l'abus de drogue australien ("Flying Doctor"), la bravoure héroïque ("The Only Ones") et l'espionnage (""(Only) The Dead Dream Of The Cold War Kid").
Il y a un caractère ludique dans ces morceaux, seules les paroles de "The Age of the Micro Man" font allusion au sombre concept futuriste des ouvriers d'usine que Calvert et Barney Bubbles ont mis en place pour le spectacle de l'album. Le programme a été reproduit dans le livret CD de la réédition d' "Atomhenge".

La vague Punk sur laquelle Hawkwind a probablement eu une assez grande influence n'est pas non plus passée inaperçue car "Flying Doctor" est un morceau d'influence très Punk avec une attitude agressive. Mais, malgré cela, le son "central" de Hawkwind est resté intact.
Singulière dans leur discographie, la musique est assez innovante et prouve que le groupe était à la hauteur de son temps, explorant de nouvelles directions tout en gardant sa touche personnelle. Si les morceaux sont moins remarquables que sur "Quark, Strangeness and Charm", le rendu est globalement moins inégal et plus cohérent. En fait, ce disque est certainement le plus Punk que les rockers de l'espace aient jamais enregistré.

Bien que ces chansons reflètent le climat musical de l'époque, Calvert a plus tard dénigré, quelque peu paradoxalement ou peut-être ironiquement, la nature conservatrice de la New Wave et son retour au format de chanson Pop de trois minutes.

L'album fut, à l'origine, intitulé "25 Years On" et les 25000 premiers ont été pressés comme ça jusqu'à ce que le groupe décide de l'appeler simplement "Hawklords". Les rééditions ultérieures sont revenues au nom "25 Years On" et le groupe utilise également ce nom sur son site Web.

L'album a une chanson d'ouverture assez divertissante bien composée et étonnamment accessible, "Psi Power", qui est presque Pop avec un bon synthétiseur et le beat caractéristique de Hawkwind.
Dans ce morceau certainement le plus accessible du disque, Calvert explore le thème de la télépathie, et la musique est très comparable à celle de "Quark Strangeness and Charm". On notera en particulier le refrain mélodique; "Je peux lire dans tes pensées comme un magazine", et "j'obtiens tous les secrets". La production est nette et en fait un produit hors du commun, surtout la musicalité, l'acoustique, les percussions et ce superbe solo de synthé. "Psi power" était une interprétation parfaite du projet secret de visualisation à distance et d'ESP militaire pendant la guerre froide.
Vers la fin du morceau, la musique se transforme en un tourbillon de voix chuchotées, terminant la chanson dans le style psychédélique habituel de Hawkwind.
A partir des notes de la pochette, on peut avoir une idée des exaltations étranges qui hantaient l'esprit de Calvert: "Harvey Bainbridge est allé chez Calvert, où il a trouvé le chanteur et parolier vêtu de l'uniforme d'officier de la Première Guerre mondiale".
"Psi Power" deviendra un 'aliment de base' en live, et il existe, d'ailleurs, dans de meilleures versions en live.
Presque floydien, du moins pendant la première partie, le majestueux "Freefall" est plus ambiant et le groupe revient également à des standards plus "normaux". C'est une belle façon de se rappeler que le groupe jouait de la musique spatiale et psyché il n'y a pas si longtemps.
C'est une chanson incroyable avec une belle mélodie et des paroles sur le saut d'un gratte-ciel, chantée de façon dramatique par Calvert. C'est, en fait, une chanson sinistre sur le parachutisme.
"Freefall" est bien faite avec des enchaînements intenses en elctronica de forme libre et de retour au Hard Core Rock.
Accompagné d'un savoureux travail de synthé et d'une basse envoûtante, la section principale présente un excellent riff de basse Heavy et beaucoup d'ambiance.
On y trouve un synthé qui tourbillonne et une basse qui plonge soudainement dans un groove sombre hypnotique avec la batterie, Brock déchaînant un riff entraînant tandis que la batterie adhère tranquilement à la pulsion générée. Calvert flotte doucement dans un verbiage psychédélique, des mots tumultueux qui atteignent l'abîme. "Tout ce que vous avez à faire est de faire un pas dans le ciel".
Puissant!
"Automaton" est une bizarrerie électronique expérimentale étrange mais brève, qui sert d'intro à la chanson "25 Years", un Rock punkoïde / psychotique qui saute dans une chicane dissonante... Un morceau haletant de brutalité qui toujours incite à la rébellion, à ces oreilles en tout cas!
C'est, en quelque sorte, le tarif standard Hawkwind, agissant comme un pont expérimental entre le riff obscur de 'Free Fall', et la marche battante de "25 Years".
L'accrocheur "25 years" ravive le beat, cette fois combiné avec le chant du road manager du groupe, Les McClure
Il se dégage une bonne énergie dans ce morceau, et le chant maniaque de McClure fait un crochet instantanément accrocheur.
Mais, comme dans "Quark, Strangeness and Charm", cette chanson Pop Punk de base est un peu déplacée et, à coup sûr, la plus faible du disque. La musique se noie dans sa propre production, ce qui donne forcément un morceau digne de grincement.
Un autre excellent morceau est le drôle "Flying Doctor'', construit autour d'un riff Heavy et Calvert chante avec un accent australien. C'est, par ailleurs, un hommage à la série télévisée australienne "Flying Doctors", mais avec une sensation Bowie très amusante et très agréable et la voix fait vraiment amateur de pub.
"Flying Doctor" présente une guimbarde qui sert de didgeridoo de substitution et Calvert explore à la première personne le thème de la toxicomanie en Australie avec des paroles répétitives et une satire mordante. Le travail de guitare est excellent, imprégnant la piste de riffs saturés et d'un solo bluesy qui ajoute une belle touche.
Brock emmène la chanson dans un excellent tour de guitare céleste mêlé à cet esprit perturbé qu'était Calvert. Le batteur Martin Griffin frappe puissamment, imitant ainsi courageusement l'énorme Simon King. Un bon son lourd avec des bons vocaux. C'est du Hawkwind vintage.
Vient ensuite "The Only Ones", une chanson plus classique dans la veine des ballades spatiales de "Hall of the Mountain Grill", mais plus concise. Avec ses tons pop harmoniques, c'est probablement le meilleur morceau du disque.
Cette chanson au rythme rapide et acoustique rappelle la partie III de "Ummagumma" de Pink Floyd, "The Narrow Way Part III" signée David Gilmour, et cela pousse vraiment le reste de l'album dans ce qui aurait été une excellente direction pour tout l'album.
Le son général de cette piste sonne comme une incarnation polie des précédents disques de Hawkwind, avec une couche de guitares acoustiques caressée par un nuage de mélotron.
Vient ensuite "(Only) The Dead Dream Of The Cold War Kid" est un autre morceau fantastique, avec une production sombre qui rappelle un peu "Hall of the Mountain Grill". Calvert couvre le thème de l'espionnage avec un portrait lyrique descriptif qui se tisse magistralement dans les lavis froids du son et le timbre nasal des accords de guitare.
C'est un discours de la guerre froide sur la paranoïa de vivre sous la menace de l'effacement nucléaire, magistralement chanté et écrit par Calvert, propulsé par un simple battement de batterie de Simon King, des synthés spatiaux en piqué et des grooves de basse. Le chant rappelle le Psyché de la fin des années 60.
Enfin, sans aucune pitié, le morceau de clôture, le majestueux "The Age of the Micro Man", vient briller à travers la brume électronique avec des voix évanouies qui contemplent, selon les notes de la doublure, "l'avenir de l'être humain, pions dans le jeu de l'industrie mécanisée".
Son rythme lent est l'un des temps forts de l'album et ses paroles concernent les 'Voluntary Prisoners ', ou travailleurs, de l'usine géante PTi.
C'est une pièce Soft Space agréable pour piano, très lente dans le tempo chantée par Brock.
Elle résume les faibles efforts des humains pour contrôler le monde et cette partie de l'univers. C'est un peu une ballade, mais le travail du synthé et les effets contribuent grandement à faire en sorte que la chanson surprenne.

Peut-être le meilleur album des années Charisma de Hawkwind, même s'il n'a même pas pu sortir sous le nom de Hawkwind.
La tournée Britannique que Hawklords entreprirent pour promouvoir l'album impliquait un spectacle sur scène élaboré avec la fiction Pan-Transcendental Industries (PTi) de Calvert dans son centre dystopique. Le plan de 25 Years du PTi recherchait 'une autorité absolue sur la planète' via 'l'industrialisation de la religion' et l'effacement de la nature par 'la nouvelle psycho-technologie'.

"25 Years On" a atteint la 48e place des Charts Britanniques.
"Psi Power" avec un son plutôt commercial et le punky "25 Years" sont sortis en singles mais avec des versions légèrement différentes de celles qui sont apparues sur l'album.
De nouvelles versions acoustiques de "Flying Doctor", "Psychic Power" et "The Age of the Micro Man" ont été incluses dans "The Road to Utopia" (2018), produites et arrangées par Mike Batt avec des orchestrations supplémentaires.

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L' album "PXR5" est finalement sorti le 15 Juin 1979, et le message énigmatique sur la pochette "This is the last but one" fait référence au fait qu'il a été enregistré avant "25 Years On".
Les 5000 premiers exemplaires contenaient l'affiche Hawkwind Family Tree de Pete Frame. La couverture originale contenait une illustration d'une prise électrique britannique BS 1363 câblée de manière dangereuse qui a provoqué une controverse pour des raisons de sécurité, de sorte que les copies suivantes ont été publiées avec un autocollant supposément inamovible couvrant l'œuvre d'art incriminée.
Peu de temps après la sortie de l'album, l'illustration de la prise était recouverte d'un autocollant obscurcissant l'image.

La formation est alors composée d'Adrian Shaw à la basse, de Simon King à la batterie, de Simon House aux claviers, de Robert Calvert au chant et de Dave Brock au chant, à la basse, à la guitare et aux claviers.
A noter que les deux singles, "Psi Power" et "25 Years", comportaient respectivement "Death Trap" et "PXR5" tirés de l'album sur leur face B.
A noter aussi que "Infinity" et "Life Form" devaient à l'origine faire partie d'un album solo sur lequel Dave Brock travaillait.

L'album avait été enregistré et mixé aux Rockfield Studios en Janvier et Février 1978. "Uncle Sam's on Mars", "Robot" et "High Rise" avaient été initialement enregistrés lors de la précédente tournée Britannique mais ils ont été en partie 'overdubbed' en studio, en particulier la voix de Robert Calvert en double piste.

"PXR5" est un album agréable mais il est un peu irrégulier. Les chansons sont généralement plus Rock mainstream que ce que les fans avaient l'habitude d'entendre jusqu'à présent, et au niveau des paroles, Calvert propose une poésie époustouflante, cousue de satire sur tout, de la course à l'espace ("Uncle Sam's on Mars") au déclin urbain et à l'aliénation ("High Rise"). La science-fiction est toujours là, bien sûr, avec "Robot'' parodiant les trois lois de la robotique d'Asimov, mais dans l'ensemble, c'est un Hawkwind plus strict et plus Rock.

Le disque est, en fait, un album mi-studio mi-live: "Uncle Sam's On Mars", "Robot" et "High Rise" ont été enregistrés en live lors de la tournée de 1977 en Angleterre, puis remixés et 'overdubbed' en studio, alors que "Infinity" était basé sur un poème récité par Robert Calvert pour le Space Ritual Tour de 1973.

Stylistiquement, il ressemble aux deux albums précédents avec un peu d'éclat Punk et New Wave, à mi-chemin entre "Quark, Strangeness and Charm" et la fusion plus aboutie de New Wave-space rock réalisée sur "25 Years On".

Certaines des pistes, dont "Uncle Sam's On Mars" et le Heavy et entraînant "Robot", sont tirées de performances en live, révélant que, sur scène, Hawkwind avait gardé des choses plus lourdes alors même que le groupe appliquait une touche plus légère en studio pendant sa période de Charisma. Cela fonctionne parfaitement dans un but utile, à savoir, donner à l'album un son plus varié que tout autre.
Mais "PRX5" prouve que Hawkwind semble avoir du mal, pour le moment du moins, à s'adapter à la fois aux exigences de son son en développement rapide et à l'évolution du paysage musical.

Il s'agit d'une corne d'abondance peut-être un peu trop désordonnée, quelque peu sur-produite, d'ingrédients contradictoires qui, plutôt ironiquement, résume la nature chaotique de la carrière de Hawkwind jusqu'à présent.

Sur cet album, le groupe mélange des synthétiseurs chics avec des guitares New Wave, des mélodies plongées dans la Pop et un barrage d'effets colorés, comme s'il tentait de montrer à quel point cette formation est différente de leur incarnation psychédélique précédente.
Il y a une sorte d'influence Marc Bolan / David Bowie / Roxy Music flagrante sur ce disque, avec de légers embellissements électroniques et Hawkwind a sauté dans le train de la New Wave et les musiciens se sont même aventurés vers le Punk, aliénant certains de leurs premiers fans dans le processus. Le présent album s'appuie sur la formule de "Quark, Strangeness And Charm" et reste assez proche du style de cet album. Cependant, les mélodies ne sont pas aussi mémorables, et en tant que telles, cela apparaît comme une copie plutôt sombre de "Quark, Strangeness And Charm".

La musique tourne au Punk, tandis que les éléments métalliques et futuristes sont temporairement mis de côté. Par conséquent, le style n'est pas vraiment Space Rock et IL peut être comparé à celui de "25 Years On", mais malheureusement sans la même qualité de composition.

Cet album reprend en quelque sorte là où "Quark Strangeness and Charm" s'est arrêté, mais le groupe n'est pas aussi innovant que sur "Quark, Strangeness And Charm" et pas aussi audacieux que sur "25 Years On".
Il n'est pas aisé de suivre le rythme de cet album de Hawkwind et cette étrange combinaison de chansons. Les différents styles / sons de production ne font que créer une ambiance de compilation, au lieu de celle d'un album rock cohérent. Sur la version remasterisée, la qualité sonore globale est cependant relativement bonne.

Plutôt pour les fans de Hawkwind ou peut-être les fans de punk à la recherche de quelque chose qu'ils n'ont peut-être jamais entendu auparavant.

L'album s'ouvre avec "Death Trap" qui est pratiquement un hymne pur Punk, basique et répétitif. Le rythme, le son brut et la fureur des instruments donnent une puissante combinaison. C'est un Rock rapide sur un pilote de course. "Death Trap" aurait pu tout aussi bien sur un album de Clash de la même époque ou des Buzzcocks.
En phase avec son époque, "Jack Of Shadows" est un morceau fantastique et ludique, un Soft Rock agréable avec un excellent riff de guitare et quelques claviers spatiaux. Les paroles sont inspirées du livre du même titre, de Roger Zelazny. Calvert rappelle encore le début de Bryan Ferry. C'est une chanson fraîche et trépidante très 'hawkwindienne'. La musique est accrocheuse, simple et directe.
Puis le groupe revient étonnamment à quelque chose de complètement différent, un Stoner avec le psychédélique "Uncle Sam's on Mars", qui est né de "Opa Loka", avec une diatribe anti-U.S. écrite par Calvert par-dessus. Elle aborde l'obsession fanatique des États-Unis pour l'exploration spatiale avec un mépris total pour notre environnement en décomposition. Cette chanson qui a des similitudes avec "Brainstorm", est cependant plus douce et elle ressemble quelque peu au Pink Floyd du début.
Sa première représentation eut lieu au Cardiff Castle Festival en Eté 1976 sous le nom de "Vikings on Mars", lu par Calvert à partir de ses notes de presse-papiers, et à l'aide d'un mégaphone, sur scène après "Opa Loka". Le morceau est devenu à juste titre un incontournable en live.
"Infinity" rompt avec l'ambiance générale car c'est presque une ballade spatiale Folk avec divers effets sonores, mais, peut-être un peu faible. C'est un morceau de synthé qui présente Brock comme chanteur utilisant un poème de Calvert de "Space Ritual" et qui embrasse notre avenir incertain. Elle rappelle "We Took the Wrong Step Years Ago" du deuxième album de Hawkwind, "In Search of Space".
"Life Form" a un joli motif électronique séquencé sur lequel se verrouiller, mais ce n'est qu'une courte introduction électronique ambiante pour le morceau suivant, "Robot".
La chanson suivante, "Robot", se démarque toujours comme un morceau agréable à écouter avec des effets innovants et un riff de guitare heavy, avec des improvisations spatiales.
Le titre de la chanson lui-même est une distorsion de " Whitey on the Moon " de Gil Scott-Heron.
Elle est Inspirée de la trilogie d'Isaac Asimov "Les Robots" et son riff agressif Moyen-Oriental est dans le style de "Magnu". "Robot" fait référence aux Trois lois de la robotique d' Isaac Asimov qui sont utilisées métaphoriquement pour illustrer comment l'humanité a été réduite à des unités de carbone programmables à l'ère de l'automatisation en 1979 et encore plus vraie aujourd'hui.
C'est un remue-méninges: Il y a plus de paroles et de déclamations de Calvert que sur "Brainstorm" mais il a un riff similaire, un drone similaire, des effets spatiaux et malheureusement aussi des mélodies plutôt inadéquates. Ce n'est pas mal mais il manque un peu de punch pour rester intéressant pendant toutes ses huit minutes.
"Robot" a fait une brève apparition en poème lors du concert historique au Cardiff Castle Festival en Eté 1976.
Le meilleur du lot est la ballade construite en crescendo entièrement orientée New Wave, "High Rise", avec son paysage sonore sombre et ses claviers. Une pièce aérienne trippante, avec des guitares spacieuses.
Elle a une lente accumulation de son et peut rappeller un croisement entre Pink Floyd et le début de David Bowie. Les textures spatiales lentes et la mélodie de construction sont très agréables, et Calvert n'est pas tellement punk mais ses vocaux qui sonnent presque comme Bryan Ferry sont réfléchis.
Les paroles capturent en quelque sorte le sentiment d'être cerné par des gratte-ciel; "...un zoo humain, une machine à suicides, un stock de flypaper, soyez un rebelle de sabotage, empilés dans un immeuble de grande hauteur...".
Accrocheuse, bien conçue et original, c'est, peut-être, l'une des chansons les plus inquiétantes de Hawkwind sur la sur- urbanisation dont les paroles peuvent également être considérées comme des références aux attentats terroristes du 11 septembre contre le World Trade Center.
Les paroles de "High Rise" ont été inspirées du livre de JG Ballard High-Rise et de la nouvelle "The Man on the 99th Floor".
Brock contribue beaucoup à "PXR5", tout aussi impressionnant et intrigant qui est un excellent morceau Punk Rock en clôture de l'album qui se distingue comme un point fort avec des bons vocaux spaciaux de Dave Brock et des atmosphères globalement fortes.
C'est une sorte de chanson mi-punk, mi-robotique, mais un peu difficile à suivre, qui conclut la plongée de Hawkwind dans la nouvelle vague spatiale.
Les paroles de "PXR5" traitent de la période de transition de Hawkwind entre les sons étonnants, la musique étonnante et Quark, l'étrangeté et le charme.

Le CD paru sur Virgin a été masterisé avec des bandes différentes de celles utilisées pour la version vinyle originale. La différence la plus notable est que "High Rise" est la version live sans overdubs studio, donc commence par un clunk plutôt que par une intro basse douce et a une voix plus grossière de Calvert. "PXR5" gagne également une introduction qui manque à l'original.
Le CD de Atomhenge restaure la version originale de l'album, et inclut les différentes versions de "High Rise" et "PXR5" comme pistes bonus 14 et 15 respectivement.

Allmusic a qualifié "PXR5" de "...le dernier de la séquence de disques cassants et influencés par la pop que le groupe ait lancés avec "Astounding Sounds, Amazing Music"..., disant que Hawkwind "...a compris et s'est permis d'absorber les énergies de la New Wave..." sur "PXR5".

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À la fin de 1979, le groupe se reforme: Il s'agit d'un Hawkwind reconstitué avec Brock, Bainbridge et King sortant des Hawklords dissous, rejoints par le lead guitariste Huw Lloyd-Langton qui avait joué sur le premier album d'Hawkwind et le claviériste Tim Blake qui était un ami de longue date du groupe et avait joué sur la trilogie "Radio Gnome" de Gong.
Cette formation s'est lancée dans une tournée au Royaume-Uni à l'Hiver 1979 malgré l'absence de contrat d'enregistrement ni de produit à promouvoir.

Certains spectacles ont été enregistrés et un contrat a été passé avec le label Bronze Records, aboutissant en l'album "Live Seventy Nine".

À l'origine, le groupe "...ne pensait pas que le concert d'Oxford était très bon, mais nous avons écouté la bande de la table de mixage et avons été vraiment surpris. Nous avons donc mixé la bande maîtresse et avons conclu un accord avec Bronze, nous nous serions probablement séparés - nous n'aurions pas pu continuer seuls...". Le manager Douglas Smith a obtenu un contrat de deux albums avec Bronze Records, même si Gerry Bron a avoué "...Je ne pense pas que nous aurions signé Hawkwind si ce n'était pas pour Motorhead, je ne peux pas dire que j'étais intéressé... Une fois que vous dirigez un label et que vous employez des gens, vous devez prendre de bonnes décisions commerciales - vous ne pouvez pas refuser des affaires, même si l'entreprise n'est pas ce que vous voulez faire particulièrement...".
La musique est plus énergique et agressive que les albums précédents sortis sur Charisma Records et l'album a bénéficié de la montée en popularité de la NWOBHM à l'époque.

Paru en 1980, "Live Seventy Nine" a atteint la 15e place du classement des albums britanniques.

Cet album est sérieusement orienté Hard Rock ou même Metal. Alors que le premier live "Space Ritual" était plus orienté 'trip', ce "Live Seventy-Nine" est définitivement un grand moment de musique Rock très rythmée.
Ce n'est pas le Hawkwind du légendaire début des années 70 et Dave Brock et Simon King sont les seuls survivants de l'ère de Space ritual. Huw Lloyd-Langton revient, n'ayant plus été revu depuis le premier album. Harvey Bainbridge continue sur la lancée des Hawklords, et Tim Blake remplit la chaise vacante des synthés pour le groupe pour la première fois.

Avec un set bien choisi de vieux classiques ("Brainstorm", "Master Of The Universe", un peu de "Silver Machine" avant que la machine n'explose, et des morceaux plus récents comme "Spirit of the Age") et du nouveau matériel ("Shot Down In the Night" est le grand single de cette sortie, et "Motorway City", un aperçu de leur album à venir, "Levitation"), l'album comprend également une rare performance live de "Lighthouse", un morceau de l'album solo "Crystal Machine" de Tim Blake, car le vétéran de Gong, Blake avait sauté à bord du Starship Hawkwind pour cette parution.
Cela montre également que même à leurs débuts, l'énergie signifiait réellement quelque chose pour le groupe et cet album cimente vraiment la réputation du groupe en tant que trésor live.
Car Hawkwind est un groupe qui doit, avant tout, être écouté en live et le groupe joue du Metal Punk Space Rock avec un bon équipement électronique. Il n'y a pas beaucoup de 'songwriting', mais le son est excellent et les atmosphères créées sont une véritable bénédiction.

L'album n'est pas l'un des lives les plus importants, car il est trop court et il a des vocaux plutôt médiocres et des pistes un peu faibles. Tout au long de l'album, on peut entendre les influences Punk dans la musique, tandis que les tendances progressistes du début et du milieu des années soixante-dix ont presque disparu.

Le groupe est en excellente forme avec Brock qui sonne brut mais vibrant sur les vocaux et les guitares, avec un peu de synthé. Il parle à la foule de temps en temps, comme avant le Requiem ridiculement court de 'Silver Machine' qui semble mal coupé. La basse de Harvey Bainbridge et les guitares de Huw Lloyd-Langton sont très agréables à écouter. Tim Blake aux claviers et Simon King à la batterie sont formidables.
En plus d'être une évolution opportune en termes de tendances actuelles grâce à l'apport de la New Wave of British Heavy Metal qui frappait à ce moment-là, c'est une véritable bouffée d'oxygène créative pour le groupe, qui leur permettra de faire le magnifique "Levitation", leur prochain album studio.

Le résultat est une explosion d'énergie glorieuse et bruyante, présentée à merveille par un travail de mixage complexe qui fait beaucoup pour camoufler les problèmes de la performance de guitare de Dave Brock et qui ajoute de l'intérêt à ces moments où le barattage deviendrait autrement monotone.
Cet album et ses imperfections font partie de son charme. Hawkwind n'a jamais sonné aussi bien, ni avant ni depuis; et ce qui manque à l'album dans des structures élaborées, il compense largement avec son énergie abondante, sa solide musicalité et l'un des mixages les plus intelligents jamais entendu...

Le son de Hawkind des années 70 traverse chaque morceau de cet album. Fantastiques synthétiseurs spatiaux de Tim Blake et excellent travail de guitare de Brock et Lloyd-Langton. Un chef-d'œuvre du prog psychédélique de la fin des années 70 avec une ouverture impressionnante et puissante ("Shot down the night") et une version live très Heavy de "Master of the Universe".
Fantastiquement énergique, souvent avec un côté New Wave Parfaitement compensé par les synthétiseurs spatiaux de Tim Blake.

Tout commence avec le punky "Shot Down In The Night" sur lequel Tim Blake fournit le synthétiseur bouillonnant et tout démarre solidement.
"Shot Down in the Night" avait été écrit par le claviériste des Hawklords, Steve Swindells, pour la sortie d'un single, mais il est parti au cours de l'année pour enregistrer un album solo. Le single a été soutenu en face B par le morceau sans album " Urban Guerrilla " et il a atteint la 59e place du classement des singles Britanniques.
Swindells a également sorti une version studio de ce morceau en single et sur son album "Fresh Blood" qu'il a enregistré avec King, Lloyd-Langton et Nic Potter.
L'énergie baisse un peu pour l'introduction à "Motorway City", avec tous les accords de synthé à libération lente et la guitare tintante avant que Dave Brock ne s'amuse avec un riff de guitare rythmique en phase. Une chanson simple mais mortellement efficace.
"Spirit Of The Age" qui suit est une variation de la version entonnée par Calvert lors des précédents concerts de Hawkwind.
Ce n'est pas la même chose que l'original avec Nik Turner. Il semble même que Dave Brock oublie les mots à mi-chemin et enchaîne maladroitement dans un morceau différent. Heureusement, l'instrumentation du groupe est cependant toujours bonne et il est bon d'entendre Hawkwind en quintuor.
La version de "Brainstorm" est totalement décousue et d'une extrême violence. Les guitares sont dévastatrices et après un tel morceau, le public doit avoir été assez renversé. Fabuleux travail aussi de la section rythmique.
Il y a une section improvisée avec des tambours battants, de l'électro et des sons de guitare expérimentaux, ce qui en fait un pur délice.
Un moment aérien est alors nécessaire pour se rafraîchir un peu et l'énergie retombe à nouveau pour l'intro de synthé de Tim Blake sur sa propre chanson, "Lighthouse", de son album "Blake's New Jerusalem".
C'est une belle diversion de toute la lourdeur et cette version est renforcée par une solide jam d'Hawkwind.
Ensuite, c'est un retour à la guitare énergique avec "Master of the Universe". Cette version folle est également plutôt énergique, plus rapide mais elle reste fantastique à entendre.
Le pré-écho très efficace sur la voix de Dave Brock a dû certainement être ajouté lors du mixage de l'album.
Dans "Silver Machine (Requiem)", le morceau "Silver Machine" explose à mi-chemin dans la chanson et il est suffixé avec "Requiem" dans la tentative de Brock de le tuer, étant malade de ce 'Hit single' qu'il était censé jouer tous les soirs.
Décevant! mais alors, combien d'autres albums se terminent par une explosion au milieu d'une chanson?

Dans l'ensemble, il s'agit donc d'une solide sortie en live qui lance les années 80 en pleine forme pour Hawkwind.
Comme avec de nombreux albums de Hawkwind, celui-ci apparaît dans différents formats avec des listes de pistes différentes; le vinyle étant différent du CD, mais dans ce cas, il ne semble pas nuire au plaisir général du concert.
Attention: la sortie connue sous différents noms, dont "Complete '79", qui prétend être un enregistrement complet de ce concert, n'est pas vraiment digne de confiance.
C'est bien le concert complet mais la qualité sonore est absolument désastreuse et provient apparemment d'un enregistrement du public, et ne peut que décevoir à côté du son de cette sortie.

La réédition d'Atomhenge comprend en bonus "Urban Guerilla" provenant du même set, mais c'est tout pour les enregistrements de ce concert avec une qualité sonore acceptable. Cela signifie que cet album live est un peu court par rapport à des sorties plus épiques de plus en plus tard dans la carrière de Hawkwind, mais ce qui lui manque en masse, cela le compense en substance.
Alors un conseil, procurez-vous l'original, éteignez les lumières et monter le volume...

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TRANSITION

C'est alors que commence à circuler des "Weird Tapes" qui sont un ensemble de cassettes émises au début des années 1980 qui contiennent des séances en live, des séances de radio, des sorties et des démos:
Dave Brock avait rassemblé ce matériel à partir de sa propre bibliothèque privée et il les a publiés sous forme de cassettes TDK de 40 minutes sur son propre label Weird via Geoff Hocking.

La première bande (101) a été mise à disposition par correspondance au début de 1980, tandis que la dernière bande (108) a été publiée pour la première fois à la fin de 1983. Lorsque Brock a rencontré Rob Ayling de Voiceprint Records à la fin de 1999, ce matériel a été réédité sur CD sans aucune modification.

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"Volume 1: Sonic Assassins / Dave Brock" est paru en Mars 1980 et en CD en Septembre 2000.

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"Over the Top" ( Robert Calvert , Dave Brock ) – 7:53
"Magnu"/"Angels of Life" (Brock) – 4:23
"Freefall" (Calvert, Harvey Bainbridge ) – 7:54
"Death Trap" (Calvert, Brock) – 4:30
"Nuclear Toy" [aka "Nuclear Drive"] (Brock) – 4:21
"Who's Gonna Win the War" (Brock) – 5:55
"The Dream" (Brock) – 1:21
"Assassination" [aka "Some People Never Die"] (Brock) – 3:34
"The Dream II" (Brock) – 0:26
"Satellite" [aka "The Phenomenon of Luminosity"] (Brock) – 2:49

Pistes 1 à 4: Sonic Assassins, à Barnstaple le 23 Décembre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Harvey Bainbridge; Paul Hayles; Martin Griffin. Inclus sur "25 Years On" remasterisé de 2009 (2 CD)
Pistes 5,7–10: Démos de Dave Brock 1979.
Piste 6: Hawklords, aux Rockfield Studios 1979: Dave Brock; Harvey Bainbridge; Steve Swindells; Simon King. Inclus sur le CD "Levitation" remasterisé en 2009.

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"Volume 2: Hawkwind Live / Hawklords Studio" est paru en Octobre 1980 et en CD en Septembre 2000

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"Quark, Strangeness and Charm" (Calvert, Brock) – 2:38
"Master of the Universe" ( Nik Turner , Brock) – 4:44
"Welcome to the Future" (Calvert) – 2:10
"Spirit of the Age" (Calvert, Brock) – 5:57
"Sonic Attack" ( Michael Moorcock ) – 5:27
"Valium 10" (Brock, Bainbridge, Steve Swindells , Simon King ) – 7:51
"Douglas in the Jungle (Ode to A Manager)" (Brock, Bainbridge, Swindells, King) – 6:53
"Time of the Hawklords" (Brock, Bainbridge, Swindells, King) – 4:07

Pistes 1 à 5: Stonehenge Free Festival, le 21 Juin 1977 et New Theatre Oxford, le 30 Septembre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King. La piste 1 est incluse sur le CD "PXR5" remasterisé en 2009. La piste 4 est incluse sur "Quark, Strangeness and Charm" remasterisé de 2009 (2CD).
Pistes 6 à 8: Hawklords, aux Rockfield Studios en 1979: Dave Brock; Harvey Bainbridge; Steve Swindells; Simon King. Inclus sur le CD "Levitation" remasterisé en 2009.

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"Volume 3: Hawkwind Free Festivals" est paru en Octobre 1980 et en CD en Septembre 2000

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"High Rise" (Calvert, Simon House ) – 5:37
"Damnation Alley" (Calvert, Brock, House) – 8:00
"Uncle Sam's on Mars" (Calvert, Brock, House, King) / "The Iron Dream" [unlisted] (King)– 6:33
"Robot" (Calvert, Brock) – 7:21
"Cake Out" [aka "Hash Cake"] (Hawkwind) – 4:44
"Circles" (Turner, Brock, Paul Rudolph , Alan Powell ) – 4:29
"Elements" [aka "I Am the Eye"] (Turner, Brock, Rudolph, Powell) – 4:26
"Slap It on De Table" (Hawkwind) – 0:50

Pistes 1 à 4: Stonehenge Free Festival le 21 Juin 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King. La piste 1 est incluse sur "Quark, Strangeness and Charm" remasterisé de 2009 (2CD).
Pistes 5 et 8: Rockfield Studios, en Janvier 1977: Dave Brock; Paul Rudolph; Simon House; Simon King. La piste 5 est incluse sur sur "Quark, Strangeness and Charm" remasterisé de 2009 sous le nom de "Hash Cake Cut" (2CD).
Pistes 6 et 7: Watchfield Festival le 23 Août 1975: Dave Brock; Paul Rudolph; Nik Turner; Alan Powell. Les deux morceaux sont inclus sur "Warrior on the Edge of Time" remasterisé de 2013 (2CD + DVD-A et Box Set).

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"Volume 4: Hawklords Live 1978" est paru en Juin 1981 et en CD en 2001

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"Death Trap" (Calvert, Brock) – 6:21
"Age of the Micro Man" (Calvert, Brock) – 3:40
"Spirit of the Age" (Calvert, Brock) – 9:25
"Urban Guerilla" (Calvert, Brock) – 5:18
"Steppenwolf" (Calvert, Brock) – 9:07
"Freefall" (Calvert, Bainbridge) – 5:28
"Uncle Sam's on Mars" (Calvert, Brock, House, King) – 6:28
"The Iron Dream" [unlisted] (King) – 2:05

Hawklords, Plymouth Polytechnic le 23 Novembre 1978: Robert Calvert; Dave Brock; Harvey Bainbridge; Steve Swindells; Martin Griffin.

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"Volume 5: Hawkwind Live 1976-77" est paru en Septembre 1981 et en CD en Septembre 2000

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"Back on the Streets" (Calvert, Rudolph) – 3:50
"Chronoglide Skyway" [incorrectly listed as "City of Lagoons"] (House) – 5:09
"Brainstorm" (Turner) – 7:25
"Wind of Change" (Brock) – 4:07
"Assassins of Allah" [aka "Hassan I Sabbah"] (Calvert, Rudolph) – 7:17
"Forge of Vulcan" (House) – 2:33
"Steppenwolf" (Calvert, Brock) – 10:29
"Where Are They Now?" (Brock) – 2:19

Pistes 1-2: Hammersmith Odeon , le 5 Octobre 1976: Robert Calvert; Dave Brock; Paul Rudolph; Nik Turner; Simon House; Alan Powell; Simon King.
Pistes 3 à 6: Hammersmith Odeon, le 5 Octobre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King.
Pistes 7: Leicester DeMontford Hall, le 3 Octobre 1977: Robert Calvert; Dave Brock; Adrian Shaw; Simon House; Simon King.
Piste 8: inconnue.

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"Volume 6: Hawkwind Live 1970-73" est paru en Octobre 1982 et en CD en 2001

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"Volume 6: Hawkwind Live 1970-73" est paru en Octobre 1982 en CD en 2001
"Make What You Can" (Brock) – 7:11
"Born to Go" (Calvert, Brock) – 5:05
"Master of the Universe" (Turner, Brock) – 7:18
"Seeing It As You Really Are" [listed as "Jam"] (Hawkwind) – 3:25
"Hurry on Sundown" (Brock) – 4:49
"Come Home" [aka "Some of That Stuff"] (Hawkwind) – 2:11
"We Do It" (Hawkwind) – 10:35
"Earth Calling" (Calvert) – 3:28

Piste 1: studio 1973: Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.
Pistes 2 à 4: The Roundhouse, le 12 Février 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King. Inclus sur "Greasy Truckers Party" remastérisé de 2007 (3CD).
Pistes 5 à 6: session BBC Radio 1, aux Maida Vale Studios, le 18 Août 1970: Dave Brock; Thomas Crimble; Nik Turner; Dik Mik; Terry Ollis; Huw Lloyd-Langton.
Track 7: BBC Radio 1 In Concert, au Paris Cinema, à Londres, le 5 Novembre 1970: Dave Brock; Thomas Crimble; Nik Turner; Dik Mik; Terry Ollis.
Track 8: Brixton Sundown, 30 December 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.
Piste 8: Brixton Sundown, le 30 Décembre 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.

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"Volume 7: Dave Brock Demos" est paru en Octobre 1983 et en CD en Septembre 2000

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"Welcome to the Dream Machine" [unlisted] (Brock) – 0:19
"Streets of Fear" (Brock) – 4:18
"First Landing on Medusa" [aka "The Church"] (Brock) – 3:14
"Touchdown" (Brock) – 1:56
" Winter of Discontent " ( William Shakespeare , Brock) – 2:41
"Outer Limits" [unlisted] (Brock) – 1:03
"Choose Your Masks" (Moorcock, Brock) – 4:58
"Looking in the Future" (Brock) – 3:39
"Space Travellers" (Brock) – 2:36
"Disintegration" [unlisted] (Brock) – 1:06
"Circles" (Brock) – 6:25
"Speed of Light" [aka "Transdimensional Man"] (Brock) – 5:40
"Bombed Out" (Brock) – 4:08

Démos de Dave Brock, 1980–82.

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"Volume 8: Live 1966-73" est paru en Novembre 1983 et en CD en Mars 2006.

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"Space Is Deep" (Brock) – 8:05
"Down on Her Knees" (Brock) – 5:58
"Live and Let Live" (Brock) – 4:07
"Etchanaty" (Brock) – 3:21
" Roll 'Em Pete " ( Big Joe Turner , Pete Johnson ) – 2:15
"Come On" (unknown) – 2:25
"Dealing With the Devil" ( Sonny Boy Williamson II ) – 2:10
" Bring It On Home " ( Willie Dixon ) – 3:11
"You Know You're Only Dreaming" (Brock) / "You Shouldn't Do That" (Turner, Brock) – 12:00

Piste 1: Brixton Sundown, le 30 Décembre 1972: Robert Calvert; Dave Brock; Lemmy; Nik Turner; Del Dettmar; Dik Mik; Simon King.
Pistes 2 à 4: inconnues.
Pistes 5 à 8: pré-Hawkwind Dave Brock 1966-69. La piste 8 est incluse sur le CD "Hawkwind" remasterisé en 1996.
Pistes 9: session BBC Radio 1, aux Maida Vale Studios, le 19 Mai 1971: Dave Brock; Dave Anderson; Nik Turner; Dik Mik; Terry Ollis.

FIN DE LA TRANSITION

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Lalbum suivant, "Levitation", a été enregistré entre Juillet et Août 1980 et il est sorti le 27 Octobre de la même année.
Le batteur Simon King a été remplacé par l'un des meilleurs batteurs de l'époque, un certain Ginger Baker, ancien batteur de Graham Bond, de Cream, de Blind Faith, de Air Force et de Baker Gurvitz Army, au tout début des sessions d'enregistrement.

Au moment de sa sortie, le leader du groupe Dave Brock a déclaré: "...Avec Levitation, nous avons bouclé la boucle avec le style de notre premier album. Et c'était l'album qui exprimait totalement nos idéaux et ce que nous défendions...".

C'est leur premier album de studio après le départ du chanteur et parolier Robert Calvert et les paroles ont tendance à être superficielles et le nombre d'instrumentaux est en augmentation. C'est aussi le seul album studio d'Hawkwind à présenter Ginger Baker et le claviériste Tim Blake, qui reviendra plus tard dans le groupe et jouera sur "Blood of the Earth" en 2010.

Le groupe, alors composé du même personnel que sur l'album live "Live Seventy Nine", entra dans les studios de The Roundhouse en Juillet et Août 1980 pour enregistrer cet album.
Le studio avait été nouvellement équipé d'un système de masterisation numérique 3M de Bronze Records, ce qui en fit l'un des premiers albums Rock à être enregistré avec la technologie d' enregistrement numérique en plein essor.
Pendant l'enregistrement, Dave Brock marqua son mécontent de l' incapacité du batteur Simon King à garder un tempo constant, affirmant qu'"il ne pouvait pas jouer correctement de sa batterie parce qu'il prenait de mauvaises drogues", bien que King ait déclaré pour sa défense: "Je voulais simplement m'évader... J'avais beaucoup envie de boire... et [après mon départ, j'étais] déterminé à reprendre ma vie de famille...".

Ils avaient alors envisagé d'utiliser une boîte à rythmes qui était en studio, mais personne ne savait comment s'en servir. Marion, épouse du guitariste Huw Lloyd-Langton, attachée de presse pour la 'manager Roy Ward's company' de Ginger Baker, a suggéré d'approcher le batteur pour contribuer en tant que musicien de session.
Celui-ci a accepté l'offre et il a terminé ses travaux en deux jours, dépassant les attentes. Lloyd-Langton a observé qu'"...il a tout de suite traversé ["Space Chase"]. Je ne pense pas que Simon aurait pu jouer ça... Ginger a ajusté le groupe comme un gant. Son style était parfait pour ça...".

L'album a été enregistré numériquement. C'était en 1980, l'enregistrement numérique en était encore à ses balbutiements, Stevie Wonder ("The Secret Life of Plants"), Ry Cooder ("Bop till You Drop") et un petit groupe de musique progressif canadien nommé True Myth enregistraient tous numériquement à cette époque, et Hawkwind était un nouveau venu dans cette technologie. Cela donne à "Levitation" un son clair car, au moins, il n'a pas ce son synthétique et stérile que l'on peut rencontrer avec trop d'enregistrements numériques quelques années plus tard (en particulier au milieu des années 1980 et au-delà), pas de gros sons de batterie des années 80 et pas de synthétiseurs synthétiques car Tim Blake utilisait toujours ses vieux synthétiseurs Mini Moog et Synth "A", plus un synthé polyphonique.

Avec un accent beaucoup plus sur les instrumentaux par opposition aux voix clairsemées, l'accent lyrique des albums de Calvert des quatre dernières années cède la place à un rétablissement de la vision musicale originale du groupe à certains égards, bien que cela soit fusionné à la mode avec un standard de production et de nouveaux jouets synthétiseurs dont Hawkwind n'aurait pu que rêver.
Enfin, Hawkwind privilégie la musique sur la drogue, la mélodie sur le rythme, le son sur le bruit et "Levitation" caractérise la nouvelle direction pour Hawkwind qui entre dans les années 80 avec un Space Rock et un son rétro. Les chansons diffèrent un peu du son Hawkwind. C'est peut-être l'album le plus agréable de Hawkwind car il est spacial, concentré, percutant et amusant!

Il y a encore des effets étranges et des ponts musicaux accrocheurs, mais ce qui distingue cette nouvelle ère, c'est que la musicalité monte de quelques crans. Fini les rythmes répétés à l'infini pour faire place à des solos complexes de lead guitare et à des riffs plus accessibles. Les claviers sont joués avec brio par Tim Blake, et Bainbridge et Lloyd-Langton sont excellents partout. Ginger Baker à la batterie est définitivement la carte maîtresse; l'homme est une légende omniprésente et il prête son experience sur chacune des pistes.

Dans l'ensemble, "Levitation" est certainement la sortie la plus cohérente en termes de structures et d'arrangements innovants.
En termes de qualité, cet album est en phase avec la plupart de leurs précédents opus. Agréable à écouter mais rien d'exceptionnel, même si une excellente guitare acoustique peut être entendue dans "The Fifth Second Of Forever". Le morceau de clôture solide est particulièrement brillant. Une belle façon de fermer après tout, surtout pendant les sections instrumentales.
Les pistes sont à la fois des Rocks propres avec des sons spatiaux et des paysages audio électroniques. Pas aussi bon que les disques étourdissants des années 1970, mais toujours un bon album, et il est même accessible aux auditeurs de musique non progressive.

Avec "Levitation", Hawkwind embrasse vraiment le nouvel esprit des années 80. Dave Brock a utilisé le meilleur de ce que cette décennie controversée a à offrir pour rafraîchir le style musical du groupe: heavy metal, synthétiseurs accrocheurs, urgence et énergie. Fini le rock psychédélique stoner ou les longues improvisations, les morceaux sont désormais plus courts, plus directs et plus concis. Il n'y aura pas de retour en arrière. Cependant, cet opus de 1980 offre vraiment des ambiances variées, car il alterne passages agressifs, paisibles, rock et électroniques. En fait, près de la moitié du disque est instrumental! Mais, le plus important, l'inspiration et la nouveauté sont présentes. La production s'est également améliorée et la qualité sonore est excellente.

"Levitation" n'est, à proprement parlé, pas du Heavy Metal, mais un mélange assez raffiné de guitares heavy, de synthés spatiaux et un beau jeu de lumières et d'ombrages. Les influences de la New Wave des années 77-79 ont pratiquement disparu et Hawkwind est revenu à son son de Space Rock connu.
La production n'est pas trop exagérément année 80, ce qui permet à cet album de rester quasi intemporel. "Levitation" est, en fait, un album équilibré, plus poli que d'habitude.

L'album possède un style plus poli et accessible, tout en conservant le son 'space / heavy' comme guide. Bien que les musiciens soient toujours très Rock, l'ambiance est moins sale. De plus, l'instrumentation est excellente, les chansons sont généralement de moyennes à bonnes et les arrangements sont bons.

Nouvelle décennie, nouveau line-up. Calvert parti, Dave Brock est le seul membre original restant et revient donc au chant principal. Ginger Baker et surtout Tim Blake rejoignent le groupe. Mais,"Levitation" marque aussi le grand retour surprenant du guitariste Huw Lloyd-Langton, qui était apparu sur l'album live, "Live Seventy Nine". L'ancien Hawklords, Harvey Bainbridge, est confirmé à la basse.
Brock, Bainbridge et Lloyd-Langton composent ensemble un lot de morceaux intéressants. Du rythme insouciant de "Levitation" aux moments désespérés et à l'impulsion plus joyeuse de "Dust Of Time", il y a un degré remarquable de substance piste par piste.

Cet album bénéficie énormément des contributions Bainbridge et Lloyd-Langton car ils sont responsables, conjointement ou séparément, de titres de l'album comme le bruyant "Psychosis", pièce maîtresse de "World Of Tiers" et la tension fascinante de "Space Chase" (les sons cosmiques absolument luxuriants abondent des synthés et des guitares). Et puis Brock n'est pas en reste avec le trajet un peu trop long de "Motorway City", et l'hymne presque métallique, "Who's Gonna Win The War".

Le travail de lead guitare de Huw Lloyd-Langton est excellent et il y a même quelques parties de guitares acoustiques plus discrètes! L'intro / outro acoustique de "The 5th Second Of Forever" mérite même une mention spéciale. La batterie est jouée par Ginger Baker et sa contribution est à des kilomètres de la batterie répétitive et souvent sans imagination des premiers albums de Hawkwind. Les claviers de Tim Blake sont principalement spacieux, mais parfois il parvient aussi à être quelque peu symphonique. La basse est également bien jouée, mais les vocaux limités de Brock trop monocordes ne sont pas impressionnants, loin s'en faut, mais rien n'est bâclé comme sur les premiers albums.
Avec Ginger Baker à la batterie et Tim Blake au synthétiseur sur le vaisseau mère Hawkwind, "Levitation" est en quelque sorte un album de retour pour Hawkwind après les circonstances confuses de la fin de son passage chez Charisma.

Avec seulement 37 minutes, c'est un peu court, mais c'est juste assez pour être agréable.
"Levitation" propose véritablement un voyage dans le cosmos à travers diverses galaxies musicales. Une fois de plus, Dave Brock prouve que son groupe est toujours à la hauteur de son époque tout en conservant et en adaptant son identité. Après les expérimentations audacieuses mais inégales de la fin des années 70 de l'époque Calvert / années Punk, cet opus représente la renaissance de Hawkwind. Le vaisseau spatial est prêt à s'aventurer dans les années 80, qui ont été fatales pour tant de groupes progressistes. Avec le capitaine Brock en tête, les passagers sont complètement rassurés.

Pas aussi essentiel que "Space Ritual", "Warrior On The Edge of Time" ou "Quark Strangeness and Charm", mais relativement proche d'eux en qualité. Malheureusement, il s'est avéré que c'était pour la dernière fois qu'ils ont réalisé cela sur un album studio pour le reste de leur carrière.
"Levitation" est sans doute l'album de Hawkwind le plus accessible à ce moment-là, mais aussi le plus Heavy. Sur ce disque, les compositions sont bien plus complexes et avancées que sur tous les autres disques de Hawkwind. Une grande variété de thèmes, des solos inspirés et une large palette de sons pour les guitares et les synthés.

Ce n'est en aucun cas mauvais, mais ce n'est pas non plus excellent. Bien sûr, un disque de Hawkwind ne sera jamais parfait. Par exemple les mauvaix vocaux de David Brock sur la plupart des chansons, la basse plutôt disco imparfaite sur "Motorway City" et la perte de direction sur certaines des chansons ultérieures de l'album. Ce groupe sonne comme s'il était en feu! Est-ce à cause de la batterie de Ginger Baker? Peut-être la rivalité entre les guitares de Huw Lloyd-Langton et David Brock? Peut-être que former un nouveau Hawkwind pour une nouvelle ère, sans Calvert, a donné beaucoup à réfléchir.

L'atmosphère générale de l'album côtoie des groupes d'autres genres de l'ère post-prog, post-punk - décadence sociale et urbaine, claustrophobie et sentiment général d'isolement que beaucoup ont retrouvé à la fin des années 1970.

"Levitation" ouvre l'album avec un bon dialogue entre la basse et la guitare; le chant et la batterie font leur travail avec précision. La musique est un peu psychédélique spatiale comme Eloy mais moins ambiante. Le solo de claviers au milieu de la piste est vraiment bon. Le son de la guitare est excellent surtout pendant la section instrumentale prolongée.
'Levitation' est un Rock qui sonne un peu punky comme Souxiee & The Banshees avec des chorus contagieux et des riffs croquants qui figurent sur de nombreuses compilations. C'est simplement un hymne de Space Metal.
C'est la chanson la plus connue et elle existe en d'innombrables versions live qui a étéreprise par de nombreux groupes, par exemple Amorphis sur "My Kantele".
Terry Bickers a nommé son groupe Levitation d' après cet album.
"Levitation" avait été joué lors de la précédente tournée du groupe au Royaume-Uni pendant l'Hiver 1979 et, bien que non inclus dans l'album live "Live Seventy Nine", une version bootleg fut plus tard publiée sur l' album "Complete '79". Une version live de la tournée Levitation est sortie sur l'album "This is Hawkwind, Do Not Panic".
Le long morceau mélodique, "Motorway City", joué avec un superbe travail instrumental, est la meilleure chanson de l'album entre dans un style moins rapide tout en conservant un style Space Psyché. Le solo de guitare est fantastique et avec les claviers, la suite montre clairement qu'ils font pratiquement du Rock Progressif, mais plus Rock que Progressif mais qui s'en soucie.
Le morceau s'ouvre avec ce riff de marque Hawkwind immédiatement reconnaissable. Une progression de trois accords répartis sur 4 mesures... Simple mais efficace.
En fait, "Motorway City" ressemblant un peu à du Motorhead contient tous les ingrédients principaux du groupe, à savoir une guitare accrocheuse et simple, des claviers d'une autre dimension, un rythme entraînant plus Hard Rock que Prog, et des paroles futuristes qui ne peuvent venir que de ce groupe.
Le groupe avait voulu que "Motorway City" soit sorti comme single de l'album, mais la maison de disques a préféré "Who's Gonna Win the War?".
Il avait été joué lors de la précédente tournée Britannique du groupe à l'Hiver 1979 et inclus sur l' album "Live Seventy Nine". Une version live de cette chanson de la tournée Levitation a ensuite été publiée en 1983 en tant que single de l' album "Zones".
"Psychosis" est un étrange et court passage expérimental composé par Harvey Bainbridge. Il sert d'introduction au tonnerre "World Of Tiers".
Cela commence par un son comme un vaisseau spatial qui s'approcherait de la planète Terre, surtout quand il est combiné avec quelques voix off typiques d'un vol spatial qui pourraient ressembler à des gens commandant l'engin spatial. Puis après un peu de psychédélisme, le riff commence et la batterie de Baker martèlent sans relâche et il y a un son délicieux sur l'acoustique. Les sons du clavier dominent cette chanson de manière non structurée qui se déplace de manière transparente vers la piste suivante "World of tiers".
C'est une pièce instrumentale de synthétiseur courte qui a été inclus dans la tournée de Levitation, une version étant incluse, mais non répertoriée, sur l'album "This Is Hawkwind, Do Not Panic".
Le morceau suivant, "World of tiers", est un Hard Space Rock rapide avec une bonne mélodie et une combinaison équilibrée d'ambiance, de travail de guitare, de batterie et de claviers; tous bougent de manière flottante. C'est un excellent instrumental. Superbement mélodique pour commencer, la chanson évolue vers un rythme super et acéré.
Elle a une intro spatiale qui est rapidement remplacée par un superbe paysage sonore. Elle surprend car elle alterne un Space Metal puissant et des moments plus calmes.
"World of Tiers" fait référence à la série de romans de science-fiction 'World of Tiers' de Philip José Farmer. Instrumentale, elle rappelle "Oh Well" de Fleetwood Mac. C'est une chanson qui avait aussi été jouée lors de la précédente tournée Britannique de l'Hiver 1979, une version bootleg a été publiée plus tard sur l' album "Complet '79". Une version live de cette chanson de la tournée Levitation a été publiée sur la collection "Hawkwind Anthology".
"Prelude'' est un autre morceau court, un morceau de synthétiseur instrumental de Tim Blake, où les effets sonores reviennent d'une manière plus douce, avec des vents spatiaux et une ambiance électronique paisible se connectant avec la chanson suivante, il ne fournit qu'un pont qui mène à la belle chanson "Who's gona win the war" avec une belle mélodie.
Un message puissant suit avec "Who's Gonna Win the War?", une chanson proche d'une ballade plutôt exceptionnelle sur laquelle Brock sonne bien. Sa belle mélodie est entraînante avec des accents spatiaux. La ligne de basse est formidable et l'excellent solo de guitare monte avec les effets de vent.
La musique est fondamentalement simple avec un style flottant comme corps principal de celle-ci tandis que la basse fournit ses lignes ambulantes combinées avec une guitare, une batterie et un clavier spatial.
"Who's Gonna Win The War?" est sorti en single avec la piste non-album "Nuclear Toy". Il avait également été joué lors de la précédente tournée du groupe au Royaume-Uni à l'Hiver 1979, une version bootleg a ensuite été publiée sur l' album "Complete '79".
L'instrumental uptempo, "Space Chase", un autre joyau de Space Metal féroce, maintient délicieusement l'atmosphère générale en tirant une grande partie de son énergie d'une performance de batterie déchirante de Ginger Baker.
Il s'ouvre sur de l'électronique auquel se joint rapidement à un assaut instrumental.
C'est un bon morceau avec un excellent travail de batterie, de guitare et de claviers. Ginger Baker est tout simplement fantastique sur cette piste.
En tant qu'instrumental, il offre certaines des meilleures qualités musicales du vaste catalogue Hawkwind. Les effets sonores des claviers qui rappellent le voyage des vaisseaux spatiaux enrichissent la musique, en termes de textures. Le solo de claviers est d'ailleurs vraiment magnifique et le solo de guitare qui suit est également agréable.
Une version live de la tournée Levitation est sortie sur l'album "This is Hawkwind, Do Not Panic".
La douceur se poursuit avec une autre chanson instrumentale, "The 5th second of forever (From The Film)" qui commence par une délicate introduction par une belle guitare acoustique juste pour laisser place à une section plus agitée. C'est quelque chose de différent par rapport aux autres morceaux de cet album. Le clavier suit ensuite avec ses sons spatiaux suivis de la musique à part entière dans un tempo moyen. Encore une fois, la guitare offre une bonne mélodie pendant la partie chantée. Le solo de guitare qui suit est étonnant mais malheureusement court et il s'estompe lorsque la guitare acoustique revient.
Le titre "The 5th Second of Forever" fait référence au poème de Space Ritual de Robert Calvert de 1972 "The Ten Seconds of Forever", et il a été sous-titré "from the film" sur l'album comme une blague par le groupe, la chanson n'ayant pas été utilisé par n'importe quel film. Il comporte une intro et une outro de guitare acoustique à cordes en nylon de Lloyd-Langton. Une version live de cette chanson de la tournée Levitation a été publiée sur l' album "This is Hawkwind, Do Not Panic" sous le titre "Circles". Ses paroles ont également été utilisées sous le titre "Cercles", mais sans similitude musicale,'overdubbed' sur Hawkwind au Watchfield Festival 1975 (piste 5 de "Weird Tape 3") et sur les démos de Dave Brock 1982 (piste 8 de "Weird Tape 7").
Enfin, l'album se finit par la merveilleuse mélodie de "Dust Of Time, avec une musique à tempo moyen.
Elle adopte une ligne de rythme et de basse similaire à "Another Brick in the Wall Part 2" de Pink Floyd, mais dans un but musical futuriste. Couplé à une ambiance robotique et une mélodie percutante, le résultat final est assez unique, même dans la discographie du groupe: bonnes guitares et percussions, vocaux en conséquence, effets de claviers efficaces.
Le break de leadguitare est un vrai régal et des claviers très atmosphériques viennent enrichir le paysage sonore.
"Dust of Time" a été joué pendant la tournée de Levitation, et une version instrumentale éditée avec une intro tirée de la sortie de "The 5th Second of Forever" a été publiée sur l'album "Zones" sous le titre "The Island".

L'album a culminé à la 21e place dans les UK Charts Albums.

Le groupe a ensuite demandé à Ginger Baker de rester avec eux, et malgré avoir précédemment déclaré à la presse ses intentions de rejoindre Atomic Rooster nouvellement reformé, il "...a trouvé l'ambiance des sessions tellement fantastique que j'ai tout de suite décidé de rester avec Hawkwind. Pour moi ce n'est pas seulement mon énième groupe, je suis déterminé à lui donner tout ce que j'ai. Hawkwind a toujours fait de la musique intemporelle, mais vous pouvez certainement encore entendre les années quatre-vingt...".

Hawkwind a alors entrepris une tournée de 33 dates en Grande-Bretagne et en Irlande du 10 Octobre au 15 Novembre pour promouvoir l'album. Huit dates après la tournée, Blake est parti après s'être affronté avec Brock à la suite d'un incident quittant l'hôtel le matin après le concert de Stoke.
Le technicien de Blake, Paul "Twink" Noble (qui avait auparavant joué avec Here and Now et qui rejoindra plus tard Gong), prit la place de Blake en utilisant l'équipement de Blake, jusqu'à ce qu'un accident de la route l'oblige à quitter la tournée après cinq autres dates. Keith Hale, qui avait été dans Blood Donor et écrivait et produisait pour Toyah, a ensuite rejoint le groupe pour le reste de la tournée.

Le groupe a également entrepris une tournée supplémentaire de onze dates en Grande-Bretagne entre le 12 et le 22 Décembre, le concert de Lewisham Odeon le 18 étant enregistré professionnellement.
Brock a pressé Bronze Records de sortir un autre album live de ces bandes, mais après avoir publié "Live Seventy Nine", le chef du label Gerry Bron a refusé en déclarant à Hawkwind qu'"...ils étaient un peu paresseux, ils voulaient constamment faire des albums live, donc ils ne le feraient pas et ils doivent écrire des chansons...".
Les enregistrements ont été publiés plus tard sur les albums "Zones" (1983), "This Is Hawkwind, Do Not Panic" (1984) et "Hawkwind Anthology". La réédition de luxe 2009 de "Levitation" par Atomhenge Records comprend une version nouvellement remixée de l'ensemble du concert.

Le 14 Février 1981, le groupe est apparu à l'émission de télévision Allemande Musikladen en interprétant "Motorway City" et "Who's Gonna Win the War".

Ce fut, cependant, un line-up de courte durée, mais musicalement réussi du groupe.
Tim Blake avait quitté le groupe au moment de la sortie de "Levitation" parce qu'il passait trop de temps à parler à sa petite amie au téléphone, et cela était arrivé pendant un concert.

En 1981, Baker et Hale sont partis après avoir insisté sur le fait que Bainbridge devait être licencié et Brock et Bainbridge ont choisi de gérer eux-mêmes les synthétiseurs et les séquenceurs, avec l'aide de l'anbien batteur des Hawklords, Martin Griffin.
La véritable raison pour laquelle Baker a quitté le groupe vers Mars 1981 était qu'il avait eu l'idée de faire venir son ancien "meilleur ennemi" de Cream, Jack Bruce pour remplacer Bainbridge à la basse (car Baker et Bainbridge n'étaient pas en bons termes), mais Dave Brock n'a pas aimé du tout l'idée et Baker est parti, pour être remplacé par un Martin Griffin de retour.

Par la suite, trois albums, dans lesquels Moorcock a de nouveau contribué paroles et vocaux, ont été enregistrés pour RCA / Active: "Sonic Attack", "Church of Hawkwind" et "Choose Your Masques".

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"Sonic Attack" est sorti le 18 Octobre 1981.

Après le départ de Ginger Baker, l'ancien batteur des Hawklords, Martin Griffin, a donc saisi l'opportunité de rejoindre le groupe, mais il y a une différence plus que notable avec l'album précédent car Griffin se limite aux rythmes Rock de base. La batterie souffre malheureusement également d'une production typique des années 80 (le grand syndrome de la caisse claire). Ça a tendance à tuer l'attaque et le dynamisme.
Le guitariste Dave Brock et le bassiste Harvey Bainbridge ont décidé de renoncer à un claviériste dédié et de gérer les synthétiseurs et les séquenceurs eux-mêmes.
De plus, l'auteur de Science-Fiction Michael Moorcock, collaborateur de longue date de Hawkwind, contribue aux paroles et aux vocaux, son thème étant le contrôle social par l'utilisation de la langue et il chante sur "Coded languages".

Le groupe se compose donc de Huw Lloyd-Langton à la guitare, de Martin Griffin à la batterie, de Dave Brock à la guitare, aux claviers et au chant et de Harvey Bainbridge àla basse et aux claviers.

L'album a été enregistré de Juin à Août 1981 aux Rockfield Studios, mais pendant l'enregistrement, Martin Griffin a contracté la rougeole allemande, réduisant ses contributions et l'obligeant à 'overduber' certaines de ses parties de batterie.
Pour les morceaux de Brock, Bainbridge a expliqué le processus d'enregistrement comme suit: "...Dave est arrivé avec ses huit morceaux, a jeté ce qu'il avait sur le multipiste et le reste d'entre nous a dû jouer autour de ce qu'il avait fait...".

Musicalement, c'est l'un des albums du groupe les plus influencés par le Metal car après que l'album "Levitation" se soit avéré être un certain retour en force, Hawkwind a pris la décision de mettre à jour son son en empruntant des idées à des groupes de Metal contemporains pour produire une sorte de Space Metal hybride de leur style classique et de la New Wave of British Heavy Metal qui était alors à la mode.

Cependant, malgré sa couverture brillante, "Sonic Attack" n'est pas aussi inspiré et innovant que son prédécesseur. Avec le Space Metal, la musique intègre de plus en plus des passages électroniques ambiants et un côté Hard Rock FM.
L'album n'est pas l'un de tout ces bootlegs et autres compilations inutiles sortis sur des labels obscurs, mais un album de toutes nouvelles compositions. Cette fois, le groupe s'est déchaîné sur les synthétiseurs car le bassiste Harvey Bainbridge assure maintenant aussi sur les synthés, démontrant qu'il était plus qu'un musicien électronique capable.
Ce n'est pas une mauvaise collection de morceaux, dont beaucoup furent très souvent appréciés en live et on peut même dire que c'est un album très heavy dans le vrai sens du terme.

Ce diisque a des thèmes orwelliens très forts, avec des chansons qui ont des thèmes sur la surveillance des citoyens, la technologie prenant le dessus, le contrôle de l'esprit, il est évident que ce groupe avait de réelles inquiétudes sur la façon dont la société évoluait, en 1981, pendant les ères Thatcher et Reagan.

Mais le problème crucial est le manque d'idée directrice. À moins d'apprécier la poésie de science-fiction, "Sonic Attack", "Psychosonia", "Virgin of the World" et "Coded Language" peuvent finir par agacer l'auditeur.
La musique est pourtant globalement agréable, mais cet album est décevant à peine un an après "Levitation". Les compositions sont agréables mais ne comportent pas beaucoup de changements, comme s'il s'agissait de brouillons pour autre chose. En fait, elles dévoilent un aperçu de l'intérêt croissant de Dave Brock pour les technologies électroniques.

En gros, Hawkwind est revenu un peu à un stade antérieur de son évolution avec cet album. Le premier signe en est qu'ils ont délibérément choisi d'ouvrir l'album avec une refonte qui donne aussi à l'album son titre. Ce morceau de mots parlés qui est apparu à l'origine sur un album live est plutôt ennuyeux et peut être ignoré en toute sécurité. Ce qui suit est un tour de force de morceaux typiques de Hawkwind. Les rythmes sont encore une fois assez répétitifs, les riffs de guitare plutôt simples. Les chansons sonnent toutes à peu près de la même manière et il n'y a pas beaucoup de variation et de diversité à proprement parler.

La plupart des paroles sont très très sombres et il y a d'excellents commentaires sociaux. Pourtant, Huw Lloyd Langton fait une partie de son meilleur travail de lead guitare sur cet album, en particulier sur "Rocky Paths" et "Living on a knife edge".
Le travail discret de la basse de Harvey Bainbridge est principalement composé de riffs simples mais très efficaces.

L'album s'ouvre avec la chanson titre, un remake d'un morceau de dialogue parlé de l'ère Calvert qui remontait à "Space Ritual".
C'est une référence à un poème de Moorcock. Il réutilise la pièce de transition interprétée en live par Calvert lors de la tournée Space Ritual de 1972, avec des effets sonores supplémentaires. Puisque Calvert n'est pas dans le groupe à cette époque, c'est Bainbridge qui fait le dialogue parlé, dans lequel il crie. Une pièce plutôt efficace et dérangeante.
il s'agit d'un réenregistrement complètement recontextualisé avec un groove lourd et bizarrement dansant.
C'est une sorte d'annonce qui se veut amusante de l'action à entreprendre en cas d'attaque sonique, comme "...amener tous les corps à l'orgasme simultanément...". Le morceau était déjà apparu sur "Space ritual" et il a été jugé nécessaire de le réenregistrer pour cet album.
Les paroles sont toujours intrigantes comme elles l'étaient sur "Space Ritual"; "...En cas d'attaque sonique sur votre quartier, suivez ces règles... Utilisez vos roues, c'est ce à quoi elles servent, Les petits bébés peuvent être placés à l'intérieur des cocons spéciaux et doivent être laissés, si possible, dans des abris, N'essayez pas d'utiliser vos propres membres Si aucune roue n'est disponible, en métal, pas en organique, les membres doivent être utilisés autant que possible... Rappelez-vous, dans le cas d'une attaque sonique, la survie signifie le chacun pour soi, statistiquement plus de gens survivent s'ils ne pensent qu'à eux-mêmes, Ce sont les premiers signes d'attaque sonique: Vous remarquerez de petits objets, tels que des ornements, oscillants, Vous remarquerez une vibration dans votre diaphragme Vous entendrez un sifflement lointain dans vos oreilles,Vous vous sentirez étourdi, Vous ressentirez le besoin de vômir, Il y aura des saignements des orifices, Il y aura une douleur dans la région pelvienne, Vous pourriez être sujet à des crises de cris hystériques, ou même de rire, Ce sont tous des signes de destruction sonique imminente, votre seule protection est le vol. Si vous avez moins de dix ans, restez dans les abris et utilisez votre cocon... Ne paniquez pas... Ne paniquez pas...".
Cette version retravaillée n'apporte pas grand chose à l'original et elle est assez longue. En conclusion, elle est même pratiquement inutile.
Après cinq minutes de poésie sonore, l'album démarre enfin avec l'excellent "Rocky Paths" qui est un morceau de Hard Rock spatial énergique et passionnant avec des guitares heavy. Le rythme est soutenu et uptempo, avec de bons vocaux de Huw Lloyd-Langton, et des solos de guitare perçants. C'est une chanson quasi démoniaque: beat sauvage, super guitare. La tradition de cet angle musical du groupe est très bien défendue avec un tel morceau. Tout cela est noyé dans une abondante soupe de synthé cosmique. Un classique!
"Rocky Paths" souffre légèrement d'une production approximative sur le chant mais il a un très beau solo de guitare. En fait, la combinaison du solo de guitare et du scintillement électronique en arrière-plan pourrait presque constituer une base pour les premières explorations sonores d'Ozric Tentacles, qui surgiront plus tard dans la décennie.
Le groupe présente des moments psychés, parfois. "Psychosonia" est la continuation du morceau précédent et il présente une basse et une guitare rock, ainsi que Moorcock récitant ses poèmes. C'est une étrange expérience qui est une combinaison de trucs spatiaux et de hard-rock qui est totalement inapproprié.
Au contraire, l'étrange "Virgin Of The World" est absolument sublime; si émotif, si mélodique. C'est une étrange expérience électronique de Bainbridge, un morceau de synthé séquencé avec doublage.
La séquence de fond rappelle un peu "On the Run" de Pink Floyd. Principalement synthétique, ce morceau sera remixé dans une version encore plus électronique sous le nom "Experiment with Destiny" dans l'album "Church of Hawkwind" qui paraitra un an plus tard. Il contient un solo de guitare flottant cool.
Dans le même esprit, "Angels Of Death" avec son petit riff de hard rock spatial répétitif est le morceau classique que tous les fans de Hawkwind devraient entendre. Brock est merveilleux à ce sujet; "...Nous sommes des anges de la vie, nous sommes des anges de la mort...", et le break de la lead guitare est dynamique avec un riff entraînant simple mais efficace.
Le rythme répétitif, le merveilleux solo de guitare et la basse hypnotique créent une chanson très convaincante et agréable.
"Angels of Death" figure sur chacun des albums live ultérieurs que Hawkwind a sortis depuis. Il est sorti en single soutenu par le non-album "Transdimensional Man" en face B.
Le punky "Living on a Knife Edge" présente des paroles protestant contre la surveillance.
Il démontre un excellent travail et les vocaux avec une partie haute et basse chantent les couplets en harmonie. Le refrain est excellent et il y a des paroles mémorables; "...Les générations futures comptent sur nous...". Il est énergique et plus orienté Pop combiné avec beaucoup de travail de synthé.
Cette chanson est intéressante car elle contient des passages cosmiques de synthétiseur et un très bon jeu de guitare.
"Coded Languages" met en scène le retour de Michael Moorcock criant au sujet de sa révolte contre l'establishment, et dans la seconde moitié, il chante. Cette pièce démontre qu'il ne devrait pas chanter car il n'est pas vraiment un chanteur. Que l'on aime ou que l'on déteste sa voix, les mots sont cependant fantastiques et sont livrés avec une sensation toute punky.
Sa poésie est plutôt une protestation du conformisme: "...Examinez le sens de votre phrase, remettez en question la nature de vos commandes!..." et mieux "...ils volent votre liberté et votre amour!...".
"Coded Languages" ​​fusionne peut-être le mieux l'énergie punky de la NWOBHM avec les obsessions spatiales psychédéliques sauvages de Hawkwind.
Ce poème sert surtout d'introduction au punchy Metal Punk "Disintegration".
A l'écoute de "Disintegration", on a presque l'impression d'entendre les Sex Pistols. C'est la même approche chaotique et dynamique, et les vocaux également ne sont pas loin de ceux de Johnny Rotten.
Ce n'est pas vraiment surprenant car le groupe a été populaire parmi le public Punk et ils avaient déjà flirté ici et là avec le style.
Cela ressemble au vieux Hawkwind et il faut aimer Brock quand il chante des mensonges tels que "...La panique est la règle que je fais ...".
"Disintegration" est une autre transition vers "Streets Of Fear" qui est un autre excellent morceau avec un rythme effréné, des guitares haletantes, des superbes breaks de guitare , la voix de Brock et l'électronique spatiale.
"Streets Of Fear" a quelques similitudes avec "The Bogus Man" de Roxy Music. Ce n'est pas la première fois que l'on peut trouver une relation entre ces deux groupes.
Ce morceau a, de loin, également des réminiscences de "Magnu" avec ses guitares heavy au son distordu.
Rythme, Rock solide et grande guitare sont les ingrédients de la chanson de clôture, "Lost Chances", qui a de bons vocaux en écho de Brock, et une guitare plus heavy sur des couches de synthé électronique.
Les paroles sont typiquement futuristes et sont des phrases pour augmenter les guitares heavy; "...La course est lancée, le moment est venu, sortez votre arme, il est temps de se battre...".

L'album a passé cinq semaines dans les Charts albums du Royaume Uni, culminant au numéro 19.

Hawkwind a entrepris une tournée de 28 dates au Royaume-Uni en Septembre et Octobre pour promouvoir l'album, avec le soutien de Mama's Boys. Sept autres dates de Noël ont suivi, qui ont vu les anciens membres Robert Calvert, Nik Turner et Moorcock invités à la date du London Rainbow. Une tournée Européenne de 13 dates en Mars 1982 a suivi, soutenant Krokus.

Le groupe fut à la tête du Festival de Glastonbury en 1981 et a fait une apparition au Festival de Donington Monsters of Rock en 1982, tout en continuant à jouer pour le solstice d'été au Stonehenge Free Festival.

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Enregistré aux studios Rockfield de Décembre 1981 à Février 1982, Initialement sorti en tant qu'album solo de Dave Brock, "Church of Hawkwind" est maintenant considéré comme un album studio de Hawkwind car il présente les membres du groupe de l'opus précédent du groupe, "Sonic Attack", mais il est sorti, à l'époque, sous le nom du groupe Church of Hawkwind en 1982. Néanmoins, ce disque n'est pas au même niveau que celui-ci.

Le changement de nom reflète le fait qu'il s'agit d'un départ musical pour le groupe, étant une offre électronique plus expérimentale que le Rock Heavy habituel que le groupe jouait à l'époque.
En fait, c'est pratiquement un album solo de Brock, compte tenu de la forte partialité envers son travail, et qu'aucun de ces morceaux n'a été interprété en live par le groupe, à l'exception de "Looking in the Future" qui sera réenregistré sous le titre "Letting in the Past" sur l'album "It Is the Business of the Future to Be Dangerous".
Et Brock ressuscite, à l'occasion, son alias "Dr Technical" qu'il avait précédemment utilisé pour la production du single "Silver Machine" en 1972.

"Church of Hawkwind" est influencé par les sons de l'époque et il est un peu plus expérimental et plus électronique. En réalité, l'intention originale était que le nom du groupe soit "Church of Hawkwind'' en raison du son différent sur l'album, et aussi parce qu'il s'agissait davantage d'un album centré sur Dave Brock, et pourrait presque être considéré comme un album solo de celui-ci.
La plupart des autres albums de Hawkwind présentent des contributions de tout le groupe, mais cette fois, Brock est le principal compositeur. Tous les morceaux sont attribués ou co-attribués à Brock.

Le disque est donc assez différent de tout ce que le groupe a fait auparavant. Il y a encore quelques traces du Hawkwind connu, mais c'est beaucoup plus électronique.
Cet opus consiste principalement en des expérimentations électroniques du leader du groupe, montrant son intérêt croissant pour les technologies de musique électronique alors naissantes des années quatre-vingt. L'ensemble du disque est donc dominé par de courtes pièces transitionnelles pilotées par un synthétiseur. Il n'y a que quelques chansons de Space Rock.

Globalement, cet album semble sans direction et il contient un peu de ceci et de cela sans aucun thème ou concept musical ou lyrique pour le maintenir cohérent. Beaucoup de pièces peuvent être, au mieux, décrites comme expérimentales.

"Church Of Hawkwind" est dominé par des sons de fond électroniques informatiques et spatiaux. La plupart des chansons sont similaires et il n'y a pas grand chose à retenir d'une telle œuvre.
Les pistes sont généralement courtes. Un certain nombre de morceaux tels que "Angel voices", "The Church" et "Joker at the gate" ne sont guère plus que des liens ambiants.

L'original était divisé en deux faces, le premier côté étant appelé 'Space' et le deuxième appelé 'Fate'. Il y avait 12 titres au total sur l'album, mais les chansons véritablement écoutables sont "Nuclear Drive", "Damage of Life" et "Some People Never Die", les autres étant malheureusement des instrumentaux plutôt ennuyeux et même sans aucun intérêt.
Certaines paroles sont plus parlées que chantées, et ce ton monotone ne fait qu'ajouter au sentiment ennuyeux que l'on ressent en écoutant l'album dans sa totalité.

C'est un album de Space Rock instrumental ambiant avec quelques courtes 'chansons' avec des paroles également. Certaines pièces sont des échantillons audio, des chants et / ou des poèmes mis en musique également. Certaines paroles sont un peu idiotes, certaines sont excellentes. La qualité sonore est bonne.

C'est un opus bien médiocre. C'est même, à mon avis, de loin le pire album de "Hawkwind" à ce jour. Il y a beaucoup d'instruments et d'effets mais pas de vraies chansons à proprement parler.
En conclusion, les pistes courtes, par elles-mêmes, pourraient bien fonctionner comme transitions, musique de fond ou brouillons, mais cela n'est pas suffisant pour créer un album convaincant. Même les trois chansons de rock spatial ne sont pas très mémorables.
De fréquentes références de science-fiction sont faites concernant le destin futur, etc. sous la forme de courts monologues et de chansons complètes, mais peuvent parfois aller un peu loin. Quelques effets, parfois sympathiques, peuvent être entendus tout au long de l'album pour soutenir ces réflexions dont, par exemple, un enregistrement d'actualité de l'assassinat de JFK!

Une chose est certaine, c'est que la production est claire et nette.

La piste d'introduction, "Angel Voices", est juste une introduction électronique, avec des voix extraterrestres.
Elle agit comme une brève introduction à l'album et présente des effets vocaux traités avec des voix basses et des voix rapides dans un style d'appel et de réponse avec des sons spatiaux se construisant en menant vers le morceau suivant "Nuclear Drive".
"Nuclear drive" est une version de style Space Rock, de qualité inférieure de "Silver machine" sur un rythme rapide, sur laquelle Brock est en belle forme au chant et Huw Lloyd-Langton à la une lead guitare. Le problème est que la batterie sonne trop années 80. Elle ressemblerait presque à la version des années 80 d'un morceau perdu de NEU !, avec des vocaux moyens.
Les guitares sont cependant un peu en retrait par rapport aux synthétiseurs nouvelle vague. Sinon, c'est la même formule de base Hawkwind, mais sous une forme plus condensée et plus courte, et cela se termine au moment où les choses deviennent intéressantes.
L'album plonge dans des chants New Wave punky sur la chanson suivante, "Star Cannibal", avec un dialogue semi-parlé. C'est la plus longue piste avec un peu plus de cinq minutes, et la première vraie chanson, malheureusement il y a toujours cette batterie années 80 catastrophique.
La voix narrative de Brocks sur un groove hypnotique et spatial et les influences Krautrock auraient pu tout aussi bien convenir à l'ambiance de l'album "PXR5".
Par contre, les paroles sont carrément idiotes, à propos de manger de la chair humaine.
Le synthé est nettement plus proéminent, et les voix sont dans un style parlé et rythmique. Les couches de synthés enterrent malheureusement tout ce qui aurait pu rendre cette piste intéressante.
Les choses deviennent intenses à la fin, mais cela s'estompe au plus mauvais moment.
Ceci est suivi par l'espace et les drones sur "The Phenomenon of Luminosity" et il a une voix off futuriste intrigante et des lignes de synthé séquencées. Les synthés sonnent un peu comme les premiers sons de Kraftwerk de "Autobahn".
C'est une pièce entièrement électronique avec de nombreux effets EMS Synthi et des pistes de synthé.
Cette piste est une série d'effets spatiaux avec un échantillon de John Glenn transmis par le vaisseau spatial Friendship Seven lors de la mission Mercury-Atlas 6 le 20 Février 1962. Les effets électroniques et les synthés jouent des boucles et des effets sonores.
Une version alternative de "Experiment With Destiny" était apparue sur l'album "Sonic Attack" de l' année précédente sous le nom de "Virgin Of The World".
Vient ensuite "Fall of Earth City" avec des couches de synthé et la narration vocale lointaine de Brock. Encore une fois pas vraiment une chanson mais un instrumental avec un peu de poésie parlée.
Il y a de l'improvisation de guitare sous les voix et les synthés.
Ensuite, il y a "The Church"qui termine la première face, un petit truc avec des synthés séquencés et des chants de protestation de la foule.
Un autre court morceau, une pièce électronique avec dialogue de voix off, "The Joker at the Gate", démarre la deuxième face de l'album. Toujours plus de synthés, mais au moins cette fois, il y a un semblant de mélodie.
Le meilleur morceau, "Some People Never Die", a une véritable attaque Hard Rock mais augmentée d'effets sonores ambiants et il contient des extraits audio et les sons réels du meurtre de J.F. Kennedy et de Lee Harvey Oswald.
La mort de JFK au journal télévisé en direct est mise en musique. Et la voix off sur la "musique" parait assez indécente.
On entend une respiration lourde et des effets ressemblant à "On The Run" de Pink Floyd. Il y a même une section séquencée. "...Oswald a été abattu..." dit une voix pressante et il est évident que la pièce est au coeur de l'événement. On entend parler de l'assassinat de JF Kennedy, les cris sont là et les rapports réels "...prenez l'arme, éloignez-vous de l'arme, sa main est cassée...".
"Some People Never Die" a été attribué à Brock, mais en réalité, il a pris beaucoup de matériel d'un autre groupe appelé On the Seventh Day. Même les enregistrements sur le terrain des tournages de JF Kennedy et Lee Harvey Oswald figuraient dans l'enregistrement original et sont conservés sur cette piste. Tout ce morceau se compose de ces enregistrements de terrain copiés et de synthétiseurs de type drone.
Des versions alternatives de cette même piste figurent également sur l'album solo de Brock. Bien que crédité à Dave Brock, le morceau "Some People Never Die" emprunte une grande partie de son matériel au morceau "They Call Me Gun" tiré d'un album obscur d'un groupe appelé On The Seventh Day, jusqu'aux commentaires de l'assassinat de John F. Kennedy par Lee Harvey Oswald. Des versions alternatives de "Some People Never Die" apparaissent sur "Spacebrock" et l'album solo de Dave Brock "Earthed to the Ground" (comme "Assassination").
"Light Specific Data" a un riff en boucle de la guitare et encore plus de couches de synthé. Il ne se passe pas grand-chose, sauf pour une improvisation fluide et des boucles répétitives.
"Experiment with Destiny" est un morceau plus atmosphérique qui s'éloigne des boucles rythmiques pendant un court instant. Ce n'est qu'une version alternative d'un morceau précédemment sorti avec un titre différent, "Virgin of the World" de l'album "Sonic Attack".
Une autre pièce électronique étrange, le mystérieux "The Last Messiah" est encore une fois une autre courte piste de boucles et de textures électroniques.
"Looking in the Future", une version alternative de "Lives of Great men", termine l'album original, mais à ce moment-là, la plupart des auditeurs ont probablement abandonné cet album.
C'est, pourtant, du Hawkwind plus typique auquel les fans sont plus habitués car c'est un morceau de Space Rock dans le style de "Sonic Attack". Cela a un certain punch, ce n'est pas mauvais, mais ce n'est pas génial non plus et le son batterie des années 80 est encore présent.

En conclusion, cet album est à éviter par tous les fans du groupe!

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Toujours en 1982 est sorti un autre album intitulé "Choose Your Masques".
La composition du groupe est la même par rapport à l'album précédent, bien que pour cet enregistrement, le groupe ait commencé à utiliser un peu trop fortement des boîtes à rythmes et des boucles de batterie, la plupart des contributions de Griffin étant reléguées à des compléments de batterie. Il n'était pas du tout satisfait de ce rôle, et Dave Brock n'était pas satisfait du tempo de Griffin, alors ils ont mutuellement accepté de se séparer, et, pourtant, Griffin a accepté à contrecœur de respecter les engagements de tournée prévus.
L'album a été enregistré en Juin et Juillet 1982 aux Rockfield Studios.
L'auteur de Science-Fiction, leur ami Michael Moorcock, a contribué aux paroles de l'album mais il a aussi crédité sa femme Lynda Steele afin de contourner son éditeur de musique Douglas Smith avec qui il était alors en conflit.

Les albums de Hawkwind des années 80 ont une approche complétement différente des années 70 et l'année 1982 ne fut certainement pas une bonne période pour Hawkwind. Après la parenthèse électronique douteuse de "Church of Hawkwind", "Choose Your Masques" (ce titre est tiré d'un poème de Moorcock) aurait pu montrer certaines promesses avec sa pochette Heavy Metal conçue par Andrew Christian et Terry Oakes. Il présente même la participation d'un ancien membre du groupe, le saxophoniste Nik Turner, sur une piste.
Cependant, écouter l'intégralité du disque donne le sentiment que Brock avait dû fait une bonne sieste et qu'i avait mis le vaisseau spatial Hawkwind pratiquement en régulateur de vitesse car, malheureusement, c'est un disque bien terne: On entend de nombreux sons et effets portant, bien sûr, le label Hawkwind mais ce n'est plus qu'un moyen pour conserver une atmosphère 'spatiale psychédélique'.
Comme beaucoup d'album classique de Hawkind, il comprend de nombreuses impressions électroniques ("Utopia", "Dream Worker") mais certains morceaux sont remplis d'un nouveau son 'puissant' des années 80 ("Fahrenheit 451", "Arrival In Utopia").

Parmi un tas de morceaux quelque peu ennuyeux, "Fahrenheit 451" et "Arrival in Utopia" planent facilement au-dessus des autres parce que ce sont de Rocks pleins d'énergie et de couleurs.
La partie ennuyeuse du set étant que plusieurs morceaux semblent construits sur le même moule.

On pourrait confondre "Choose Your Masques" avec une continuation de l'approche Space Metal de "Sonic Attack". Au fur et à mesure de son déroulement, l'album semble en fait être un genre de fusion du son de guitare de "Space Ritual" avec les explorations électroniques de "Church of Hawkwind", guitares et synthés ayant toujours eu une sorte d'alliance difficile dans les rangs de Hawkwind, afin de former un nouvel équilibre entre les deux.

Il y a des problèmes ici et là avec la production qui semble un peu confuse et quel intérêt d'inclure une autre interprétation de Silver Machine, d'autant plus que c'est Brock lui-même qui avait essayé de tuer la chanson en la faisant exploser à la fin de "Live Seventy Nine".
Mais, si "Sonic Attack" était dans un style Space Metal, "Choose Your Masques" serait plutôt du Space Pop Metal avec des incursions progressives occasionnelles.

L'album contient d'excellents breaks de guitare comme sur "Arrival in Utopia" et "Utopia".
Dave Brock et Harvey Bainbridge au chant sont plutôt efficaces. Le travail de basse et de claviers de Bainbridge est bien exécuté. Huw Lloyd-Langton est un excellent lead guitariste, comme en témoigne des morceaux tels que "Solitary Mind Games".
Mais, car il y a un gros 'MAIS', malheureusement, l'utilisation de boucles de batterie et de boîtes à rythmes se développent, ce qui n'était pas la direction dans laquelle le batteur Martin Griffin voulait aller car celui-ci a été réduit à quelque chose comme un batteur non-live et sa participation à cet album n'était que quelques tentatives tièdes pour rendre la batterie électronique, ce que Dave Brock voulait à l'époque. Griffin est resté pendant la tournée pour soutenir l'album, mais il a quitté le groupe par la suite.

Le groupe aurait dû s'en tenir à la voix spatiale de Brock et Nik Turner est à nouveau présent, c'est un vrai dingue en live et il apparaît comme tel au chant, bien qu'il n'y ait pas de remplacement pour ses embellissements de saxo sauvage.
C'est agréable d'entendre la femme de Brock aussi, Pascoe, chanter de temps en temps.

Dans l'ensemble, Hawkwind n'est plus la puissance du Space Rock qu'il était autrefois car le nouveau son Hawkwind est trop ancré années 80.
La qualité de la composition n'est pas à la hauteur de la pochette, près de la moitié des morceaux sont des transitions ambiantes, tandis que les chansons de Space Rock sont moins remarquables que sur les albums précédents, à peine deux ans après "Levitation". À l'époque, une nouvelle génération de musiciens de Metal émergeait avec des idées rafraîchissantes passionnantes.

"Choose Your Masques" est un album qui fut populaire à sa sortie. Il s'agit pourtant principalement d'un album avec son plat qui donne l'impression d'avoir été fait à la hâte. Les chansons semblent avoir été rapidement assemblées et les membres du groupe ne font que passer par les mouvements.
C'est facilement l'un des albums à éviter, ou du moins à laisser pour les fans qui voudraient possèder tous les albums.

Le groupe sur-utilise les sons spatiaux dans plusieurs morceaux comme le long morceau d'ouverture, "Choose Your Masks". C'est, en fait, une chanson en partie double: mi-Hard Rock, mi-Psychédélique / Expérimental.
Il n'y a pas grand chose à dire sur cette chanson sinon qu'elle est répétitive et plate.
Cela ressemble plus à l'ancien Hawkwind quand ils s'enfermaient dans un riff et chantaient des variations d'une mélodie simple, mais on peut malheureusement entendre la différence qui se fait avec l'augmentation de l'utilisation des boucles de batterie:
La piste aurait pu avoir un excellent son de Space Rock, mais au lieu de cela, elle a un son plat et presque sans vie, avec cette batterie électronique au son décalée, le timing n'étant pas aussi net qu'il le devrait et les effets d'espace étant surutilisés et cela semble assez ennuyeux.
Ce premier morceau se glisse directement dans "Dream Worker" qui est un morceau psychédélique et quelque peu expérimental dans lequel une sérialisation du 'Lord of the Rings' de 1981 sur la BBC Radio 4 avec Ian Holm est utilisée. C'est une bizarrerie avec une bande de couches de synthé et une ambiance de rêverie. Cela ne va nulle part mais fonctionne comme une transition vers la suite "Arrival in Utopia / Utopia" ("...si tu veux y entrer ... tu dois en sortir ..").
Le groupe utilise presque la même structure que "Choose Your Masks" pour "Arrival In Utopia" qui est une chanson assez originale plus typique de Hawkwind, mais moyenne car il manque toujours de cette dynamique qui se perd dans le son électronique.
Le terne "Utopia" est un autre passage étrange d'ambiance sombre qui se répète ad nauseum.
Et sur la seconde face apparait un remix du single "Silver Machine"; étrange car il n'est pas très différent de l'original, bien que surproduit.
Par rapport à la version originale, plusieurs sonorités et effets ont été ajoutés, la guitare est plus lourde et la production sonne beaucoup trop 'années 80'. Mais, encore une fois, une boîte à rythmes ennuyeuse et des effets spatiaux à gogo n'arrangent pas les choses.
Cette version semble vraiment désespérée et cela ne fonctionne pas avec la voix de Brock qui sonne un peu forcée. L'intro de lead guitare ne semble pas même adéquate. Cela semble très inutile.
Quelle est la signification de ce réenregistrement de "Silver Machine" totalement décevant qui a perdu l'esprit du Hit original des années 70?
D'autant plus que ce réenregistrement n'était, parait-il, pas initialement destiné à être inclu sur l'album.
La pause instrumentale qui suit aurait pu être prometteuse, "Void City" est une interprétation de l'émission télévisée 'The Outer Limits', ("...il n'y a rien de mal avec votre téléviseur, nous contrôlerons l'horizontale, nous contrôlerons la verticale...") mais ce morceau sur lequel l'ex-membre Nik Turner est invité, sonne comme quelqu'un jouant l'un de ces orgues Wurlitzer avec un rythme automatique, encore une fois avec une surabondance d'effets spatiaux et une mélodie de synthé ennuyeuse qui est difficile à retenir. Plus tard, les voix robotiques sonnent comme une mauvaise impression de Devo.
Des couches de synthés en flèche et de basses profondes rappellent Kraftwerk, bien que dans l'ensemble certaines parties de la production de cet album semblent plutôt minces.
Cela dure trop longtemps et c'est plutôt terne après un certain temps, ressemblant un peu au style de Sigue Sigue Sputnik.
Vient ensuite le mélancolique "Solitary Mind Games", plutôt New Wave. Bien que plutôt inhabituelle, cette chanson est plutôt agréable. C'est un joli morceau, mais encore une fois il perd sa dynamique dans la percussion automatique qui est mal faite.
Ils utilisent encore une fois la même structure que "Choose Your Masks" avec "Fahrenheit 451" dans lequel le thème de la science-fiction reste présent.
Clairement le meilleur morceau de l'album, avec un puissant solo de guitare, qui poursuit l'approche Space Punk développée dans "25 Years On" et "Sonic Attack".
Les paroles écrites par l'ancien chanteur Robert Calvert et initialement enregistrées mais inutilisées en 1978 sont basées sur le livre 'Fahrenheit 451' de Ray Bradbury.
Il y a comme d'habitude beaucoup de petits instrumentaux tels que "The Scan'', une courte piste électronique qui n'est qu'un joli solo de claviers, et cela conduit à "Waiting For Tomorrow''.
"The Scan" sert d'introduction à la chanson de clôture chantée par Huw Lloyd-Langton, "Waiting For Tomorrow", qui est un Blues Rock original et agréable avec une belle intro de drone, une guitare solo spacieuse et des voix plus douces intéressantes.
Il y a une surabondance d'effets spatiaux comme si le groupe essayait de revisiter le bon vieux temps.
Le morceau se termine par un son plus lourd avec un bon pont musical et une voix forte, mais c'est trop court et ne se transforme pas en un space jam comme Hawkwind le faisait avant.


En conclusion, avec "Church of Hawkwind", "Choose Your Masques" peut être considéré comme l'un de leurs albums studio les plus faibles des années 80.
A l'époque, il a pourtant passé cinq semaines dans le UK Albums Charts, culminant au numéro 29.

Le groupe a ensuite entrepris une tournée Britannique de 29 dates en Novembre et Décembre pour promouvoir l'album, avec le soutien du groupe de Rock Espagnol Barón Rojo.
Le saxophoniste et chanteur Nik Turner a rejoint le groupe pour cette tournée. Les enregistrements de cette tournée ont été publiés sur les albums "Zones" (1983), "Out & Intake" (1987) et "Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2" (1999). Un double album complet enregistré lors de la tournée est finalement sorti en 2016 sous le nom de "Coded Languages".

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"The Text of Festival", un album d'archives de Hawkwind composé de sessions de la BBC et de performances live entre 1970 et 1971 est paru.
Il a été initialement publié en 1983 après que le groupe ait quitté le label Active Records, et il a été continuellement reconditionné et renommé depuis.

Le droit d'auteur des enregistrements sur le premier disque est la propriété de la BBC qui n'a pas été sollicitée pour une autorisation pour leur utilisation commerciale, donc la légalité de cet album est plus que discutable.
Les bandes sources utilisées ne proviennent pas de la BBC, mais d'enregistrements hors antenne de qualité inférieure de l'émission. Les enregistrements sont également apparus sur "The Weird Tapes", "Hawkwind, Friends and Relations" et "Hawkwind Anthology".

Face 1
1 "Master Of The Universe" ( Nik Turner , Dave Brock ) – 6:00
2 "You Know You're Only Dreaming" (Brock) – 4:15
3 "You Shouldn't Do That" (Turner, Brock) – 5:52
4 " Hurry on Sundown " (Brock) – 6:20
Side 2
5 "Paranoia" (Hawkwind)
6 "Seeing It As You Really Are" (Hawkwind) – 11:50
7 "We Do It" (Hawkwind) – 13:45
Side 3
8 "You Shouldn't Do That" (Hawkwind) – 21:35 [listed as "Sound, Shouldn't, Improvise"]
Side 4
9 "The Reason Is?" (Hawkwind) – 11:35
10 "Be Yourself" (Hawkwind) – 5:51 [listed as "Improvise, Compromise, Reprise"]

"Come Home" est répertorié sur l'album suivant "We Do It", mais il n'a jamais été inclus sur aucune des sorties de cet album. Il apparaît sur le set de compilation "Hawkwind Anthology".
"The Reason Is?" et "Be Yourself" n'ont jamais été publiés sur aucune des versions CD.
Les versions ultérieures affirment à tort que cet enregistrement provient du Cambridge Corn Exchange. Il existe un enregistrement de "The Six Hour Technicolor Dream" avec Hawkwind, Pink Fairies et Syd Barrett au Cambridge Corn Exchange le 27 Janvier 1972, dont la partie Hawkwind est sortie en 2011 sous le nom de "Leave No Star Unturned".

Sources:
Piste 4: Maida Vale, le 18 Août 1970; Diffusion: Top Gear , le 19 Septembre 1970. Pistes diffusées à l'origine à partir de cette session: "Hurry on Sundown", "Seeing It As You Really Are" et "Some of That Stuff" [aka "Come Home"]
Piste 5-6: Cinéma de Paris, Londres, le 5 Novembre 1970; Diffusion: Concert du Dimanche de John Peel, le 15 Novembre 1970
Piste 1-3: Maida Vale, Londres, le 19 Mai 1971; Diffusion: Sounds of the Seventies, le 27 Mai 1971 (avec Wishbone Ash) et le 24 Juin 1971 (avec Cochise);
Disque 2: Enregistré au Colchester Technical College, le 19 Février 1971 (avec Uriah Heep).

Crédits:
La Couverture a été réalisée par John Coulthart et le titre de l'album est une référence à un livre de Mick Farren.

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"Zones" est un autre album de Hawkwind sorti en 1983 composé de démos de studio de 1981 et de performances live entre 1980 et 1982.
Les morceaux de la face 1 ont été inclus dans la réédition 2009 composée de 3 CDs de "Levitation" sous une forme étendue.

Face 1:
1 "Zones" ( Dave Brock ) – 0:46
2 "Dangerous Vision" ( Keith Hale ) – 5:05
3 "Running Through The Back Brain" ( Michael Moorcock , Brock, Harvey Bainbridge , Huw Lloyd-Langton , Hale, Ginger Baker ) – 6:17
4 "The Island" [aka "Dust Of Time"] (Lloyd-Langton, Brock) – 3:17
5 " Motorway City " (Brock) – 4:57
Face 2:
6 "Utopia 84" (Brock) – 2:06
7 "Social Alliance" (Brock) – 4:39
8"Sonic Attack" (Moorcock, Hawkwind) – 5:47
9 "Dream Worker" (Bainbridge) – 5:28
10 "Brainstorm" ( Nik Turner ) – 8:30

Personnel:
Michael Moorcock – vocals (side 1, track 3)
Dave Brock – electric guitar , keyboards , vocals
Huw Lloyd-Langton – electric guitar, vocals
Harvey Bainbridge – bass guitar , keyboards, vocals
Keith Hale – keyboards, vocals (side 1)
Ginger Baker – drums (side 1)
Martin Griffin – drums (side 2)
Nik Turner – saxophone , flute , vocals (side 2)

Notes:
Face 1, pistes 2,3: Battle Studio, 1981
Face 1, pistes 4,5: Lewisham Odeon, le 18 Décembre 1980
Face 2: enregistrée live sur le"Choose Your Masques Tour", 1982

A noter que l'album s'est classé au numéro 45 dans les Charts...

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"This Is Hawkwind, Do Not Panic" est un album live d'archives paru en Novembre 1984 qui se composait de deux disques: un LP qui avait été enregistré pendant la tournée de "Levitation" de 1980 et un EP enregistré lors de leur apparition en Juin 1984 au Stonehenge Free Festival.

La formation du groupe avait changé lors de leur apparition en Juin 1984 au Stonehenge Free Festival, avec les guitaristes Dave Brock, Huw Lloyd-Langton et le saxophoniste Nik Turner, Harvey Bainbridge passant de la basse aux claviers.
Ils avaient été rejoints par le bassiste Alan Davey et le batteur Clive Deamer, bien que Danny Thompson ait suppléé Deamer sur l'enregistrement de "Stonehenge".

Le groupe a entrepris une tournée Britannique de 13 dates en Novembre 1984 pour promouvoir cet album, avec le soutien de Wildfire. Le spectacle de l'Université de Sheffield le 27 Novembre a été enregistré et une partie a été publiée sur "Undisclosed Files Addendum" (1995).

Les morceaux du disque 1 ont été réédités sur la réédition 2009 de 3 CDs de "Levitation".

Face 1 (LP):
"Psi Power" [listed as "Psy Power"] ( Robert Calvert , Dave Brock ) – 5:07
"Levitation" (Brock) – 7:15
"Psychosis" [unlisted] ( Harvey Bainbridge ) – 1:27
"The Fifth Second Of Forever" [listed as "Circles"] (Brock, Huw Lloyd-Langton ) – 4:14
"Space Chase" (Lloyd-Langton) – 3:19

Face 2 (LP)
"Death Trap" (Calvert, Brock) – 4:42
"Angels Of Death" (Brock) – 6:27
" Shot Down in the Night " ( Steve Swindells ) – 7:07

Face 3 (EP)
"Stonehenge Decoded" (Brock, Bainbridge) – 8:20

Facee 4 (EP)
"Watching The Grass Grow" ( Nik Turner , Trev Thoms) – 3:40

Face 1&2: Lewisham Odeon, le 18 Décembre 1980
Face 3&4: Stonehenge Free Festival , Juin 1984

Personnel:
Dave Brock – electric guitar , keyboards , vocals
Huw Lloyd Langton – guitar, vocals
Harvey Bainbridge – bass guitar , keyboards, vocals
Keith Hale – keyboards (sides 1&2)
Ginger Baker – drums (sides 1&2)
Nik Turner – saxophone , flute , vocals (sides 3&4)
Alan Davey – bass guitar, vocals (sides 3&4)
Danny Thompson Jr – drums (sides 3&4)

A noter que les 10 000 premiers exemplaires sont sortis en pochette gatefold, les 5 000 exemplaires suivants en pochette simple avec affiche, par la suite en pochette simple.
"This Is Hawkwind, Do Not Panic" s'est classé numéro 101 dans les Charts.

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En 1985 est paru "Space Ritual Volume 2".

1 "Electronic No. 1" [listed as "Space"] (Dettmar/Dik Mik) – 2:15
2 "Orgone Accumulator" (Calvert/Brock) – 8:45
3 "Upside Down" (Brock) – 2:45
4 "Sonic Attack" (Moorcock) – 2:50
5 "Time We Left This World Today" (Brock) / "Paranoia" [unlisted] (Brock) – 13:20
6 "10 Seconds of Forever" (Calvert) – 2:10
7 "Brainstorm" (Turner) – 12:00
8 "Wind of Change" [unlisted] (Brock) "7 By 7" (Brock) – 8:50
9 "Master of the Universe" (Turner/Brock) – 7:40
10 "Welcome to the Future" (Calvert) – 2:55

"Space Ritual Volume 2" est un double album live d'archives de couverture Gatefold sorti en 1985 et qui consiste en une performance live de The Sundown, Brixton, à Londres en 1972 avec Bob Calvert, Dave Brock, Lemmy, Nik Turner, Del Dettmar et Dik Mik sur le label Américain Phonograph.
Les bandes ont été autorisées par Dave Brock et l'ancien bassiste de Hawkwind, Dave Anderson, pour la sortie.

Cet enregistrement faisait partie de la performance qui avait été traitée pour le disque 2 de "Space Ritual".
Le voici dans son état d'origine, sans modifications ni overdubs, les différences notables étant une section centrale différente de "Orgone Accumulator", "Paranoia" incluse dans la section médiane "Time We Left This World Today" et "Wind of Change" menant à "7 by 7".
"Space Is Deep" et "You Shouldn't Do That" / "Seeing It As You Really Are" de cette bande ont été publiés sur "Hawkwind Anthology".

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En Janvier 1985 est paru "Bring Me the Head of Yuri Gagarin".
Cet album live consiste en une performance à l' Empire Pool, à Wembley le 27 Mai 1973. Il s'agit d'un enregistrement d'audience de mauvaise qualité sonore sous licence de Nik Turner. L'enregistrement a été publié de nombreuses fois sous différents noms, avec des couvertures différentes et regroupé dans des coffrets.

En 2006, l'ensemble de la performance du groupe a été publié sous le titre "Empire Pool Wembley 1973", bien que prétendu provenir d'une source d'enregistrement différente, cela souffre également d'une mauvaise qualité sonore.

Personnel
Robert Calvert - chant
Dave Brock - guitare électrique , chant
Nik Turner - saxophone , flûte , chant
Lemmy - guitare basse , chant
Dik Mik Davies - synthétiseur
Del Dettmar - synthétiseur
Simon King - batterie
Andy Dunkley - Présentations
Couverture par Nazer Ali Khan

Side one
1"Gaga" (Dunkley) – 2:10
2 "In the Egg" (Günter Grass) – 2:38
3 "Orgone Accumulator" (Calvert/Brock) – 7:25
4 "Wage War" (Jerzy Kosiński) – 2:49
5 "Urban Guerilla" (Calvert/Brock) – 6:01

Side two
6 "Master of the Universe" (Turner/Brock) – 6:53
7 "Welcome to the Future" (Calvert) – 2:38
8 "Sonic Attack" (Moorcock) – 3:26
9 "Silver Machine" (Calvert/Brock) – 3:42

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En Novembre 1985 est paru "Hawkwind Anthology" avec des inédits studio et concerts (1967-1982).

La série de disques "Hawkwind Anthology" a été initialement publiée au milieu des années 1980, contenant du matériel live.
Dave Brock a compilé le package, essentiellement un Best Of de "The Weird Tapes", pour une publication sur le label Samurai. Il a été publié sous forme de trois disques séparés et également sous forme de coffret de disques d'images comprenant un disque d'interview. Il a ensuite été autorisé à recevoir des disques et a finalement été vendu à Castle Communications, qui l'a publié en tant que set étendu.
"...Parce qu'il y avait tellement de matériel de compilation et de réédition, Jim White a pensé que ce serait une bonne idée de rassembler un catalogue de tous nos propres trucs que nous aimions, dans l'espoir d'arrêter tout ça. Mais nous n'en avons jamais eu. des royalties sur les sets d'Anthology que nous avons réalisés avec eux, et pour autant que nous sachions, ils ont vendu environ 66 000 de ce triple set. Ensuite, il a vendu le catalogue à diverses sociétés...". - Dave Brock (Record Collector, Janvier 1993).

Volume 1
1 "High Rise" (Calvert/House) – 5:35 – Hawkwind, à Leicester le 29 Septembre 1977
2 "British Tribal Music" (Brock/Bainbridge/Swindells/King) – 3:57 – Hawklords, aux Rockfield Studios en 1979
3 "Spirit of the Age" (Calvert/Brock) – 8:00 – Hawkwind, Live en Novembre 1979
4 " Urban Guerilla " (Calvert/Brock) – 6:25 – Hawkwind, Live en Novembre 1979
5 "Master Of The Universe" (Turner/Brock) – 3:27 – Hawkwind, au Lewisham Odeon, le 18 Décembre 1980
6 "World Of Tiers" (Bainbridge/Lloyd-Langton) – 5:19 – Hawkwind, au Lewisham Odeon, le 18 Décembre 1980
7 "Who's Gonna Win The War? " (Brock) – 4:50 – Hawkwind, au Glastonbury Festival en 1981
8 "Ghost Dance" (Hawkwind) – 5:31 – Hawkwind, Live en 1982

Volume 2
1 "Earth Calling" (Calvert) – 2:11 – Hawkwind, auLondon Sundown,le 30 Décembre 1972
2 "Motorhead" (Kilmister) – 3:04 – Hawkwind, auxOlympic Studios, les 5et 6 Janvier 1975
3 "You Shouldn't Do That" (Turner/Brock) – 11:46 – Hawkwind, au Watchfield Festival en Aout 1975
4 "Magnu"/"Angels Of Life" (Brock) – 4:20 – Sonic Assassins, à Barnstaple, le 23 Décembre 1977
5 "Hash Cake" (Hawkwind) – 4:44 – Hawkwind, en Studio en 1976?
6 "Quark, Strangeness and Charm" (Calvert/Brock) – 2:35 – Hawkwind, à Chicago, le 11 Mars 1978
7 "Douglas In The Jungle (Ode To A Manager)" (Brock/Bainbridge/Swindells/King) – 6:45 – Hawklords, aux Rockfield Studios en 1979

Volume 3
1 "Dealing With The Devil" ( Sonny Boy Williamson II ) – 2:10 – pre-Hawkwind Dave Brock en 1967
2 "Bring It On Home" ( Willie Dixon ) – 3:11 – pre-Hawkwind Dave Brock en 1967
3 "Hurry on Sundown" (Brock) – 4:47- Hawkwind, BBC Session, le 18 Aout 1970
4 "Come Home" (Hawkwind) – 2:08 – Hawkwind, BBC Session, le 18 Aout 1970
5 "We Do It" (Hawkwind) – 10:31 – Hawkwind, BBC In Concert, le 5 Novembre 1970
6 "Born To Go" (Calvert/Brock) – 5:02 – Hawkwind, à la Roundhouse, le 12 Février 1972
7 "Space Is Deep" (Brock) – 8:30 – Hawkwind, au London Sundown, le 30 Décembre 1972
8 "You Shouldn't Do That" (Brock/Turner) / "Seeing It As You Really Are" (Hawkwind) – 10:57 – Hawkwind, auLondon Sundown, le 30 Décembre 1972

Au début des années 1980, Brock avait commencé à utiliser des boîtes à rythmes pour ses demos à domicile et était de plus en plus frustré par l'incapacité des batteurs à garder le tempo parfait, ce qui avait conduit à une succession de batteurs qui allaient et venaient. Tout d'abord, Griffin avait été évincé et le groupe avait de nouveau essayé King, mais, mécontent de son jeu à l'époque, il avait été rejeté. Andy Anderson les avait brièvement rejoint alors qu'il jouait également pour The Cure, et Robert Heaton avait également occupé brièvement la place avant la montée en puissance de New Model Army. Le batteur du Lloyd Langton Group, John Clark, avait fait quelques sessions d'enregistrement, et fin 1983, Rick Martinez avait rejoint le groupe pour jouer de la batterie sur le Earth Ritual tournée en Février et Mars 1984, plus tard remplacé par Clive Deamer.

Turner était revenu en tant qu'invité pour la tournée "Choose Your Masques" de 1982 et il a été invité de nouveau de façon permanente.
D'autres tournées s'ensuivirent avec Phil "Dead Fred" Reeves augmentant la programmation sur les claviers et le violon, mais ni Turner ni Reeves n'apparurent sur le seul enregistrement de 1983-1984, le EP "The Earth Ritual Preview", mais il y avait une place d'invité pour Lemmy. La tournée Earth Ritual a été filmée pour la première vidéo de Hawkwind, "Night of the Hawk".

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Face A
1 "Night of the Hawks" (Brock)*

Face B
1 "Green Finned Demon" (Calvert/Brock)*
2 "Dream Dancers" (Brock/Bainbridge)
3 "Dragons & Fables" (Lloyd-Langton)

La version single comprend une version raccourcie de "Night of the Hawks" et "Green Finned Demon" comme seule piste de la face B.

Personnel:
Dave Brock - guitare , claviers , voix
Harvey Bainbridge - basse, claviers , voix
Huw Lloyd-Langton - guitare, chant

invités:
Lemmy - basse sur "Night of the Hawks"
Rob Heaton - batterie sur "Green Finned Demon"
John Clark - batterie sur "Dragons & Fables"

"The Earth Ritual Preview" a passé deux semaines dans les singles Charts Britanniques avec un sommet à la 86ième place.
Cet EP est inclus dans la version remasterisée de l'album "The Chronicle of the Black Sword".

C'était un avant-goût pour un album et une tournée à part entière de Earth Ritual, qui auraient impliqué Robert Calvert et Barney Bubbles, dans le prolongement du "Space Ritual" de 1972. Cependant, le projet a été retardé en faveur de la collaboration de "The Chronicle of the Black Sword" avec Michael Moorcock, puis abandonné après la mort de Calvert en Août 1988.
L'EP est dédié à Bubbles, qui s'est suicidé juste avant sa sortie.

La composition du groupe était en constante évolution à l'époque, les guitaristes Dave Brock et Huw Lloyd-Langton et le bassiste Harvey Bainbridge étant la constante. Le saxophoniste Nik Turner et le claviériste Dead Fred avaient rejoint le groupe, bien que ni l'un ni l'autre n'apparaissent sur aucun de ces enregistrements, ils faisaient partie du groupe en tournée. L'ancien bassiste Lemmy Kilmister fait une apparition sur "Night of the Hawks".
Le groupe avait essayé une succession de batteurs: Andy Anderson avait été convenable mais était parti pour rejoindre The Cure; Le batteur du Lloyd-Langton Group, John Clark, joue sur "Dragons and Fables", mais Brock a estimé qu'il ne convenait pas au groupe; le technicien de la batterie Robert Heaton joue sur "Green Finned Demon", mais il était engagé dans son propre groupe New Model Army; et le morceau "Night of the Hawk" utilise une boucle de batterie. Pour la tournée, Rick Martinez a joué dans un premier temps de la batterie, mais il a été remplacé à mi-chemin par Clive Deamer.

Le groupe entreprit une tournée Britannique de 35 dates en Février et Mars 1984 avec le soutien de Bronz. Divers anciens membres, y compris Lemmy, Moorcock et Dave Anderson, ont fait des apparitions d'invités à divers spectacles. Le spectacle Ipswich Gaumont du 9 Mars a été filmé et diffusé sous le nom de "Night of the Hawks".

Alan Davey était un jeune fan du groupe qui avait envoyé une bande de son jeu à Brock, et Brock a choisi d'évincer Reeves en déplaçant Bainbridge de la basse aux claviers pour accueillir Davey.
Cette formation expérimentale avait joué au Stonehenge Free Festival en 1984, qui avait été filmé et sorti sous le nom de "Stonehenge 84".
Les tensions personnelles et professionnelles qui avaient suivi entre Brock et Turner avaient conduit à l'expulsion de ce dernier au début de 1985.
Clive Deamer, jugé "trop ​​professionnel" pour le groupe, avait finalement été remplacé en 1985 par Danny Thompson Jr (fils du bassiste folk-rock Danny Thompson), un ami d'Alan Davey, et celui-ci est resté presque jusqu'à la fin de la décennie.

Nik Turner a quitté le groupe au début de la même année après que les membres du groupe se soient lassés de son numéro de scène.

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Après une période tumultueuse de changements constants de line-up d'environ deux ans , le guitariste Dave Brock a choisi un line-up de lui-même, il a installé le jeune inconnu Alan Davey (qui lui avait envoyé une cassette et qui fut embauché presque sur-le-champ) à la basse, et il a fait passer Bainbridge définitivement aux synthétiseurs et aus choeurs; le reste du groupe étant composé du guitariste Huw Lloyd-Langton et du batteur Danny Thompson (fils du bassiste de Pentangle, Danny Thompson).

Avant tout enregistrement, le groupe est apparu sur ECT de Channel 4 le 26 Avril et a enregistré une session pour BBC Radio 1 le 19 Juillet. Ils ont aussi fait la une d'un festival anti- héroïne au Crystal Palace le 24 Août, avec une apparition de Lemmy.

Après le projet avorté "Earth Ritual", Brock a finalement préféré enregistrer un album entièrement nouveau et Hawkwind est revenu à un album concept basé sur l'écriture de Michael Moorcock, un ami de longue date du groupe qui leur rendait la pareille en les faisant apparaître dans ses histoires de temps en temps. Le groupe avait d'ailleurs déjà essayé une telle chose avec "Warrior On the Edge of Time", mais bien que cet album se soit davantage concentré sur l'exploration des thèmes généraux du travail de Moorcock, cette fois-ci, le groupe a opté pour une voie plus narrative, traitant des épreuves et des tribulations de l'un des principaux personnages les plus célèbres de Moorcock, Elric of Melniboné, et de son fléau, le démon possédé, Black Sword.

Brock avait parcouru plus d'une fois la série de livres "Elric" des années 60 afin de proposer une histoire qui s'intégrerait dans un seul album et serait jouée en direct dans une heure et demie de spectacle. Alan Davey commentera plus tard: "...Nous avons mélangé le son de" Warrior "avec la technologie de" Church Of Hawkwind "et avons trouvé quelque chose de très spécial...". "...S'il y a une plainte de votre part, c'est vraiment que cette musique est souvent trop accessible. "Needle Gun" est une chanson dont j'ai dit à Tom Ozric que j'en avais marre après une écoute...".

L'association de Hawkwind avec Moorcock culmina alors avec leur projet le plus ambitieux appelé "The Chronicle of the Black Sword" basé librement sur la série de livres du Cycle d'Elric et Moorcock a contribué aux paroles de "Sleep of a Thousand Tears", mais il n'a joué que des morceaux parlés à certaines dates en live.
Enregistré aux Rockfield Studios en Août / Septembre, ce nouvel opus, "The Chronicle of the Black Sword" produit avec Dave Charles, est sorti à la fin de 1985.
La couverture extérieure a été conçue par John Coulthart, le dernier travail qu'il fera pour le groupe, et l'intérieur par Bob Walker.

A noter que l'album était à l'origine destiné à être intitulé d'après le nom de l'épée Stormbringer, mais il a été changé car il avait déjà été utilisé à la fois par Deep Purple, John Martyn et Beverley Martyn.

Premier LP studio depuis le bien médiocre album "Choose Your Masques" de 1982, ce disque alterne des morceaux Space Rock / Metal avec des passages électroniques ambiants plus ou moins anecdotiques. Bien qu'inégal, le résultat global est plutôt agréable.
Ce disque reprend en effet le bon vieux Rock énergique pour lequel le groupe est connu, même s'il sonne beaucoup Metal avec des morceaux comme"Song Of The Swords" et "The Sea King" et le merveilleux "Needle gun" pour n'en citer que trois. Mais le groupe n'a pas oublié sa musique spatiale. Bien sûr, ces morceaux, "The Pulsing Cavern" et la douce "Zarozina", sont rares mais ils ont le mérite d'exister.

En fait,le groupe passe en revue plusieurs de ses genres inspirants: Quelques saveurs Heavy et psychédéliques sur "Elric The Enchanter", du pur Hard Rock avec "Needle Gun" et son Space Rock énergique et typique sur "Sleep Of A Thousand Tears".

Bien que l'album soit largement inspiré d' Elric, un morceau, "Needle Gun" n'a rien à voir avec les sagas Elric car cela fait référence à un autre personnage de Moorcock, un agent secret anarchiste, Jerry Cornelius qui n'a aucun respect pour l'autorité. Il a été présenté comme une sorte de James Bond pop et un dandy cynique vivant dans un monde en proie à l’entropie : le nôtre au milieu des années 60. Conformément au titre de l'album, l'inclusion de la piste fait référence au multivers plus large créé par Moorcock, dans lequel les personnages Elric de Melniboné et Jerry Cornelius sont tous deux des incarnations de The Eternal Champion, et le "Needle Gun" est la forme sous laquelle se manifeste l'épée noire à Cornelius.
La contribution d'écriture de Davey est inconnue, mais au niveau des paroles, cet album est plus concentré et plus serieux (ce n'est pas un mince exploit, étant donné la vaste source de nombreux romans d'Elric de Moorcock).

Il s'agit en fait plus d'un album purement Hard Rock assez prévisible dans une production typée des années 80, avec quelques interludes. Ces interludes le rendent un peu plus varié et les paroles conceptuelles le rendent plus intéressant. La qualité de la musique reste assez moyenne et aucune piste ne se distingue comme meilleure que les autres. Il y a, malheureusement, un jeu de batterie trop typique des années 80.
Cet album concept est quelque peu surfait: la qualité de la composition est inégale et les pauses électroniques ne sont pas toujours intéressantes. Malgré ces quelques points négatifs, les passages de Space Rock sont puissants.

Le disque n'est pas vraiment décevant mais pas du tout à la hauteur de certains autres albums des enregistrements de la décennie. Sauf, peut-être, "Needle gun" qui est une piste d'assaut. Le pire à propos des chansons Rock, c'est qu'elles ne sont pas les meilleures qu'Hawkwind ait jamais réalisées, mais au moins elles divertissent de cette manière des années 80. Et pour couronner le tout, le chant semble être interprêté par un Allemand, comme le fait, par exemple, Eloy et non le Hawkwind vraiment Britannique en écoutant "Song of the Swords", par exemple.
Les chansons ambiantes, comme "The pulsing cavern" ou "Zarozinia", sont intéressantes. Il y a quelque chose dans la façon dont Brock semble susciter un brassage de paysages électroniques capables de vraiment faire pénétrer l'esprit de l'auditeur loin dans les vastes galaxies de son imagination.

Certains riffs Metal sont assez accrocheurs et quelques solos de guitare avec un son de réverbération assez intéressants. Les voix ne se démarquent pas pour un album de Hawkwind, mais elles ne sont pas trop mauvaises non plus. La batterie trop simpliste et le mauvais mixage sont encore et toujours ses plus grandes faiblesses. Si les guitares avaient semblé plus fortes et plus dangereuses, cet album aurait pu être deux fois plus intéressant à écouter. La production globale laisse également à désirer, bien que stylistiquement, elle ait des idées intéressantes.
Cet album est, quand même, une amélioration par rapport à la direction prise par le groupe au cours des derniers albums.

Bien que pas aussi profond, "Chronicle Of The Black Sword" fait écho au tour de force de Hawkwind en 1975, "Warrior On The Edge Of Time" une décennie plus tard et ramène le maître de science-fiction / fantastique Michael Moorcock dans le giron. Rien d'aussi convaincant que "Magnu" ou "Assault & Battery / The Golden Void", mais il contient de nombreuses marques de Hawkwind. Il y a des intermèdes spatiaux (The Pusling Caverns, Chaos Army, The Demise), une ballade cool que seul le groupe pouvait évoquer (Zarozinia, qui devient la femme d'Elric), un voyage d'esprit atmosphérique / électronique court mais convaincant (Shade Gate) et quelques rappels de l'ère "Quark Strangeness And Charm" (Elric The Enchanter).

Le morceau d'ouverture de Space Metal, "Song of the Swords", écrit par Brock est un début enflammé avec des voix et des paroles fortes sur le concept principal du sorcier et de l'épéiste; "...Prends l'épée et prends-moi, la réponse du Seigneur du Chaos est d'être, Ton chemin est choisi, tu n'as pas le choix, Viens nous rejoindre maintenant! Ainsi parlait la voix. C'est le paradis...".
Brock ramène un son de guitare plus solide et montre la promesse d'un meilleur album que les derniers.
La chanson assez féroce et épique, dans le style de "Night of the Hawks", passe rapidement à la vitesse supérieure lorsque les voix se font entendre. La basse est fantastique tout au long de ce Rock ultra-tempo. On ne peut malheureusement pas en dire autant de la batterie, Danny Thompson semblant être un bien piètre batteur.
La piste est cependant trop courte et se termine quand on s'attend à qu'elle va se transformer en jam.
Le rêve électronique "Shade Gate", écrit par Bainbridge, est un instrumental avec de l'électronique, des synthés et des effets avec une guitare qui s'estompe dans les couches de synthé, puis une fin soudaine et abrupte dont les sons spatiaux affichent un paysage contemplatif alors que les oiseaux gazouillent avec une mélodie de synthé rétro des années 80 se terminant sur une cithare.
Le tranchant et agressif, "The Sea King", écrit par Langton, est une autre chanson Rock entraînante du disque, avec des effets sonores aquatiques supplémentaires.
Le morceau a une bonne voix en écho et un rythme pulsé, des effets spatiaux et un riff de guitare distordu. Le break de lead guitare est efficace et les effets sonores interstellaires très Hawkwind.
Cela donne un bon mélange d'effets spatiaux et un riff de guitare qui lui donne le son de Heavy Space Rock attrayant, mais encore une fois, c'est trop court.
Co-écrit par Bainbridge et Davey, le calme revient avec l'ambiant "The Pulsing Cavern" qui est une pièce instrumentale de transition avec un mellotron ambiant et une pulsation rythmique. Les sons sont profondément palpitants et on peut entendre le son de l'eau dégoulinante. Cela devient assez spatial.
Elle est suivi par le sympathique "Elric The Enchanter" qui est un autre excellent morceau à nouveau écrit par Davey, une pièce Space Rock / Metal avec une légère sensation FM, qui rappelle "Sonic Attack".
Sur cette chanson, le rythme fort et l'écho au chant sont du Hawkwind classique. Les paroles sont formidables et racontent l'histoire des exploits d'Elric: "...S'étalant sur un trône de rubis, sa tête en coupe dans ses mains, le seigneur des dragons, les pensées d'Elric, étaient des quêtes vers des terres lointaines, l'épée noire était à ses côtés, murmurant dans son fourreau froid, attendant le moment pour arriver, Pour boire l'essence même des âmes."...
Le break instrumental est joué par une lead guitare spatiale et des effets étranges. Le riff se transforme en une délicieuse sensation mid-tempo inquiétante et doomy: "...Il ne savait pas que l'épée qu'il tiendrait, transformerait son empire inestimable en or de fou, la vérité, l'ombre de l'épée se cachera, jusqu'à ce qu'il soit trop tard, un traître à ses côtés...". Les harmonies sont excellentes et c'est peut-être le clou de l'album.
Jusqu'à présent, cet album est bien meilleur que les derniers qui étaient plus centrés sur les claviers et le son new wave. Cette fois, les choses sont plus centrées sur la guitare instrumentale atmosphérique avec la basse ayant une partie plus centrale tandis que les effets et les touches tourbillonnent et le son pulsé en est percutant.
Sorti en single, "Needle Gun"; écrit par Brock, est l'un des morceaux les plus populaires figurant sur les compilations. C'était étrange d'entendre cela dans le contexte des autres pistes plutôt que sur des compilations. Le son est un Rock de guitare, avec une mélodie contagieuse et des paroles anti-tatouage écrites par Roger Neville-Neil: "...Entends mon rire dans ta tête, c'est dommage, c'est dommage que rien n'ait été dit, c'est une joie de vaccination avec le jouet de mort ultime, ça va te faire courir, Needle Gun...".
Cela ressemble plus à une chanson anthémique de Heavy Rock typique qu'à une épopée de Space Rock, mais ça s'intègre toujours assez bien avec le contenu de l'album.
"Sleep of a Thousand Tears" est le seul morceau de l'album écrit par Moorcock lui-même, mais Brock partage également le crédit d'écriture.
Le son Heavy garde heureusement l'ambiance Space rock même avec des riffs plus lourds et des lignes de basse battantes. Le groupe se laisse à nouveau du temps pour une jam axée sur la guitare.
Un des moments forts de l'album également écrit par Brock et co-écrit par Kris Tait, "Zarozinia", présente la voix de Brock sur la Space ballade lente et mélancolique, avec des sons de synthé vacillants, des basses minimales et des effets de vent rafraîchissants. Les paroles sont assez belles; "...Feu du destin, Feu de réalité, Zarozinia, La brûlure de la chair, Flammes caressantes aimantes, Zarozinia, Eau de mille larmes, Sentiment de mille ans, Coulent sur moi...".
Il s'agit d'une piste agréable au son plus ambiant avec des couches de synthé et des vocaux uniquement qui a une mélodie étonnamment belle sans percussion. Cela aurait pu être une piste stellaire avec plus de développement.
"The Demise" est une très courte piste intermédiaire co-écrite par Bainbridge et Brock qui utilise un récit chuchoté et des sons effrayants, des cris d'un autre monde.
Ce n'est qu'une transition atmosphérique pour "Sleep Of A Thousand Tears".
C'est un morceau de Space Metal puissant, entraînant et énergique sur lequel des paysages sonores surnaturels se succèdent avec la voix multipiste familière de Brock et un riff entraînant. La ligne de basse percutante et la lead guitare spacieuse rajoutent à l'atmosphère.
Une belle section instrumentale prolongée nous mène à la fin.
"Chaos Army" est une autre courte piste qui commence avec des sons pulsés motorik et des percussions étranges, jusqu'à ce qu'il se transforme en guitare à riffs pour le morceau final, "Horn of Destiny".
"Horn of Destiny" écrit par Brock est le seul morceau où le groupe prend un peu de temps pour élargir l'approche étroite de l'album en ajoutant une guitare slide typique de Gong.
La voix de Brock chante des paroles exténuantes: "...Beaucoup ont la folie dans les yeux, regardent charabia le ciel chauffé à blanc, les oiseaux fétides tournent au-dessus de leur tête, ombrageant les vivants et les morts...'.
Plus de riffs de guitare et un rythme accéléré, un rythme régulier promet un autre morceau de Space Rock lourd. Étonnamment dynamique, cette piste a de superbes effets percussifs et génère beaucoup d'attentes et de drame.
La lead guitare et les percussions sporadiques sont efficaces dans la longue section instrumentale.
Le son continue avec le son le plus Heavy de l'album, mais garde heureusement l'ambiance Space Rock. Le groupe se laisse à nouveau du temps pour une jam centrée sur la guitare qui se termine dans une manière upempo...

Sur les premières versions de CD, les chansons sont soumises au traitement Space Metal froid qui avait gêné le son du groupe sur les albums précédents "Sonic Attack" et "Choose Your Masques", alors que la version live qui suivra présentera des interprétations plus chaudes des chansons et verra en général le groupe revenir à quelque chose de plus proche de son son classique que l'offre de studio comparativement plus stable.
Néanmoins, c'est leur album studio le plus agréable depuis "Levitation" de 1980.

"The Chronicle of the Black Sword" a passé deux semaines dans les Charts albums du Royaume Uni, culminant au numéro 65.
En Novembre 1985, les 10000 premiers vinyles Britanniques ont été édités avec pochette intérieure comprenant les paroles dactylographiées.
Il a été publié sur CD plusieurs fois, chacun avec des pistes bonus différentes:
La version la plus récente du label Atomhenge de Juin 2009 inclut le EP "Earth Ritual Review" en bonus qui avait été initialement publié en 1983 et qui contient quatre pistes, "Night Of The Hawks", "Green Finned Demon", "Dream Dancers" et "Dragons And Fables" qui n'était plus disponible que sur des anthologies telles que "Ambient Anarchists".

En Août 1985, le groupe a joué au Crystal Palace Bowl, avec plusieurs autres groupes de Rock, pour un concert au profit de Double-O charité anti-héroïne de Pete Townshend. Lemmy et Stacey ont été réunis avec le groupe pour cet événement. Vera Lynn a clôturé le spectacle.

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Le groupe a entrepris une tournée Britannique de 29 dates en Novembre et Décembre pour promouvoir l'album, avec le soutien de Dumpy's Rusty Nuts. Cette tournée a vu Hawkwind entrer dans le domaine des spectacles sur scène, des danseurs, des acteurs, des visites occasionnelles de Moorcock sur scène pour lire des extraits des livres, et être capable d'incorporer de nombreuses vieilles chansons dans l'histoire, notamment tirées de "Warrior On The Edge Of Time".
Mise en scène de manière théâtrale avec le danseur et mime Tony Crerar comme personnage central sur scéne, elle a été enregistrée lors de leurs passages au Hammersmith Odeon les 3 et 4 Décembre et publiée sous la forme de l'album "Live Chronicles" et de la vidéo "The Chronicle of the Black Sword".
Le groupe s'est également produit à la Worldcon (World Science Fiction Convention) de Brighton.

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"Live Chronicles" est un bon album live mais pas exceptionnel, remarquable pour fournir une interprétation plus chaleureuse de chansons tirées principalement de l'ère Space Metal de Hawkwind, de "Sonic Attack" à "Chronicle of the Black Sword".
C'est un bon résumé live du travail du groupe à l'époque du "Chronicle of the Black Sword" car Hawkwind en public est ce qui rend ce groupe si spécial, ayant débouché sur une carrière où les enregistrements studio sont souvent inégaux mais les disques live habituellement stellaires, ou même parfois interstellaires!

Bien que l'album soit une perspective très différente des albums classiques de Space Rock de la période la plus créative du groupe, il contribue quelque peu à réhabiliter le son du groupe de l'ornière dans laquelle il était tombé au milieu des années 1980.
Pas le plus complexe ou le plus varié des styles, l'expérience Hawkwind est forte, dure et visuelle, souvent implacable, sombre et monolithique, entrecoupée de paysages synthétiques ambiants, de narration de science-fiction et de 'rifferama' galactique, le tout propulsé par une section rythmique très binaire et martelante.

Le lead guitariste Huw Lloyd-Langton tisse des solos électriques en boucle, en particulier sur "Moonglum",laissant Dave Brock s'occuper à la fois de l'arsenal des claviers et des tâches de la guitare rythmique, tandis que Harvey Bainbridge synthétise son chemin à travers les étoiles. Le bassiste Alan Davey gronde sur sa Rickenbacker et le batteur Danny Thompson frappe énergiquement, faute de mieux.

"Live Chronicles" est certainement aux années 80 ce que "Space Ritual" fut aux années 70: la meilleure sortie live d'Hawkwind de la décennie, la performance étant principalement Space Metal.

Bien sûr, cela ne remplacera jamais "Space Ritual", mais c'est du Neo Space Rock des années 80, renaissance du vieux concept-concert.
Avec un superbe son de guitare double légèrement électronique, le groupe réussit à améliorer considérablement son répertoire des années 80. De plus, le guitariste Huw Lloyd-Langton s'impose comme le meilleur soliste que le groupe ait jamais eu et il amène vraiment la musique à un autre niveau avec des solos rapides et mélodiques. Le reste du groupe joue bien les chansons et les vocaux sont simples, punk et enthousiastes. Pas parfait, mais légitime lors de la croisière dans cet environnement spatial. Les synthés sont bons car on ne retrouve pas de synthés laids typiques des années 80.

La sélection de chansons est intéressante en raison de sa sélection de titres des années quatre-vingt, principalement de leur dernier album, et de quelques bons riffs et refrains accrocheurs.
La set-list présente des morceaux de "In Search of Space", "Warrior on the Edge of Time" et leurs albums des années 80, notamment, comme le titre l'indique, leur dernier opus, "The Chronicle Of The Black Sword". De plus, comme "Space Ritual" et d'autres concerts, il contient également quelques compositions inédites, ainsi que, malheureusement, des transitions ambiantes parlées, mais plus courtes que d'habitude.

"Live Chronicles" est un album live de Hard Rock de qualité moyenne combiné, ici et là, avec quelques moments de Prog. Mais, le problème majeure reste la faiblesse des parties vocales, monocordes, sans expression, ternes.
Il y a, bien sûr, quelques standards nécessaires tels que "the Sea King", "Angels of Death", "Magnu" et le classique "Masters of the Universe", ainsi que quelques débris spatiaux moins connus qui tentent et suscitent des applaudissements en orbite. Des flotteurs sonores ambiants comme "Shade Gate", "Dreaming City", "the Pulsing Cavern" et "Zarozinia" apportent des changements de tempo qui contrastent bien avec les matériels aux côtés plus Hard comme "Rocky Paths", "Needle Gun" et "Wizards of Pan Tang".
Certains morceaux sont un peu exagérés comme "Choose Your Masques" et le Heavy "The Dark Lords", plein de rires sardoniques et de folie schizo.
Les versions live des chansons studio sont orientées Space Metal et souvent avec des sonorités de science-fiction supplémentaires. En particulier, "Dragons And Fables" est meilleur que la version studio originale, avec une variation mélodique plus épique et des claviers spatiaux. Les interprétations des morceaux emblématiques des années 70 "Master Of The Universe" et "Conjuration Of Magnu / Magnu" sont plus Heavy, en particulier "Magnu" qui est raccourci et dont les arrangements moyen-orientaux sont remplacés par des distortion de guitares.
Concernant les morceaux inédits, "Dreaming City", "Wizards Of Pan Tang" et "The Dark Lords" sont globalement assez intéressants.

Le très court morceau spatial "The Pulsing Cavern" est complètement immergé dans un océan de musique Hard à Heavy.
Un hymne comme "Master Of The Universe" est bien sûr un moment fort et cela confirme la forte capacité de rocker du groupe. Cette version accélère le rythme par rapport à la version originale.
Parfois, la frénésie diminue un peu et ouvre la voie à une chanson Rock plus agréable comme la ballade Soft Space "Dreaming City".
La version de "Needlegun" est probablement la meilleure du groupe, une rafale typique d'un Hawkwind flamboyant. Le rythme effréné et le refrain contagieux en font un favori de la foule, malgré le fait qu'il soit remarquablement orienté vers la Pop.
La paisible "Zarozinia" est rehaussée par un solo de synthétiseur de rêve.
"Lords of chaos" semble plutôt être un gaspillage de temps...
La chanson de space metal cool "The Dark Lords" affiche une ambiance électronique sombre.
"Wizards Of Pan Tang" est un morceau épique dans un style similaire à "Dragons And Fables"
L'incroyable récit de "Elric the Enchanter" est capturé en live pour un public captif, rappelant la merveilleuse et étrange folie de "Space Ritual". Le concept bizarre concerne un éventail sauvage de personnages tels qu'Elric, Zarozinia, des sorciers aux épées noires, des dragons, des buveurs d'âmes, Arioch, Lord of the 7 Darks; tout est Hawkwind. "...Lève-toi pour défendre le trône du dragon...", résume le poète de "Dragon's Song",
"Dust of time" de "Levitation" sonne bien, mais au lieu de la chanson originale, c'est en fait une belle courte réinterprétation instrumentale métallisée de la version studio. Ce morceau est convaincant et chargé de toute la bravoure et de la simplicité d'un Space Rock quasi charnel.
Le dernier morceau, "Horn of Fate", est une légère déception, un peu trop évidente et manquant des attributs spectaculaires nécessaires que l'on aurait pu attendre.

"Live Chronicles" est un bon double LP, mais les deux narrations live le gâche un peu. Heureusement, elles sont très courtes et peuvent être rapidement oubliées. Dans l'ensemble, il est loin d'être parfait, mais il n'est pas mauvais.

Lorsque cet album est sorti en vinyle, le concert a été condensé pour tenir sur deux disques. Cela était également dû en partie au fait que Michael Moorcock avait rétracté sa permission d'inclure ses poèmes.

Une apparition à la une au Festival de Reading de 1986 a été suivie d'une tournée au Royaume-Uni pour promouvoir l' album "Live Chronicles" qui a été filmé et sorti sous le nom de Chaos.

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En 1987 a été édité "Out & Intake", un album d'archives composé d'inédits studio et concerts (1982, 1986).
L'album est compilé à partir de diverses sources: sorties de studio de 1982; enregistrements live de la tournée Choose Your Masques de 1982 ; studio de 1987.
Dave Brock a déclaré à propos de la sortie que "...c'étaient des morceaux que nous avions traînés, des choses étranges comme 'Turner Point'. Harvey avait 'Cajun Jinx'. C'était vraiment juste pour nous financer tous et pour faire fonctionner le tout...".
Parmi les sorties en studio de 1987, il y a eu aussi des réenregistrements d'anciens morceaux: "Ejection" de l' album de Robert Calvert de 1974, "Captain Lockheed and the Starfighters", et "Assassins of Allah" (connu sous le nom de "Hassan-i-Sabbah") de l'album de 1977 "Quark, Strangeness and Charm".

Face 1

"Turner Point" ( Dave Brock , Martin Griffin, Nik Turner ) – 2:19 (A)
"Waiting for Tomorrow" ( Huw Lloyd-Langton , Marion Lloyd-Langton) – 4:45 (B)
"Cajun Jinx" (Brock, Harvey Bainbridge , Alan Davey , Danny Thompson) – 5:02 (C)
"Solitary Mind Games" (Lloyd-Langton, Lloyd-Langton) – 5:09 (B)
"Starflight" ( Robert Calvert , Bainbridge, Brock) – 1:48 (C)
"Ejection" (Calvert) – 2:14 (C)

Face 2

"Assassins of Allah" [aka " Hassan-i-Sabah "] (Calvert, Paul Rudolph ) – 3:53 (C)
"Flight to Maputo" (Brock, Bainbridge, Davey, Thompson) – 5:23 (C)
"Confrontation" (Brock, Bainbridge, Davey, Thompson) – 3:02 (C)
"Five to Four" (Lloyd-Langton) – 2:18 (A)
"Ghost Dance" (Turner, Bainbridge) – 3:47 (B)

Personnel:

Bass, Vocals – Alan Davey (tracks: A3, A6 to B3)
Drums – Danny Thompson (3) (tracks: A1, A3, A6 to B3), Martin Griffin (tracks: A1, A2, A4, B4, B5)
Guitar, Vocals – Huw Lloyd-Langton (tracks: A2, A4, B1, B3 to B5)
Saxophone – Nik Turner (tracks: A1, A2)
Vocals, Guitar, Synthesizer, Keyboards, Producer – Dave Brock
Vocals, Keyboards, Bass, Percussion, Producer – Harvey Bainbridge

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Après la parenthèse du redoutable "Out & Intake" qui était un album composé de quelques restes et de chansons live, "The Xenon Codex" est le véritable nouvel album studio après "The Chronicle Of The Black Sword" sorti il ​​y a trois ans. La composition du groupe est restée inchangée et les musiciens sont les mêmes,

"The Xenon Codex" a été enregistré aux Studios Loco, Caerleon et Rockfield Studios, Monmouth en Février et Mars 1988. Il a été produit avec Guy Bidmead, qui était auparavant l' assistant de Vic Maile.

Première constatation, le titre "Xenon Codex" ne semble rien avoir à faire avec des manuscrits ou des monnaies anciennes ni avec le gaz inerte, le xénon. Ils ont dû choisir le titre parce que les deux mots semblaient bien se coordonner ensemble.
La pochette d'album emblématique est frappante et dans l'ensemble, elle a un excellent emballage. La musicalité est plutôt bonne avec les synthétiseurs de Bainbridge, les guitares et synthés de Brock, la basse de Davey, la fabuleuse lead guitare de Lloyd Langton et les percussions trop simples de Thompson.
Ensuite, cet enregistrement, est un peu différent du Hawkwind typique et les chansons sont plus courtes. La production très datée, une batterie toujours aussi plate et forte typique de la période d'enregistrement et des vocaux toujours aussi faiblards en font un album tout à fait quelconque.
Même les chansons sont plutôt décevantes, trop de clichés Rock avec des voix répétitives qui font sonner chaque piste comme tellement d'autres airs de Hawkwind. Il y a cependant quelques chansons avec un certain potentiel comme, par exemple, "The War I Survived" peut sûrement être transformé en beaucoup de plaisir en live, "Wastelands of Sleep" et sa belle guitare spatiale qui se noye dans une impulsion électronique ou "Heads" qui réside dans des transes bourdonnantes similaires, mais une meilleure version apparaît sur "Palace Springs".
En fait, tout un mélange de styles de musique est contenu sur ce disque. Leur Space Rock habituel et un Grind Rock comme la première chanson, avec de la musique ambiante, du Punk, du drone techno et même une chanson Rock de nouveauté de type Frank Zappa.

Mais cet album ne se rapproche pas de leur travail classique antérieur. Il est évident que les années 80 n'étaient pas les meilleures pour Hawkwind et que les idées se tarissaient. Les talents de compositeur du groupe souffraient énormément, et cet album est un rappel embarrassant que même les meilleurs groupes peuvent parfois finir par être vraiment lassants.

"The Chronicles Of The Black Sword" était un léger mieux par rapport aux quelques albums faits après "Levitation". "Xenon Codex" est un album inégal, bien moindre en comparaison mais avec quelques bons moments.
Bien que cet album soit bien mieux produit que tout ce que le groupe a fait dans les années 70, cette production est tout simplement... sans puissance: Où est passée la basse? La batterie (principalement électronique?) est toujours aussi horrible.

Les Rocks typiques de Hawkwind côtoient des paysages sonores à la New Age avec de superbes parties de lead guitare, mais aussi avec quelques pistes expérimentales bien malavisées.
Les chansons de cet album sont basées sur des riffs Hard Rock et des mélodies vocales quelque peu irritantes et en tant que telles, elles sont similaires à son prédécesseur immédiat, mais elles en sont, pourtant, assez différentes à d'autres égards. Alors que sur l'album précédent, les interludes instrumentaux ont contribué à rendre cet album varié et diversifié, sur celui-ci, ils semblent prendre le dessus.
Beaucoup de pistes moyennes. Des airs de Hard Rock dont le morceau d'ouverture est un assez bon exemple, des morceaux très Space comme "Wastelands Of Sleep" et du Punk Psyché avec "Neon Skyline".
"The War I Survived" et "Heads" auraient pu être super avec une meilleure production et leurs versions live le confirment et le morceau de clôture, "Good Evening", est un embarras total et il aurait dû être laissé de côté.

Cet album a été bâclé en peu de temps (trois semaines) et le groupe en était mécontent car en conflit les uns avec les autres et leur management. Bref, ce serait plutôt une tromperie. Pour un groupe comme Hawkwind, c'est même une déception. Les tambours synthétiques sont tellement vides de vie que c'en est douloureux.

A noter que les paroles de "The War I Survived" et "Heads" ont été écrites par Roger Neville-Neil, qui était un fan de Hawkwind. "Lost Chronicles" est un morceau séparé, mais il forme la section médiane instrumentale de "Neon Skyline".

L'album commence de manière assez peu propice, avec une piste typique de Hawkwind hors piste, le puissant "The War I Survived", qui est joué à peu près de la manière habituelle. Tout en portant les marques connues de Hawkwind, la piste est cependant plutôt prosaïque. Son rythme palpitant et ses guitares le rendent Rock. C'est un morceau Heavy et bizarre, impliqué dans une série bizarre de paranormal avec un joli solo de guitare. Cela commence par le tic-tac de plusieurs horloges et une construction space Rock qui s'intensifie jusqu'à ce que le groupe établisse le rythme et les fondations.
Le rythme est vite ralenti pour le mélancolique et rêveur "Wastelands of sleep", une pièce plus électronique, envoûtante et ambiante avec ses voix semblant mourir au loin dans l'espace. La promesse de grandeur de la piste précédente finit par être balayée par cette piste douce qui reste en quelque sorte là et serpente avec la présence d'une belle partie de guitare de Dave et de Huw.
Retour à la vie avec les riffs Heavy de "Neon Skyline", un bon Rock psyché. C'est en fait la première partie d'une trilogie qui se poursuit dans le morceau suivant "Lost Chronicles", qui commence par des effets de piano et des synthés. Cela en fait une belle section instrumentale au tempo plus lent qui se présente comme une ballade spatiale. Un solo de guitare semble être improvisé sur la mélodie. La dernière partie de la trilogie commence par un retour au thème de "Neon Skyline".
Les instrumentaux de cet album sont, en fait, bons, comme le superbe morceau mélancolique et mélodique "Lost Chronicles", avec ses merveilleuses sections de piano puis de guitare.
L'introduction instrumentale amène l'auditeur sur une autre planète. Délicat et hypnotique au début, puis intervient un autre solo de guitare vraiment fantastique. Le genre de chanson passionnée qui laisse à bout de souffle. La fin est purement New Wave...Un point culminant sans aucun doute.
Les choses dérivent un peu après, et la première face se termine par "Tides", écrit par Huw Lloyd-Langton, une mélodie d'ambiance courte mais agréable.
Le morceau est une ballade instrumentale lente qui ne contient rien de vraiment particulier.
Il commence par le bruit des vagues et des mouettes et cela parmet à Lloyd-Langton de véhiculer lentement son travail de guitare.
C'est un morceau décontracté, avec un son étrange comme un clairon ou quelque chose comme ça.
Mystère et science-fiction introduit la deuxième face avec le spacial "Heads" avec des coups de tonnerre qui serpente régulièrement avec des vocaux étranges. La ligne de basse est hypnotique et les voix sont dans un style plus parlé. Il y a beaucoup de synthétiseurs atmosphériques qui ne font finalement pas grand-chose, et pas grand-chose d'autre jusqu'à ce qu'un solo de guitare plutôt terne arrive pendant un court laps de temps avant que les voix ne reviennent. L'espace est omniprésent, comme toujours, aboutissant à un crescendo sonore efficace. Le son de guitare en finale est très bon.
Certains expérimentaux et inutiles comme Le morceau suivant, "Mutation Zone", n'ajouteront aucune qualité à ce travail qui est assez faible jusqu'à présent. C'est peut-être le plus étrange de l'album avec ses voix off étranges et ses sons bizarres, textures psychédéliques et des tonnes de synthés séquencés. C'est un remplissage pratiquement techno sans grand chose à offrir, devenant fatiguant à la longue.
À ce stade, les talents de compositeur du groupe souffrent terriblement car il est évident qu'ils sont à court d'idées nouvelles ou intéressantes.
Les percussions sont très plates sur la majeure partie de cet album. La double structure de "EMC" n'est pas vraiment folichon. Peut-être que le rythme récurrent pourrait plaire à certains, mais on ne peux pas être submergé par une inspiration aussi mince.
C'est un drone à claviers qui commence par divers enregistrements sur le terrain en arrière-plan, puis ce qui ressemble à une fondation augmente en volume. La seule chose est que l'on obtient des effets loufoques et une autre piste qui ne fournit rien d'intéressant. L'ennui atmosphérique sous la forme d'effets sonores bon marché s'ensuit.
"Sword of the east", écrit par Alan Davey, est une chanson qui rappelle un peu les débuts du groupe.
C'est plus commercial avec Brock qui sonne aussi bien que jamais, et le rythme est fort avec des effets de hennissement de cheval innovant qui ont un effet parfois un peu effrayant. La mélodie est simple.
En revenant à la formule pour laquelle le groupe est le mieux connu, c'est un véritable morceau de Space Rock qui donne l'impression qu'il aurait pu appartenir à l'un de leurs albums des années 70. La partie centrale se décompose en un style psychédélique avant de revenir au thème principal de la chanson.
Et le lamentable "Good Evening" conclue le disque. En utilisant le vieux truc du tuner radio, cela commence par quelqu'un qui cherche quelque chose à écouter, un téléphone sonne et quelqu'un répond et dit "Good Evening".Ensuite, la musique essaie de créer une ambiance Rock suivie d'effets sonores stupides à nouveau. À la fin de cette piste, on a l'impression qu'ils ne faisaient que coller des choses ensemble pour rajouter du temps sur l'album.

En conclusion, ce n'est vraiment pas un album que l'on peut recommander, pourtant, "Xenon Codex" est apprécié par de nombreux fans comme un retour en forme du groupe, mais c'est surtout un album plat et morne qui a mal vieilli.

De tous les disques de Hawkwind au fil des ans, il est facile de l'oublier.
La qualité de leur musique souffrait à cette époque, mais ils ont quand même réussi à passer deux semaines dans les Charts des Charts albums Britanniques avec un sommet à la 79e place.

Le groupe a ensuite entrepris une tournée Britannique de 25 dates en Avril pour promouvoir l'album. L'émission Hammersmith Odeon du 21 Avril a été enregistrée par BBC Radio 1 pour diffusion en tant que programme de concert de 60 minutes.

Après cette tournée, Dave Brock a reconnu le besoin de changement et Huw Lloyd-Langton est parti et ramenant Simon House, bien que pour une courte période, il a maintenu le groupe pour qu'il continue.

Le batteur Danny Thompson Jr. a aussi quitté le groupe. Il a été remplacé par l'ancien batteur de Dumpy's Rusty Nuts, Mick Kirton, pour quelques dates de Septembre, mais le groupe a estimé qu'il n'était pas adapté.
Richard Chadwick, un batteur vétéran de petits groupes alternatifs impliqués dans la scène des festivals gratuits Anglais, notamment Bath's Smart Pils, pendant une décennie, s'est ensuite joint à eux à l'Eté 1988 pour une tournée Britannique de 18 dates en Novembre et Décembre. L'émission de Nottingham Rock City du 7 Décembre a été enregistrée et une partie est sortie sur "Undisclosed Files Addendum" (1995), ces morceaux étant inclus en tant que pistes bonus sur la réédition de 2010.
Chadwick avait fréquemment croisé Hawkwind et Brock. Il a d'abord été invité simplement à jouer avec le groupe, mais il a finalement remplacé le batteur Mick Kirton pour devenir le batteur du groupe jusqu'à nos jours.

Pour combler l'écart de son principal, perdu lors du départ de Lloyd-Langton, le violoniste Simon House a été réintégré dans la formation en 1989 (après avoir été membre de 1974 à 1978), et, notamment, Hawkwind a entrepris sa première tournée Nord-Américaine depuis onze ans (depuis la tournée quelque peu désastreuse de 1978), à laquelle House n'a pas participé. La tournée reçue avec succès était la première de plusieurs au cours des années à venir, dans un effort du groupe pour se réintroduire sur le marché Américain.

Bridget Wishart, une associée de Chadwick du circuit du festival, s'est également jointe pour devenir la seule et unique chanteuse du groupe, le groupe avait été formé par Stacia auparavant, mais uniquement en tant que danseuse.
Ce groupe a produit deux albums, "Space Bandits" en 1990 et "Palace Springs" en 1991, et il a également filmé une apparition d'une heure pour la série télévisée Bedrock avec la danseuse Julie Murray-Anderson, qui a joué avec Hawkwind entre 1988 et 1991.

En 1990, Hawkwind fait une nouvelle tournée en Amérique du Nord, le deuxième volet d'une série de tournées Américaines effectuées à cette époque dans le but de rétablir la marque Hawkwind en Amérique. Le plan d'affaires initial était d'organiser trois tournées Américaines consécutives, chaque année, de 1989 à 1991, la première ayant perdu de l'argent, la deuxième atteignant le seuil de rentabilité et la troisième dégageant des bénéfices, ramenant finalement Hawkwind à la reconnaissance outre-Atlantique.
Les progrès ont cependant été quelque peu ralentis, en raison de l'ancien membre Nik Turner en tournée aux États-Unis avec son propre groupe à l'époque, dans lequel les spectacles étaient souvent commercialisés sous le nom de Hawkwind.

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À la mi-1989, la composition du groupe a de nouveau changé. Le guitariste Dave Brock, le claviériste Harvey Bainbridge et le bassiste Alan Davey sont restés. Le batteur Richard Chadwick venait de s'établir, tandis que le guitariste principal Huw Lloyd-Langton était parti, son poste étant parfois occupé par l'ancien claviériste Simon House fournissant des lignes principales au violon.
De plus, la chanteuse Bridget Wishart avait commencé à se produire avec le groupe. Ce nouveau line-up a enregistré une performance en live de 60 minutes dans les studios de télévision de Lenton Lane, Nottingham le 25 janvier 1990 pour une diffusion sur la série de fin de soirée ITV Bedrock, publiée plus tard sous forme de vidéo, Live Legends.

Hawkwind est entré aux Rockfield Studios d'Avril à Juin pour enregistrer cet album, produit avec Paul Cobbold.

La chose la plus notable à propos de "Space Bandits" est la nouvelle chanteuse, Bridgett Wishart.
Vieille amie de Richard Chadwick, Bridgett était auparavant membre d'un groupe de filles appelé Hippie Slags. La rumeur dit qu'elle était ivre dans les coulisses d'un concert de Hawkwind à Nottingham, en Angleterre et qu'on lui a demandé, avec son groupe, de jouer avec eux sur une nouvelle chanson sur laquelle ils travaillaient, intitulée "Back in the Box" (qui est apparue sur l'album live "Palace Springs"). Elle a accepté et le reste de son groupe s'est évanoui.
Bridgett a joué pour la première fois avec Hawkwind à l'Eté 1989, devenant leur chanteuse brièvement à plein temps au début de 1990. Elle a une voix et un style de chant qui ne sont pas sans rappeler ceux de Debbie Harry et elle a enfilé des costumes et dansé lors de performances live de Hawkwind.
Sa voix convient bien au matériel, c'est un ajustement naturel, et elle apporte une nouvelle dimension aux chansons.
Tout s'est pourtant terminé en larmes un an ou deux plus tard et c'est finalement le seul album studio enregistré avec elle...

"Space Bandits" est donc sorti le 24 Septembre 1990.
Dans l'ensemble, ce disque est un autre album plus que moyen, pour ne pas dire terne pour Hawkwind. Le groupe fait cela depuis tant d'années que plus personne ne semble s'en soucier.

La musique est une sorte de Hard Rock Prog. L'ambiance est futuriste avec des morceaux relaxants et c'est parfois de la vraie musique New Age.
C'est, semble-t'il, un album de transition pour le groupe: il essaient de se diversifier dans la nouvelle technologie des échantillonneurs et des séquenceurs: à cette époque, Chadwick, en particulier, ne connaissait pas les séquenceurs de batterie mais il jugea nécessaire de les utiliser car il était autrement incapable de jouer "Images" sur un kit live. Une conséquence de cette inexpérience est la 'sur-quantification' des tambours, particulièrement visible sur ce morceau.

Il y a, finalement, très peu de choses à recommander et ceux qui souhaitent plonger dans le vaste océan d'albums d'Hawkwind, ils feraient mieux d'essayer les cinq premiers albums. Le problème est que "Space Bandits" n'est pas exactement du Space Rock Hard Core ou d'ailleurs psychédélique, mais plutôt un jumbo ambiant New Age avec trop d'accent sur les synthétiseurs et les mauvais arrangements.
Pour être honnête, cet album n'est réellement recommandable qu'aux super fans. Ici et là, des morceaux d'ambiants à spatiaux nous rappellent une partie de leur style d'origine comme "Realms" ou "Ship Of Dreams".

La plus grande chose qui se démarque est, bien sûr, qu'il a Bridgett Wishart au chant principal, du moins sur quelques pistes. sa voix convient parfaitement à la musique de cet album. C'est dommage qu'elle n'ait plus enregistré d'albums studio avec le groupe, car elle l'a fait plutôt bien.
Encore un autre album de Hawkwind dans lequel le premier morceau est plutôt bon, mais le reste de l'album laisse à un peu désirer. Un ouvre-porte rapide et énergique cède la place à un matériau plus lent et plus rêveur. Hawkwind avait toujours été étroitement associé au mouvement des festivals gratuits au Royaume-Uni, il était donc inévitable que leur art musical les pousserait finalement dans une direction plus New Age. Comme musique de fond pour des moments contemplatifs, ce n'est pas si mal.

"images" plaira à la plupart des fans avec beaucoup de sections groovy, "Black Elk Speaks" et "Realms" sont des morceaux ambiants plutôt redondants. "Ship of Dreams" a une ouverture déclamatoire très spatiale, mais au lieu de devenir quelque chose d'intéressant, il ne va nulle part et s'éteint comme une bougie mourante. "TV Suicide" semblait avoir un certain potentiel, mais il est sans direction et sous-développé.
C'est peut-être encore l'un des pires albums de Hawkwind. Il s'agissait simplement d'un navire qui coulait attendant un autre iceberg. Heureusement, les choses ne peuvent s'améliorer qu'à partir d'ici. Et ils l'ont fait avec l'excellent "Electric Tepee" à suivre. Mais cet album est un autre opus à éviter.

L'album commence par son meilleur morceau, la mini-épopée "Images". La voix de Wishart est superbe sur ce long morceau co-écrit par elle, Brock et Davey. C'est un excellent morceau mais il n'y malheureusement rien d'autre de véritablement bon sur cet album.
C'est une piste d'ouverture typique d'Hawkwind, dans le genre de "Back in the box" ou "Motorway city". Commençant par un motif de guitare qui n'est pas sansrappeller un peu ELO, il se transforme rapidement en une explosion Hawkwind-Heavy-Metal.
C'est du Hawkwind avec tous les éléments spatiaux essentiels en place, y compris un magnifique violon de Simon House et des garnitures de clavier plutôt sympathiques et la voix de Bridgett tenant le tout admirablement. Une pause ambiante au milieu avant le retour frénétique du combo Chadwick / Davey / Brock pour une fin puissante.
Près de dix minutes du meilleur cru Hawkwind, ça doit être le morceau le plus long qu'ils aient fait depuis quelque part dans les années 70.
Hawkwind s'en tient à son son plastique des années 80, ce qui signifie un son de batterie de synthé toujours aussi terne et des instruments midi au lieu de vrais instruments. Beaucoup de claviers luxuriants cependant et le violon électrique wah wah est de retour.
Malheureusement, après ce bon début, l'album perd son rythme. Le groupe expérimente des appareils électroniques et des effets tout au long et le reste de l'album devient plutôt irrégulier.
"Black Elk Speaks" présente un récital de prière autochtone par un conférencier invité, John Neihardt lisant son livre "Black Elk Speaks", le témoignage de Black Elk tel que donné à Neihardt, qui semble se référer au livre de la Genèse et suit de très près la théologie chrétienne.
C'est une pièce d'ambiance de mots parlés: le Sioux Black Elk récite une prière à "Grandfather, Mysterious One"; avant qu'un court poème de Bridgett Wishart ne prenne le relais alors qu'un lourd battement de tambour joue sur de la musique ambiante et tout cela est dit sur une impressionnante peinture de guitare atmosphérique
Le produit de la publication de cette chanson est allé à la réserve des Sioux Pine Ridge. Le support instrumental est en quelque sorte assez évocateur: des plaines, des feux de camp, des calumets de paix, etc.
Le très maussade "Wings" est également plus lent. Joli geste d'Alan Davey qui a généreusement donné 10 pour cent des redevances de cette piste à la RSPB, UK Bird Protection Charity (la société royale pour la protection des oiseaux).
Cette chanson a été écrite par Alan en réponse au déversement de pétrole d'Exxon Valdez en Alaska, et aux énormes dommages qu'il a causés à la faune.
Ce n'est vraiment pas fantastique d'un point de vue instrument, ce n'est en aucun cas spatial et il n'y a pas de paroles exceptionnelles. Mais il y a quelque chose dans la façon dont il avance, avec des effets sonores plaintifs et des vocaux tristes de Bridgett (et Alan) qui parviennent en quelque sorte à évoquer une image almosphérique de la désolation.
La piste a un rythme très délibéré avec beaucoup de sons et de bruits ambiants qui contribuent à l'empêcher d'être monotone. C'est une sorte de lamentation triste pour les oiseaux touchés par cette marée noire qui a certainement suscité une certaine émotion chez ce critique qui se trouve être un passionné d'oiseaux.
"Wings" est très différent du Hawkwind habituel. Avec ses impulsions électroniques répétées et sa voix féminine, il se rapproche un peu plus de Siouxsie & the Banshees.
La mélodie up tempo typique du groupe, "Out Of The Shadows", revient sur le 'Hawkwind Sound' de "Images", mais à un rythme un peu plus calme. C'est une pièce douce et atmosphérique mettant 'en vedette' le Duke Lysergic Orchestra.
De nombreux effets sonores sont principalement dirigés par la guitare, et Brock prend la tête à la fois instrumentalement et vocalement. Les effets sonores de moto sont sympathiques au début, mais cela s'arrête et tombe en panne d'essence.
La batterie sonne beaucoup plus organique, mais finalement la chanson est plus qu'insatisfaisante car la musique ne semble pas aboutir à quoi que ce soit, au lieu de cela, elle se déplace sans but et inexorablement vers une transition avec le morceau suivant.
Rien de plus qu'un remplissage oubliable, plein de pads génériques et de lavages qui mènent à...
"Ship Of Dreams" qui commence comme une autre chanson dirigée par les claviers, fortement dépendante du séquenceur avec une courte voix parlée de Brock et de nombreux effets.
Une belle guitare 'distordue' rejoint la fête bien que la voix devienne inintelligible, et il y a un petit peu de 'jigging' folklorique grâce au violon de House. Mais ce n'est pas vraiment un travail cohérent. C'est presque une piste d'accompagnement à la recherche d'une chanson. Pas de concentration...
"TV Suicide" qui flirte à nouveau entre les rythmes électro et le thème ambiant, clôture l'album avec un éventail d'effets et de sons échantillonnés à partir de la télévision ajoutés à un autre paysage sonore à DEL 'touches et séquenceur'. Les paroles simples sur les dangers de la télévision sont présentées par une voix masculine parlée. Mais tout est inefficace et se termine par un retour aux pads génériques et des lavages à décolorer.
Le claviériste Harvey Bainbridge est au chant principal entrecoupé de quelques voix multipistes. Cette chanson commence avec beaucoup de touches et de synthé pendant la section vocale, mais elle se transforme ensuite en une autre piste ambiante à la fin. C'est un morceau décent, mais un moyen un peu faible de terminer l'album car il se finit trop brusquement au moment où il commençait à aller quelque part.

Bref, un album très décevant, mais il a passé une semaine dans les Charts des albums Britanniques à la 70e place.

Le groupe a ensuite entrepris une tournée de 25 dates au Royaume-Uni en Octobre et Novembre pour promouvoir l'album, bien que House ait quitté le groupe à ce moment-là. Ceci a été suivi par 18 dates d'Amérique du Nord en décembre, le spectacle d'Oakland Omni Theatre le 16 décembre étant enregistré et libéré sous le nom de California Brainstorm.

Soutenant toujours "Space Bandits", 1991 a commencé avec peut-être la tournée Hawkwind la plus surprenante de l'histoire du groupe, sans Dave Brock. Le remplaçant temporaire de Brock était l'ancien guitariste des Smart Pils, Steve Bemand (qui avait joué avec Chadwick et Wishart dans les Demented Stoats). La tournée a commencé à Amsterdam le 12 Mars et s'est déroulée en Allemagne, en Grèce, en Italie et en France avant de se terminer en Belgique le 10 avril après 24 dates.

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"BBC Radio One Live in Concert" est un album live sorti en 1991 concernant un concert donné en 1972 par Hawkwind.
"Il a été enregistré directement sur une bande d'un quart de pouce - il n'y avait pas d'overdubs et aucune possibilité de remixage. Cette performance particulière a également été continue pendant une heure, ce qui a fait un changement intéressant lorsque le programme a été diffusé puisque les bobines de bande ne duraient qu'environ 30 minutes chacun. " - Jeff Griffin, producteur de la série BBC in Concert.
Ce concert est encore régulièrement diffusé par BBC Radio sur "Live at Midnight" de la chaîne BBC 6 Music.

Malgré les affirmations de Griffin selon lesquelles le remixage n'est pas possible, la version de diffusion sonne nettement différente de la sortie du CD, ayant une plus grande clarté et une meilleure définition sur les instruments et les voix. La version de diffusion a également quelques modifications brutales, supprimant les quatre premières minutes de "Brainstorm", et pendant "Earth Calling" et le générique de fin.
En Mars 2010, EMI a réédité le concert sous le titre "Hawkwind: At the BBC - 1972" en double CD; le premier CD contenant la version originale de Windsong, le second CD contenant la version utilisée par la BBC pour la diffusion.
Le premier CD comprend également la session studio enregistrée pour le concert de Johnnie Walker en Août 1972, avec des performances de "Silver Machine" et "Brainstorm".

Pistes:

"Countdown" [non répertorié] (Dunkley) - 1:00
"Born To Go" (Calvert / Brock) - 11:15
"Black Corridor" [non répertorié] (Moorcock) - 14:30
"Seven By Seven" (Brock) - 7:05
"Brainstorm" (Turner) - 10:38
"Electronic No 1" [non répertorié] (Dik Mik / Dettmar) - 14:30
"Master of the Universe" (Turner / Brock) - 7:22
"Paranoia" (Hawkwind) - 5:55
"Earth Calling" [non répertorié] (Calvert) - 3:29
"Silver Machine" (Calvert / Brock) - 4:45
"Welcome to the Future" [non répertorié] (Calvert) - - 3:03
"Crédits" [non répertorié] (Dunkley)

Personnel:

Dave Brock - guitare, chant
Nik Turner - saxophone, flûte , chant
Lemmy - guitare basse, chant
Dik Mik Davies - Synthétiseur
Del Dettmar - Synthétiseur
Simon King - batterie

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Bien que sorti en 1991, l'album "Palace Springs" a été enregistré en 1989 avant "Space Bandits". Les deux premiers morceaux avaient été enregistrés avec un studio mobile, tandis que les autres avaient été enregistrés lors d'une tournée en Amérique du Nord.

Personnel:

Bridget Wishart - chant
Dave Brock - guitare électrique, claviers, voix
Harvey Bainbridge - claviers, voix
Alan Davey - basse, chant
Simon House - violon
Richard Chadwick - batterie

Les morceaux live ont été enregistrés lors de la tournée du groupe en Amérique du Nord en 1989, leur première tournée là-bas depuis la fin des années 1970. Le spectacle de Minneapolis a été publié en double CD en 2008 par Voiceprint.

Face 1:

"Back In The Box" ( Harvey Bainbridge , Dave Brock , Alan Davey , Bridget Wishart ) – 6:21
"Treadmill" (Dave Brock) – 8:09
"Assault And Battery" [listed as "Lives Of Great Men"] (Brock) – 3:26
"The Golden Void" [listed as "Void Of Golden Light"] (Brock) – 6:51

Face 2:

"Time We Left (This World Today)" (Brock) / "Heads" (Brock, Roger Neville-Neil) – 7:19
"Acid Test" [aka "Dream Worker"] ( Harvey Bainbridge ) – 6:01
"Damnation Alley" ( Robert Calvert , Brock, Simon House ) – 7:15

"Assault And Battery" et "The Golden Void" ont été renommés à des fins de publication. Cependant, en renommant les pistes, leurs titres ont été transposés par erreur.
Bien que "Heads" forme la section centrale de "Time We Left (This World Today)", il est noté comme une piste distincte sur le CD.
"Damnation Alley" a une section centrale différente de la version studio "Quark, Strangeness and Charm", celle-ci étant un morceau influencé par le reggae qui serait intégré à "The Camera That Could Lie" de l' album "It Is the Business of the Future to Be Dangerous"
Les pistes 3-7 ont été enregistrées en live au Palace Theatre, à Los Angeles, le 10 Octobre 1989.

Durant l'année 1991, Bainbridge, House et Wishart sont partis et le groupe a continué en trio s'appuyant fortement sur les synthétiseurs et les séquenceurs pour créer un mur de son.

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"The Friday Rock Show Sessions" est un album live paru en 1992 qui se déroule au Reading Festival, le 24 août 1986.

Personnel:

Dave Brock - guitare, claviers, voix
Huw Lloyd-Langton - guitare, chant
Harvey Bainbridge - Claviers, voix
Alan Davey - basse, chant
Danny Thompson - batterie
avec:
Lemmy - basse, chant ("Silver Machine")
Dumpy Dunnell - guitare ("Silver Machine")

Le set a été enregistré par la BBC et transmis peu de temps après sur le 'Tommy Vance 's Friday Rock Show'.
L'émission excluait les performances de "Paradox", "Shade Gate", "Choose Your Masks" et "Moonglum". Cet album est sorti selon la diffusion.

Pistes:

"Magnu" (Brock)
"Angels of Death" (Brock)
"Pulsing Cavern" (Bainbridge/Davey)
"Assault and Battery" (Brock)
"Needle Gun" (Brock)
"Master of the Universe" (Turner/Brock)
"Arrival in Utopia" [listed as "Utopia"] (Moorcock/Brock)
"Brainstorm" [unlisted] (Turner)
"Dream Worker" (Bainbridge)
"Dust Of Time" [unlisted] (Brock/Bainbridge/Lloyd-Langton)
"Assassins Of Allah" [aka " Hassan-i-Sabah "] (Calvert/Rudolph)
" Silver Machine " (Calvert/Brock) / "Paranoia" [unlisted] (Brock)

Note: Le regroupement des pistes sur CD suggérerait soit des mélanges soit des interpolations, mais ce sont en fait des segues, à l'exception de "Paranoia" qui interpole "Silver Machine".

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En 1992 sort "Hawklords Live", produit par Dave Brock et enregistré à la Brunel University, à Uxbridge, le 24 Novembre 1978, lors de la tournée de promotion de l'album "Hawklords: 25 Years On", le spectacle était la vision de Dave Brock et Robert Calvert d'une société mécanisée qui embrassait parfaitement l'influence de la comédie musicale New Wave.

Personnel:

Robert Calvert, chant
Dave Brock, chant, guitare
Harvey Bainbridge, Basse
Martin Griffin, batterie
Steve Swindells, claviers

Pistes:

25 Years - 7:20
High Rise - 4:59
Death Trap - 8:43
Spirit Of The Age - 6:44
Sonic Attack - 6:23
Over The Top - 7:51

Cette version recycle la pochette de l'album de 1972, "Doremi Fasol Latido".

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"California Brainstorm" est un album live enregistré lors de leur tournée en Amérique du Nord en 1990, et sorti en 1992 aux USA sur le label Iloki.

Personnel:

Bridget Wishart - chant
Dave Brock - guitare électrique , claviers , voix
Alan Davey - guitare basse , chant
Harvey Bainbridge - claviers, voix
Richard Chadwick - batterie , chant

En 1994, il a obtenu une sortie au Royaume-Uni par Cyclops, qui comprenait la piste supplémentaire "Images" et était également disponible dans un coffret limité contenant le livre de Robert Godwin A Collector's Guide to Hawkwind .
La liste complète des morceaux est maintenant également disponible sous forme de CD supplémentaire sur une réédition de Palace Springs qui a été enregistrée lors de la tournée nord-américaine de l'année précédente.

Malgré un succès relatif en Amérique du Nord au début des années 1970, l'attraction de Hawkwind avait diminué au moment de leur tournée en 1978, sans contrat d'enregistrement et devant un public d'environ 500 à 600 personnes. Néanmoins, ils ont conservé un petit culte tout au long des années 1980 malgré aucune tournée et la plupart des albums étant disponibles uniquement à l'importation.

En Septembre et Octobre 1989, ils revinrent pour une tournée discrète de 13 dates, dont une partie est sortie sur l'album de "Palace Springs". Ils ont suivi cela avec une tournée de 18 dates en décembre 1990, comptant sur des fans dévoués pour aider avec le matériel de son et d'éclairage.
Un de ces fans, Brad Knox, a supervisé l'enregistrement vidéo de certains spectacles et en 1992 a reçu la permission de Brock de sortir un CD d'une bande sonore éditée du 16 décembre 1990 Oakland Omni Theatre show.

Ce CD commence à mi-chemin du spectacle, "Void's End" étant la fin de "The Golden Void". Avant cela, le groupe a ouvert la set list avec "Angels of Death" ou "Needle Gun". "Wings" a également été joué, mais omis du CD.

Pistes:

"Void's End" ( Dave Brock ) – 5:27
"Ejection" ( Robert Calvert ) – 5:58
"Brainstorm" ( Nik Turner ) – 8:51
"Out Of The Shadows" (Doug Buckley, Brock, Alan Davey )
"Eons" [aka "Snake Dance"] (Hawkwind)
"Night Of The Hawks" (Brock) – 18:08
"TV Suicide" ( Harvey Bainbridge )
"Back In The Box" (Hawkwind)
"Assassins Of Allah" [aka " Hassan-i-Sabah "] (Calvert, Paul Rudolph ) – 20:14
"Propaganda" (Hawkwind) – 1:08
" Reefer Madness " (Calvert, Brock) – 8:25

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Après une tournée Européenne en Mars et Avril 1991, le bassiste et claviériste Harvey Bainbridge a choisi de quitter le groupe. La chanteuse Bridget Wishart a mis également fin à son association avec le groupe en Septembre.
Dave Brock a cependant décidé que Hawkwind pouvait continuer et il assumera tous les travaux de guitare ainsi que la plupart des fonctions de claviers. Le groupe va donc continuer à fonctionner en trio en utilisant beaucoup de séquenceurs, de synthétiseurs et d'ordinateurs, à la fois en studio et en live.

L'album "Electric Tepee" a été enregistré en 1992 dans les studios Earth de Brock, produit avec Paul Cobbold. Sorti en tant que premier double LP studio du groupe, il combine des éléments de Hard Rock avec des pièces ambiantes légères.
Avec la magie du studio, cet album a le son Hawkwind le plus large et le plus texturé à cette date.

Cet album a certainement semblé être une renaissance pour le groupe à sa sortie en 1992. Réduit à un trio, les membres savaient que chacun d'entre eux devait faire plus de bruit quand ils jouaient en live, alors ils l'ont fait en utilisant le MIDI. "...Dave avait une guitare MIDI et déclenchait d'énormes quantités de modules de sons et de réglages de clavier dans son rack d'équipement. Le MIDI nous a donné la capacité de maintenir ce mur de sons, qui est la marque de fabrique du groupe...".

Mais, à ce moment de leur carrière, ce disque ne surprend vraiment pas et il était peut-être difficile au groupe d'innover mais une bonne inspiration aurait été la bienvenue car l'écouter du début à la fin n'est pas une expérience très exaltante.

En fait, "Electric Tepee" est un album irrégulier comme tous les derniers albums du groupe.
Pourtant, Hawkwind a retrouvé une certaine forme avec un double album. Il y a tout ce que sait faire Hawkwind, des morceaux frappants ("LSD", "Secret Agent", "Right to Decide") et les morceaux synthétiques habituels.
Malgré des pistes décevantes, dans l'ensemble, c'est un travail assez intéressant.

Ce que l'on peut affirmer, c'est que cet album a été produit par des professionnels et que la qualité sonore est excellente. Dave Brock n'a jamais été un virtuose de la lead guitare, mais l'album n'en a pas besoin; le groupe est une unité.
Le style est principalement Space Rock, avec des éléments de trance, d'ambiance et de techno. Des morceaux plus lents et plus ambiants, comme "Blue shift", "Death of war" et "Going to Hawaii" viennent compléter les nombreux morceaux rythmés.

Malheureusement, à l'écoute de morceaux comme "LSD" ou "The Secret Agent", la structure simple et Hard Rock a déjà été entendue des tonnes de fois sur les albums précédents.

Une grande partie de l'album poursuit un voyage musical continu avec une plus grande dépendance sur les synthétiseurs que n'importe quel album précédent de Hawkwind à l'exception de "Church of Hawkwind".
Une bonne moitié du disque est remplie d'instrumentaux puissants qui vont des paysages de rêve schulzéens tels que le charmant "Blue Shift" et "Space Dust" à des excursions mid tempo telles que "Death of War" et "Don't Understanding".
Les instrumentaux sont corrects mais surtout comme transitions vers les chansons.

Dans l'ensemble, l'album est un exemple assez décent du genre de matériel qui était alors courant sur la scène des festivals gratuits au Royaume-Uni, et Hawkwind a joué un rôle non négligeable dans la création.
A noter que certaines chansons d'Electric Tepee peuvent également être trouvées sur l'album live "The Business Trip", mais l'essence de cet album n'est pas couverte ailleurs que sur cet album studio.

Avec ce rythme et cette voix Heavy, le morceau d'ouverture agréable, "LSD", possède un son familier de Hawkwind, de la spaceytronique électronique et un riff haletant.
Une sensation de jam session s'installe avec Alan Davey jouant un grand groove de basse. Après les deux premières minutes avec des chants typiquement Hawkwind, sa lourde basse qui roule prend la tête de l'improvisation qui suit. Les vocaux sont un peu trop répétées et forcées.
La piste devient plus Heavy et repose alors sur la distorsion de la guitare plutôt que sur les synthés. Le groupe rompt avec la domination omniprésente des synthés des années 80 et se lance dans un son plus Heavy à ce stade et c'est un changement bienvenu.
Du Hard Rock déjà entendu tellement de fois de la part du groupe!
Puis cela se fond dans le calme "Blue Shift", un morceau atmosphérique entièrement aérien et mélodique avec des sons spatiaux qui entrent et sortent du paysage sonore.
Au moins, c'est un peu rêveur et cela transporte l'auditeur dans un monde vraiment agréable comme s'il dérivait dans l'univers.
C'est fortement imprégné de séquences mellotroniques soutenues. Pas très inspirémais agréable à écouter.
C'est surtout un instrumental un peu New Age avec suffisamment de synthétiseur scintillant en arrière-plan pour garder les choses intéressantes, avant que des bruits plus chaotiques et dissonants ne perturbent la tranquillité en annonçant le morceau suivant, "Death of War".
Pour conforter ce sentiment, le morceau suivant, "Death Of War", peut presque rivaliser avec. Le son est spatial alors que les fusils tirent et qu'un rire maniaque se fait entendre puis des vocaux narrées égrainent de la poésie.
Un battement et des synthés dans lesquels le groupe s'est vautré pendant les années 80 prenbent la suite
Les paroles ont été écrites par Mark Rowntree, crédité comme "Rown Tree", un tueur condamné qui est détenu dans un hôpital sécurisé depuis 1976.
Hawkwind lance alors un des ses Hard Rocks courants, "The Secret Agent", qui est une sorte de parodie de films d'espionnage. Il démarre fort et c'est up tempo avec des vocaux rapides et une batterie qui intervient après un ceratain temps.
Brock joue vite avec des tonnes d'écho, alors qu'un riff de guitare spatial se déclenche, rappelant quelque peu "Needle Gun": "...Je suis un agent secret, quel est votre nom, quel est votre jeu...".
La jam improvisée sur ce sujet dure à sa manière et les gars rockent avec plus de Punk Rock psychédélique et de basse percutante. Les guitares se font plus Heavy sur de longues sections improvisées.
L'instrumental "Garden Pests" a ces sons étranges fait avec des effets bizarres (un téléphone hypnotique sonnant sur certains synthés séquencés), puis il se poursuit dans un bon rythme sonore.
Suit "Space Dust" qui est instrumental avec des effets bizarres, influencé par Pink Floyd, respectable mais qui sonne comme une explosion de sons improvisés. Ce n'est pas vraiment cohésif...
"Space Dust" se fond dans l'instrumental "Snake Dance" où un rythme se joint rapidement alors qu'il continue d'être spatial. Une ambiance Moyen-Orientale s'installe avec des effets bizarres, des mélodies de guitare spacey electronica et de style arabe, comme une sorte de charmeur de serpent futuriste.
Comme d'habitude, il y a des chansons 'new-old' de Hawkwind.
Les chansons les plus Pop sont étranges mais elles font une bonne diversion bien que l'énergique "Mask of the Morning" dure plus de neuf minutes. Cela avait fonctionné pour l'incroyable "Orgone Accumulator" de "Space Ritual" ou "Born to Go", mais cette piste n'est pas aussi bonne que ces pistes pour remplir autant de temps.
En fait, "Mask Of The Morning" réutilise les paroles de "Mirror of Illusion" du premier album de 1970 "Hawkwind".
Seulement trois musiciens, mais quel son! les guitares sont plus lourdes et de longues sections sont improvisées.
C'est une chanson bien moyenne qui, finalement, a besoin de beaucoup d'effets pétillants et d'une mixture aux accents arabisants pour le rendre quelque peu agréable.
"Rites Of Netherworld" est une pièce courte, sombre et dramatique, un instrumental avec des effets bizarres, un bref morceau de clavier basé sur "Le Sacre du printemps" de Igor Stravinsky.
L'instrumental "Don't Understanding" a une saveur électronique avec des effets bizarres et quelques samples.
C'est un morceau de transe hypno avec des boucles spatiales et des effets tels que des octets sonores de "Blade Runner".
Un autre est le bon vieux Hard rockant "Sadness Runs Deep" qui est puissant avec des vocaux presque parlées au début. Un fond oriental pour cette chanson rapide: originale et quelque peu captivante. C'est une autre chanson moyenne de Hawkwind qui a besoin de beaucoup d'effets pétillants et d'un sirop aux accents arabes pour le rendre plus agréable.
"Sadness Runs Deep" a presque à un rythme de dance, bien qu'il alterne entre celui-ci et des vers plus lents.
Mais, au moins, c'est une chanson qui fonctionne aussi pas trop mal avec un travail de lead guitare wah wah et un signal de tempo étrange. Les guitares sont Heavy et il y a de longues sections improvisées.
Le punky traditionnel est également disponible sous la forme de "Right To Decide" qui est une chanson Pop à la fois dynamique et amusant avec le son caractéristique de Hawkwind.
Il est incroyable que le groupe joue encore ce type de chansons en 1992. Certains synthés y ajoutent une saveur assez particulière et en fin de compte c'est une autre bonne chanson avec plus de basse percutante. Brock y est formidable: "...Vous ne pouvez pas faire cela, vous ne pouvez pas faire cela, vous ne pouvez pas avancer et vous ne pouvez pas revenir en arrière...".
"Going To Hawaii" est un instrumental ambiant aux ondes spatiales avec un son incroyable.
Le rythme ressemble presque à un extrait de "Passion" de Peter Gabriel qui serait enterré sous une épaisse sauce de synthé.
C'est un instrumental avec des effets bizarres, de longues atmosphères ambiantes et des vagues organiques oniriques de synthés et d'électronique dans le genre Tangerine Dream
Pour clôturer l'album, "Electric Tepee" est un instrumental également très spatial avec des effets bizarres et quelques chants indigènes qui n'avance à rien et peut facilement être ignoré.

Le disque a passé une semaine dans les Charts des albums Britanniques au numéro 53.

Le groupe a ensuite entrepris une tournée Britannique de 23 dates en Avril et Mai pour promouvoir l'album, apparaissant derrière un rideau sur lequel le spectacle de lumière était projeté. Une nuit blanche à l' Académie de Brixton le 15 août, quand ils ont été rejoints sur scène par Salt Tank, a été publiée sous le nom de "Brixton Academy 15.8.92", en utilisant un tournage vidéo amateur de l'événement.

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"It is the Business of the Future to be Dangerous" paru en 1993 est presque dépourvu des tendances Rock. Il a été enregistré par le même trio que son prédécesseur "Electric Tepee".
L'album a été enregistré aux studios Barking Dog de Brock à Devon et produit avec Paul Cobbold. Son titre est une citation du mathématicien et philosophe Alfred North Whitehead.

L'album a été initialement publié en double album et il est presque aussi long que son prédécesseur mais celui-ci se concentre entièrement sur leur côté instrumental ambiant. C'est aussi le deuxième album de Hawkwind en deux ans.
La plupart des morceaux ne sont guère plus que des boucles instrumentales ambiantes et on peut pratiquement dire que Hawkwind est complètement en roue libre.

Cet album ne ressemble d'ailleurs pas vraiment à du Hawkwind pendant sa majeure partie, mais plutôt à Church of Hawkwind. Et, surtout, cela ressemble plus aux albums d'ambiance populaires vers 1993 car il est avant tout instumental.
La production est moderne et Hawkwind n'a pas hésité à absorber les influences rave / techno / sampler dans sa musique, et cela ne fonctionne pas trop mal. Ce n'est pas réellement du rave ou de la techno, mais un retour à un son presque psychédélique, presque ambiant.
Mais quand le groupe s'en tient à créer des paysages sonores comme la chanson "It Is The Business Of The Future To Be Dangerous", l'album fonctionne comme une musique d'ambiance.

Hawkwind a donc exploré le côté ambiant des choses dans une certaine mesure plutôt que des chansons réelles, et ce genre de chose finit par être quelque peu ennuyeux.
Pourtant, la qualité sonore est extrêmement bonne, tirant le meilleur parti des effets spéciaux. la plupart des pistes ambiantes sont basés autour d'un thème répété entrecoupé d'effets sonores informatisés avec batterie et percussions mixées ensemble.

Certaines pistes comportent des paroles d'anciennes chansons, et il y a même une reprise intéressante des Rolling Stones avec "Gimme Shelter", chantée par le batteur, mais le reste de l'album est au mieux fragmenté.

Très expérimental, le disque est totalement différent de leurs albums précédents. Il est plus instrumental que d'habitude, ce qui aurait pu être bien si la musique avait eu un tant soit peu d'inspiration. Mais ce n'est, malheureusement pas souvent le cas.
C'est réellement un autre album bien moyen qui hésite entre la musique ambiante et le Space Rock, ou les deux, comme lors d'un "It Is The Business Of The Future To Be Dangerous" répétitif et du long "Space Is Their (Palestine)". Cette musique synthétique devient rapidement ennuyeuse.

Ce n'est plus le Hawkwind d'antan, mais plutôt une entité très différente, une chose tranquille qui se concentre uniquement sur la musique instrumentale et la répétition terne. Rien ne se démarque vraiment en tant que chanson classique, mais tout se mêle à rien de plus qu'une musique de fond.
C'est un peu léger sur le facteur Rock, mais pour les amateurs de musique spatiale basée sur les synthés, alors là, c'est très différent. Ce n'est absolument pas de la techno ou de la musique dance, mais le son de Brock / Davey / Chadwick se réinvente dans un climat électronique.
Les instrumentaux sont potables, allant du full-on Space Rock à l'Ambiance, mais les véritables morceaux manquent.

Donc, globalement, une musique psyché ambiante plus spatiale sans beaucoup de points forts à proprement parler.
Une véritable honte car le groupe est capable de brillance, pas cet effort terne et fatigué. Comment cela doit avoir aliéné les fans de Hawkwind. Quel gaspillage absolu de talent: Fondamentalement, tout dépend des attentes.
C'est évidemment un Hawkwind très ambiant qui décevra surtout leur fanbase originale.

L'album débute par la chanson titre, "It Is The Business Of The Future To Be Dangerous" qui commence avec des effets de synthé, un rythme percussif tribaliste fort et une électronique spatiale. C'est fondamentalement un instrumental, ressemblant plus à Ozric Tentacles avec des rythmes spatiaux psychédéliques et hypno. Cette musique pourrait être un remède contre l'insomnie, elle est si morne, ce n'est pas vraiment un bon début.
Le titre "It Is the Business of the Future to Be Dangerous" est une citation du livre "Science and the Modern World" du mathématicien / philosophe Alfred Whitehead qui avait été initialement utilisée sur les notes de la pochette de l' album Space Ritual.
Le majestueux "Space Is Their (Palestine)" est une épopée d'une durée de près d'une douzaine de minutes. Ce n'est pas la musche qui arrive car c'est surtout improvisé.
Ce morceau d'influence arabe sera intégré dans la partie centrale de la version live de "Hassan I Sabbah", rebaptisée "Assassins of Allah". Il est inondé de synthétiseurs psychédéliques du Moyen-Orient et utilisé comme une extension instrumentale des "Assassins of Allah" dans le live de Hawkwind, par exemple sur "Love In Space".
À ce stade, la plupart des Hawkfans auraient certainement préféré une chanson avec quelques vocaux, mais "Tibet Is Not China" reste dans le même domaine ambiant, la seconde partie étant légèrement plus Rock:
"Tibet Is Not China (Part 1)" a quelque chose de chantant avec les moines Tibétains dans l'espace, peut-être. La douce musique aérienne dérive douloureusement lentement et ne semble aller nulle part.
"Tibet Is Not China (Part 2)" est assez similaire à la première. Un riff monte mais il est trop tard, car on peut avoir perdu tout intérêt pour cette piste médiocre et ennuyeuse.
"Let Barking Dogs Lie" est un autre long morceau d'environ 9 minutes. Il a quelques rythmes intrigants de guitare et techno, mais cela s'use rapidement.
C'est mieux que la piste précédente, mais ce n'est toujours pas vraiment bon et Hawkwind ne fait pas un gros effort d'imagination.
Cette chanson reste uptempo avec son lourd bourdon de synthé et son vernis psychédélique luxuriant. C'est juste une autre de ces expériences électroniques qui sont plus proches de la jam session.
Après un certain nombre de paysages sonores moins remarquables, apparait "Wave Upon Wave" avec son climat instrumental plus que léger.
La première véritable chanson de l'album s'appelle "Letting in the Past" et c'est est un ré-enregistrement de "Looking in the Future" de l'album "Church of Hawkwind" de 1982.
C'est un bon vrai Rock bien solide sur lequel la voix de Dave Brock a bien mal vieilli.
L morceau suivant, "The Camera That Could Lie", est étonnamment bon pour du Reggae Pop, c'est un territoire nouveau et différent dans lequel Hawkwind s'avance.
Brock sonne particulièrement bien et l'électronique spatiale fait une intrusion avec ce rythme reggae.
C'est une chanson très influencé par le Reggae qui fusionne la musique qui avait déjà été utilisée dans la partie centrale de la version live de "Damnation Alley" sur l'album "Palace Springs" de 1992 avec les paroles de la chanson "Living on a Knife Edge" de l'album "Sonic Attack" de 1981.
Ce merveilleux morceau est bien meilleur sur l'album live "Business Trip" qui suivra.
En raison de l'utilisation inexplicable d'une boîte à rythmes, ce n'est malheureusement pas aussi convaincant.
"3 Or 4 Erections In The Course Of A Night" est un instrumental avec des chevaux amusants qui hénnissent, une voix féminine, un côté spatial avec des couches d'ambiance de synthé.
"Techno Tropic Zone Exists" a de jolis coups de staccato orchestrés et les voix en écho de Brock sont les bienvenues. Une fois de plus, la technologie numérique domine le Space Rock, et ce n'est pas si inspirant. La musique n'est pas intéressante pour un fan de Hawkwind ou de Rock spatial. Par contre, ceux qui aiment la transe, le séquençage techno digitalisé et l'ambiance spatiale étrange seront servis.
Cela semble être une erreur de casting. Mais ce n'est qu'un élément isolé, ennuyeux et répétitif à l'envie.
Brock s'est parfois avéré assez habile à intégrer la techno, mais pas ici. L'idée de base est une impulsion orchestrale légèrement industrielle, mais cela ne se transforme pas en quelque chose de vraiment intéressant.
L'album inclut une reprise de "Gimme Shelter" des Rolling Stones que le groupe avait enregistrée avec Samantha Fox pour le single "Putting Our House in Order" de l'organisation caritative Shelter, bien que la version de l'album supprime la voix de la chanteuse et que le batteur Richard Chadwick re retrouve seul au chant.
Cette piste donne à la chanson le traitement et le son complets de Hawkwind, avec sampler, un rythme entraînant et des voix monotones mais mélodiques, des effets spatiaux, un riff cool qui se verrouille dans la mélodie familière.
Il faut un certain temps pour s'habituer à cette version.
Totalement revisitée, elle montre un angle différent: Au début, c'est plutôt décevant, il a de bons vocaux mais le rythme principal est très générique, presque après coup. De plus, les guitares ne vont pas beaucoup plus loin que de grincer avec le rythme sourd. L'harmonica sur cette piste est une belle touche.
A noter que la reprise originale figure en bonus sur la réédition éditée chez Atomhenge en 2012.
Enfin, "Avante" conclut l'album avec quelques sons plus abstraits, quelques motifs de batterie rapides sur des couches d'effets sonores. Et même s'il y avait de l'espoir après un bon début, la seconde moitié le ruine à nouveau.

"It Is the Business of the Future to Be Dangerous" a passé une semaine dans les Charts des albums Britanniques à la 75e place.

Le groupe a ensuite entrepris une tournée Britannique de 21 dates en Novembre pour promouvoir l'album.
Ceci a été suivi par une tournée de 12 dates en Allemagne / Pays-Bas en Décembre. Certains spectacles ont été enregistrés et sortis sous le nom de "The Business Trip".

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"The Business Trip", paru en 1994, a donc été enregistré lors de la tournée de l'album précédent en 1993, mais la musique est plus Rock comme on peut s'y attendre de leur part en live.
Il a été enregistré sur le campus Slough à la Thames Valley University, en Novembre 1993: Il existe une vidéo de bonne qualité de l'ensemble du concert de Slough.
Les photographies et la conception de la couverture de la version originale du digipack a été conçu par John Chase.

Un double album tous les deux ans, c'est peut-être un peu trop... Pourtant, "The Business Trip" est un excellent album live avec une setlist très variée.
Bien que crédités comme étant entièrement en live, certains des morceaux comme "Quark, Strangeness and Charm" et "Berlin Axis", ont des bandes d'accompagnement enregistrées en studio,
Les chansons sont liées entre elles, pas de rupture et les transitions sont excellentes, particulièrement entre "The Camera That Could Lie" et "Green Finned Demon".

Les morceaux et improvisations sont sérieux, pas trop longs, le son est meilleur que leur son souvent cosmétique de studio et la sélection de chansons qu'ils apportent couvre plus de vingt ans de carrière.
Sur cet album live, Hakwind joue en une sorte de Power Trio, et il parvient à avoir un grand son spatial. L'album sonne comme un rêve psychédélique sans fin. La cohésion est très bonne.

Le groupe joue téellement très bien: Alan Davey est un bon bassiste et son travail de synthé est brillant tandis que Richard Chadwick est l'un des batteurs les plus talentueux que le groupe ait arborés mais c'est bien sûr Dave Brock qui est le cœur et le noyau du groupe.
Cet album live a une ambiance générale très forte. Le groupe reste une expérience magique et il n'y a pas de discussion avec la foule la plupart du temps.
Tout se déroule de manière très fluide et naturelle, et la qualité sonore est appréciable.

Le résultat final est une sortie live remarquable qui vaut la peine d'être mise aux côtés du matériel" Live '78 Hawklords" ou du puissant et majestueux "Space Ritual" propulsé par Lemmy.
Ce qui est étonnant, c'est à quel point chacun de ces sons sortis en live est différent - peut-être le meilleur témoignage de la façon dont le son de Hawkwind a grandi, changé et adapté au fil des ans dans le contexte live ainsi qu'en studio.

Chaque chanson de cet album se distingue, il n'y a pas de ratés sur ce CD.

"Altair" [a.k.a. "Wave Upon Wave"] est une introduction électronique courte et douce qui permet d'entrer en douceur dans l'album...
La version de "Quark, Strangeness and Charm" qui suit a un nouveau support musical plus lent que la version originale de 1977, et cette nouvelle version est sortie en EP sans le bruit de foule overdubbé. Hawkwind n'a jamais hésité à fouiller dans son passé et cette piste phare est complètement remaniée et c'est presque un nouveau morceau.
c'est totalement différent de l'original plutôt excentrique et maniaque, les paroles sont la seule chose que les deux versions ont véritablement en commun.
L'album prend vie avec "LSD" et toute l'essence même de Hawkwind, c'est à dire des riffs lourds, des tambours battants et de l'électronique flottant à profusion autour de la scène sonore comme un maelström. C'est une version assez fidèle de cette piste tirée de "Electric Tepee". Une bonne voix grave d'Alan Davey et un superbe jeu de basse. Un bon exemple de la façon dont leur mur de son n'est pas affecté malgré le fait que le groupe soit réduit à un trio.
Bien que séparé en une piste distincte, "The Camera That Could Lie" avec son thème de piano stupidement simple forme la section centrale de "LSD". Son côté Reggae sonne bien
Encore une fois Davey et son jeu de basse créatif brille et la dernière partie de la piste se transforme en mode Rock déchainé et la section instrumentale à la fin est excellente.
"Green Finned Demon" tiré de l'EP "Earth Ritual" se distingue comme un grand thème mélodique et fragmenté avec un thème sous-jacent. C'est un morceau au rythme doux avec un superbe travail de guitare bluesy de Dave Brock.
"Do That" [a.k.a. "You Shouldn't Do That"] frappe les hauts lieux chamaniques pendant que Davey mitraille le ciel avec son attaque sonore, C'est une véritable explosion du passé alors que le groupe se lance dans l'exploration de "Search Of Space". Une intro percutante avant que ce riff de basse familier et frénétique ne se déclenche avec frénésie.
"The Day A Wall Came Down" avec un excellent travail percussif marathon de Richard Chadwick semble être un morceau exclusif à cet album.
"Berlin Axis" a une ambiance courte et douce d'un autre monde menant au morceau suivant...
Le suppliant et presque mélancolique "Void Of Golden Light" [a.k.a. "The Golden Void"] est une bonne chanson sur laquelle la voix originale de Davey a été superposée avec celle de Brock. Cette piste tirée de "Warrior On The Edge Of Time" qui apparaît sur tant d'enregistrements live est toujours la bienvenue avec une douce intro dans ce morceau dans lequel le premier couplet est chanté par Dave avec Alan en harmonie avant de muter en une version plus reconnaissable et un superbe jeu de guitare plein d'émotion, tout simplement magnifique.
Toujours apprécié du public lorsque Hawkwind inclut des morceaux de l'album de Robert Calvert en 1974, "Captain Lockheed and the Starfighters" et "The Right Stuff" n'échappe pas à la règle. Avec une belle voix de grave d'Alan, les premières minutes sont fidèles à l'original avant de devenir une vraie jam Space Rock cool. Cette reprise est une véritable tranche de bravade qui résume presque Hawkwind en une seule piste...
"Wastelands" [a.k.a. "Wastelands Of Sleep"] tiré de "Xenon Codex", reconnaissable comme une mutation sans voix de "Wastelands Of Sleep" est magnifique avec un jeu délicat et un travail de synthé ésotérique résumant un sentiment de terres inutiles s'étendant à l'horizon.
"The Dream Goes On" [a.k.a. "The Iron Dream"] est une courte pièce dramatique et explosive qui fait vibrer. Les racines de ce morceau résident dans "The Iron Dream" tiré de l'album "Quark, Strangeness and Charm".
"Right To Decide" tiré de "Electric Tepee" en est une version fidèle. La voix de Brock est précise tout au long de la performance et quand Alan Davey s'harmonise avec lui, des résultats épiques sont obtenus.
"The Dream Has Ended" [a.k.a. "You Know You're Only Dreaming"] est un autre retour à "In Search of Space". Une intro d'accords de piano profonds et sonnants se poursuit alors que le premier couplet est chanté avant que le morceau ne décolle dans un territoire dramatique inconnu.
Sur "This Future" [a.k.a. "Welcome To The Future"], les paroles de fin de sont super et l'humanité est présentée comme une expérience extraterrestre: Une voix menaçante et parlée par Brock accueille la finale et tout se termine par un drame comme il se doit.
Le morceau de clôture,"Terra Mystica" est une piste bonus auparavant uniquement disponible sur la version vinyle en édition limitée. Le drumming tribal au rythme moyen crée un groove ethnique et une base pour les claviers et les effets.

A noter qu'il existe des morceaux notables enregistrés lors du concert qui ont été omis de l'album: "Letting In the Past (Living in the Past)", "Tibet Is Not China", "Psychedelic Warlords", "Sputnik Stan", "Assassins of Allah (Hassan-i-Sahba) / Space Is Their Palestine".

En conclusion, beaucoup de mieux par rapport à bien des albums des dernières années... A confirmer!

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L'album "White Zone" est sorti en 1995 sous le pseudonyme de Psychedelic Warriors pour se distancier entièrement de l'attente Rock de Hawkwind.

Titres

1 - Am I Fooling (Brock, Davey, Chadwick) - 1:28
2 - Frenzzy (Brock) - 5:48
3 - Pipe Dreams (Brock) - 3:38
4 - Heart Attack (Brock) - 0:54
5 - Time and Space (Brock, Davey) - 4:04
6 - The White Zone (Brock) - 7:32
7 - In Search of Shangrila (Brock) - 5:35
8 - Bay of Bengal (Brock) - 1:35
9 - Moonbeam (Chadwick) - 4:08
10 - Window Pane (Davey) - 5:08
11 - Love in Space (Davey) - 5:20

Musiciens

Dave Brock : guitare, claviers, chant
Alan Davey : basse, chant
Richard Chadwick : batterie
Dave Charles : échantillonneur, OSCI

Ce changement de nom reflète qu'il s'agissait d'un départ musical pour le groupe; étant un album techno ambiant plutôt que Rock, l'album est complètement instrumental (sauf pour les samples) et, en conséquence, il y a bien peu de guitare en vedette.

Il y a peut-être des bonnes idées dans l'ensemble, mais cela semble un peu trop fourre-tout!
Pour inconditionnels!

En 1995 parait "Undisclosed Files Addendum".

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"Undisclosed Files" (version LP) a été publié par Hawkwind pour promouvoir leur nouveau label (à l'époque), The Emergency Broadcast System en 1993, numéro de catalogue "HAWKWIND · 1".

Liste des morceaux - (Sortie vinyle originale):

1 - "Orgone Accumulator" (Calvert/BrocK) – 5:22 (1984)
2 - "Sonic Attack" (Moorcock/Hawkwind) – 7:00 (1984)
3 - "Watching the Grass Grow" (Turner/Thoms) – 5:10 (1984)
4 - "Damned By the Curse Of Man" (Moorcock/Hawkwind) – 4:24 (1984)
5 - "Master of the Universe" (Turner/Brock) (1988)
6 - "Coded Languages" (Moorcock Bainbridge) (1988)
7 - "Ejection" (Calvert) – 4:29 (1988)
8 - "Motorway City" (BrocK) – 6:47 (1988)
9 - "Dragons and Fables" (Lloyd-Langton) – 3:19 (1988)
10 - "Heads" (Neville-Neil/BrocK) – 3:52 (1988)
11 - "Angels of Death" (BrocK) – 5:36 (1988)

"Undisclosed Files Addendum" est la version CD de 1995 avec des pistes légèrement modifiées.

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Liste des morceaux - (version CD) - "Undiclosed Files Addendum":

1 - "Orgone Accumulator" (Calvert/BrocK) – 5:22 (1984)
2 - "Ghost Dance" (Turner/Bainbridge) – 7:11 (1984)
3 - "Sonic Attack" (Moorcock/Hawkwind) – 7:00 (1984)
4 - "Watching the Grass Grow" (Turner/Thoms) – 5:10 (1984)
5 - "Coded Languages" (Moorcock/Bainbridge) – 5:10 (1984)
6 - "Damned By the Curse Of Man" (Moorcock/Hawkwind) – 4:24 (1984)
7 -"Ejection" (Calvert) – 4:29 (1988)
8 - "Motorway City" (BrocK) – 6:47 (1988)
9 - "Dragons and Fables" (Lloyd-Langton) – 3:19 (1988)
10 - "Heads" (Neville-Neil/BrocK) – 3:52 (1988)
11 - "Angels of Death" (BrocK) – 5:36 (1988)

Les deux sont des albums live de Hawkwind, composés des meilleurs moments de deux concerts en 1984 et 1988.
Les pistes 7-11 ont été rééditées en mai 2010 en tant que pistes bonus sur "The Xenon Codex".
Les morceaux de 1984 ont été enregistrés en live, à l'Université de Sheffield le 27 Novembre 1984. Les morceaux de 1988 ont été enregistrés à l'Hammersmith Odeon, en Décembre 1988.
La tournée de 1988 était la première tournée de Richard Chadwick avec Hawkwind.

Personnel:

Dave Brock - guitare , claviers , voix
Huw Lloyd-Langton - guitare , chant
Nik Turner - saxophone , flûte , chant (1984 pistes uniquement)
Alan Davey - guitare basse , chant
Harvey Bainbridge - claviers , voix
Clive Deamer - batterie (1984 pistes uniquement)
Richard Chadwick - batterie (1988 uniquement)

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À la fin de l'année 1994, avec le groupe constitué en trio, les musiciens de Hawkwind ont senti qu'ils manquaient visuellement en termes de mise en scène. Ron Tree, qui avait été impliqué avec des groupes de la scène des festivals gratuits anglais, avait offert ses services et le groupe les avait acceptés. De plus, le guitariste Jerry Richards, un autre musicien impliqué dans la scène des festivals libres anglais en tant que membre du groupe Tubilah Dog, a commencé à contribuer à des dates live et à des sessions d'enregistrement.

Ce nouveau line-up entreprend une tournée de 13 dates en Amérique du Nord en Avril 1995, puis enregistre une session BBC Radio 1 le 27 juillet, aux studios Maida Vale.

le nouvel album intitulé "Alien 4", enregistré aux Rockfield Studios cet Eté-là et sorti en 1995, contient quelques Space Rocks avec des expériences ambiantes typiques des années 90. Sur cet album, Tree partage les tâches vocales principales avec Dave et le guitariste Jerry Richards joue sur quelques titres.
Le nouveau chanteur a souvent été comparé à Robert Calvert, mais cela reste encore à prouver.

Tout d'abord, du point de vue de l'écriture de chansons, c'est leur premier album studio cohérent depuis bien longtemps, que l'on pourrait qualifier de décent, mais sans plus. Une critique générale de la musique techno à cette époque était son absence de visage et son manque de personnalité, que le groupe ressentait également.

Le concept global de cet album concerne principalement les extraterrestres. Il n'y a pas d'histoire vraiment cohérente, juste le sujet des extraterrestres.
Avec des thèmes largement empruntés aux théories des enlèvements alors en vigueur, "Alien 4" retrouve la série d'albums orientés New Age revenant dans un territoire un peu plus Rock, avec des éléments de "PXR 5", "The Xenon Codex" et "Quark, Strangeness and Charm" retravaillés aux côtés d'originaux. Le nouveau chanteur offre un peu d'énergie toute juvénile, et la production est relativement bonne.
Pourtant, pour un album concept qui se demande si les Gris sont là pour nous défendre contre le Nouvel Ordre Mondial ou pour nous y livrer, c'est un voyage amusant qui démontre certainement que même lorsque Hawkwind est à la poursuite de l'inspiration, ils mettent toujours leur propre patte sur les choses.

Certains pourraient dire qu'à long terme, cet album semble répétitif, ce qui n'est pas faux. Le groupe aurait été très inspiré de couper un peu la longueur de cet album pour éviter ce sentiment ("Festivals", "Death Trap").
Bien sûr, il y a beaucoup de sons de la musique spatiale de Hawkwind et beaucoup de sons synthétisés et programmés avec suffisamment de guitare 'spatiale'. il y a le nouveau chanteur, mais sa voix est un peu rude pour un appel de masse. cela aide à ajouter une certaine variété aux chansons, mais à part cela, cela ne contribue pas beaucoup.

"Alien 4" est, en fait, une entrée très étrange dans le catalogue de Hawkwind avec un bel emballage et des œuvres d'art mais peu de substance en termes de musique réelle. Le groupe a opté pour des vocaux quasiment punk de Ron Tree comme sur le terrible "Beam Me Up". Les voix off sont correctes mais elles finnissent par lasser après un certain temps. Les tons psychédéliques spatiaux semblent de plus en plus forcés et être là simplement pour la vitrine.
Le groupe a vraiment eu du mal et il y a peu à recommander. Le problème est que de Hawkwind n'offre rien de bien nouveau, revisitant simplement le vieux terrain déjà accompli avec les albums précédents.
C'est, par conséquent, un album assez oubliable: Les chansons sont plutôt répétitives et beaucoup sonnent plus comme des pistes bonus que comme des chansons classiques des Hawks.

De temps en temps, il y a pourtant de superbes breaks de guitare et de l'innovation comme sur "Alien (I Am)" et "Sputnik Stan".
L'ambiance générale de cet album studio est excellente en soi et les nombreux passages symphoniques sombres entre les chansons rock sont bien intégrés.
Dans l'ensemble, il y a quelques passages qui prouvent que Hawkwind a de bonnes intentions, mais ils sont rares. Les vocaux de Tree auraient peut-être mieux fonctionné s'ils avaient été utilisés différemment, mais ils ne font souvent rien pour aider étant donné le matériel. La meilleure partie de l'album sont les breaks instrumentaux, mais le seul endroit où ils sauvegardent le morceau entier est sur "Alien (I Am)", "Sputnik Stan" et "Xenomorph". Le reste de l'album est correct, mais il n'y a rien d'exceptionnel.

Il n'y a pas de mauvais morceaux en tant que tels, mais dans certaines parties, l'album semble se perdre.
Fait intéressant, beaucoup de ces morceaux apparaissent sur leur DVD live "Love In Space" où ils sonnent, ecore une fois, beaucoup mieux.

Un paysage sonore agréable et un poème de science-fiction, "Abducted", ouvre le disque. Mais cela ne semble pas vraiment intéressant, car il manque la dynamique requise pour une chanson d'ouverture, même si elle contient de beaux sons. C'est un passage de mots parlés visant à capturer l'esprit des vieux poèmes de Michael Moorcock. C'est plus un morceau pour donner un aperçu de ce qui va se passer sur le plan musical par la suite. Il s'enchaine directement dans la piste suivante "Alien (I Am)".
"Alien (I Am)" est le véritable début de l'album et il rappelle les premiers jours de Hawkwind et donne un peu d'espoir que ce pourrait être un album décent. C'est un morceau audacieux avec un refrain qui se transforme en un court solo de guitare et un intermède de synthé qui se glisse dans "Reject Your Human Touch".
Sur "Reject Your Human Touch", les sons de batterie mécaniques sont irritants, sinon c'est une petite 'promenade' émotionnelle décente entre les pistes plus longues.
Cependant, "Blue Skin", une piste de plus de 7 minutes, semble un peu ringarde et soudain le groupe ressemble plus à une imitation bon marché de lui-même, presque une imitation satirique et la voix de Tree ne fait rien pour sauver ce morceau. C'est une chanson sur le fait d'être dans une machine à tatouer et de se faire peindre des trucs bizarres sur votre peau. Encore une fois, ces sons de batterie ne sont pas très agréables, et la version "Love in Space" l'emporte. La voix gémissante de Ron sur les rythmes programmés et froids incessants va déchiqueter les sens et briser la santé mentale de l'auditeur.
Les choses s'améliorent un peu sur "Beam Me Up" mais pas assez pour nous faire nous demander si nous pourrions avoir un album médiocre, voire pire, entre les mains. C'est une ballade plus lente,mais le chant et les sons sont stériles en général. Alors qu'elle commence de façon apaisante et introspective, elle se transforme rapidement en une panne schizophrène de voix déclamées et d'explosions punky hérissées!
"Vega" est le grand moment ambiant, une séquence cosmique vraiment touchante. C'est un magnifique et joyeux instrumental au synthétiseur ambiant flottant et c'est l'essence même du genre. Un grand retour aux bons sons de Hawkwind.
"Xenomorph" revient à la phase Rock, un peu froid dans son apparence. C'est l'un de ces Rocks punky fiables que Hawkwind fait si bien mais avec un beau solo de piano électrique vif au milieu sur des synthés tourbillonnants qui construisent avec des guitares à riffs lourds dans la finale.
C'est une chanson beaucoup plus puissante, même avec les vocaux bruts de Tree qui fonctionnent bien. La dernière moitié de ce morceau est instrumentale et se construit assez bien. Les sons punky sont également présents. Un excellent mélange de punk-hard-space-rock avec de superbes paroles de science-fiction et un rythme palpitant.
"Journey" est une autre séquence médiane instrumentale, bien mais de qualité inférieure. Bien que cela soit assez Heavy, cela ne s'appuie pas beaucoup sur son motif répétitif.
"Sputnik Stan" commence avec des sons ambiants cosmiques, puis passe à un riff assez lourd. Une bonne chanson, mais meilleure en live. C'est un morceau de Heavy Metal implacable avec un peu de menace pour les riffs de synthés liquides et fondants dégoulinant tout autour et une belle pause rêveuse au milieu.
Il perd de sa crédibilité au début et à la fin avec la voix de Tree et les mots sont stupides, mais la pause instrumentale, qui occupe une bonne partie du morceau, est dynamique et excitante. C'est cependant un classique, avec le sordide Stan chargé de nettoyer les débris spatiaux.
L'instrumental `"Kapal" peint un tableau sonore électronique et offre des rythmes sombres sur des échantillons vocaux et une programmation de machine froide, avec une batterie synthétique qui ne fait aucune faveur à l'album, pas plus que les claviers rétro. Il est juste un ennuyeux, répétitif avec quelques voix de mots parlés qui sont tamisées et inintelligibles.
Trois remakes suivent, mais rien n'est vraiment fait pour les améliorer, ils sont donc pour la plupart inutiles. Parce qu'ils sont des remakes de Hawkwind vintage, ils donnent un peu plus de vie à l'album, mais les originaux ont déjà assez bien servi, et cela donne juste le sentiment qu'ils sont ajoutés pour aider à stimuler l'intérêt pour l'album:
"Death Trap" est un réenregistrement de la chanson de leur album de 1979 "PXR5" et bien que la voix de Ron soit certainement assez dérangée, la musique devait être beaucoup plus maniaque et désordonnée pour le complimenter, et seul le solo de guitare qui fait rage dans la dernière minute apporte la bonne énergie.
"Wastelands" est un réenregistrement de "Wastelands Of Sleep" de leur album de 1988 "The Xenon Codex". C'est une courte introduction à "Are You Losing Your Mind?" qui dure à peine plus d'une minute, mais c'est quand même un interlude assez ambiant.
"Are You Losing Your Mind?" est un ré-enregistrement de "The Iron Dream" de leur album de 1977 "Quark, Strangeness and Charm" avec de nouveaux mots parlés.
C'est une diversion vers une bizarrerie plus imbibée de synthé. La narration d'avoir "une puce de silicium dans ma tête" aurait peut-être fonctionné si la musique avait été meilleure.
Tous ces remakes sont parfaitement adéquats mais totalement oubliables et n'ajoutent rien aux parties principales de l'album. Au moins ils sont tous regroupés à la fin du disque, il est donc préférable de les traiter comme de simples pistes bonus.
Il existe en fait une chanson 'bonus' au nom prometteur, "Space Sex", qui ne figure pas sur le CD, donc pour avoir l'album en entier, il faut posséder le LP joliment emballé avec une œuvre d'art dans le gatefold, sur le thème OVNI.
Cela semblait être destiné à être humoristique, mais cela semble finalement plutôt stupide.

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Dans la foulée, un EP, "Area S4", avec un 'Roswell Mix' de "Alien (I Am)" a été publié.

Le groupe a entrepris une tournée Britannique de 13 dates en Octobre, suivie de 7 dates Européennes, pour promouvoir l'album.
Il est apparu sur le programme VH1 Under the Bridge le 14 Avril 1996.

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"...La tournée qui en a résulté a été spectaculaire. En plus d'un ensemble de chansons et d'instruments de première classe, les fans ont eu droit à un spectacle de lumières, des danseurs et des cracheurs de feu, ainsi qu'un écran incurvé spécialement conçu au-dessus du plateau, ce qui a donné l'illusion du groupe jouant sous une soucoupe volante...".

Le concert au Colston Hall, exposition de Bristol le 19 Octobre 1995 a été filmé, enregistré et publié sur un double CD intitulé "Love in Space" et une vidéo du même titre.

Le chanteur principal aux commandes du vaisseau spatial est toujours Ron Tree, une sorte de clone de Calvert qui manque à la fois de la diction et des talents vocaux de Calvert. Cela fait de lui le maillon faible de cet enregistrement mais ce n'est pas grave.

Cela n'empêche pas que tout fonctionne bien, l'esthétique des sons, des compositions, des chansons, du jeu, de la dramaturgie et même de la pochettes d'album. Hawkwind est vraiment un groupe étrange; Alors qu'une grande partie de leurs albums studio sont des déchets quasi absolus, bien des disques live sont tout à fait excellents.

Venant de ce qui est probablement la période la moins populaire de Hawkwind, "Love In Space" est un album live vraiment solide. C'est un concert de quatre-vingts minutes dans lequel le flux sonore est continu et l'auditeur ne peut qu'être submergé par son atmosphère.
Le son des synthétiseurs, de l'électronique et des effets donne au groupe un son chaleureux, tandis que la section rythmique bluesy sonne très stable et professionnelle.

Il est pour le moins difficile de croire qu'il n'y a que trois instrumentistes, à ce stade, qui jouent, mais la batterie est excellente, la basse gronde et Brock est en forme et l'équilibre entre les riff marteleurs à l'ancienne et les instrumentaux de liaison éthérés crée une bonne atmosphère.

Quant à Ron Tree, il avait été engagé parce que le groupe sentait qu'il n'y avait pas de point focal au centre de la scène quand ils jouaient en live, et comme il débordait d'énergie et d'idées et qu'il voulait vraiment rejoindre le groupe, il avait été embauché.
Il avait vraiment une fascination pour les enlèvements extraterrestres et il avait beaucoup à dire sur le sujet, alors le groupe avait décidé de faire "Alien 4" et cet album live "Love In Space" qui était issu de la tournée de promotion.

Ron, déguisé en extraterrestre, lit ces morceaux et il ajoute une sensation de théâtralité pas vraiment vue ou entendue depuis le départ de Calvert et sa voix légère fonctionne finalement assez bien avec le matériel, qui mélange les éléments d'"Alien 4" avec des bonnes versions d'anciens titres archi connus plus le nouveau et majestueux "Love In Space".

"Alien4" avait ce son de claviers midi typique du début des années 90 qui le rendait trop propre et stérile. Pas cet album live cependant, la vraie batterie Rock est solidement en place et la basse et les guitares sonnent beaucoup plus puissantes.
C'est un bon disque live vibrant, oscillant entre Rock entraînant et Space ambiant, et les sélections de chansons sont fraîches et pas trop rétrogrades. Ils jouent, comme toujours, certains de leurs vieux succès principalement à la fin du spectacle.

"Love In Space" est presque une suite de "The Business Trip"; il a le même équilibre de matériel électronique rocky et New Age, le même flux, la même esthétique de production.
C'est le genre d'album live qui ne contient pas beaucoup de chansons remarquables, mais la performance globale et l'atmosphère continue de l'espace sont très relaxantes. C'est un excellent moyen de sortir de la vie normale et d'entrer dans un monde totalement nouveau.
Il a une liste de pistes avec seulement très, très peu de chevauchements avec "The Business Trip". Il absorbe parfaitement le concept de théorie du complot extraterrestre de leur album "Alien 4", dans la substance plus large du canon Hawkwind, en choisissant des chansons d'autres albums pour étoffer le concept.

Les chansons et les instrumentaux sont tous bons et en font un concert joliment fluide, variant des passages ambiants avec des drones spatiaux groovy.
Maintenant, cet album n'est peut-être pas extrêmement progressif dans les domaines techniques ou compositionnels de la musique, mais il est prétentieux (environ 80 minutes d'ambiance spatiale non-stop), rafraîchissant; il a beaucoup de bons synthétiseurs et électroniques et il a une ambiance terrestre sans aucune sophistication.

Dès le premier instant, Hawkwind impressionne avec un Space Rock propulsif, chargé de riffs de guitare lourds et de sons de synthé spectaculaires, cela en combinaison avec un live-acte époustouflant (danseurs, spectacle de lumière, projections d'écran).
Beaucoup de morceaux sont Hard, presque Punk mais d'autres ont des sons spatiaux / cosmiques.
Le groupe tire sur tous ses cylindres, avec de superbes versions de "Blue Skin" et "Love in Space", tous les morceaux de "Alien 4" sont des améliorations par rapport à leurs versions d'album.

"Abducted" s'ouvre sur le rugissement du public alors que des synthés spatiaux entrent puis des mots prononcés décrivant le vaisseau spatial dans lequel le narrateur vient d'être enlevé. C'est intéressant d'écouter les mots de cet album parce que les extraterrestres participent également aux conversations, mais d'une voix plus aiguë que tout un chacun sait que les extraterrestres possédent.
"Death Trap" entre dans la foulée dans le concert. Tree rend un bon hommage à Calvert sur le rock ultra-tempo "Death Trap" qui finit par se fondre dans "Wastelands" qui est très spacieux et assez beau.
Les mots prononcés de "Are You Losing Your Mind?" prennent la suite.
Puis, "Photo Encounter" prend le relais avec ces sons de chœur qui rappellent le mellotron ainsi que ces sons spatiaux qui vont et viennent.
Il se fond dans une superbe version de "Blue Skin".
Davey livre un bon "Sputnik Stan" chanté par Dave Brock, ce qui donne automatiquement au morceau cette sensation vintage de Hawkwind. La basse et la guitare sonnent bien pendant qu'elles jamment.
Le disque deux s'ouvre avec "Xenomorph" chantée par Tree.
"Vega" présente des vagues spatiales qui entrent et sortent de partout.
La chanson qui porte le nom de cet album live "Love In Space" est bien meilleure que la version semi-techno maladroite apparaissant comme un morceau bonus sur certaines versions de "Distant Horizons" de 1997.
Sur "Kapal", les différents sons qui vont et viennent sont intéressants à écouter.
Il est suivi par un "Elfin" spacieux et atmosphèrique.
Le concert se termine par un medley de trois chansons sont plus anciennes:
"Silver machine" est bien sûr un classique Silver Machine comprenant une intro de guitare lourde et une foule déchaînée et Tree est aussi tout simplement bon.
"Welcome To The Future" est transpercé d'ondes spatiales avec des mots prononcés pour terminer le concert.
Enfin, le rappel est "Assassins of Allah / Space (Is Leur Palestine) qui présente un climat oriental avec des sons de sitar et de superbes danses est la meilleure façon de terminer l'album.

A noter que la sortie sur le label Atomhenge de 2009 ajoute une version studio plutôt plombée de "Love In Space", un "Lord Of Light" et un "Sonic Attack" très vivant à la fin du deuxième disque.

En 1996, mécontent de la direction musicale du groupe, le bassiste Davey quitte le groupe, formant son propre groupe de Hard Rock aux saveurs moyen-orientales, Bedouin et un hommage à Motörhead nommé Ace of Spades.

Son rôle de bassiste a été repris à contrecœur par Ron Tree et le groupe a été rejoint à plein temps par le lead guitariste Jerry Richards (un autre pilier de la scène du festival, jouant pour Tubilah Dog qui avait fusionné avec The Agents du Chaos de Brock en 1988) pour les albums "Distant Horizons" et "In Your Area". Le chanteur de Rasta Captain Rizz a également rejoint le groupe pour des spots d'invité lors de concerts.

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En 1997 sort l'album "The 1999 Party" qui est un album live enregistré au Chicago Auditorium Theatre le 21 Mars 1974 publié rétrospectivement en Novembre 1997 par EMI. Il a été publié pour la première fois dans le cadre de la réédition des versions remastérisées du catalogue Hawkwind d'EMI.

Personnel:
Dave Brock - Guitare électrique , Voix
Nik Turner - Saxophone , Flute , Voix
Lemmy Ian Kilmister - Guitare basse , Voix
Del Dettmar - Synthétiseur
Simon House - Violon , Claviers
Simon King - Batterie

Disc 1

"Intro" (Andy Dunkley) / "Standing On The Edge" (Michael Moorcock) – 4:16
"Brainbox Pollution" (Dave Brock) – 7:52
"It's So Easy" (Brock) – 11:02
"You Know You're Only Dreaming" (Brock) – 4:43
"Veterans of a Thousand Psychic Wars" (Moorcock) – 2:21
"Brainstorm" (Nik Turner) – 9:19
"Seven By Seven" (Brock) – 9:26

Disc 2

"The Watcher" (Ian Kilmister) – 6:40
"The Awakening" (Robert Calvert) – 2:40
"Paradox" (Brock) – 5:43
"You'd Better Believe It" (Brock) – 8:09
"Psychedelic Warlords" (Brock) – 3:47
"D-Rider" (Turner) – 7:46
"Sonic Attack" (Moorcock) – 4:30
"Master Of The Universe" (Turner/Brock) – 6:57
"Welcome To The Future" (Calvert) – 2:32

Rappel: Hawkwind avait fait une première tournée en Amérique du Nord en Novembre et Décembre 1973, entreprenant 10 dates avec le set Space Ritual, mais sans Robert Calvert et Dik Mik qui étaient partis en Juillet.
Lors de cette tournée, Del Dettmar avait acheté un terrain au Canada avec l'intention d'émigrer, mais il resta avec le groupe, jouant de la table de mixage plutôt que de la scène, jusqu'à ce qu'il ne parte finalement en Juin 1974. Simon House, qui avait connu le groupe en son temps avec High Tide, avait été amené à jouer aux côtés de Dettmar et avait accompagné le groupe lors de cette tournée mais, ne pouvant obtenir le bon permis de travail à temps, sa participation avait été strictement non officielle.

Malgré de mauvaises critiques, de faibles ventes d'albums, le manque de promotion et d'intérêt de leur maison de disques Américaine, Hawkwind avait autofinancé cette tournée en Amérique du Nord en sachant qu'il pourrait remplir les salles. Sous la bannière "The 1999 Party", elle s'était déroulé de Mars à Avril 1974 et avait inclus le spectacle complet mettant en vedette le DJ Andy Dunkley, la danseuse Stacia et le spectacle de lumière de Liquid Len, avec un créneau d'une heure pour le groupe de soutien Man.

La tournée:

1 Mars: Los Angeles
2 Mars: Santa Monica, Auditorium
3 Mars: San Diego, JJ Club
7 Mars: San Francisco, Auditorium
10 Mars: Berkeley, University
15 Mars: Kansas City, Soldiers & Sailors
16 Mars: St. Louis, Auditorium
19 Mars: Milwaukee, Riverside Theatre
21 Mars: Chicago, Auditorium Theatre
22 Mars: Cleveland, Allen Theatre
23 Mars: Detroit, Palace
24 Mars: South Bend, Morris Auditorium
29 Mars: Atlanta, Electric Ballroom
2 Avril: Nashville
5 Avril: Philadelphia, Tower Theatre
6 Avril: New York, Steins Academy
7 Avril: Baltimore, Latin Casino
8 Avril: Boston, Orpheum Auditorium
10 Avril: Buffalo
13 Avril: Washington, Warner Theatre
14 Avril: Montreal
15 Avril: Toronto, Massey Hall

Le concert de Berkeley était au profit de Timothy Leary qui avait été emprisonné après avoir été extradé d'Afghanistan pour son usage et sa promotion de drogue. Un appel téléphonique de sa cellule avait été diffusé sur les hauts-parleurs interrompant le set de Man. Lors du concert de Nashville "leur équipement avait subi des dommages estimés à près de 1000 £ lorsque le toit avait été arraché du Nashville Hotel" par une tornade; Les spectacles de Chicago et de Detroit avaient été enregistrés.

Lorsque le groupe était revenu ensuite aux États-Unis en Septembre, cinq dates après le spectacle de Hammond, dans l'Indiana, l'Internal Revenue Service avait saisi l'équipement du groupe au lieu d'une facture fiscale de 8000 $ impayée de cette tournée, interdisant au groupe de continuer. Une fois la situation juridique réglée, la tournée a été reprogrammée un mois plus tard.

Le set a été réorganisé à partir du set "Space Ritual", avec seulement trois poèmes et trois chansons restantes. Deux poèmes de Michael Moorcock basés sur son thème 'Eternal Champion', qui sera plus tard utilisé pour "Warrior on the Edge of Time", sont intégrés au set et il y a cinq nouveaux morceaux qui seront plus tard enregistrés pour l'album "Hall of the Mountain Grill".

Un autre CD dérivé de ce set intitulé "Hawkwind Live 74" a été publié en Avril 2006.

A noter: le set de Man (en première partie) a également reçu une sortie rétrospective en Juin 2001 sous le nom de "The 1999 Party Tour" sur le label Voiceprint.

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En 1996, sort le EP "Love in Space", bien que le morceau principal diffère remarquablement de la version de l'album, ayant des vocaux et étant produit par Zeus B. Held.

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Insatisfait de la direction musicale du groupe, le bassiste Alan Davey a choisi de quitter Hawkwind vers la fin 1996 alors que Jerry Richards a rejoint le groupe de façon permanente. Les fonctions de bassiste ont alors été reprises par le chanteur Ron Tree.

A noter que Captain Rizz et le claviériste Julian 'Crum' Crimmins ont commencé à contribuer à des dates live, bien qu'ils n'apparaissent pas sur ce disque.

Le 3 Novembre 1997 parait un nouvel album studio intitué "Distant Horizons".
Malheureusement, celui-ci et le précédent album studio "Alien 4" manquent vraiment de cette puissance et de cette magie capturées par les performances live.

C'est un album des années 1990 pour les fans du son plus orienté trance du groupe. Dans l'ensemble, la qualité sonore de ce CD est très légèrement voilée ou pas très net par endroits et les vocaux sont encore et toujours et encore le point faible.
Hawkwind semble être revenu au style instrumental de "It Is The Business Of The Future to Be Dangerous", l'a mélangé avec du Punk et a continué à absorber des influences de dance et de techno.

Ce n'est pas un album complètement inintéressant, mais il est à aborder avec une certaine prudence.
À certains égards, Hawkwind avait un peu surpassé "Distant Horizons" en incluant plusieurs extraits de celui-ci sur l'album live précédent, "Love In Space", qui était si bon que la sortie en studio a naturellement du mal à le suivre.
En effet, le disque précède une nouvelle chute dans la production de Hawkwind et "Distant Horizons" donne l'impression qu'il s'agit d'un mélange de chutes d'"Alien 4" avec des chansons un peu punky et saupoudrées pour compléter les choses, mais ce n'est certainement pas une sortie essentielle.

Pourtant, Brock & Co. ne reste jamais immobile, explorant toujours les limites de leur Space Rock. C'est un groupe qui s'exprime et défie ses fans de la manière la plus impressionnante.

"Distant horizons" semblent diviser les fans de Hawkwind: Certains pensent que c'est génial, mais beaucoup d'autres ne le pensent vraiment pas.
Bien sûr, Brock est toujours là à la guitare électrique, aux claviers et au chant, Jerry Richards est devenu un membre de base et il fournit une partie de son travail à la lead guitare, Ron Tree fournit des vocaux et joue aussi de la basse.

Donc, en résumé, nous avons deux membres de longue date et deux membres assez nouveaux dans le groupe pour cet album. La grande question pour cet album est donc de savoir comment le groupe s'en sortirait sans Davey et avec deux membres assez nouveaux contribuant?
Brock écrit et chante la plupart des morceaux de l'album, mais il y a aussi des contributions de Chadwick, bien que ses crédits d'écriture soient toujours partagés; deux avec Brock et deux avec Richards, et il y a aussi deux titres crédités uniquement à Tree.

En fait, il semble y avoir beaucoup trop de styles et de textures différents qui, par-là même, semblent en fait nuire une fois encore à la pertinence du groupe.

Le morceau d'ouverture "Distant Horizons" est moins spatial que Protopunk et techno. Le nouveau son est annoncé dès le départ avec les rythmes de trance palpitants et la techno des années 80 style Sigue Sigue Sputnik.
Il souffle le chaud et le froid en créant un écran sonore convaincant avec un joli mellotron BTW. Les guitaristes Brock et Richards partent dans des divagations dures et pourtant glissantes, déterminées et dévastatrices, mais aussi très glacées. Une impulsion de basse électronique palpitante et des rythmes de la jungle se battent pour la domination des couches de synthés spatiaux et des explosions de guitare.
C'est un voyage dans l'espace avec des sons de basse / batterie électroniques à orientation techno. Il y a aussi quelques échantillonnages inclus, ce qui rend ce son encore plus dominant. Quelques sonorités ambiantes cosmiques et de guitares offrent cependant des moments d'écoute plutôt agréables.
Cette chanson reflète le son de trance que le groupe recherchait à l'époque. Ce son fut d'ailleurs la principale raison pour laquelle Davey avait décidé de quitter le groupe. Cependant, Hawkwind, même à ce stade de sa carrière, s'est toujours accroché au son de rock spatial global qu'il avait mis au point, et Brock et Richards s'assurent toujours qu'il y ait beaucoup de solos de guitare spatiaux qui se joignent au rythme de trance.
L'un des morceaux écrits par Ron Tree, "Phetamine Street" est entièrement différent; on passe à des sons Rock plus analogiques, plus organiques avec des percussions manuelles lourdes et des sons de basse croustillants, la composition en elle-même n'étant cependant pas très intéressante.
Tree manie une basse méchante, claquant corporellement cette diatribe dans leur mode punk tant décrié, aussi binaire qu'on puisse l'imaginer, des guitares crasseuses qui craquent à gogo et des synthés qui bipsent comme des bips fous. Proche de l'esprit de Bob Calvert, Tree crache des vocaux vicieux avec des paroles plutôt répétitives sur cette soupe cosmique à l'esprit punk.
Les boîtes à rythmes et les guitares qui sont enregistrées via le canal de sortie de l'amplificateur ne produisent pas vraiment un son naturel et organique, mais l'énergie est indéniablement Punk. Le pont de guitare combiné aux effets de batterie et de percussion accrocheurs en font un son très intrigant et contagieux.
Le son des vagues qui suit procurent quelque peu un certain soulagement, et il s'estompe dans le magnifique morceau suivant.
Après la bizarrerie des premiers morceaux, "Waimea Canyon Drive", écrit par Brock, possède un son ambiant synthétisé luxuriant typique que Hawkwind sait si bien faire. Le rythme est hypnotique et il y a des harmonies sympas et des guitares réverbérées.
C'est une pièce plus conventionnelle qui évolue lentement jusqu'à ce que les guitares grondantes poussent celle-ci, très voilée et vaporeuse, presque délirante! L'impulsion électronique est efficace mais plus d'attention aurait certainement dû être portée aux vocaux. Ils semblent plutôt dopés et bâclés, probablement intentionnellement.
"Alchemy" est chargé de synthétiseurs et a un riff de guitare Heavy étonnant, tout à fait le style du début de Hawkwind, et c'est une chanson pratiquement Metal. Elle a pourtant peut-être un son assez semblable à "Assassins of Allah".
C'est un très bon morceau, un Rock classieux avec une guitare aux sons orientaux et des rythmes et des extraits sonores fins.
C'est une abondance de basse torride, de guitares palpitantes, de leads orientaux et d'effets sonores cosmiques. Le riff de guitare est attrayant, et il y a ces atmosphères spatiales qui font la pure magie de Hawkwind.
Malheureusement, les vocaux laissent vraiment à désirer et c'est bien dommage.
Un grand moment de réflexion s'ensuit avec "Clouded Vision"de Brock, une chanson lente chargée de doom qui est également un morceau apprivoisé avec quelques effets sonores colorant la toile auditive, malheureusement accompagné par une batterie programmée et quelques effets de guitare désuets.
Cependant, "Clouded Vision" sonne bien et il a plus de concentration, même s'il s'agit d'une piste plus réfléchie. C'est une sorte de Space Folk mélangé à de l'ambient.
L'atmosphère est mélancolique et lorsque Brock chante le premier couplet, il est d'humeur sombre en déclarant ces paroles: "...où allons-nous à partir d'ici? La terreur n'est pas la réponse, même si c'est dommage à voir, vais-je jamais découvrir ce qui m'attend?...".
Encore une fois, le morceau est différent mais il reste quelque peu envoûtant.
Tree enchaîne ensuite en donnant sa réponse à la piste précédente avec un "Reptoid Vision'"puissant et vivant qui a un sens beaucoup plus sombre et plus lourd. C'est l'un des morceaux les plus longs de l'album et il entre dans une grande pause instrumentale exploratoire et progressive qui ramène des souvenirs de l'ancien Hawkwind.
Il a, en effet, un style qui rappelle un peu leur style de la fin des années 70, s'améliorant au fur et à mesure.
C'est une piste Punk Rock qui s'échappe pour ouvrir d'autres royaumes sonores petit à petit.
C'est une explosion de plus de sept minutes, un vrai classique de Hawkwind avec une torsion plutôt inattendue de la section médiane, des atmosphères tourbillonnantes qui ont un zeste de Tangerine Dream augmentant lentement en agression bestiale alors qu'il vire vers un atterrissage en catastrophe.
Quand les guitares retombent, il y a une belle atmosphère spatiale mais cela aurait pu, peut-être, être mieux en tant que piste différente plutôt que collée au milieu de ce morceau Punk.
Les vocaux sont, une fois encore, horribles et les paroles sont complètement hors de la planète, avec des réflexions sur une tête de mille-pattes, des jambes de reptiliens, un trottoir d'escalator, des cristaux numériques, un créateur de feu, une courbe de raz-de-marée sur la colère de l'océan, et plus encore!
Ce morceau dérive en "Population Overload", attribué à Brock et Chadwick, qui sonne très semblable au style de musique ambiante de "Electric Tepee".
Il ressemble un peu aux chansons de Tangerine Dream de la fin des années 1970 / 80 avec des solos de guitare électrique inclus.
C'est une sorte de bulletin d'information électronique avec le récit bizarre habituel, le rythme du métronome et les effets bizarres (FX), tous les ingrédients classiques de Hawking brassés ensemble pour évoquer un ragoût ambiant, surtout avec ce petit changement de reggae. Mais, il semble être un peu sans direction.
Il est imprégné de bandes de claviers, puis d'un récit sur des milliers d'écrasés, d'une camisole de force, d'un gilet de béton et de questions: sommes-nous en état de mort cérébrale?
Il se verrouille dans un rythme hypno avec des effets étranges superposés, et plus tard un bon riff de lead guitare.
Mais, ce qui gâche tout, ce sont encore et toujours les vocaux.
"Wheels", très typique de la musique fx de Hawkwind séquencée et synthétisée, est crédité à Richards et Chadwick, et les différences sont étonnantes car, curieusement, les pistes qui ressemblent le plus à Hawkwind sont celles qui ne sont pas créditées à Brock.
Ce morceau qui a un style plus entraînant, Space Rock avec quelques bonnes parties de guitare roule sur l'autoroute cosmique, un riff typique poussant celui-ci sans pitié, jusqu'à ce qu'il flotte dans un flot incendiaire d'invectives inertes visant le pétrole.
Le riff est grinçant et le récit est toujours aussi délirant, méditant sur "...ce monde de la roue, ce monde du pétrole...".
Il y a aussi un poème au milieu avec des paysages sonores puis un solo de guitare sonnant à nouveau un peu comme les solos de Hard Rock des années 1980.
Le son fluctue parfois de gauche à droite et il y a un rythme de trance avec un synthé bourdonnant et des sons familiers de distorsion.
Cela se termine par des vagues déferlantes.
Le morceau suivant "Kauai / Taxi for Max" est une belle pièce de synthé atmosphérique au début qui se transforme plus tard en un collage d'effets sonores:
"Kauai"est un morceau orchestré étonnant utilisant des couches de synthétiseurs. C'est une mer de synthé agréable pour la plongée profonde. Il n'y a pas de boucles de batterie programmées, mais juste une belle ambiance flottante pour calmer votre esprit troublé.
Ce morceau est tout à fait majestueux, une dose bienvenue d'élégance surréaliste et de grâce exaltée qui lave doucement sa bienveillance sur l'esprit. Il est plus serein en se concentrant sur des claviers silencieux et des vagues qui échouent sur une plage.
Les vagues dérivent jusqu'à ce que le son des murmures et du verre brisé introduise "Taxi For Max", une vraie bizarrerie avec un sifflement et on dirait qu'un piano est abandonné, avec une certaine effets sur les vocaux.
C'est un instrumental dominé par des percussions synthétiques / séquencées et des basses, un bon morceau doux; cela pourrait fonctionner dans certaines salles de détente d'une soirée techno.
"Taxi For Max" est une bulle de détente qui effacera tout une fois que les lumières seront allumées.
Et le final est magistral.
"Love In Space" termine les choses avec une piste lourde aux claviers doux qui descend plutôt doucement, mais ne donne pas nécessairement le punch nécessaire pour terminer un album.
Le morceau a des voix ajoutées sur les versions ultérieures mais il n'y a pas de vocaux sur la version de 1997.

Bref, encore un disque mitigé...

Hawkwind a ensuite entrepris une tournée de 32 dates au Royaume-Uni de Septembre à Novembre pour promouvoir l'album, suivie de trois dates aux Pays-Bas / Belgique.

Certains spectacles ont été enregistrés et émis comme "In Your Area" et "Hawkwind 1997", parus respectivement en 1998 et en 1999 et certains spectacles ont été professionnellement filmés par punkcast, mais ils sont encore inédits.

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En 1998 sort donc un nouvel album intitulé "In Your Area".
Cet album contient six chansons live et huit nouvelles chansons de studio.

Les six premiers titres ont été enregistrés le 20 Novembre 1997, lors d'un concert à l'Ancienne Belgique à Bruxelles durant la tournée de promotion de l'album "Distant Horizons".
Les morceaux studio ont, quant à eux, été enregistrés en 1998.

Le groupe avait cessé de faire des affaires avec l'ancien directeur Douglas Smith, qui dirigeait le label Emergency Broadcast System Records, et il se retrouva par conséquent sans débouché en Europe pour ses enregistrements.
Il avait, cependant, un accord de longue date avec Griffin Music en Amérique du Nord pour la licence du matériel EBS, donc, cet album a reçu une sortie Nord-Américaine en Janvier 1999, mais pas d'équivalent Européen.
Plus tard, en 2000, alors que Brock commençait à rendre le matériel d'archive disponible pour une parution au Royaume-Uni via Voiceprint Records, il a reçu une sortie Britannique tardive.

Outre l'incontournable Brock, le reste du groupe comprend désormais Richard Chadwick, Ron Tree, Jerry Richards, Captain Rizz et Crum.
L'album fluctue considérablement, certaines chansons se présentant bien, tandis que d'autres ne sont que de tristes reflets de ce qu'était Hawkwind.

Ce n'est pas la première fois que "Hawkwind" mixe des morceaux studio et live. Le bon "Palace Springs" était un bon exemple de ce qui pouvait être réalisé dans cette approche.
Avoir intégré une partie reggae dans "Brainstorm" autrement génial n'est cependant pas des mieux adaptés.
Les autres morceaux live sont entièrement du Heavy Hard Space Rock façon Hawkwind sur lesquels il n'y a pas grand chose à dire.

Faire une comparaison avec "Palace Springs" ne fonctionne pas en faveur de ce "In Your Area".
Très peu d(excellents moments sont disponibles en live ou en studio.

Ce CD semble donner la partie belle aux membres du groupe plus qu'à Brock. Captain Rizz, Ron Tree et autres ont détourné apparemment cet album et Brock semble être juste là pour le trajet plutôt que de le mener de l'avant.
Quelques morceaux de Calvert sont joués mais ils ne sont tout simplement plus les mêmes sans lui.

Niveau studio, c'est bien différent de la plupart des leurs autres albums.
C'est un album bien moyen dont les meilleures parties sont où Brock chante et chuinte comme il l'a fait avant et depuis.

Peu de groupes sont aussi désireux d'expérimenter que Hawkwind, et "In Your Area" les présente dans ce mode, mélangeant des éléments Reggae et Dancehall Jamaïcain, une ambiance luxuriante et d'autres choses, aux côtés de leur misage habituel de guitares déferlantes et de vrombissement électronique.
La plupart des morceaux contiennent une variété de styles, de textures et de changements de tempo, qui parfois s'harmonisent parfaitement et parfois semblent plus rapiécés et aléatoires.

Il y a beaucoup de puissance et ce CD contient des chansons très étranges que la plupart des fans de Hawkwind n'aimeront certainement pas.

Les cinq premières pistes sont un mélange complet, des morceaux de chansons se chevauchant ici et là.
En écoutant la chanson d'ouverture "Brainstorm", qu'a-t'il bien pu arrivé à Hawkwind?. "Brainstorm" est un classique de Nik Turner, et cela devrait mériter un certain respect!...
C'est vraient déroutant: Commencer par une version du séminal "Brainstorm" qui se transforme en une jam Reggae blanche baptisée "In Your Area" n'est pas un bon début.
D'ailleurs, avoir Captain Rizz sur un CD de Hawkwind est une énorme erreur car il est absolument pas dans le moule.
Suit "Alchemy" qui est bien moyenne.
L'introduction à "Love In Space" sonne comme si elle appartenait à "Dark Side Of The Moon". Heureusement, cela se transforme en un Rock emballé avec des claviers tourbillonnants et des guitares de feu.
"Love In Space" et "Rat Race" sont combinés en une seule chanson, donc le résultat est médiocre, tous les ingrédients semblent être là mais il manque définitivement quelque chose, mais quoi?
Ensuite, cette confusion se heurte directement à "Aerospace Age Inferno" qui est également bien moyen.
"First Landing On Medusa", "I Am The Reptoid" et "The Nazca' sont troismorceaux joués sur le même modèle, à savoir qu'ils sont parlés avec de la musique en arrière-plan.
Le morceau suivant, "Hippy", est très étonnant de la part de Hawkwind, car la musique semble faire référence aux Hippies, et bien sûr, à leur musique.
"Prairie" est un instumental étrange mais vraiment très agréable à écouter.
Suit"Your Fantasy" qui est une piste bien moyenne.
Hawkwind rencontre ensuite une sorte de steel band et cela donne "Luxotica", un autre instumental.
"Diana Park" est probablement la meilleure chanson, mais c'est la chanson de clôture. Sur celle-ci, Hawkwind joue un air instumental de style Santana.

Bref, rien de vraiment transcendant, et ceci est surtout un album pour les fans inconditionnels.

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En 1999 parait "Hawkwind 1997", qui a été enregistré lors de divers spectacles lors de la tournée du groupe en 1997 pour promouvoir l' album "Distant Horizons" en édition limitée vendue lors de concerts et sur le site Web de Hawkwind.

Sorti exclusivement pour les détenteurs de Hawkwind Passport, la sortie se distingue par quatre chansons de leur plus récent album studio, "Distant Horizons", toutes améliorant leurs homologues de studio. Le groupe brille également sur une version Rock de "Blue Skin" d'"Alien 4", mettant en valeur le côté Punk de cette formation.
Les performances sont toutes stellaires, avec seulement l'interlude Hawkwind in Your Area pendant Brainstorm glissant sous la normale.

La formation est bien sûr la même que sur "In Your Area".

Pistes:

1 "Wheels (Your World)" (Richard Chadwick, Jerry Richards) - The Garage, à Glasgow, le 19 Octobre
2 "Phetamine Street" ( Ron Tree ) - The Irish Centre, à Leeds, le 27 Octobre
3 "Your Fantasy" (Captain Rizz, Tree, Dave Brock , Chadwick, Richards) - University Of East Anglia, à Norwich, le 8 Octobre
4 "Alchemy" (Chadwick, Richards) - The Center, à Newport, le 6 Novembre
5 "Love In Space" (Brock) - The Center, à Newport, le 6 Novembre
6 "Aerospaceage Inferno" ( Robert Calvert ) - The Empire, à Liverpool, le 23 Octobre
7 "Sonic Attack" ( Michael Moorcock ) - The Empire, à Liverpool, le 23 Octobre
8 "Blue Skin" (Tree, Brock) - Charter Hall, à Colchester, le 10 Octobre
9 "Brainstorm" ( Nik Turner ) / "Hawkwind In Your Area" (Rizz / Brock) - The Empire, à Liverpool, le 23 Octobre
10 "Reptoid Vision" (Tree) - The Empire, à Liverpool, le 23 Octobre
11 "Ejection" (Calvert) - Festival Theatre, à Paignton, le 5 Novembre
12 "The Gremlin (part 2)" (Calvert) - Festival Theatre, à Paignton, le 5 Novembre

En 1999, Brock a publié une série d'enregistrements d'archives par le biais de Voiceprint Records pour générer de l'argent afin de rembourser une facture fiscale impayée de l' Inland Revenue. Aucune autorisation des autres musiciens n'a été demandée, bien qu'ils aient dûment perçu des comptes et des redevances une fois la facture impayée réglée, ce qui a conduit plusieurs membres à se plaindre de cette activité, et l'ancien manager Douglas Smith a déclaré: "...Je pense que c'est faux. En tant qu'être humain et en tant que manager, je dois obtenir la permission de tous les artistes impliqués avant de conclure un accord...".

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"Glastonbury 90", un album live d'un concert de 1990 est l'un d'entre eux.

Personnel:

Bridget Wishart - chant
Dave Brock - guitare, claviers, voix
Alan Davey - guitare basse, chant
Harvey Bainbridge - claviers, voix
Richard Chadwick - batterie

Pistes:

1 "Black Elk Speaks" [listed as "Magic of the Earth"] (Black Elk/Brock) – 1:05
2 "Angels of Death" (Brock) – 6:06
3 "Golden Void" (Brock) – 7:13
4 "Brainstorm" (Turner) – 4:50
5 "The Door" (Wishart) – 2:57
6 "Ejection" (Calvert) – 5:53
7 "Sword of Dawn" (Hawkwind) – 5:46
8 "Hassan-i-Sabah" [aka "Assassins of Allah"] (Calvert/Rudolph) – 3:55
9 "Dream Worker" (Bainbridge) – 3:59
10 "You Shouldn't Do That" (Turner/Brock) – 3:58
11 "Images" (Wishart/Brock/Davey) – 7:10

Selon le communiqué de presse, cela n'a jamais été publié et il n'est pas difficile de comprendre pourquoi. Alors que les collectionneurs voudront toujours une copie de chaque concert joué par un groupe, si possible, ils éviteront si possible des publications de mauvaise qualité, et cela ressemble à l'une de ceux-là.

il y a une énorme pile de DVD et de CD de Hawkind d'une qualité vraiment épouvantable.
ces produits sont gâchés par des sons de bootleg vraiment terribles qui sont bien pires que les sets live disponibles gratuitement qui peuvent être téléchargés LÉGALEMENT, GRATUITEMENT, à partir de nombreux sites Web.

Un son médiocre en fait le moins essentiel des albums live de 1990, bien qu'il contienne une version live autrement inouïe de "Black Elk Speaks", qui disparaît de manière frustrante au milieu de la chanson.

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Un autre, "Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2", un bon album live enregistré lors de la tournée Hivernale 1982 au Hammersmith Odeon à Londres, principalement le 12 Novembre, avec quelques morceaux probablement du 13 Novembre? est aussi paru en 1999.

CD 1:

1 Choose Your Masques
2 Coded Languages
3 Magnu
4 Dust of Time
5 Warriors at the Edge of Time
6 Waiting for Tomorrow
7 Angels of Death
8 Psychedelic Warrior
9 Utopia
10 Social Alliance

CD 2:

1 Arrival in Utopia
2 Solitary Mind Games
3 Dream Worker
4 Brainstorm
5 Ejection
6 Shot Down in the Night
7 Masters of the Universe

Personnel:

Dave Brock - guitare, claviers, voix
Martin Griffin - batterie
Harvey Bainbridge - basse, claviers, voix
Huw Lloyd-Langton - lead guitare, voix
Nik Turner - saxophone, flute

Les concerts du groupe à Hammersmith Odeon à Londres en Novembre 1982 avaient peut-être été le point culminant de cette tournée mémorable et ils avaient été enregistrés sur bande 24 pistes par une unité d'enregistrement mobile. Les enregistrements ont été mixés sous forme de mixages de retour approximatifs et sont apparus sur diverses compilations qui ont suivi tout au long des années 1980 et au-delà. Tous les masters multipistes survivants ont maintenant été rassemblés et ont maintenant été mixés sous forme de cet étonnant ensemble de 2 CD, présenté dans la meilleure qualité audio à ce jour.

Cet album présente six des dix morceaux de cet album - parmi les absents, peut-être étonnamment, se trouve le remake de "Silver Machine". Cependant, d'excellentes versions de "Coded Languages", "Solitary Mind Games", et "Waiting for Tomorrow" sont mises en évidence les sélections, se glissant facilement aux côtés des favoris traditionnels "Ejection", "Magnu" et "Brainstorm". Il y a aussi une version étonnante de "Master of the Universe", remaniée de sa longueur habituelle et lourde à un hoedown de heavy metal époustouflant.
L'enregistrement comporte Michael Moorcock en invité le 12 Novembre.

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Enfin, "Complete '79: Collector Series Volume 1" est l'album sorti en 1999 tiré d'un concert de 1979 par Hawkwind.

CD 1:

1 Shot Down In The Night (Swindells) - 7:36
2 Motorway City (Brock) - 9:07
3 Spirit Of The Age (Calvert/Brock) - 7:28 (8:01)
4 Urban Guerilla (Calvert/Brock) - 6:58 (6:25)
5 Who's Gonna Win The War (Brock) - 8:30 (5:58)
6 World Of Tiers (Bainbridge/Lloyd Langton) - 3:11 (5:41)

CD 2:

1 New Jerusalem (Blake) - 9:34
2 Lighthouse (Blake) - 10:08
3 Brainstorm (Turner) - 8:10
4 Satellite (Brock) - 2:41
5 PXR 5 (Calvert/Brock) - 5:28 (4:11)
6 Master Of The Universe (Turner/Brock) - 1:57 (3:14)
7 Silver Machine (Calvert/Brock) - 6:54 (4:00)
8 Levitation (Brock) - 3:28 (6:20)

Personnel:

Dave Brock : guitare, claviers, chant
Simon King : batterie
Huw Lloyd Langton : guitare
Harvey Bainbridge : basse, chant
Tim Blake : claviers, voix

Cet enregistrement n'est certainement pas professionnel, il s'agit peut-être d'une bande de table de mixage mais plus probablement d'un bootleg du public.
Les niveaux sonores et la fréquence fluctuent d'un bout à l'autre, ce qui rend son écoute difficile malgré une bonne performance de bande. Il prétend être le concert non expurgé complet, mais il y a clairement des modifications, notamment pendant "Brainstorm" à 5:08 qauand Brock joue "You Know You're Only Dreaming".

On ne sait pas exactement pourquoi un enregistrement de qualité aussi médiocre a été utilisé pour cette version, car les versions complètes de "Hawkwind Anthology" de "Shot Down in the Night" et "Urban Guerrilla" démontrent qu'il existe des enregistrements supérieurs disponibles.
Néanmoins, ce CD contient les seules versions live disponibles de "PXR5" et "New Jerusalem" de Tim Blake.

Le livret du CD est une reproduction du programme de la tournée de 1979 de Steve «Krusher» Joule.

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En 2000 parait "Atomhenge 76", un album live comprenant une partie d'un concert de 1976.

Personnel:

Robert Calvert - chant
Dave Brock - guitare, chant
Nik Turner - saxophone, flûte, chant
Paul Rudolph - basse, guitare
Simon House - violon, claviers
Simon King - batterie
Alan Powell - batterie

CD1:

1 "Intro" (Hawkwind) – 1:18
2 "Reefer Madness" (Calvert/Brock) – 6:05
3 "Paradox" (Brock) – 4:23
4 "Chronoglide Skyway" (House) – 5:56
5 "Hassan-i-Sabah" [aka "Assassins of Allah"] (Calvert/Rudolph) – 5:56
6 "Brainstorm" (Turner) – 8:53
7 "Wind of Change" (Brock) – 4:09

CD2:

1 "Instrumental" (Hawkwind) – 1:15
2 "Steppenwolf" (Calvert/Brock) – 11:14
3 "Uncle Sam's on Mars" (Calvert/Powell/King) – 7:36
4 "Time For Sale" (Calvert/Rudolph) – 10:38
5 "Back on the Streets" (Calvert/Rudolph) – 5:16
6 "Sonic Attack" (Moorcock/Hawkwind) – 6:27
7 "Kerb Crawler" (Calvert/Brock) – 5:34

Une partie de ce set a également été publiée en Amérique du Nord sur un seul CD sous le titre "Thrilling Hawkwind Adventures" (Griffin Records, février-2000, GCD8402).

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Thrilling Hawkwind Adventures version:

1 "Brainstorm" (Turner) – 9:23
2 "Wind of Change" (Brock) – 4:31
3 "Steppenwolf" (Calvert/Brock) – 11:17
4 "Uncle Sam's on Mars" (Calvert/Powell/King) – 6:56
5 "Time for Sale" (Calvert/Rudolph) – 10:13
6 "Back on the Streets" (Calvert/Rudolph) – 4:40
7 "Sonic Attack" (Moorcock/Hawkwind) – 6:01

Image

Après cela, Brock a sorti un album intitulé "Spacebrock" en 2000.

RED ONE sur Nightfall en a fait une excellente analyse:
En gros, il semble qu'il y ait une grosse erreur sur la marchandise car "Spacebrock" n'est certainement pas un véritable album de Hawkwind mais plutôt un opus solo du sieur Brock. Outre ces considérations esthétiques, peut on effectivement parler de ce disque comme d'un véritable album de groupe?
Car Brock joue quasiment de tous les instruments; Richard Chadwick, fidèle batteur de Hawkwind depuis 1990, n'a contribué qu'à trois titres. Aucun autre membre du line-up "officiel" du groupe ne participe à cet opus très bizarre, qui se révèle par ailleurs plus que déconcertant.
En effet,"Spacebrock" est réellement difficile à analyser, car il n'a aucune cohérence, semblant être constitué de démos non abouties collées les unes aux autres.

Le contenu est hétéroclite, c'est le moins quel'on puisse dire, mais dans le plus mauvais sens du terme: un très mauvais Space Rock ("To Be Or Not", "Earth Calling"), des titres 'foutraques' relevant de demo non mixée ("Space Brock"), une sorte de 'branlette guitaristique' ("Behin The Face"), des délires orientalisants partant tous azimuts, et même quelques tentatives d'arrangements techno assez maladroits ("Sex Dreams", "Do You Want This Body").
On peut se demander si Brock n'est pas tout simplement en train de se foutre de tout le monde. Evidemment, il ne peut s'empêcher de céder à certains des démons qui le poursuivent depuis les années 1980: on a donc encore droit à de nouvelles versions d'anciens titres de Hawkwind ("Kauai", "Some People Never Die", "Life Form"...).

Il faut quand même signaler qu'il y a quelques moments assez remarquables. "Earth Breath" est assez sympathique, "Space Pilots" est assez intéressante. "First Landing", dont le texte est un vieux poème de Robert Calvert, est probablement le plus beau morceau de l'opus. Même la techno assez débile de la longuette "Do You Want This Body" se laisse finalement écouter. Mais objectivement, il n'y a pas grand chose d'autre à se mettre sous la dent.

"Spacebrock" est un disque assez étrange, qui n'a pas grand chose pour lui. Rien à voir avec un HAWKWIND flamboyant que l'on a pu connaitre précèdemment. "Spacebrock" est définitivement l'album solo d'un Dave Brock qui commence à perdre les pédales face à l'immensité de l'Univers.
Il n'y a pas grand chose à dire de plus. En l'état actuel des choses, "Spacebrock" est probablement l'un des pires albums de la discographie de HAWKWIND. Quelle était donc l'idée de Dave Brock lorsqu'il osa publier ce bousin? Célébrer le trentième anniversaire de HAWKWIND, sérieusement?
Hélas, les Hawks ne sont pas au bout de leurs peines...

Ce sera d'ailleurs le début d'une longue période de sécheresse, et on n'entendra plus parler du groupe avant 2005 avec l'album du grand retour, "Take Me to Your Leader".



Hawkwind étant en sommeil au niveau enregistrement studio, Hawkestra, un événement qui fait participer les anciens et actuels membres, a été organisé en parallèle à leur trentième anniversaire et à la sortie du coffret "Epocheclipse – 30 Year Anthology", mais des problèmes logistiques ont repoussé la sortie au 21 Octobre 2000.

Il a eu lieu à la Brixton Academy avec une vingtaine de membres participant à un ensemble de plus de trois heures, qui a été filmé et enregistré. Parmi les invités figurait Samantha Fox qui a chanté "Master of the Universe". Cependant, les arguments et les différends concernant la récompense financière et la contribution musicale ont rendu improbable la perspective d'une nouvelle mise en scène de l'événement, et la sortie indéfinie de tout album ou DVD.
Le Hawkestra avait établi un modèle pour Brock pour assembler un groupe de base composé de Tree, Brock, Richards, Davey, Chadwick et pour l'utilisation d'anciens membres en tant qu'invités dans des spectacles et des enregistrements en studio.

Image

Le spectacle de Noël à l'Astoria de Londres le 29 Décembre 2000 a été enregistré avec les contributions de House, Blake, Rizz, Moorcock, Jez Huggett et Keith Kniveton et publié sous le nom de "Yule Ritual" l'année suivante.

Hawkwind en live a toujours été un groupe totalement différent de ce groupe en studio. Les différences entre les deux ont toujours été présentes mais, alors que dans les années précédentes, les albums live comportaient des chansons qu'ils avaient récemment publiées sur les albums officiels, les spectacles donnés à partir de 2000 ne comporteront que des morceaux classiques des différentes périodes du groupe. et avec leur longue carrière, ils que l'embarras du choix.

Sur "Yule Ritual" reprenant ce concert, l'accent de ce set solide a été mis musicalement sur la fin des années 70 et le début des années 80: en gros, "Levitation", 'Flying Doctor', "Motorway City" en sont les points forts mais aussi "Lighthouse" et "Hurry on Sundown" qui fonctionnent très bien.
C'est un double CD live que tous les fans doivent connaitre.

Simon House de retour au violon et Tim Blake au synthétiseur ont peut-être quelque chose à voir avec cela. De plus, Michael Moorcock se fait téléphoner au Texas pour qu'il puisse livrer des interprétations dérangées des monologues de "Warrior At the Edge of TIme" et "Sonic Attack" et cela fonctionne très bien.
Avec le meilleur de Hawkwind live de la fin des années 1990, il est amusant d'entendre cette itération du groupe revisiter cette période antérieure 1976-1982, ce qui donne un set tout à fait unique.
C'est un très bon album mais il faut quelques écoutes pour s'habituer à l'enregistrement de cette basse très Heavy.

Sur cet enregistrement paru en 2001, Brock a rassemblé la formation la plus performante du groupe sur le plan musical: Outre Brock (voix, guitares rythmiques, claviers), le line up est composé de Harvey Bainbridge (claviers, synthétiseur, voix), de Alan Davey (guitare basse, voix), de Keith Knivedon (synthétiseurs EMS), de Jerry Richards (guitares), de Simon House (violons) et de Richard Chadwick (batterie).
Une formation de tueurs, le plus récent ajout étant le joueur de synthétiseur Keith Knivedon, qui renvoie au son les textures de synthétiseur dans la tradition de Del Dettmar. Davey et Chadwick sont la section rythmique la plus solide qui ait joué dans ce groupe depuis que Harvey est passé aux claviers et aux synthétiseurs, et Chadwick, bien que n'étant pas un grand batteur, taquine les rythmes, doublant ou déplaçant souvent les battements pour ajouter des variations à la batterie.

Quelques autres invités se présentent, y compris le maître de la Science Fiction, Michael Moorcock, dont la voix torturée correspond à "Sonic Attack", et son soliloque "Warriors at the Edge of Time" est livré avec un abandon maniaque.
Le seul 'nouveau' morceau de cette collection est "SpaceBrock", qui est construit sur une série de riffs immédiatement identifiables par quiconque connaît l'écriture de Dave. Les seuls inconvénients de cette version sont l'absence du travail de saxophone de Nik Turner (sa querelle avec Brock est devenue si passionnée qu'il n'a été spécifiquement 'pas invité'), son rôle étant rempli par un Jez Hugget, qui est un mucisien moyen comparé à Nik sur saxophone ténor, mais il affiche quelques touches d'originalité sur soprano.
L'autre est la tentative de Ron Tree de recréer le rôle vocal autrefois admirablement rempli par Bob Calvert, mais il ne parvient pas à ajouter de caractère distinctif aux airs sur lesquels il chante, mais au moins, petite consolation, il ne joue pas de la basse.

Le seul vrai changement est le fait que ce CD sonne bien, avec une qualité sonore presque luxuriante, et les synthétiseurs sont en tête dans le mixage, bien à leur place!

En 2001, Davey a finalement accepté de rejoindre le groupe de façon permanente, mais seulement après le départ de Tree et Richards.

Image

D'une apparition au Canterbury Sound Festival en Août 2001, résulte un autre album live "Canterbury Fayre 2001", qui a vu des apparitions d'invités comme Lloyd-Langton, House, Kniveton avec Arthur Brown sur "Silver Machine".

A SUIVRE

Normalement, un amateur d'Hawkwind possède une bonne centaine de disques de cette tribu Britannique. Le nombre de disques est en effet très nombreux, car en plus de la "discographie principale", on trouve d'innombrables compilations de morceaux sous différentes versions ou dans différents concerts.

Discographie

1970 : Hawkwind
1971 : In Search of Space
1972 : Doremi Fasol Latido
1973 : Space Ritual
1974 : Hall of the Mountain Grill
1975 : Warrior on the Edge of Time
1976 : Astounding Sounds, Amazing Music
1977 : Quark, Strangeness and Charm
1978 : 25 Years On ("Hawklords")
1979 : PXR5
1980 : Live Seventy Nine
1980 : Levitation
1981 : Sonic Attack
1982 : Church of Hawkwind
1982 : Choose Your Masques
1985 : The Chronicle of the Black Sword
1986 : Live Chronicles
1988 : The Xenon Codex
1990 : Space Bandits
1991 : Palace Springs
1992 : Electric Tepee
1993 : It Is the Business of the Future to Be Dangerous
1994 : The Business Trip
1995 : White Zone ("Psychedelic Warriors")
1995 : Alien 4
1996 : Love in Space
1997 : Distant Horizons
1998 : In Your Area
1999 : Hawkwind 1997
2000 : Spacebrock
2001 : Yule Ritual
2002 : Canterbury Fayre 2001
2005 : Take Me to Your Leader
2006 : Take Me to Your Future
2008 : Knights of Space
2010 : Blood of the Earth
2012 : Onward
2016 : The Machine Stops
2017 : Into the Woods
2019 : All Aboard The Skylark

Archives

1980 Weird Tape Volume 1
1980 Weird Tape Volume 2
1981 Weird Tape Volume 3
1981 Weird Tape Volume 4
1982 Weird Tape Volume 5
1982 Weird Tape Volume 6
1983 Weird Tape Volume 7
1983 Weird Tape Volume 8
1983 The Text of Festival
1983 Zones
1984 This Is Hawkwind, Do Not Panic
1984 Space Ritual Volume 2
1985 Bring Me the Head of Yuri Gagarin
1985 Hawkwind Anthology
1987 Out & Intake
1991 BBC Radio 1 Live in Concert
1992 The Friday Rock Show Sessions
1992 Hawklords Live
1992 California Brainstorm
1995 Undisclosed Files Addendum
1997 The 1999 Party
1999 Glastonbury 90
1999 Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2
1999 Complete '79: Collectors Series Volume 1
2000 Atomhenge 76
2000 Thrilling Hawkwind Adventures version:
2002 Live 1990
2008 Minneapolis, 4th October 1989
2008 Reading University, 19th May 1992
2009 Live '78
2009 Winter Solstice 2005
2010 Treworgey Tree Fayre 1989
2010 San Francisco 1990
2010 At the BBC - 1972
2011 No Star Unturned
2011 Parallel Universe

Source: wikipedia, Prog Archives, RED ONE, ClashDoherty, Wilson Neate, Bruce Eder, Aural Innovations
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 21 janv. 2021 23:15, modifié 360 fois.
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Slade » mar. 7 juil. 2020 15:27

Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par nunu » mar. 7 juil. 2020 15:32

Slade a écrit :
mar. 7 juil. 2020 15:27
Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
Je suis pas sur que ça soit pire que Magma

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 15:49

Slade a écrit :
mar. 7 juil. 2020 15:27
Tu nous fait la liste de tous les musiciens qui sont passés dans le groupe ? :hehe: :hehe:
Pas compliqué!

Membres actuels

Dave Brock : chant, guitares, claviers, synthétiseurs (depuis 1969)
Tim Blake : claviers, chant (1979-1980, 2000, 2002, depuis 2007)
Richard Chadwick : batterie, chant (depuis 1988)
Mr Dibs : chant, violoncelle, basse (depuis 2007)
Niall Hone : basse, guitares, sampling, synthétiseurs, claviers (depuis 2008)

Invité :
Dead Fred : claviers, synthétiseurs (invité depuis 2012, membre à part entière 1983-1984)

Anciens membres

Nik Turner : saxophone, flûte, chant (1969-1976, 1982-1984)
Dik Mik : claviers, synthétiseurs (†2017) (1969-1973)
Terry Ollis : batterie (1969-1972)
John Harrison : basse (1969-1970)
Mick Slattery : guitare (1969)
Huw Lloyd-Langton : (†2012) guitare (1969-1971, 1979-1988, invité 2002-2005)
Thomas Crimble : basse (1970-1971)
Del Dettmar : claviers, synthétiseurs (1971-1974)
Dave Anderson : basse (1971-1972)
Simon King : batterie (1972-1979, 1979-1980)
Lemmy Kilmister († 2015) : basse (1972-1975)
Robert Calvert : chant (†1988) (1972-1973, 1975-1979)
Simon House : claviers, synthétiseurs, violon (1974-1978, 1989-1991, invité 2000-2002)
Alan Powell : batterie (1974-1976)
Paul Rudolph : basse (1975-1976)
Adrian Shaw : basse (1976-1978)
Harvey Bainbridge : basse, claviers, synthétiseurs (1978-1991)
Martin Griffin : (†2019) batterie (1978-1979, 1981-1983)
Paul Hayles : claviers, synthétiseurs (1978)
Steve Swindells : claviers, synthétiseurs (1978-1979)
Ginger Baker : batterie (†2019) (1980-1981)
Keith Hale : claviers, synthétiseurs (1980-1981)
Andy Anderson : batterie (†2019) (1983)
Robert Heaton : batterie (1983)
Rik Martinez : batterie (1983)
Clive Deamer : batterie (1983-1985)
Alan Davey : basse (1984-1996, 2000-2007)
Danny Thompson Jr. : batterie (1985-1988)
Bridget Wishart : chant (1990-1991)
Ron Tree : chant, basse (1995-2001)
Jerry Richards : guitare (1996-2001)
Jason Stuart : claviers, synthétiseurs (†2008) (2005-2008)

Anciens invités :
Michael Moorcock : chant (1975, 1981)
Captain Rizz : chant (1997-2000)
Jez Huggett : saxophone, flûte (2000-2002)
Arthur Brown : chant (2001-2003)
Jon Sevink : violon (2009)

ça te va! :hehe:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Slade » mar. 7 juil. 2020 16:08

Une p'tite photo de chacun peut être afin qu'on puisse mieux les visualiser ? :mdr2: :mdr2:
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mar. 7 juil. 2020 18:47

Tu voudrais pas aussi leurs adresses et leurs numéros de téléphone??? :siffle:
Si le vaccin immunise, pourquoi avoir peur des gens qui ne se feront pas vacciner ?

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Suricate » mer. 12 août 2020 09:35

A compter de "Astounding" on passe à autre chose, "Astounding" & "Quark..." deux albums que je prend plaisir à l'écoute, il faut faire abstraction des albums précédents. Et puis comme dit nunu, sans la verrue, c'est mort ! ::d

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Algernon » mer. 12 août 2020 10:01

Merci Alain.
Je devrais trouver le temps de lire la bio de ces babas moins mollassons que les autres dans sa totalité.
Un LP que je n'ai jamais écouté c'est "P.X.R.5", je ne sais pas ce qu'il vaut.
Que Dieu vous bénisse et vous fasse le nez comme j'ai la cuisse.

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Suricate » mer. 12 août 2020 10:14

Algernon a écrit :
mer. 12 août 2020 10:01
Merci Alain.
Je devrais trouver le temps de lire la bio de ces babas moins mollassons que les autres dans sa totalité.
Un LP que je n'ai jamais écouté c'est "P.X.R.5", je ne sais pas ce qu'il vaut.
PXR5, c'est de la bonne !

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Echoes » mer. 12 août 2020 10:14

Algernon a écrit :
mer. 12 août 2020 10:01
Merci Alain.
Je devrais trouver le temps de lire la bio de ces babas moins mollassons que les autres dans sa totalité.
Un LP que je n'ai jamais écouté c'est "P.X.R.5", je ne sais pas ce qu'il vaut.
Le hasard fait que je l'ai écouté il y a peu.
Un album un peu étrange mais que j'aime bien, par moment punk ou encore new Wawe, et bien sûr rock et Space Rock.
"Les journalistes de rock sont des gens incapables d'écrire qui interviewent des gens incapables de parler pour des gens incapables de lire." Frank Zappa

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Algernon » mer. 12 août 2020 10:15

Attention ! Tu t'engages... :]
Que Dieu vous bénisse et vous fasse le nez comme j'ai la cuisse.

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mer. 12 août 2020 21:23

J'ai toujours eu du mal à véritablement cataloguer ce genre de groupe...
Space Rock, oui, faute de mieux...
Mais il y a tellement d'autres choses!
Surtout en cinquante ans de carrière.
Une chose est certaine, c'est le feeling qui se dégage de chacun de leurs albums...
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Faine Jade » mer. 21 oct. 2020 07:34

alcat01 a écrit :
mar. 7 juil. 2020 18:47
Tu voudrais pas aussi leurs adresses et leurs numéros de téléphone??? :siffle:
A noter que bon nombre des musiciens ayant participés à l'aventure se retrouvent sur le projet " Hawkestrel".
L' album de 2020 "Pioneers Of Space" réuni de sacrés musiciens si on en juge par les crédits...
Tracklist:
01 – Biometrics (feat. Alan Davey, Mick Taylor, Simon House, Gilli Smyt
02 – Cosmic Divide (feat. Alan Davey, Larry Wallis, Ginger Baker, Huw Ll
03 – Day of the Quake (feat. Alan Davey, Nik Turner & Adam Hamilton)
04 – Glass Wolves (feat. Alan Davey, Arthur Brown, Josie Davey & Wyatt Davey)
05 – Atmospheric Window (feat. Alan Davey & Michael Moorcock)
06 – Circles (feat. Todd Rundgren & L. Shankar)
07 – No Doubt (feat. Alan Davey, Mick Slattery & Simon House)
08 – Journey (feat. Alan Davey, L. Shankar & Bridget Wishart)
09 – Pioneers of Space (feat. Alan Davey, David Cross, Carmine Appice & Wayne Kramer)

3005fea4c5cbffe61970c4132127fd8e.jpg
3005fea4c5cbffe61970c4132127fd8e.jpg (48.26 Kio) Vu 2156 fois
Noël au balcon, enrhumé comme un con...

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » mer. 21 oct. 2020 09:53

J'en parlerai plus tard, pour l'instant je n'en suis pas là!
Si le vaccin immunise, pourquoi avoir peur des gens qui ne se feront pas vacciner ?

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Algernon » mer. 21 oct. 2020 13:33

06 – Circles (feat. Todd Rundgren & L. Shankar) :ghee: Image
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » jeu. 22 oct. 2020 17:22

Faine Jade a écrit :
mer. 21 oct. 2020 07:34
alcat01 a écrit :
mar. 7 juil. 2020 18:47
Tu voudrais pas aussi leurs adresses et leurs numéros de téléphone??? :siffle:
A noter que bon nombre des musiciens ayant participés à l'aventure se retrouvent sur le projet " Hawkestrel".
L' album de 2020 "Pioneers Of Space" réuni de sacrés musiciens si on en juge par les crédits...
Tracklist:
01 – Biometrics (feat. Alan Davey, Mick Taylor, Simon House, Gilli Smyt
02 – Cosmic Divide (feat. Alan Davey, Larry Wallis, Ginger Baker, Huw Ll
03 – Day of the Quake (feat. Alan Davey, Nik Turner & Adam Hamilton)
04 – Glass Wolves (feat. Alan Davey, Arthur Brown, Josie Davey & Wyatt Davey)
05 – Atmospheric Window (feat. Alan Davey & Michael Moorcock)
06 – Circles (feat. Todd Rundgren & L. Shankar)
07 – No Doubt (feat. Alan Davey, Mick Slattery & Simon House)
08 – Journey (feat. Alan Davey, L. Shankar & Bridget Wishart)
09 – Pioneers of Space (feat. Alan Davey, David Cross, Carmine Appice & Wayne Kramer)


3005fea4c5cbffe61970c4132127fd8e.jpg
Excuses-moi encore d'être intervenu rudement car ce que tu signales est très intéressant! :alcool1:
Si le vaccin immunise, pourquoi avoir peur des gens qui ne se feront pas vacciner ?

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Faine Jade » lun. 26 oct. 2020 09:14

:alcool1:

J'ai entendu parlé d'un album enregistré dans une pyramide. C'était quoi déjà ?
Noël au balcon, enrhumé comme un con...

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par alcat01 » lun. 26 oct. 2020 14:53

Faine Jade a écrit :
lun. 26 oct. 2020 09:14
:alcool1:

J'ai entendu parlé d'un album enregistré dans une pyramide. C'était quoi déjà ?
Ce n'est pas Hawkwind mais Nik Turner!

Après avoir quitté Hawkwind pour la première fois, Turner avait passé ses vacances en Égypte et, lors de sa visite de la Grande Pyramide de Gizeh, il avait eu trois heures dans la Chambre du Roi pour enregistrer de la musique de flûte.
En revenant en Angleterre, Steve Hillage avait nettoyé les bandes et assemblé le groupe Sphynx comportant Alan Powell de Hawkwind, Mike Howlett et Tim Blake de Gong et Harry Williamson pour enregistrer la musique augmentant les pistes originales de flûte tandis que Turner adaptait les paroles à partir du livre des morts.

Image

L'album est sorti sous le nom de "Xitintoday" sur Charisma records en 1978.
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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Silence » mar. 27 oct. 2020 07:46

Il pourrait aussi s'agir de la fameuse pyramide du Glastonbury Fayre 1971
Image

Superbe album live que je recommande chaudement d'ailleurs

The Grateful Dead
Brinsley Schwarz
Mighty Baby
Marc Bolan
Pete Townshend
David Bowie
Hawkwind
Skin Alley
Daevid Allen And Gong
The Pink Fairies
The Edgar Broughton Band

C'est pas de la prog de compétition ça !? (belle bande de freaks)

Akarma a sorti une superbe réédition il y a quelques temps (inclus la pyramide a monter soi même)
Image
"Plus on pédale moins vite, moins on avance plus vite"

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Re: HAWKWIND (Bio)

Message par Faine Jade » mar. 27 oct. 2020 08:30

Super, tu m'as devancé Alcat01, je l'ai écouté hier avant de lire ta réponse ! Du coup, j'ai écouté aussi une autre formation de Nik Turner avec Hélios Creed.
Et en ce moment, tourne sur mon ordi, Nik Turner "Life in space" de 2017...
Ils ont de la chance les rois d'Egypte ! Avant Nik, le Dead était parti aussi au pied des pyramides et claquer 500 000 dollars, (une broutille ! ::d ) lors de leur tournée de 1978...
Une légende raconte que la musique allait accompagner l'âme des défunts dans une nouvelle dimension... 500 000 dollars finalement, c'est pas grand chose pour un acte hors du temps.
Noël au balcon, enrhumé comme un con...

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