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Message par alcat01 » mer. 6 mars 2024 15:57

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Deep Purple 1977 : Last Concert in Japan
"Last Concert in Japan" est sorti en Mars 1977 au Japon et en 1978 en Europe sur le label Purple Records et a été produit par le groupe et Martin Birch. Dédié à Tommy Bolin, il enregistre le dernier concert Japonais de la formation Mark IV qui comprenait Bolin.
Ce concert avait été donné au Budokan Hall de Tokyo le 15 décembre 1975, pendant la tournée promotionnelle de l'album "Come Taste the Band". Il avait attiré 14 000 personnes, un record de fréquentation pour la salle du Budokan.
Cet album n'entra pas dans les Charts Européens, mais il sera certifié disque d'Or au Japon.
L'enregistrement avait été considérablement modifié pour tenir sur un seul disque. Le concert complet fut remasterisé et restauré pour "This Time Around : Live in Tokyo", sorti en 2001. En plus d'inclure une grande partie de l'enregistrement omis dans la version originale, la réédition de 2001 restaura la qualité sonore originale du spectacle, qui avait été compromise par l'utilisation d'une piste audio masterisée à la hâte et destinée à une sortie vidéo potentielle pour accélérer la sortie originale.
Cette version du concert est, bien sûr, nettement meilleure que l'originale dans laquelle on n'attend guère la guitare de Bolin.
La pochette originale de l'album indiquait à tort qu'elle comprenait une version live de "Woman from Tokyo", alors qu'elle ne comprenait qu'un court jam sur son riff principal, réalisé pendant le solo d'orgue de Lord. Cela a déplu aux fans de Deep Purple, qui ont supposé que cette fausse information était destinée à stimuler les ventes.


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Message par alcat01 » mer. 6 mars 2024 18:02

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Air Cut (1973)
Sur l'album de Curved Air, "Air Cut", pâru en 1973, le groupe est composé d'un groupe très différent.
Bien sûr, l'album n'a pas la grandiloquence de "Phantasmagoria" (la touche classique de Francis Monkman manque cruellement), mais il comporte tout de même son lot de moments forts.
A l'époque, il ne reste plus que la chanteuse Sonja Kristina des membres originaux, mais sa voix suffit à entretenir quelque peu la flamme. Elle et le bassiste Mike Wedgewood sont rejoints par le batteur Jim Russell, le guitariste Gregory Kirby et un violoniste / claviériste de 18 ans du nom d'Eddie Jobson. Toutefois, ce line up ne durera que quelques mois.
Cet album est largement leur disque le plus sous estimé.
"The Purple Speed Queen", un morceau de Rock Psychédélique léger, est devenu l'un des titres les plus connus du groupe, et les dix minutes de "Metamorphosis" figurent toujours parmi les classiques du Rock Progressif Britannique (Jobson se rapprochant même de la virtuosité de Monkman au piano).
La deuxième face du disque original comprend une série de morceaux de Rock plus simples, dans la veine de Babe Ruth. Moins frappante, elle montre un groupe qui essaie d'élargir son public sans avoir l'air convaincu que c'est la bonne chose à faire. La fin de l'album, "Easy", une ballade plus douce, est néanmoins une bonne chanson.
Seul album sorti par cette formation et seul album de Curved Air sur lequel figure Eddie Jobson, "Air Cut", futur membre de Roxy Music, UK, Jethro Tull et de nombreux autres groupes de Rock Progressif.


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Message par alcat01 » mer. 6 mars 2024 19:48

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The Electric Flag The Trip 1967
Le guitariste Mike Bloomfield et le claviériste Barry Goldberg ont rassemblé le groupe à San Francisco sous le management d'Albert Grossman.
Le groupe s'est initialement formé à l'instigation de Bloomfield, mais avec un fort encouragement et avec l'organisation de Goldberg. Le bassiste Harvey Brooks avait travaillé avec Bob Dylan, Phil Ochs et Judy Collins. Il avait, en particulier, déjà travaillé avec Bloomfield en 1965, sur l'enregistrement de "Highway 61 Revisited", de Bob Dylan. Il recommanda Buddy Miles, alors âgée de 19 ans, qui était, à l'époque, le batteur de Wilson Pickett. Goldberg et Bloomfield ont persuadé Miles de quitter Pickett, après avoir assisté au Murray The K's Easter Show à New York, le 26 Mars 1967. Buddy Miles avait aussi fait des sessions avec Otis Redding.
Barry Goldberg avait précédemment joué avec Steve Miller et Mitch Ryder. Bloomfield avait contacté le chanteur Nick Gravenites, originaire également de Chicago, qui accepta. Peter Strazza le saxophoniste ténor connaissait Goldberg depuis Chicago et il avait aussi joué pour Steve Miller. Le guitariste de Jazz, Larry Coryell, recommanda un étudiant de niveau universitaire, installé à Seattle, Marcus Doubleday qui jouait de la trompette. Marcus Doubleday avait soutenu The Drifters, Jan and Dean ainsi que Bobby Vinton. Herbie Rich, un sessionman chevronné, complèta l'ensemble sur le saxophone baryton.
Curieusement, avant même de ne jouer aucun concert, le groupe a enregistré la bande son d'un film psychédélique d'exploitation de 1967, "The Trip", qui lui offre la possibilité d'expérimenter quelques-unes de ses idées sans trop de pression. Ce film avait pour thème une expérience au LSD de Peter Fonda. D'après un scénario écrit par Jack Nicholson. Le metteur en scène était Roger Corman.
Peter Fonda avait contacté Bloomfield pour le projet, en remplacement du Gram Parsons' International Submarine Band. Roger Corman n'avait pas trouvé la musique du groupe de Gram Parsons appropriée pour un film sur l'expérience du LSD.
Bloomfield est crédité pour l'ensemble des compositions de l'album. Il a engagé le claviériste Paul Beaver pour ajouter une texture à la trame sonore, grâce à l'utilisation de l'un des premiers synthétiseurs Moog sur disque. L'enregistrement de la bande sonore aura été achevé en dix jours.
Alors que le film reçoit des commentaires mitigés, la bande sonore attire des critiques tout à fait positives.


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Message par alcat01 » jeu. 7 mars 2024 10:22

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1997 The Christmas Album
Avec "The Christmas Album", paru en 1997, le Nitty Gritty Dirt Band signe un bon album de Country étonnamment fort pour les fêtes de fin d'année.
En plus de quelques morceaux récents et originaux, le groupe met son grain de sel dans des chants traditionnels comme "Silver Bells", "Silent Night" et "Little Drummer Boy".
Le résultat final est tout à fait charmant et devrait plaire à la plupart des fans inconditionnels du band.


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Message par alcat01 » jeu. 7 mars 2024 11:39

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2002: Souvenir
Eric Johnson a fini par retourner au studio d'enregistrement, et il sort un album intitulé "Souvenir" en 2002 sur son propre label Vortexan Records.
Disponible à l'origine uniquement sur Internet, l'album est écouté 65 000 fois pendant les sept premières semaines qui suivent sa publication sur mp3.com. et Johnson effectue ensuite deux tournées de promotion de "Souvenir", la première électrique, et la seconde acoustique.
La plupart de ses disques attirent les fans de Steve Vai, Jeff Beck et Brian May à cause de ses sons incroyables, mais "Souvenir" est différent et il a un style similaire à certains des meilleurs albums solo de Steve Howe. Les riffs, la dextérité et les tons d'Eric ont toujours été brillants pendant plus de trente ans.
Ce maître de guitare reclus est un végétarien sans âge qui personnifie tout ce qui est branché et talentueux à Austin. "Souvenir" est pratiquement une gemme tout à fait intemporelle. Cet album montre encore une fois, quel musicien talentueux se cache derrière cette frêle silhouette.
Autant de grâce en acoustique qu'en électrique, Eric Johnson est un de ses rares guitaristes qui savent faire chanter leur instrument si magnifiquement. Son jeu de guitare mélange le phrasé du violon et celui du piano donnant une couleur si particulière à ses chansons.
"Souvenir" est un assortiment de titres qui sont restés cachés dans la collection privée de Johnson, couvrant sa carrière de plus de 20 ans.
Une grande partie de ce matériel est du vieux matériel qu'Eric a retravaillé, ainsi que quelques pépites. Cette collection ne possède pas le feu de "Ah Via Musicom", mais ce sont plutôt essentiellement des "sketches" qu'il avait trouvés qui pourraient être appréciés par la légion de ses fans. Il y a quelques morceaux qui sont vraiment très bons.
C'est une sorte de patchwork de bric-à-brac, mais après quelques écoutes, elle est aussi intéressante que les autres: Chaque morceau offre un aspect particulier de sa musique, et malgré toutes les failles présentes, c'est une expérience très attachante.
Eric fournit un récit sur une base par piste, et dans ce cas, il a ajouté une superposition de synthé spécifiquement pour cet album: La lecture des annotations contribue à rendre le voyage un peu plus intime et met chaque morceau en perspective. Beaucoup de morceaux sont des enregistrements minimalistes mettant en vedette seulement Johnson au chant et sa guitare acoustique.
Cet album plaisant n'est toutefois pas à la hauteur d'un "Ah via musicom" ou d'un "Venus Island" et c'est un peu dommage.
L'intention de Johnson est de fournir à ses fans un album disponible uniquement via son site web. L'artiste déclare d'ailleurs dans les notes: "...L'idée d'avoir des sorties Internet occasionnelles a été émise, elles seraient publiées en tant que série intérimaire entre les sorties régulières en studio...".
À cette fin, ces pistes sont suffisamment bonnes, surtout si l'on considère que la majeure partie de ce matériel d'archives est constituée de demos, d'idées incomplètes, etc.
Beaucoup de ces morceaux ressemblent à des préludes ou à des expériences dans des genres de chansons qu'il maîtrisera plus tard sur des chansons incluses dans ses albums généraux. Il est donc intéressant de voir un travail de maître sur les itérations précoces des styles qu'il produira plus tard pour ses 'pièces maîtresses'.
"Souvenir" est un CD réellement fait pour les fans d'Eric Johnson et les fans de guitare.
Une grande partie n'est qu'acoustique, mais très bien faite. Beaucoup de morceaux ne sont pas des succès 'radio', mais ils sont indubitablement intelligents, et ils seront appréciés par les fans de Johnson qui veulent comprendre son travail sous un autre angle que ses 'Hits'.
Les musiciens de longue date du guitariste, le bassiste Chris Maresh et le batteur Tommy Taylor, apparaissent sur la plupart de ces œuvres, composées de ballades chaudes, de Boogie Rocks et d'une mélodie Pop / Rock mémorable intitulée "Virginia".
Le premier titre, "Get to Go", terminé en 2002, combine une guitare slide chic avec une section rythmique groovy. Le solo de guitare prend la forme sonore d'une section de cuivres de Nouvelle-Orléans.
La reprise de "Paperback Writer" des Beatles est intéressante. Elle sonne comme un Rock léger sur une mélodie des Beatles. Il faut dire, cependant, que le solo de guitare à la fin est fantastique.
La majorité des morceaux montre encore des vocaux discrets du guitariste. Sur la pièce intitulée "Space of Clouds", Johnson 'murmure' doucement un chant avec un motif de guitare à la Hendrix.
Quelques pistes émergent pour mettre en valeur le fabuleux travail de guitare de Johnson: "Finding You" propose un solo croquant et bluesy qui fait penser à David Gilmour, tandis que "Climbing From Inside" a un excellent travail de guitare acoustique.
Les meilleures pistes, cependant, sont les deux dernières: "A Memory I Have" est un instrumental envoûtant interprété sur une guitare trempée de réverbération, avec de gros accords de Jazz chaleureux et un phrasé créatif. "Dusty" est un instrumental rockabilly enregistré en 1976 lors du premier concert solo de Johnson. Ces deux titres démontrent pourquoi le nom Eric Johnson est synonyme de jeu de guitare précis et étonnant.
Bref, un album fait principalement pour les fans...


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Message par alcat01 » jeu. 7 mars 2024 13:59

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Blues in My Heart (1962)
"Blues in My Heart" de B.B. King, paru en 1962, est composé de morceaux de la fin des années 50 et du début des années 60, une période généralement négligée par les fans occasionnels.
Toutes les rééditions d'Ace sont formidables et cet opus est composé du Blues solides jusqu'au bout: excellent chant, jeu, groupe et choix de matériel.
Sur ce disque, toutes les chansons et performances sont du Blues fort, et malgré le manque de Hits ("How Blue Can You Get" a été négligé à l'époque), c'est une excellente introduction à la musique de B.B...


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Message par alcat01 » jeu. 7 mars 2024 15:34

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1958 - The Best of Muddy Waters
C'est un album des plus grands succès de Muddy Waters (McKinley Morganfield), publié par Chess Records en Avril 1958. Les douze chansons ont été initialement publiées en singles entre 1948 et 1954 et la plupart sont apparues dansle top 10 des charts Rhythm & Blues Records du magazine Billboard .
L'album est le premier de Waters et le troisième de Chess au format LP. Chess a ré-séquencé les morceaux et les a renommés "Sail On" pour une sortie en février 1969.
L'album a été réédité sur disque compact en 1997 par Chess et MCA Records . Le Temple de la renommée de la Blues Foundation l'a intronisé comme "Classique de l'enregistrement de blues" en 1983.


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Message par alcat01 » jeu. 7 mars 2024 18:01

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1980: Deep Purple in Concert
"Deep Purple in Concert"est un album live regroupant deux concerts enregistrés par la BBC pour sa série de programmes live "In Concert", l'un en 1970 et l'autre en 1972. L'album est sorti tout d'abord en vinyle en 1980 au Royaume-Uni, puis il a fait l'objet d'une nouvelle édition en CD en 2001 à travers le monde.
Le vinyle est présenté dans une pochette gatefold avec des doublures photo.
Les faces 1 et 2 du LP (qui deviendra plus tard le premier CD) présentent l'enregistrement live des studios de la BBC à Londres le 19 Février 1970; le groupe a remplacé à la dernière minute Joe Cocker, qui avait annulé sa prestation. Le DJ John Peel a présenté les morceaux au fur et à mesure qu'ils étaient joués.
Les faces 3 et 4 du LP (qui deviendra plus tard le deuxième CD) sont le concert du 9 Mars 1972, cette fois avec le DJ Mike Harding comme animateur.
Ce dernier enregistrement comprend le seul enregistrement live connu de "Never Before" (il était sorti en single à l'époque) et une rare interprétation de "Maybe I'm a Leo" par le line-up Mk II.
Ces deux chansons ont été jouées à la place de l'habituel "Child in Time" pour promouvoir leur nouvel album qui n'était autre que "Machine Head", sorti à la fin Mars 1972.
Les titres "Smoke on the water" (la toute première performance live) et "Maybe I'm a Leo" ne figurent pas dans l'édition double LP vinyle de 1980,bien que "Smoke on the Water" ait été disponible en single. Ils sont présents dans l'édition CD de 2001.
La longueur des pistes sur de nombreuses rééditions de 2001 est incorrecte.
En 2004, le contenu du deuxième disque a été remastérisé et publié en SACD sous le titre "Live on the BBC", sur Audio Fidelity, avec deux pistes bonus (versions studio de "Hush" et "River Deep Mountain High").


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Message par alcat01 » jeu. 7 mars 2024 20:09

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Midnight Wire (1975)
Avec l'album de 1975, "Midnight Wire", Curved Air qui a, qèuelque peu, perdu son identité. ce disque est bien moyen, mais il comporte au moins quelques bons moments ici et là. Le morceau instrumental "Pipe of Dreams" est particulièrement bon, c'est un petit morceau sympa, très atmosphérique avec du violon qui fait de bons mouvements, tout comme le titre principal "Midnight Wire".
La voix de Sonya est toujours bonne et le batteur Stewart Copeland (plus tard avec Police ou Oysterhead) fait son apparition.
Cet album, qui sonne bien loin de ce qu'ils avaient fait sur les 2-3 premiers albums, est principalement 'commercial' avec peu d'arrangements progressifs.


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Message par alcat01 » ven. 8 mars 2024 09:19

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The Electric Flag A Long Time Comin' 1968
À la suite de l'achèvement de la bande sonore du film "The Trip", le groupe avait commencé à travailler sur son très attendu véritable premier album, "A Long Time Comin'".
Au début de 1968, le batteur Buddy Miles avait pris de l'importance dans la direction musicale du groupe. Le répertoire du groupe incluait alors des reprises de morceau de Soul Music de l'époque avec Miles au chant, ainsi que de nombreux airs de Blues classique.
Le groupe ne produit qu'une douzaine de morceaux originaux, la plupart du temps écrits par Nick Gravenites. Le concept original de la "musique Américaine" de Bloomfield semble avoir considérablement été réduit. En terme de matériel original du groupe, Miles Davis fait l'éloge de la composition de Bloomfield-Goldberg, "Over-Lovin 'You", dans une entrevue en 1968.
Le groupe atteint son apogée avec la sortie de l'album, une véritable fusion de Rock, de Jazz, de R & B et de styles qui marchent bien dans les Charts dans le Billboard Magazine Pop Albums. Il réussit à atteindre le numéro 31 dans les US album Charts.
C'est un des premiers enregistrements Pop à mélanger le son et des échantillons de voix avec de la musique. Il y avait assez de promesses sur l'album qui aurait mérité une exploration plus approfondie, mais il n'est sorti que très peu de temps avant que le Flag ne commence à s'écrouler.


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Message par alcat01 » ven. 8 mars 2024 10:37

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Nitty Gritty Dirt Band 1999 Bang, Bang, Bang
C'est un enregistrement amusant, vivant et sans vergogne. Les chansons sont entraînantes et énergiques.
Les chansons "Dry Town", "Bang Bang Bang" et "Monkey" sont tellement exagérées que l'on ne peut pas s'empêcher de les aimer.
Bien qu'il fasse pâle figure en comparaison de leurs albums classiques du début des années 70, "Bang Bang Bang" est loin d'être un moindre effort de la part du Nitty Gritty Dirt Band. Le groupe est composé de professionnels chevronnés, capables de faire sonner même des morceaux de seconde zone.
Néanmoins, c'est un plaisir d'entendre le groupe jouer, et il y a des moments où ils retrouvent presque la magie d'antan, ce qui peut rendre l'album intéressant pour les fans dévoués.


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Message par alcat01 » ven. 8 mars 2024 13:51

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2005: Bloom
L'album "Bloom" d'Eric Johnson a été publié en Juin 2005 sur le label Favored Nations de Steve Vai.
C'est un type d'enregistrement différent de tout autre. Comme à son habitude, il chante sur certains morceaux, mais sa voix semble parfois un peu dénaturée, car trop chargée en effets ("Sunnaround You"), et son chant est seulement correct, mais il n'est pas aussi bon que les pistes vocales sur les disques précédents: Eric n'a jamais eu une voix terrible, elle est même plutôt mince, surtout quand elle contraste avec les tons de guitare énormes et agressifs qu'il cajole avec ses amplis Marshall saturés.
Les invités spéciaux incluent le chanteur primé aux Grammy Awards, Shawn Colvin, et le guitariste Adrian Legg.
Pour les fans acharnés, Johnson assure une fois de plus. Il livre un album plein de polyvalence, d'expérience, de variété et d'impressionnant travail de guitare.
"Bloom" est une certaine évolution dans le sens qu'il se concentre moins sur le flash et plus sur le toucher. Tandis que la plupart des guitaristes de la fin des années 80 et du début des années 90 tournaient autour de mille billets par seconde, Johnson était l'exception, car il composait des chansons dans lesquelles sa guitare fournissait la mélodie où une voix aurait pu être.
Eric n'a rien perdu de sa maîtrise du son et de sa technique, mais son jeu de guitare a un peu changé et ses solos sont devenus encore plus mélodiques qu'ils ne l'étaient auparavant.
Chaque chanson est différente et Eric joue une grande variété de styles et parvient à tout combiner ensemble comme une pièce cohérente. "Bloom" n'est pas un disque de guitare totalement déchirant comme "Ah Via Musicom" et comme album concept super complexe, il est loin du magnifique "Venus Isle". Le CD est principalement dans le style que je l'on peut probablement encore appeler Fusion Jazz Rock et Eric utilise beaucoup d'effets ... chorus, overdrive, écho ... etc. son jeu est discret et très mélodique.
Ce disque marque un nouveau départ de plusieurs façons: Une première chose concerne les tons de guitare. Cela sonne presque comme s'il avait abandonné tous les sons caractéristiques qui l'ont rendu célèbre; par exemple, plus de ton semblable à celui d'un violon comme entendu dans les enregistrements précédents et son ton rythmique semblait manquer de cette résonance étincelante de "Venus Isle". Mais pourtant, il prétend que rien n'a changé, sauf une pédale ou deux. Cela reflète la profondeur et l'ampleur de ses talents de musicien et de compositeur, sans parler de sa maîtrise des humeurs subtiles, contagieuses et nostalgiques.
Des tonnes de tons de guitare différents, des éléments électroniques, différents styles de production; tout cela concourt à faire de cet album une véritable corne d'abondance de sons musicaux, d'humeurs et d'idées. Il est dédié à son père, David O. Johnson, en remerciement pour "me donner la joie de la musique".
"Bloom" est une sorte de trilogie musicale qui capte Johnson dans toutes ses facettes, guitariste, compositeur et chanteur. Sur quelques pistes, on dirait qu'Eric a essayé d'accomplir quelque chose de "nouveau" et de "différent"; par exemple, Johnson s'aventure dans le territoire de la World Music avec "Cruise The Nile" et "Tribute To Jerry Reed". Alors que le premier continue à démontrer l'évolution musicale de Johnson, le dernier renforce encore l'importance des influences originales de Johnson. Le guitariste invité Adrian Legg ajoute du piquant stylistique au côté Country de ce dernier morceau.
Les critiques négatives de "Venus Isle" semblent avoir affecté Eric du point de vue de la production. Au lieu d'aller de l'avant avec une vision unique, Johnson a poursuivi trois visions distinctes et les a fusionnées ensemble sur cet album. Il faut dire qu'Eric a une base de fans qui couvre de nombreux goûts, et c'est une chose très difficile à vivre. Le fait qu'il essaie de rendre tant de gens heureux est un crédit pour lui en tant qu'être humain. Ce disque semble être lié à des choses sur lesquelles il a travaillé pendant différentes périodes.
Le disque est divisé en trois sections chacune dans un style musical différent, dans le but de mettre en valeur la polyvalence de Johnson et, ainsi, seize chansons sont soigneusement regroupées en termes d'ambiance et de style: "Prelude" (pistes 1 à 6), "Courante" (pistes 7 à 12) et "Allemande" (pistes 13 à 16).
La première partie du CD intitulée "Prelude" est une collection de six airs Rock. D'après fa définition première, un 'Prelude' est une composition instrumentale destinée à introduire une plus grande composition ou un ensemble de compositions.
La section 'Prelude' est donc une "partie Rock" où toutes des compositions instrumentales à proprement parler introduisent en effet un plus grand nombre de compositions.
Parmi cinq instrumentaux est nichée une reprise de "My Back Pages" de Bob Dylan. Les instrumentaux couvrent un territoire largement exploré dans ses précédents albums. Bien que les bonnes vibrations abondent, il y a pourtant peu de note.
La section suivante, "Courante", est dominée par des pistes vocales, qu'Eric Johnson maîtrise toujours assez mal... Sa capacité à intégrer ses compétences de composition, la virtuosité instrumentale et la capacité vocale expressive se concrétisent cependant dans cette section. Il faut savoir qu'une 'Courante' est une danse baroque Française animée en triple mètre; la courante est aussi le deuxième numéro de l'ancienne Suites de Danses.
Cette section qui est une partie "Blues" aurait tout aussi bien pu s'appeler "du calme, voici quelques airs pour l'âme, peut-être qu'ils vont tout nettoyer l'esprit". Elle est plus représentative de ses efforts que l'on trouve sur "Venus Isle". Certaines pistes vocales et le Jazz Progressif ont influencé le phrasé dans les lignes mélodiques du travail de guitare.
"Courante" se compose de six morceaux: trois chansons et trois instrumentaux, chacun étant un 'joyau' de diversité, de nuance et de maîtrise: si la première section présente les compétences d'Eric en tant que compositeur Rock, "Courante" met en valeur ses talents de compositeur avec une gamme de motifs d'Extrême-Orient et d'instrumentation éclectique ("Sea Secret", et "Cruise the Nile"), de Country Picking sur un niveau complètement divin ("Tribute to Jerry Reed" qui met en scène le dynamique et magique Adrian Legg en invité) et trois chansons originales exemplaires qui montrent des facettes d'Eric dans une lumière claire où elles étaient à peine un aperçu alléchant avant.
Une "Allemande" est une danse en mètre double modéré apparut au début du XVIe siècle et fut fréquemment suivie d'une danse plus vive en triple mètre ou, au XVIIe siècle, par la courante. Au 17ème siècle, c'est devenu un type de danse stylisée qui a été régulièrement utilisé comme le premier mouvement d'une suite de danse. Ces Allemandes sont dans un temps 4/4 très modéré.
Cette dernière section semble suggérer une nouvelle direction plus profonde et plus inspirée que les autres.
C'est une partie "Jazz" qui clôt l'album avec quatre des compositions les plus sophistiquées jamais parues sur un disque d'Eric: la clé de l'application du terme musical comme troisième tempérament; c'est-à-dire éloquent, élégant, modéré.
En conclusion, ce disque riche en styles musicaux et pas aussi prévisible que le matériel précèdent d'Eric est peut-être un peu trop surproduit. Cela étant dit, la production est sans faille et le ton général est parfaitement propre, comme on pouvait s'y attendre.
C'est globalement un bon album très facile à écouter avec une collection intéressante de morceaux, et donc une partie nécessaire de toute collection d'Eric Johnson.
N.B.: L'album a été nominé pour un Grammy Award en 2006 dans la catégorie du meilleur album Pop Instrumental.


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Message par alcat01 » ven. 8 mars 2024 15:31

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Easy Listening Blues (1962)
"Easy Listening Blues" est le titre que le label Crown a utilisé pour cette collection entièrement instrumentale de 1962.
Juste avant de quitter Modern pour ABC, B.B. King avait fait beaucoup d'enregistrements que Modern a exploités pour produire des faces après son départ de la société, et certains pensent que ces morceaux ont été enregistrés à la fin de 1961 à la demande de Modern.
Comme une grande partie du plaisir d'écouter B.B. King est d'entendre sa voix et les chansons qu'il a écrites et interprétées, un album entièrement instrumental, même s'il est bien réalisé, donne l'impression qu'il manque quelque chose.
Et bien qu'il s'agisse d'un disque intéressant, il doit être considéré comme l'un de ses efforts les moins essentiels, les dix titres sonnant souvent comme des airs d'échauffement ou de remplissage générique de club de Blues, préparés à la hâte pour atteindre un quota.
Cela ne veut pas dire qu'il ne vaut rien car les morceaux sont agréables mais sans imagination, et le King joue avec son autorité habituelle, faisant des clins d'œil occasionnels à la mode des Twists Rock & Roll dans des morceaux comme "Night Long" et "Hully Gully Twist" (alias "Hully Gully").
Ce n'est surtout pas un indispensable!


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Message par alcat01 » ven. 8 mars 2024 17:51

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Muddy Waters 1960 - Muddy Waters Sings Big Bill
"Muddy Waters Sings Big Bill", l'album hommage de Waters à l'homme qui lui a permis de débuter sur le circuit de Chicago, ne ressemble pas vraiment à Broonzy, mais plutôt à une refonte virtuelle de ses chansons dans le style électrique de Chicago de Muddy. C'est sans doute la première fois que Waters et son groupe ont été enregistrés en stéréo.
Parmi les moments forts, citons les interprétations à haute tension de "When I Get to Drinkin'" et de "The Mopper's Blues", avec en prime un harmonica vraiment géniale de James Cotton.


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Message par alcat01 » ven. 8 mars 2024 19:52

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Deep Purple - 1984: Perfect Strangers
Les cinq musiciens de la Mark II se retrouvèrent pour la première fois en Avril 1984 aux États-Unis dans le Kentucky pour discuter de la reformation du groupe avant de se retrouver une semaine plus tard à New York dans le bureau de leur manager Bruce Payne pour officialiser le retour de Deep Purple.
"Perfect Strangers" sortit le 29 Octobre 1984. Il s'agissait du premier album studio de Deep Purple en neuf ans, et du premier avec la formation Mark II en onze ans.
L'album comprend les singles et les incontournables des concerts "Knockin' At Your Back Door" et "Perfect Strangers".
Pour l'anecdote, on peut noter que sur la chanson "Under The Gun", Blackmore termine son solo en jouant brièvement le thème principal de la première marche de "Pomp and Circumstance" d'Edward Elgar.
Une seule chanson du nouveau répertoire de Deep Purple, "Nobody's Home", était attribuée aux cinq membres du groupe. Gillan et Glover tentèrent de revenir aux crédits de composition tous pour un des enregistrements de 1970-73 de la formation Mk II, mais Blackmore tint bon. Ce n'est que lorsque Blackmore quittera définitivement le groupe en 1993 que la question sera finalement résolue.
Ce fut, dans les faits, l'album le plus réussi enregistré par la nouvelle formation Mark II car ce fut un succès, il se classa à la 5e place des Charts Britanniques et Français, à la première place en Suisse, à la 2e place en Allemagne et à la 17e place du Billboard 200 aux États-Unis.
L'album a cependant reçu des critiques mitigées.
A noter que "Perfect Strangers" n'a été que le deuxième album studio de Deep Purple à être certifié Platine aux États-Unis, après "Machine Head" en 1972.


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Message par alcat01 » sam. 9 mars 2024 10:12

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Airborne (1976)
Le dernier album de Curved Air avant la séparation du groupe fin 1976 est un opus quelque peu sous-estimé, un album qui ne peut peut-être pas tenir la chandelle des triomphes superlatifs de leurs trois premiers disques, mais qui reste un résumé solide de tout ce qui a rendu le groupe si important en premier lieu.
Avec les fondateurs Sonja Kristina et Darryl Way entourés de l'ancien bassiste de Greenslade Tony Reeves, du futur batteur de Police, Stewart Copeland et du guitariste Mick Jacques, "Airborne" démarre avec le délicieux "Desiree", la dernière véritable chance du groupe de restaurer ses anciennes gloires, et il atteint son apogée plus tard avec l'émouvant "Heaven (Never Seemed So Far Away".
Ces deux titres n'auraient pas dépareillé sur n'importe lequel des albums les plus appréciés du groupe. Le rocailleux "Touch of Tequila" est lui aussi un moment fort.
N.B.: Si la réinvention de "Baby Please Don't Go", un single non-album tiré des mêmes sessions, avait été ajoutée à "Airborne", ce simple album 'écoutable' aurait été transformé en quelque chose de bien plus grandiose.


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Message par alcat01 » sam. 9 mars 2024 11:00

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The Electric Flag: An American Music Band 1968
Buddy Miles, plutôt que Michael Bloomfield, était devenu 'de facto' le leader de The Electric Flag.
Cependant, malgré le départ de Bloomfield, il est déterminé à garder le groupe ensemble et l'Electric Flag enregistre un second album intitulé tout simplement "The Electric Flag". En dépit d'une montée jusqu'au numéro 76 dans les Charts, le disque ne peut pas masquer la tourmente intérieure que l'abus de drogues dures et les tensions internes ont créé et qui a conduit à la désintégration du groupe en 1969.
Bien qu'ils s'efforcent de continuer sous la direction de Miles, l'Electric Flag était effectivement terminé car les conflits de personnalité, des sensibilités musicales différentes, la mauvaise gestion du groupe, et des séries de problèmes de drogue ont accéléré la chute du groupe.
Bien que le groupe n'ait existé dans sa configuration originale que pendant moins d'un an, il avait fait une forte impression sur les critiques et les musiciens de l'époque, principalement dans la région de San Francisco où il était installé.
Il a été l'un des premiers groupes de Rock à inclure une section de cuivre comme le feront plus tard Blood, Sweat and Tears avec Al Kooper.


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Message par alcat01 » sam. 9 mars 2024 14:53

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2002 Will the Circle Be Unbroken, Volume III
Telle une comète qui revient périodiquement illuminer le ciel, la série "Will the Circle Be Unbroken" réussit à être prévisible et éclairante à la fois.
Une fois de plus, le Nitty Gritty Dirt Band attire une assemblée d'honorables invités. Certains d'entre eux sont familiers, mais les vétérans du premier volume se font plus rares: Doc Watson joue "I Am a Pilgrim" en hommage au regretté Merle Travis, qui avait interprété le même morceau lors de la session Circle de 1972. Jimmy Martin est également de retour, son débit galopant, presque sans fioritures, n'ayant pas été altéré par les années. Dans la suite de l'album de 1989, on retrouve Johnny Cash, dont la chanson "Tears in the Holston River" fait l'éloge de Maybelle Carter, sa belle-mère et l'âme du premier Circle.
De nouveaux visages remplacent ceux qui nous ont quittés: Willie Nelson est un ajout logique, même si son partenaire de duo, Tom Petty, semble mal à l'aise et maladroit sur "Goodnight, Irene". Emmylou Harris prend sa place dans ce panthéon, sa voix brisant les cœurs même en harmonie avec Matraca Berg sur "Oh, Cumberland". Aucune performance n'est plus remarquable que celle de Taj Mahal, dont la présence a une importance démographique et dont l'interprétation enjouée de "Fishin' Blues" vole presque la vedette. Mais Mahal contribue également à la seule ombre au tableau de l'album: Sur l'inévitable morceau-titre, lui et les autres solistes jouent avec une solennité qui supprime les énergies communautaires de la chanson.
L'enthousiasme de la communauté distinguait son interprétation sur le premier album, alors que là, les chanteurs, en particulier Alison Krauss, le transmettent, verset par verset, comme s'il s'agissait d'une porcelaine inestimable.
Cette musique est une affaire d'âme, pas de trépidation, et c'est donc tout à l'honneur de chacun que de tels moments soient rares ici.


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Message par alcat01 » sam. 9 mars 2024 16:29

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2010 : Up Close
"Up Close" d'Eric Johnson, paruen 2010, est sorti aux Etats-Unis le 7 Décembre 2010 chez Vortexan Music. Il s'agit du premier album studio qui a été enregistré entièrement dans le home studio d'Eric Johnson (Johnson a mis 15 ans pour le construire).
Le son de l'enregistrement ne semble pas aussi 'stérile' que les précédents albums studio et l'ajout de quelques invités comme Malford Milligan, Sonny Landreth, Steve Miller, Jimmie Vaughan, et Jonny Lang, ajoute vraiment à une ambiance plus lâche.
Tout au long des titres de ce disque, de la ballade Hendrixienne "A Change Has Come to Me" à l'espace boogie de "Fatdaddy", Johnson crée une autre addition digne de son catalogue déjà légendaire.
Bien que "Up Close" puisse difficilement être qualifié de spontané, il est souvent 'absent' de l'œuvre de Johnson, peut-être parce qu'il trafique les racines texanes du guitariste, ce qu'il souligne en ayant des chansons appelées "Texas" et "Austin".
Naturellement, cela signifie qu'il y a un tas de Blues sur cet opus qui trouve une place pour des petits bijoux joués (ou chantés) par Steve Miller, Jimmie Vaughan, Jonny Lang et Sonny Landreth.
Johnson aborde de nombreuses disciplines allant vers les adeptes du Blues, du Country, du Jazz, de l'acoustique et même de certains éléments progressifs avec un design global pour se sentir "live". Johnson est multi-tâches et il offre à l'auditeur un livre de sons de chansons.
Eric est célèbre pour son perfectionnisme, mais il présente la musique la plus spontanée et révélatrice de sa carrière sur "Up Close".
L'album a été enregistré dans sa ville natale d'Austin avec Richard Mullen, ingénieur et coproducteur de longue date, ainsi que le noyau dur des musiciens avec lesquels il a travaillé au fil des années (C. Roscoe Beck à la basse, les batteurs Tommy Taylor et Barry "Frosty" Smith et le claviériste Red Young).
L'album est presque une répartition égale de chansons vocales (Johnson en chante trois) et instrumentaux, et il comporte des apparitions des guitaristes Sonny Landreth et Jimmie Vaughan, avec des chants de Jonny Lang, Malford Milligan et le Joker lui-même, Steve Miller.
Le cœur et l'âme de "Up Close" peuvent être entendus dans les compositions originales de Johnson. Elles sont parmi ses plus profondément personnelles à ce jour, inspirées par l'introspection, l'épiphanie et l'affection pour les amis et les membres de la famille.
Les caractéristiques immédiates et les plus frappantes de chaque morceau sont la musicalité et la mélodie qui entourent chaque morceau, que ce soit sur les instrumentaux d'Eric ou les chansons les plus traditionnelles. Il est clair à quel point il est talentueux guitariste mais ce qui le différencie, c'est que la capacité technique est toujours là pour améliorer la chanson.
Le CD est programmé pour couler sereinement d'une piste à l'autre avec des morceaux qui se chevauchent et des interludes, donc la déconstruction de l'album en tant que pistes téléchargées séparées ne peut certainement que nuire à l'expérience.
Une fois de plus Eric a réussi à atteindre l'ultime: un album que les guitaristes et les mélomanes apprécieront et aimeront pour faire partie de leur collection. Pour la magie de la guitare cosmique pure, il y a un trio de paysages sonores audacieux, "Awaken", "Traverse" et “The Sea and the Mountain", initialement coupé en un seul morceau continu, mais plus tard divisé en trois parties bien distinctes.
Un des points culminants de l'album est un morceau nommé "Texas", un super Blues vintage d'Electric Flag signé Buddy Miles / Mike Bloomfield. C'est un bon exemple de Blues mi-lent fantastique et très agréable où Johnson montre ses aptitudes 'Clapton / Bloomfield' aux côtés de Steve Miller et de son ami de longue date d'Austin, Jimmie Vaughan, frère de Stevie Ray. Eric prouve qu'il peut jouer du Blues avec les meilleurs, et jeter beaucoup d'idées musicales intéressantes, dans le contexte de son impressionnant travail de guitare. Johnson, Miller et Vaughan cassent littéralement la baraque sur cette reprise rauque avec la grande voix de Miller invité comme chanteur et la méchante guitare de Jimmie, des Fabulous Thunderbirds, et les deux guitaristes texans font une belle étude des contrastes. La juxtaposition des solos du duo montre à quel point chaque guitariste est unique et confortable dans son style, pas très éloignée d'une lente performance de Stevie Ray.
Mais la star de l'album est le superbe instrumental "Vortexan", un conglomérat rocailleux, bluesy, rocky qui semble capturer Johnson et sa guitare à son meilleur. Sa beauté discrète est une variante de Boogie athlétique mais sonne toujours pur Johnson. Il a une certaine atmosphère sudiste, bluesy qui fait penser à ZZ Top sans les voix. C'est un changement majeur de direction qui sera sans aucun doute un point culminant en live.


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Message par alcat01 » sam. 9 mars 2024 18:04

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B.B. King - B.B. King (1963)
Dans le cadre d'un exercice de discordance discographique, "The Soul of B.B. King" n'était qu'une version re-titrée d'un album de B.B. King sorti précédemment sur le label Crown, "B.B. King". Pour compliquer encore les choses, "The Soul of B.B. King" est sorti à la fois sur les labels United et Custom (qui étaient tous deux, comme Crown, des labels budgétaires de la société Modern Records).
En gros, lorsque B.B. King a quitté l'écurie Modern Records au début des années 60, Modern s'est empressé de sortir des morceaux de King sur son propre label, dans le cadre de nombreuses compilations. L'album "B.B. King", au titre peu imaginatif, est l'une de ces compilations, parue sur le label Crown en 1963.
Les dix titres sont un méli-mélo de sessions s'étalant du début des années 50 au début des années 60, aucune des chansons n'étant parmi les plus familières de King. Cependant, malgré sa nature d'exploitation (et sa brièveté), il n'est pas du tout mauvais à écouter. Les sélections comprennent de vrais morceaux durs et swinguants avec orgue et cuivres, même si certains titres (comme "You Won't Listen" et "Shake Yours") souffrent d'une distorsion sévère dans les aigus qui aurait dû être évitée lors de l'enregistrement original. Dans un style différent, "Boogie Rock (aka House Rocker)" (une prise alternative d'un single de 1955) est un instrumental fumant. Cet album a été réédité plus tard sous un autre titre, The Soul of B.B. King, à la fois sur les labels United et Custom.
On peut aussi le trouver sous le titre "Going Home"!...


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