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Dream Police 1990
Peu de temps après sa formation, DREAM POLICE a eu la chance de décrocher un contrat chez Columbia et a enregistré son premier album sous la houlette du producteur Robert Opsahl-Engen. L’album en question, sans titre, a vu le jour en 1990, à une époque où les sorties d’albums estampillés Hard Rock étaient fort nombreuses.

C'est bon ça Un petit côté Van Halen que j'aime bien . Je ne connaissais pas jolie découverte que les deux albums du groupe.

Je l'ai aussi!

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Après ses deux albums clairement étiquetés Rock Sudiste, le son de Point Blank est contraint, par la force des choses, de s'orienter vers un Hard Rock de plus en plus 'FMisant' au début des années 1980 (à l'instar du groupe Molly Hatchet) à des fins d'audience.
Leurs atouts, outre une rythmique imperturbable, se trouvent dans un remarquable duo de guitaristes (Kim Davis et Rusty Burns) produisant d'épineuses parties de guitares, souvent en harmonie à la manière de Wishbone Ash ou de Thin Lizzy, et dans l'exceptionnelle voix de Johnny O'Daniel.
La relation de Point Blank avec Arista Records avait pris fin après l'album "Second Coming", mais ils furent bientôt signé par MCA et le groupe publia "Airplay", en 1979, qui comprend un classique du rock sudiste, "Mean to Your Queenie".
Ce troisième opus présente le claviériste Steve Hardin et le nouveau bassiste Bill Randolph et le groupe vire alors dans un sens plus AOR.
Point Blank faisait partie intégrante de la vague de groupes du Sud qui est apparu dans la fin des années 70 et "Airplay" en est un exemple solide.
Ils avaient surtout besoin d'autre chose à partir de leur troisième album, d'un "temps d'antenne" à la radio afin qu'ils puissent enfin obtenir un certain succès. C'est certainement la raison pour laquelle l'album s'intitule "Airplay".
Même si leurs motivations ne sont pas aussi clairement grossières et commerciales, il n'y a guère de doute que l'accent est mis sur les résultats d'"Airplay" dans un bond en avant, après leurs débuts plutôt ratés.

Cet album est bourré de Hard Rock Boogie, avec d'énornes riffs de Rock and Roll avec un peu de Blues jetés en pâture pour faire bonne mesure.
"Mean to your Queenie", un Hard Rock Boogie a été une chanson bâtie par la radio dans le Sud et elle doit même l'être encore. John O'Daniel possède toujours une grande et superbe voix et Rusty Burns, à la guitare, ajoute une musique tout à fait flamboyante...
Le reste de l'album est indéniablement brillant, avec d'autres excellents morceaux tels que "Danger Zone", "Penthouse Pauper" ou "Louisiana Leg".
C'est un choc après leurs deux premiers albums, grâce à la cohérence de la production.
Même si "Airplay" est un bijou d'album Rock, si l'on aime creuser profondément dans ce style Hard Rock de la fin des années 70, on s'aperçoit qu'il y a beaucoup de claviers et de chaudes guitares distordues et ils présentent des sons assez différents, et pas seulement du Boogie, mais aussi des ballades ("Shine On" est particulièrement bonne) et des Southern Rocks.
Un pas dans la bonne direction, alors, et facilement l'un des meilleurs enregistrements de cette formation de Rock du Texas oublié.

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"One More Road" de Pentangle est sorti en 1993. Peut-être pas aussi révolutionnaire que leur matériel d'antan, il vaut largement l'écoute. La performance vocale de Jacqui McShee sur ce disque est tout simplement à couper le souffle, en particulier sur "Willy Of Winsbury".

Les musiciens de Pentangle sont tout simplement de vieux amis et la combinaison de la voix magnifique de Jacqui McShee avec le jeu agile de la guitare de Bert Jansch est enivrante.
Cet album est un des plus beaux que Pentangle ait enregistré depuis sa reformation dans le milieu des années 1980.
Les morceaux traditionnels, dont les "Oxford City", "The Lily of the West", et le magnifique "Willy O' Winsbury", sont fascinants. Le groupe offre également quelques jolis originaux, en particulier "Hey, Hey Soldier". La musicalité et la production sont tout simplement remarquables.
Le mélange de la voix parfaite de Jacqui McShee et de celle, plus gutturale de Bert Jansch rend attractif l'ensemble.
D'autre part, le chant de Peter Kirtleys dévoile également son charisme tranquille.
Derrière tout cela, on découvre quelques pincées de guitare acoustique, une basse quelque peu sous-utilisée, un piano occasionnel et un goût pour l'harmonie jusque dans le besoin de la batterie.
On ressent cependant beaucoup de joie dans la mélodie et l'interaction avec elle.

Le résultat est un beau et agréable tapis sonore...

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Le premier album de Dave Edmunds, Rockpile, a établi son son - non seulement ses tendances revivalistes, mais aussi sa méthode consistant à recréer méticuleusement le son et le style des premiers disques classiques de rock & roll, de R&B et de country.
Edmunds joue de presque tous les instruments sur l'album, le bassiste John Williams étant le seul collaborateur à plein temps. En conséquence, le disque ne sonne pas "live", il a une qualité pincée et précise qui peut contredire la spontanéité qui était au cœur des singles originaux, mais il offre une qualité d'un autre monde qui rend le disque distinctif.
Prenez le tube "I Hear You Knocking", qui a un rythme mécanique et une voix bizarre, déphasée, qui peut être considérée comme une interprétation originale, contrairement à sa reprise de "The Promised Land" de Chuck Berry, qui souffre de la rigidité du rythme. Pourtant, les meilleurs moments de Rockpile proviennent de chansons telles que "Down, Down, Down", une perle obscure qui parvient à recréer non seulement le son, mais aussi le sentiment du rock & roll classique, peut-être parce qu'Edmunds ne s'est pas soucié de recréer l'un de ses singles préférés.

Stephen Thomas Erlewine

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EMI avait réservé un studio pour seulement deux jours et les musiciens de Cargo purent enregistrer ce qu'ils voulaient. Ils avaient décidé de jouer 'live in the studio' comme si c'était une performance en public, et ils ne se sont pas restreints mutuellement dans les improvisations qu'ils ont jouées.
Cargo avait vraiment beaucoup à offrir aux amateurs de Psyché Prog Hard Rock:
Avec un bon son et une production Hard Rock des plus stables et quatre pistes longues avec des thèmes accrocheurs et de longues sections instrumentales, cet album est très bon de bout en bout, sans, pourtant,ne jamais atteindre un zénith.
Le disque contient du très bon Heavy Prog sur lequel des couches de guitare des frères De Hont s'entrelacent avec des sons funky et psychédéliques. On entend des ambiances spatiales alterner avec des sections plus Heavy et rythmées, suivant le style Hard Rock classique tout en conservant un degré d'originalité raisonnable.
Juste une écoute régulière et un excellent son Rock des années 70 avec quelques saveurs psychédéliques, mais jamais à consonance étrange, une utilisation bien fondée des effets expérimentaux.

La musique développée est un Hard Rock plutôt séduisant avec une attaque de tueur à la guitare en duo un peu dans la lignée de Wishbone Ash. Quel contraste frappant avec la restriction de durée d'exécution de trois minutes instituée sur les singles de September, l'album était composé de quatre longs morceaux car Cargo était un groupe de Rock qui aimait développer sa musique jusqu'à la limite de la jam.
De longs morceaux donnant au groupe beaucoup de temps pour jammer et qui font penser à deux groupes, Wishbone Ash et Satin Whale... Mélodique, agréable, telle est la sensation de bien-être commune à ces formations avec les guitares en tête.
Ces chansons sont un excellent exemple du Rock des années 70, rempli de jam, avec une touche européenne parfaitement notable.
Willem De Vries fournit de beaux vocaux même si la plupart du temps, ces chansons sont remplies de solos de guitares qui sont le principal vecteur de cet album.
Les guitares en duel et le travail de basse agréable gardent les longues chansons intéressantes. Les deux frères De Hont jouent des lignes de guitare délicieusement longues et coopératives qui s'entrelacent magnifiquement, preuve de leur confiance mutuelle et de leur superbe entente de longue date.

L'album s'ouvre sur un excellent morceau, "Sail Inside" qui s'étale sur près de onze minutes. Les guitares des frères de Hont explorent l'univers sonique aidé par de subtiles doses d'écho et de wah wah comme Cream sur "Tales Of Brave Ulysse ", tandis que de Vries et Whitbread tiennent le rythme et le contrôlent. Ajoutez la douce voix de De Vries et la mélodie envoûtante emportent votre esprit, toute perspective du temps disparaître.
"Cross Talking" suit, avec De Vries et Whitbread ouvrant doucement la porte, préparant le terrain pour les échanges de guitare des frères de Honts qui donnent à la chanson son titre, le son délicat des notes de leurs guitares remplissant l'air. Il s'agit des deux guitares qui parlent et se répondent. C'est vraiment incroyablement accrocheur avec un excellent travail de la batterie. La prouesse instrumentale du quatuor est exposée.
Sur la deuxième face, les vocaux de "Finding Out" et "Summerfair" sont étonnamment bien placées.
Le morceau le plus court, "Finding Out", ouvre la deuxième face de l'album. L'ambience musicale remplit l'air alors que la basse et la voix de de Vries donnent le ton. Les guitares vont et viennent avec Whitbread battant le rythme. Les cinq minutes de la chanson sont écoulées avant même de penser à vérifier sa durée d'exécution. Rétrospectivement, cette piste illustre la polyvalence du groupe et on se demande ce qui aurait pu se passer si le quatuor avait continué. C'est toujours intéressant cependant avec la basse et les guitares proéminentes.
L'album se termine avec le tour de force du groupe, un morceau de plus d'une quinzaine de minutes intitulé "Summerfair" qui surpasse un peu le reste. Il s'ouvre sur les guitares de Honts qui emmènent l'auditeur dans une course, puis change de rythme alors que la voix de de Vries entre subtilement dans le mixage. Comme pour Spirit à son apogée, les guitares vous prennent par la main et le chant vous guide doucement. La section rythmique s'adapte si parfaitement qu'elle passe presque inaperçue car les guitares vous hypnotisent. Les changements de tempo et les niveaux de volume se produisent pour changer l'ambiance, mais les guitares sont votre guide avec la voix de de Vries qui rappelle le début des années 70 devenant un instrument pour modifier le paysage sonore, les notes et non les paroles étant sa raison d'être.

L'ambiance constante et inébranlable du disque est aussi l'une de ses vertus. C'est assez agréable à écouter, peut-être même relaxant. Peut-être que ce joyau est génial simplement en raison de son manque de vision qui change le monde.
Cet album est très bon, il n'y a aucun défaut si ce n'est que c'est un album unique avec un travail de guitare très excitant des frères De Hont qui avaient certainement appris à travailler ensemble assez tôt dans leurs vies, on peut l'entendre. Leur interaction est vraiment délicieuse et ils n'essaient pas de surpasser l'autre.
Dans l'ensemble, un exemple exceptionnel d'un grand groupe, avec beaucoup de potentiel qui n'a jamais eu la chance qu'il aurait mérité. Recommandé pour ceux qui aiment le Heavy Rock des années 70, mais avec une saveur européenne légèrement différente. Un must pour les fans de musique mélodique entraînée par la guitare.

Quand le disque est sorti en 1972 sur la filiale d'EMI, Harvest. Comme prévu, ils n'ont mis que "Cargo" sur la pochette. Mais malheureusement, les médias ne sont jamais devenus curieux et l'album ne s'est pas beaucoup vendu.
Il est vraiment dommage que leur maison de disques n'ait pas fait trop la promotion ce disque car si un album devait se vendre à gros tirage, c'était bien celui-ci.
Ni la qualité de la musique ni le plan marketing du manager du groupe se sont avérés être un succès commercial, l'album ne se vendant qu'à 1500 exemplaires.

Le groupe a, alors, rompu avec leur manager van Setten, et après un certain temps, il s'est séparé.

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Domino Effect
Alors que "Lipservice" marquait la volonté de Gotthard de revenir à un hard FM plus musclé, le nouveau venu vient enfoncer le clou. Il confirme ainsi que l’arrivée de Freddy Scherer et le passage chez Nuclear Blast ont redonné le goût du riff métallique à nos amis suisses, sans pour autant leur enlever leur incontournable sens de la mélodie.
"Domino Effect" n’est pourtant pas aussi facile d’accès que la plupart de ses prédécesseurs, même si certains refrains s’installent rapidement dans la mémoire. L’ambiance est plus sombre, plus sérieuse, sans pour autant tomber dans l’ennui ou la déprime. Le groupe semble atteindre sa maturité tel un grand vin et maîtrise désormais l’ensemble de sa musique, le guitariste Léo Léoni endossant également le rôle de producteur.
Gotthard a donc délaissé l’Aor pour redevenir un groupe de hard-rock à part entière, même si les ballades font toujours partie de son identité. Elles sont 5 à prendre place sur cet album, soit le 1/3 des morceaux. Nous sommes pourtant loin de la mièvrerie et Steve Lee nous ensorcelle avec sa voix magique, comme sur 'Falling' dans lequel violon et piano viennent se poser avec délicatesse sur un roulement de tambour aux allures militaires, avant une montée en puissance gorgée d’émotion. Le mid-tempo 'The Call' ou le semi-acoustique 'Tomorrow's Just Begun' évoluent dans un registre assez bonjovien, alors que 'Where Is Love When It’s Gone' nous enveloppe avec un nappage d’accordéon. Enfin, Lee module merveilleusement sa voix sur 'Letter To A Friend' qui démarre dans un style légèrement country où le timbre se fait éraillé avant une montée en intensité déchirante.
Au delà de ces ballades, "Domino Effect" est avant tout un album de hard-rock d’une efficacité redoutable. Dès les premières secondes, l’instantané 'Master Of Illusion'au refrain efficace, 'Gone Too Far' avec son riff à la Kamelot, et 'Domino Effect' et son atmosphère sombre et envoûtante, plantent le décor. Gotthard est au sommet de sa forme et ne laissera aucune baisse de régime entacher sa performance. Portés par une rythmique sans faiblesse, ni superflus, les titres s’enchaînent avec une efficacité redoutable. 'The Oscar Goes To…' est probablement le titre le moins sombre et n’est pas sans rappeler les hits du précédent album ('Anytime Anywhere' ou 'Lift U Up'), ce qui n’enlève rien à sa qualité. 'The Cuiser (Judgement Day)' démontre le sens de l’accroche imparable dont Léoni & Co. sont coutumiers, alors que 'Heal Me' démarre sur un riff à la 'Ballbreaker' d’AC/DC sur fond de basse ronronnante.
L’enchaînement 'Come Alive' - 'Bad To The Bone' est peut-être le passage le plus surprenant de l’album, le premier de part ses relents fusion et le second où Steve Lee nous sert une prestation digne de David Coverdale sur fond de solo à la talk-box et riffs puissants dignes du grand serpent blanc. Enfin le sombre et dynamique 'Now' où la basse est à nouveau mise en valeur, et le très rock’n’roll 'Can’t Be The Real Thing' au riff digne de 'La Grange' des trois barbus texans viennent compléter ces 15 titres. Une petite question se pose cependant : étant donné la présence importante et stratégique des claviers tout au long de cet album, pourquoi ne pas faire de Nicolo Fragile, un membre à part entière du groupe, d’autant que sa prestation est d’une qualité rare ?

Varié et profond, "Domino Effect" est donc armé pour devenir un classique du hard-rock et s’impose sans contestation possible comme une des meilleures sorties de l’année 2007. Les 5 Suisses ont donc placé la barre très haute et ils vont devoir maintenant faire preuve de tout leur talent et de leur nouvelle maturité pour réussir à se maintenir à un tel niveau.
musicwaves

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Quand ARS retourne en studio pour enregistrer son prochain album, "Quinella", il y a encore de la pression pour arriver au succès.
Et pourtant, alors que cet opus ne correspond également pas, non plus, aux ventes antérieures, musicalement il n'est pas loin d'être l'un de leurs top albums.
En effet, "Quinella", l'enregistrement suivant de l'ARS, est considèré comme l'un de leurs meilleurs.
Une partie du public qui a aidé le groupe à atteindre le cap de leur popularité a évolué, et il a raté cela car le groupe continue de faire de la 'grande' musique.
Paru en 1981, cet album commence en rockant plus dur que sur les deux précèdents albums et ensuite, la transition vers une plus grande musique Pop, avec une influence Country And Western occasionnelle, que le groupe avait peaufiné au cours des deux derniers albums.

C'est un autre album classique.
Le single qui en est tiré avec la chanson "Alien" rentre dans le Top 30 aux États Unis.

[alcat01]

Dave Swarbrick, ayant fait une contribution majeure à "Liege and Lief", avait désormais rejoint Fairport Convention en tant que membre à part entière, mais il y avait des désaccords sur la direction du groupe dans la foulée de ce succès.
Peu de temps après la sortie de l'album, Ashley Hutchings voulant explorer un matériel plus traditionnel quitta le groupe pour former (parmi de nombreux projets) sans doute les deux seuls groupes qui pourront rivaliser véritablement avec Fairport Convention dans le Folk Rock Anglais, c'est à dire Steeleye Span et the Albion Band.
Sandy Denny part également pour fonder son propre groupe Fotheringay.
Dave Pegg prend alors la basse et c'est une constante du groupe depuis, dans une adhésion de membres ininterrompue de plus de trois décennies.
Le groupe ne fait aucune tentative sérieuse pour remplacer Sandy, et, bien qu'elle reviendra brièvement, le son du groupe sera désormais caractérisé par des voix uniquement masculines.

Malgré ces changements importants, le groupe produit un autre album, "Full House", en 1970, qui a été un succès remarquable en tant que projet. Comme son prédécesseur, il combinait des chansons traditionnelles, dont une interprétation puissante de "Sir Patrick Spens", avec des compositions originales. Ce dernier bénéficie de la collaboration d'écriture de Thompson et Swarbrick, le plus évident sur "Walk Awhile" qui deviendra un morceau très demandé en concert.
"Full House" est donc leur premier album sans aucune chanteuse. Malgré la perte de Denny, le groupe posséde encore quatre chanteurs, avec les voix émergentes de Nicol et Swarbrick, dont les tons vont dominer le son de cette période. Il a été favorablement examiné en Grande-Bretagne et en Amérique, les comparant avec the Band dans Rolling Stone Magazine qui a déclaré que "Fairport Convention est meilleur que jamais".
La même année, le groupe a sorti un single, "Now Be Thankful", et a fait ses débuts Américains, en tournée avec Traffic et Crosby, Stills, Nash and Young.
Comme leur précédent album, "Liege & Lief", avait réinterprété un certain nombre d'airs folkloriques traditionnels, "Full House" le fait aussi. Beaucoup ont été réunis en deux medleys, "Dirty Linen" et "Flatback Caper". L'album présente également le morceau de neuf minutes "Sloth", qui est resté une partie intégrante du set live du groupe pendant de nombreuses années.
Allmusic décrit d'ailleurs l'album comme "en fait, plus viscéralement excitant que son prédécesseur, s'il n'est pas tout à fait aussi important que ce disque".
"Full House" est entré dans les Charts albums Britanniques le 18 Juillet 1970, où il est resté pendant onze semaines, avec un sommet au numéro 13.
Un rédacteur du magazine Rolling Stone a également été très enthousiaste, décrivant l'album comme "... un équivalent Anglais à the Band ... ils ont absorbé assez de la tradition de leurs Country Folk qu'il commence à montrer partout, alors qu'ils conservent leurs racines dans le Rock ".

[nunu]

Dernier album avec Thompson qui quittera le groupe début 71 pour se lancer en solo.

[Punker paname]

Le premier album de Dave Edmunds, Rockpile

De lui je n'aie hélas que le Dave Edmunds Information Arista 1983 un foutu bon Lp de Rock par contre je ne connait rien d'un de ses premiers groupes les Love Sculpture

non seulement ses tendances revivalistes, mais aussi sa méthode consistant à recréer méticuleusement le son et le style des premiers disques classiques de rock & roll, de R&B et de country.

Personnellement je compare souvent son jeu et ses sons de guitare à celui d'un Wilko Johnson et des Flamin Groovies des tous débuts

Sans oublier toutes ses productions de Lp comme ceux Brinsley Schwarz, Ducks Deluxe, Flamin' Groovies, ou encore Foghat , et son fantastique boulot avec Nick Lowe avec Rockpile

[alcat01]

En 1980, Point Blank sort "The Hard Way", un album moitié live, moitié studio, avec Karl Berke qui remplace Hardin aux claviers et dans ce disque figure une version superbe live de "Highway Star" de Deep Purple.
En quatre ans de galères diverses, Point Blank a eu le temps de se forger un véritable gang de fanatiques prêts à tout, et le groupe jouit d'une grosse réputation chez les alumés du Deep South.
En 1980, le sort en est jeté, et tous les groupes de "Rock Sudistes" retombent petit à petit dans l'anonymat.
Point Blank n'est pourtant pas encore prêt à baisser pavillon et proclame même, par l'intermédiaire de cet album absolument torride qu'il ne veut pas rendre les armes.
Ce disque est pourtant un véritable chant du cygne avec un mélange de tous les styles et de toutes les qualités qu'a su rassembler le groupe depuis ses débuts.
Le combo frappe effectivement encore dur et fort avec "The Hard Way" qui prouve que Point Blank est un sacré groupe de tueurs et que l'essence même qui l'anime n'a rien à envier aux groupes Heavy Anglais de cette époque.
Le gang de Rusty Burns s'engage volontairement dans le contingent Hard Rock du moment. Voir la fulgurante reprise de "Highway Star" de Deep Purple qui figure sur ce disque. Il faut 'jeter' une oreille curieuse sur l'adaptation Sudiste de ce Hit de Purple. Le chorus de Blackmore est reproduit entièrement, mais avec deux guitares, ce qui rend le morceau encore plus intéressant.
Outre cette reprise enregistrée en live, se trouve deux autres titres en public: "Thank You Mama", un Boogie des plus swingants et "Wrong To Cry", un Blues tout ce qu'il y a de plus traditionnel.
Mais les deux petits bijoux de ce disque s'appellent "On The Run" et "Guessing Game", deux superbes morceaux où le travail de la voix d'O'Daniel, beaucoup trop ignorée, touche au sublime.
Signalons pour terminer la présence de trois petites balles traçantes, telles que sait si bien les concevoir le groupe: "Turning Back", "The Hard Way" et "Rock'N'Roll Soldier", tout un catalogue de l'arsenal Texan, tempo graisseux à souhait, ça craque comme un retour à l'allumage, 'équipée sauvage' ou 'long riders', vous avez le choix. Cette fois encore, Point Blank a forgé un chef-d'oeuvre implanté dans le Rock Sudiste.

[alcat01]

Il s'agit plus ou moins d'un disque Rockpile avec des airs d'Elvis Costello, Graham Parker et Hughie Lewis.
L'idée d'un album de Dave Edmunds sans une seule chanson écrite par l'homme lui-même peut sembler légère, mais Repeat When Necessary n'est pas une dérobade. Edmunds est essentiellement un artiste de reprises (ce que le titre et la pochette de l'album mettent en évidence) qui met l'accent sur la qualité plutôt que sur l'originalité. C'est un guitariste et un producteur doué, et un admirateur inconditionnel du rockabilly qui peut prendre une chanson de Ronnie Self vieille de 20 ans ("Home In My Hand") ou une nouvelle chanson de Billy Bremner ("We Were Both Wrong") et les faire appartenir au même moment musical.
L'album est remarquable parmi les aficionados de la new wave pour le trio de titres d'ouverture : Girls Talk d'Elvis Costello, Crawling From The Wreckage de Graham Parker et The Creature From The Black Lagoon de Bremner, cette dernière ressemblant à une chanson perdue de Squeeze. On y trouve également les premières versions enregistrées de "Queen of Hearts" (popularisée plus tard par Juice Newton) et de "Bad Is Bad" de Hughie (Huey) Lewis. Avec le reste du groupe Rockpile (Bremner, Nick Lowe, Terry Williams), Repeat When Necessary s'en tient au rockabilly pour le reste du chemin, y compris une version endiablée de "Sweet Little Lisa" avec le sensationnel Albert Lee à la guitare.
Tout au long de l'album, Edmunds modifie sa voix pour s'adapter au matériel et applique la même production minutieuse ; la version Spector de "Take Me For A Little While" est un moment fort.
Comme Get It avant lui, Repeat When Necessary est un ajout indispensable à toute collection d'Edmunds (et un compagnon approprié à Labour of Lust de Lowe, sorti un jour plus tard).

Dave Connolly

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Le premier album de Dave Edmunds, Rockpile

De lui je n'aie hélas que le Dave Edmunds Information Arista 1983 un foutu bon Lp de Rock par contre je ne connait rien d'un de ses premiers groupes les Love Sculpture

non seulement ses tendances revivalistes, mais aussi sa méthode consistant à recréer méticuleusement le son et le style des premiers disques classiques de rock & roll, de R&B et de country.

Personnellement je compare souvent son jeu et ses sons de guitare à celui d'un Wilko Johnson et des Flamin Groovies des tous débuts

Sans oublier toutes ses productions de Lp comme ceux Brinsley Schwarz, Ducks Deluxe, Flamin' Groovies, ou encore Foghat , et son fantastique boulot avec Nick Lowe avec Rockpile

Etrangement, je n'ai pas d'autres de ses albums, à part "Repeat When Necessary"...

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1971 : Fearless
Après que Family ait terminé sa deuxième tournée aux États-Unis au milieu de l'année 1971, le groupe doit à nouveau faire face à des changements de personnel. John Weider (basse) est remplacé par John Wetton (basse/guitare/voix) juste à temps pour participer à Fearless, leur sixième long-player en quatre ans.
Les auditeurs qui avaient apprécié leurs derniers disques ont pu être un peu déconcertés en découvrant ce disque, car la direction du combo a été sensiblement modifiée. Wetton a apporté son style de performance propulsif, qui est immédiatement évident sur le lourd midtempo d'ouverture, "Between Blue and Me". Charlie Whitney (guitare/mandoline/percussion) présente des cordes expressives qui se faufilent entre les bombes de fond de Wetton. Le résolument anglais "Sat'd'y Barfly" rappelle l'ambiance enivrée de morceaux plus légers à la Faces, et les Ladbroke Horns ne font pas grand-chose pour aider, alors qu'un tuba proéminent fait avancer le rythme. Le piano de Poli Palmer (claviers/vibes/flûte/percussion) évoque un environnement de bar tout en assurant la cohésion du morceau. Comme si la juxtaposition de ces morceaux n'était pas assez incongrue, le morceau "Larf and Sing", légèrement décalé et trippant, présente un rythme de fond de quatre sur le plancher qui n'est antérieur au disco que dans la chronologie. Il s'arrête pour un refrain a cappella jazzy qui pourrait facilement être exécuté par les Hi-Lo's ou les Four Freshmen. La wah-wah de Whitney est également un point focal car elle se faufile entre les couplets. Un autre des meilleurs morceaux de l'album est le medley "Spanish Tide"/"Save Some for Thee'". La combinaison du chant puissant de Roger Chapman et du timbre de voix robuste de Wetton est mise en valeur. Le duo brille sur la mélodie complexe, rendue vivante par un mixage bien équilibré de frettes acoustiques de Whitney. Sur le rock funky "Take Your Partners", les membres du groupe manœuvrent leur interaction avec une aptitude et une compétence qui surpasseraient sans doute n'importe quel groupe de jams de l'époque. La sinueuse "Burning Bridges" conclut Fearless, avec un lead de Chapman qui est presque inconfortable dans son sentiment palpable de pressentiment. La mandoline en sourdine de Whitney a également une qualité ruminative obsédante, car elle danse et semble se moquer du tempo frémissant.
Bien qu'inégal, Fearless est le premier des deux titres de Family à avoir un impact aux États-Unis, où il culmine à un modeste numéro 177 en février 1972.

Lindsay Planer

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"Live 1994" de Pentangle est publié en 1995.
Le line-up Bert Jansch, Jacqui McShee, Peter Kirtley, Nigel Portman-Smith et Gerry Conway complète sa tournée finale en Mars–Avril 1995, après le départ de Jansch poue poursuivre sa cattière solo, notamment sa résidence au 12 Bar Club de Denmark Street à Londres.

"Live 1994" est un album techniquement époustouflant par moments et il est important car Pentangle a rarement publié des disques en live.
"Bramble Briar" flotte sur un bel enchevêtrement de guitares entrelacées, l'instrumental "Kingfisher" est injecté de Blues-Jazz et "Sally Free And Easy" est d'une élégante langueur Folk Rock, avec les voix contrastées de Jansch et de McShee qui s'enlacent avant que Kirtley ne prenne les choses en main avec un brillant solo apparemment proche de Robert Cray.
Une grande partie du reste, respire un esprit de corps absent des albums studio et, comme le chant du cygne ostensible du groupe, cela fournit un témoignage plus approprié de ce qui était, même en 1994, une institution musicale Britannique durable.

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Richard Thompson ayant quitté Fairport Convention pour une carrière solo peu après la sortie du dernier album du groupe, Simon Nicol reste le seul et unique membre original de Fairport Convention et Dave Swarbrick émerge comme la force dirigeante dans le groupe.
En 1970, les membres et leurs familles avaient emménagé dans 'The Angel', un ancien pub à Little Hadham, dans le Hertfordshire, où le groupe vivait dans le temps.
Cela leur inspira leur prochain album, "Angel Delight", publié en1971, le premier du groupe à marcher un peu aux États Unis, atteignant son sommet au numéro 200 du Billboard 200 et leur seul Top Ten au Royaume Uni.

"Angel Delight" est donc leur premier opus sans le guitariste Richard Thompson, et le line up est composé de Simon Nicol (guitare, chant), Dave Swarbrick (violon, chant), Dave Pegg (basse, chant), et Dave Mattacks (batterie).
Le titre éponyme est autobiographique, se référant à "John the Wood" (le co-producteur), "Dave the Drum" (Mattacks), et même les détails comme "peer through the haze watching Top Of The Pops" ("par les pairs à travers la brume regarder Top Of The Pops"). Le groupe a quitté The Angel peu après la sortie de l'album, en partie parce qu'un camion, hors de contrôle, avait percuté la chambre de Dave Swarbrick.

Musicalement, "Angel Delight" a peu évolué par rapport à ses prédécesseurs, mais une apparition sur "Top of the Pops" en promotion de l'album contribue à sa réussite dans les Charts et il atteint le numéro 8 dans les UK Album Chart, ce qui en fait l'album du groupe le plus élevé dans les Charts au Royaume Uni.

[alcat01]

Le premier album éponyme de DREAM POLICE, sorti en 1990, n’a pas laissé totalement indifférent. En Norvège, l’album en question s’est vendu correctement et, quelque part, c’est un privilège dont peu de groupes ayant sorti leur premier album peuvent s’enorgueillir. Dans le style Big-Rock/Hard bluesy, cet album avait ses bons côtés, mais n’était pas non plus excitant.

DREAM POLICE, sans perdre de temps, entre en studio pour enregistrer son second album et renouvelle sa confiance au producteur Robert Opsahl-Engen. Le second album de DREAM POLICE a pour titre Messing With The Blues et sort au cours du dernier trimestre de l’année 1991.
D’après son intitulé, tout laisse à penser que cet album est davantage orienté Hard bluesy, mettant plus l’accent sur le côté roots du groupe. Si la couleur bluesy est bien présente sur le disque, le côté Big-Rock du groupe n’a pas pour autant disparu, enfin pas entièrement. Si ça le fait avec « In The Monkey Hour », compo plus ou moins dans le sillage d’EXTREME sur laquelle la basse claque bien, est très présente; en revanche, le mid-tempo « Look For Lover », dans la mouvance WHITESNAKE (période 87-89)/David Lee ROTH, est anecdotique, d’autant que son refrain est trop téléphoné , tout comme « Communication », compo archi-conventionnelle. Dans ce registre, le titre le plus efficace est « Bad Bad Bad », un bon petit brûlot bien ancré dans les racines bluesy du Rock n’ Roll qui, à défaut d’être révolutionnaire, est bien troussé avec quelques assauts d’harmonica bien sentis au milieu du solo de gratte. La facette la plus bluesy du groupe norvégien, nous y voilà… Et les 4 musiciens tirent le mieux leur épingle du jeu sur des titres tels que « Brand New Car », une superbe compo Blues-Rock terroir, swinguante qui fait plonger au coeur des racines du Rock avec des couplets et un refrain (repris en choeur avec enthousiasme) inspirés, s’avère aussi étourdissante qu’addictive, permet au groupe de sortir un tantinet de sa zone de confort; « Woke Up This Morning », un mid-tempo aux riffs acérés qui est bien exécuté, avec un refrain « acédècien » (avec les choeurs qui répondent au chanteur), un harmonica de rigueur ou encore « Down On Your Luck », un morceau bien goupillé, foncièrement roots avec des guitares juteuses, un groove efficace, un refrain charmeur, ensorceleur, joyeusement repris en choeur. A cheval entre Hard bluesy et Hard mélodique, « Don’t Let Go » s’inscrit dans la lignée de ce que proposaient à l’époque pleins de groupes de Hard Rock US et n’est pas désagréable, mais a un air de déjà entendu. « It’s Only Love », morceau passe-partout mi-Rock, mi-ballade au parfum bluesy avec quelques touches AOR, a le profil d’un single calibré, d’autant que chaque instrument est bien utilisé dans l’espace sonore et, plutôt agréable à l’écoute, est le genre de titre qui ferait du bien sur les ondes radios aujourd’hui. Les vraies ballades du disque sont « So Damned Lonely », bien pourvue en émotion, pas très éloignée de ce que proposait Gary MOORE en 1990, dotée d’un refrain élégant, et surtout « No More Lies », une ballade Country/Blues qui entraine dans les contrées rurales les plus reculées de l’Amérique et offre un fort agréable moment de détente à l’auditeur, terminant l’album sur une note champêtre (de la même manière que le précédent album, d’ailleurs).

Ce second album, qui a davantage accentué l’aspect bluesy, de DREAM POLICE alterne entre le bon et le moins inspiré. Lorsque ce groupe norvégien reste dans le créneau du Big-Rock, il est relativement quelconque, mais quand il se positionne plus résolument dans une veine bluesy, roots, il gagne en efficacité. Messing With The Blues n’est pas indispensable, mais se laisse écouter de temps à autre. A l’époque, cet album s’était classé 13ème du Top album norvégien, mais ce fut le dernier baroud d’honneur de DREAM POLICE car celui-ci s’est séparé en 1992 et, par la suite, chaque musicien est parti dans son coin.

Trendkill

[andy]

family je n ai que " anyway " en vinyle qui est excellent mais il y a peu je viens de decouvrir le 1er album " music in a doll s house " nettement superieur , le debut du prog , j aimerai bien l avoir mais sur discogs il est bien coté

[alcat01]

Le troisième et dernier Gamma démarre avec "What's Gone Is Gone", un grand morceau de friction scientifique inondé de touches et de vocodeur. Lorsque le solo du dieu de la hache Ronnie Montrose s'enclenche enfin, la guitare sert d'embellissement plutôt que de fondation. Tel est le paradoxe de Gamma, un groupe qui a fait ses preuves, mais qui essaie d'être à la pointe sans se lâcher.
Le résultat final est une sorte de fluff-prog (parfois apparenté à Grace Under Pressure). Bien sûr, la production et la batterie sont totalement années 80, tout en évitant la stridence qui entache tant de morceaux de cette période. Il n'y a pas de trace de fraîcheur romantique ou de lourdeur brute ici, mais l'entre-deux nébuleux donne lieu à des morceaux qui font mouche, comme le single gauche "Right the First Time" et l'agréable confiserie ondulée "Modern Girl". Des astuces telles que l'épellation en morse de "Stranger" et les synthés sauvages de "Mobile Devotion" (avec des titres brûlants qui prouvent que Montrose a toujours le feu sacré) font de Gamma 3 une bonne écoute.
Ce disque ne serpente pas sans but comme de nombreux projets artistiques, mais il n'envoie pas non plus des accroches aussi rapides et furieuses que la pop parfaite. Chaque chanson possède des éléments de classe, qui compensent lorsque l'alchimie globale ne fonctionne pas tout à fait, et les chansons susmentionnées valent de toute façon la peine d'être écoutées.

Z. Gomes

[alcat01]

1981 reste pour Point Blank l'année du grand chambardement, John O'Daniel et Karl Berke ayant fait leur balluchon et étant partis galoper vers d'autres horizons. Ils sont remplacés par le chanteur Bubba Keith et le claviériste Mike Hamilton.
Bubba Keith n'en est pas à son premier groupe, puisqu'il a déjà évolué au sein du John Ford Coley Band de England Dan, et même dans the James Gang.
Au niveau musical, ce changement de personnel a quand même certaines conséquences, leur musique prenant alors un tournant dans un style AOR encore plus épanoui.
ls sortent alors leur sixième album, "American Exce$$" qui inclut la chanson "Nicole". Avec beaucoup de temps d'antenne sur les stations de radio AOR le titre atteint le numéro 20 dans le Rock Tracks chart de Billboard Magazine.
Par la suite, "Nicole" est également publié en 45 tours et atteint un sommet à l'intérieur du Top 40, au niméro 39 dans le Billboard Hot 100, devenant ainsi, à ce jour, le seul single du groupe à avoir été classé dans le Top 40 US, tous genres confondus…

Le disque est certainement plus mélodique que les précédents, mais il garde encore une assez haute énergie et le son de guitare qui caractérise le groupe. Et cet album n'en jette pas moins un regard malicieux vers la Californie avec des titres comme "Let Me Stay With You Tonight" et Rusty Burns joue, certes, avec moins d'emphase mais surtout tourjours beaucoup de feeling.
Le travail vocal de Bubba Keith paraît moins impliqué, moins pur que celui du regretté O'Daniel, il posséde un timbre plus qu'agréable mais moins rugueux qu'O'Daniel.
Il y a malgré tout quelques bons moment avec ce Point Blank new look.
"Walk Across The Fire" ou "Gone On Home", par exemple, où les cordes plombées de nos chasseurs de primes retrouvent le chemin de la cible.
La deuxième face est à savourer comme un cocktail Mexicain à l'ombre d'un cactus.
Mention spéciale pour "The Way You Broke My Heart" qui donnerait des ailes à vos semelles de plomb et les deux petites beautés que sont "Restless" et "Cadillac Dragon" brillent tels des néons dans le ciel de Las Vegas, avec des vocaux feutrés, des mélodies sirupeuses, mais c'est le charme du F.M. Sudiste en quelque sorte.

"American Exce $$" se vend bien et inclut le plus gros succès de Point Blank à ce jour, "Nicole", mais il y a des combats à propos de leur direction musicale et enfin la tension entre Rusty Burns et Kim Davis devient si forte qu'ils éclatent finalement en 1982.
À leur apogée, ils étaient connus alors pour leurs tournées incessantes, jouant parfois plus de 200 spectacles par an.