J A Z Z et musiques improvisées - C'est ici qu'on en parle

[Douglas]

Du coup, et pour continuer le fil, me voici presque contraint, dans une saine logique, de vous parler un peu du duo Dewey Redman/Ed Blackwell, sur l’album « Red And Black In Willisau», enregistré le trente et un août mille neuf cent quatre-vingts, lors de ce même festival de Willisau, ce dernier faisant figure d'institution désormais.

Un duo saxophone ténor/ batterie de haut niveau, il faudrait cependant ajouter que Dewey Redman joue également d’un autre instrument appelé sur le Cd « musette », en fait il s’agit du suona chinois qu’il nomme ainsi. Pour tout dire, il est particulièrement savoureux de l’écouter ici en jouer, nous offrant quelques moments rares et jubilatoires sur la seconde pièce de l’album: « We Hope ». Il est à noter que c’est lui le compositeur de toutes les pièces ici. Pour compléter les informations le concernant, et pour ceux qui ne le sauraient pas, il est également le père du saxophoniste Joshua Redman.

Entre soixante-sept et soixante-quatorze il a joué de façon discontinue dans le quartet d’Ornette Coleman aux côtés d’Ed Blackwell, son partenaire sur ce magnifique album. Ils faisaient également tous deux partis de la formation menée par Don Cherry, « Old and New Dreams », avec Charlie Haden à la basse, on retrouve d’ailleurs Dewey Redman avec ce dernier sur le fameux et historique « Liberation Music Orchestra » de mille neuf cent soixante-dix.

C’est dire si les duettistes se connaissent bien et partagent un long parcours en commun, ils sont d’une complicité redoutable, ce qui s’apparente à une évidence lors de l’écoute de l’album. Il n’est pas anodin que James Brandon Lewis fasse une reprise de « Willisee » sur son album en compagnie de Chad Taylor, l’hommage est rendu avec beaucoup de respect au regard de ces anciens qui nous livrent une copie sans faille.

Dewey est un remarquable saxophoniste volubile et tripant, sa sonorité est puissante et profonde, avec souvent un léger vibrato, il a su s’imprégner des codes ECM lorsqu’il a participé à « Survivors’Suite » l’un des plus fameux albums de Keith Jarrett.

Ed Blackwell est lui aussi l’une des figures historiques majeures du jazz, ce prodigieux album marque pour lui une sorte de « retour » car il a connu des problèmes de santé, mais il est grandiose ici. Il fait partie de ces batteurs qui font « chanter » leur instrument, c'est aussi une des particularités que Chad Taylor a su faire sienne, dans son propre jeu.

Ed est un grand-maître bien sûr, dans le classicisme, mais aussi dans le free débridé, il sait également se montrer pointilliste et commentateur, il donne l’impression de savoir tout faire, à l’égal d’un Max Roach, d’un Billy Higgins, d’un Paul Motian ou d’un Andrew Cyrille.

Déjà un air de classique, celui-ci !

Dewey Redman & Ed Blackwell

A1 Willisee 14:11
A2 We Hope 9:22
B1 F 1 2:00
B2 Communication 14:10
B3 S 126 T 6:40

[Douglas]

En tirant encore un peu le fil au jeu de l’album qui en inspire un autre, voici un autre duo entre Ed Blackwell et Don Cherry « El Corazón » dont je m’étais procuré un exemplaire lors de sa sortie en mille neuf cent quatre-vingt-deux. Un album assez solaire que j’ai beaucoup écouté.

Don Cherry est curieux de tout, non seulement de toutes les musiques mais aussi des instruments qu’il aime découvrir et en apprendre le maniement, ainsi il joue de la trompette de poche, comme à son habitude, mais aussi du piano, de l’orgue, du mélodica sur « Roland Alphonso » et du doussn’gouni, un instrument d’Afrique de l’ouest, une sorte de harpe montée sur une calebasse.

Ed Blackwell joue de la batterie, mais aussi du wood drum et des cloches également. L’album est sorti sur ECM, la prise de son est exemplaire et convient bien à cet album très aéré, plein d’espaces, qui aime se déployer et faire raisonner chacune de ses nuances, dans chacun de ses sons. On peut même penser explorer le monde, entre le superbe « Arabian Nightingale » dédié à Om Kaltsom et le percussif « Makondi ».

Les compos sont partagées entre les deux musiciens, mais parfois ils jouent en solo, comme Ed Blackwell sur « Street Dancing » ou « Short Stuff », mais il y a deux reprises magnifiques, « Roland Alphonso » qui porte le nom de son compositeur, et « Bemsha Swing » de Thelonious Monk.

Quelques moments de grâce également, « El Corazón » ou « Arabian Nightingale » et d’autres encore, car les mélodies sont magnifiques sur cette précieuse galette, toute en délicatesse et finesse, de la dentelle pour ces deux rares musiciens. « Near-In », sous les doigts de Ed, la douceur des peaux que l’on caresse, des percus qui chantent et frémissent…

Mais c’est aussi un album du temps qui passe à travers ces espaces infinis, on y entend avant de se quitter, the « Voice Of The Silence » où Don souffle seul et grimpe tout là-haut. L’esprit de « MU » n’a pas fini de souffler et de se rappeler à nos oreilles.

C’est sûr, un album dont on peut se passer, mais mieux vaut alors ne pas y goûter… D'autant que ça ne s'avère pas trop facile puisqu'il faut être élevé au titre de "membre premium" pour pouvoir y avoir accès sur le tube...

[Douglas]

J’en ai parlé il y en a peu et, pour revenir sur les duos batterie/sax ténor, voici « Duo Exchange » paru sur « Survival Records » avec le n° 101, il est en effet le tout premier enregistrement de ce petit label dans sa structure, mais grand par sa qualité. Ce dernier est réputé être dirigé par Rashied Ali bien que certaines sources y associent également Franck Lowe, c’est enregistré aux « Studio 77 » de New York City, avec Marzette Watts en qualité d’ingénieur du son.

C’est donc Rashied Ali et Franck Lowe les deux musiciens qui performent sur cet album, et, au-dessus, dans les esprits, plane « Interstellar Space » de John Coltrane, l’enregistrement le plus fascinant de sa fin de vie, alors que les forces manquaient pour jouer sur scène et que les concerts s’annulaient les uns à la suite des autres…

Nul doute que Rashied était marqué par cet enregistrement et qu’une façon d’avancer dans sa vie et de tourner la page, consistait en ce duo avec Franck Lowe, l’un des plus bouillonnant et des plus extraordinaires musiciens de la scène étasunienne. C’est donc un long duo qui s’étend sur deux parties, une par face, qui se développe dans l’espace occupé entre nos deux oreilles ébahies (j’écoute au casque).

Une réédition est parue en 2020, avec beaucoup de matériel inédit et une structure à base de mouvements, qui n’apparaissent pas dans l’édition d’origine. Je n’ai malheureusement pas pu me procurer cette réédition, certainement riche en détails de toutes sortes. Par contre je peux vous certifier que l’album d’origine est de feu, il se dit que Thurston Moore Considère cet album comme l'un des dix meilleurs albums du free, difficile d’aller contre cet expert.

Franck Lowe ne joue pas que du ténor, il fait entendre le son d’une flûte japonaise et quelques percussions sur la dernière piste. Rashied ajoute également des percussions pour compléter le son de sa batterie. On sait que son jeu ne contenait plus de limites et qu’il s’autorisait toutes les audaces pourvu qu’elles surgissent à son esprit, ainsi lorsqu’il jouait encore aux côtés d’Elvin Jones, celui-ci se désespérait de ses extravagances répétées.

Pourtant Rashied n’est pas forcément dans les excès ici, se rappelant à une certaine sérénité, plus particulièrement vers la fin de l’album. Franck Lowe ne joue pas à être Coltrane, s’il est sauvage parfois, fonceur et libéré de toute entrave, c’est bien son propre son que l’on entend, entraîné et chauffé aux brûlots de l’école des Lofts qu’il fréquentait avec Rashied, dans les années soixante-dix. Il existe d’ailleurs un petit film, de qualité amateure, où il est enregistré dans le loft « Rivbea » de Sam Rivers.

Bon, puisqu’on vous dit qu’il est dans les dix !

Frank Lowe 1972 Duo Exchange

[Douglas]

Rashied Ali / Le Roy Jenkins ‎– Swift Are The Winds Of Life

Dans une certaine continuité avec l’album précédent, on reste toujours sur l’idée du duo avec à nouveau Rahied Ali d’un côté, mais son alter ego est le violoniste Leroy Jenkins, l’album est paru à nouveau sur le label « Survival », mais cette fois-ci en 1976.

Un projet vraiment étrange, le duo batterie versus violon ressemble à une gageure, le truc qui ne devrait pas exister, tant les deux instruments semblent éloignés, distants, presque opposés. C’est vrai, mais les deux musiciens sont proches, se respectent et même s’admirent l’un l’autre, alors, pour le meilleur ou pour le pire, l’album se fit.

Il y avait cette particularité tout de même qui arrangeait les choses, Leroy Jenkins n’est pas un violoniste comme les autres, il joue le blues et le jazz. Son jeu s’encanaille vite, il ne recherche pas la pureté, ni même l’élégance ou la brillance, un côté un peu « sale », à côté et divergeant lui convient bien, il est virtuose, bien sûr, mais ce qui compte avant tout c’est le feeling, le ressenti, la note juste, même si elle grince et couine un peu.

Rashied est prêt à l’aventure, il fait confiance au violoneux son ami, qui compose ici les quatre titres, car ce dernier a beaucoup de cordes à son violon. Alors, Rashied s’inscrit dans la longue histoire des grands batteurs du jazz, il fait remonter le son des anciens et la délicatesse des meilleurs, entre Max Roach et Ed Blackwell, il fait sonner sa batterie comme si elle chantait, légère et souple, comme une liane qui accompagne les cordes du violon, frappe la peau des tambours pour les faire vibrer, afin qu’en sortent les larmes du blues et les rythmes jazz !

Ainsi ce trop court album devient-il à son tour une grande et belle référence de la musique noire américaine, en ce qu’elle a de plus libre et de plus belle.

Rashied Ali / Le Roy Jenkins Duo ‎- Swift Are The Winds Of Life (Full Album)

[Douglas]

Un album qui peut paraître aujourd’hui un peu étrange, surtout de nos jours, où on s’habitue à juger le passé à la lumière de nos valeurs d’aujourd’hui. Pourtant lors de sa sortie, en mille neuf cent soixante-seize, il semblait plutôt d’avant-garde et ne paraissait ringard, ni par sa pochette, ni pour les messages qu’il véhiculait. Je me le suis procuré à l’époque, pour l’amour du jazz, de Shepp mais aussi pour ce qu’il célébrait.

Le neuf septembre 1976 la mort de Mao coïncidait avec les soulèvements en Afrique du Sud, d’où cette proximité, sur la pochette, entre le paisible timonier brassant et ce poing érigé signifiant la lutte des noirs défendant leurs droits. Ces deux événements semblaient alors évoquer le même idéal de justice et de liberté. On comprend bien que le temps a livré un autre verdict, mais alors, Mao semblait « progressiste » et défendre de nobles principes.

Les notes de pochette intérieures sont très révélatrices de la vision du moment, elles se terminent par cette phrase : « Après avoir écouté ce disque, vous serez épuisés, mais vous aurez réussi à associer des émotions et des idées tout en ayant avancé dans la lumière de l’histoire contemporaine. » Je me dis parfois que ces prises de position peuvent expliquer, à postériori, le peu de notoriété de cet album et sa relative rareté.

Il est intéressant d’ailleurs de remarquer que les rééditions existantes, japonaises ou allemandes, proposent une pochette différente, ce qui semble significatif, pour ma part je leur préfère la pochette originale française, bien dans son époque. Je ne l’ai pas indiqué mais l’album est sorti chez « UNITELEDIS », un label créé en mille neuf cent soixante-treize par le Parti Socialiste ! On y trouve d’ailleurs un autre totem de Shepp, l’excellent « À Massy - U-Jaama "Unité" ».

Musicalement ce duo batterie/ténor est l’un des plus réussis. C’est un double LP, il comprend donc deux titres, le premier « Sweet Mao » qui comprend trois mouvements, chacun correspondant à une face de l’album dont le thème général est « La longue marche ». Le premier mouvement se nomme "1La Préparation", le deuxième "2La Marche" et le troisième "3Le Commencement". Chaque face dépasse les seize minutes. La dernière face est consacrée à « Suid Afrika 76 », elle dépasse les dix-neuf minutes.

On parle d’épuisement dans les notes de conclusion, il y a du vrai, car l’album est très tendu, très intense, bien que Shepp ne monte guère dans le cri, son souffle sans cesse renouvelé semble inépuisable, il chauffe la braise et attise le feu sans sembler jamais vouloir stopper. Seules les introductions et les conclusions sont accordées à la seule batterie.

Il faut dire que son compère le vieux Max Roach est un véritable roc, il maintient une telle puissance et montre une telle énergie que le flux propulsé semble inépuisable. Il faut attendre la troisième partie « Le Commencement » pour que paix et sérénité montrent un peu le bout de leur nez. Sur la dernière face, plus africaine et moins « marche », les deux se complètent merveilleusement.

La bonne fée du jazz était bien là, tapie dans l’ombre, car l’album est sublime et absolument digne d’intérêt, il saura capter l’attention des amateurs de longues chevauchées, un duo exceptionnel.


Max Roach, Archie Shepp - Force [FULL ALBUM]
1 Sweet Mao - La Préparation 0:00
2 Sweet Mao - La Marche 17:00
3 Sweet Mao - Le Commencement 34:05
4 Suid Afrika 76 51:00

[Douglas]

J’avoue être totalement limite pour ce qui concerne cette actualité, mais je voulais finir d’évoquer le palmarès des « Victoires du Jazz 2021 ». Je vous avais indiqué qu’il manquait une lauréate, puisqu’il s’agit d’une femme, dans la rubrique « Artiste vocale », pour augmenter le ridicule de la situation le Cd est paru en fait en deux mille vingt, au printemps…

Mais l’album est vraiment très bon, bien qu’il ne plairait peut-être pas à tout le monde. Je dois dire que j’ai eu du mal à mettre la main sur un exemplaire, l’ayant commandé il y a bien plus de deux mois à la FNAC. J’ai très souvent constaté qu’ils mettaient en vente des articles qu’ils ne possédaient pas en stock, c’est pourquoi j’ai fait une relance en décembre où il m’a été répondu qu’il arrivait, j’ai même reçu un coup de fil peu après les fêtes pour me confirmer la venue de l’article, ça m’a impressionné ce professionnalisme ! Malheureusement quinze jours plus tard on m’annonçait qu'il était indisponible : ils ne gèrent donc pas les stocks et commandent auprès du fournisseur… après votre commande !

Juste le temps de le faire venir sur Discogs et de l’écouter plusieurs fois pour vous faire partager mon enthousiasme. Il s’agit d’une artiste que j’ai entendue pour la première fois lors de la retransmission de concerts d’Airelle Besson, elle chante également sur deux albums enregistrés par la trompettiste « [Radio One] » et « Try ! ». Je dois dire que cette prise de contact s’est avérée des plus agréable, Isabel est habitée par ce qu’elle chante, et son engagement physique est immense, même pour les titres qui demandent une faible intensité vocale.

Pour ce qui concerne cet album, il possède deux dominantes très importantes, la première c’est l’omniprésence des percussions, ce qui ne devrait pas choquer grand monde ici, la seconde c’est l’importance des synthés qui occupent une grande partie de la définition sonore, ambiances, climats. Beaucoup d’électro, parfois à la limite de la musique expérimentale, ce qui donne globalement un son plutôt jeune et frais qui peut le rendre populaire, ou chagriner les « puristes », perso ça me convient bien.

Du coup c’est jazz mais par un aspect seulement, on pourrait tout autant dire électro ou folk. Isabel revendique même l’influence des musiques traditionnelles africaines, d’où le mélange habile de la voix des percussions et des synthés. "Mareld" le titre de l'album signifie Bioluminescence en français, un phénomène physique assez rare qu'elle a pu observer pendant son enfance, une sorte d'incandescence aquatique qui crée une lumière particulière.

Voilà, sinon Isabel Sörling est suédoise, vit à Paris où elle s’est installée. Elle était nominée dans cette rubrique « artiste vocale » en même temps que Camille Bertault pour l’album « Le Tigre » et Elise Caron que je ne connais pas… Ah ! oui, j’ai oublié de célébrer la magnifique pochette avec sa couverture brillante et de regarder les clips, ce que je fais au moment d'envoyer...

Isabel Sörling - Cultures (Official Music Video)


Isabel Sörling - Vulture/Cannibal (Official Music Video)


Isabel Sörling - Sticks and Branches (Official Music Video)


Light

[nunu]

De la fusion avec le groupe Jing Chi et Supremo leur album de 2017. Ils ont sorti 3 album studio et un Live. Le groupe est composé de (c'est marque sur la pochette vous me direz) Jimmy Haslip (kangourou) à la basse et au synthé, de Robben Ford (focus) à la guitare et au piano et de Vinne Colaiuta (comme on dit a Salt Lake City) à la batterie, accompagné par Jeff Coffin au saxophone et de Mike Haynes à la trompette. Je dois avouer que je ne connais pas ces deux la. Le groupe est pas mal articulé autour de la guitare de Ford

[nunu]

Mais l’album est vraiment très bon, bien qu’il ne plairait peut-être pas à tout le monde. Je dois dire que j’ai eu du mal à mettre la main sur un exemplaire, l’ayant commandé il y a bien plus de deux mois à la FNAC. J’ai très souvent constaté qu’ils mettaient en vente des articles qu’ils ne possédaient pas en stock, c’est pourquoi j’ai fait une relance en décembre où il m’a été répondu qu’il arrivait, j’ai même reçu un coup de fil peu après les fêtes pour me confirmer la venue de l’article, ça m’a impressionné ce professionnalisme ! Malheureusement quinze jours plus tard on m’annonçait qu'il était indisponible : ils ne gèrent donc pas les stocks et commandent auprès du fournisseur… après votre commande !

Je confirme ca m'est arrivé avec une commande en décembre. Obligé d'annuler la commande parce que ca arrivait pas et j'ai recommandé le produit sous une autre forme différente, finalement ca m'a couté 10 balles de moins

[nunu]

Aaron Diehl-Space Time Continuum (2015)

Aaron Diehl est un pianiste americain né dans l'Ohio en 1985. Cet album de 2015 est son deuxième album studio. 8 morceaux dont 2 reprises, une des Walter Davis jr, pianiste ayant joué dans les Jazz Messengers a la fin des années 50. Il tourne avec Cecil McLorin Salvant. Il est en trio la plupart du temps ave David Wong a la basse et Quincy Davis a la batterie. Vient s'ajouter sur certaines pistes du saxophone dont deux morceaux sur lesquels c'est Benny Golson (que je croyais mort depuis des années) et une trompette



Justement un des deux morceaux avec Benny Golson

[Douglas]

Mais l’album est vraiment très bon, bien qu’il ne plairait peut-être pas à tout le monde. Je dois dire que j’ai eu du mal à mettre la main sur un exemplaire, l’ayant commandé il y a bien plus de deux mois à la FNAC. J’ai très souvent constaté qu’ils mettaient en vente des articles qu’ils ne possédaient pas en stock, c’est pourquoi j’ai fait une relance en décembre où il m’a été répondu qu’il arrivait, j’ai même reçu un coup de fil peu après les fêtes pour me confirmer la venue de l’article, ça m’a impressionné ce professionnalisme ! Malheureusement quinze jours plus tard on m’annonçait qu'il était indisponible : ils ne gèrent donc pas les stocks et commandent auprès du fournisseur… après votre commande !

Je confirme ca m'est arrivé avec une commande en décembre. Obligé d'annuler la commande parce que ca arrivait pas et j'ai recommandé le produit sous une autre forme différente, finalement ca m'a couté 10 balles de moins

La procédure d'annulation est un peu compliquée, du coup même si on trouve ailleurs on hésite à prendre, de peur à se trouver avec deux fois le même objet. Dommage car ils ont une belle carte "sympathie" à jouer face à la concurrence du mastodonte.

[Douglas]

Voici un autre album de deux mille vingt, commandé sur bandcamp, il est arrivé tranquillement d’Australie en mode « courrier » et sans taxe. C’est un double Cd gorgé de bonne musique, une nouvelle fois il navigue entre deux étiquettes, jazz à cause des impros, du coup les morceaux sont parfois longs, mais aussi rock, par l’électricité, le son empreint de la guitare de Ed Kuepper, le fondateur du groupe « The Saints ».

Pour autant ne parlons pas de jazz-rock, c’est plutôt psyché-free et ça pourrait plaire peut-être par ici, je pense. Ils sont quatre, outre Ed Kuepper il y a Alister Spence au piano et aux percussions, Lloyd Swanton à la contrebasse et Toby Hall au « drum kit » et aux percus. Ce truc c’est une somme, il y a presque deux heures de musique, cent dix minutes environ, l’accroche est parfois assez rock, style planant ou kraut, mais parfois ça se barre dans des trucs un peu spéciaux, délirants et assez partis.

Dans les notes de pochette il est écrit que l’album se veut « une randonnée sonore dans la zone extraterrestre des débris spatiaux entre Mars et Jupiter », ça donne une idée de la thématique ici et, comme les impros sont le plus souvent la règle de travail, on peut s’attendre à tout, même aux jolis thèmes, aux envolées de toutes sortes, les deux figures dominantes étant Alister Spence et Ed Kuepper qui est ici avec son trio, on navigue entre des nappes sonores parfois évanescentes et des moments plein de confort et d’élasticité, et même, parfois, un peu de bruit car il faut du drame aussi.

L’origine du nom de la formation « Astreroid Ekosystem » provient d’une première astuce « AST » figurant Alister Spence Trio et Ekosystem commençant par les deux initiales du guitariste « EK », bon, ça c’est pour l’anecdote.

Not a Leaf in Any Forest


A Passing Universe


Nature


Silence in the Earth

[Douglas]

Eivind Aarset 4-Tet – Phantasmagoria [Or] A Different Kind Of Journey

Voici un album qui fait une bonne transition avec celui au-dessus puisque Eivind Aarset est, entre autres, guitariste. J’ai entendu pour la première fois parler de lui en regardant un concert sur Mezzo, puis un second, de quoi me mettre en appétit, j’avais été séduit par sa musique, ce "jazz électro" improvisé correspondait bien à mes goûts.

Du coup je m’étais procuré « Électronique Noire » son premier album de quatre-vingt-dix-huit, forcément très différent de son actualité, car j’ai bien été surpris de découvrir son dernier album, sorti en septembre, « Phantasmagoria (Or) A Different Kind Of Journey », dans la sélection « choc » de Jazz magazine !

L’album est enregistré sous le nom de l’ « Eivind Aarset 4-Tet », le guitariste joue également des synthés et patouille l’électro, il participe, seul ou accompagné, à la signature de chacun des morceaux. Audun Erlien est à la basse et au synthé, Wetle Holte à la batterie aux percussions ainsi qu’au métallophone et au mellotron, Erland Dahlen est également batteur percussionniste, et il complète son éventail sonore en jouant du vibraphone.

On voit déjà à peu près où on se trouve, face à une musique électrifiée, tendance planante, genre musique électronique expérimentale, mais avec une forte assise rythmique, assez contemporaine en somme. Mais attention, jamais on ne perd les pédales car les structures sont solides et le duo des batteurs fait merveille.

Eivind a joué aux côtés de Jan Garbarek, Jon Hassell ou Nils Petter Molvaer, norvégien d’origine, il possède ce background propre aux musiciens du Nord, explorateurs des grands espaces et des étendues glacées, il a d’ailleurs lui aussi connu une période ECM.

Pour autant sa musique reste chaude et tonique, même si elle se plaît dans les vastes nappes sonores superposées, tissant des tapisseries parfois contemplatives comme sur « Manta Ray » avec en invité Arve Henriksen à la trompette, ou plus énergiques sur « Duløc ». On remarque également la belle partie de guitare sur « Didn’t See This One Coming » qui fait bien plaisir.

Les amateurs de Terje Rypdal et de Niels Petter Molvaer pourraient tendre l’oreille vers cet album.

Duløc - The Cat ́s Eye


Manta Ray


Didn ́t See This One Coming


Soft Grey Ghosts

[Douglas]

EDQ ‎– They All Be On This Old Road (2021)

Cet album est une réédition du vinyle sorti en 1977, mais pas seulement, avec le format Cd il gagne en stockage et nous offre une grosse quantité d’inédits qui nous permettent d’écouter le concert dans son intégralité. Déjà, EDQ signifie Elton Dean Quartet, on sait que ce dernier a gagné une énorme notoriété pour sa participation aux volumes trois, quatre et cinq de Soft Machine. Le « Fifth » est excellent, mais le « Fourth » est hors norme et le « Third » tout simplement un classique. Il est évident que le saxophoniste possède une large part dans cette belle histoire.

Ici nous le retrouvons à la tête d’un quartet accompagné par un ensemble de rêve, avec Keith Tippett au piano, Chris Laurence à la basse et Louis Moholo-Moholo à la batterie. Avec les inédits présentés dans cette édition le temps du concert est quasiment doublé par rapport au vinyle. Les deux premiers titres et les deux derniers sont donc restés inconnus jusqu’à cette publication, mais sachez qu’ils valent bien la première sélection, soumise à la loi des trente-trois tours. Le concert a été donné au Seven Dials de Londres le dix-huit novembre mille neuf cent soixante-seize.

Toutefois le point d’orgue de l’album restera probablement cette magnifique version de « Naïma » qui tenait à elle seule sur la première face du vinyle avec ses vingt minutes et quarante secondes. L’esprit de Coltrane soufflait encore et notre quartet fouille la compo dans ces moindres recoins, en quête d’une appropriation ou d’une nouvelle voie pas encore explorée, ils sont tous magnifiques, Keith Tippett l’explorateur en chef, Chris Laurence, fureteur et dénicheur de merveilles, Louis Moholo, délicat et respectueux et Elton très lyrique qui se souvient…

Les souvenirs remontent en évoquant chacun de ces musiciens, Soft Machine, Soft Works, Centipede, Mike Westbrook, Alan Skidmore, The Blue Notes, Chris McGregor's Brotherhood Of Breath, mais il faudrait citer une majeure partie du jazz anglais ou Sud Af de l’époque ! Pour ceux qui seraient inquiets c’est bien à un concert de jazz que nous sommes conviés, le territoire le plus favorable à la passion partagée par les deux grands amis que sont Keith et Elton, ici à nouveau réunis pour le meilleur.

Sur le morceau « Easy Living » ainsi que sur la dernière pièce de l’album « Echoes », Elton Dean joue d’un instrument dont il est l’un des plus grands spécialistes, le saxello, que l’on entend assez rarement, l’occasion d’écouter ce « rare » appartenant à la famille des saxophones, pour le reste il joue plus classiquement de l’alto.

Naima


Attic


Easy Living


Edeeupub

[Douglas]

Alors que sort une réédition de bonne qualité du premier album de Nina Simone, succédant à une série assez malheureuse, il me prend l’envie de ressortir mon exemplaire de mille neuf cent cinquante-neuf, l’année de parution de ce vinyle. Il est sorti sur « Bethlehem Records » en mono, avec la référence BCP-6028.

Acheté très peu cher à une période plus favorable que celle que nous connaissons désormais, ce n’est cependant pas une toute première édition, cette dernière est en effet sortie au mois de février. On remarque sur la pochette en écriture penchée la mention « Jazz As Played In An Exclusive Side Street Club » qui n’existe pas sur l’ensemble des autres versions, ainsi que, tout en bas, le bandeau « Vivid Sound », qui annonce une avancée technologique au niveau de la qualité sonore. Cette parution date du mois d’août, en lien peut-être avec ce son nouveau, c’est en tout cas le dernier tirage de l’année.

J’ai eu la chance de tomber sur un exemplaire avec très peu de craquements, assez rares et épars. En respectant la notation du guide « Goldmine Record » il serait à mon avis noté VG+. La pochette est également très convenable. Au verso et sur les labels il retrouve son nom d’origine « Little Girl Blue ».

On sait que Nina a eu une excellente formation de pianiste classique et qu’elle aspirait à devenir concertiste, c’était là le but de sa vie. Elle a toujours pensé que c’est sa couleur de peau qui l’empêcha d’accéder à son rêve, elle entretint toute sa vie une rancœur qui la rongea.

Cette injustice trouva néanmoins une compensation grâce au jazz et à la chanson, dont elle devint une interprète extraordinaire. C’est l’album de ses premiers pas discographiques, en compagnie de Jimmy Bond à la basse et d’Albert Heath à la batterie, elle a vingt-quatre ans quand elle enregistre les pistes, nous sommes en mille neuf cent cinquante-sept.

C’est un album essentiellement de reprises, on reconnait « Mood Indigo » de Duke Ellington, « I Loves You, Porgy » de Gershwin, seule au piano « Don’t Smoke In Bed », le blues "Central Park Blues" et le futur succès « My Baby Just Cares For Me » en fin de face une. Grâce à la vente de cet album Nina empocha trois mille dollars, mais surtout commença la brillante carrière que tout le monde lui connait.

Nina Simone - "Plain Gold Ring" ("Little Girl Blue" High Fidelity Sound)


Nina Simone - "My Baby Just Cares For Me" ("Little Girl Blue" High Fidelity Sound)


Nina Simone - "Central Park Blues" ("Little Girl Blue" High Fidelity Sound)


Nina Simone - "Don't Smoke In Bed" ("Little Girl Blue" High Fidelity Sound)

[nunu]

Un garcon dont j'ai été surpris de ne quasi pas trouver une seule référence dans ce sujet qui contient pourtant des pages. Pourtant, malgré ses 91 an il est toujours en activité et la depuis les années 50 (ils sont nombreux a pouvoir en dire autant). La c'est un album de 1956

Double Bass – Israel Crosby
Drums – Walter Perkins
Piano – Ahmad Jamal


Dans le genre pianiste leader de petite formation jazz, surtout trio, c'est surement l'un des meilleurs.

[Douglas]

Un garcon dont j'ai été surpris de ne quasi pas trouver une seule référence dans ce sujet qui contient pourtant des pages. Pourtant, malgré ses 91 an il est toujours en activité et la depuis les années 50 (ils sont nombreux a pouvoir en dire autant). La c'est un album de 1956

Double Bass – Israel Crosby
Drums – Walter Perkins
Piano – Ahmad Jamal


Dans le genre pianiste leader de petite formation jazz, surtout trio, c'est surement l'un des meilleurs.

Oui, je crois qu'Ahmad Jamal n'a été évoqué qu'une fois, à l'occasion d'un fil à propos de Yusef Lateef je crois, mais il n'est pas le seul oublié de ces colonnes, il y aurait une belle liste à établir...
Je te rejoins sur ta dernière phrase et ta sélection d'album, j'avais autrefois suivi une série d'émissions sur France Musique concernant les trios d'Ahmad Jamal et c'était véritablement magnifique!

[Douglas]

Giovanni Guidi – Ojos de Gato (2021)

J’avoue ne pas connaître le pianiste italien Giovanni Guidi, pourtant je n’ai pas hésité à me procurer son album, il faut dire que quelques-uns parmi les sidemen sont d’exception, il suffit d’en citer un ou deux pour mieux comprendre. Déjà le saxophoniste ténor se nomme James Brandon Lewis, et quand on le cite, on pense à un autre qui n’est souvent pas loin, le batteur Chad Taylor lui-même. Si on ajoute que l’album se nomme « Ojos De Gato » et que les yeux de « chats » dont on parle sont ceux de Gato Barbieri, c’est suffisant pour mettre le Cd dans le panier à provisions…

Hormis les deux pointures il faut ajouter que les autres musiciens sont également excellents, une fois précisé que Giovanni Guidi joue également du Fender Rhodes, que le très excellent tromboniste se nomme Gianluca Petrella, le bassiste Brandon Lopez et que Francisco Mela est lui aussi batteur percussionniste.

Cette formation, ainsi constituée, nous renvoie dans les pas de Gato Barbieri à qui l’album est dédié. On observe que c’est le même type d’instruments que l’on trouvait sur le célèbre album « The Third World » de l'argentin paru en 1970: Gato au sax, Roswell Rudd au trombone, Lonnie Liston Smith au piano, Charlie Haden à la basse, Beaver Harris à la batterie et Richard Landrum aux percussions, une telle coïncidence ne peut être due au hasard !

On pense aussi aux voyages, les titres des pièces nous renvoient en Amérique Latine, « Revolucion », « Latino America », « Buenos Aires », « Ernesto » et même « Padres » qui n’est autre que le père de Gato. Mais on voyage également dans d’autres contrées, « Manhattan », « Roma », « Paris Last », sans doute une pensée pour « Le dernier Tango à Paris » dont Gato a écrit la musique, il y a aussi « Café Montmartre » qui évoque Aldo Romano et Don Cherry…

Tous ces lieux et ces références sont un bel hommage à l’argentin au ténor de feu, il fallait au moins un Giovanni Guidi pour lui donner vie et un James Brandon Lewis pour l’incarner avec force.

Latino America


Revolución


Ojos De Gato - Giovanni Guidi


Buenos Aires

[Pablitta]

Le tout étant d'apprécier dans tous les cas les oeuvres de nos artistes préférés et il faut reconnaître que quelque soit leur étiquette, classement, genre, style (...), elles nourrissent notre âme. C'est bien ça l'important non ?

Oui, c'est bien ça l'important.
C'est toujours agréable à lire, des choses comme ça ; et doux à rappeler

[Douglas]

Le tout étant d'apprécier dans tous les cas les oeuvres de nos artistes préférés et il faut reconnaître que quelque soit leur étiquette, classement, genre, style (...), elles nourrissent notre âme. C'est bien ça l'important non ?

Oui, c'est bien ça l'important.
C'est toujours agréable à lire, des choses comme ça ; et doux à rappeler

Heureusement personne n'a prétendu le contraire, comme le disait Oscar Wilde:

"La musique met l’âme en harmonie avec tout ce qui existe."

[Pablitta]

Oscar Wilde ?