à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

[alcat01]

1071

"Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live"
La tournée de Wired fut l'occasion pour Beck et le groupe de Hammer de collaborer.
Cette collaboration a donné un album, sorti en 1977. Un live, donc, sorti sous une pochette des plus simples et un peu rebutante : une photo de Beck, en pleine action, sur fond rouge foncé, et au verso, une photo scénique de Beck et Hammer, grossièrement placée sur le même fond coloré, comme un vulgaire découpage. Le titre aussi est bien con : Live With The Jan Hammer Group. Lequel groupe est constitué de Tony Smith (batterie), Jan Hammer (claviers), Fernando Saunders (basse) et Steve Kindler (violon, guitare rythmique). Beck est donc à la guitare, en invité de luxe. Le style ? Evidemment, du jazz-rock fusion, essentiellement instrumental, et ce qui est chanté l'est soit par Hammer (Earth (Still Our Only Home)), soit par Smith (Full Moon Boogie). Qualité audio purement exceptionnelle pour cet album produit par Hammer lui-même.
Musicalement, ce live, court (45 minutes à tout péter, seulement 7 titres), fait la part belle à Blow By Blow : Freeway Jam, la reprise des Beatles, Scatterbrain, sont issus de l'album de 1975. Blue Wind (qui s'ouvre sur un snippet de Train Kept A-Rollin') est, lui, issu de Wired. On a aussi des titres de Hammer et de so Group, comme Full Moon Boogie et Darkness/Earth In Search Of A Sun. 
Que dire ? Il faut aimer, vraiment aimer le jazz-rock, parce qu'avec ce live collaboratif (qui, il me semble, à sa sortie, ne sera pas super bien accueilli et finira régulièrement dans les bacs à soldes; j'ai dégotté, il y à quelques mois, un exemplaire vinyle d'époque ou de deux-trois ans après sa sortie, qui était encore emballé de son blister - neuf donc - et avec, dessus, un sticker 'nice price'), on n'a affaire qu'à ça. Pas du tout du rock pur et dur, encore moins du blues-rock.
Certains diront que Jeff Beck s'est laissé aller en 1975/1977, avec cette période jazzy, qui culmine avec ce live, mais force est de constater que son jeu de guitare, ici plus inventif, cadre très bien. Il suffit d'écouter le fulgurant Scatterbrain, l'intense Freeway Jam d'ouverture, ou ce Full Moon Boogie remarquable, pour s'en convaincre.
Après, certes, ce n'est pas d'une folle accessiblité, et je peux comprendre que l'on n'accroche pas, mais à petites doses, ce live est vraiment très agréable. 

clashdoherty

[alcat01]

1072

"There and Back"
'ai d'abord acheté Wired et Blow by Blow sur un coup de tête en regardant l'influence de l'un de mes guitaristes préférés (Randy Rhoads) à l'époque en 2007 environ. Je suis immédiatement tombé amoureux de ces deux albums.
Je suis tombé sur cet album en mars 2008 sur Amazon et même avec sa couverture basique et précise, j'ai été agréablement et plutôt surpris par le contenu composé par M. Beck. Chaque chanson est très bonne sans matériel de remplissage. La plupart des chansons sont presque du rock instrumental de science-fiction avec de subtiles notes de jazz et de blues incorporées (Star Cycle, Space Boogie, You Never Know, El Becko et The Final Peace). Ensuite, vous avez "Too Much to Lose" qui est une reprise de Jan Hammer mais qui est excellente en plus. Honnêtement, je n'ai pas entendu la version du groupe Jan Hammer jusqu'à il y a un an ou deux et cela fonctionne mieux en tant qu'imo instrumental. Très relaxant et fluide sans paroles vraiment nécessaires. En fait, coupez un échantillon pour la notification de mon BlackBerry 8330 depuis longtemps. Ensuite, vous avez des instrus plus rock comme "The Pump" ou "The Golden Road" qui varient assez les uns des autres. "The Pump" fait partie de la bande originale du film "Risky Business" qui a été acclamée. C'est un rock très doux et moelleux qui est joué par l'esprit d'un guitariste jouant avec une boîte à rythmes. En tant que guitariste, je me suis retrouvé à jouer avec une boîte à rythmes et à faire des choses similaires mais pas aussi bonnes que celles de M. Beck avec sa chanson. Presque comme si un vrai professionnel expérimenté devait faire une chanson rock douce de style boîte à rythmes. La paix finale était cependant un peu en avance sur son temps. Vous devez comprendre que sa guitare 1980 et virtuose était une nouveauté à l'époque. La façon dont les rôles principaux ont été joués laisse penser que cela a été fait facilement vers la fin des années 80.
Dans l'ensemble, "There and Back" est un excellent album et vaut vraiment le détour si vous ne l'avez pas encore fait !

Mr. Gregory J. Moan

[alcat01]

1073

"Flash"
On sait que Jeff Beck est l'un des guitaristes les plus flexibles de la musique, que son travail à lui seul est une boîte à surprises, mais dans Flash le risque est doublé.
L'album n'est en rien mauvais, juste avec une autre proposition, suivant la tendance de l'époque sous la facette pop concentrée sur MTV.
Le guitariste lui-même n'a pas avalé la nouvelle tendance. Et le changement est dû à la main du producteur Nile Rodgers (Chic), un génie dans le domaine pop/disco, qui n'a pas grand-chose à voir avec le son de Jeff Beck. Dans plusieurs interviews, il précise qu'il changerait ses plans s'il pouvait remonter le temps.
Cette transmutation n'a pas seulement attaqué la psyché de Beck, mais une vague de "vieux" groupes et artistes, les forçant à se plier à la dictature froide et objective des années 80. vague combinée avec le pantalon, délivre le son présenté. Si vous cherchez quelque chose qui sort de l'ordinaire dans la discographie de Jeff Beck, vous êtes au bon endroit, approchez-vous...

On a tout de suite remarqué quelque chose de différent chez Ambitious : le chant. Jeff s'en est privé pendant la majeure partie de sa carrière, devenant un héros solitaire de ce voyage, un monstre du son instrumental, mais pour le meilleur ou pour le pire, Flash a changé et renouvelé le concept. Ambitous a des vibrations technopop, se traduisant par un morceau linéaire dans lequel la guitare tente de dialoguer avec le chant. Derrière tout cela, nous avons le synthétiseur gardant un rythme régulier avec les mêmes notes.
Gets Us All In The End reconnaît le son pasteurisé d'AOR, le protagoniste est la voix forte de Jimmy Hall, dans une séquence marquée et bien faite avec des traces de Starship ou Survivor. Ceux qui en ont assez de la fusion beckienne peuvent abandonner le navire ici et retourner sur la terre ferme.
Gagnant du 86e Grammy dans la catégorie instrumentale, Escape est une dose d'adrénaline du début à la fin. La guitare règne sur une base programmée, elle règne en notes simples qui pourraient servir de thème de film, tout comme le propriétaire des touches et auteur de celles-ci, le vieil ami connu sous le nom de Jan Hammer, voir Miami Vice Theme.
Au milieu de la confusion, voilà qu'une catégorie unique de blues apparaît. L'un des incontournables des années 80, le populaire People Get Ready, reprise de Curtis Mayfield & The Impressions, qui a atteint la cinquième place du Mainstream Rock du Billboard. Compter sur une vieille connaissance, celle de Rod Stewart. Bien choisi, car le caboclo à la voix rauque a donné une leçon de chant. Jeff a dû penser : "Je dois appeler ce type pour essayer de sauver la moitié de la récolte", s'il l'a vraiment fait, il avait raison.
J'adore la voix de Stop, Look, Listen, mais je comprends le dégoût qu'elle a dû causer, car c'est de l'"esthétique" purement électronique. Ok, au moins Jeff se rachète avec des solos coupants, ce qui n'arrive pas avec les répétitifs et moyens Get Workin' et Ecstasy, pour ceux-là il n'y a pas de salut.
Night After Night est l'un des points forts, car encore une fois, les refrains s'attirent comme un aimant et sauvent ce qui pourrait être une brûlure de film. La simplicité imprègne Night After Night à 90%, à l'exception d'un solo envoyé par Beck, coupant les bases synthétiques comme une faux; réalisant qu'il y avait un peu d'humanité dans Flash, pas seulement des battements programmés sur les voix.
Et enfin le guitariste se remet au travail sur You Know, We Know, une bonne chanson instrumentale aidée par les claviers de Tony Hymas, un timide retour aux bons moments de There and Back.

marcel79

[alcat01]

1074

"Jeff Beck's Guitar Shop"
Le claviériste Tony Hymas a eu l'une des carrières musicales les plus étranges des années 1980. Il a commencé la décennie en aidant à faire de There And Back l'un des meilleurs albums de Jeff Beck, puis a fait son apparition dans un supergroupe appelé PHD avec le chanteur Jim Diamond et le batteur Simon Phillips, obtenant une merveille britannique classique "I Won't Let You Down". ' (n° 2 en 1982 !), puis a joué sur/écrit sans doute le meilleur morceau de l'album plutôt pauvre de Beck en 1985 , Flash , et puis… pas beaucoup pendant un moment.
Mais il a été absolument vital dans le retour de carrière de Beck grâce à Guitar Shop, sorti en octobre 1989. Vous pourriez même l'appeler le dernier grand album de Beck, et sans doute celui de Bozzio aussi.
Ils ont enregistré dans les Sol Studios résidentiels de Jimmy Page dans la ville verdoyante de Cookham, dans le Surrey (Beck a rapporté plus tard : "Quand nous avons terminé l'album, j'ai laissé mon vélo dans son hangar, alors il en a aussi sorti un vélo…" !). L'album a fini par prendre huit mois pour écrire et enregistrer parce que Hymas a apporté un échiquier avec lui.
Beck a pris des genres qu'il avait touchés tout au long de sa carrière - blues, reggae, rockabilly, métal, funk, fusion - et les a utilisés comme points de départ, travaillant du matériel avec Hymas et Bozzio en studio.
Et c'est un matériel très mémorable. Sur la chanson titre, Beck se moque affectueusement de l'obsession de l'équipement des magazines de guitare et passe par une gamme de tons et d'effets dans le processus, mais… tout cela ressemble à Jeff. Une Strat ou une Telecaster, des pédales de distorsion/delay, et c'est tout. Tout est dans ses doigts.
Sur le chef-d'œuvre qu'est 'Where Were You', il joue la part du lion de la mélodie (apparemment très influencée par le Chœur Vocal Féminin de la Radio & Télévision d'Etat Bulgare AKA Les Voix Bulgares) avec des harmoniques et une utilisation très judicieuse de la barre de whammy, flexion dans et hors des notes avec juste la bonne quantité de tension du poignet.
Bozzio joue un blinder – limitant principalement sa formidable technique au détriment du groove et de la présence – mais libère un jeu de contrebasse très rapide sur 'Sling Shot'. Méfiez-vous des batteurs de thrash. Et il y a CE remplissage incroyable à la fin.
Hymas est un excellent accompagnateur - vous manquez à peine de vraies basses et vous n'aspirez que très occasionnellement à un autre film instrumental pour Beck. Quelques morceaux de l'album sont également devenus des incontournables de live, joués en concert à ce jour – « Big Block », « Where Were You » et « Behind The Veil ».

Guitar Shop s'est bien comporté aux États-Unis, se classant au 49e rang, mais bizarrement, il n'a pas été classé au Royaume-Uni. Mais il a remporté un Grammy Award du meilleur rock instrumental en 1990.
Beck a évoqué la possibilité d'un deuxième album et d'une tournée, mais cela ne s'est jamais produit. Ils se sont reformés pour la fête d'anniversaire de Jeff au Royal Festival Hall en 2002. Et El Becko est monté sur "Rapido":

Matt P

[Cooltrane]

perso, je descend du bus de Jeff Beck ici - ou plutôt avec le suivant (assez médiocre comparé aux précédents), car celui-ci est mon préféré. Ses 80's furent catastrophiques à mes yeux (enfin surtout mes oreilles). Pourtant la seule fois où je l'ai vu, c'était à Toronto pour la tournée de Flash (je crois). Pas une soirée inoubliable, qui plus est.

J'ai repris le bus pour son dernier tronçon, sans avoir acheté ses albums de l'époque. En effet, le Jeff s'est fait fort de lancer des nanas dans le métier, notamment l'excellente (et mignonne, ce qui ne gâche rien) bassiste Tal Wilkenfied , Carmen Vandenberg, et le dernier duo avec les deux nanas - dont le nom m'échappe pour l'instant.

[alcat01]

1075

Songs from the Wood (1977)
Tel le balancier d'une comtoise, la musique de Jethro Tull oscille entre rock et folk depuis qu'elle a pris ses distances avec ses expériences progressives. Tic, et c'est le rock un peu fade de "War Child", tac et c'est le folk sophistiqué et complexe de "Minstrel In The Gallery", tic, retour au rock désabusé de "Too Old To Rock'n'Roll", tac, "Songs From The Wood" déboule avec son folk médiéval.

Dans ce match que se livre à lui-même le groupe, c'est sans conteste ses albums à tendances pastoralo-acoustiques qui l'emportent, le style semblant aller comme un gant à Ian Anderson et ses acolytes. "Songs From The Wood" ressemble donc au petit frère de "Minstrel In The Gallery", un petit frère qui, tirant probablement leçon des reproches faits à son ainé, a affiné ses mélodies, gommant les aspérités que l'on pouvait trouver sur l'album de 1975.
Néanmoins, tout en prodiguant des mélodies plus accessibles, moins cérébrales, Jethro Tull a su éviter le piège de la fadeur et du manque de personnalité, exploit qu'il ne rééditera malheureusement pas sur l'album suivant. Car le tour de force de "Songs From The Wood" est bien d'aligner des titres aux mélodies facilement mémorisables, où rien ne vient froisser l'oreille, tout en procédant à de fréquents changements de rythmes, en jouant avec l'opposition ou la superposition des instruments, en enrichissant chaque chanson d'une multitude de détails et d'une orchestration fouillée. Des chœurs a cappella de 'Songs From The Wood' aux ruptures de l'orgue de 'Hunting Girl', de l'introduction médiévale raffinée de 'Velvet Green' à l'enthousiasme communicatif de 'The Whistler', des riffs sombres et inquiétants introduisant 'Pibroch' à la préciosité d'une troublante beauté qui clôt ce même titre, l'auditeur découvre avec délice au fil des écoutes une profondeur qu'il était loin d'imaginer.

Compagnon de route depuis "War Child", David Palmer intègre pour la première fois le line-up officiel du groupe, portant à deux le nombre de claviéristes, sans pour autant que les parties d'orgues et de piano n'étouffent les autres instruments. La flûte est pratiquement omniprésente d'un bout à l'autre de l'album, plus souvent pastorale que guerrière, retrouvant un soupçon d'agressivité sur la première partie de 'Pibroch' uniquement. Quant à Martin Barre, s'il ne se lance pas dans des solos de guitare ébouriffants, il tisse, tel un orfèvre, une toile de cordes d'une remarquable densité.
Avec "Minstrel In The Gallery" et "Songs From The Wood", Jethro Tull invente le concept du folk-progressif, un folk où, à des formats plutôt courts faits tantôt de litanies qui tournent en boucle, tantôt de classiques alternances de couplets / refrains, viennent se mêler des éléments exogènes, à dose pas si homéopathique qu'il n'y paraît, mais introduits d'une façon si subtile qu'ils semblent naturels.

"Songs From The Wood" est une excellente introduction au monde de Jethro Tull, apte à satisfaire les plus exigeants. Ceux dont les goûts les portent à une certaine simplicité pourront poursuivre agréablement leur exploration avec les deux albums qui suivront. Les adeptes d'expériences musicales plus audacieuses pourront sans hésitation se repaître de "Minstrel In The Gallery" avant de s'attaquer au monumental "A Passion Play". Remarquablement interprété, cet album est l'un des plus aboutis que le groupe ait commis.

CORTO1809

[alcat01]

1076

Un album avec de nouveaux enregistrements de vieux succès de Pure Prairie League de 1971-1987 est sorti en 1987.
Intitulé "Mementos 1971-1987", il contenait des réenregistrements de leur matériel le plus connu ainsi que quatre nouvelles chansons.

Il a été publié sur un petit label du nom de Rushmore en Décembre 1987 et il a été enregistré en Ohio, où le groupe était de retour chez lui.
Il présentait des apparitions invitées de nombreux anciens membres du groupe, y compris Gill, Powell, les Goshorn, Call, Burr, Rosenblatt et Mike Hamilton.

[alcat01]

perso, je descend du bus de Jeff Beck ici - ou plutôt avec le suivant (assez médiocre comparé aux précédents), car celui-ci est mon préféré. Ses 80's furent catastrophiques à mes yeux (enfin surtout mes oreilles). Pourtant la seule fois où je l'ai vu, c'était à Toronto pour la tournée de Flash (je crois). Pas une soirée inoubliable, qui plus est.

J'ai repris le bus pour son dernier tronçon, sans avoir acheté ses albums de l'époque. En effet, le Jeff s'est fait fort de lancer des nanas dans le métier, notamment l'excellente (et mignonne, ce qui ne gâche rien) bassiste Tal Wilkenfied , Carmen Vandenberg, et le dernier duo avec les deux nanas - dont le nom m'échappe pour l'instant.

J'aime écouter l'un de ses derniers disques mais ce n'est plus la passion que j'avais de l'époque!
J'écoute plus les performances guitaristiques que les morceaux par eux-même!

[alcat01]

1077

1976 Ladies' Choice
Les compétences du Michael Stanley Band se sont manifestement accrues avec son deuxième album, Ladies' Choice de 1976.
Il penche également plus vers les rocks que vers les ballades, alors que le contenu de l'album You Break It, You Bought It ! de l'année précédente était plus équilibré. Une fois de plus, Bill Szymczyk s'occupe de la production et Ladies' Choice poursuit la pratique de Stanley qui consiste à inviter des musiciens de renom à participer à certaines sessions.
"Ladies' Choice" a un côté country-rock et MOR, mais Stanley dit dans les notes de la pochette de la réédition de Razor & Tie que Szymczyk le considérait comme un morceau de reggae. "Calcutta Auction " est un funk-rock fluide mis en valeur par la voix grinçante de Stanley et les solos bourdonnants et surmultipliés du guitariste Jonah Koslen. L'hymne contagieux de Koslen, "Strike up the Band", est immédiatement devenu l'un des morceaux favoris du groupe, qui l'a intégré à son répertoire pendant des années. "Heavy Weight" est un hard rock mid-tempo, et Seth Justman du J. Geils Band est à l'orgue. "One Good Reason" est l'une des chansons les plus créatives que le Michael Stanley Band ait jamais enregistrées. Le bassiste Daniel Pecchio et le batteur Tom Dobeck mènent la chanson avec un rythme lent, funky et décalé, tandis que l'invité David Sanborn apporte des lignes de saxophone alto tour à tour fumantes et brûlantes et que les accents pulsés du synthétiseur de l'invité Albhy Galuten ajoutent la touche parfaite. Selon les commentaires de Stanley dans les notes de pochette, le rock brillant "Let It Slide" est une copie de "Already Gone" des Eagles. La ballade au piano de Koslen, " Blue Jean Boy ", est une rumination intelligente sur la vie sur la route et le fait de s'installer; c'est le genre de chanson qu'Elton John et Bernie Taupin auraient écrite. Stanley admet joyeusement que le court instrumental "Choice and Sanborn" n'était qu'une excuse pour que Sanborn reste dans le studio et joue encore un peu.

Bret Adams

[alcat01]

1078

Kapt. Kopter & The (Fabulous) Twirly Birds
Cela a dû être tout un paradoxe pour Randy California quand est venu le temps de faire cet album. Jimi Hendrix était un bon ami, l'ayant employé dans deux groupes new-yorkais différents alors qu'il n'était qu'au milieu de son adolescence. Hendrix lui avait même donné le nom de famille California pour le distinguer des autres Randy du groupe Jimmy James. Ainsi, le décès d'Hendrix a frappé fort, tout comme la rupture de Spirit, l'un des groupes les plus sous-estimés de l'époque.
Alors California, son beau-père et batteur de Spirit Ed Cassidy se rendent en studio pour ce que beaucoup considèrent comme un hommage à Hendrix. Mais lorsque vous rendez hommage, en particulier à un bon ami aussi connu, il peut être difficile de résister à la tentation de simplement copier ce que votre mentor a fait, même lorsque vous êtes un musicien aussi doué que Randy California.
Le fait est que quand il le fait, c'est quand l'album est le plus intéressant. Cela commence dès le départ avec le morceau le plus fort de l'album, "Downer", qui est un grand rock qui suinte de l'influence d'Hendrix, et l'élan maintient l'excellente reprise de The Beatles "Day Tripper" que bien sûr Hendrix avait repris de temps en temps. Mais "Mother and Child Reunion" de Paul Simon était un choix terrible pour une chanson de reprise et les choses restent médiocres jusqu'à la fin.
C'est dommage, car il y a tellement de potentiel dans cet album. Et bien que ce potentiel devient une excellence à part entière suffisamment de fois pour recommander l'album, il ne se manifeste pas suffisamment de fois pour en faire un véritable classique.

screwball

[alcat01]

1079

The Electric Light Orchestra– ELO 2
Le premier album d'Electric Light Orchestra était un curieux mélange de thèmes classiques, de pop inspirée et de musique expérimentale, essentiellement dû à la rencontre des deux personnalités complémentaires de Roy Wood et Jeff Lynne. Les deux hommes ont chacun leur caractère bien trempé et des styles distincts qui cohabitent plus qu'ils ne fusionnent. Sur "ELO 2", la donne change. Roy Wood quitte le navire au beau milieu de l'enregistrement et s'en va fonder Wizzard, laissant Jeff Lynne seul maître à bord après Dieu, selon l'expression consacrée.

Avec ce départ, c'est tout le pan expérimental qui va disparaître, gommant ce que la musique du premier album pouvait avoir de surprenante, voire de dérangeante. Néanmoins, le disque ne sombre pas dans une pop simpliste. Jeff Lynne a un sens inné de la mélodie qui ne se démentira jamais, et l'influence des Beatles est omniprésente. Autre présence affirmée, une section de véritables cordes constitue la colonne vertébrale des titres, donnant une légère touche classique à l'album, plus dans sa sonorité que par ses compositions. Un violon et deux violoncelles viennent ainsi combler le vide laissé par Wood, volant bien souvent la vedette aux guitares et aux claviers, et vont pour longtemps participer au son original du groupe.

"ELO 2" contient cinq titres dont le plus court avoisine les sept minutes et visite un rock dynamique, inspiré, mélodieux, parfois d'une grande poésie, comme lors du break piano/violon de 'From The Sun To The World'. Le jeu des instruments est fusionnel, les thèmes dérivés du classique ou du folklore se mêlent harmonieusement aux riffs les plus rocks, le point culminant étant probablement la reprise de 'Roll Over Beethoven' de Chuck Berry, s'ouvrant sur la 5ème du compositeur allemand avant d'enchainer avec un rock'n'roll exécuté dans les règles de l'art entrecoupé d'un solo de violon aux arrangements précurseurs de la touche ELO. Tout est dit: Jeff Lynne a réussi à inventer un style musical partant d'une structure rock assez basique qu'il complexifie ou détourne en douceur puis qu'il agrémente d'orchestrations généreuses et de chœurs luxuriants. Ni classique, ni rock, ni pop, ni mièvre, ni austère, ni simpliste, ni cérébrale la musique surfe sur tous ces qualificatifs pour se révéler plaisante et originale.
"ELO 2" fait partie de ces albums intemporels, un peu naïfs mais nimbés d'un charme surnaturel. Il ne s'agit pas d'un disque d'exception que tout mélomane se doit de posséder absolument, mais simplement d'une œuvre de qualité conservant toute sa fraicheur au fil d'écoutes répétées.

Post-scriptum : attention à ne pas confondre "ELO 2", second album d'Electric Light Orchestra et "ELO Part II", émanation du groupe originel fondée par le batteur Bev Bevan qui s'entoure pour l'occasion de quelques membres d'ELO tels le violoniste Mik Kaminski, le violoncelliste Kelly Groucutt ou le chef d'orchestre Louis Clarck et qui enregistrera les albums "Electric Light Orchestra Part Two" et "Moment Of Truth".

musicwaves

[Monsieur-Hulot]

"Songs From The Wood" est une excellente introduction au monde de Jethro Tull, apte à satisfaire les plus exigeants. ..... Les adeptes d'expériences musicales plus audacieuses pourront sans hésitation se repaître de "Minstrel In The Gallery" avant de s'attaquer au monumental "A Passion Play". Remarquablement interprété, cet album est l'un des plus aboutis que le groupe ait commis.

CORTO1809


[/quote]

Oh que OUI !

[alcat01]

1080

Tapiman - Tapiman (1971)
Au début des années 70, l’Espagne est toujours sous l’emprise de la dictature de Franco. Malgré quelques ouvertures, le rock est un genre mal vu dans la Péninsule Ibérique. Pourtant un grand mouvement culturel voit le jour vers la fin des années 60 dans le Pays Catalan. Inspirés par le courant psychédélique anglo-saxon des groupes comme Maquina!, Tapiman, Evolution et Pan y Regaliz apparaissent. Ces formations auront l’occasion de participer en 1971 au festival de Granollers, considéré comme le Woodstock espagnol, avec en tête d’affiche Family.

Tapiman est créé an 1970 à l’initiative du batteur Joseph Vilaseca après la séparation de Maquina!. Ce dernier est plus connu sous le pseudo de Tapi car à l’époque il squatte la rue de Tapiolas de Barcelone. Il est rejoint par le guitariste Miguel Angel Muñez. Les deux compères décident de baptiser le groupe Tapiman qui est la contraction du surnom de l’un et les initiales de l’autre. L’idée étant de former un power trio, le line-up est complété par le bassiste Pepe Fernandez.
Se faisant une solide réputation, le trio enregistre un 45tours « Hey You/Sugar Stone » qui permet au groupe de se produire dans les clubs les plus côtés d’Espagne. Le succès montant, il est même envisagé une tournée américaine en première partie de Mountain et de Jefferson Airplane. Malheureusement le projet capote. En effet, Miguel Angel Muñez décide de claquer la porte. Les membres restants recrutent en remplacement le guitariste Joaquim Max Sunyer. Ce nouveau line-up grave en 1972 un album éponyme.

Constitué de 10 chansons, ce premier essai propose un excellent album de heavy rock psychédélique par moment bluesy par endroit pesant. Entre Cream et Black Sabbath on y trouve des titres fracassants comme « Wrong World » en ouverture, « Donґt Ask Why », « Practice », « No Control »… On y entend des ballades comme Jenny et Paris dans un registre plus désenchanté pour cette dernière avec cette guitare acid blues et cet orgue caverneux. On y écoute des pistes plus pop comme « Gosseberry Park » et « No Change ». Cet opus se termine par la longue piste qu’est « Driving Shadow (Pepeґs Song) » proche des 8 mn pour un délire sous acide, malsain hystérique et hallucinatoire, stoner avant l’heure avec riffs bourrés au kérosène.

Peu de temps après, Joaquim Max Sunyer quitte le navire pour une carrière prometteuse au sein d’Iceberg dans une orientation jazz fusion. Tapiman fera de nouveau parler de lui avec un second album publié en 1979 intitulé En Ruta. Puis viendra le temps des désillusions et des séparations. Tapiman a été réédité en CD par Picap en 2012.

jeanjacquesperez

[alcat01]

1081

"Pause For A Hoarse Horse" de Home est un délice inattendu. La description de genre de groupe, sous leur titre, est à la fois "rock progressif" et "country rock britannique" et qui couvre essentiellement les bases de ce que ce groupe fait musicalement, bien que l'élément "progressif" réside davantage dans l'excentricité des structures des chansons et parfois la fantaisie lyrique que n'importe quel "son" prog réel.
C'est souvent, d'un point de vue purement instrumental, très semblable à un mouton noir issu d'une union entre Family et Badfinger, même si j'imagine qu'ils aspiraient à un son plus proche de celui de The Band. J'aime The Band mais je suis content que le son de Home soit plus proche des deux groupes précédents. Je suppose qu'il y a aussi une touche occasionnelle de CCR ici et là, ce qui était probablement difficile à éviter étant donné qu'ils font si bien cela.
L'attraction principale est le brillant jeu de guitare en duel de Mick Stubbs (qui contribue également une bonne quantité de guitare à 12 cordes ici) et Laury Wisefield, qui bien sûr continuera à travailler avec Wishbone Ash. Ils sont inlassablement créatifs, sur une chanson subtile et introspective, puis sur la suivante, la déchirant dans une course vers la ligne d'arrivée. Le son de guitare de Wisefield est immédiatement identifiable et il mérite une reconnaissance plus large. Il contribue ici à une cueillette incroyablement agile et rapide, évoquant ce côté sud américain qui a apporté une injection d'adrénaline et d'atmosphère à des albums de Wishbone Ash tels que "Locked In", "New England" et "Just Testing". Je dois également mentionner que ce type de Mick Stubbs, dont je n'avais jamais entendu parler auparavant, est un type assez talentueux.
Des trucs comme l'ode qui est la chanson titre, "Pause For A Hoarse Horse", l'accrocheur "In My Time", "Red E. Lewis And The Red Caps" et "Tramp" attirent votre attention et vous fait chanter avec un nouveau twang trouvé dans votre voix. "Welwyn Garden City Blues" est une véritable rave de guitare country et c'est dommage que ce ne soit pas quelques minutes de plus parce que ça fait battre le pouls. Curieusement, en écrivant cette critique, j'ai remarqué que le violoniste contemporain de Family, Johnny 'Willie' Weider joue sur les morceaux "Mother" et "You're No Good", ce qui explique en partie l'ambiance Family de certains d'entre eux... mais pas complètement, car il n'apparaît que sur ces quelques chansons. Vous savez, l'influence est principalement due au fait que Family cartobbait à l'époque et ces gars-là l'ont évidemment juste remarqué. L'album sez clôt par "You're No Good" qui est l'une de ces chansons de bien-être qui sont si contagieuses que c'en est idiot. Je vous le dis, vos pieds taperont dessus - ou si votre doigt paralysé ou même une paupière (une paupière tapotante ?) prendra inconsciemment le rythme jusqu'à ce que vous soyez libéré !
L'ajout de Mellotron par Clive John sur "Bad Days" et "Red E. Lewis .." se marie bien avec les guitares de Stubbs et Wisefield et offre des détours intéressants. Et sur un autre sujet en complèment, peut-être que l'on ne se souvient pas de Stubbs parce qu'il ne rocke douloureusement pas.
Pensez à Jimmy Page, Jimi Hendrix, Rory Gallagher, Ritchie Blackmore ou encore Roine Stolt. Il y a juste quelque chose dans ces noms qui ressemble, vous savez, au ROCK AND ROLL, tandis que Stubbs ressemble au nom d'un boxeur ou d'un pote du pub. Juste une pensée. Pour tous les fans de fait d'AC/DC, vous pourriez être intéressé de trouver Cliff Williams en tant que bassiste sur cet album et toute pensée de ses contributions plutôt limitées et directes (lire simplistes) sur ces albums d'AC/DC est balayée par certains, si ce n'est incroyable,

Ce n'est qu'une de ces surprises obscures mais formidables sur lesquelles vous tombez parfois.

Godwaffle

[alcat01]

1082

Bursting Out (1978)
A l'heure où paraît le premier live complet de JETHRO TULL (et double, s'il vous plait), le groupe est au sommet de son art. Songs From the Wood a largement redoré son blason après quelques passages à vide, et le petit dernier Heavy Horses s'est inscrit dans la même lignée, celle d'un folk-rock pour le moins jouissif. Le groupe sait qu'il peut partir tranquille en tournée, et ce live vient illustrer les concerts fiévreux d'alors.

C'est qu'il est très rock, ce Bursting out. Il conserve une âme folk "par moments", mais ça part assez dans tous les sens, chose qui déplaît à certains amateurs des deux derniers albums que je connais et qui m'a tenu éloigné du live pendant longtemps. Déjà, je n'étais pas intéressé par les live de JETHRO TULL pour une raison inconnue et la tracklist de celui-ci ne me plaisait pas franchement, le CD 2 surtout. Hein ? Oui, je sais qu'y a des classiques, mais une bonne fois pour toutes, Aqualung est loin d'être le meilleur album de JETHRO TULL, à plus forte raison quand on ne connaît que lui. Les versions live des trois "tubes" sont intéressantes et parfois "poutrantes", mais ne représentent pas les points forts de ce live. Pas plus que d'autres chansons d'ailleurs.

En fait, Bursting out est un bon live, convenable malgré sa longueur conséquente. Mais, à de rares moments se produit l'étincelle comme quand on découvre les albums studio. Les avantages ne manquent pas, les morceaux folk sont toujours aussi classieux - et avec les applaudissements ça le fait -, "No Lullaby" passe mieux qu'en studio, mais c'est peut-être parce qu'il y a d'autres morceaux du même tonneau. Enfin, quoiqu'il en soit, sans vouloir paraître trop sévère, on passe un bon moment en écoutant le disque. Si je garde une réserve, c'est peut-être à cause de la présence d'inédits sympathiques mais qui servent souvent seulement de transition ou d'introduction et ne restent pas forcément indispensables, à l'exception de "Sweet Dream", un des highlights de ce live et aussi de "Conundrum" pour le solo de batterie. Autre raison : les deux derniers albums sont trop peu représentés (deux ou trois morceaux chacun, pas plus) et parfois pas par les meilleures pièces, la preuve avec "No Lullaby" ou "Hunting Girl". Il aurait été intéressant d'entendre des titres du calibre de "The Whistler", de "Acres Wild". Au lieu de cela, on a des titres au rendu appréciable encore une fois mais qui forcent la frustration, comme l'improvisation de flûte (j'adore cet instrument, mais quand Ian Anderson fait le guignol, ça devient vite limite), "Too Old to Rock'n'Roll : Too Young to Die" seul représentant d'un album bancal - et qui est lui aussi sur le fil du rasoir -, ou même "New Day Yesterday" qui reste le titre le plus thiswasien de ce génial album qu'est Stand Up, et donc pas le meilleur malgré un bon esprit blues-rock. A contrario, on se délecte de la version présente de "Thick as a Brick", une sorte de medley de la première partie concensée sur une douzaine de minutes, donc plus courte que l'originale, mais assez longue pour qu'on en profite bien. A noter que tous les albums depuis Aqualung ont leur part dans ce live, à l'exception évidemment du très controversé A Passion Play.

Le groupe en était alors à sa meilleure formation depuis ses débuts, avec bien sûr ces deux fous de Ian Anderson et Martin Barre, gardiens sacrés du temple, ainsi que les puissants Barriemore Barlow et John Glascock (qui décèdera quelques mois plus tard), sans oublier la paire de claviéristes essentielle John Evan et David Palmer. C'est un fait rare, mais il convient de savourer des moments comme "Skating Away on the Thin Ice of the New Day" où le groupe rock pose les instruments et s'amuse avec d'autres inédits comme le marimba (Barre), l'accordéon (Evan), ou encore la guitare électrique mais par Glascock. A part cela, Palmer se réserve un petit solo de saxophone sur "Too Old to Rock'n'Roll..." et c'est quasiment tout. Si le disque présente des imperfections assez marquées pour être frustrantes, il est à posséder au moins pour la cohésion de ces fabuleux musiciens.

MARCO STIVELL

[alcat01]

1083

Le fondateur Craig Fuller et le bassiste et leader de longue date Mike Reilly ont commencé à concrétiser leur vision du retour de Pure Prairie League vers l'an 2000.
Certains des meilleurs musiciens disponibles se sont joints à eux: Curtis Wright, chanteur-compositeur-guitariste qui a écrit et joué avec les meilleurs artistes Country d'aujourd'hui, Rick Schell, co-fondateur du groupe Pinmonkey, à la batterie et Fats Kaplin à la pédale steel, au violon, à la mandoline, à la planche à laver et à l'accordéon.

Le groupe a joué sur une base limitée pendant quelques années, puis a adopté une approche plus agressive en 2005, en tournée nationale devant des foules follement enthousiastes.
Rejetant plusieurs offres de contrat, Pure Prairie League a opté pour un contrôle artistique total.
Après la mort de Connor, le groupe a repris sa tournée avec une formation composée de Fuller, Reilly, Schell, Wright et Kaplin (quand il était disponible) et a sorti "All in Good Time" en Novembre 2005. Leur premier album en 18 ans, cette sortie est apparue sur le petit label de Drifter's Church.

De riches harmonies, un chant exceptionnel, une écriture supérieure, un ton musical revigorant et expert, étaient tous des termes utilisés pour décrire Pure Prairie League au fil de toutes ces années.
"All In Good Time" offre tout cela et en grand style. À bien des égards, il dépasse les attentes.
Et les attentes sont élevées avec le groupe. Et pourquoi pas? "Pure Prairie League", "Bustin' Out", "Two Lane Highway", "Live! Takin 'The Stage" et "Firin' Up" sont parmi les sorties du genre les plus acclamées par la critique.
Pure Prairie League a mis au point une version qui se perpétue dans la plus fière des traditions, celle qui a vu certains des musiciens les plus talentueux et les plus réussis de notre temps la traverser. On peut ajouter ce CD à la liste des classiques du groupe.

"All In Good Time", avec des ponts accrocheurs et des paroles astucieuses, est un affichage éblouissant de morceaux qui vous capturent immédiatement.
Le retour de Fuller et la présence de Reilly l'ont pratiquement garanti, mais le talent unique et immense de chaque membre de ce groupe amène vraiment cela à un niveau d'excitation similaire à l'apogée de l'âge d'or du Country Rock.
Le travail de Kaplin brille tout au long de ce CD et Schell offre un superbe fond de rythmique et de superbes harmonies.
Contrairement à de nombreux groupes qui se réunissent mais n'ont rien de significatif à dire, "All In Good Time" rugit.
Tout est là. Les chansons joyeuses et optimistes traitant des relations et de la vie ("Gettin' Over You", "Don't Go Confessing Your Love", "Walking In My Sleep", "That Changes Everything Again"), aux airs plus graves et émouvants qui exploitent vos émotions ("I Sure Ne vous manquez pas maintenant, une de ces choses, rien de tel que le solitaire) à la vision réfléchie et fantaisiste de "Meant To Be".
Fuller est un maître dans la livraison d'une chanson dans un style qui vous oblige à faire attention, sa voix est toujours aussi belle. Les guitares acoustiques et électriques sont nettes et inventives. Les dispositions clairsemées fonctionnent parfaitement, car le groupe s'appuie judicieusement sur sa propre production, sans besoin d'améliorations de production supplémentaires. Les chants principaux de Wright sur deux chansons, "Here Tomorrow, Gone Today" et "If You Say What I'm Thinking" sont fluides et puissants. "If You Could Say What I'm Thinking", un morceau live tiré d'un spectacle de retrouvailles à Chillicothe, dans l'Ohio, présente les légendaires co-fondateurs John David Call à la pédale steel et George Ed Powell à la guitare. Le rugissement de la foule de la ville natale ajoute à l'excitation. Une performance enthousiaste, l'enregistrement est impeccable.
"Cajun Girl", de la période Little Feat de Craig, est une interprétation entraînante et animée avec un accordéon sensationnel. Les fans plus pleins qui prospèrent sur son état d'esprit plus endurci et sérieux se retrouveront sans aucun doute installés dans "The Cost Of Doing Business", un air puissant écrit avec Wright. Un commentaire brutalement honnête sur la scène musicale à Nashville, la chanson donne un aperçu des difficultés du dilemme d'un auteur-compositeur-interprète et sert à la fois de vérification de la réalité pour les musiciens en herbe et de réflexion émouvante de ceux qui y ont été.

Pure Prairie League fait ce qu'il a toujours fait: les musiciens restent fidèles à eux-mêmes, créant un son qui ne compromet pas leur vision, mais parvient à capturer les oreilles de leurs fans adorés de "prairiedog", ainsi qu'une nouvelle légion d'auditeurs. S'il existe une formule pour la longévité et le succès de ce groupe, cela pourrait très bien être le cas.

Pure Prairie League a défié les probabilités tout au long de sa carrière. "All In Good Time" fait certainement cela et plus encore, nous ramenant aux racines du Country Rock avec une attitude fraîche et actuelle, qui nous fait regarder demain pour toujours plus.

[alcat01]

1084

"On The Third Day", le premier album de Jeff Lynne en tant qu'unique auteur-compositeur et leader de l'Electric Light Orchestra, est l'un de mes disques préférés du catalogue ELO. L'influence des Beatles est extrêmement lourde, surtout pendant les quatre premiers titres qui sont arrangés et séquencés pour former une suite continue de chansons. Cela dit, c'est un disque légèrement inégal, se sentant comme un album de deux moitiés avec le matériel le plus récent au début de l'album (les quatre premiers morceaux présentent leur nouveau violoniste de l'époque, Mik Kaminski) avec du matériel restant du "ELO 2 ” sessions utilisées pour remplir la deuxième face. Le single "Showdown" a été inséré à la fin de la première face de la sortie américaine (puis lors des rééditions ultérieures au Royaume-Uni) et, grâce aux écoutes répétées et à la familiarité, est devenu autant une partie de l'album que le reste de les chansons.
Sur le plan de la composition, "On The Third Day" est extrêmement fort. Les quatre chansons simultanées qui étaient, dans leur ensemble, un morceau de musique continu remplissant entièrement la première face du LP original, étaient sans doute le travail le plus accompli de Jeff Lynne jusqu'à ce moment-là et elles sonnent toujours plutôt brillantes plusieurs décennies plus tard. Il y a tellement d'éclat et de drame dans l'étonnant premier morceau, "Ocean Breakup/King Of The Universe", qu'il attire immédiatement l'attention de l'auditeur avant que la musique ne se transforme sans effort en le magnifique Beatlessien "Bluebird Is Dead", une chanson avec un refrain qui se construit si magnifiquement, la sortie est proche de l'orgasme et un fantastique solo de guitare à l'envers. "Oh No, Not Susan" est un morceau de mélancolie sublime et mélodique, décrivant la vie d'une personne riche, mais seule et aliénée, woman et le dernier morceau de la suite de quatre chansons est le magnifique "New World Rising/Ocean Breakup (reprise)", qui propose des intermèdes instrumentaux à couper le souffle et en cascade ainsi qu'un magnifique solo de violon de Mik Kaminski. L'un des singles classiques d'ELO, "Showdown" s'avère un bonus supplémentaire pris en sandwich entre ce qui était la première et la deuxième face du disque original et est l'une de ces chansons magiques et intemporelles de Jeff Lynne qu'il est extrêmement difficile de se lasser d'écouter.
L'instrumental "Daybreaker" donne le coup d'envoi de ce qui était autrefois la face deux du disque et, mon garçon, quel morceau de musique fantastique c'est. Excitant et exaltant, il a utilisé les synthétiseurs étincelants de Richard Tandy aux côtés du formidable travail de violon de Wilf Gibson et d'une brillante performance de batterie de Bev Bevan. "Ma Ma Ma Belle" est l'un des rocks les plus convaincants du répertoire de Jeff et l'ajout (non crédité) de Marc Bolan à la guitare et a cet incroyable son plein qui a fait de la fusion rock/orchestre une combinaison si excitante. Également enregistré avec Bolan, le sensationnel "Dreaming Of 4000", avec toute la splendeur de ses cordes entraînantes et de ses paroles paranoïaques, est probablement le morceau le plus négligé de l'album et a certainement l'un des crescendos et des climax les plus remarquables de toutes les chansons que Jeff a écrit. L'album se termine par le susmentionné "In The Hall Of The Mountain King" qui, certes, est le morceau le plus dispensable de l'album, mais qui est vraiment très agréable à écouter, surtout lorsque la batterie de Bev annonce sa présence avec la subtilité d'un marteau de forgeron. Ce n'est certainement pas mauvais, mais cela ne rentre tout simplement pas dans un album avec, sinon, un programme de chansons aussi brillamment créatif.
Le troisième album d'ELO annonce le début du son d'Electric Light Orchestra, car la plupart des fans traditionnels finiront par les reconnaître. Bien que l'éclat et le poli ne soient pas tout à fait là sur cette version, les chansons pop plus courtes et d'influence classique sont beaucoup plus reconnaissables comme étant similaires au style de la sortie ultérieure de Lynne que les aspirations prog-rock des deux premiers albums studio. Les compositions sont toujours extrêmement ambitieuses et les arrangements brillent par leur exubérance et leur flamboyance, mais les expérimentations baroques des deux premiers albums sont bel et bien dépassées en ce moment charnière de l'histoire du groupe. Les violoncelles sciés, le son des cordes live légèrement éraflé et, aussi bonnes que soient les performances vocales, la légère dureté de la piste vocale suggèrent tous que Jeff perfectionnait encore son métier de producteur.
Cela dit, J'adore la façon dont cet album sonne; les performances ont tellement de vie et de caractère et les cordes jouent un rôle si important dans la vitalité et l'attrait de "On The Third Day" que je ne voudrais pas l'entendre autrement.

andrewdsweeney

[Cooltrane]

les pochettes alternatives de 2 ( à noter l'autre manière d'écrire 2/II) et Third (triple pochette)



https://www.discogs.com/fr/release/3324 ... chestra-II

https://www.discogs.com/fr/release/1493 ... -Third-Day

[Algernon]

Home : belle découverte tardive (une vendange), je ne sais plus si c'était par le forum, un blog ou Discogs.
Étant donné que yé soui oune affichedoneàdos du Wishone Ash sous Wisefield, j'étais aux anges.

[alcat01]

1085

L'album live Stage pass du Michael Stanley Band est un bel exemple d'expérience de concert rock & roll sans fioritures.
Le quintette de Cleveland a enregistré ce double album au cours de trois nuits consécutives en octobre 1976 à l'Agora Ballroom de leur ville natale, qui a été détruite par un incendie quelques années plus tard.
Cinq des chansons de Stage pass sont nouvelles. Le groupe travaillait sur un album studio à l'époque, mais dans les notes de pochette de la compilation Right Back at Ya (1971-1983) de 1992, Stanley déclare qu'Epic Records voulait un album live pour capitaliser sur le succès phénoménal de Frampton Comes Alive ! de Peter Frampton.
Le premier morceau, "Midwest Midnight", est un rock entraînant avec la voix narquoise de Stanley et des paroles cyniquement venimeuses et anti-music biz - bien que le premier couplet parle de masturbation. "Real Good Time", écrite et chantée par le bassiste Daniel Pecchio, commence comme une ballade mélancolique, prend de l'élan, puis redescend. "Nothing's Gonna Change My Mind" est un solide morceau pop-rock écrit et chanté par le guitariste Jonah Koslen. "Movin' Right Along" est un morceau de 9½ minutes de jam mis en valeur par le solo de piano jazzy du claviériste Bob Pelander. "Waste a Little Time on Me" est une ballade paresseuse qui rappelle étrangement Jimmy Buffett. Wild Sanctuary" de Koslen est un rocker décalé. "Let's Get the Show on the Road" donne au groupe de Stanley une autre occasion de s'étirer. La chanson préférée de Koslen, "Strike Up the Band", clôt Stagepass.

La couverture de l'album est également superbe.

Bret Adams