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[Monsieur-Hulot]

Voir pages 78 et 79!
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...et tous ces Jethro Tull, quel bonheur !!!

[alcat01]

1099

1974 The Souther-Hillman-Furay Band
Lorsque David Geffen a convaincu Richie Furay, Chris Hillman et J.D. Souther d'unir leurs forces pour former un supergroupe country-rock, la suggestion semblait inspirée.
Le folk-rock de Crosby, Stills & Nash avait fait un tabac avec une idée similaire, tandis que des groupes comme the Eagles, qui ont enregistré pour Asylum Records de Geffen, ont fait quelques vagues commerciales ces dernières années.
Mais malgré les attentes élevées et l'histoire de ses membres, le premier album éponyme du Souther-Hillman-Furay Band en 1974 n'a jamais vraiment tenu ses promesses. Le trio, accompagné du steel guitariste Al Perkins, du batteur Jim Gordon et de Paul Harris au piano, livre une collection de dix morceaux agréables, mais globalement quelconques, dans la veine country-rock des auteurs-compositeurs-interprètes.
Chacun d'entre eux laisse entrevoir les gloires du passé, mais seul Furay s'y attache vraiment. Son "Fallin' in Love", qui ouvre le disque, est un rock gagnant, à la manière de Poco, tandis que "Believe Me" est de loin le plus beau morceau. En revanche, à l'exception de deux modestes réussites, dont le légèrement funky " Border Town " et le rock & roll direct de " Safe at Home ", les contributions de Souther et Hillman sont plutôt légères. Même "Heavenly Fire", l'hommage sincère de Hillman à son ancien compagnon de groupe Gram Parsons, décédé quelques mois plus tôt, est un peu terne et pâlit en comparaison de "My Man" des Eagles, enregistré la même année.
Pourtant, il devrait y avoir suffisamment de choses ici - notamment grâce aux morceaux de Furay - pour que la plupart des fans y trouvent un intérêt modéré.
Publié à l'origine par Asylum en 1974, The Souther-Hillman-Furay Band a été réédité en CD par le label Wounded Bird en 2002.

Brett Hartenbach

[alcat01]

1100

Rapidement, après le départ de Michael Schenker pour U.F.O., la nouvelle composition du groupe Scorpions, Klaus Meine - chant, Ulrich Roth - guitare, guitare solo, chant sur "Drifting Sun" et "Fly to the Rainbow", Rudolf Schenker - guitare, chant sur "They Need a Million" et "Drifting Sun", Francis Buchholz - basse, et Jürgen Rosenthal - batterie, se met au travail et enregistre en 1974 cet album judicieusement intitulé "Fly To The Rainbow".
Paru en 1974, le LP est encore profondément marqué par le psychédélisme du premier album (on peut noter d'ailleurs la contribution de Michael Schenker sur deux titres), mais le changement de line up intervenu entre les deux productions se ressent vraiment fortement à l'écoute des sept nouvelles chansons.
Marqué par le psychédélisme hendrixien totalement assumé de Roth, cet opus marque également un éloignement des ambiances éthérées du premier album et l'évolution vers un Hard Rock plus mordant et structuré. Les solos d'Ulrich et la basse claquante de Francis Buchholz apportent un style nouveau, plus aérien et un titre comme "Speedy's Coming" laisse augurer le son du groupe dans les années 70. Ce morceau et la chanson "Fly to the Rainbow" sont d'ailleurs devenus des classiques en concert et figurent, par exemple, sur l'album live "Tokyo Tapes" de 1978.

Dégageant une puissance et une énergie incroyables pour l'époque, "Speedy's Coming" introduit idéalement l'album: on ressent tout de suite toute l'urgence et l'envie d'en découdre qui caractérisent le groupe à l'époque. Roth fait virevolter sa guitare dans des solos et des harmonies d'un autre monde, alors que Klaus Meine s'impose comme un excellent vocaliste au coffre et au timbre de voix d'une pureté et d'une puissance admirables. Repris plus tard par Van Halen, ce titre-hommage à l'énergie sans borne de Rudolf Schenker (surnommé Speedy par ses comparses) s'impose comme une pierre de touche d'une incroyable efficacité.
Décoiffante entrée en matière, cette violence toute maîtrisée se retrouve également dans le mid-tempo sombre et torturé "Drifting Sun", seule composition intégralement signée de Roth sur cet opus. Véritable cour de récréation, ce morceau plus technique le voit user de sa guitare mais aussi de sa voix, fascinante pour certains, mais aussi insupportable pour d'autres.
Aérien et doté de touches progressives, "Fly to the Rainbow" est un album varié qui montre déjà toute l'étendue de l'immense talent de Scorpions. Comment ne pas succomber en effet aux arpèges introductives de "They Need a Million", qui laissent à peine préfigurer une deuxième partie de morceau bien plus agressive et faisant la part belle aux claviers du discret Achi Kirschnning (celui-ci ne se produira jamais en live avec le reste du groupe)? Comment rester insensible au charme de "Fly People Fly", transcendée par le chant cristallin de Klaus Meine? Cette fausse ballade préfigure cette tendance future à mêler puissance musicale et déluge d'émotions, faisant de Scorpions l'instigateur de ces power-ballads tant appréciées par les metalleux. "This Is My Song" montre ainsi un groupe cherchant encore sa voie entre quelques éléments un peu progressifs et les ballades planantes.
Cette ambivalence des émotions se retrouve également sur "Far Away", dont la délicatesse psychédélique introductive tranche avec la lourdeur maîtrisée des riffs d'un Rudolf Schenker qui s'impose d'ores et déjà comme un compositeur de très grande classe.
Le talent combiné des six musiciens nous permet d'effectuer un vol serein jusqu'à cet arc-en-ciel, objet du voyage. Pièce-maîtresse de l'album, "Fly to the Rainbow" s'impose comme un véritable petit chef-d'œuvre de plus de 9 minutes, porté comme un seul homme par l'ensemble du groupe. Distillant des ambiances célestes, ce titre à tiroirs se veut bien plus structuré que l'épique "Lonesome Crow" du premier album et témoigne du gain de maturité du groupe. Superbe et flamboyant, "Fly to the Rainbow" démontre également l'apport considérable d'un Uli Jon Roth, moteur de la créativité instrumentale du combo.

Encore timide, bien que déployant une énergie et une virtuosité admirables, Scorpions propose avec ce "Fly to The Rainbow" un album marqué par son époque mais également très novateur. Impérial de bout en bout, l'opus n'est pas le meilleur qu'ait pu proposer le groupe durant les années 70, mais il constitue un morceau d'histoire indispensable pour appréhender pleinement la carrière d'un des plus gros groupes de Hard Rock au monde.

Il n'y a pas eu de single pour promouvoir l'album, mais la chanson "Speedy's Coming" sera réenregistrée et servira de face B du single "In Trance" en 1975.
En Allemagne, celui-ci rencontra un plus grand succès que "Lonesome Crow". De plus, le groupe gagna de nouveaux fans à l'étranger, notamment au Royaume Uni et au Japon, où l'album fit son apparition dans les classements musicaux.
Jürgen Rosenthal quitte le groupe après la tournée promotionnelle pour faire son service militaire et ensuite rejoindre le groupe de Rock Progressif Allemand Eloy.

[alcat01]

1101

T2 – It'll All Work Out In Boomland 1970
Comment un tel disque n’a-t-il pas rencontré le succès ? Incompréhensible.
Nous sommes en 69 lorsque Peter DUNTON quitte son groupe PLEASE pour rejoindre le groupe des Frères Gurvitz, GUN, en remplacement du batteur Louis Farrell, qui, lui, rejoint le groupe PLEASE.
Hélas, GUN se sépare après son 2ème album GUNSIGHT et les frères Gurvitz forment THREE MAN ARMY.
Fin 69, DUNTON reprend contact avec Bernie JINKS, son ancien partenaire de PLEASE dont le nom s’est changé en BULLDOG BREED. Ils décident alors de former ensemble le groupe T2 avec l’aide du fantastique guitariste de Bulldog Breed, Keith CROSS, alors âgé de 17 ans seulement. 
Il se trouve que Keith CROSS est un virtuose de la guitare et son intégration avec les 2 autres fait des merveilles.
Ils répètent au studio Morgan de minuit à 6 heures du matin alors que les lieux sont investis par MAC CARTNEY et Rod STEWART. Ils deviennent résident au club LONDON’ WEST END où leur réputation atteint de telles proportions que les majors se disputent pour les signer. C’est DECCA qui remporte la timbale.  
De ces sessions nocturnes naît le titre MORNING et bientôt tout l’album IT’LL ALL WORK OUT IN BOOMLAND sur lequel ce groupe débutant laisse entrevoir un talent exceptionnel. On tient là un des groupes les plus prometteurs de l’époque.
Le disque n’est constitué que de 4 morceaux. La face 2 se résume à un seul titre de 21 minutes, MORNING.
Comment classer ce groupe ? Personnellement, je le rangerais parmi les précurseurs du mouvement PROGRESSIVE ROCK. La structure et la longueur des morceaux, ainsi que la grande diversité des instruments utilisés dont le fameux COR DE CHASSE, qui revient ici à de nombreuses reprises et donne des allures baroques à leur musique.
La qualité des compositions, le jeu et la maîtrise des musiciens et surtout le son résolument moderne et sauvage sont les grands atouts de ce 1er disque.
Les morceaux sont très prenants et réussissent à nous intéresser dès que les 1ers accords de guitare de CROSS résonnent dans la pièce. Ses solos illuminent tout l’album. Les breaks sont vertigineux et la présence des cors de chasse laisse à penser que T2 est en train de fusionner le Hard Rock et le Progressif bien avant les JETHRO TULL, YES et consorts.

L’album débute par IN CIRCLES qui déclenche immédiatement les hostilités. Avec un titre pareil, on sait à quoi s’en tenir et le reste ne peut être que meilleur. On a bien devant nous un groupe hyper doué qui compose à merveille et possède l’art de les interpréter avec une rage et une maîtrise dignes de musiciens chevronnés. J.L.T. et NO MORE WHITE HORSES continuent sur cette lancée et enfoncent le clou. La musique de T2 fait la part belle aux longs passages instrumentaux et le chant ne semble pas leur priorité, mais Peter DUNTON endosse très bien son rôle et rappelle un peu celui de Phil MOGG au début de UFO alors qu’ils évoluaient autour des performances incroyables de leur guitariste Mick BOLTON. La ressemblance entre les 2 groupes est assez frappante.
Le morceau MORNING occupe toute la face 2 mais à aucun moment on a la sensation d’ennui, comme c’est souvent le cas avec des pièces dépassant les 20 minutes.

L’album sort en 1970 au milieu de toute cette armada de disques majeurs, comme FIRE AND WATER de FREE, DEEP PURPLE IN ROCK, IN THE WAKE OF POSEIDON de KING CRIMSON, PARANOID de BLACK SABBATH sans oublier 2 petits nouveaux qui commencent à faire parler d’eux, YES avec son YES ALBUM et GENESIS avec TRESPASS. La longueur des morceaux a certainement nui à leur passage sur les radios anglaises et peut-être leur insuccès est-il dû à cela ?

Dès la fin des enregistrements, T2 fait la tournée des universités britanniques et remporte un succès colossal, dû surtout aux prouesses de Keith CROSS et à la qualité de leurs compositions totalement novatrices pour l’époque et donnant un sacré coup de vieux à celles de CREAM. Keith Cross est d’ailleurs comparé à Eric CLAPTON, alias GOD à cette époque.
Après les universités, c’est au tour des grands festivals de les accueillir et ils tournent ainsi avec BLACK SABBATH, FREE et DEEP PURPLE, alors tous débutants. Ils jouent à l’ISLE de WIGHT en septembre 70.
Ils deviennent ensuite des habitués du MARQUEE où ils occupent la tête d’affiche plus que n’importe quel autre groupe en 70. Leur carrière semble alors bien lancée.

Alors qu’ils doivent faire leur 1ère tournée aux USA, Keith CROSS décide de quitter le groupe fin 70. La raison invoquée est médicale. Le jeune guitariste s’est détruit les oreilles et souffre d’acouphènes à cause de la puissance du son du groupe sur scène. Tout s’effondre pour T2 qui encaisse un nouveau coup dur avec le départ de Bernie JINKS début 71.
T2 ne survit pas à ces 2 départs malgré la tentative de Peter DUNTON de monter une nouvelle formation, mais hélas sans contrat, le groupe jette l’éponge définitivement début 72.
Il nous reste donc ce seul album IT’LL ALL WORK OUT IN BOOMLAND que je considère comme étant exceptionnel de bout en bout et qu’il faut déguster ou découvrir sans plus attendre.
L’album est malheureusement introuvable en vinyle d’époque ou alors à des prix indécents, mais il a été réédité en 2010 sous son emballage d’origine. C’est celui qui est présenté ici.
La pochette, mystérieuse, est signée d’un certain Peter THAINE, et colle parfaitement à l’étrangeté de la musique de T2.

dedicaceamesoreilles.com

[Cooltrane]

Un peu comme pour Judas Priest, je m'arrête à leur 2è album.

Autant je préfère Lonesome Crow à son suivant, autant Sad Wings est infiniment supérieur à son prédécesseur.

Les deux groupes prendront, avec leur 3è, une tournure qui augure le métal des 80's (pas ma tasse de thé) que les deux groupes seront les influences et parrains (avec Motorhead et un peu Black Sabbath - version RJ Dio) de la NWOBHMB.

[alcat01]

1102

Talkin' Turkey
George Hatcher était à 20 % blues, 40 % boogie woogie et 60 % rock and roll. George Hatcher, en tant que chanteur, occupait un créneau quelque part entre Joe Cocker, Gregg Allman, Rory Gallagher et Bob Seeger. Il y avait deux grands guitaristes dans son groupe, Phil Swan et John Thomas.
En 1977, ils sortent leur deuxième album, TalkinTurkey, qui met en vedette John McPhee des Doobie Brothers à la guitare pedal steel et Hugh Lewis à l'harmonica. Les chansons "Black Moon Rising", "Forty Ford" et "The Cadillac" sont considérés comme des classiques du rock sudiste. Au cours de cette année, ils se sont produits aux côtés d'AC/DC, Ted Nugent, Aerosmith, Molly Hatchet et d'autres. Le point culminant sera le festival de Reading devant 180 000 personnes.

Doctorhtein

[alcat01]

1103

Broadsword and the Beast (1982)
Depuis que Ian Anderson a décidé d'abandonner le folk rock qui le rendait si heureux dans les années 70, de reformer le groupe et d'entrer dans la modernité de la nouvelle décennie, l'irrégularité s'est emparée de ses enregistrements en solo et sous le nom de "the Tulls". Cependant, de ces œuvres étranges, nous sauvons aujourd'hui ce qui pourrait être son dernier grand album à le valoriser.
Tout a été dit au sujet de The Broadsword and the Beast. Anderson avait abandonné son essence et naviguait sur un terrain inconnu, patinant sans arrêt. Qu'il vivait plus pour son business que pour la musique. On leur reprochait d'être prévisible, d'être simple, de négliger les compositions complexes. Et beaucoup de haine des fans dévoués envers les synthétiseurs et la petite importance de la flûte. D'une certaine manière, la plupart des critiques ont attaqué l'album car il semblait abandonner les thèmes mélodiques et harmoniques qui les avaient rendus célèbres et cherchait un nouveau public, une modernité qui n'était pas comprise. Qu'il n'y a pas de bonnes chansons. On dirait Moody Blues ou Jean Michel Jarre . Bref, un disque inoubliable.
Anderson lui-même s'en réjouit encore aujourd'hui, et un musicien aussi peu suspect de mauvais goût que Steve Hackett (Genesis) adore The Broadsword and the Beast . Quatorzième effort en studio, il comprend Ian Anderson au chant, aux guitares acoustiques et à la flûte, l'incontournable et sous-estimé Martin Barre aux guitares, le bassiste David Pegg (Fairport Convention) et le nouveau Peter-John Vettese au piano et aux synthétiseurs et Gerry Conway(Cat Stevens) à la batterie. Les compositions sont toutes en charge d'Anderson, dont la créativité a explosé ces mois-là; peut-être ne pas avoir sorti d'album l'année précédente (comme c'était la coutume) a conduit à l'enregistrement de dix-huit chansons au cours de ces sessions, dont dix faisaient partie de l'édition originale et les huit autres ont complété la réédition de 2005. Anderson vivait sur l'île de Skye en Ecosse à l'époque (où il avait une pisciculture); Les Vikings sont venus sur ces terres à de nombreuses reprises et les histoires qu'ils y ont racontées, ainsi que des lieux historiques (le fort de Dun Rigill), ont inspiré une bonne partie de ces histoires. Anderson parle de ses préoccupations sociales et personnelles avec cette clé épique reflétée dans une bonne partie des chansons, avec en toile de fond la décadence du monde occidental qu'il voyait autour de lui et une certaine touche écologique. L'album était divisé en deux parties : la première, "Beastie", plus personnelle, autour des démons intérieurs et de la façon dont on gère la solitude et la peur, par exemple ; le second, "Broadsword", plus accro à cette épopée viking. 
La présence de synthétiseurs et de programmation est dans la plupart des cas bien intégrée et n'occupe le devant de la scène qu'à des moments précis; la batterie sonne avec force, la basse sonne dynamique et les guitares se démarquent dans de nombreuses parties. Ainsi, le mélange du son folk-rock d'antan et des éléments technologiques plus "modernes" s'accorde parfaitement, notamment la façon dont les synthétiseurs se mêlent à l'acoustique et à la flûte ou la manière dont la présence de la guitare électrique éblouit. Les chansons contiennent des mélodies très accrocheuses et bien travaillées, un peu éloignées du prog et plus proches du pop-rock par moments, simples, accessibles, mais non sans de bons arrangements et des changements de rythme et de ton. Anderson est également à un excellent niveau en tant que chanteur, sonnant très polyvalent.

Et, surtout, on écoute de superbes chansons. Beastie a une ouverture formidable, avec des voix sur synthé, une belle présence de guitare dans le refrain, et un bon solo et des refrains puissants. Dans l'univers d'Anderson, cela sonne presque comme du heavy metal du début des années 80. Les paroles parlent de cette bête intérieure qui nous traque, que nous ne pouvons pas cacher : « tu peux prendre ces pilules et rendre visite à un psychiatre qui dira/je ne peux rien faire pour toi, partout où il y a une zone dangereuse/j'aimerais m'aider à m'en débarrasser mais j'en ai un à moi». Dans Clasp, le classique et le moderne du groupe sont mélangés; une excellente flûte sonne sur une base de synthétiseurs, la voix est très travaillée en studio avec des effets électroniques dans une mélodie qui aurait pu sortir d'Aqualung; à la première écoute, étrange, mais c'est devenu l'un de mes moments préférés: « let break the journey now on some lovely road ». Fallen on Hard Times en est un autre excellent, avec une vibe plus rock et un rythme accrocheur, avec un bon punch de la batterie. Le piano et la ligne vocale mélodique de Flying Colours ouvrent une coupe torsadée dans une composition rythmique basée sur la guitare de Barre qui va et vient en harmonie avec Anderson. Les arrangements de clavier dans le pont et le refrain lui donnent un arôme rock-pop très vintage, un autre des points forts de l'album. Broadsword, peut-être le meilleur de l'album et l'un des meilleurs de Jethro Tull après ses années de gloire, a une ambiance sombre et envoûtante, avec un crescendo jusqu'au formidable solo de guitare, où tension et arrangements s'entremêlent autour de l'histoire. Pussy Willow, un des fondamentaux de l'album, avec un rythme marqué, un bon arrangement vocal et un jeu de guitare agréable avec une tension lente-rapide; Le punch de la batterie est fondamental dans la fluidité du morceau. La clôture avec Cheerio, un adieu simple et émouvant où les claviers sonnent presque comme des cornemuses : « Je te verserai une tasse ma chérie/lève-la, dis cheerio ».

La partie graphique mérite un commentaire séparé. Excellent dans sa conception et dans son concept. L'artiste Iain McCaig a choisi de faire passer le message de la chanson Broadsword et son épopée (presque) viking. D'où la couverture avec l'épée et Anderson dans un plan provocateur et sarcastique et la quatrième de couverture avec le navire rugissant dans les vagues nocturnes. Le détail d'utiliser les bougies pour le générique et le cadre représentant un tableau d'où s'échappent les images principales est incroyablement puissant. Dans le cadre, vous pouvez voir les têtes des musiciens et les premières lignes de Broadsword traduites en un alphabet de runes. McCaig a travaillé pour Lucasfilm et on lui doit des créations mythiques dans le monde de Star Wars, comme les personnages de Dark Maul ou Padmé Amidala. Attention aux excès, avec cette calligraphie élaborée à l'intérieur et le "cookie" sur le vinyle.

Assez de bêtises pour que vous commenciez à écouter The Broadsword and the beast comme il le mérite . Et si vous l'aimiez déjà avant, pour vous recréer encore une fois.

ange

[alcat01]

1104

1

1981 North Coast
The Michael Stanley Band a atteint son apogée créative avec Heartland en 1980 et a finalement connu un certain succès commercial.
Comme Stanley l'a dit, le MSB se trouve enfin dans la position enviable d'avoir sa maison de disques qui réclame une suite. Heureusement, North Coast, sorti en 1981, offre une autre belle série de chansons et un nouveau membre, le saxophoniste Rick Bell. Cette fois, c'est le légendaire Eddie Kramer, connu pour son travail avec Jimi Hendrix et Kiss, qui assure la production.
"In the Heartland" a un groove martelé et insistant, et il est devenu un incontournable des concerts du MSB. When Your Heart Says Its Right" du claviériste et chanteur Kevin Raleigh est une chanson pop/rock contagieuse dont le refrain est formidable. "Somewhere in the Night", un autre favori des fidèles du MSB, est un morceau fort dans lequel les couplets légèrement plus subtils rendent le refrain plus explosif. Deux autres rocks engageants sont "Heaven and Hell" et "Don't You Do That to Me". La ballade à la guitare acoustique "Falling in Love Again" est émouvante sans être sirupeuse. "Chemistry" se rapproche presque de la new wave grâce à son rythme nerveux, son synthétiseur répétitif et son refrain crié. C'est un peu un écart par rapport au rock & roll solide et constant du Midwest de MSB, et c'est ce qui le rend intéressant. Le rock dynamique des années 1950 est le modèle de "Let's Hear It", une tranche de plaisir intense; les paroles enjouées parlent de tout, d'un groupe de bar qui travaille dur, de belles fans féminines tentatrices et d'un public de cols bleus, tandis que le claviériste Bob Pelander se déchaîne avec un solo de "piano d'attaque".

Encore un excellent disque!

Bret Adams

[Monsieur-Hulot]

Broadsword and the Beast (1982)

Çui-là, je l'ai acheté pour sa pochette, je sais c'est mal, c'est vil, c'est bas, ce n'est pas bien, mais il est toujours là, neuf d'une seule écoute....

[alcat01]

1105

Dschinn 1972
DSCHINN, basé à Marbourg, est un autre des nombreux groupes éphémères qui ont fait irruption sur la scène krautrock allemande au début des années 1970, en réponse à la Beatles-mania qui s'est emparée du monde dans les années 1960.
Sous le nom de The Hurricanes, le groupe de Bernd "Capo" Capito (lead guitare, chant), Peter "Eddy" Lorenz (chant, guitare rythmique), Silvio Verfürth (basse, chant), Athanasios "Jacky" Paltoglou (batterie, percussion) et Uli Mund (batterie, percussion) réussit à donner des concerts dans toute l'Allemagne, y compris dans les célèbres clubs "beat" comme le StarDust à Hambourg.
Toutes ces tournées ont attiré l'attention d'un homme d'affaires prospère qui est devenu l'un des plus grands fans du groupe et a financé quelques singles, mais à la condition que le groupe change son nom en Dischas, sous lequel trois singles sont sortis, dont le premier "Here What I Say/Come Back To Me", qui est entré dans le top 10 du hit-parade autrichien des singles. Malheureusement, le groupe n'est pas en mesure de poursuivre sur sa lancée et change complètement de stratégie, car le rythme pop rock et les styles modulaires des années 60 sont rapidement passés de mode.

Le groupe a non seulement changé son son pour un style plus progressif de heavy psyché mais a adopté le surnom plus mystérieux de DSCHINN ou en anglais, jinn ou jinni qui dans le Coran et les traditions musulmanes est un esprit souvent capable de prendre une forme humaine ou animale et d'exercer une influence surnaturelle sur les êtres humains. De même, le groupe a développé un son plus sophistiqué et, bien qu'il ait été classé dans l'univers du Krautrock, il était en fait un groupe de hard rock avec de lourdes influences psychologiques de la fin des années 1960. Le groupe a sorti un album éponyme en 1972, avec une pochette trippante en forme de dali, qui comprenait neuf morceaux vocaux avec des riffs de guitare bluesy, des lignes de basse musclées, des percussions complexes et même une ou deux parties d'harmonica.
Contrairement à la plupart des artistes allemands de Krautrock qui entraient dans la zone crépusculaire avec des sons bizarres conçus pour un voyage dans le cosmos et au-delà, DSCHINN était beaucoup plus terre à terre et sonnait en réalité plus comme un groupe de hard rock anglo-américain de la même époque avec des paroles sur la liberté, l'amour et d'autres affaires quotidiennes. La musique n'était pas particulièrement complexe et tournait plutôt autour de mélodies accrocheuses à base de blues.
Bien que la musique elle-même soit assez moyenne par rapport aux standards de l'époque, DSCHINN se distingue par le fait qu'il a deux percussionnistes et délivre des grooves polypercussifs forts qui adoptent certaines des influences ethniques du Moyen-Orient, un peu dans la veine d'Agitation Free mais dans le contexte du hard rock bluesy.
Le style vocal de Peter Lorenz, qui ressemble à une version plus exotique de Burton Cummings des Guess Who, mais avec un léger accent, est également remarquable. Le groupe lui-même semble avoir pris quelques conseils de groupes comme The Guess Who ou Grandfunk Railroad et s'est clairement inspiré du monde anglophone.
Cet obscurité presque oubliée de la scène Krautrock allemande n'entrera peut-être pas dans l'histoire comme l'artefact le plus essentiel du début des années 1970, mais il s'agit d'une tranche intéressante du heavy psyché saupoudré de pop rock d'époque, avec quelques éléments krautistes qui me rappellent parfois Amon Düül II, mais ce ne sont que des accents et ils ne font que compléter le culte du blues rock.
Ce n'est pas un mauvais album, mais il n'est pas non plus extrêmement créatif.

siLLy puPPy

[alcat01]

1106

1980: Coming Home
En 1980, George Hatcher a réuni un nouveau line-up entièrement américain qui comprenait les guitaristes Curt Stines et David Phelps, le bassiste Mike Parnell, le claviériste Tad Hough et le batteur Danny Howe.
Revenant au nom de "George Hatcher Band", le groupe est retourné en Allemagne pour enregistrer un nouvel album, "Coming Home". Ils ont été rejoints par le guitariste original Phil Swan qui a fait des apparitions sur trois chansons.
La chanson titre épique de plus de huit minutes de l'album est devenue une sorte de chanson signature du groupe, ainsi qu'un favori des fans.

Doctorhtein

[Algernon]

Çui-là, je l'ai acheté pour sa pochette, je sais c'est mal, c'est vil, c'est bas, ce n'est pas bien, mais il est toujours là, neuf d'une seule écoute....

Moi aussi, mais acheté d'occase (heureusement à pas cher), et assez déçu ; après "A", qui n'est pas vilain. Mais les goûts...

Pour un autre sujet :

Mais malgré les attentes élevées et l'histoire de ses membres, le premier album éponyme du Souther-Hillman-Furay Band en 1974 n'a jamais vraiment tenu ses promesses. Le trio, accompagné du steel guitariste Al Perkins, du batteur Jim Gordon et de Paul Harris au piano, livre une collection de dix morceaux agréables, mais globalement quelconques, dans la veine country-rock des auteurs-compositeurs-interprètes.

C'est pas faux.

[alcat01]

1107

En 1975, Scorpions, épaulé par un nouveau batteur en la personne de Rudy Lenners, sort l'album "In Trance".
La principale force du combo, mise à part sa musique bien sûr, a toujours été sa capacité à donner des concerts de qualité, à jouer chaque show comme si c'était le dernier.
En effet, que ce soit devant 20 ou 200 000 personnes, Scorpions est toujours parvenu à véhiculer cette énergie du live qui sied si bien aux artistes Hard Rock et si importante à leurs yeux. C'est cette capacité à captiver les foules et à leur communiquer son énergie qui leur a permis de rencontrer celui qui allait devenir son sixième membre, Dieter Dierks.
C'est après un concert donné par le groupe en Allemagne dans un gymnase devant 60 spectateurs que Dierks leur proposa de produire leur nouvel album alors en préparation.

Cet album, jugé plus abouti que les précédents et classé dans la catégorie Hard Rock, est le premier véritable succès du groupe, avec comme point d'orgue le titre éponyme "In Trance", désormais classique du groupe.
Les compositions sont signées d'un côté par la paire Schenker / Meine et de l'autre par Roth, ce qui donne un double aspect à l'ensemble tout en restant finalement uniforme. De plus, le producteur ramène la durée des chansons fleuves de plus de 7 minutes des précédents albums à des durées plus abordables de 3 à 4 minutes.

"In Trance" contient plusieurs classiques du groupe, à savoir: "In Trance", "Robot Man" ou encore "Dark Lady". Il est considéré, autant par les critiques que par les fans, aussi bien comme le premier classique du groupe que comme le meilleur album du groupe avec Ulrich Roth: en effet on y retrouve à son meilleur niveau le son Hard Rock mélodique assez avant gardiste de Scorpions, typique des années Roth.

"In Trance", c'est tout d'abord une pochette contreversée, œuvre du photographe Michael Von Gimbut, la première d'une longue série à faire l'objet d'une censure dans plusieurs pays, qui montre une femme au sein nu tenant une guitare sous elle. Mais si la chair est dissimulée, le magnétisme animal de la photo n'en est pas pour autant amoindri. La guitare, objet du désir, se fait porteuse d'un plaisir sexuel, mais cette guitare se fait aussi porteuse d'une énergie sauvage, brute.

Sous l'impulsion de Dierks, le groupe délaisse les influences psychédéliques de ses albums passés pour proposer un Hard Rock mordant et rageur. En témoigne le riff de "Dark Lady" qui ouvre l'album. Pas de quartier, les musiciens violent les oreilles de leurs auditeurs par le biais de ce brulot irrésistible. Tout en progression, ce morceau voit Roth et Meine donner la voix tour à tour, formant un ensemble rageur et parfaitement débridé.
Doté d'un riff plus conventionnel bien qu'aussi imparable, "Top of the Bill" se veut le parfait avatar de cette évolution sensible de Scorpions vers un Rock plus violent. Chant, refrain, solo dantesque... le groupe déploie son artillerie et frappe fort, même très fort.
Dans la même lignée, "Robot Man" complète de fort belle manière le trio des morceaux purement Hard Rock de l'album, développant des ambiances hypnotisantes par la répétition des mélodies déployées.
Mais "In Trance", ce sont aussi ces mid-tempos majestueux et d'une beauté à couper le souffle qui feront leur réputation. A commencer par le morceau titre, considéré par beaucoup comme la toute première véritable 'power-ballad' de l'histoire. Mêlant délicatesse et puissance, cette chanson constitue en effet une véritable perle, et s'avère indéniablement le morceau le plus réussi de l'album. Composé par Rudolf Schenker dans une église lors d'une tournée en Belgique (qui verra d'ailleurs le groupe ramener dans ses bagages son nouveau batteur, Rudy Lenners).
"In Trance" montre un Meine sûr de lui et de ses capacités vocales qu'il module dans des envolées lyriques, alors que Roth fait gémir sa Stratocaster sur des solos parfaitement ficelés. "Living and Dying", "Life's Like a River", "Evening Wind" valent également le détour dans le genre de la fausse ballade d'une puissance et d'une musicalité époustouflantes.
Si la fin de l'album se veut moins percutante, les morceaux proposés étant tout simplement peut-être un peu en-deçà du reste de l'opus, "In Trance" se conclut de manière très honorable par l'enjoué "Longing for Fire" qui permet à Buchholz de proposer une ligne de basse groovy et imparable, suivi de l'instrumental "Night Lights", agréable bien qu'un peu kitsch.

Au final, "In Trance" s'impose comme la dernière pierre de fondation, comme la couche de ciment sur laquelle Scorpions construira l'immeuble de son succès musical.
Varié, riche en ambiances mordantes et éthérées, l'album, à la fois beau et délicieux, est encore considéré aujourd'hui, à juste titre, comme un indispensable du groupe.
"In Trance" connaît un succès des plus favorables en Allemagne, mais il se fait connaître aussi dans d'autres pays, comme l'Angleterre, la France ou le Japon, notamment grâce au succès d'estime de la chanson titre "In Trance", classique du groupe toujours joué en concert. Cette chanson définit le son du groupe des années 1970 et préfigure les albums suivants que seront "Virgin Killer" et "Taken by Force"...

[alcat01]

1108

1971 : Osibisa
Alors que certain accordait une valeur extrême à la section rythmique (qui est incroyable), je me concentrais davantage sur la musique en tant qu'intégrité, ce groupe de musiciens africains et caribéens faisait l'une des formes les plus exquises de Proto Prog mélangé avec Psychedelia, Reggae et un touche de Jazz, j'ai été tout simplement émerveillé et ravi.
L'album démarre avec l'excellent "Dawn", une chanson qui débute par une narration en anglais avec un accent afro caribéen très dur décrivant le groupe et annonçant que ce morceau est en quelque sorte l'introduction au groupe, à l'album et à un nouveau jour, en d'autres termes, cet album et la carrière d'OSIBISA commencent "tôt un matin au cœur de l'Afrique".
Après une courte intro avec des instruments de percussion tribaux et des sons d'oiseaux et d'animaux, la basse forte et précise de Spartacus R. et Roy Bedeau se joint, bientôt suivie d'un orgue très psychédélique, le tout mêlé de cris dans un dialecte africain et quand vous croyez que les choses ne peuvent pas aller mieux, la guitare de Wendel Richardson à la Santana ajoute la touche parfaite, mais si cela ne suffit encore pas, il y a un merveilleux semi-solo de flûte avec une influence claire de Ian Anderson mélangée à nouveau avec des mots dans cet étrange dialecte. Piste parfaite, ça ne peut pas aller mieux, il y a tellement de changements et ça coule si facilement qu'il ne peut que se rapprocher de Prog.
"Music for Gong Gong" est sorti un an auparavant en single et a attiré l'attention du monde entier, moins complexe que le morceau précédent mais certainement beaucoup plus rythmé. Dans ce cas, la chanson sonne comme de l'Afro Jazz à cause du saxo polyvalent joué par Mark Tontoh, mais sans s'éloigner trop de l'atmosphère psychédélique créée par l'orgue. La chanson se termine par une percussion chaotique et un “madness” sifflé. Encore une fois très solide.
Il est maintenant temps pour mon morceau préféré "Ayko Bia", même quand il semble être le morceau le moins Progressif/Psychédélique (Malgré l'orgue typique jouant de manière plus subtile à l'arrière) présente une structure très intéressante et un travail parfait de la section rytmique. La chanson commence comme une cérémonie tribale plus exactement un concours entre deux chanteurs, le second essayant de suivre le premier mot à mot et soutenu par un chœur masculin, et après ce genre de défi se termine la même structure contrapuntiste mais maintenant entre les instruments, encore une fois la guitare fait un solo complexe et tour à tour la basse et la trompette le répètent, seulement c'est que maintenant au lieu de ça, un chœur d'orgue est celui qui soutient le groupe, et à la fin les tambours et les percussions africaines ont leur tour d'entrer au concours.
"Akwaaba" est le morceau le plus mélodique de cet album, mais tout le poids de la chanson est porté par les vents qui font un travail spectaculaire, je suis sûr que si Phil Collins les avait écoutés, il n'aurait jamais appelé les Phoenix Horns pour l'aider dans ABACAB (Dieu merci, il a apparemment ignoré l'existence d'OSIBISA). Ensuite, dans le style Santana le plus parfait, la guitare et la basse créent la même mélodie et ne s'arrêtent que pour laisser l'orgue faire sa part.
"Oranges" est encore une fois incroyable, car c'était la première chanson que j'avais écoutée, j'aurais probablement juré que nous sommes devant un groupe de Jazz - Fusion qui intègre des éléments africains, le changement est radical, les vents et le piano à la Chick Corea remplacent l'orgue Farfisa, seul un court semi solo de guitare fortement soutenu par un travail de percussion complexe nous ramène à la réalité musicale du début des années 70, mais après cela il faut accepter que ces gars étaient non seulement d'excellents musiciens mais absolument polyvalents.
Mais, c'est au tour de "Phallus C", et rappelons que près de 50% des membres d'OSIBISA étaient caribéens de Grenade, Trinidad & Tobago et Antigua, donc ils devait inclure une partie de leur musique locale, qui bien sûr est du Reggae, qui n'est pas mal du tout, mais c'est tellement simple et proche du courant dominant qu'il pâlit en comparaison avec le matériel unique et incroyablement original du reste de l'album. Encore une fois pas mal, avec un autre bon solo de guitare (peut-être trop long), une section rythmique parfaite mais qui sonne sincèrement à sa place.
L'album se clôture sur une chanson totalement différente nommée "Think About the People" avec des paroles en anglais mais avec un fort accent, très révolutionnaire contre la pollution et la réalité de l'Afrique centrale (quelque chose de très courant à la fin des années 60 et au début des années 70). La structure change constamment, passant d'explosions violentes à d'incroyables solos d'orgue et quelques sections plus douces, encore une fois si ce n'est pas au moins Proto Prog, je ne sais pas comment le décrire, excellente chanson.

C'est un album absolument essentiel pour ceux qui aiment le Prog précoce et la fusion de différentes cultures musicales.

Ivan_Melgar_M

[Cooltrane]

Çui-là, je l'ai acheté pour sa pochette, je sais c'est mal, c'est vil, c'est bas, ce n'est pas bien, mais il est toujours là, neuf d'une seule écoute....

Moi aussi, mais acheté d'occase (heureusement à pas cher), et assez déçu ; après "A", qui n'est pas vilain. Mais les goûts...

Il ne mérite pas plus , tout comme le précédant A (originalement prévu comme album solo d'Anderson) et l'atrocité de Under Wraps à venir

C'est l'époque où le groupe d'avant (72/79) qui s'est écroulé après la mort du bassiste et Anderson est parti pour faire un album solo, mais ceux qui jouent dessus sont devenu membres du groupe avec la tournée promo filmée et devenu film), mais aucune cohésion et on touche à tout, ce qui manque de cohérence sur la longueur des 3 albums concernés.

[alcat01]

1109

En 1977, le groupe The Hunt a sorti son premier album éponyme sur GRT Records au Canada. Un album de Hard Rock assez fantastique avec encore quelques tendances prog par-ci, par-là, mais relativement presque effacées.
Car "The Hunt" montre toujours quelques penchants prog grâce à l'écriture de Cockburn et Harrison ainsi qu'à la flûte toujours présente et au son de claviers épais surmontant celui de Gagnon et sa basse gémissante, suscitant parfois de vagues comparaisons avec Rush.

The Hunt s'est surtout attelé à la réalisation d'un superbe album de Hard Rock. Des guitares Heavy, un orgue Hammond, une flûte, un chant passionné et de superbes compositions, voilà ce que l'on peut entendre sur "The Hunt".

Au cours de ses 48 minutes environ, l'auditeur a droit à des vocaux de style Yes gonflés à l'hélium ou à des intonations de Robert Plant, à des flûtes à la Jethro Tull et à des guitares Rock les plus Hard.

C'est sans aucun doute un produit de son époque, mais il semble toujours aussi "innocent" et agréable à écouter après toutes ces années. Il est d'ailleurs amusant de jouer à "repérer l'influence".
Effectivement, niveau influences, on peut constater un peu de Led Zeppelin, un peu de Rush, et même pas mal de Dillinger, mais c'est avant tout du Hard Rock pur et dur de premier ordre et le groupe a un son qui lui est propre.

Parmi les meilleurs titres, citons particulièrement le morceau d'ouverture "I Was Only Dreaming" et "I Want To Be King" qui sont excellents.

Et, même si "The Hunt" se traîne un peu parfois sur la longeur jusqu'à la ligne d'arrivée, il a construit une telle avance que l'album reste un opus de tout premier ordre. La musique est excellente et les compositions tiennent la route, ce qui fait que "The Hunt" est un album à ne pas manquer pour les fans du Hard Rock du milieu des années 70.

Le morceau d'ouverture "I Was Only Dreaming" est un fantastique Hard Rock straight ahead qui inclut une flûte qui fonctionne réellement en accompagnement de la guitare Heavy. Les influences de Jethro Tull et led zeppelin sont évidentes.
Le morceau suivant, "A Song for a New Day", a un côté Rush indéniable, surtout au niveau du chant. La mélodie est particulièrement accrocheuse...
"Little Miss Perfection" est une sorte de mélange de Rainbow de Ritchie Blackmore et de Rush.
Ce morceau est enchainé avec "I Want to Be King" beacoup plus alimenté par l'orgue et Deep Purple n'est pas loin et certaines parties des vocaux sont du Geedy Lee de la première heure.
La chanson "Faces" est plus proche parfois vocalement de Yes ou de Starcastle, ou même Styx.
Suit "Billy" qui est un bon petit Rock joué en 4/4 et qui sonne un peu comme Styx période "Crystal Ball".
"Sent Me Away" conserve le motif Styx, mais dans ce cas, il est beaucoup plus digne de l'album et il constitue même un solide morceau de Heavy AOR.
"On Revient (tout le temps)" chanté en Français rappelle un peu le Slow Rock d'antan avec une jolie mélodie.
Et l'album se termine avec "Sad Song", qui est la ballade obligatoire de tout bon album de l'époque. Le morceau clôt joliment l'album avec un puissant solo de guitare.

Étonnamment, l'album, acclamé par la critique en 1977, a mieux marché dans certaines régions des États-Unis que dans le pays d'origine du groupe, le Canada.

[alcat01]

1110

Crest of a Knave (1987)
C'est un album très satisfaisant et intéressant en raison de son aspect très différent. Les chansons sont beaucoup plus centrées sur les guitares et ont un côté hard rock plus dur que des morceaux comme TAAB, avec une influence classique et folk évidente. Même la voix de Ian Anderson est beaucoup plus rock et a un son plus américain (suite à une opération chirurgicale qui a considérablement réduit sa gamme et son style vocal). Il s'en sort quand même brillamment, et j'aime sa voix sur cet album autant que sur n'importe quel album précédent de Tull).
Malgré tout, il y a des éléments du vieux son de Tull que j'aime, comme beaucoup d'autres, et musicalement, il y a de grands moments. Le morceau "Budapest" est particulièrement intéressant et permet à Ian et à Martin d'obtenir des solos de qualité. Sur des chansons comme "Farm on the Freeway" (l'une de mes préférées de l'album) et "Raising Steam" (la chanson de clôture, étrange mais plutôt amusante), la guitare de Martin Barre est très importante, et c'est elle qui donne à l'album son côté hard rock. Heureusement, cela fonctionne, car c'est un guitariste phénoménal.

Il y a des moments bizarres, bizarres sur l'album, que je trouve bizarres parce qu'ils sonnent si... ordinaires.
Personnellement, j'aime les Jethro Tull qui sont un peu bizarres, qui ont des paroles uniques et ce super son folk. Mais sur cet album, je me retrouve à écouter des chansons comme "She Said She Was A Dancer", "The Waking Edge", et "Raising Steam" et je suis frappé par leur aspect commercial et stérile. Je ne veux pas dire qu'il n'y a pas de vie en elles; toutes les chansons sont intéressantes, mais le sentiment est différent du Tull que j'aime. Même "Budapest", qui est probablement la meilleure chanson de l'album, est affligée de paroles faibles et de sections instrumentales ennuyeuses.
C'est pourquoi Crest of a Knave est un album solide, voire brillant, comparé à de nombreux autres albums de hard rock/prog, mais il ne peut pas vraiment me toucher autant que des albums comme TAAB ou Minstrel in the Gallery l'ont fait et le font encore. En résumé, Crest of a Knave est excellent mais il faudra peut-être quelques écoutes pour que quelqu'un qui n'est pas familier avec ce nouveau son puisse l'apprécier.

Mr. Soot Gremlin

[alcat01]

1111

1982 MSB
The Michael Stanley Band a poursuivi sa longue série de bons albums de rock & roll avec le MSB de 1982.
Le groupe de Cleveland avait également le don d'attirer des producteurs et coproducteurs de renom, et cette fois-ci, c'était Don Gehman, qui avait touché le gros lot commercial et critique la même année avec American Fool de John Cougar.
Dans les notes de la pochette de la réédition CD de Razor & Tie, Stanley, guitariste rythmique et chanteur, félicite Gehman pour avoir aidé le groupe à traverser une période difficile en studio. La musique, heureusement, ne porte pas vraiment de cicatrices. Stanley et le chanteur/claviériste Kevin Raleigh ont contribué à quelques chansons solides, mais musicalement, la star de MSB est le saxophoniste Rick Bell. Il joue de tout son cœur. C'est un miracle que ses poumons ne se soient pas effondrés et que ses joues ne se soient pas ouvertes.
MSB est le dernier album du guitariste Gary Markasky. Le groupe n'a eu que deux succès au Top 40 et une petite poignée d'autres singles qui ont atteint le Hot 100 de Billboard, et MSB comprend deux de ces derniers : l'agréable morceau pop/rock de Raleigh " When I'm Holding You Tight " et le récit prudent de Stanley " Take the Time ". Le favori de la scène, "In Between the Lines", est un formidable rock avec une voix de Stanley et une harmonie efficace de Raleigh. Spanish Nights" de Stanley est une chanson délicatement arrangée sur l'amour brisé à Los Angeles. La ballade puissante de Raleigh, "One of Those Dreams", est agréable.

Cet album est le dernier de The Michael Stanley Band, et c'est une bonne conclusion pour le groupe.
Un groupe beaucoup trop méconnu...

Bret Adams

[Cooltrane]

Avec Roots To Braches de 98, c'est leur ùeilleur album depuis Stormwatch (ce qui ne veut pas dire énormément non plus)

La voix d'Anderson n'est plus la même non plus, car il a eu des soucis de cordes vocales.

Par ailleurs je trouve qu'il y a deux pistes qui font ZZ Top période Eliminator.

[alcat01]

1112

Le bon caractère badin entre Hartley et son ancien patron John Mayall continue sur le très fort premier album du Keef Hartley Band "Halfbreed". Le morceau qui ouvre l'album, "Hearts And Flowers" nous fait entendre la voix de Mayall au téléphone qui licensie officiellement Hartley, tout cela très ironiquement, alors que dans le morceau de cloture, "Sacked" Hartley démissionne du groupe de Mayall!

The Keef Hartley Band est une figure du british blues boom, mouvement apparu au début des 60’s avec Alexis Korner, Graham Bond Organization, Yardbirds mais surtout les Rolling Stones et John Mayall. Mené par le batteur du même nom, Keef Hartley, ce dernier né en avril 1944 à Plungington au nord-ouest de Preston débute sa carrière musicale à Liverpool en remplaçant à la batterie Ringo Starr, parti rejoindre les Beatles, au sein du Rory Storm and The Hurricanes. Après un passage chez The Artwoods (du chanteur Art Wood) et quelques singles sur Decca (où il croise un certain Jon Lord, futur Deep Purple), il se retrouve derrière les fûts pour John Mayall et son Bluesbreakers où il enregistre entre 1967 et 1968 les albums Crusade, The Blues Alone et quelques live. Début 1968, il se décide à monter son propre groupe avec le guitariste/chanteur Miller Anderson, le bassiste néo-zélandais Gary Thain, l’organiste Dino Dines, le guitariste Spit James (de son vrai nom Ian Cruickshank), les trompettistes Harry Beckett et Henry Lowther ainsi que les saxophonistes Lyn Dobson et Chris Mercer. En fin d’année les musiciens entrent en studio pour pondre un Lp sur Deram, Halfbreed publié en mars 1969 avec la participation au chant de John Mayall sur quelques titres.

Halfbreed où l’on observe en illustration notre ami leader en tenue d’indien nord-américain est un excellent album de blues aux effluves psyché et prog par la longueur de certains titres, les changements de tempos et de climats. Fait de 7 pistes (10 en fonctions des éditions par des enchaînements entre morceaux), cela débute avec l’instrumental « Sacked, introducing Hearts And Flowers Confusion Theme » de près de 8 mn en trois temps. Cela commence par une conversation téléphonique où John Mayall annonce à Keef Hartley est viré des Bluesbreakers, des roulements de tambours qui habillent des arpèges sous acide. Puis le groupe nous installe dans un rhythm & blues fort sympathique un brin exotique mené par un orgue caverneux avec bombardements de cuivres et des soli de guitares bien ciselés. Arrive « Born To Die », une belle balade blues de 10 mn complétement stone à la fois pesante et désespérée où Miller Anderson en plus d’être un guitariste inspiré se montre un excellent crooner. Probablement le meilleur de ce disque. La suite ce sont des pièces plus courtes qui oscillent entre 5 et 6 mn. Après un début vaguement inquiétant sur fond de roulement de batterie, le groupe sur « Sinnin’ For You » part pour un rhythm & blues galopant avec de bonnes parties de cuivres devenant rêveuses lorsqu’elles accompagnent une jolie flûte. La reprise de Sleepy John Estes, « Leavin’ Trunk », flirte avec le hard rock. Insouciant, « Just To Cry » sent les grands espaces où l’on peut apprécier une trompette aux mélodies jazz et séduisantes. Retour à la balade blues désespéré avec « Too Much Thinking » et son violon mélancolique (assuré par Henry Lowther). Le 33-tours se termine avec une magnifique interprétation groovy de « Think it Over » de BB king couplé avec la conversation téléphonique de « Too Much to Take (Speech) ».

Bref, Keef Hartley Band proposait un bon disque lui permettant de partir en tournée dont une scène à Woodstock en aout 1969. Passage qui resta longtemps dans les tiroirs. En effet, le manager du groupe ayant exigé d’être payé à l’avance, les droits d’enregistrement ne furent exploités qu’en 2019 à l’occasion du cinquantième anniversaire du légendaire festival.

jeanjacquesperez