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"Layla and Other Assorted Love Songs"
Le groupe Britannique de Blues Rock, Derek and the Dominos, a été formé au Printemps de 1970 par le guitariste et chanteur Eric Clapton avec le claviériste Bobby Whitlock, le bassiste Carl Radle et le batteur Jim Gordon. Le guitariste Duane Allman, en invité exceptionnel, peut être considèré comme un membre du groupe à part entière.
La formation a enregistré l'album "Layla and Other Assorted Love Songs" à Miami. Clapton y a rencontré le peintre Emile Frandsen.
C'est le tableau de celui-ci, intitulé 'La fille au bouquet' qu'il avait peint à Valbonne qui illustrera l'album.

Le groupe n'a sorti, dans les faits, que ce seul album studio, double de surcroit, qui présentait une contribution tout à fait éminente du guitariste invité Duane Allman de l'Allman Brothers Band. Allman joue sur quelques séances de l'album. En grand fan de Clapton, il avait été invité à venir au studio. Clapton lui avait demandé de s'asseoir, et ils étaient devenus de bons amis.
Allman mourut malheureusement un an plus tard dans un accident de moto...

De fin Août à début Octobre 1970, travaillant aux Criteria studios à Miami sous la direction d'Atlantic Records, avec le producteur Tom Dowd, le groupe a enregistré "Layla et Other Assorted Love Songs", un album aujourd'hui considéré par de nombreux critiques comme le chef d'oeuvre de Clapton.
La plupart du matériel, y compris Layla (qui devint plus tard un aliment de base pour la radio FM) a été inspiré par l'amour non partagé de Clapton pour Pattie Boyd, qui était mariée à son meilleur ami George Harrison.
Ce n'est que plusieurs années plus tard que Pattie consentira enfin à l'affaire et, encore plus tard, elle emménagera avec Eric en 1974, et l'épousera en 1979. Ils se sépareront même en 1985, lorsque Clapton commencera une relation avec Lori Del Santo, et ils divorceront en 1988.

Le concept de base de la musique du groupe, c'est pas de cuivres, pas de nanas, que du rock 'n' roll. Pour le concept vocal, Clapton chante une ligne, Whitlock chante la ligne suivante, ils chantent donc sur un modèle éculé comme le faisaient, par exemple, Sam and Dave.

L'histoire commence après quelques jours sans inspiration dans les séances de Layla, Dowd, qui était aussi le producteur pour l'album "Idlewild South" des Allman Bros, avait invité Clapton à un concert en plein air des Allman Brothers à Miami, où il avait entendu d'abord Duane Allman jouer.
Après plusieurs heures dans le studio plus tôt ce jour-là, le groupe avait pu voir le spectacle grâce à Dowd. Clapton avait ensuite invité Allman en studio.
Après les jam sessions, Clapton avait invité Duane à devenir le cinquième membre définitif de the Dominos.
Lorsque Allman et Clapton s'étaient rencontrés, The Dominos avaient à peine commencé à enregistrer quoi que ce soit. Le premier travail de Duane fut donc d'ajouté sa guitare slide sur "Tell the Truth" le 28 Août, ainsi que "Nobody Knows You When You're Down and Out".
En quatre jours seulement, les cinq membres des Dominos enregistrèrent "Key to the Highway", "Have You Ever Loved a Woman" et "Why Does Love Got to be So Sad".
Lorsque Septembre était arrivé, Duane avait brièvement quitté les sessions pour des concerts avec son propre groupe.
Pendant les deux jours où il fut absent, les quatre membres du groupe enregistrèrent "I Looked Away", "Bell Bottom Blues" et "Keep on Growing".
Duane fut de retour le troisième jour pour enregistrer "I am Yours", "Anyday", et "It's Too Late".
Le neuvième jour, ils enregistrèrent "Little Wing" d'Hendrix et "Layla". Le lendemain, le dernier morceau, "Thorn Tree in the Garden" a été enregistré.
Bien que le plus souvent attribué à Clapton, l'album est surtout un véritable effort de groupe. Seuls deux des 14 chansons de l'album ont été écrites par Clapton seul et Whitlock a écrit l'un des morceaux seul "Thorn Tree in the Garden".
Au contraire, la plupart des chansons sont le produit d'une coopération des compositeurs Clapton et Whitlock, mais aussi un certain nombre de standards du Blues, dont "Nobody Knows You When You're Down and Out" de Jimmie Cox, "Have You Ever Loved a Woman" de Billy Myles, à l'origine enregistrée par Freddie King, et" Key to the Highway "de William 'Big Bill' Broonzy.
Le dernier d'entre eux est véritablement un pur accident - le groupe avait entendu le chanteur Sam Samudio ("Sam the Sham") dans une autre pièce du studio faire la chanson, ils l'aimèrent, et spontanément commencèrent à la jouer. Surpris, Dowd entendit ce qui se passait, et vite, il demanda aux ingénieurs de mettre le magnétophone en marche, ce qui explique pourquoi le titre commence par un fade-in en jouant clairement déjà en cours.
"Tell the Truth" a été initialement enregistré en Juin 1970, pendant les sessions de "All Things Must Pass" sous la direction de Phil Spector comme une chanson rapide, et sort peu de temps après comme un single. Mais pendant les sessions de Layla, "Tell the Truth" a été enregistré, cette fois comme une longue et lente jam instrumentale.
La version finale de la chanson qui apparaît sur l'album est une combinaison de ces deux prises: le rythme effréné du single est ralenti à la vitesse laid-back de l'instrumentale. Les deux versions précédentes de "Tell the Truth" sont sorties sur l'album compilation "History of Eric Clapton" en 1972.
Une version vidéo de l'excellent "It's Too Late" de l'album "Layla" peut être vu sur un double DVD récemment publié de "The Best of the Johnny Cash TV Show". Ce programme de Cash, dont la première eut lieu sur la chaîne ABC en Juin 1969, a duré 58 épisodes (avec l'émission finale diffusée en Mars 1971).
La performance de "It's Too Late" est suivi par Derek & The Dominos jouant avec Cash et Carl Perkins interprètant "Matchbox".
La chanson la plus acclamé par la critique et populaire de l'album, "Layla", a été enregistrée lors de séances séparées, la section de guitare en ouverture a été enregistrée en premier, avec la deuxième partie quelques semaines plus tard. Duane Allman a contribué aux premières notes de la chanson.
Clapton pensait pourtant que "Layla" manquait d'une fin acceptable. Une conclusion abrupte serait diminuer l'intensité de la musique et un effacement porterait atteinte à l'urgence des paroles. La réponse fut un morceau de piano élégiaque composé et joué par le batteur Jim Gordon.
Gordon écrivait et jouait des chansons séparément pendant les sessions Layla pour un album solo quand Clapton a accidentellement entendu le morceau pour piano, et Clapton a demandé à Gordon d'utiliser le morceau de piano pour la fin de "Layla", Gordon accepta et la chanson fut ainsi complètée.

Lorsque l'album est sorti en Décembre 1970, il a été un flop critique et commercial. Il rate le Top 10 aux États Unis et n'est même pas entré dans les Charts au Royaume Uni. Il suscite tellement peu d'attention que certains blâment Polydor du manque de promotion de l'enregistrement et de la méconnaissance générale de la présence d'Eric Clapton dans le groupe.
Deux ans plus tard, quand les gens surent que c'était un projet de Clapton, l'album a été réédité et est devenu un énorme succès

Bien que publié en 1970, il a fallu attendre Mars 1972 pour que le single tiré de l'album "Layla" (un conte d'amour non partagé inspiré par la relation de Clapton avec la femme de son ami George Harrison, Pattie Boyd Harrison) atteigne le Top Ten aux États Unis et au Royaume Uni.
L'album, qui a reçu les éloges de la critique et des fans, est souvent considéré comme la réalisation par définition de la carrière de Clapton.
Toutefois, la chanson "Layla" lorsqu'elle ressortira en 1972 en single sera un succès retentissant, atteignant le numéro 10 aux États Unis et le numéro 7 au Royaume Uni et sera de nouveau dans les Charts en 1982.
Clapton a aussi retravaillé sa chanson comme une ballade acoustique en 1992 pour son album MTV: Unplugged. La chanson monte alors au numéro 12 aux États Unis et elle remporte également un Grammy Award.

Beaucoup de critiques plus tard remarquérent que Clapton joue mieux dans un groupe composé de duo de guitares, la collaboration avec un autre guitariste l'empêchant d'être "imprécis et paresseux", et ce fut indéniablement le cas avec Duane Allman.
"Layla et Other Assorted Love Songs" a continué à être remarqué par la critique et a été nommé l'un des meilleurs albums de tous les temps: 89ième pour VH1 et 115ième pour Rolling Stone.

La vie personnelle de Clapton a eu une influence sur l'album, il était profondément amoureux de Pattie Boyd, et ce furent des moments difficiles à vivre pour Clapton, qui lui ont inspiré certaines chansons, mais aussi l’ont amené à prendre de l’héroïne. À l’issue de l’enregistrement de cet album, il a eu de graves ennuis de santé.

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Back Pages (2011)
America fait suite à son retour très médiatisé sur le marché des majors en 2007, Here & Now, en passant à un label indépendant et en reprenant ses chansons préférées.
Le passage à un label indépendant a permis de nettoyer la production - il n'y a plus la chaleur de la vieille école que James Iha avait apportée - et de réduire l'ampleur de l'album, de sorte qu'à part les surfaces un peu trop pures, l'album semble intime et convivial.
Il n'y a pas de grandes surprises dans le choix des chansons, il est fortement orienté vers les auteurs classiques comme Bob Dylan, Paul Simon, Joni Mitchell et Brian Wilson, et il y a une sélection de Fountains of Wayne de Schlesinger, donc les seules surprises sont des airs des Gin Blossoms et des New Radicals, dont le mélodisme s'adapte très bien ici, et il y a des surprises légères et subtiles dans les arrangements, avec Dewey Bunnell et Gerry Beckley qui transforment ces airs familiers en quelque chose qui sonne distinctement comme America.
C'est confortable et engageant sans être complaisant ; c'est une visite avec de vieux amis qui peuvent encore faire quelque chose d'inattendu après toutes ces années.

Stephen Thomas Erlewine

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1973 : You Broke My Heart, So I Busted Your Jaw
Après trois longues années depuis la sortie de "The Last Puff", "You Broke My Heart So I Busted Your Jaw" peut en fait être considéré comme un album de retour avec le line-up habituel du groupe. Tout le matériel enregistré est original et provient de la plume du duo d'écriture Wright/Jones. Comme le montre la composition du groupe, les fonctions vocales sont partagées par le duo Harrison/Wright.

Le morceau d'ouverture "Cotton Growing Man", aux accents hard rock, est construit sur un riff puissant et sonne très urgent. Les deux chanteurs se complètent bien, la voix rauque de Harrison a, comme d'habitude pour un retour en arrière, un peu plus d'espace, et ce n'est qu'une bonne chose. Le deuxième blues, doux et sensible, "Old As I Was Born", crée une atmosphère très agréable, surtout aux endroits où les deux voix se rejoignent, la légère domination vocale de Wright est plus que bienvenue dans cette chanson. Les diverses variations du motif de soutien par lequel passe la chanson sont également une agréable surprise. La troisième "This Time Around" entraîne l'auditeur dès les premières notes dans des eaux plus proches de Yes, mais ce "déjà vu" ne dure pas longtemps et la chanson glisse en douceur vers un tempo plus lent - hard rockant. Les musiciens décorent à nouveau la chose de manière appropriée et le solo de guitare, pas trop long, ajoute le bon feeling hard rock. A la fin, tout revient au style "Yes". La quatrième "Holy Water" est une chanson feel-good fortement balladeuse, presque couvée, qui est ornée de belles voix de fond et de refrains qui se graduent plus que de bon goût par endroits. Un morceau vraiment nostalgique. Le cinquième "Wildfire" est de style boogie. Encore une fois, le travail des chœurs est décent et la voix râpeuse de Harrison se fait connaître magnifiquement. Il y a aussi une utilisation sensible de l'orgue de barbarie pour accentuer l'ambiance boogie. Nous passons à la sixième, "Self Seeking Man". Encore une fois, une forte teinte bluesy dans l'ouverture. Dès la première note, on sent que quelque chose de spécial est en train de se produire. Et c'est le cas ! Harrison et Wright, avec Wright derrière eux, graduent la chanson ensemble avec leurs voix. C'est le véritable "chef-d'œuvre" de cet album. Le piano dans l'ouverture de la septième "Times Have Changed" introduit à nouveau une ambiance un peu plus mélancolique. Je n'exclus pas que les natures plus sensibles puissent même s'assoupir devant cette splendeur. Il s'agit d'une œuvre très émouvante. Le morceau final "Moriah" n'exagère pas non plus le tempo, au contraire, il reste dans une position plus angoissée en termes d'atmosphère. Il est à nouveau agrémenté de refrains qui peuvent facilement évoquer un gospel presque classique. Le titre atteint son apogée avec une bourrasque de vent qui, comme par symboles, fait disparaître tout ce confort.

Ce n'est pas le chef d'œuvre qu'est "Spooky Two", mais l'atmosphère que j'aime tant dans les albums de ce groupe est ici en abondance de toute façon.
L'énorme atout du disque est une sorte de modestie dans les arrangements et la quantité d'instruments. Spooky, en revanche, a toujours mis l'accent sur des lignes vocales fortes et des mélodies intéressantes en général.
Ensemble, ils forment le visage clair et inimitable de ce groupe de musiciens, à mon avis, vraiment exceptionnel.

ianwerner

[lienard]

Un de mes albums préférés ..

[Harvest]

Pour moi aussi. Grand disque. Plaisir réitéré à chaque écoute.

[Cooltrane]

Un peu que je m'en souviens .. en 69, dans la cour de récré, nous étions trois à ne parler que de Led Zeppelin et du Spooky Two .. un des 3 était ... Dédé, pas encore chez "Métrophone ni chez Caroline Music " mais déjà fondu de Rock ..

Jamais connu Dédé chez Metrophone, pourtant je fréquentais dans les galeries du Métro(phone) Debrouckère, mais c'était déjà Gary. Faut dire que j'étais outre-Atlantique jusqu'en 91. Par contre avec Caro/Metro l'un à coté de l'autre, le Passage était souvent Honoré par mes baskets.

Depuis que le piétonnier du centreville est terminé et le parking quasi impo, rendant l'accès difficile chez Caro, je ne vois plus Dédé, Yves, Jack et Massimo souvent. Faudrait que je me décide un de ces 4 à prendre la Société Totalitaire de l'Immobilité Bruxelloise pour leur faire un coucou et voir ce qu'ils peuvent commander pour moi.

Même qd j'y suis en semaine (Bxl), je ne parviens pas à trouver le temps et rassembler l'énergie d'y aller ... alors qu'en bagnole, c'était quasi hebdomadaire.

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Par contre, tjs un peu passé à coté du Tooth, que ce soit à l'époque (totalement loupé) ou les décennies suivantes qd j'ai essayé de rattraper mon retard.
J'ai même essayé de me trouver un Best Of et même de me faire une compile (XL IIS ou CD-r) avec les albums de la médiathèque, mais je n'ai jamais trouvé suffisamment de pistes pour remplir un coté de C-90 (alors tu penses bien qu'un CDr de 79 minutes), à moins d'y mettre l'album de Pierre Henry. Pour finir, même Ceremony (le seul que j'aie gardé à casa), je ne l'ai plus, je crois

Bref, les dents gâtées, c'est pas trop mon truc, pourtant il y avait plein de sucreries qui auraient dû me plaire. Ajd, je crois que mon temps est passé pour ce groupe.

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(1970) Patto
A l’origine il y avait Timebox (un terme américain désignant une prison), un combo pop garage londonien un brin psychédélique qui émergea en 1966. Malgré divers changements de personnel, le groupe tourne avec les Kinks et les Small Face avec en prime quelques résidences au célèbre Whisky A Go Go de West Hollywood. Entre 1967 et 1969 Timebox publie quelques singles, dont « Beggin’ » une reprise des Four Seasons qui se classe 38eme en juillet 1968 dans les charts anglais. Mais suite à l’échec du dernier 45-tours le groupe se disloque. Ce qui reste de la formation, c’est à dire le chanteur Mike Patto, le guitariste Peter « Ollie » Halsall, le batteur John Halsey et le bassiste Clive Griffiths, décide en 1970 de poursuivre l’aventure sous le nom de Patto. La réputation des musiciens n’étant plus à faire, le quatuor signe rapidement sur le label Vertigo (Colosseum, Black Sabbath, Gentle Giant…) afin de publier un album éponyme la même année.

Si ce premier essai, fait de 8 chansons, doit mettre en valeur la voix éraillée et nasillarde de Mike Patto, à l’évidence il dévoile l’incroyable jeu brut de Peter « Ollie » Halsall à la six cordes électrique. Ce dernier élabore des riffs surprenants et des soli incisifs mais surtout bien inspirés avec un son de guitare saturé tranchant et impeccable. C’est lui qui impose le style. Mike Patto, John Halsey et Clive Griffiths n’ont d’autres choix que de suivre. Car ce disque n’est rien d’autres qu’un 33-tours de hard rock aux effluves prog d’influence jazz et folk pour guitariste averti ! Cela débute toutefois de manière tranquille avec « The Man ». Peter Halsall plaque des accords cools laissant poser délicatement la voix de Mike Patto. Mais si Peter Halsall excelle à la guitare, il semble être à l’aise au xylophone afin d’apporter une légère touche kaléidoscopique à ce joli titre. Puis sournoisement le guitariste fait monter la pression afin d’enrager Mike Patto. Arrive un hard rock bluesy furibard avec « Hold Me Back » pouvant se comparer sans complexe à Ten Yers After et Led Zep. Afin de redescendre la pression, vient la balade folk/rock acoustique « Time To Die ». On revient au hard blues nerveux et tendu avec les 5 mn de « Red Glow » en conclusion de la face A.

Patto démarre la face B avec « San Antone » dans un registre rhythm ‘n’blues doo-wop puis enchaine avec « Government Man » aux saveurs southernrock parsemé de beaux passages au xylophone. Débarque le plat de résistance, les 10 mn de « Money Bag » débutant par une longue improvisation jazz/fusion époustouflante jusqu’à ce que le chant de Mike Patto calme les ardeurs de Peter Halsall. Le vinyle se termine avec la balade pesante « Sittin’ Back Easy ». A sa sortie ce disque éponyme ne rencontra pas le succès mais au fil des années fût considéré pour beaucoup comme essentiel dans l’histoire du rock progressif.
Quoi qu’il en soit, le quatuor trouvera l’énergie pour poursuivre l’aventure.

jeanjacquesperez

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David Byron 1975 : Take No Prisoners
Cet album de 1975 est la première sortie en solo de David Byron, le chanteur d'Uriah Heep. Il n'est pas surprenant qu'une bonne partie de l'album sonne comme le groupe qui lui a donné son emploi : des hard-rocks robustes, dirigés par des orgues, comme "Silver White Man" et "Hit Me With a White One" ne seraient pas déplacés sur un album typique d'Uriah Heep de cette période.
Le fait que chaque membre actuel d'Uriah Heep fasse au moins une apparition sur ce disque renforce encore cette impression de déjà vu. Ce qui est surprenant avec Take No Prisoners, c'est qu'il est solide et cohérent pour un album solo entre deux albums.
L'album commence puissamment avec "Man Full of Yesterdays", un rock mid-tempo aux arrangements sombres et dramatiques qui mêle un son émotionnel au Mellotron à des paroles autobiographiques. À partir de là, Byron mélange habilement ses rocks à la Heep avec une variété d'expériences roots rock et soul qui se marient bien avec les autres morceaux plus traditionnels : "Steamin' Along" s'attaque au funk avec une habileté surprenante tandis que "Saturday Night" ajoute un élément country-rock sympathique à son attaque rock & roll amplifiée. "Love Song" prouve que Byron peut interpréter une ballade avec une sensibilité surprenante et bénéficie d'un bel arrangement construit sur un doux son de clavecin. De nombreux rocks tranchants sont intercalés entre ces morceaux expérimentaux, le meilleur étant "Midnight Flyer", un rock intelligemment arrangé qui alterne des couplets effrayants et mid-tempo avec un refrain brûlant pour créer une explosion excitante de hard rock.
Dans l'ensemble, Take No Prisoners n'a pas de single marquant ou le genre d'éléments d'expansion de genre qui gagneront l'auditeur occasionnel, mais c'est un album bien conçu qui trouvera certainement la faveur des fans d'Uriah Heep.

Donald A. Guarisco

[alcat01]

Un peu que je m'en souviens .. en 69, dans la cour de récré, nous étions trois à ne parler que de Led Zeppelin et du Spooky Two .. un des 3 était ... Dédé, pas encore chez "Métrophone ni chez Caroline Music " mais déjà fondu de Rock ..

Jamais connu Dédé chez Metrophone, pourtant je fréquentais dans les galeries du Métro(phone) Debrouckère, mais c'était déjà Gary. Faut dire que j'étais outre-Atlantique jusqu'en 91. Par contre avec Caro/Metro l'un à coté de l'autre, le Passage était souvent Honoré par mes baskets.

Depuis que le piétonnier du centreville est terminé et le parking quasi impo, rendant l'accès difficile chez Caro, je ne vois plus Dédé, Yves, Jack et Massimo souvent. Faudrait que je me décide un de ces 4 à prendre la Société Totalitaire de l'Immobilité Bruxelloise pour leur faire un coucou et voir ce qu'ils peuvent commander pour moi.

Même qd j'y suis en semaine (Bxl), je ne parviens pas à trouver le temps et rassembler l'énergie d'y aller ... alors qu'en bagnole, c'était quasi hebdomadaire.

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Par contre, tjs un peu passé à coté du Tooth, que ce soit à l'époque (totalement loupé) ou les décennies suivantes qd j'ai essayé de rattraper mon retard.
J'ai même essayé de me trouver un Best Of et même de me faire une compile (XL IIS ou CD-r) avec les albums de la médiathèque, mais je n'ai jamais trouvé suffisamment de pistes pour remplir un coté de C-90 (alors tu penses bien qu'un CDr de 79 minutes), à moins d'y mettre l'album de Pierre Henry. Pour finir, même Ceremony (le seul que j'aie gardé à casa), je ne l'ai plus, je crois

Bref, les dents gâtées, c'est pas trop mon truc, pourtant il y avait plein de sucreries qui auraient dû me plaire. Ajd, je crois que mon temps est passé pour ce groupe.

Spooky Tooth, leur musique a grandi en mol au fur et à mesure que je trouvais leurs disques.
Les premiers, à part le Two, étaient assez difficile à trouver, mais quel plaisir de pouvoir renouveler mon écoute à chaque fois!

[alcat01]

Rock'n Roll Gypsies (1972)
Le deuxième album de Vinegar Joe est du rock britannique classique du début des années 70, mais avec une influence soul et rock & roll plus marquée que celle des groupes habituels de l'époque, grâce au duo de chanteurs Robert Palmer et Elkie Brooks.
C'est un travail juste mais pas étonnant, Palmer et Brooks chantant tous les deux ensemble et prenant des initiatives individuelles de leur côté.
Le matériel original tend vers une ambiance rock & roll de bon aloi, bien que cela devienne un peu plus intéressant sur les deux compositions originales de Palmer, "Falling" (qui pointe clairement vers le reggae-funk de ses débuts en solo) et "Forgive Us" (qui est un fac-similé décent de country-folk-rock roots de Californie du Sud). Quant aux trois reprises, il est douteux que quelqu'un ait besoin d'une version du classique de Jerry Lee Lewis "Whole Lotta Shakin' Goin' On". Mais ils ont fait preuve d'un meilleur goût en reprenant "Angel" de Jimi Hendrix (la voix la plus impressionnante de Brooks sur le disque) et l'obscure chanson folk-rock américaine "Rock & Roll Gypsies", reprise à l'origine par les Gypsy Trips et Hearts & Flowers dans les années 1960.

Richie Unterberger

[Titis]

David Byron 1975 : Take No Prisoners
Cet album de 1975 est la première sortie en solo de David Byron, le chanteur d'Uriah Heep. Il n'est pas surprenant qu'une bonne partie de l'album sonne comme le groupe qui lui a donné son emploi : des hard-rocks robustes, dirigés par des orgues, comme "Silver White Man" et "Hit Me With a White One" ne seraient pas déplacés sur un album typique d'Uriah Heep de cette période.
Le fait que chaque membre actuel d'Uriah Heep fasse au moins une apparition sur ce disque renforce encore cette impression de déjà vu. Ce qui est surprenant avec Take No Prisoners, c'est qu'il est solide et cohérent pour un album solo entre deux albums.
L'album commence puissamment avec "Man Full of Yesterdays", un rock mid-tempo aux arrangements sombres et dramatiques qui mêle un son émotionnel au Mellotron à des paroles autobiographiques. À partir de là, Byron mélange habilement ses rocks à la Heep avec une variété d'expériences roots rock et soul qui se marient bien avec les autres morceaux plus traditionnels : "Steamin' Along" s'attaque au funk avec une habileté surprenante tandis que "Saturday Night" ajoute un élément country-rock sympathique à son attaque rock & roll amplifiée. "Love Song" prouve que Byron peut interpréter une ballade avec une sensibilité surprenante et bénéficie d'un bel arrangement construit sur un doux son de clavecin. De nombreux rocks tranchants sont intercalés entre ces morceaux expérimentaux, le meilleur étant "Midnight Flyer", un rock intelligemment arrangé qui alterne des couplets effrayants et mid-tempo avec un refrain brûlant pour créer une explosion excitante de hard rock.
Dans l'ensemble, Take No Prisoners n'a pas de single marquant ou le genre d'éléments d'expansion de genre qui gagneront l'auditeur occasionnel, mais c'est un album bien conçu qui trouvera certainement la faveur des fans d'Uriah Heep.

Donald A. Guarisco

Excellent cet album solo
J'ai le lp depuis des lustres , ça me donne envie de le remettre , c'était quand même un sacré chanteur , quel gâchis

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David Byron 1975 : Take No Prisoners
Cet album de 1975 est la première sortie en solo de David Byron, le chanteur d'Uriah Heep. Il n'est pas surprenant qu'une bonne partie de l'album sonne comme le groupe qui lui a donné son emploi : des hard-rocks robustes, dirigés par des orgues, comme "Silver White Man" et "Hit Me With a White One" ne seraient pas déplacés sur un album typique d'Uriah Heep de cette période.
Le fait que chaque membre actuel d'Uriah Heep fasse au moins une apparition sur ce disque renforce encore cette impression de déjà vu. Ce qui est surprenant avec Take No Prisoners, c'est qu'il est solide et cohérent pour un album solo entre deux albums.
L'album commence puissamment avec "Man Full of Yesterdays", un rock mid-tempo aux arrangements sombres et dramatiques qui mêle un son émotionnel au Mellotron à des paroles autobiographiques. À partir de là, Byron mélange habilement ses rocks à la Heep avec une variété d'expériences roots rock et soul qui se marient bien avec les autres morceaux plus traditionnels : "Steamin' Along" s'attaque au funk avec une habileté surprenante tandis que "Saturday Night" ajoute un élément country-rock sympathique à son attaque rock & roll amplifiée. "Love Song" prouve que Byron peut interpréter une ballade avec une sensibilité surprenante et bénéficie d'un bel arrangement construit sur un doux son de clavecin. De nombreux rocks tranchants sont intercalés entre ces morceaux expérimentaux, le meilleur étant "Midnight Flyer", un rock intelligemment arrangé qui alterne des couplets effrayants et mid-tempo avec un refrain brûlant pour créer une explosion excitante de hard rock.
Dans l'ensemble, Take No Prisoners n'a pas de single marquant ou le genre d'éléments d'expansion de genre qui gagneront l'auditeur occasionnel, mais c'est un album bien conçu qui trouvera certainement la faveur des fans d'Uriah Heep.

Donald A. Guarisco

Excellent cet album solo
J'ai le lp depuis des lustres , ça me donne envie de le remettre , c'était quand même un sacré chanteur , quel gâchis

Je dirais même qu'il était exceprionnel!

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"All the Young Dudes" est pour Mott the Hoople l'album de la deuxième chance. Formé en 1969, après que Ian Hunter a passé la première partie de sa carrière à se frotter au skiffle et au blues-rock dans des clubs paumés du Pays de Galles, Mott a aligné les insuccès avec une belle constance, recueillant moquerie et indifférence, au point que le quintet envisageait de simplement jeter l'éponge, après un carré d'albums pourtant pas piqués des vers.
C'est là que la Fée Clochette, réincarnée en David Bowie, se souvint qu'elle avait oublié de se pencher sur le berceau de Mott. Le côté chanceux de l'affaire, c'est qu'en 1972, Mott the Hoople n'a pas beaucoup de fans mais que parmi ceux-là, il y a Bowie, ce qui compense. Parti proposer ses services aux Spiders from Mars, le bassiste Overend Watts se voit offrir, à la place du job, une nouvelle chance pour Mott en la matière d'un titre que Bowie offre gracieusement au groupe. Ian Hunter ayant repoussé dédaigneusement « Suffragette City » (l'ingrat !), ce sera, comme chacun sait, « All the Young Dudes », titre qui, en plus de relancer la carrière de Mott, deviendra ironiquement l'étalon glam absolu en matière de single. Signé par CBS, alors que le groupe s'était fait fermer la porte au nez de toutes les bonnes boîtes, Mott peut enfin enregistrer son disque de référence,Mott, puis 'The Hoople' ("Led" puis "Zeppelin", en somme...).
Considéré comme le groupe glam par excellence, Mott livre avec "All the Young Dudes" un fichu album de rock n'roll, dans lequel l'influence glam ne se fait vraiment sentir que sur le titre éponyme dans lequel la patte de Bowie est si manifeste... qu'on dirait du Bowie ! Le reste du disque est constitué d'une solide collection de rocks francs du collier, souvent stoniens ("One of the Boys"). L'album est carré, réussi d'un bout à l'autre et produit au poil, dans la rudesse, réservant sa meilleure partie à la guitare grasseyante de Mick Ralphs et à l'orgue souvent grinçante de Verden Allen. Pour filer la métaphore stonienne,

"All the Young Dudes" est l'album du paradoxe mottien. Référence de la chapelle glam, Mott est en fait une formation de rockers velus pour lesquels les paillettes sont une afféterie par laquelle il fallait bien passer pour survivre à l'époque. Évidemment, les albums suivants seront plus baroques et arrangés, souvent à la limite de la grandiloquence, mais "All the Young Dudes", franchement, quoi de plus basique ? Du reste, c'est quoi le glam, musicalement ? Parce que si c'est juste une question de platform-boots en faux serpent, Deep Purple n'est pas loin d'être glam (mais il est vrai que les leurs ne remontaient pas jusqu'aux cuisses...).
Avec cet album, Mott the Hoople va connaître une brève période faste où le groupe apparaît comme une formation éminemment professionnelle, soucieuse de délivrer chaque soir le meilleur set possible. Un témoignage qui révèle à quel point Mott était une formation honnête.

Acquisition indispensable pour vouloir se faire une idée sérieuse de ce qui se faisait vraiment bien dans les seventies.

AG

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John Mayall Plays John Mayall
Le premier album de John Mayall, enregistré en public en décembre 1964, est un peu injustement négligé, car il a été enregistré peu de temps avant que le premier des célèbres guitaristes formés au sein des Bluesbreakers (Eric Clapton) ne rejoigne le groupe.
Avec Roger Dean à la guitare (et la section rythmique qui jouera sur l'album Bluesbreakers with Eric Clapton, le bassiste John McVie et le batteur Hughie Flint), cet album a plus un côté rock/R&B, un peu comme les premiers Rolling Stones, que le matériel plus pur et plus blues que Mayall utilisera habituellement dans ses enregistrements ultérieurs.
Le disque n'en souffre pas pour autant, il progresse de manière assez puissante et, chose inhabituelle pour un groupe britannique de R&B/blues de l'époque, il ne contient pratiquement que des morceaux originaux, tous écrits par Mayall. Le saxophone de Nigel Stanger ajoute des touches intéressantes à quelques morceaux, les chansons sont assez bonnes, et si la guitare de Dean et le chant de Mayall ne sont pas au même niveau que les meilleurs instrumentistes et chanteurs du mouvement blues-rock britannique, ils sont satisfaisants. [L'édition CD enrichie de 2006 au Royaume-Uni a ajouté cinq morceaux agréables qui complètent tout ce qui a été enregistré par la version pré-Eric Clapton des Bluesbreakers, y compris le single de 1964 "Crawling Up a Hill"/"Mr. James" ; le single de début 1965 "Crocodile Walk"/"Blues City Shakedown" ; et l'extrait de février 1965 "My Baby Is Sweeter", qui est apparu pour la première fois sur la compilation britannique du début des années 70 Thru the Years. "Crawling Up a Hill" et "Crocodile Walk" apparaissent également sur l'album original John Mayall Plays John Mayall dans des performances live, mais les versions des pistes bonus sont des enregistrements de studio entièrement différents réalisés pour ces singles non-LP, et sont également très bons].

Richie Unterberger

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Lost & Found (2015)
Le titre Lost & Found laisse entendre que cette compilation de 2015 plonge dans les profondeurs des coffres, peut-être dans les années 70 ou 80, qui sont les deux époques dorées d'America.
Ce n'est pas le cas. Jeff Larson, auteur-compositeur-interprète et associé de Gerry Beckley, a trouvé une série de chansons que Beckley a enregistrées entre 2000 et 2011 - parfois seul, parfois avec Dewey Bunnell - et a réalisé qu'elles constituaient un véritable album inédit d'America.
Larson a rassemblé les dix chansons et, voilà, Lost & Found ressemble effectivement à un album classique d'America, fusionnant le folk-rock des années 70 avec le brillant séduisant du yacht rock des années 80.
Cette fusion sournoise fait que Lost & Found se situe dans un territoire joyeusement brumeux où il ressemble à un album classique d'America sans jamais le rappeler spécifiquement, et il est également soutenu par un excellent ensemble de chansons de Beckley, des morceaux qui mettent en valeur son mélodisme facile et sa générosité chaleureuse.

Stephen Thomas Erlewine

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1973 : Witness
Comme Mott The Hoople et The Pretty Things, les Anglais de SPOOKY TOOTH n'ont jamais vraiment reçu les éloges qu'ils méritent.
Le sixième album studio de Spooky est sorti seulement une demi-douzaine de mois après son prédécesseur de janvier 1973, il est arrivé en juillet 1973 avec une pochette en forme de pyramide sur un billet de banque et le mystérieux nom de "Witness" - ce que peu d'acheteurs de LP ont fait. Nos amis américains ont dû attendre jusqu'en novembre 1973 pour que Capitol publie Island, avec une pochette différente - le groupe se tient devant trois croix - l'une des photos utilisées sur le collage arrière de la pochette du LP britannique.
Quatre des cinq musiciens qui avaient fait du délicieux "You Broke My Heart So...I Busted Your Jaw" de janvier 1973 un tel succès sont de retour - les chanteurs Mike Harrison et Gary Wright avec le futur guitariste de Foreigner Mick Jones, habilement aidés par le bassiste Chris Stewart et le nouveau batteur Mike Kellie. Gary Wright a écrit neuf chansons - six en solo et trois coécrites - "Don't Ever Stray Away" avec Chris Stewart, "All Sewn Up" avec Mick Jones et "Pyramids" avec le batteur et percussionniste Mike Kellie.
Les fans de longue date savent qu'aucun des albums Rock, Blues-Rock ou Prog-Rock de Spooky Tooth n'a jamais figuré dans les charts britanniques (pas même un "Best Of" nostalgique en 1976) et bien que le membre fondateur et auteur-compositeur Gary Wright ait fait un peu de commerce au milieu des années 70 (surtout aux États-Unis avec son LP "Dream Weaver"), Luther Grosvenor et Mike Harrison ont également fait des carrières en solo mais peu de gens semblaient s'en soucier ou les remarquer. Le groupe ne figure même pas dans l'époustouflante "Great Rock Discography" de Martin C. Strong (alors que presque tout le monde y figure). Et maintenant, la dernière gifle...

Il y a un bon riffage dans des morceaux comme "Ocean Of Power" où Wright semble avoir découvert le Seigneur et ne sera pas tenu en mépris pour de telles croyances. Il y a une belle chaleur dans les basses et le piano et lorsque la voix de Harrison se mêle aux autres, on se sent sacrément bien, bien charnu comme jamais auparavant. "Wings On My Heart" est une chanson d'orgue d'église "feeling like I'm free" et est plus jolie que dans mes souvenirs de l'époque. Des notes de piano ouvrent "As Long As The World Keeps Turning" - une chanson faussement musicale que je retrouve encore et encore. Des accords puissants à la Montrose ouvrent "Don't Ever Stray Away" - un plaidoyer pour "ne pas jeter la magie" à ses filles - d'énormes guitares se répandent sur vos enceintes. La face 1 se termine avec le rock acoustique de "Things Change" où Spooky Tooth a un son américain - comme Spirit ou Paul Kantner de Jefferson Airplane - et encore une fois avec un excellent travail de guitare de la part des garçons.
"All Sewn Up" de la face 2 nous est présenté sous la forme d'un rock original où ST apparaît comme un ACE. "Dream Me A Mountain" est une autre mélodie accrocheuse de Wright - une chanson rock avec une chaleur qui la hisse au-dessus de la moyenne (et jetez un coup d'œil à ce solo de guitare parfait). Les guitares grunge de James Gang ouvrent "Sunlight On My Mind" - un plaidoyer "shine a light on me" avec la voix en écho de Harrison qui donne du pathos à l'ensemble. Le batteur Mike Kellie a coécrit avec Wright la chanson "Pyramids", au piano, qui clôt l'album sur une ballade avec de grandes voix et peut-être trop de mélodrame.
Pour résumer, j'aime "Witness" en tant qu'album. C'est vrai qu'il n'y a rien qui vous accroche immédiatement, mais j'aime la musicalité générale de l'album. Il y a de vraies pépites.
Le duo de 1973 "You Broke My Heart So...I Busted Your Jaw" et "Witness" sont deux albums de rock classique des années 1970 qui méritent d'être redécouverts.

Mark Barry

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1971 Hold Your Fire
Le premier album du combo anglais Patto imprimé en 1970, excellent fût-il, ne rencontra pas le succès espéré. Qu’importe, le label Vertigo sur les conseils du manager Muff Winwood fait confiance au potentiel de ces musiciens au talent certain et plus particulièrement le guitariste Peter « Ollie » Halsall. Accompagné par le chanteur Mike Patto, le bassiste Clive Griffiths et le batteur John Halsey, le quatuor entre en studio afin de pondre Hold Your Fire en décembre 1971.

Ce second essaie est une bonne suite au disque précédent où est élaboré un rock prog d’influence jazz. Toutefois, Hold Your Fire va se montrer plus ouvert, moins brut mais surtout plus équilibré, tout particulièrement chez les musiciens. Le premier vinyle semblait être l’affaire de l’incroyable jeu d’Ollie Halsall. Ici tout le monde y trouve sa place. Le batteur John Halsey et le bassiste Clive Griffiths se montrent moins discret. Mike Patto avec sa voix éraillée et nasillarde s’affirme sur un ton plus nerveux comme un pub rockeur égaré. Quant à Ollie Halsall, s’il se montre maître de l’improvisation comme on peut l’entendre dans le jazzy « Air-Raid Shelter », il va s’exprimer dans un style plus élégant, plus séduisant. Au final Patto propose un 33-tours qui va miser sur les émotions à l’image du magnifique et douloureux « You, You Point Tour Finger », probablement la plus belle chanson de ce Lp. Dans cet élan mélodique on ne peut qu’apprécier le langoureux « How’s Your Father » aux effluves soul et « Magic Doors » en conclusion, ponctué de chœurs célestes et d’un xylophone apportant une subtile touche kaléidoscopique. Pour le reste, le titre éponyme qui ouvre le disque part pour un souternrock country quelque peu boogie via un discret piano. « See You At The Dance Tonight » est un excellent heavy boogie funk aux variations de tempos tout comme « Give It All Away » mais dans un registre plus standard. Quant à « Tell Me Where You’ve Been » il se dévoile très entrainant. Bref, Patto signe un disque attachant et pour ma part celui que je préfère.

Mais comme le premier opus, Hold Your Fire ne rencontre pas le succès, obligeant Patto à quitter Vertigo. Toutefois, le quatuor n’avait pas dit son dernier mot.

jeanjacquesperez

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David Byron 1978 : Baby Faced Killer
David Byron est rarement reconnu à sa juste valeur, mais c'est l'un de ses projets qui pourrait avoir la capacité de rassembler des personnes qui ne lui accorderaient habituellement pas une seconde d'attention, dans un accord positif. Que l'on aime ou que l'on déteste, cet album a divisé les fans et les critiques lors de sa sortie en 1978, mais il est intéressant de noter que, si l'on y prête une oreille attentive, il reste l'effort le plus frais et le moins daté du canon de Byron. Il a toujours voulu explorer de nouveaux territoires et il a eu les couilles de le faire en sachant qu'il aliénerait une grande partie de sa base de fans de l'époque d'Uriah Heep. Mais il vaut mieux avoir des couilles que de devenir un eunuque à une note (soprano sans doute).

"Baby Faced Killer" est un excellent album. Byron et son partenaire d'écriture et d'arrangement de cette période, Daniel Boone ont concocté un véritable banquet de morceaux vibrants qui claquent, crépitent et sortent de vos enceintes. La chanson titre et "Heaven Or Hell" s'inspirent sans aucun doute de l'Electric Light Orchestra de l'époque, et si l'on veut copier le son que quelqu'un d'autre fait si bien, autant aller jusqu'au bout et ces deux morceaux sont des panoramas sonores luxuriants qui donnent l'impression que c'est Jeff Lynne lui-même qui a tourné les boutons derrière la vitre du studio. Le thème de Dragnet qui donne le coup d'envoi de "Baby Faced Killer" (la chanson) donne parfaitement le ton. Des vocalises de fond grandioses et planantes préparent le terrain pour des sons de synthétiseurs et des rythmes contemporains mixés de façon grandiose par un groupe de soutien exceptionnel, ainsi qu'une finition de studio ultra propre. Ces chansons vous sautent aux yeux et sont absolument, absurdement accrocheuses.
C'est la production et les arrangements de Byron et Boone, ainsi qu'une attention infaillible à ce qui passait à la radio à l'époque, qui ont rendu cet album plus consciemment destiné à un public plus large. Étonnamment, et contre toute attente, cela fonctionne à merveille. "Rich Man's Lady" ; "Sleepless Nights" ; le rythme afro/proto-techno de "African Breeze"; les deux ballades parfaites et autobiographiquement révélatrices, "Everybody's Star" et "I Remember" ; sans oublier le très Beatles-esque "Only You Can Do It"; Toutes ces chansons, qui auraient pu être diffusées en 1978, sont des tapisseries captivantes et enrobées de sucre de performances riches d'une grande sensibilité et d'arrangements audacieux. Si vous êtes un fan d'Uriah Heep, le solo de Mick Box à la fin de "I Remember" vous donnera la chair de poule, surtout rétrospectivement, sachant que c'était le dernier enregistrement qu'il faisait avec Byron. Arista Records a perdu la boule après que son président, Clive Davies, ait refusé une sortie américaine. Non seulement ce manque de soutien de la part du label commence à affecter Byron (une lettre que Byron écrit à un ami proche aux États-Unis à l'époque décrivant le manque de soutien d'Arista conclut : "Que pouvez-vous me faire pour que je sauve ma vie ?"), mais cela met fin à un partenariat musical artistiquement aventureux entre Byron et Boone qui ne manquait manifestement pas d'idées et, surtout, d'accroche. Du vrai pop art, en quelque sorte.

Les dirigeants de maisons de disques ont écrasé plus d'un partenariat artistiquement riche et ceci est une autre mauvaise décision prise qui est encore plus décourageante compte tenu du calibre extrêmement élevé de la musique de cet album.
Criminellement négligé, cet album est mûr pour une réévaluation et une analyse révisionniste. Comme tous les grands albums de rock, il sonne aussi vibrant et frais qu'il y a trente ans. Peu d'albums ont une telle longévité musicale. C'est juste que seule une petite poignée de personnes en est consciente. Une fois que vous l'aurez écouté, vous le considérerez avec le même respect qu'un album favori des Beatles, ou même d'E.L.O. Bien sûr, vous souhaiterez peut-être qu'il continue à chanter "Easy Livin'", et si c'est le cas, vous n'êtes probablement pas le genre de personne qui peut comprendre cela de toute façon. Il n'est pas facile à trouver, mais cela vaut la peine de chercher. Vous deviendrez un fan de plus dans la lutte pour mettre cet album là où il doit être - en l'écoutant à fond sur votre chaîne stéréo à la maison, dans votre voiture ou sur votre iPod.

Cet album ne fait qu'effleurer occasionnellement le son Heep caractéristique de Byron, mais comme une véritable réussite artistique, il illumine audacieusement des mélodies qui se graveront dans votre cerveau comme le fait toute grande pop. Et quand la "pop" est aussi bonne, elle transcende ce titre insignifiant.

Godwaffle

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Dernier coup de dé de Vinegar Joe, Six Star General est un autre album qui démontre bien tout le potentiel du groupe, et quel dommage qu'il n'ait jamais atteint le succès commercial que ses membres méritaient.
Commençant par le rauque "Proud to be (A Honky Woman)", Six Star General démarre de façon prometteuse avec un rock soul plein d'allant interprété par Elkie Brooks, puis prend immédiatement une tournure intéressante avec "Food for Thought", un morceau de soul funky aux yeux bleus sur lequel Brooks et Robert Palmer partagent un rare duo.
Six Star General revient ensuite à un son plus rock'n'roll avec "Dream My Own Dreams", l'album passant sans cesse d'un style rock à un style soul aux yeux bleus sur lequel les deux chanteurs connaîtront plus de succès dans leurs carrières solo respectives. Les titres "Lady of the Rain" et "Black Smoke Rising From The Calumet" sonnent comme s'ils avaient pu figurer sur n'importe quel album solo des années 70 de Brooks.
Dans un sens, ce n'est pas une surprise que Six Star General soit le dernier album de Vinegar Joe. Ils font tout ce qu'ils peuvent pour essayer d'obtenir quelque chose, n'importe quoi, qui s'accroche et qui soit un succès commercial. En conséquence, Six Star General n'est pas l'album le plus cohésif ou le plus dynamique, au lieu de cela, chaque morceau sonne comme si le groupe faisait "Que pensez-vous de ceci ? Le résultat est un album qui semble un peu compromis et qui laisse l'auditeur dans l'attente que le groupe choisisse une voie et y reste plus longtemps que quelques morceaux.
Cela dit, il n'y a pas de morceau particulièrement mauvais sur Six Star General. Le groupe a toujours été très prometteur et était manifestement plus que capable d'atteindre la grandeur, mais cet album sonne comme un tas de chansons individuelles regroupées ensemble, au lieu d'une seule déclaration cohérente, à moins que cette déclaration ne soit "aimez-nous, nous sommes vraiment très bons si vous nous donnez une chance". Et oui, Vinegar Joe était bon, et c'est vraiment dommage qu'ils n'aient jamais eu la chance qu'ils méritaient, parce qu'on pourrait choisir n'importe quel morceau de Six Star General et en faire un classique méconnu.

Si Robert Palmer n'était pas mort en 2003, j'aurais aimé penser qu'il y aurait eu des tournées de retrouvailles occasionnelles de Vinegar Joe au 21e siècle pour célébrer le trio d'albums qu'ils ont enregistré ensemble. Peut-être, juste peut-être, auraient-ils finalement obtenu la reconnaissance que le groupe méritait, mais en l'état actuel des choses, Vinegar Joe reste une note de bas de page étrange dans une paire de carrières solo réussies que peu de gens auraient reliées entre elles sans connaître au préalable un trio d'albums semi-obscurs.

p_q

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Mott (1973)
Au moment de la sortie de "Mott" en 1973, le groupe n'était plus qu'un quatuor après que Verden Allen, mécontent, ait quitté le Hoople, tout en se plaignant de son rôle dans leur spectacle. Bien qu'il soit possible de soutenir que, comme Keith Smith l'affirme dans ses notes de pochette, il s'agit du meilleur album du groupe, il est peut-être aussi le plus abouti en termes d'écriture et de jeu. Toutes les félicitations pour avoir fait face à CBS et l'avoir produit eux-mêmes avec l'aide de Bill Price et Alan Harris.
La méthodologie schizoïde de Ian Hunter, qui a fait toute sa carrière, se concrétise avec le mémorial de la tournée de 1972 "All The Way From Memphis" (vous avez remarqué que les meilleurs saxophonistes semblent toujours s'appeler Mackay ?), les rocks débraillés "Whizz Kid" et "Honaloochie Boogie", et l'auto-mythologisant "Ballad Of Mott The Hoople".
"Violence" est une chanson méchante, froide, aux yeux bridés, qui frappe avec toute la subtilité et la sensibilité d'un 747 en flammes rempli d'orphelins s'écrasant sur une montagne, "Drivin' Sister" est peut-être la meilleure chanson de voiture en dehors des catalogues de Chuck Berry ou de Bruce Springsteen, "Hymn For The Dudes" me donne encore des frissons 33 ans plus tard, et "I Wish I Was Your Mother"... Eh bien, c'est une chanson géniale (Mick Ralphs se débattant avec une mandoline dans un tap-out) mais il faudrait peut-être Freud pour trier la feuille de paroles de Hunter.

Bien que le fait d'être dévoué à Mott The Hoople ait presque ruiné mon éducation au lycée, les coups de pied et les plans de guitare faisant la guerre à l'arithmétique, c'était bien mieux que de se contenter d'un régime régulier de micropoints violets et de Mad Dog 20/20.

OttoLuck