Coltrane (1962)
Considéré par beaucoup comme son meilleur album, Coltrane est l'occasion pour John Coltrane de déployer tous les éléments passionnants qui lui ont permis de briller et de faire briller sa voix instrumentale pleinement formée de la manière la plus lumineuse qui soit.
Au saxophone ténor, il est tout simplement magistral, offrant les feuilles bourgeonnantes de la philosophie du son dans des tissages sans fin de mélodies et de mélodies de phrases inventives, réfléchies et entraînées. Coltrane joue également un peu de saxophone soprano, en guise d'introduction à son travail plus exploratoire à venir. Entre-temps, le bassiste Jimmy Garrison, le batteur Elvin Jones et surtout l'excellent McCoy Tyner ont intégré leur dynamique passionnée à l'ensemble du quartet.
Le résultat est un effort très ciblé, une session relativement populaire pour ses fans comme pour les retardataires, avec cinq sélections brillamment conçues et interprétées. "Out of This World", d'une durée de plus de 14 minutes en modalité, est une déclaration puissante, étirée par les accords merveilleux et habiles de Tyner, les rythmes tourbillonnants évoqués par Jones et le style vocal que Coltrane utilise en faisant le tour de cette mélodie classique, y compris un changement de tonalité astucieux. "Tunji" est un morceau mystérieux en 4/4 qui évoque le chemin spirituel emprunté par Coltrane, un peu agité par moments alors que Tyner reste serein. Le hard bop est toujours présent dans l'esprit collectif de Coltrane pendant "Miles' Mode", une petite mélodie qui passe en mode jam lors d'une session de soufflage libre, tandis que l'inverse se trouve dans "Soul Eyes" de Mal Waldron, la quintessence de la ballade, impressionnante ici par la façon dont Coltrane tient les notes, l'émotion et l'intellectualité expressive. Au soprano, on sent que Coltrane est sur le point de prendre le contrôle total de ses nouveaux voicings, comme le montre un "The Inch Worm" enjoué et enjoué, en 3/4 temps, qui n'est que légèrement tendu, mais dans lequel il trouve une communion complète avec les autres.
Plus encore que toutes les platitudes que l'on peut accumuler sur cet extraordinaire enregistrement, il se situe historiquement entre les albums Olé Coltrane et Impressions -- complétant une triade d'efforts en studio qui sont aussi définitifs que tout ce que Coltrane a jamais produit, et hautement représentatifs de lui dans la fleur de l'âge.
Michael G. Nastos
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:14, modifié 1 fois.
Fresh Maggots a été un duo de Acid Folk Rock Anglais. Ce groupe éphémère originaire de Nuneaton, dans le Warwickshire en Angleterre est composé de Mick Burgoyne et Leigh Dolphin, qui jouaient une variété d'instruments, notamment des guitares, des glockenspiel, des flûtes irlandaises (Tin whistle) et des instruments à corde, mais il n'y a pratiquement aucune percussion.
Ensemble, ils rappellent un peu le côté Folk Psychédélique de Simon & Garfunkel en à peine plus agressif avec des arpèges de guitare acoustique, des solos de guitare électrique et du fuzz lourd et la guitare sonne parfois un peu comme Jethro Tull.
Ils ont été signés par RCA Records qui a sorti leur unique album en 1971 alord qu'ils n'avaient que dix-neuf ans.
"Fresh Maggots" a été enregistré aux studios de Radio Luxembourg à Londres pendant plusieurs mois et produit par Mike Berry.
Au début des années 1970, il existait pas mal de disques remplis de musique comme celle-ci et des paroles idéalistes avec des messages de protestation occasionnels. Des musiciens comme Forest et Donovan, entre autres, sont passés par là avant ou pendant le bref contact avec la renommée de ce duo. D'autres comme the Strawbs ou Nick Drake avaient assez habilement fusionné le Folk Rock avec des cordes.
Pourtant, Fresh Maggots a produit un album unique qui était suffisamment distinct pour être estimé. Leurs harmonies brillantes, leur style de jeu de guitare luxuriant, leur instinct autour des arrangements et leur enthousiasme juvénile pur compensent largement les quelques petites lacunes qu'ils ne font de toute façon aucun effort pour cacher, ne faisant, par-là même, qu'accentuer leur sympathie hors du commun. Il est difficile de comprendre qu'ils n'avaient que 19 ans au moment de cet enregistrement, mais, paradoxalement, ceci peut expliquer cela.
Avec une dépendance quasi totale à la guitare acoustique et à quelques autres instruments, Burgoyne et Dolphin ont réussi à la fois à arranger et à séquencer les morceaux de manière à ce qu'ils paraissent beaucoup plus diversifiés sur le plan musical qu'ils ne le sont véritablement.
En effet, ces deux multi-instrumentistes donnent vie, avec l'aide de quelques effets surprenants, à un album Folk Rock mélodique trempé d'acide de fuzz électrique, rétroaction, et des harmonies chatoyantes, remplies de visions réfléchissantes parfois expansives et même agressives.
En fait, aussi majestueux que puisse paraître cet opus, il est très personnel et singulièrement déterminant. À leur honneur, ils parviennent à éviter l'atmosphère indulgente qui entoure à la fois les genres Acid Rock et Progressif, menant une sortie bien structurée, fraîche et organisée, qui contourne allégrement les méandres sans but, parfois à la limite du magnifique et parvient toujours à rester sur la voie du Folk Rock.
Il est assez unique avec des éléments psychédéliques et progressifs. Certaines des chansons incluent également une guitare hard fuzz, ce qui leur donne un son un peu Acid Rock.
Acid Folk, par ailleurs, très agréable à l'oreille, les mélodies sont agréables et le jeu de guitare est parfait pour chaque morceau. Les lignes de lead guitare sur certaines de ces pistes le rendent un peu différent du Psyché Folk standard, ajoutant un élément qui fait vraiment ressortir chaque piste. Un petit peu de fuzz ou un tout petit peu de distorsion contre les guitares acoustiques cristallines enregistrées fournit un dynamisme qui rend la contribution de Fresh Maggots au genre quelque peu spéciale.
C'est aussi un Psyché Folk assez doux avec principalement une guitare acoustique, mais aussi des instruments à cordes, une flûte irlandaise et même parfois une guitare fuzz, le tout étant utilisé avec parcimonie. C'est tout simplement génial avec une composition très forte et des performances de premier ordre. Tout ce qui a permis à Burgoyne et Dolphin d'obtenir un contrat d'enregistrement apparait pleinement car la guitare sauvage, les flûtes, etc ... améliorent ce très bon album Folk.
La plupart des chansons sont plutôt impressionnantes. La chanson qui semble être la plus connue, "Rosemary Hill", est probablement au dessus mais les autres chansons ne sont pas que des faire-valoirs car cela reste de belles chansons.
Des morceaux comme "Everyone's Gone to War", "Spring", "Balloon Song" incluent de belles lignes mélodiques, ce qui suggère que ces gars-là avaient un potentiel certain et qu'ils seraient probablement allés plus loin avec un meilleur nom: "...Nous n'avions jamais pensé que nous allions arriver quelque part, donc peu importe comment nous nous appelions...",
Cet album Folk que l'on peut aisément qualfié de super alterne entre Folk électrique et acoustique, retenant toute l'attention de l'auditeur. De plus, ce qui rend cet opus encore meilleur, c'est qu'un solo de guitare électrique au rythme rapide est la plupart du temps suivi d'un morceau Folk doux avec des harmonies douces (comme par exemple, "Dole Song" suivi de "Rosemary Hill" et du morceau "Everyone's Gone to War").
Les morceaux sont pour la plupart uptempo dans un style 'hippie', mais des chansons comme "Everyone's Gone To War" se plaignent de la réalité de l'époque. Ce n'est pas l'album le plus progressif jamais entendu, il a des structures de chansons peu orthodoxes bien que de longueur assez courte. Les chansons sont assez variées, ce qui en fait une écoute facile pour tout un chacun.
Le seul et unique album de Fresh Maggots est l'un des nombreux vinyle rares semi-légendaires qui ont un peu éclaté quand ils ont commencé à être réédités dans les années 90. Grâce à des groupes technologiques comme Spring, Mellow Candle, Jan Dukes de Grey, Comus, the Pentangle et bien d'autres dont la musique n'était auparavant connue que comme une légende pouvait désormais être écoutée par les masses sans avoir à vendre des organes vitaux pour acheter un rare, obsolète enregistrement vinyle original.
Quoi qu'il en soit, dans certains cas, la vraie musique était à la hauteur des légendes; dans d'autres cas, la musique n'était pas vraiment très bonne. Fresh Maggots se situent quelque part entre les deux. L'un des problèmes, bien sûr, c'est les quelques décennies qui se sont écoulées entre le moment où des albums comme celui-ci ont été enregistrés pour la première fois et le moment où ils sont finalement apparus sur CD. Les choses changent avec le temps, et certaines de ces premières musiques Folk progressives n'ont pas particulièrement bien vieilli.
Fresh Maggots était aussi naïf que de nombreux autres jeunes de leur époque et les paroles sombres de bon nombre de ces morceaux rencontreront probablement certaines réticences ou même, parfois, la dérision des auditeurs les plus endurcis du XXIe siècle. De plus, l'instrumentation était agréablement contemporaine il y a plus de trente-cinq ans, mais elle peut sembler aujourd'hui trop clairsemée et simpliste pour être considérée comme innovante ou progressive. Mais, d'un autre côté, une collection de Folks moelleux jouée avec sérieux par un duo d'adolescents ne peut pas être mauvaise, et il y a quelques points assez brillants malgré l'absence presque totale de sensibilité commerciale de la part du duo.
Il y a, cependant, des moments incroyablement beaux tels que le délicat (presque du Pentangle en raison du glockenspiel et de superbes lignes de violoncelle) "Rosemary Hill", le court "Quickie" auto-explicatif, l'heureux "And When She Laughs"(avec son piccolo), le Spring" envoûtant (cordes ajoutées à la fin de la chanson), le morne "Who's To Die" (les cordes sont très présentes, mais avec de bons effets) et l'instrumental "Elizabeth R". Mais clairement la guitare fuzz plus rock mélangée à quelques lignes de guitare folk médiévale sont l'attraction de l'album ("Dole Song", "Everybody's Gone To War", "Balloon Song", et le long et dément "Frustration") et c'est précisément ce trait électrique qui a créé la légende autour de cet album.
L'album s'ouvre immédiatement par l'approche non conventionnelle du développement des chansons, avec des modulations d'intensité, des changements de rythme et de tempo, et le ton de chant confiant et expressif de "Dole Song", une sorte de commentaire social électrifié, rehaussé par une flûte irlandaise et renforcé par plusieurs changements de rythme attrayants, permettant à la chanson de passer de l'Acid Folk / Hard Rock au chant. Cette chanson a un côté mordant car ses paroles sont quelque peu médiocres, mais les lignes piquantes de la lead guitare ajoutent du punch à leur propos.
Le duo fait aussi bien sur des pâturages plus calmes et lyriques comme sur sur le morceau suivant, "Rosemary Hill", où il met à profit ses compétences multi-instrumentales avec des remplissages de glockenspiel savoureux et clairsemés. On peut noter que le doigté de la guitare acoustique ressemble beaucoup à la version de Simon & Garfunkel de "Scarborough Fair".
"Rosemary Hill" est considéré par beaucoup comme le seul classique potentiel du disque. C'est une belle ballade réfléchissante dans une veine Folk plus traditionnelle, sans amplification qui adopte quelques accents de cordes au fur et à mesure de sa progression, mais, comme tout le reste, elle est fortifiée par la trame qu'elle garde. Dans une veine Folk plus traditionnelle, le tandem crée une ambiance cohérente et paisible principalement acoustique mais elle est bien accentuée par le glockenspiel et la flûte irlandaise.
Sur "Quickie", le duo atteint un enchaînement palpitant à la guitare mais cela finit trop rapidement. Des arpèges de guitare acoustique scintillants et des arrangements de cordes créent une ambiance qui rappelle certains côtés de Tir Na Nog.
Le Rock anti-guerre "Everyone's Gone To War" est excellent pour les mêmes raisons que "Dole Song".
Egalement dans un format acoustique strict, se trouve la chanson d'amour joyeuse "And When She Laughs", un pur bonheur avec une joyeuse flûte irlandaise, tout en évitant la standardisation avec des temps d'arrêt intelligents et des changements de tempo / d'humeur. Elle offre un doux contrepoint avec de belles voix qu'ils parviennent à harmoniser joliment et une mélodie accrocheuse sur la guitare et la flûte irlandaise.
Parmi les autres ballades, "Spring" est comme une version débranchée des morceaux les plus électrifiés, remplaçant la guitare solo par une excellente guitare acoustique et un effet frappant similaire, avec ses délicates couches de peinture, se mélangeant avec les jolis motifs d'accords à la guitare 12 cordes. Elle s'estompe après un joli solo de guitare et perd l'aura donnée par les cordes sur le studio.
Le morceau Rock très animé "Balloon Song" a un contenu beaucoup plus léger que les autres, comme un croisement entre des groupes comme Forest et Fuschia, mais avec plus de panache. C'est l'un des premiers airs Acid folk à combiner la guitare fuzz et le violon en tant qu'instruments principaux, et avec un bon effet malgré des paroles triviales.
Le court "Guzz Up" est basé sur quelques notes choisies du bout des doigts.
La musique semble mieux couler quand le tandem reste dans le domaine acoustique, avec les arrangements de cordes, bien que simples, ajoutant des couleurs efficaces et du drame à la beauté envoûtante de "Who's to Die?".
"Elizabeth R" parait être une tentative de ressembler à Amazing Blondel avec des influences élisabéthaines classiques implicites mais avec un touché qui n'est pas tout à fait à la hauteur de la tâche...
La chanson finale portée à son paroxysme, "Frustration", semble être l'opus magnum du duo, une mini-épopée acoustique langoureuse de six minutes qui passe à mi-chemin à une excellente guitare fuzz Rock Psyché enroulée autour d'un violon torride, tous deux joués par Burgoyne. C'est un morceau stellaire où les cordes contribuent à un véritable mur sonore.
L'album était destiné à s'appeler "Hatched" à l'origine, mais comme d'habitude le label RCA pensait différemment et l'album est sorti comme éponyme.
À sa sortie, bien que le disque ait reçu des critiques favorables, les ventes de disque ne le reflétèrent pas, et le pressage fut mis hors service peu de temps après.
Ce disque est absolument recommandé à tous les fans de Dr. Strangely Strange, Trees,et autre Sunforest
.
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:14, modifié 1 fois.
Helluva Band (1976)
En 1976, le groupe sort son deuxième album "Helluva Band" et Derek Lawrence et Big Jim Sullivan participent une fois de plus à la production.
La couverture de l'album montre cinq rockers assez efféminés en tenues blanches d'ange. Mais la phase de Glam Rock ne viendra que bien plus tard!
Ces gars-là sont encore un sacré groupe (helluva band), mais pas aussi aérien ou parfait que sur leur premier album tellement réussi. Pourtant, alors que celui-ci était fantastique, "Helluva Band" est peut-être encore meilleur musicalement parlant.
Ce disque poursuit ce que le groupe avait commencé à ses débuts 1975, la rencontre du Metal Glam avec le Rock Progressif faste des années 1970.
Il n'est rien de moins que brillant avec une production plus Heavy et les guitares un peu plus en avant.
En fait, "Helluva Band" montre que le groupe commence à se déplacer petit à petit vers un son de plus en plus Hard et de moins en moins Prog.
Le style de production de Derek Lawrence et Jim Sullivan est toujours aussi superbe.
Le morceau d'ouverture, "Feelin 'Right" est un Rock qui utilise la formule classique Rock simple emmené par des vocaux forts et retentissants.
L'existence-même d'Angel est fondée en grande partie sur l'art tourbillonnant des claviers de Giuffria. Même sur un Rock aussi basique, sa présence efficace est une constante avec le jeu lèché de la guitare de Meadows.
Emmenée par les meilleurs solos de guitare et de claviers, c'est la meilleure chanson de l'album. Le Prog rock et les mélodies émotionnelles sont toujours là, sur "The Fortune" et "Feelings" qui sont dans la veine du premier album.
"The Fortune" est un chef-d'œuvre Progressif, une chanson qui transmet l'émotion à chaque tour et détour.
Une intro avec un clavier sinistre conduit à une guitare acoustique délicate et enfin, la voix, qui culmine finalement dans une jam menaçante où l'on entend tous les musiciens. Non seulement le chanteur et le claviériste sont excellents, mais le guitariste Punky Meadows laisse sa marque sur cette chanson.
Avec des chansons comme "Anyway You Want It", "Mirrors" et "Chicken Soup", Angel utilise chaque élément à sa disposition pour faire que de simples chansons Classic Rock sonne comme quelque chose de spécial.
L'étincelle dans ces chansons est généralement les touches des claviers de Giuffria, et quand ça ne l'est pas, on peut compter sur la voix de DiMino pour rester en transe.
La combinaison de ces deux entités s'entend mieux sur l'éloquente ballade "Feelings". Un arrangement passionnant d'un énorme effort vocal, souligné par un morceau de piano d'inspiration classique. L'une des ballades Rock les plus émouvantes et belles qui soient.
Il y a énormément de punch et de hargne dans les Hard Rocks comme "Mirrors" et "Pressure Points".
Des titres comme "Angel Theme", qui est pour une grande part, un solo de guitare, "Dr Ice" et "Feelings" contiennent toutes des parties de guitare excellentes.
C'est encore le cas rare d'un très bon guitariste partageant le temps avec un génie des claviers. Angel utilise cette situation de travail comme nul autre. Et la section rythmique composée du batteur Barry Brandt et du bassiste Mickey Jones trame une ossature solide sur tous ces morceaux.
Le jeu de basse de Jones reste simple et efficace, tandis que Brandt frappe ses peaux avec une intensité solide et cohérente. Cet enregistrement est un effort collectif fait par un groupe en plein apogée.
"Feelin 'Right", "Dr Ice", "Pressure Point" et l'épique "The Fortune" sont parmi les meilleurs morceaux mais c'est un excellent album du début à la fin.
Ce disque est un véritable classique. Avec des chansons pleines d'énergie emmenées par une voix puissante et des effets éblouissants de claviers, c'est un must pour tous les fans de Rock classique. Chaque chanson contient une bonne dose de superbes claviers joués par un musicien incroyable.
Frank DiMino est un chanteur diablement bon. Punky Meadows n'est pas sans rappeler Brian May. Giuffria s'occupe comme jamais à faire des peintures avec le piano, le clavinet, le clavecin, le mellotron et le synthétiseur.
Vraiment, cet album est le dernier disque 'artistique' d'Angel avant son passage au grand format AOR / Pop Metal / Stadium Rock.
C'est à cette époque que Angel est élu 'Meilleur Nouveau Groupe de l'année' dans le sondage des lecteurs Cirque Magazine de Boston.
Ils ne seront jamais plus le même groupe après 1976...
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:15, modifié 1 fois.
J'ai découvert le groupe avec White Hot en ayant lu une critique dans la presse de l'époque.
J'ai ensuite acheté tout les albums, ce matin je me suis mis le dernier sur Deezer en attendant de trouver la version cd avec trois titres en plus que le Lp.
Pour revenir à Helluva Band c'est une pépite que je ressort régulièrement sans m'en lasser.
On voit le groupe dans le film Ça plane les filles avec Jodie Foster , pas un chef d'oeuvre
Titis
J'ai découvert le groupe avec White Hot en ayant lu une critique dans la presse de l'époque.
J'ai ensuite acheté tout les albums, ce matin je me suis mis le dernier sur Deezer en attendant de trouver la version cd avec trois titres en plus que le Lp.
Pour revenir à Helluva Band c'est une pépite que je ressort régulièrement sans m'en lasser.
On voit le groupe dans le film Ça plane les filles avec Jodie Foster , pas un chef d'oeuvre
Titis
Personnellement, j'ai découvert le groupe fin 1975, après avoir fait mon service militaire!
J'avais pris une bonne claque à l'époque...
Je ne connais pas le dernier album, il faudrait que je l'ecoute un de ces jours...
1970 : Steppenwolf Live
Après cinq albums qui ont imposé le hard rock au effluves psychédéliques sur le sol ricain, il fallait bien qu’un jour le loup des steppes lance son hurlement en live. C’est chose faite en avril 1970 avec ce double Lp intitulé sobrement Live où l’on observe une bête sauvage menaçante, crocs en avant prête à vous bondir dessus sans pitié. Certes il y avait un an auparavant Early Steppenwolf mais ce n’était qu’une captation datant de 1967, sortie des archives bien avant que Steppenwolf ne balance en 1968 son rugissant « Born To Be Wild » issu de son premier album.
Ce live imprimé sur ABC Dunhill est capté en janvier 1970 durant le concert donné au Civic Center de Santa Monica en Californie pour la tournée de Monster. Toutefois, manquant de matériel pour la sortie d’un double album, trois titres sont enregistrés en studio avec rajouts d’applaudissements : « Hey Lawdy Mama », la balade poignante « Corina Corina » et « Twisted ». Ces chansons serviront de single pour la promo de ce live. Bon pas de quoi crier au scandale, beaucoup l’ont fait et dans l’ensemble ce double 33-tours est un excellent témoignage en concert du groupe mené par le chanteur John Kay, moustache et lunettes noires. Avec sa guitare ce dernier, accompagné du guitariste Larry Byrom, du bassiste Nick St. Nicholas, du batteur Jerry Edmonton et de l’organiste Goldy McJohn à l’occasion de montrer quel frontman il est. Une bête de scène qui harangue les foules comme on peut l’entendre dans le hard soul « Sookie, Sookie » en ouverture que l’on peine à distinguer par moment. Vient le rampant et bluesy « Don’t Step On The Grass, Sam » suivi de « Tighten Up Your Wig » montrant des compos faites pour la scène.
La face B transforme le Civic Center en meeting politique avec les pistes engagées de Monster par le titre fleuve « Monster/Suicide/America » aux effluves prog et heavy blues qui parle d’une Amérique devenue un monstre en envoyant la police pour matraquer ses étudiants opposés à la ségrégation raciale et la guerre du Vietnam. Toujours avec le Vietnam, John Kay chante dans « Draft Resister » ceux qui ont le courage de refuser l’engagement dans cette guerre que personne ne comprend. Cette face se termine par le fracassant « Power Play ».
C’est dans la face C que l’on retrouve une partie des pistes studios se terminant avec « From Here To There Eventually » bourrant au kérosène le Civic Center. Bien sûr ce live ne peut échapper à « Magic Carpet Ride » et la reprise menaçante de Hoyt Axton, « The Pusher » où John Kay dénonce les dealers et les dangers de la came. Proposés en face D, ces morceaux prennent forcement une autre dimension en concert.
Ce disque permet de distinguer Steppenwolf de Led Zep, Deep Purple, Grand Funk Railraod et à l’affut Cactus ainsi que Mountain. Ces monstres du hard rock d’influence blues partent souvent sur des improvisations sans fin. On est loin des duels pyrotechniques entre Ritchie Blackmore et Jon Lord. Ici Steppenwolf balance ses titres bruts de décoffrage sans démonstration de force. L’orgue de Goldy McJohn, gonflé à l’hélium, reste sobre mais terriblement efficace. Seul le jeu de Larry Byrom à la six cordes électrique apporte de la profondeur et une touche de fantaisie malsaine. Elle prend de l’ampleur quand cette guitare est combinée par les soli avec celle de Jon Kay assurant les riffs. Flagrant dans le final de « From Here To There Eventually » mais surtout dans l’incontournable « Born To Be Wild » qui conclut ce live. Un « Born To Be Wild » plus sauvage mais surtout indomptable.
Populaire, beaucoup ont découvert Steppenwolf par ce double-live devenu une référence dans le genre.
jeanjacquesperez
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:15, modifié 1 fois.
Rave On 1980
Il n'a fallu que trois ans et un ajustement du line-up (l'ajout du claviériste Peter Bonita), mais en 1980, le long hiatus d'enregistrement d'Artful Dodger a pris fin lorsqu'ils ont été signés par Ariola Records.
Enregistré aux Bias Studios de Springfield, en Virginie, "Rave On", autoproduit en 1980, n'a pas montré d'effets négatifs de la mise à l'écart et a servi de retour créatif partiel, se rapprochant de la qualité de leurs deux premières collections de studio sur environ la moitié des morceaux. À l'instar de ces albums originaux, l'équipe de Gary Herrewig et Billy Paliselli a réussi à combiner le rock conventionnel et la power pop dans des chansons comme " It's a Lie " et " Get In Line ", pour obtenir un produit final très commercial.
La voix rock classique de Palisell est restée en pleine forme et les harmonies vocales du groupe ont suffi à faire honte à la plupart des concurrents. Sur le single "A Girl (La La La)" et quelques autres morceaux, Paliselli ressemblait un peu à Rod Stewart de l'époque des Faces. Ailleurs, imaginez The Raspberries avec des aspirations rock plutôt que des goûts power pop et vous aurez une bonne idée du disque. Contrairement à de nombreux groupes d'AOR, ces gars ont même réussi à rendre palpables des power ballads comme 'So Afraid' et 'Forever'. Parmi les autres points forts, citons le pétillant " She's Just My Baby ", " I Don't Wanna See Her " et le final à saveur country " Gone Again ". Malheureusement, à une époque de folie disco et new wave, des joyaux pop-rock comme "It's a Lie", "Come Close To Me" et "Now or Never Mind" n'ont guère attiré l'attention du public ou des stations de radio. Le soutien promotionnel d'Ariola n'est pas non plus très convaincant. Il est vrai que la société a exploité l'album pour quelques singles, mais en dépit d'un matériel de première qualité, elle n'a pas réussi à faire sortir le groupe de l'ombre.
Avec un pic de ventes au numéro 209, l'album disparaît rapidement dans les bacs à découper. Cox a ensuite présenté sa démission et le reste du groupe s'est retiré. Dommage qu'il s'agisse de leur dernier album, mais c'est une façon impressionnante de mettre fin à la franchise.
J'ai toujours aimé ces gars quand ils augmentent le quotient power-pop de leur son et cela a rarement été fait aussi bien qu'ils auraient dû l'être avec le hit massif 'She's Just My Girl'. Bravo à Ariola pour l'avoir au moins fait flotter en tant que single...
Sur It's a Lie, les pistes de guitare jangle rock de Gary Cox font qu'il est impossible de ne pas aimer ce rock teinté de Merseybeat.
On se demande comment la radio de la fin des années 70 a pu entendre des groupes comme The Knack, mais ignorer Artful Dodger. Get In Line a tout ce qu'il faut pour être diffusé à la radio (sauf la diffusion à la radio). Une power-pop de qualité qui fait honte à Doug Fieger et compagnie.
Now or Never Mind est une sorte de rock sans intérêt qui s'améliore au fur et à mesure qu'il avance.
Propulsé par la guitare carillonnante de Gary Herrewig, " Come Close To Me " offre une belle tranche de power-pop légèrement teintée de new-wave. Les cravates fines et tout le reste, YouTube a une performance de 1980 au Club Agora de Cleveland - cela vaut la peine de chercher.
Pour I Don't Wanna See Her, il n'est pas difficile d'imaginer Herrewig et Paliselli dire quelque chose comme "hey les gars, sortons Knack the Knack..." Une brillante tranche de power pop des années 80 qui aurait dû prendre d'assaut les charts.
Avec Paliselli qui semble canaliser une touche de Rod Stewart de l'époque des Faces, " Forever " est un autre ajout intéressant à leur catalogue de ballades douces et agréables à écouter à la radio. La chanson a également permis de mettre en avant la nouvelle claviériste Bonita.
Bon sang, ai-je mis par erreur un album des Faces ? A Girl (La La La) est un autre morceau où Paliselli semble s'inspirer du Rod Stewart classique (en plus, la chanson inclut une touche de mandoline à la Ronnie Lane). La combinaison des riffs de guitare musclés de Herrewig et des refrains la-la-la rend cette chanson instantanément mémorable. Une autre occasion manquée de faire connaître le groupe à l'échelle nationale. Si je faisais partie d'un groupe de reprises, j'aurais cette chanson dans mon répertoire.
Totalement inattendu et des décennies avant que cela ne devienne une chose cool à faire, " Gone Again " a vu le groupe plonger tête baissée dans le country-rock avec une magnifique ballade au clavier et à la pedal steel. Il est facile d'imaginer le Marshall Tucker Band ou un autre groupe de rock sudiste s'emparer de ce titre pour le classer dans les hit-parades.
RDTEN1
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:15, modifié 1 fois.
1970 : Steppenwolf Live
Après cinq albums qui ont imposé le hard rock au effluves psychédéliques sur le sol ricain, il fallait bien qu’un jour le loup des steppes lance son hurlement en live. C’est chose faite en avril 1970 avec ce double Lp intitulé sobrement Live où l’on observe une bête sauvage menaçante, crocs en avant prête à vous bondir dessus sans pitié. Certes il y avait un an auparavant Early Steppenwolf mais ce n’était qu’une captation datant de 1967, sortie des archives bien avant que Steppenwolf ne balance en 1968 son rugissant « Born To Be Wild » issu de son premier album.
Ce live imprimé sur ABC Dunhill est capté en janvier 1970 durant le concert donné au Civic Center de Santa Monica en Californie pour la tournée de Monster. Toutefois, manquant de matériel pour la sortie d’un double album, trois titres sont enregistrés en studio avec rajouts d’applaudissements : « Hey Lawdy Mama », la balade poignante « Corina Corina » et « Twisted ». Ces chansons serviront de single pour la promo de ce live. Bon pas de quoi crier au scandale, beaucoup l’ont fait et dans l’ensemble ce double 33-tours est un excellent témoignage en concert du groupe mené par le chanteur John Kay, moustache et lunettes noires. Avec sa guitare ce dernier, accompagné du guitariste Larry Byrom, du bassiste Nick St. Nicholas, du batteur Jerry Edmonton et de l’organiste Goldy McJohn à l’occasion de montrer quel frontman il est. Une bête de scène qui harangue les foules comme on peut l’entendre dans le hard soul « Sookie, Sookie » en ouverture que l’on peine à distinguer par moment. Vient le rampant et bluesy « Don’t Step On The Grass, Sam » suivi de « Tighten Up Your Wig » montrant des compos faites pour la scène.
La face B transforme le Civic Center en meeting politique avec les pistes engagées de Monster par le titre fleuve « Monster/Suicide/America » aux effluves prog et heavy blues qui parle d’une Amérique devenue un monstre en envoyant la police pour matraquer ses étudiants opposés à la ségrégation raciale et la guerre du Vietnam. Toujours avec le Vietnam, John Kay chante dans « Draft Resister » ceux qui ont le courage de refuser l’engagement dans cette guerre que personne ne comprend. Cette face se termine par le fracassant « Power Play ».
C’est dans la face C que l’on retrouve une partie des pistes studios se terminant avec « From Here To There Eventually » bourrant au kérosène le Civic Center. Bien sûr ce live ne peut échapper à « Magic Carpet Ride » et la reprise menaçante de Hoyt Axton, « The Pusher » où John Kay dénonce les dealers et les dangers de la came. Proposés en face D, ces morceaux prennent forcement une autre dimension en concert.
Ce disque permet de distinguer Steppenwolf de Led Zep, Deep Purple, Grand Funk Railraod et à l’affut Cactus ainsi que Mountain. Ces monstres du hard rock d’influence blues partent souvent sur des improvisations sans fin. On est loin des duels pyrotechniques entre Ritchie Blackmore et Jon Lord. Ici Steppenwolf balance ses titres bruts de décoffrage sans démonstration de force. L’orgue de Goldy McJohn, gonflé à l’hélium, reste sobre mais terriblement efficace. Seul le jeu de Larry Byrom à la six cordes électrique apporte de la profondeur et une touche de fantaisie malsaine. Elle prend de l’ampleur quand cette guitare est combinée par les soli avec celle de Jon Kay assurant les riffs. Flagrant dans le final de « From Here To There Eventually » mais surtout dans l’incontournable « Born To Be Wild » qui conclut ce live. Un « Born To Be Wild » plus sauvage mais surtout indomptable.
Populaire, beaucoup ont découvert Steppenwolf par ce double-live devenu une référence dans le genre.
jeanjacquesperez
S'il faut en acheter ou écouter un c'est ce double live , tout les grands classiques sont là, c'est mieux qu'une compile.
J'ai découvert le groupe fin des années 70 donc bien après ses heures de gloire, je les ai achetés en broc début des années 80 et comme c'était plus à la mode , ils m'ont pas coûté bien cher
Titis
Bulldog (1972)
BULLDOG est un groupe américain qui est né au début des 70’s sous l’impulsion de 2 ex-RASCALS, le guitariste Gene Cornish et le batteur Dino Danelli. 3 autres musiciens se sont joints à eux: le chanteur/bassiste Billy Hocher, qui a sévi au sein des très éphémères THE EPITOMES (groupe de Rock Psychédélique de la fin des 60’s), le guitariste Eric Thorngren et le claviériste John Turi.
Le passé des deux ex-RASCALS a certainement aidé BULLDOG à décrocher un contrat chez Decca. Les musiciens en profitent alors pour s’atteler à l’enregistrement de leur premier album studio. Celui-ci, sans titre, sort finalement en 1972. L’impression visuelle de celui-ci est plutôt positive de prime abord, d’autant qu’elle met en évidence un chien avec un chapeau et un cigare qui apparait bien plus sympathique et attachant que les célébrités mainstream actuelles.
A présent, il est temps de parler du contenu de l’album. BULLDOG oeuvre dans une veine Blues-Rock/Boogie-Rock, le tout étant soutenu par la voix rocailleuse de Billy Hocher. De cet album, un titre avait réussi à (plus ou moins) faire son trou: il s’agit de « No », posté en seconde position du disque. Ce mid-tempo Classic-Rock mélodique, parsemé de relents Country, se révèle accrocheur en diable, addictif, tubesque au point qu’on aimerait qu’il ne finisse jamais. Le piano, qui tient une place prépondérante, tient la dragée haute aux guitares, quelque peu en retrait, et les choeurs répondent au chanteur du tac au tac. En ces temps-là, « No » s’était hissé à la 44ème place du Billboard Hot 100, ce qui est un résultat honorable.
Plus ancrés dans la mouvance Boogie-Rock, voire Blues-Rock, les mid-tempos « Juicy With Lucy » et « I’m A Madman » sont des morceaux efficaces, convaincants: le premier titre nommé, très roots dans l’âme, a tout pour plaire aux fans de Joe COCKER, Bob SEGER avec ses guitares crues, brutes, ses choeurs enthousiasmants sur le refrain et s’avère taillé pour les radios Classic-Rock, alors que le second mentionné est porté par des guitares roots et un piano qui occupent fort bien l’espace sonore.
BULLDOG s’est aussi fendu de 2 reprises qui, pour la circonstance, ont été adaptées à la sauce Boogie. « Rockin’ Robin », une cover de Bobby DAY (datant de 1958), par ailleurs reprise par Michael JACKSON également en 1972, évolue dans une veine Boogie-Rock n’Roll particulièrement swinguante ett les guitares jumelles, un piano extraverti, le chant éraillé, rugueux de Billy Hocher en font une version colorée, enthousiasmante. Également issue des 50’sn « Too Much Monkey Business », une reprise de Chuck BERRY (de 1956), a été transformée en version Hard/Boogie qui donne la pêche avec ses guitares mordantes, son piano jovial, surtout que la rythmique s’emballe lorsque le solo de guitare apparait.
BULLDOG arrondit les angles en proposant au menu « Parting People Should Be Good Friends », une jolie compo Pop-Rock assez joyeuse, positive, voire primesautière dans l’esprit qui est parsemée de guitares mélodiques, ou encore « Don’t Blame It On Me », une chanson entre Country, Blues et Folk sans fioriture qui est très teintée Amérique profonde et le rendu s’avère plutôt sympathique. Enfin, 3 ballades sont de la partie. « Good Times Are Comin’ » est une courte ballade bluesy/Folk relativement bien goupillée, intelligemment arrangée qui va à l’essentiel, « You Underlined My Life » est, à mon avis, la plus réussie des ballades: pleine de tristesse, d’amertume, elle est parée d’arrangements somptueux, qui plus est bien servie par la belle performance vocale du chanteur qui module bien sa voix (par instants, il flirte même avec les aigus) et se révèle poignante. Toute aussi teintée de mélancolie, « Have A Nice Day » est une ballade Folk sympathique, mais sans plus.
Les musiciens ont de la bouteille, c’est certain et c’est probablement ce qui leur a permis de réaliser un premier album Classic-Rock US de qualité. Après, malgré ses qualités, ce n’est pas non plus un chef-d’oeuvre absolu et une ballade en moins sur l’album eut sans doute été préférable. Cet album avait eu un impact modeste en son temps puisqu’il n’était monté qu’à la 176ème place du Top album américain et y était resté 12 semaines entre le 18 novembre 1972 et le 6 janvier 1973.
Trendkill
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:16, modifié 1 fois.
People, Hell and Angels (2013)
Si vous accueillez la nouvelle d'un nouvel album de Jimi Hendrix avec scepticisme, vous n'êtes pas seul. Certains des disques qui ont suivi sa mort en septembre 1970 ont été si décevants que de nombreux fanatiques de Hendrix préféreraient sauter toutes les sorties posthumes plutôt que d'entendre des assemblages de studio se faisant passer pour de la "nouvelle musique Hendrix". (Un exemple flagrant de ceci est Crash Landing de 1975 , dans lequel le producteur Alan Douglas a fait venir des musiciens de session pour remplacer les pistes rythmiques originales par des overdubs. Sorti en 1995, Voodoo Soup est un autre pastiche de Douglas.)
Mais voici la bonne nouvelle, du moins pour les guitaristes : bien que People, Hell and Angels ne soit pas un excellent album, ce qui signifie qu'il manque le son cohérent, la vision et l'ambiance de, disons, Axis : Bold as Love , il est rempli de guitares magnifiques. . Jimi est en feu et sa Strat sonne nette et présente. Son groupe varie, mais surtout Mitch Mitchell ou Buddy Miles sont à la batterie avec Billy Cox à la basse.
Dans l'ensemble, les sons de guitare de Jimi sont remarquablement propres. Nous l'entendons jouer à travers des Marshalls à faible gain, et le mixage révèle les détails de sa technique magistrale : nous entendons le grincement et le gémissement des ressorts de trem lorsqu'il fait un plongeon de marque, nous entendons ses doigts frapper le manche pendant qu'il trille et martèle les notes, on entend le clic d'un footswitch alors qu'il enclenche sa fuzz ou sa wah. Son jeu est brut et intense, mais émouvant et souple. Félicitations à Eddie Kramer, qui a mixé les 12 chansons, pour l'avoir gardée réelle.
En tant que personne qui a parcouru en avant et en arrière une grande partie du travail enregistré de Jimi, y compris un certain nombre d'excellents albums de concerts, tels que Live at Berkeley et Live at Winterland , j'ai été étonné d'entendre Hendrix explorer de nouveaux tons et phrasés dans People, Hell and Angels. Tous les mouvements que nous connaissons et aimons sont ici à la pelle, mais si vous écoutez attentivement, vous aurez également une nouvelle perspective sur son chantournage.
Prenez "Somewhere", par exemple, enregistré en 1968 avec Miles à la batterie et Stephen Stills à la basse. Après avoir craché des coups de wah wah énervés sur plusieurs couplets, Hendrix prend un virage abrupt pour livrer un solo propre et mélodique qui est radicalement différent de tout ce que je l'ai entendu jouer.
Un autre des nombreux moments forts est "Bleeding Heart", que Hendrix a suivi en 1969 lors de sa toute première session avec Miles and Cox. En plus de documenter la fusion mentale qui nous a donné Band of Gypsys, cela nous rappelle comment Hendrix s'est inspiré du son West Side de la fin des années 50 des maîtres de Chicago Buddy Guy, Magic Sam et Otis Rush pour son propre blues trébuché.
Selon les notes de la pochette, tous les morceaux de People, Hell et Angels sont inédits - ce sont soit de nouvelles chansons, soit des versions différentes de ce que nous avons entendu auparavant. (Nous laisserons les érudits et les finalistes de Hendrix trier la véracité de cette affirmation.) Quelques morceaux réussissent plus comme des curiosités que comme de la musique stellaire, notamment "Let Me Move You", mettant en vedette Lonnie Youngblood, l'ancien chef d'orchestre de Jimi, au chant principal et saxophone, mais People, Hell and Angels offre aux monstres d'Hendrix de nombreuses heures d'écoute inspirée.
Si vous êtes passionné par le travail de guitare de Jimi, ce sera un ajout bienvenu à votre bibliothèque.
Andy Ellis
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:16, modifié 1 fois.
Duke Ellington & John Coltrane (1963)
L'album classique Duke Ellington & John Coltrane, paru en 1962, met en scène le jeune saxophoniste novateur aux côtés de l'institution pianistique établie de longue date. Alors que ce duo aurait pu laisser présager un choc dynamique entre les générations musicales, nous avons eu droit à une rencontre décontractée, respectueuse et musicalement généreuse d'âmes partageant les mêmes idées.
De même, alors que l'on aurait pu supposer qu'Ellington utiliserait ses propres musiciens, le producteur Bob Thiele (qui a également produit des albums similaires pour Ellington, notamment avec Louis Armstrong et Coleman Hawkins) a choisi de faire appel à l'équipe de Coltrane pour l'enregistrement. Par conséquent, le duo est soutenu ici à plusieurs reprises par le bassiste Jimmy Garrison et le batteur Elvin Jones, ainsi que par le bassiste Aaron Bell et le batteur Sam Woodyard en alternance.
L'aspect le plus surprenant de ce concert Ellington/Coltrane est l'aptitude de Coltrane et de son groupe à jouer ce qui s'avère être en grande partie le propre matériel d'Ellington. Même s'il était certainement à l'aube de sa période la plus avant-gardiste en 1962, Coltrane avait une connaissance approfondie du vocabulaire du jazz traditionnel, ayant joué dans un orchestre de swing dans la marine dans les années 1940 et étudié le style d'artistes comme Hawkins et Ben Webster pendant sa jeunesse à Philadelphie.
De même, bien qu'icône de l'ère des big bands dans les années 1960, Ellington était sur le point de relancer sa carrière depuis sa prestation dynamique au festival de jazz de Newport en 1956, publiée plus tard sous le titre Ellington at Newport. Sa rencontre avec Coltrane est emblématique de sa créativité renouvelée et constitue l'un des nombreux albums qu'il a enregistrés à la fin de sa vie avec des artistes jusqu'alors inattendus, notamment son autre rendez-vous de 1962, Money Jungle, avec le contrebassiste Charles Mingus et le batteur Max Roach.
Ici, Ellington et Coltrane interprètent une poignée de morceaux bien connus du répertoire d'Ellington, dont un très lyrique "In a Sentimental Mood" et une version pleine d'âme et à demi-lumière de "My Little Brown Book" de Billy Strayhorn. Ellington a même fourni l'original rapide "Take the Coltrane", laissant à Coltrane toute latitude pour se laisser aller à des lignes anguleuses et noueuses.
Matt Collar
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:16, modifié 1 fois.
Le premier album du groupe Strider, "Exposed", a été enregistré par le guitariste Gary Grainger, le bassiste Lee Hunter, le batteur Jimmy Hawkins et le claviériste et chanteur principal Ian Kewley et il est sorti sur Phillips Records en 1973. On y trouve en invité vedette, Janita 'Jennie' Haan, chanteuse de Babe Ruth dans les choeurs.
C'est une sorte de joyau perdu et il mériterait beaucoup plus d'attention car Strider joue un excellent style de Hard Rock Blues en ligne avec Status Quo, Deep Purple, Humble Pie et autre Free.
C'est un bon opus mais il n'a, malgré tout, rien de révolutionnaire.
Les membres du groupe ont été très déçus de la production, en particulier du son de la batterie très 'léger': ils voulaient qu'il ait beaucoup plus d'un son live mais le label avait choisi le producteur, donc ils étaient coincés et ne voulaient pas faire de vagues à l'époque.
Les demos du groupe qui leur avaient valu le contrat d'enregistrement qu'ils avaient produit eux-mêmes sonnaient beaucoup mieux. C'était "Get Ready" et "Straddle" qui capturaient le son live du groupe beaucoup mieux et ils avaient beaucoup d'énergie.
Malheureusement, ces demos sont certainement perdues à jamais.
Sur les sept chansons de leurs débuts, deux étaient des reprise de Soul: le classique de Jackie Wilson "Higher And Higher" et celui des Temptations "Get Ready", devenant plus tard une jam défoncée avec une mêlée de guitare brûlante fermant la deuxième face. Ian Kewley a écrit sur les notes de la pochette, "...Je pense que nous aurions dû commencer par le deuxième album d'abord, ensuite nous aurions été mieux préparés à faire le premier...". Mais les gens ont apprécié et le morceau "Flying" a été un succès tout droit sorti de la boîte, leur permettant d'obtenir des offres pour jouer à Reading et ouvrir pour Status Quo et Rory Gallagher.
Strider ravit l'auditeur avec un excellent Hard Rock. La voix particulière d'Ian Kewley et la lead guitare de Gary Grainger sont ses principaux protagonistes. Le chanteur a une voix rauque qui sonne comme s'il avait passé les six dernières heures à crier et le guitariste est tout simplement génial, avec ses passages de guitare assez Heavy illuminés dont beaucoup avec de la fuzz, et il vole souvent la vedette au reste du groupe.
Le principal instrument à claviers utilisé est un piano que Kewley a ajouté lors des séances de studio. L'orgue Hammond, un incontournable de la scène Hard Rock du moment, aurait été tellement plus cool sur l'enregistrement. Ce piano, avec un chœur d'accompagnement féminin qu'ils appellent The Stridettes, donne une sorte de saveur Soul Blues Honky Tonk.
Une entrée assez étrange dans le monde du Hard Rock, "Exposed" est un étrange mélange de Hard Rock Britannique et de R&B Américain.
Les chansons sont toutes très bonnes. Il y a deux reprises bizarres des standards de la Soul "Higher and Higher" et "Get Ready" avec un accompagnement de "The Stridettes".
L'album commence fort avec le puissant "Flying" et un super riff de guitare.
Le ton est un peu minimisé dans "Ain't Got No Love" où le bon Rock est toujours présent.
Vient ensuite une pause avec le fougueux "Woman Blue" soutenu par le piano de Kewley et une magnifique fin de la guitare solo.
Les hostilités se poursuivent dans la frénésie avec le lead single "Higher And Higher" qui, comme prévu, porte un côté accessible.
"Esther's Place" avec ses différents changements de rythme est un véritable petit bijou.
"Straddle" est encore un thème typique de Hard Rock.
L'album se termine avec une longue version, près de neuf minutes, de "Get Ready", le plus long morceau de l'enregistrement et l'un des meilleurs. Ce remake ne correspond pas à la version intense de Rare Earth du classique de Motown écrit par Smokey Robinson pour The Temptations en 1966.
Ce sont des chansons très intéressantes à écouter, ces gars auraient dû être tellement plus grands...
Le disque a cartonné en magasins pendant une période prolifique au mois d'Hiver de Février 1973. Il reflétait une grande partie de ce qui changeait dans le Rock basé sur le Blues. Humble Pie se déplaçait plus dans un courant dominant avec "Smokin'". Foghat venait de sortir ses débuts avec la reprise de "I Just Want To Make Love To You" de Willie Dixon, sérieusement diffusée en radio. Led Zeppelin brûlait toujours sur les conséquences de son "Led Zeppelin IV". Le plus notable a été l'impact laissé par le sillage de "Exile on Main Street" des Rolling Stones qui semblait imprégner tous les disques des deux années qui suivirent.
Malheureusement, des conflits internes ont éclaté, entraînant le départ de Hawkins et Hunter.
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:17, modifié 1 fois.
On Earth As It Is In Heaven (1977)
Leurs deux premiers albums ne se sont pas vendus autant que Casablanca Records aurait aimé, pourtant ils ont entretenu et gagné en popularité suffisante pour démarrer le 'Angel fan club' officiel qui présente l'étonnant logo ambigramme sur "On Earth As It Is In Heaven" conçu par un grand fan du nom de Bob Petrick. Le procèdé s'appelle un ambigramme et il permet de lire le nom du groupe à l'envers aussi bien qu'à l'endroit.
Le LP d'origine contenait d'une affiche symétrique semblable à la couverture de l'album.
Ils se sont fait connaitre principalement par le biais de leur spectacle scénique 'scandaleux'. Quand Angel continue de tourner en non-stop et le groupe développe un spectacle scènique qui peut rivaliser avec leurs copains du label, Kiss. Les costumes de scène des membres du groupe et la majorité de leur matériel étaient tout blanc. Angel apparaissait et disparaissait de scène, les musiciens semblaient bien et ils avaient une image efficace. Le seul problème avec leur spectacle et leur image Glam Rock, c'est que leur musique progressive ne correspondait pas au visuel qu'ils produisaient.
Pour cette nouvelle sortie, ils ont abandonné l'équipe de production des deux premiers albums (Derek Lawson et Big Jim Sullivan) pour prendre le légendaire producteur de Rock Eddie Kramer (Jimi Hendrix / Led Zeppelin / KISS) qui, quelques mois auparavant, avait travaillé sur "Rock and Roll Over" de KISS. Eddie a contribué au son essentiellement nouveau pour cet album.
"On Earth As It Is In Heaven", enregistré dans un château actuel dans the Hollywood Hills, est le dernier album avec Mickie Jones, qui était le bassiste du groupe depuis 1974.
Ce disque marque un changement du Hard Rock Progressif et symphonique vers une approche plus Hard Rock traditionnel, à l'exception de "Cast the First Stone" et "Just A Dream", qui sont très similaires dans le son des chansons sur "Angel" et "Helluva Band". En fait, "Cast The First Stone" avait été écrite pendant les sessions de "Helluva Band".
Angel passe de fines lames proggy et groupe en sandales aux Rocks d'arène avec un goût plus prononcé pour le Pop Rock façon Kiss.
Toutes leurs racines n'ont pas été abandonnées: "Cast The First Stone" et "Just a Dream" auraient aisément pu trouver une place sur "Angel" ou "Helluva Band". C'est en quelque sorte un clin d'œil en vue du grand changement à venir.
On peut pourtant dire que Angel a pratiquement abandonné ses racines prog avec ce disque: Finies les "longues" chansons comme s'ils essaient d"en profiter sur le marché grand public. Après avoir sorti deux albums de Rock Prog avec les claviers de Guiffria conduisant les chansons, Punky Meadows a commencé à contribuer aux riffs qui sont devenus un cadre pour un Rock plus simple et plus powerpop.
Certains se plaignent que l'album n'a pas de direction mais c'est plutôt au contraire un album où Angel a testé ses chansons la recherche d'un grand succès radio, tout en gardant quelques traces de leur style de Rock Progressif.
Eh bien la raison principale d'une certaine aversion était les tristes valeurs de production appliquées ici. Avec le pire son dépouillé de batterie pour un des batteurs les plus sous estimés du monde Barry Brandt. Incidemment, ce disque est sous-produit.
Donc, il faut oublier les valeurs de production plutôt moches et tremper dans la majesté exquise du morceau d'ouverture "Can You Feel It" qui mêle les souvenirs patriotiques avec ses conseils diétètiques 'fish and chips and some beer'. La batterie assure un rythme impeccable.
Tout au long de cet album, le rôle de claviériste de Greg Giuffra est réduit au point d'être souvent pratiquement absent, car l'album nous sert un lot de Hard Rocks simples décorés de mélodies pop.
Giuffria fait juste quelques petites incursions sur quelques morceaux, dont l'ouverture "Can You Feel It" et le fabuleux "Cast the First Stone". "On the Rocks", le poppy "You're Not Fooling Me" et la reprise du "White Lightning" de l'ancien groupe de Punky Meadows et Mickie Jones, BUX sont les seuls autres morceaux dignes d'Angel, tandis qu'une grande partie du reste est plus moyen.
Malgré une mauvaise presse, l'album contient quelques bons morceaux de Glam Heavy Metal, que l'on retrouvent dans la grandiloquence de "Big Boy (Let's Do It Again)" et sur les riff prévisiblement déménageurs sur "On the Rocks" et "Telephone Exchange". "You're Not Fooling Me" est une belle chanson, de même que le plus pompeux "That Magic Touch".
Les deux morceaux de clôture "Cast the First Stone" et "Just a Dream" sont comme un clin d'oeil à leurs premiers opus, mais des chansons comme "That Magic Touch", "Telephone Exchange" et "You're Not Fooling Me" étaient fait spécialement pour le top 40, une power pop accrocheuse qui sera la nouvelle orientation du groupe avec leur disque suivant, "White Hot". Pour des rocks purs, on ne peut pas se tromper avec "Can You Feel It", "White Lightning", et "On the Rocks", quelques trucs formidables.
Pour ajouter un peu de continuité à leur précédent album, la chanson d'ouverture est intitulée "Can You Feel It", par opposition au "Feelin' Right" qui ouvrait "Helluva Band". Malgré le fait que "Helluva Band" était un album beaucoup plus heavy, à partir de cette première chanson, la groupe sonne plus puissant que jamais. Il est évident que le groupe sonne plus unis que jamais et c'est ce à quoiquoi doit ressembler Angel. A noter que la plus grande amélioration se passe du côté du chanteur Frank DiMino. Sa voix sonne plus confiante, plus mélodique et le plus important, plus commerciale que jamais. Mais, le changement musical est belle et bien évident dès cette chanson. "Can You Feel It" est martelé par les tambours de Barry Brandt et puis la guitare multi pistes de Meadows éclate. Elle commence avec une intro à la batterie qui explose ensuite dans un méchant riff de guitare de Punky Meadows. C'est une chanson conçue spécialement pour la scène, annonçant un groupe qui est là pour exploser tout ce qui bouge. Le producteur Eddie Kramer (qui avait fait la même chose avec KISS) resserre le son au maximum et il ajoute la dimension arène punchy, mais il obtient aussi du groupe de jouer de façon plus vivante. On peut mettre l'accent sur la comparaison entre les travaux de Kramer avec Led Zeppelin et "Can You Feel It", en raison des accords puissants de Punky Meadows et les battements de Barry Brandt ressemblent beaucoup à ceux de Bonham.
"She's A Mover" est toute aussi accrocheuse et heavy que le premier morceau avec un riff à la KISS et le chant de Frank Dimino ne fait qu'ajouter à l'attrait de cette chanson.
"Big Boy (Lets Do It Again)" est un morceau très proche du style de KISS au feeling bluesy qui donne à Meadows la place au riff à la guitare entre les lignes pendant les versets.
"Telephone Exchange" sonne comme s'il avait été fait pour la radio pendant les versets. La guitare acoustique montre l'influence généralisée de la réussite de Boston.
"White Lightning" continue dans un sens plus funk et c'est la chanson la plus Heavy de l'album. Malgré la courte durée de la chanson il y a un solo de guitare prolongée de Punky et un court petit solo de Greg Giuffria aux claviers. C'est une chanson qui est faite pour la scène où presque tous les membres du groupe ont une chance de briller.
"On the Rocks" est une autre chanson absolument faite pour la scène. Greg et Punky jouent en harmonie et en solo.
"You're Not Fooling Me" commence comme une grande chanson, mais les choeurs et le chant de Frank Dimino ne sont pas vraiment à la hauteur.
"That Magic Touch" n'est pas du même niveau tandis que le Zeppelinesque "Cast the first stone" n'est pas mauvais, mais peut-être un peu plus faiblard
Le disque se termine par le fabuleux morceau final "Just a dream", richement imprégné de synthé mettant en vedette l'intro hantée par Giuffria sur ses claviers et des sons étranges, permettant de faire une comparaison très intéressante avec Uriah Heep et même des échos de Queen, étant le morceau le plus progressif de cet album.
Cet album est devenu le premier disque d'Angel à atteindre le Top 100 et il a permis à leur single "That Magic Touch" d'être leur premier dans le 'hot 100 single'
L'album a culminé au numéro 77 dans les US Billboard charts.
Après une tournée Japonnaise couronnée de succès, le bassiste Mickie Jones quitte le groupe et il est remplacé par Felix Robinson.
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:17, modifié 1 fois.
1970 : 7
Si l’on fait exception de « Earschplittenloudenboomer », instrumental exotique de 5 mn fait de cuivres sans grand intérêt (la conversation téléphonique en allemand rappelle tout de même de quel pays est originaire le leader John Kay), ce 7ème effort de Steppenwolf sobrement appelé 7 frôle la réussite artistique. A défaut d’être excellent, ce Lp est loin d’être mauvais. Certes ce disque est dépassé par la puissance du Grand Funk Railroad, par la lourdeur de Mountain, par la fougue de Cactus. Il ne se dégage pas de hits dignes d’un « Born To Be Wild » ou d’un « Magic Carpet Ride » ni d’un rock sophistiqué à la Monster mais il se défend bien.
Ce 33-tours sort en novembre 1970 sur ABC Dunhill soit 6 mois après le fameux Live qui a rendu célèbre le loup des steppes. Entre temps des brouilles éclatent entre le chanteur John Kay et le bassiste Nick St. Nicholas. Sans être prévenu ce dernier est remplacé par l’ex bassiste de T.I.M.E, George Biondo (ironie du sort il l’avait également remplacé dans ce même groupe). Déconvenue qui ne sera pas sans conséquence, John Kay et Nick St. Nicholas se retrouvant face à la justice pendant plus de 20 ans malgré quelques tentatives de rapprochements.
Ainsi donc George Biondo, outre John Kay, rejoint le claviériste Goldy McJohn, le guitariste Larry Byrom et le batteur Jerry Edmonton pour la publication de 7 fait de 9 pistes. Cela débute avec le menaçant « Ball Crusher » fait de riffs rampant à la wah-wah, de soli vicieux, d’un orgue écrasant bourré au kérosène et d’un John Kay malsain. Avec cette chanson le combo annonce la couleur, l’envie de prendre la route. Vient un blues crasseux, « Forty Days And Forty Nights », une reprise de Muddy Waters mené par un harmonica qui sent la poussière. Chanté par Jerry Edmonton, « Fat Jack » est un bon blues rock. « Renegade » est une balade folk violente et mélancolique au changement de tempo où John Kay raconte son départ douloureux avec sa mère en 1948 de l’Allemagne occupée par les soviétiques pour l’ouest.
La face B commence par le sympathique « Foggy Mental Breakdown » avec son harmonica rêveur et rustique. Arrive une autre reprise, le folk aux saveurs orientales « Snowblind Friend » de Hoyt Axton à qui l’on doit le fameux « The Pusher » repris dans le premier Steppenwolf évoquant également les dangers de la drogue. On revient au rock malsain et narquois mais terriblement efficace avec « Who Needs Ya’ » chanté par John Kay et Jerry Edmonton pour de bons moments soul et boogie. Le disque se termine dans un esprit Woodstock avec « Hippo Stomp » au effluves prog.
Dommage qu’il y ait ce « Earschplittenloudenboomer » qui, il faut bien l’avouer, fait quelque peu incongru. Probablement que le groupe dans sa route s’est arrêté dans un bar mariachi. Mais après plusieurs écoutes cela peut passer.
jeanjacquesperez
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:18, modifié 1 fois.
1957 Miles Ahead
Cet album est peut-être plus important pour le processus qu'il a déclenché : la collaboration entre Gil Evans et Miles Davis qui allait produire Porgy and Bess et Sketches of Spain, deux des meilleurs albums de Davis.
Cela dit, cet album est un miracle en soi, le résultat d'un grand pari de la part de Columbia Records, qui a réuni Evans et Davis, qui n'avaient pas travaillé ensemble depuis l'enregistrement des faces admirées par la critique mais commercialement infructueuses qui allaient plus tard être publiées sous le titre The Birth of the Cool. Columbia a également permis à Evans de réunir un orchestre de 19 musiciens pour les enregistrements, à une époque où les big bands étaient loin d'être à la mode et où les enregistrements qui en résulteraient ne pourraient être publiés que deux ans plus tard (en raison des obligations contractuelles de Davis avec Prestige).
On attendait également de Davis qu'il porte l'album en tant qu'unique soliste et qu'il parvienne à ne pas se perdre parmi les musiciens qui l'accompagnaient et qui comprenaient une énorme section de cuivres. Dans une large mesure, il y parvient. Les arrangements d'Evans en particulier sont bien adaptés au format, et Davis et lui ont formé un partenariat profond et étroit où les idées ont été échangées, nourries et développées bien avant qu'elles ne soient exprimées en studio. Davis prend un excellent départ avec l'hyperkinétique "Springsville", qui semble incarner presque parfaitement le partenariat entre Evans et Davis avec ses échanges légers et flexibles entre le soliste et l'orchestre. Mais c'est sur les ballades qu'il est le plus fort, où son timbre feutré et mélancolique s'élève au-dessus de l'accompagnement feutré, en particulier sur "Miles Ahead" et "Blues for Pablo" (qui préfigure le son bluesy et latino de Sketches of Spain). L'entraînant "I Don't Want to Be Kissed (By Anyone but You)" est un autre morceau fort, mais il montre la faiblesse du format, car Davis intercale un solo charmant, brillant et techniquement difficile avec une section de cuivres endiablée qui l'enterre parfois.
C'est une belle fin, cependant, pour un album qui donne un aperçu de la grandeur qui viendrait au fur et à mesure qu'Evans et Davis peaufineraient leur partenariat au cours des années suivantes.
Stacia Proefrock
C'est l'un des premiers albums de Miles que j'ai écouté! (après "Ascenseur Pour L'Échafaud" et "Bitches Brew").
Dans les années 70, je n'était pas un grand fan, mais, petit à petit, j'ai appris à mieux l'écouter et à l'apprécier, au point de l'avoir acheté dans les années 90, moi qui n'étais pas du tout fan de trompette...
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:18, modifié 1 fois.
Creedence Clearwater Revival (1968)
Si la carrière du groupe a démarré sous ce nom en 1967, les frères John et Tom Fogerty, ainsi que le bassiste Stu Cook et le batteur Doug Clifford ont en fait commencé en 1959 en ayant opté pour plusieurs noms: THE BLUE VELVETS, VISION, THE GOLLIWOGS. Ce n’est donc qu’en 1967 que le nom de CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL est donc adopté. La même année, les choses s’accélèrent lorsque Saul Zaentz a acheté le label Fantasy Records et offert au groupe l’opportunité d’enregistrer un premier album. Celui-ci, produit par Saul Zaentz, sort le 28 mai 1968 en tant qu’éponyme.
D’ores et déjà, John Fogerty s’affirme comme un futur grand et sa voix est un des atouts indéniables du groupe. Si celui-ci cherche encore à asseoir son style, sa personnalité, il montre une certaine aisance dans les reprises qui figurent sur ce premier essai discographique. Par exemple, la version Blues-Rock de « I Put A Spell On You », de Screamin’ Jay HAWKINS (l’original date de 1956), est remarquable, notamment grâce aux guitares bluesy incendiaires, à la performance vocale époustouflante de John Fogerty et au bon travail de la section rythmique basse/batterie qui a musclé l’ensemble comme il se devait et si le rendu est très ancré dans le contexte de l’époque, les musiciens se sont efforcés de se montrer le plus respectueux de l’original. Avec « Suzie Q », un vieux Rockabilly de Dale HAWKINS qui date de 1957, les gars de CCR se sont fendus d’une version de plus de 8 minutes et en ont profité pour s’en donner à coeur joie en rendant l’ensemble ensorceleur, enivrant avec des assauts de guitares réjouissants, tirant parfois vers le psychédélisme, qu’on aimerait interminables. Enfin, la reprise de Wilson PICKETT « Ninety-Nine And A Half (Won’t Do) » a une origine plus récente puisque sa version originale date de 1966 et, pour cette version, c’est principalement la voix de John Fogerty qui attire l’attention.
En ce qui concerne les compositions originales de CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL, 2 d’entre elles interpellent: « Porterville », hymnique à souhait, est un morceau accrocheur, entêtant qui contribue à poser les premières bases du style Americana/Heartland-Rock et place le groupe comme une potentielle future valeur sûre du Rock américain, tandis que « The Working Man » est un titre Blues-Rock enjoué, assez raccord avec le contexte de l’époque et suggère que CCR a les capacités pour se hisser très haut pour peu qu’il transcende ses idées. Pour les autres titres de l’album, CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL oeuvre dans un bon vieux Blues-Rock des familles sur « Gloomy », pas très éloigné de l’esprit des DOORS et imprégné du psychédélisme ambiant de l’époque, est porté par un riff entêtant, une jam guitaristique finale étourdissante, affolante, tandis que le chant ici est en retenue, il propose aussi un titre plus résolument Blues avec le mid-tempo « Get Down A Woman » sympathique, de bon ton sur lequel les guitares chaleureuses, soutenues par la basse et quelques notes de piano, prennent une part prépondérante. Enfin, « Walk On The Water » est un titre très ancré dans on époque avec une jam guitaristique finale qui traine un chouia en longueur. C’est que CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL n’est pas encore tout à fait prêt à marcher sur l’eau, même s’il a de sérieuses dispositions pour le faire.
Ce premier disque sans titre de CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL est un bon premier album prometteur qui indique tout de même que le meilleur est à venir ultérieurement. Le groupe cherche encore à améliorer sa formule, à affiner son style et si son potentiel est magnifié, transcendé, il peut atteindre des sphères stratosphériques, d’autant que certains titres sont des indicateurs sur les progrès à venir de ces musiciens. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’une première prise de contact intéressante avec le public puisque cet album s’est classé 52ème dans les charts US et s’est vendu à 1 millions d’exemplaires sur le long terme (l’album a été certifié platine en 1990).
Trendkill
A la fin des années 70, qui ne connaissait pas CCR ET n'avait pas, au moins un album du groupe?
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:18, modifié 1 fois.
1975 No Reservations
Blackfoot est un groupe de rock sudiste de Jacksonville en Floride, formé par Jackson Spires, Greg T. Walker et Rick Medlocke (de Lynyrd Skynyrd) vers 1970, nommé d'après l'ascendance amérindienne de plusieurs des membres du groupe.
Le groupe a percé vers 1979-1981 avec un trio de superbes albums qui mélangeaient l'attitude et les styles du Southern Rock avec une approche et un style de production plus heavy metal. Avant cela, le groupe a sorti deux albums plus traditionnels, Flyin' High et leur premier album No Reservations.
No Reservations, sorti en 1975, montre le potentiel du groupe, même à ce stade précoce de sa carrière. Malgré des valeurs de production basiques et une écriture légèrement dérivée, il y a beaucoup de matériel intéressant à trouver.
En termes de points positifs, l'album est varié. Il mélange de grands moments de rock comme les titres phares " Born To Rock N Roll " et " Take A Train " avec des moments plus calmes comme la ballade " Stars ", qui fait référence à " Simple Man ", et l'excellente conclusion de l'album Bluegrass " Railroad Man ".
Le seul problème de l'album est que le niveau d'énergie est comparativement contenu pendant la majorité de la durée de chaque chanson, ce qui peut donner l'impression que les chansons sont beaucoup moins dynamiques et intéressantes qu'elles ne le sont en réalité.
Cependant, chaque chanson s'anime lorsque les solos de guitare se déclenchent et que tous les membres du groupe se mettent soudainement à jouer de leur instrument à fond. S'ils avaient joué une plus grande partie de l'album avec ce niveau de passion et d'intensité, ce serait un disque vraiment puissant et mémorable.
Plus vous l'écoutez, plus vous l'appréciez et même s'il n'est pas aussi révolutionnaire que certaines de leurs meilleures œuvres, il est tout de même bien au-dessus de la moyenne.
Kingcrimsonprog
Cet album de Blackfoot est un bon premier disque, mais les albums suivants deviendront de mieux en mieux!
Ce n'est pas encore véritablement du southern style Blackfoot, on est plus proche du country Blues que d'autre chose ...
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:18, modifié 3 fois.
John Coltrane and Johnny Hartman (1963)
Le 7 mars 1963, John Coltrane a réalisé l'un de ses albums les plus luxuriants et les plus poignants, un album sur lequel il a partagé le devant de la scène, non pas avec un autre instrumentiste, mais, fait inhabituel, avec un chanteur. Il s'agit de Johnny Hartman, 40 ans, dont le premier disque est Songs from the Heart, enregistré avec un quintette pour Bethlehem Records en 1955.
Lorsqu'ils arrivent au studio, ils n'ont pas de partitions, pas d'arrangements préalables, cet enregistrement de John Coltrane et Johnny Hartman se fait sans filet, mais tous les musiciens connaissent ces chansons par cœur.
Le disque qu'ils ont réalisé ensemble est sorti sur le label impulse ! plus tard dans l'année et reste l'un des meilleurs disques de Coltrane, un disque d'une beauté lyrique qui est tout simplement l'un des plus grands albums de l'histoire du jazz. La voix de baryton de Johnny Hartman se marie parfaitement avec le sax ténor de Coltrane, qui est le prolongement vocal du précédent album Ballad's du saxophoniste. La chanson "Lush Life" a été ajoutée à l'album à la dernière minute, après qu'ils aient entendu la version de Nat King Cole sur le chemin du studio. C'est une chanson qui dit tout sur ce duo.
Ce jour-là, Coltrane et Hartman sont rejoints par le pianiste McCoy Tyner, Jimmy Garrison à la basse et le batteur Elvin Jones au studio Englewood Cliffs de Rudy Van Gelder, dans le New Jersey.
Dès les premières mesures de "They Say It's Wonderful", où l'on voit Tyner trébucher sur les noirs et blancs, on sait qu'il s'agit d'un disque spécial. Quand Hartman chante, c'est confirmé. Mais c'est la poésie pure du saxophone ténor de Coltrane qui se joint à Hartman dans ce qui s'apparente plus à un duo qu'à un accompagnement qui fait passer ce disque d'exceptionnel à incomparable. Un peu plus de deux minutes après le début de l'album, Coltrane lance un solo d'une perfection absolue.
Toutes les chansons, comme on peut s'y attendre, sont des reprises et, outre les deux morceaux déjà mentionnés, il y a "Dedicated To You", "My One and Only Love" - l'un des autres morceaux marquants - "You Are Too Beautiful" et "Autumn Serenade".
Selon Hartman, toutes les chansons de l'album ont été réalisées en une seule prise, à l'exception de "You Are Too Beautiful", qui a nécessité une seconde répétition après qu'Elvin Jones a fait tomber l'un de ses pinceaux. (Il existe cependant des prises alternatives pour chaque morceau).
Compte tenu de l'éclat de ce disque, il est surprenant d'apprendre que Hartman n'était pas très enthousiaste au départ. Lorsque le producteur Bob Thiele l'a approché pour lui proposer l'album, une suggestion qui venait de Coltrane, le chanteur a hésité. Hartman ne se considérait pas comme un chanteur de jazz et ne pensait pas que Coltrane et lui se compléteraient musicalement. Hartman est allé voir Coltrane au Birdland et, après le concert, tous deux, avec Tyner, ont passé en revue quelques morceaux et le déclic s'est produit.
Il s'agit de 31 minutes de jazz sublime et sophistiqué que tout le monde devrait écouter et, mieux encore, posséder.
Richard Havers
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 mars 2026 16:19, modifié 1 fois.
La tu t'embarque avec deux groupes que j'adorent .
Blackfoot je les ai découverts à l'époque avec le merveilleux Tomcattin, les premiers ils m'a fallu attendre d'avoir le net .
Creedence Clearwater Revival c'est Cosmo's Factory avec sa pochette amusante , un album que possédait un copain.
Je les ai tous achetés après, il n'y a pratiquement rien à jeter , je n'en dirai pas autant de la disco solo de John Fogerty hormis Blue ride ridge rangers et l'album de 1975 avec Rockin' all over the world qui à fait le bonheur de Status Quo.
Sinon dans l'ensemble je reste sur ma faim, quel dommage avec une voix pareille
CCR c'est un nombre de tubes à faire pâlir les Beatles , non je déconne
Titis
Autant je loue l'action de Creed Taylor (Impulse!) d'avoir dépensé une fortune (à l'époque) pour débaucher Trane de chez Ertegun (Atlantic), autant je me suis souvent posé des questions sur les trois albums de suite que sont Ellington, Hartman et Ballads - qui me semblent être une régression (oui, je sais parler de Duke et régression dans la même phrase peut fait bondir ) dans le chemin que Trane se traçait. D'autant plus que Creed avait bien spécifié que c'était pour supprimer les rênes de Trane et qu'il prenne son envol là où il voulait aller.
Ces trois albums ont-ils été créés suite à des pressions pour vendre bcp de disques et amortir le débauchage et passage de Trane dans les rangs du label?
)