2009 – Less Is More
"Less Is More", sorti en 2009, marque une sorte d'étape dans l'évolution de Marillion.
Ils avaient émergé au début des années 80 en tant que leaders du mouvement Neo-Prog Britannique, mais? EN 2009, il est difficile d'imaginer que le préfixe "néo" ait jamais été attaché à ce groupe de longue date.
Quatre des cinq membres sont présents depuis l'album "Fugazi" 1984, et Steve Hogarth est devenu le chanteur il y a 20 ans. Ils se sont tellement éloignés de leurs débuts, marqués par l'influence de Genesis / Van der Graaf Generator, qu'il est difficile de croire qu'il s'agit du même groupe.
C'est tout l'intérêt de "Less Is More", qui voit Marillion revisiter des chansons des 20 dernières années de sa discographie dans de nouveaux arrangements acoustiques. Les arrangements réduits, qui marquent une volte-face drastique par rapport au précédent album, "Happiness Is the Road", accentuent le talent de Hogarth pour l'euphémisme, les qualités lyriques inhérentes aux lignes du guitariste Steve Rothery, influencées par David Gilmour depuis le premier jour, et le degré de sophistication présent dans les sensibilités compositionnelles de Marillion.
La grandeur sonore qui manque à ces nouvelles versions dépouillées des chansons est plus que compensée par les plaisirs subtils et doux qui abondent. "Less Is More" est plutôt discret du début à la fin, même le seul morceau studio inédit, "It's Not Your Fault", ne repose que sur la voix et le piano de Hogarth, mais c'est néanmoins un album intense et marquant.
Deux bonus live sont ajoutés à la fin de l'album, une version de "Runaway" de l'album "Brave" et une reprise de "Fake Plastic Trees" de Radiohead, cette dernière étant un retournement intelligent dans lequel ces vétérans de l'Art Rock reprennent l'héritage d'un groupe pour lequel Marillion a indubitablement ouvert la voie.
1973 - The Well Below the Valley
Planxty commence son album, "The Well Below the Valley", sorti en 1973, avec le morceau "Cunla", une ronde engagée chantée par Christy Moore. Suivent des airs de danse impeccablement joués, des complaintes soulful et des récits entraînants, qui permettent aux auditeurs d'avoir accès à toute l'étendue des nombreux talents du groupe.
La pièce maîtresse est la sinistre chanson-titre, un chant funèbre tendu, au tempo moyen, qui s'inspire vaguement de l'histoire de Jésus au puits. Bien que traditionnelle, la mélodie a des connotations incestueuses et une imagerie sombre qui ont limité son attrait pour les anciennes générations de chanteurs et l'ont définie comme le fruit défendu de la musique Celtique. Andy Irvine propose deux de ses meilleures ballades, la lettre d'amour endeuillée "As I Roved Out" et la douce-amère "Time Will Cure Me", prouvant une fois de plus que sa voix profondément expressive est inégalée dans le genre. "As I Roved Out" de Moore est un morceau merveilleusement entraînant, ancré par le bouzouki et le tin whistle d'Irvine, qui met en valeur les prouesses de Moore en matière de narration de contes.
"The Well Below the Valley" est tout ce qu'une collection de musique traditionnelle devrait être. Avec sa production simple et chaleureuse et ses excellentes interprétations, il reste un classique qui ne devrait pas avoir de mal à traverser les âges.
Let It Be (1970)
"Let It Be" est le dernier album original publié par les Beatles, paru le 8 Mai 1970 en Grande-Bretagne, et dix jours plus tard aux États-Unis. Au moment de sa sortie, le groupe "était déjà officiellement séparé.
Les chansons présentes sur ce disque avaient été enregistrées plus d'un an avant, l'essentiel étant mis en boîte en Janvier 1969, avant la réalisation de l'album "Abbey Road", publié en Septembre 1969.
L'album, supposé paraître à l'Eté 1969 sous le titre "Get Back", avait été conçu au départ comme un retour aux sources: quatre musiciens jouant du Rock dans des conditions live, en répétition pour un hypothétique concert. De plus, le tout devaiit déboucher sur une émission de télévision. Les quatre semaines consacrées aux répétitions et à l'enregistrement des chansons se sont déroulées sous l’œil des caméras de Michael Lindsay-Hogg qui tournaient presqu'en continu.
L'idée du concert devant public fut abandonné et remplacé par le fameux concert sur le toit de l'immeuble de Savile Row et le projet d'émission spéciale télévisuelle devenait un documentaire pour le cinéma. John Lennon, Paul McCartney et George Harrison ont apporté un grand nombre de chansons, toutes répétées, dont douze finiront sur cet album, alors que d'autres seront retravaillées de Février à l'Eté 1969 pour "Abbey Road", ou encore apparaîtront sur leurs albums respectifs après la séparation du groupe.
Les difficultés s'étaient accumulées durant ces sessions. Insatisfaits du résultat, les Beatles abandonnèrent le projet. Hormis "Get Back" et "Don't Let Me Down", publiées en single en Avril 1969, les kilomètres de bandes enregistrées en un mois sont dans un premier temps rangées au placard avant que le groupe ne décide de les confier au producteur Américain Phil Spector.
En Mars 1970, Spector a post-produit toutes les chansons à sa manière, rejetant "Don't Let Me Down" de la liste, et le 33 tours paraît finalement en Mai sous le nom de "Let It Be", en même temps que le film du même nom.
"Let It Be" est l'un des deux albums sur lequel Ringo Starr ne chante pas. C'est, par ailleurs, l'unique œuvre des Beatles où George Martin, quoique présent du début à la fin du projet, n'est pas crédité en tant que producteur. C'est aussi le seul album où un musicien additionnel, Billy Preston à l'orgue et au piano électrique, est présent sur sept titres et crédité sur le single "Get Back". Quant au travail de Phil Spector, il est sujet à controverse et entraîne, 33 ans plus tard sous l'impulsion de Paul McCartney, la publication d'une version 'déspectorisée': "Let It Be... Naked".
Cet album est initialement commercialisé sous la forme d'un coffret incluant le disque vinyle et un livre. L'album seul ne sera disponible qu'en Novembre. Il bat tous les records de pré-commandes avant sa parution aux États-Unis où le livre n'est pas disponible. La publication de cet album se fait en parallèle au film "Let It Be" sorti le 20 Mai 1970 en Angleterre et le 13 en Amérique quelques semaines après l'annonce de la séparation du groupe faite par Paul McCartney le 10 Avril.
Ce documentaire montre les répétitions et les enregistrements de Janvier 1969 et est généralement perçu comme étant le témoignage d'un groupe en train de se disloquer. Le film, qui a été réédité en 1981, est ultimement restauré en 2024 par la même équipe qui, en 2021, a produit "The Beatles: Get Back". Tirée des soixante heures d'images, cachées dans les voûtes, cette télésérie de trois épisodes de plus de deux heures chacune, réalisée par Peter Jackson, démontre que ces séances étaient beaucoup moins malsaines et tendues que leur réputation laissait entendre.
L'album est dans l'ensemble sous-estimé. McCartney en particulier offre plusieurs perles: le Gospel "Let It Be", qui contient certaines de ses meilleures paroles; "Get Back", l'un de ses Rocks les plus durs; et le mélodique "The Long and Winding Road", gâché par la lourdeur de Spector, qui en a fait l'une de ses meilleures chansons.
Le travail de Spector ne s'est limité qu'au mixage et l'album a été gâché par ses overdubs. La chanson folklorique "Two of Us", sur laquelle John et Paul s'harmonisent, est également un moment fort. La plupart des autres morceaux, en revanche, sont plus ou moins répétitifs, bien qu'il y ait quelques bons moments de Rock dans "I've Got a Feeling" et "Dig a Pony". Aussi imparfait et cahoteux qu'il soit, "Let It Be" est un album qui vaut la peine d'être possédé, car lorsque les Beatles étaient au sommet de leur forme, ils étaient aussi bons que jamais.
2011 - Don't Explain
2011 ait été une année aussi prolifique dans la carrière de Joe Bonamassa. Il y a d'abord eu l'excellent et roots "Dust Bowl", puis le deuxième chapitre du catalogue de son projet Black Country Communion.
Enfin, "Don't Explain", une collection de reprises Soul, Blues et Jazz en collaboration avec la chanteuse Beth Hart, est son troisième album de l'année. Cet ensemble de dix chansons est le prolongement logique de la contribution vocale de Beth à "No Love on the Street", extrait de "Dust Bowl".
L'album s'ouvre sur une lecture de Blues contemporain très rauque de "Sinner's Prayer" de Ray Charles, suivie d'une version excentrique de "Chocolate Jesus" de Tom Waits et d'une reprise inhabituelle de "You Heart Is as Black as Night" de la chanteuse et compositrice de Jazz Pop contemporaine Melody Gardot. Sur ce morceau, un orchestre à cordes ajoute une touche de perversité; on a l'impression d'une femme fatale chantant un numéro de Brecht-Weill dans un cabaret enfumé devant un orchestre à cordes morose, soutenu par un quintette de Blues électrique inquiétant. "For My Friends", un morceau de Bill Withers, est un grand Blues méchant et déchiqueté qui conserve intact le groove funky. La chanson titre, étroitement associée à Billie Holiday, tombe à plat. Beth s'efforce trop d'utiliser le phrasé d'Holiday, les orchestrations de cordes sont exagérées et l'équipe de Bonamassa est trop révérencieuse. Cette formule nuit également à la reprise de "Ain't No Way" d'Aretha Franklin qui clôt le set. Les interprétations de "I'd Rather Go Blind" et "Something's Got a Hold on Me", signées Etta James, sont bien meilleures. La voix émotive et gutturale de Beth convient parfaitement à ces deux chansons, et elle n'essaie pas d'imiter le phrasé d'Etta James. Comme elles se suivent directement, la différence musicale entre elles met également en évidence la diversité des capacités de Beth.
La seule collaboration vocale du duo Beth Hart / Joe Bonamassa est une lecture brûlante de "Well, Well" de Delaney and Bonnie. Avec les breaks et les rim shots d'Anton Fig soulignant les fills du piano électrique d'Arlan Scheirbaum, les leads brûlants de Bonamassa, la base rythmique épaisse du guitariste Blondie Chaplin et la ligne de basse de Carmine Rojas, Hart et Bonamassa échangent des vocaux 'call and response' intelligents avec suffisamment de Country Soul brute pour faire découvrir la chanson à un nouveau public.
Sans être parfait, "Don't Explain" est un bon enregistrement, dont les points forts sont suffisamment nombreux pour justifier une seconde écoute.
1991 : Ggggong-Go_Long
L'excellent double Live "Ggggong-Go_Long", enregistré à Londres et sorti en 1991, est peut-être, et même probablement, le meilleur Steve Hillage de tous les temps avec un son superbe.
Le premier album a été enregisré en 1977, et le second en 1979.
Il s'agit pourtant d'un bootleg, mais d'une édition exceptionnelle, avec un bien meilleur son que l'édition partielle officielle ultérieure de certains de ces titres.
Il est bien dommage que Steve Hillage n'est jamais pensé à le sortir officiellement!...
1990 - Southern Cross
"Southern Cross", sorti en 1990, est un bon album avec une histoire intéressante.
Phil Manzanera a décidé d'explorer ses racines Cubaines et a tenté de mélanger la musique de style Cubain avec le Rock. Au départ, il travaillait sur un album instrumental plus orienté vers la World Music.
Il a ensuite rencontré un vieil ami, Tim Finn qui a pris sur lui d'écrire des paroles pour la belle musique qu'il avait entendue en demo par Manzanera. Cette décision s'est avérée judicieuse, car Finn a également partagé le chant avec Gary Dyson.
En fait, cet album n'est pas si différent de la musique solo que Tim Finn enregistrait à l'époque (comme l'album Tim Finn). Manzanera a même fait appel à son vieil ami Jown Wetton pour les chœurs.
Les paroles qu'il a écrites, qui sont émouvantes et ajoutent de la profondeur à la sensation générale de l'album, et les invités aident l'album à pencher légèrement plus vers le Rock, mais ce n'est pas un problème. Les chansons instrumentales (comme "Southern Cross") ont une saveur beaucoup plus mondiale et sonnent d'une beauté déchirante. Le véritable point fort est cependant "Frontera '91", qui contient l'un des travaux de guitare les plus mélodiques et les plus intéressants que Manzanera ait jamais enregistrés.
L'album est joliment enregistré et structuré d'une manière agréable et sûre. La musique peut être très relaxante ou pleine d'énergie. La production nuit à la musique car Manzanera a tenté de moderniser le son en utilisant malheureusement des boîtes à rythmes et de la programmation.
A part cela, c'est, quand même, un album très agréable à écouter...
Skywards (1997)
"Skywards" de Terje Rypdal , sorti en 1997, est un retour au Jazz proprement dit. Il est aidé par le violoncelliste David Darling, le bassiste Palle Mikkelborg, le batteur Jon Christensen et le violoniste Terje Tønnesen. Christian Eggen au piano et aux claviers électroniques, ainsi que Paolo Vinaccia à la batterie et aux percussions, sont également de la partie. Le son de guitare caractéristique de Rypdal, présent à chaque instant de ses solos, a une portée émotionnelle fulgurante et perçante.
Sur cet album, il marie le Jazz post moderne à l'improvisation européenne, à sa propre interprétation de la musique classique et à la musique Rock, pour créer, si c'est possible, une musique instrumentale nouvellement texturée qui est libre de tous les pièges.
Cela n'est nulle part plus évident que dans "Out of This World (Sinfonietta)", où le Jazz post-Bop du premier mouvement s'infiltre dans un espace où le violoncelle de Darling est autorisé à se libérer de ses contraintes traditionnelles avec les lignes de guitare brûlantes de Rypdal, qui proviennent aussi bien de Jimi Hendrix que de John McLaughlin. À mi-parcours environ, l'œuvre entre dans le territoire de l'improvisation libre, avant que Rypdal ne la ramène vers une fin processionnelle et théâtrale. S'ensuivent de magnifiques ballades ambiantes texturées, de la musique de salon précise et d'autres exercices de Free Jazz Rock.
"Skywards" est l'œuvre la plus ouvertement schizophrénique et la plus ambitieuse de Rypdal depuis bien de nombreuses années.
2012 – Sounds that Can't Be Made
Avec "Sounds that Can't Be Made", sorti en 2012, Marillion entame un retour à ses racines Neo Prog pour la première fois depuis "Marbles" en 2004.
Une décennie entière après le classique "Brave", Marillion a pris la décision consciente de paraître "pertinent" sur le marché et "Sounds That Can't Be Made" sonne comme du Marillion vintage.
Le groupe livre une série de huit titres qui fait feu de tout bois, en commençant par l'épique "Gaza" de 17 minutes. Le point de vue d'un jeune garçon vivant dans la région est celui de la violence, de la pauvreté et de la volonté d'indépendance des Palestiniens, sans pour autant s'en prendre à la nation israélienne...
Le tempo, la texture et les changements de tonalité abondent tout au long de l'album, tandis que Steve Hogarth évolue dans ses moments les plus tendus sur le plan émotionnel. Steve Rothery rend sa guitare plus agressive qu'il ne l'a fait depuis des années. Deux autres morceaux, "Montreal", un hommage aux fans de Marillion et "The Sky Above the Rain", offrent une myriade de couches de claviers inventifs et un travail de batterie et de basse expansif, tandis que Rothery et Hogarth se livrent à des prouesses de premier ordre.
Alors que "Power" flirte avec une Pop sophistiquée, il est libéré de ces contraintes par l'interaction entre les claviers de Mark Kelly, la batterie de Ian Mosley et la ligne de basse de Pete Trewavas, tandis que le jeu de guitare de Rothery se déplace autour du chant de Hogarth, remplissant les marges de tonalités colorées. Le morceau de clôture "Lucky Man" commence par une agression majestueuse et se transforme en une mélodie bluesy et lourde de basse qui évolue vers un Prog hymnique, Hogarth donnant sa meilleure interprétation de rockeur.
Tempéré par ses expériences agitées dans le domaine de la Pop, "Sounds That Can't Be Made" est la preuve que Marillion a toujours su qui il était en tant que groupe...
1974 - Cold Blow and the Rainy Night
"Cold Blow and the Rainy Night" est un album de Planxty sorti en 1974.
Ce troisième album pour le label Shanachie s'ouvre par une version entraînante du classique Ecossais "Johnnie Cope". C'est une ouverture appropriée pour un disque qui a essentiellement mis fin à l'apogée de leur enregistrement alors que les membres se sont séparés pour former des groupes Celtiques tout aussi influents comme le Bothy Band, Moving Hearts, et De Danann.
Le cofondateur Dónal Lunny, bien qu'il ait contribué instrumentalement à quelques titres et se soit assis sur la chaise de production, a quitté le groupe, permettant au nouveau membre Johnny Moynihan de prendre en charge le bouzouki et, avec Andy Irvine et Christy Moore, les fonctions vocales.
La chanson titre est l'une des plus belles de leur carrière, utilisant les uillean pipes de Liam O'Flynn et l'harmonisation sans pareille du groupe. Le magnifique "Lakes of Pontchartrain" de Moore et l'émouvante conclusion d'Irvine, "Green Fields of Canada", témoignent de la maîtrise intemporelle du groupe en matière de ballades, un style qui influencera grandement leurs œuvres solo ultérieures.
"Cold Blow and the Rainy Night" est indispensable à toute personne qui aime le genre.
Past Masters vol 1 (1988)
Lorsque le label Capitol a décidé de publier les éditions Britanniques originales des albums des Beatles au lieu des versions Américaines abîmées, il s'est trouvé confronté à un dilemme. Les Beatles ayant produit un nombre considérable de singles non LP, certains de leurs plus grands succès, de "I Want to Hold Your Hand" à "Hey Jude", ne figureraient pas sur le disque si Capitol se contentait de proposer des rééditions directes.
Deux options s'offraient à eux: ils pouvaient ajouter les singles en tant que pistes bonus aux CD appropriés, ou sortir une compilation de toutes les pistes non LP. Il n'est pas surprenant qu'ils aient finalement choisi cette dernière option. En fait, ils sont allés encore plus loin en publiant deux compilations distinctes de titres non LP, ce qui est tout à fait approprié puisque les Beatles ont sorti bien plus de singles et d'EP au cours des deux premières années de leur carrière qu'au cours des cinq dernières.
"Past Masters, Vol. 1" couvre ces deux premières années et il y a quelques morceaux qui seraient inutiles pour quiconque n'est pas un fan hardcore: seule une poignée de personnes sera capable de repérer la différence dans la version alternative de "Love Me Do", tandis que les versions Allemandes de "I Want to Hold Your Hand" et "She Loves You" sont plus comiques qu'autre chose.
Néanmoins, le nombre de singles stupéfiants rend cet album indispensable, même avec ses défauts. Ces 17 chansons capturent l'exubérance de la Beatlemania tout en confirmant leurs talents de créateurs de musique Pop ("This Boy", "Yes It Is") et en prouvant qu'ils pouvaient faire du Rock très, très fort ("I Feel Fine", "She's a Woman", l'inégalable "I'm Down"). Hormis les morceaux qui ne sont que des raretés, il s'agit d'une compilation presque parfaite qui capture l'énergie et l'esprit des premières années des Beatles...
2013 – An Acoustic Evening At The Vienna Opera House
En Europe, Joe Bonamassa a été la tête d'affiche du Vienna Music Hall, un magnifique opéra qui abrite traditionnellement l'Orchestre philharmonique de Vienne.
C'est une grande salle qui dégage une certaine classe. Bonamassa a donc choisi la voie de la classe en faisant un concert intitulé "An Acoustic Evening at the Vienna Opera House", un événement live de 2013.
Il est soutenu par quatre musiciens, qui jouent tous d'une variété d'instruments acoustiques anciens (banjo, violon, harmonium, mandole et, naturellement, nyckelharpa), il s'est entouré de dix guitares acoustiques et d'un dobro, et joue une liste marathonienne de 20 chansons.
Tout cet espace lui permet de démontrer qu'il est capable d'être plus qu'un simple guitariste de Blues électrique qui mélange des morceaux de Stevie Ray Vaughn et d'Eric Clapton. Il semble à l'aise dans ce contexte, peut-être même un peu libéré, transformant ses chansons en Country Blues.
Ses fans pourraient se lasser de la série ininterrompue de sorties d'albums, au moins deux par an chaque année des années 2010, jusqu'à présent.
Le concert est excellent et il dure près de deux heures dans sa version DVD / BluRay (les deux versions sont accompagnées d'un documentaire d'une heure sur le making-of).
Le CD est plus court et contient des moments forts judicieusement sélectionnés, de sorte que les fans occasionnels peuvent s'y retrouver, et ses fans ne seront pas déçus par ce concert acoustique, qui offre plus de sons différents et intéressants que n'importe quel autre album précédent de Bonamassa.
2019 - The Golden Vibe
"The Golden Vibe", sorti en 2019, est un album d'enregistrements inédits de Steve Hillage. Ces enregistrements font partie d'une série de cassettes archivées que Hillage a extraites de son stock pour le coffret, et cette cassette a été étiquetée "Wata Trip 1973".
Elle a été enregistrée alors que Hillage avait 21 ans et qu'il vivait dans la maison commune de Gong à Sens, en France, avec Miquette Giraudy, alors que le groupe commençait à développer la musique qui formerait le cœur de "Angel's Egg" de Gong.
La cassette contenait 3 heures et 12 minutes d'émerveillement sonore, plein de craquements et de bourdonnements, utilisant l'écho de bande, le fuzz et parfois aussi le Wem copycat avec chaque note, chaque corps de guitare, chaque bourdonnement, chaque harmonique et chaque morceau d'audio se répercutant à l'infini et au-delà. Cela semblait résumer un moment vibrant de la vie de Steve et était comme un album organique, entièrement formé, presque naturel, d'ambiance psychédélique.
Ces enregistrements sélectionnés représentent un riche chaudron bouillonnant de motifs, de sons et de thèmes dans lequel on peut reconnaître des formes plus jeunes, des éclats scintillants et même des éléments profonds et complets de futures chansons, dont certaines sont encore à des années de leur conception. Ce sont les esquisses et les aquarelles préparatoires, dont l'appréciation ne peut que renforcer le plaisir que l'on éprouve à l'égard de l'œuvre achevée, et qui ont même une belle intégrité cohérente qui leur est propre.
L'édition CD de "The Golden Vibe" se présente sous la forme d'un Digipack accompagné d'un livret de 8 pages contenant des notes de Jonny Greene de GAS et des photos de Hillage de l'époque. L'édition vinyle est un double LP noir dans une pochette gatefold avec des notes de Jonny Greene de GAS et des photos de Hillage de l'époque.
2000 - Vozero
Sur "Vozero" de Phil Manzanera, paru en 1999, celui-ci fait à nouveau équipe avec Robert Wyatt, qui assure une partie du chant, des percussions, de la trompette et des claviers. Les deux sont les seules constantes sur toutes les pistes, avec des musiciens supplémentaires ajoutés selon les besoins, y compris son vieil ami Andy Mackay. Manzanera chante lui-même sur certains morceaux, il semble être influencé par le style vocal unique de Wyatt.
Manzanera a toujours été un artiste progressif, même dans la place laissée par Roxy Music, et sur cet album il ajoute beaucoup de touches Sud Américaines à son style.
Une décennie s'est écoulée entre cet album et ses précédents enregistrements en studio, mais l'album est une suite logique de son catalogue solo (y compris avec 801). Bien qu'il s'agisse d'un album progressif, on y retrouve la chaleur des albums vocaux de Robert Wyatt ou de Brian Eno. Son travail à la guitare est sobre et minimaliste, mais explore de nouveaux territoires et de nouvelles sonorités...
Lux Aeterna (2003)
"Lux Aeterna", sorti en 2003, est une œuvre en cinq mouvements de Terje Rypdal qui a beaucoup contribué à brouiller les pistes entre le Jazz Européen et la musique classique contemporaine.
Le guitariste est accompagné par le trompettiste Palle Mikkelborg, l'organiste d'église Iver Kleive et la soprano Åshild Stubø Gundersen, et il travaille en live avec le Bergen Chamber Ensemble dirigé par Kjell Seim au Domkirke's Molde Jazz Festival pour créer une œuvre d'une beauté stupéfiante, aux silences cristallins et à la dynamique qui s'étend dans le temps.
Au fil des cinq mouvements, Rypdal crée des tensions harmoniques spécifiques qui sont résolues par une utilisation créative et disciplinée de tonalités et de durées variées. Dans le premier mouvement, "Luminous Galaxy", l'ensemble de chambre et Gundersen ouvrent la pièce pendant près de quatre minutes; Mikkelborg entre avec une demi-note, se glissant comme un couteau à lame fine au cœur du mélange. Après huit minutes, il ne reste plus que Mikkelborg et un bourdon de cordes avant que l'ensemble ne réintègre progressivement ce monde sonore entièrement nouveau qui se présente comme un tout, et les musiciens le font presque pastoralement avant que l'orgue de Kleive n'annonce sa présence en solo, courtisant une fois de plus les cordes pour qu'elles avancent sur son terrain sonore.
Avant que le premier mouvement ne soit terminé, la pièce se referme juste à temps pour créer une toute nouvelle série de paysages propulsés par la guitare de Rypdal. Et ainsi de suite. Il n'y a rien de froid dans cette œuvre; elle est chaude et sombre et stupéfiante dans sa présentation austère et faussement complexe.
Au moment où commence le cinquième et dernier mouvement, l'auditeur a parcouru de nombreux mondes sur les terrains sonores du cœur. Les lignes se brouillent entre l'improvisation, la musique classique et le Jazz, mais aussi entre le son et la musique et entre le rythme et l'espace, alors que les champs tonaux et les plans texturaux se réfractent à l'envers en un ensemble impressionnant.
Terje Rypdal était alors, peut-être, en train de faire la plus grande musique de sa vie...
2016 – F E A R
"F E A R" de Marillion est sorti en 2016. FEAR est, en fait, l'acronyme de "Fuck Everybody and Run".
Deux des trois longues suites en plusieurs parties ("El Dorado" et "The New Kings") sont des déclarations ouvertement politiques qui jettent un regard sur l'Angleterre et l'état calamiteux du monde, non seulement par observation mais aussi par expérience.
La pièce maîtresse, "The Leavers", est une vue de l'intérieur de la vie sur la route, de la pression qu'elle exerce sur les relations, et de la façon dont la connexion au monde peut devenir ténue en conséquence.
Le reste de l'album est tout aussi intéressant
Les fans de la direction musicale prise par Marillion dans les années 90 sur "Brave" et "This Strange Engine" trouveront beaucoup de choses à apprécier sur "FEAR".
Il faut plusieurs écoutes pour l'assimiler complètement, mais le résultat est sans conteste l'album le plus cohérent et le plus inspirant du groupe depuis "Marbles" en 2004.
1979 - After the Break
"After the Break" de Planxty, sorti en 1979, ne comporte aucun mauvais morceau.
"The Good Ship Kangaroo" est une chanson si rythmée, si mélodieuse et si bien chantée qu'on ne peut s'empêcher de chanter avec elle. "Rambling Boys Of Pleasure" est douce et nostalgique, une complainte sur l'inconstance de la jeunesse et l'attrait de la richesse. "The Rambling Siuler" est sournoise et intelligente, un hommage à quelqu'un qui est prêt à faire n'importe quoi pour obtenir ce qu'il désire.
Toutes les pièces instrumentales sont nettes et précises; on notera en particulier une pièce qui n'est même pas Irlandaise, une pièce de danse bulgare appelée "Smeceno Horo" qui a quelque chose, jouée par ces gars-là, qu'elle n'a pas lorsqu'elle est jouée en Bulgarie. Donal Lunny semble avoir fait une étude spéciale de la musique de bouzouki de l'Est et il en joue à fond.
"Pursuit of Farmer Michael Hayes" est l'histoire d'un gars se cachant dans les mauvaises herbes alors qu'il est pourchassé par les flics pour avoir dénoncé le méchant propriétaire qui l'a expulsé; il finit par s'embarquer en toute sécurité sur un bateau et gagne l'Amérique pour prendre un nouveau départ. "Bonny Light Horseman" démontre que Napoléon était vraiment une mauvaise personne, quelle que soit la façon dont on le considérait, mais surtout pour ses troupes, qui ont souffert en masse; cette chanson est racontée du point de vue de la fille au foyer.
Dans l'ensemble, "After the Break" est un album solide et Il mérite d'être ajouté à la bibliothèque de tout amateur de Folk.
1988 - Past Masters, Vol. 2
Reprenant en 1965 là où "Past Masters, Vol. 1" s'est arrêté, "Past Masters, Vol. 2" rassemble les 15 titres non LP que les Beatles ont publiés au cours des cinq dernières années de leur carrière, sans compter les singles sortis à l'occasion de Magical Mystery Tour.
Si ce "Vol. 2" est plus éclectique que son prédécesseur, il n'est pas tout à fait aussi cohérent sur le plan thématique, mais il atteint des sommets avec une plus grande fréquence. En effet, certains des plus grands singles de l'histoire de la Pop s'y trouvent: "Day Tripper", "We Can Work It Out", "Paperback Writer", "Rain", "Lady Madonna", "Hey Jude", "Revolution" (la version Rock, enregistrée après le "Revolution 1" figurant sur l'album blanc), "Don't Let Me Down" et "The Ballad of John and Yoko".
Tous ces titres sont des incontournables du tandem Lennon / McCartney, et si les deux contributions de George Harrison ne sont pas aussi familières, "The Inner Light" est sans doute sa meilleure excursion Indienne et "Old Brown Shoe" est un morceau charmant et enjoué qui annonce sa carrière solo. Au milieu de tout cela, les versions single de "Get Back" et "Let It Be" apparaissent, la première est plus rigide que la version LP, la seconde est meilleure que son homologue, ainsi que l'alternative et supérieure "Across the Universe" et le stupide "You Know My Name (Look Up the Number)".
Aucun singles de l'année 1967 n'est présent sur le "Past Masters Vol 2". C'est dû à la publication de l'album "Magical Mystery Tour" en 1967 aux États-Unis et en 1976 en Angleterre, où il ne s'agissait à l'origine,en Novembre 1967, que d'un double maxi contenant six titres. Les faces A et B des 45 tours de 1967 figurent par conséquent sur l'album "Magical Mystery Tour".
Ainsi, la discographie complète des Beatles durant leur période d'activité, est couverte par leurs treize albums officiels et les deux Past Masters.
Dans l'ensemble, la compilation semble un peu décousue, principalement parce qu'elle couvre beaucoup de terrain si rapidement, mais cela n'enlève rien à la qualité de la musique, puisque beaucoup de ces chansons se classent parmi les meilleurs et les plus inventifs enregistrements de l'ère Pop / Rock.
2013 - Seesaw
L'auteure-compositrice-interprète Beth Hart continue d'explorer ses racines Blues et Soul à travers 11 reprises de ses titres préférés sur "Seesaw", sorti en 2011, son deuxième album avec le guitariste de Blues Joe Bonamassa.
Suivant le même chemin que leur première collaboration, l'album de reprises "Don't Explain', le duo a retrouvé le producteur Kevin Shirley, qui avait déjà travaillé avec Led Zeppelin, Journey, the Black Crowes, Joe Bonamassa et bien d'autres.
Le disque s'ouvre sur une interprétation Jump Blues de "Them There Eyes", une version Rock Blues de "Nutbush City Limits" d'Ike & Tina Turner; des cuivres percutants accentuent la chanson "Miss Lady" écrite par Buddy Miles, et ils donnent un traitement Soul direct à la chanson "See Saw" de Don Covay / Steve Cropper, enregistrée par Aretha Franklin en 1968. L'influence de Janis Joplin et d'Etta James est évidente sur les puissantes ballades "If I Tell You I Love You" et "A Sunday Kind of Love".
L'album se termine par une version étrange du poème anti-lynchage de 1937 associé à Billie Holiday, "Strange Fruit". Les musiciens qui accompagnent Bonamassa depuis l'album "Don't Explain" sont également de retour: Anton Fig (batterie et percussions), Blondie Chaplin (guitare), Carmine Rojas (basse), Arlan Schierbaum (claviers), Lenny Castro (percussions) et Michael Rhodes (basse sur "I'll Love You More Than You'll Ever Know").
Bref, c'est un excellent album!
1998 - Live At The Old Absinthe House Bar ... Saturday Night
En 1998, le guitariste et chanteur de Blues, Bryan Lee, a enregistré "Live At The Old Absinthe House Bar ... Saturday Night", un album explosif.
Dès le début du morceau d'ouverture, "Think", Lee offre au public une performance explosive, pleine de feu et de passion. Il s'adresse avec enthousiasme à l'auditoire, lui expliquant le contexte de nombreuses chansons avant d'entonner son chant, et ses envolées intenses à la guitare sont la caractéristique la plus impressionnante de cet album.
Lee a invité ses jeunes amis et collègues guitaristes, Kenny Wayne Shepherd et Frank Marino, sur quelques titres. Leur participation rend la musique encore plus ardente.
Avec l'aide d'un excellent groupe d'accompagnement comprenant l'organiste Mark Adams et John Banks aux claviers, cet opus ne manque certainement pas d'esprit, de puissance ou d'intensité.
1973 - The Well Below the Valley
Planxty commence son album, "The Well Below the Valley", sorti en 1973, avec le morceau "Cunla", une ronde engagée chantée par Christy Moore. Suivent des airs de danse impeccablement joués, des complaintes soulful et des récits entraînants, qui permettent aux auditeurs d'avoir accès à toute l'étendue des nombreux talents du groupe.
La pièce maîtresse est la sinistre chanson-titre, un chant funèbre tendu, au tempo moyen, qui s'inspire vaguement de l'histoire de Jésus au puits. Bien que traditionnelle, la mélodie a des connotations incestueuses et une imagerie sombre qui ont limité son attrait pour les anciennes générations de chanteurs et l'ont définie comme le fruit défendu de la musique Celtique. Andy Irvine propose deux de ses meilleures ballades, la lettre d'amour endeuillée "As I Roved Out" et la douce-amère "Time Will Cure Me", prouvant une fois de plus que sa voix profondément expressive est inégalée dans le genre. "As I Roved Out" de Moore est un morceau merveilleusement entraînant, ancré par le bouzouki et le tin whistle d'Irvine, qui met en valeur les prouesses de Moore en matière de narration de contes.
"The Well Below the Valley" est tout ce qu'une collection de musique traditionnelle devrait être. Avec sa production simple et chaleureuse et ses excellentes interprétations, il reste un classique qui ne devrait pas avoir de mal à traverser les âges.
Un chef d'oeuvre tu veux dire ! Un de mes disques les plus précieux et oui, d'accord avec toi, ça va traverser les âges !
