2018 - Redemption
L"album "Redemption" de Joe Bonamassa est sorti en 2018.
Le titre "Redemption" a un certain poids, suggérant que Bonamassa cherche le salut dans quelque chose, soit qu'il soit aux prises avec un tourment intérieur, soit qu'il trouve refuge dans sa musique, mais ces deux choses ne s'excluent pas mutuellement.
"Redemption" regorge d'images de pertes et de regrets, Bonamassa admettant qu'il a subi des "blessures auto-infligées" qui l'ont laissé "ramasser les morceaux" ("Pick Up The Pieces") avant qu'il ne se rende finalement compte que "j'ai un peu d'esprit sur ce qui compte" ("I've Got Some Mind Over What Matters"), et qu'il ne découvre qu'il est "plus fort maintenant dans les endroits brisés" ("Stronger Now In Broken Places").
Toutes ces chansons arrivent dans cet ordre chronologique, suggérant que 'Redemption' est en quelque sorte un cycle de chansons, mais le contrôle thématique de Bonamassa n'est pas ce qui est impressionnant sur l'album. Au contraire, 'Redemption' résonne parce qu'il s'agit à la fois de l'album le plus ambitieux de Bonamassa et de son disque le plus passionné.
En travaillant à nouveau avec son producteur de longue date, Kevin Shirley, Bonamassa touche à une variété de sons issus du blues - il y a une forte dose de mysticisme lourd de Led Zeppelin, les cuivres de Soutern Soul rivalisent avec le dobro du Delta, et il y a même un clin d'œil au Junkyard Blues, avec des caméos de Dion DiMucci et Jamey Johnson, tout en restant ancré dans le wail Blues électrifié de Chicago qui est sa signature. Il utilise les sons familiers pour pivoter vers des territoires inconfortables, à la fois musicaux et lyriques, et cela donne à "Redemption" une tension cinétique qui en fait facilement l'album le plus original de Bonamassa, ainsi que son meilleur.
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C'est nul ces chants d'oiseaux en fond de Because.
On est vraiment dans une optique commerciale qui dénature le morceau d'origine.
Venant de Georges Martin, ça me surprend. Il devait vraiment avoir besoin d'arrondir les fins de mois pour avoir produit ce produit renégat.
Because, c'est pourtant clair que le mix de départ, juste le silence en fond, avait tout bon. C'est inspiré des chants sacré du moyen-âge, Because, ça semble évident.
2005 Big Chain
Prouvant que les rock'n rollers d'âge moyen peuvent encore s'agiter, Jo Jo Gunne s'est réunit plus de 30 ans après son dernier album, "So...Where's the Show?" de 1974, pour un mixage de nouvelles chansons et certains de leurs meilleurs morceaux réenregistrés, avec surtout leur Hit classique, "Run Run Run".
Sur l'album "Big Chain", sorti en 2005, Jo jo Gunne montre qu'il n'a pas oublié comment faire du Rock, avec des versions crédibles de classiques du groupe comme "Shake That Fat" et "99 Days" qui surpassent souvent les originaux.
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Pressure & Time (2011)
"Pressure & Time" de Rival Sons, paru en 2011, est un excellent album de Rock. Le quatuor de Los Angeles composé du chanteur Jay Buchanan, du guitariste Scott Holiday, du bassiste Robin Everhart et du batteur Mike Miley joue une sorte de early ou pre-metal.
En d'autres termes, Rival Sons est un power trio avec un chanteur dans le style traditionnel, qui aurait pu faire cet album après avoir écouté le premier album de Led Zeppelin en boucle pendant un jour ou deux. Sur des chansons comme la chanson titre et "Gypsy Heart", Buchanan hurle avec un ténor perçant qui rappelle Robert Plant, tandis qu'Holiday joue des accords de puissance à la Jimmy Page, et même la ballade de puissance finale "Face of Light" est un changement de rythme Zeppelinien.
Les Rival Sons montrent d'autres influences. "All Over the Road", par exemple, rappelle les débuts de Deep Purple (l'époque de "Hush", pas de "Smoke on the Water"), tandis que Buchanan, bien que chantant dans un registre plus aigu, fait preuve d'une assurance digne d'Eric Burdon sur "Young Love".
Bien entendu, le groupe rappelle également les groupes des générations suivantes qui se sont appuyés sur le son Hard Rock de la fin des années 60, tels que The Cult ou The Black Crowes. Tous ceux qui aiment ce genre de musique doivent absolument découvrir Rival Sons.
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2007 Big Highway
"Big Highway", paru en 2007, est un disque très fort du guitariste hors pair, Craig Ericson. Il joue du Blues Rock d'une grande qualité.
Craig est l'une des superstars les plus sous-estimées / inconnues du monde du Blues Rock.
Il a écrit tous les morceaux à l'exception de la chanson "Stratus" de Billy Cobham qui déchire à la guitare comme personne ne le fait. La musicalité est vraiment excellente, les musiciens d'accompagnement font un travail fabuleux.
La guitare d'Erickson est chaude et claire, définitivement au top. Et sa voix s'accorde parfaitement à la musique jouée. Il ne reçoit tout simplement pas l'attention qu'il mérite.
Cet enregistrement es très fortement recommandé...
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1969 - Led Zeppelin II
Enregistré principalement sur la route dans divers studios, "Led Zeppelin II", paru en 1969, a connu un succès commercial encore plus grand que le premier album.
Chaque chanson a été enregistrée, mixée et produite séparément dans divers studios au Royaume-Uni et en Amérique du Nord. L'album a donc littéralement été écrit en tournée, pendant des périodes de quelques heures entre les concerts: un studio avait été réservé et le processus d'enregistrement commençait, ce qui donnait nécessairement lieu à la spontanéité et à l'urgence, ce qui se reflète aussi parfaitement dans le son.
Les morceaux "Thank You", "The Lemon Song" et "Moby Dick" ont été 'overdubbés' pendant la tournée, tandis que les mixages de "Whole Lotta Love" et "Heartbreaker" ont également été réalisés en tournée.
La production de l'album est entièrement créditée à Page. Par ailleurs, Led Zeppelin fait appel pour la première fois aux compétences et aux techniques d'enregistrement de l'ingénieur du son Eddie Kramer, dont le travail avec Jimi Hendrix avait impressionné les membres du groupe, et en particulier Page.
"Led Zeppelin II" est sorti le 22 Octobre 1969 aux États-Unis et le 31 Octobre 1969 au Royaume-Uni sur Atlantic Records, avec 400 000 pré-commandes.
Commercialement, "Led Zeppelin II" est le premier album du groupe à atteindre la première place du classement Américain, éjectant pour l'occasion le dernier album des Beatles, "Abbey Road", et ce à deux reprises. En tout, l'album est resté sept semaines en première place.
L'album donne au groupe une notoriété faisant de lui le plus gros vendeur de disques du début de la décennie. Celui-ci poursuit et approfondit les thèmes des chansons repris sur le premier opus, paru au début de l'année 1969. Les pistes finies reflètent l'évolution du son du groupe et de ses performances live.
L'album témoigne de l'évolution de son style musical, avec des éléments de Blues et de Folk, des morceaux dérivés du Blues et un son basé sur les riffs de guitare, créant un son "lourd et dur, brutal et direct", qui sera très influent et fréquemment imité.
Six des neuf chansons ont été écrites par le groupe, tandis que les trois autres sont des réinterprétations de chansons de Chicago Blues par Willie Dixon et Howlin' Wolf. Plant a eu ses premiers crédits d'écriture sur "Led Zeppelin II"; il n'avait pas pu faire créditer ses contributions au processus d'écriture pour le premier album en raison d'un contrat antérieur avec CBS Records.
"Whole Lotta Love" est le plus grand succès commercial du groupe. En single, il est sorti en dehors du Royaume-Uni (le groupe ne sortira aucun single au Royaume-Uni au cours de sa carrière), et il a atteint la quatrième place du Billboard Hot 100 en Janvier 1970, après qu'Atlantic Records se fut opposé à la volonté du groupe en en sortant une version plus courte, et il s'est classé parmi les dix premiers sur plus d'une douzaine de marchés dans le monde. Le morceau fut construit autour d'un riff de Page à cinq notes. Certaines parties des paroles étaient directement tirées du morceau "You Need Love" de Willie Dixon, ce qui valut au groupe d'être poursuivi pour plagiat, avant de trouver un accord à l'amiable. Led Zeppelin a conclu un accord financier avec Dixon. Ce dernier a reversé l’argent à un programme fournissant des instruments de musique à des écoles. L'arrangement ressemble également au morceau des Small Faces "You Need Loving". Avec les pistes de base enregistrées sur la péniche de Page, la section centrale de la chanson contient une variété d'instruments et de voix superposés qui ont été mixés en live par Page et Kramer, en utilisant pleinement le panoramique stéréo et d'autres contrôles disponibles sur le bureau.
Le 10 Novembre 1969, l'album est certifié Or par la Recording Industry Association of America et en 1990, il est certifié 5 fois Platine reflétant l'expédition de cinq millions de copies.
Le 14 Novembre 1999, "Led Zeppelin II" s'était écoulé à douze millions d'exemplaires et avait été certifié 12 fois Platine par la RIAA. La réédition de 2014 de l'album lui a permis de réintégrer le Top 10 du Billboard en arrivant à la 9e place.
"Led Zeppelin II" est depuis considéré comme l'album de Heavy Metal par excellence.
Un MUST!
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1972 - War Heroes
Jimi Hendrix a laissé derrière lui plus d'inédits que n'importe quel autre artiste de Rock. Certains titres comme "Angel", "Izabella"ou "Drifting" sont, depuis, devenus des classiques tandis que d'autres auraient dû rester dans les coffres.
"War Heroes", paru en 1972, est l'une des rares compilations cohérentes d'inédits d'Hendrix, et a depuis été remplacé par "First Rays of the New Rising Sun" et "South Saturn Delta". Parmi les titres phares figurent "Beginning", "Highway Chile" et "Izabella", un morceau présenté pour la première fois dans une émission télévisée de Dick Cavett un an avant la mort d'Hendrix. Cependant, tous les morceaux ne sont pas forcément à la hauteur, comme l'absurde "Three Little Bears" et "Midnight", un instrumental plutôt indulgent.
Les fans à la recherche de quelques obscurités intéressantes doivent absolument se pencher dessus!.
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Play Deep (1985)
"Play Deep", le premier album de the Outfield, paru en 1985, contient quelques singles qui se sont bien installés sur les radios du milieu des années 80.
Guidés par la voix de Tony Lewis et la guitare de John Spinks, ils ont réussi à placer deux des meilleures chansons de l'album dans le Top 20 du Billboard.
"Your Love" s'est hissée jusqu'à la sixième place en Mars 1986, grâce au chant aigu de Lewis qui domine le début de la chanson et à un refrain harmonieux qui est excessivement doux et savant en matière de Rock. Quatre mois plus tard, "All the Love in the World" s'est classé au 19e rang des chansons Rock, avec un écho vocal efficace, mettant à nouveau en valeur la consonance douce du groupe, mélangée à un travail de guitare robuste.
Le matériel non exploré sonne tout aussi bien et est tout sauf du remplissage, en particulier les morceaux comme "Say It Isn't So" et "I Don't Need Her", ainsi que des chansons plus lentes comme "Everytime You Cry".
"Play Deep" est, en conséquence, un premier album digne de ce nom pour ce trio Britannique, mené par une nouvelle concoction vocale et guitaristique.
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2020 - Royal Tea
Eric Clapton étant l'une des principales influences de Joe Bonamassa, l'idée derrière "Royal Tea" est logique: il passe l'album 2020 à saluer le Blues Britannique. Cela peut sembler être une distinction sans différence, puisque Bonamassa n'a jamais hésité à faire des clins d'œil à Led Zeppelin sur ses albums, mais "Royal Tea" sonne effectivement bien différemment de ses autres albums studio.
En collaboration avec son producteur de longue date Kevin Shirley, le guitariste évoque l'esprit du Jeff Beck Group et de Free, en s'appuyant sur des riffs lourds, mais aussi en ouvrant les jams pour qu'il y ait des accents élastiques et soulful qui contribuent à donner à l'album un peu d'authenticité d'époque. Des touches de wah-wah sur "I Didn't Think She Would Do It" et l'atmosphère rampante à la Fleetwood Mac de "Beyond the Silence" évoquent l'époque de l'album Rock tout autant que le Stomp aux accords fuzz de la chanson titre et le riff-rocker inquiétant à la basse de "Lookout Man".
Bonamassa a de nombreuses occasions de montrer sa facilité à synthétiser différents guitaristes classiques, il y a un peu de Rory Gallagher et de Peter Green pour compenser ses 'claptonismes', mais le meilleur moment est "A Conversation with Alice", un morceau de Soul Pop où il canalise les meilleurs moments de Steve Marriott.
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2002 - A Few Degrees Warmer
Le guitariste Eric Steckel n'avait que 11 ans lorsque "A Few Degrees Warmer", sorti en 2002, a été enregistré, et il est sans aucun doute le joueur l'un des plus talentueux guitaristes jamais entendu à cet âge. Ce gamin joue avec un niveau d'habileté incroyable. La seule chose qui le trahit quelque peu, ce sont ses vocaux. quie sont typiques de ce que l'on attend d'un jeune.
Cet enregistrement live est un véritable régal du début à la fin, Eric reprenant plusieurs classiques intemporels du Blues de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughn, Freddie King, Elmore James, Robert Johnson et B.B. King. Toutes les œuvres de ces maîtres sont traitées avec beaucoup de soin, et tous seraient fiers d'entendre les interprétations d'Eric de leur musique.
Le disque contient trois compositions originales. "Jaywalkin'" est le plus créatif, et tous les trois sont bien joués, mais pour la plupart, ils n'innovent pas vraiment. Le gamin n'est pas encore un maître de la composition.
En attendant que sa voix et ses talents d'auteur mûrissent, l'écouter faire des reprises est très agréable. Le CD s'ouvre sur une réédition pleine d'entrain de l'instrumental "Rude Mood" de Stevie Ray Vaughn, puis sur "Red House". Ensuite, c'est un autre instrumental, cette fois "Hideaway" de Freddie King. C'est l'une des meilleures interprétations jamais entendue.
Après "Crossroads" et "The Sad Nite Owl" viennent deux chansons d'Eric, "Jaywalkin'" et "Where I Play My Blues", cette dernière étant un morceau de Blues lent basique avec de longs et énergiques passages à la guitare. Les choses se calment ensuite un peu pour une belle version de l'instrumental "Lenny" de Stevie Ray Vaughn, puis c'est le retour aux classiques pour "The Sky is Crying", avec encore une fois un jeu très passionné.
Les trois chansons qui clôturent le CD sont l'instrumental "Bad Dog Blues", un autre original de Steckel, suivi de "The Thrill is Gone" et "Steppin' Out". Le jeune Eric n'est manifestement pas intimidé par ses idoles et, bien qu'il ne puisse espérer égaler les capacités vocales de B.B. King, il rend justice à cette chanson sur le plan instrumental.
"A Few Degrees Warmer" est tout simplement un excellent CD de Blues live avec beaucoup de jeu de guitare foudroyant par un excellent guitariste qui rend hommage à ses mentors. L'album est recommandé vivement à tous les fans de guitare Blues...
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Head Down (2012)
L'album "Head Down" de Rival Sons, sorti en 2012, aurait pu être enregistré à n'importe quel moment au cours des 40 dernières années.
Cependant il y a beaucoup de choses à apprécier typiquement audacieux et sans fioritures. Les fans de Led Zeppelin ne trouveront rien de mieux que le fulgurant "Keep on Swinging" et le rauque "You Want To" pour faire le plein de riffs de classic Rock inspirés de Page et de Plant. Leurs tendances proggy se concrétisent également sur le tentaculaire "Manifest Destiny", une suite psychédélique en deux parties sur le massacre des Amérindiens, contenant un solo épique de quatre minutes de Scott Holiday.
Mais avec le producteur Dave Cobb à la barre, l'arrogance qui les caractérise s'accompagne désormais d'un sens de l'aventure. Sur "Wild Animal", le frontman Jay Buchanan atténue sa force de caractère sur un morceau étonnamment joyeux de Pop West Coast des années 60, de même que sur la ballade feutrée de "Jordan", une réflexion vulnérable sur la mort qui finit par se transformer en un final endiablé, "With a Little Help from My Friends". "All the Way", une histoire insolente chantée et parlée sur les exploits d'un homme à base de whisky, est soutenue par un groove Motown contagieux, tandis qu'il y a même une ballade Folk acoustique à la Tim Buckley avec le final "True", mené par un falsetto.
Bien que le groupe affirme que 'les choses ne sont plus ce qu'elles étaient', "Head Down" est aussi nerveux que Status Quo ("Until the Sun Comes" pourrait en fait être confondu avec le Rock à trois accords de Francis Rossi et compagnie).
Néanmoins, c'est un disque qui prouve que les Rival Sons font très bien ce qu'ils font...
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1965 - Pickin' And Fiddlin'
L'album "Pickin' And Fiddlin'" des Dillards, paru en 1965, a été enregistré à une époque où ils s'apprêtaient à dépasser les frontières du Bluegrass pour se tourner vers le Folk Rock et le Country Rock.
Il est donc un peu étrange que "Pickin' and Fiddlin'" (with Byron Berline) ne donne aucune indication sur les directions qu'ils étaient sur le point de prendre. Au lieu de cela, il s'agit d'un Bluegrass traditionnel, entièrement instrumental, avec le violon du jeune Byron Berline qui occupe une place prépondérante et donne aux arrangements une sensation différente des autres enregistrements que les Dillards ont fait en tant que groupe de Bluegrass.
C'est certainement bien joué, mais cela semble aussi un peu terne et peu imaginatif par rapport à leurs propres standards. Rodney Dillard a déclaré par la suite que ce disque avait été réalisé pour prouver à la communauté Folk / Bluegrass traditionnelle qu'ils étaient capables de jouer ce genre de musique correctement.
C'est ce qu'ils ont fait, mais ce n'est pas l'un des albums studio les plus intéressants du groupe.
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1970 - Led Zeppelin III
Dans les faits, "Led Zeppelin III", a été enregistré en trois endroits différents en Mai et Juin 1970, mais principalement à Headley Grange, un ancien hospice siutué à Headley dans l'est du comté d'Hampshire en Angleterre, une sorte de maison de campagne, en utilisant le studio mobile des Rolling Stones.
Comme cet endroit n'avait pas l'eau courante ni l'électricité, cela a encouragé un léger changement de direction musicale pour le groupe vers un accent sur les arrangements acoustiques. Page expliquera plus tard que la tranquillité de Bron-Yr-Aur contrastait fortement avec les tournées incessantes de 1969, affectant le ton général de l'écriture des chansons et la prédominance des guitares acoustiques.
Page et Plant y passèrent près d'un mois, composant de nombreuses nouvelles chansons, "Friends", "That's the Way" et "Bron-Y-Aur Stomp" qui figureront sur cet album mais aussi, "Over the Hills and Far Away", "The Crunge" qui seront reprises sur l'album "Houses of the Holy", "Bron-Yr-Aur" et "Down by the Seaside" sur l'album "Physical Graffiti" et "Poor Tom" qu'on trouvera sur l'album d'inédits "Coda". Le tout était enregistré sur un petit magnétophone à piles et retravaillé en studio plus tard.
L'album est produit par Page et Peter Grant en est, bien évidemment, le producteur exécutif, et il est conçu par Andy Johns et Terry Manning.
"Led Zeppelin III", sorti le 5 Octobre 1970, démontre que le groupe ne se résume pas à quelques riffs de guitares rageuses et à la voix agressive de Plant. La moitié du disque comporte des ballades Folk, parfois des reproductions de morceaux de Bert Jansch ou de Davey Graham qui utilisaient régulièrement des accords de guitare alternatifs, habitude que Page garde aussi avec les morceaux à tonalité plus Blues, souvent intégralement repris de classiques de John Lee Hooker, Leadbelly ou encore Robert Johnson, sans jamais citer ses sources.
En premier lieu, le style plus acoustique est fortement influencé par la musique folklorique et celtique et cela met en valeur la polyvalence du groupe. Pourtant, la richesse du son acoustique de l'album a d'abord reçu des réactions mitigées, les critiques et les fans s'étonnant de ce revirement par rapport aux arrangements principalement électriques des deux premiers albums, ce qui, par contrecoup, a alimenté l'hostilité du groupe à l'égard de la presse musicale.
La gamme d'instruments joués par le groupe s'est considérablement élargie sur cet album, Jones se révélant être un multi-instrumentiste de grand talent, jouant d'un large éventail de claviers et d'instruments à cordes, dont divers synthétiseurs, une mandoline et une contrebasse, en plus de sa guitare basse habituelle.
L'album montre une progression du Rock pur et dur vers le Folk et la musique acoustique. Si les influences du Hard Rock sont toujours présentes, comme sur "Immigrant Song", les chansons acoustiques comme "Gallows Pole" et "That's the Way" montrent que Led Zeppelin est capable de jouer différents styles avec succès. Le groupe a écrit la plupart des morceaux lui-même, mais comme pour les disques précédents, il a inclus deux chansons qui étaient des réinterprétations de travaux antérieurs: "Gallows Pole", basée sur une chanson folklorique Anglaise traditionnelle, par le biais du chanteur Américain Fred Gerlach, et "Hats Off to (Roy) Harper", une reprise d'une chanson Blues de Bukka White.
Avec "Led Zeppelin III", la dynamique d'écriture du groupe change également, passant de la domination de Page sur les deux premiers albums à une situation plus démocratique dans laquelle les quatre membres du groupe apportent leurs propres compositions et idées. Plant a écrit tous les textes, à l'exception de "Tangerine".
L'album est sorti aux États-Unis le 5 Octobre, puis au Royaume-Uni le 23 Octobre. Il fut immédiatement en tête des classements Britanniques et aux États-Unis, mais son séjour sera le plus court de leurs cinq premiers albums.
Au Royaume-Uni, il atteint la première place le 7 Novembre 1970 et reste dans le classement pendant 40 semaines. Aux États-Unis, il est entré dans le classement à la troisième place le 24 Octobre et a atteint la première place la semaine suivante. Il est resté dans le classement pendant 19 semaines et a été certifié Or le 8 Octobre 1970. Cependant, suite à l'accueil tiède, voire confus et parfois dédaigneux des critiques, les ventes se sont essoufflées après ce pic initial.
Malgré des critiques finalement majoritairement indifférentes et des ventes inférieures à celles des deux précédents albums, la réputation de "Led Zeppelin III" s'est redressée avec le temps. La RIAA a certifié l'album 2 fois Platine en 1990, et 6 fois Platine en 1999. La réédition de l'album en 2014 a permis à l'album de revenir dans le Top 10 du Billboard.
Au cours des années 1970, Led Zeppelin atteignit donc de nouveaux sommets en termes de succès commercial et critique, ce qui en fit l'un des groupes les plus influents de l'époque, éclipsant leurs réalisations antérieures. L'image du groupe change également, car les membres commencent à porter des vêtements élaborés et flamboyants, Page prenant la tête de l'apparence flamboyante en portant une tenue scintillante de lune et d'étoiles.
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 7 mai 2026 21:04, modifié 1 fois.
1972 - Hendrix in the West
"Hendrix in the West" est une collection d'excellents concerts de Jimi Hendrix entre 1968 et 1970. Trois concerts différents sont échantillonnés sur cet album Polydor / Reprise de 1972, l'un des rares albums officiels d'Hendrix après sa mort.
Les morceaux les plus marquants sont "Red House" et "Voodoo Chile" joués au San Diego Sports Arena, une excellente interprétation de "Blue Suede Shoes" au Berkeley Community Center, et le bref mais divertissant couplage de "God Save the Queen" et "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" à l'Isle of Wight.
N.B.: Noel Redding joue de la basse sur les trois chansons extraites du concert de San Diego et Billy Cox joue de la basse sur le reste des morceaux.
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 7 mai 2026 21:05, modifié 1 fois.
Merci pout tout ce travail "Al" ! Si je puis apporter mon minuscule grain de sable à l'édifice, (ce Led Zep III est un vrai bijou) voici la version d'origine de "Hats off to (Roy) Harper" par l'excellent Bukka White :
Merci pout tout ce travail "Al" ! Si je puis apporter mon minuscule grain de sable à l'édifice, (ce Led Zep III est un vrai bijou) voici la version d'origine de "Hats off to (Roy) Harper" par l'excellent Bukka White :
Bangin' (1986)
Bien que "Bangin'", sorti en 1986, ne soit pas été aussi énorme que le premier album de The Outfield, il s'agit d'une autre œuvre Pop tout à fait impeccable.
Le trio connaît les accroches et n'a jamais peur de les utiliser. On retrouve toujours la guitare précise et économique de John Spinks, dont les chansons sentimentales deviennent encore plus désespérées lorsqu'elles sont interprétées par le chanteur Tony Lewis.
La plupart des chansons sont des variations sur le thème classique de l'amour non partagé, et évitent ainsi la prétention des premiers Beatles. De plus, le chant passionné sur un jeu carré attire constamment l'auditeur à l'intérieur des chansons qui s'envolent. Et en fin de compte, ce sont toujours les chansons qui comptent.
"Bangin' on My Heart", "No Surrender", "Moving Target", "Main Attraction" et "Since You've Been Gone" sont de véritables coups de poing.
En fait, "Bangin'" conserve une qualité constante qui n'est réservée qu'à l'échelon supérieur du Rock.
The Outfield est une véritable (re)découverte, et cet album mérite l'attention de tous les fans de pop.
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2021 - Time Clocks
"Time Clocks" de Joe Bonamassa, paru en 2021, se dévoile lentement après le court instrumental atmosphérique "Pilgrimage", qui ouvre la voie à un album sombre et cinématographique. Pendant cette brève minute, Bonamassa joue une phrase grasse et mélodique qui ressemble étrangement à celle de David Gilmour, un ton et une esthétique qu'il retrouvera tout au long de "Time Clocks".
D'autres grands noms du Blues et du Rock classique sont évoqués sur l'album: le riff sinueux qui propulse "Notches" rappelle le Fleetwood Mac de l'ère Peter Green, Clapton rôde toujours au coin de la rue; mais à ce stade de sa carrière, Bonamassa est un styliste qui réunit des influences reconnaissables pour en faire quelque chose qui lui est propre.
Il s'oriente vers une introspection sombre, filtrant ses réflexions sur la vie et la société à travers le prisme de Pink Floyd. Le tempo majestueux, les chœurs et le riff en escalier en tonalité mineure rappellent Pink Floyd, mais il ajoute des fioritures dans ses arrangements et ses solos qui ramènent ces sons astraux directement sur terre.
Une grande partie de "Time Clocks" est décousue, six de ses dix chansons durent plus de six minutes, et une autre frôle cette durée, mais le fulgurant "Questions and Answers" montre que cette errance rend l'écoute plus intéressante que lorsque Bonamassa reste dans le droit chemin.
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2004 - High Action
Âgé de 14 ans, Eric Steckel, originaire d'Allentown en Pennsylvanie, joue du Blues depuis l'âge de neuf ans. Sa passion pour cette musique lui a permis de partager rapidement la scène avec de nombreux artistes de renommée nationale, notamment Bob Margolin, Debbie Davies, James Armstrong, Steve Guyger, Kenny Neal, Chris Beard, Tommy Castro, Joe Kubek, Solomon Burke et John Mayall.
Après avoir rencontré Mayall pour la première fois au Sarasota Blues Festival en 2003, Eric a rejoint John Mayall and The Bluesbreakers en 2004 lors de leur tournée Scandinave, entant que 'plus jeune personne jamais montée sur scène avec les Bluesbreakers'.
Avec un feeling et une capacité naturelle inexplicables pour quelqu'un d'aussi jeune, Eric livre une performance influencée par Freddy-B.B.-Albert King avec une intensité et une habileté qui démentent son âge.
"High Action", paru en 2004, est son premier album studio, accompagné de son groupe habituel: Steve Patterson (orgue Hammond), Nick Franclik (basse) et Wayne Smith (batterie).
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Great Western Valkyrie (2014)
Robin Everhart, le bassiste fondateur de Rival Sons, avait quitté le groupe à la fin du mois d'Octobre 2013, décidant que les rigueurs épuisantes de la tournée ne lui convenaient pas. Le groupe l'a remplacé par Dave Beste à temps pour enregistrer "Great Western Valkyrie", paru en 2014.
Le groupe a fait de nouveau appel au producteur Dave Cobb et il a enregistré dans son studio de Nashville. Rival Sons jouent toujours du Psyché, du Blues Rock et du Hard Rock de la fin des années 60 grâce au groove inébranlable du batteur Michael Miley et de Beste, un bassiste Rock beaucoup plus direct.
Ce qui est différent, c'est la façon dont le groupe combine ces sons, l'influence omniprésente des guitares et de la voix Zeppelinienne restant une source d'inspiration principale, mais aussi l'amour des Yardbirds de l'époque de Jimmy Page, de Nazz, des Doors et du Boogie du Status Quo classique.
Dans leurs compositions et leurs arrangements, ils recombinent leurs influences de manière parfois étonnante. Même les morceaux les plus vastes, orientés Psyché, contiennent d'excellents riffs, tandis que la plupart des Hard Rocks et des Boogies contiennent des accroches et de multiples textures.
"Great Western Valkyrie" continue de se délecter de rétro-Rock, mais il le fait avec des compositions, des arrangements et, surtout, du goût ajouté à la puissance de feu instrumentale...
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 7 mai 2026 21:07, modifié 1 fois.
