1968 Wheatstraw Suite
En 1968, alors que the Byrds faisaient des efforts courageux pour rapprocher le Rock et la musique Country, the Dillards essayaient de faire la même chose pour le Bluegrass et le Rock.
Il en résulte 13 excellents titres, mêlant actualité décontractée ("Hey Boys") et humour ("The Biggest Whatever"), chansons de cow-boy ("Single Saddle"), poésie tout simplement magnifique ("Lemon Chimes"), et quelques reprises inattendues ("The Biggest Whatever"), et quelques reprises inattendues ("I've Just Seen a Face", "Reason to Believe"), avec des arrangements qui exsudent une luxuriance délicate et feutrée ("Listen to the Sound") et un élément de Rock électrique (grâce à Joe Osborn à la basse électrique et Jim Gordon à la batterie) qui fonctionne parfaitement.
À bien des égards, "Wheatstraw Suite" est un album de fusion rural / rock plus raffiné que "Sweetheart of the Rodeo", le premier album des Flying Burrito Brothers, ou les albums des Beau Brummels à la même époque, et un élément absolument indispensable de toute collection de musique des années 60.
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1971 : Led Zeppelin IV
Led Zeppelin avait souhait" sortir son quatrième album sans titre ni information, en réponse à la presse musicale qui ne cessait de dire que le groupe n'était qu'un battage médiatique, mais le label voulait que la pochette comporte quelque chose, et lors de discussions, Page décida que l'album n'aurait pas de titre, hormis quatre symboles à l'intérieur de la pochette et sur le disque, chacun choisi par un membre du groupe.
Du fait de l'absence d'un titre officiel, Atlantic Records distribuera des reproductions des symboles de diverses tailles à la presse pour leurs articles. "Led Zeppelin IV" est finalement sorti le 8 Novembre 1971 et la pochette originale ne comprenait pas la moindre inscription, y compris sur la tranche et cette attitude anti-commerciale était à l'époque controversée, en particulier pour certains cadres d'Atlantic.
L'album est généralement appelé "Led Zeppelin IV". Les catalogues d'Atlantic Records ont employé les noms "Four Symbols" et "The Fourth Album", et il est parfois appelé "Sticks", "Man with Sticks", "Runes", "Four" ou "ZoSo".
L'album est sorti le 8 Novembre 1971. Certains textes sont inspirés du 'Seigneur des anneaux' de J. R. R. Tolkien et sont empreints d'occultisme. Contrairement aux deux albums précédents, le groupe a été rejoint par quelques musiciens invités, comme la chanteuse Sandy Denny sur "The Battle of Evermore", et le pianiste Ian Stewart sur "Rock and Roll".
Comme pour les albums précédents, la plupart des morceaux ont été écrits par le groupe, bien qu'il y ait une reprise, une réinterprétation Hard Rock de la chanson Blues de Memphis Minnie "When the Levee Breaks".
L'album est un succès commercial et critique et c'est l'un des albums les plus vendus aux États-Unis, tandis que les critiques le placent régulièrement en tête des listes des plus grands albums de tous les temps.
"Led Zeppelin IV" est entré dans les Charts Britanniques à la 10e place, passant à la première place la semaine suivante et il y restera pour un total de 90 semaines. Aux États-Unis, c'est l'album de Led Zeppelin qui s'est le mieux vendu, mais il n'a pas atteint la première place du Billboard, se classant à la deuxième place derrière "There's a Riot Goin' On" de Sly and the Family Stone et "Music" de Carole King.
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1975 - Crash Landing
Dans les années 70, les sorties posthumes de Jimi Hendrix ne manquaient pas. Reprise et d'autres labels savaient que les fans d'Hendrix étaient incroyablement loyaux et dévoués, et que les collectionneurs sérieux s'empareraient de n'importe quel LP d'Hendrix qui leur tomberait sous la main.
L'un de ces disques posthumes est "Crash Landing", que Reprise a assemblé en 1975. Les titres les plus connus de ce disque sont "Message to Love" et "With the Power", sur lesquels Hendrix est à la tête de son power trio Band of Gypsys. La reprise du célèbre "Stone Free" est également appréciable.
Mais malgré la présence de quelques perles, "Crash Landing" n'est pas indispensable; ce disque est strictement destiné aux collectionneurs, et ce sont eux qui voudront entendre des raretés comme l'instrumental psychédélique "Captain Coconut" et "Peace in Mississippi" qui est aussi un instrumental et qui est le morceau le plus Heavy de l'album.
En écoutant "Peace in Mississippi", il n'est pas difficile de comprendre pourquoi Hendrix avait été décrit parfois comme le premier artiste de Heavy Metal car il a certainement eu une influence majeure sur les groupes tels que Led Zeppelin, Black Sabbath, Budgie et Deep Purple.
Les personnes qui s'intéressent sérieusement à Hendrix trouveront que "Crash Landing" n'est pas un mauvais disque à avoir dans leur collection.
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Voices of Babylon (1989)
A cette époque, Le monde avait cessé de les écouter, mais les Outfield avaient pourtant continué à produire des disques de Pop bien carrés et brillants.
Même si le virtuose de l'accroche, John Spinks, essaie de faire en sorte que le contenu des paroles soit plus profond que le départ de Josie pour des vacances lointaines, tout ce qui compte, c'est que "Voices of Babylon", sorti en 1989, mette en valeur des harmonies pointues, des guitares crépitantes et le chant toujours remarquable de Tony Lewis.
Ainsi, The Outfield entre dans l'histoire comme un autre groupe de power pop brillant injustement ignoré et perdu à jamais...
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The Son Seals Blues Band (1973)
Le père Son Seals, Jim, était propriétaire d'un club et jouait de nombreux instruments. Batteur de Robert Nighthawk puis d'Earl Hooker dès l'adolescence, Son Seals accompagna ensuite Albert King qui restera une influence majeure pour lui avec les guitaristes du West Side Sound.
En parrallèle, il avait monté son propre groupe et s'était installe à Chicago en 1971 à la mort de son père. Dans un club du South Side, il avait été découvert par Bruce Iglauer qui lui proposa d'enregistrer son premier disque pour son label Alligator.
"The Son Seals Blues Band" est un disque puissant de Chicago Blues avec déjà quelques belles compositions comme "Sitting at my window", "Your love is like a cancer", "How could she leave me" ou l'instrumental "Hot sauce".
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2006 Havanna
The Eric Steckel Band est un groupe de Blues à guitares originaire de Jacksonville, en Floride. "Havana" est un album, paru en 2006, qui comprend 11 titres enregistrés en live au club Havana en Pennsylvanie.
A première vue, il est facile de dire que la chose la plus remarquable à propos de ce groupe est que le guitariste Eric Steckel n'a que 16 ans, mais une fois qu'on commence à l'écouter jouer, on se rend compte que la chose la plus remarquable à propos du groupe est le jeu de guitare d'Eric. Son jeu fait mentir son âge, avec une maturité et un feeling qui transparaissent sur chaque morceau.
Eric et son groupe jouent un Blues Rock avec un style qui leur est propre, tout en faisant allusion à ses influences telles que B.B., Albert et Freddie King. Son interprétation de classiques comme "The Thrill Is Gone" et "Little Wing" est fraîche et unique, et les morceaux originaux montrent comment Eric s'inspire de ses influences pour créer quelque chose de nouveau.
Dans l'ensemble, "Havana" est un album très solide qui met en évidence le talent de guitariste d'Eric.
Le seul bémol, c'est la voix, qui ne semble pas très soignée. Cependant, à 16 ans, Eric a tout le temps de développer un style vocal unique en plus de son excellent jeu de guitare, et les voix sont suffisamment bonnes pour ne pas gâcher l'expérience. Il sera intéressant de voir comment Eric et son groupe évolueront au cours des prochaines années.
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Hollow Bones (2016)
Avec l'album "Hollow Bones", sorti en 2016,, les Rival Sons consolident leur réputation bien méritée de groupe de Blues et de Rock à la sonorité lourde, capable de déménager en quelques notes, mais qui n'a pas peur de ralentir le tempo et de se plonger à fond dans le groove. Les comparaisons avec Humble Pie sont pertinentes, ainsi qu'avec Led Zeppelin, bien sûr. Enregistré en quelques semaines, Rival Sons a fait équipe avec le producteur Dave Cobb, pour sortir leur meilleur album à ce jour.
Il s'agit d'un Rock classique à base de guitares, agrémenté d'influences Soul, Funk et Blues. La voix de Jay Buchanan est toujours aussi bonne. Avec Scott Holiday à la guitare, Dave Beste à la basse et Michael Miley à la batterie, Rival Sons est un groupe qui retient l'attention.
"Hollow Bones Pt.1" plonge l'auditeur dans Rock City en pleine émeute. "Tied Up" suit, ralentissant le tempo mais maintenant la pression. Vient ensuite "Thundering Voices" dans lequel le riff central est impitoyable. "Baby Boy" suit, avec un refrain qui doit fonctionner à merveille sur scène. "Pretty Face" est une complainte mid-tempo sur l'amour qui a mal tourné, la blessure étant pansée par un autre gros riff et quelques octaves descendantes pour apaiser la douleur. Ce morceau prépare le terrain pour " Fade Out ", qui rapproche les lamentations du centre de l'enfer. Dans ce qui semble être une décision pour permettre de reprendre son souffle après le chaos de "Fade Out", le Blues / Funk de "Black Coffee" est un morceau qui s'éloigne du reste, mais qui n'est pas du tout déplacé dans cette collection. C'est une reprise avec le son lourd et l'assurance vocale habituels.
L'album se termine par la ballade acoustique "All That I Want" qui est un morceau solide et doux, mais la véritable finalité sonore de cette collection vient juste avant avec "Hollow Bones Pt. 2". C'est un adieu épique et menaçant qui promet que, même si cet album se termine, Rival Sons est loin d'en avoir fini.
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1970 Copperfields
L'album "Copperfields" des Dillards, paru en 1970, avec des arrangements influencés par le Rock, n'est pas aussi révolutionnaire que "Wheatstraw Suite" de 1968)et il s'éloigne encore plus de leurs racines Bluegrass.
Cependant, c'est un album tout aussi éclectique et, pour l'essentiel, joyeux, qui fusionne le Bluegrass, le Rock, le Folk et la Country, avec un peu de Pop et d'orchestration en cours de route, les superbes harmonies vocales du groupe étant la principale constante.
"Touch Her If You Can" est le morceau le plus Pop et le plus orchestré, et il fonctionne très bien, avec sa mélodie douloureusement triste. Leur arrangement a cappella inhabituel de "Yesterday" des Beatles attire l'attention, et "Brother John" est un autre détour et point fort simultané, avec ses rythmes jazzy influencés par Dave Brubeck et son jeu de guitare qui rappelle l'ère psychédélique des Byrds. D'autres morceaux, comme le Bluegrass "Old Man at the Mill" et "Close the Door Lightly" d'Eric Andersen, sont plus proches du mode Country Rock standard, mais ils sont également bons, les musiciens apportant soin et créativité à la production tout au long du disque.
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1973 : Houses of the Holy
"Houses of the Holy", sorti le 28 Mars 1973 est le premier album de Led Zeppelin à avoir un titre, mais comme le précédent, ni le nom du groupe ni le titre de l'album ne sont imprimés sur la pochette. Celui-ci marque, une fois de plus, une nouvelle orientation musicale du groupe, empreinte de Funk voire de Reggae et les fans ont été un peu désorientés par cette nouvelle sonorité.
A noter que l'album a bénéficié de l'installation de studios à domicile par deux membres du groupe, Page et Jones, ce qui leur a permis de développer des chansons et des arrangements plus sophistiqués et d'élargir leur style musical et d'emmener le studio mobile à Stargroves, un manoir situé à East Woodhay dans le Hampshire avec des compositions et des arrangements complets. Le manoir et son domaine appartenaient à cette époque au chanteur des Rolling Stones, Mick Jagger.
Certaines chansons de l'album avaient déjà été essayées lors de sessions antérieures, comme "No Quarter", qui avait été tentée pour la première fois lors d'une session au domaine de Headley Grange, dans l'Est du Hampshire.
Seuls, "The Crunge", enregistré à Headley Grange et "No Quarter" enregistré aux Island Studios ne proviennent pas des sessions de Stargroves.
"Houses of the Holy" présente de nouvelles expérimentations du groupe qui utilise davantage les synthétiseurs et l'orchestration au mellotron. Il a marqué un tournant stylistique pour le groupe. La composition et la production ont posé les bases des sorties ultérieures. L'album abandonne en grande partie la distorsion Blues Rock sombre et pesante de leur musique précédente en faveur d'un son Rock propre et expansif, comme en témoigne le son de guitare plus vif et plus brillant de Page. C'est aussi probablement le plus éclectique musicalement de leurs albums.
"Houses of the Holy" a atteint les sommets des Charts dans le monde entier. Pour le public, l'album est un succès, se classant à la première place des Charts en Australie, États-Unis, Canada et Grande-Bretagne. En France, il se classe à la 3e place des ventes de disques et sera certifié double disque d'Or pour plus de 200 000 albums vendus.
L'album est indéniablement un succès commercial et il a passé 39 semaines dans le Billboard 200 des albums, dont deux semaines à la première place (leur plus long passage depuis "Led Zeppelin III").
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1975 Midnight Lightning
Sur "Midnight Lightning" de Jimi Hendrix, sorti en 1975, le riff d'ouverture de "Foxey Lady" sert de base à l'instrumental "Trash Man", et aucune dénaturation ne peut priver le guitariste génial de son héritage.
La chanson titre, comme sept des huit interprétations de ce disque, est jouée par Alan Schwartzberg à la batterie, ce qui est loin de son travail avec Carole Bayer Sager. Mitch Mitchell n'apparaît que sur le classique blues d'Hendrix "Hear My Train", Schwartzberg ajoutant des shakers. Bob Babbit est le "bassiste désigné" sur l'ensemble du projet, et Jeff Mironov partage les fonctions de guitariste avec Lance Quinn. Il ne s'agit pas d'une erreur d'impression.
Heureusement, les guitaristes supplémentaires sont quelque peu invisibles. Ce que ces enregistrements font effectivement, c'est offrir au monde une comparaison entre ce que fait la succession officielle d'Hendrix et ce que Douglas a fait. La succession Hendrix a gagné cette bataille, Eddie Kramer et John McDermott ont restauré soigneusement toutes les bandes maîtresses de Jimi Hendrix, et ils l'ont fait correctement.
Des disques comme "Midnight Lightning" montrent comment l'héritage d'un grand artiste peut passer entre différentes mains et quelles sont les conséquences artistiques de bandes qui voyagent comme si elles étaient toutes seules.
Le titre de l'album est excellent et il va très bien avec la peinture de la pochette.
C'est un disque très agréable qui fournit un regard crucial sur Hendrix. C'est formidable d'avoir la succession officielle d'Hendrix avec Janie Hendrix, John McDermott et Eddie Kramer qui font cela correctement, mais cette version de "Gypsy Boy (New Rising Sun)", l'inclusion de "Beginnings" de Mitch Mitchell, un autre "Machine Gun", et "Blue Suede Shoes" existent, et sont donc des ajouts importants aux archives d'Hendrix...
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Diamond Days (1990)
Après l'album "Voices of Babylon", le batteur Alan Jackman s'est séparé d'Outfield, qui a alors sorti, zn 1990, "Diamond Days" en duo.
Bien que la meilleure chanson de l'album, "For You", ait atteint la 21e place, c'est vraiment le seul point positif, le reste de l'album souffrant d'harmonies molles et d'un manque d'énergie Pop qui circulait également dans leurs précédents albums.
Tony Lewis et John Spinks ne parviennent pas à raviver l'avidité qui prévalait sur des titres comme "Your Love" ou "Since You've Been Gone", sonnant comme un tandem sans direction. La voix de Lewis et la guitare de Spinks sont absentes, remplacées par des efforts plutôt minables comme "Magic Seed" et "After the Storm". "John Lennon" montre un soupçon de promesse, mais n'arrive pas à décoller pour s'envoler.
Avec "Diamond Days", the Outfield a tenté d'atténuer son enthousiasme Pop afin de plaire à un public un peu plus âgé, mais il semble que cette voie ait affecté à la fois sa véhémence en tant que groupe Pop et sa force d'écriture...
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Midnight Son (1976)
Co-produit par Bruce Iglauer, Richard Mac Leese et Son Seals lui-même, l'album "Midnight Son", paru en 1976, se montre encore plus abouti que le précédent.
Enregistré aux Curtom Studios, il place Son Seals à la tête d'un superbe groupe agrémenté d'une section cuivres. On peut retenir dans cette intense tracklist les excellents "I believe", "No no baby", "Don' bother me", "On my knees", "Don't fool with my baby" et "Going back home"...
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2008 Feels Like Home
"Feels Like Home", paru en 2008, est le quatrième album studio du jeune Eric Steckel.
Sa voix a enfin gagné en volume, son jeu de guitare était déjà inhabituellement bon pour son âge, mais sa voix était vraiment agaçante et ne correspondait pas vraiment au Blues qu'il joue.
C'est maintenant un peu différent et cela s'annonçait déjà sur l'album précédent "Havana". Sur cet album, sa voix est parfois très tendue, le garçon essaie de sonner comme un vieux, mais il n'y parvient pas toujours. Il est quand même sur la bonne voie.
Cet album est absolument recommandé!
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Feral Roots (2019)
Sur "Feral Roots" de Rival Sons, sorti en 2019, le groupe est à son apogée et ce qui frappe, c'est son son. La production est au top, tous les instruments sont au bon endroit et, surtout, ça respire...
Le talent du chanteur, Jay Buchanan est incroyable. Loin, très loin du timbre de Robert Plant, Jay offre tout un panel d'émotions et de puissances vocales.La basse et la batterie ne sont pas en reste, cette dernière vibre et sonne tellement bien... Rien à redire non plus côté guitare, c'est tout simplement parfait!
On trouve de superbes compositions: En effet, après la Pop Zeppelinienne de "Do Your Worst" et la sympathique "Sugar On The Bone", les influences fusent: un peu de Led Zep par-ci, du Deep Purple par-là, une pointe de Black Sabbath par moment... Mais on n'est jamais dans le plagiat pur, ni dans une simple copie.
Pour le reste, c'est du tout bon! Le vieux Rock "Stand By Me", l'original "The End Of Forever" ou le fabuleux Gospel final "Shooting Stars"!
Rival Sons offrent des petits bijoux de Hard Rock des annérs 70 modernisés par leurs soins! Mention spéciale pour les refrains, toujours réussis: "Back In The Woods", "Feral Roots" et, surtout, "Imperial Joy". Le groupe a le don de transporter l'auditeur dans des ambiances toutes réussies, qu'elles soient bucoliques, épiques ou pleines d'émotions en tout genre...
Rival Sons prend le meilleur du passé mais décide d'aller vers l'avenir avec, c'est beau!
Pour les fans de Rock, il serait bien dommage de passer à côté de cet album et de ce groupe, qui pourrait bien grossir et devenir une référence du genre!
Modifié en dernier par alcat01 le ven. 8 mai 2026 17:04, modifié 1 fois.
1972 Roots And Branches
"Roots and Branches" des Dillards, paru en 1972, est leur plus grand succès, et leur seul LP à atteindre les classements d'albums, où il s'est classé en 79e position.
Cependant, il n'est pas aussi satisfaisant musicalement que les albums Elektra de la fin des années 60 et du début des années 70, en partie parce que Herb Pedersen a été remplacé par Billy Ray Latham, mais surtout parce que le groupe s'est orienté vers un son Rock beaucoup plus grand public.
C'est toujours assez "countrifié", et "Redbone Bound" ne semble pas trop éloigné de l'aspect légèrement country-rockifié de certains de leurs travaux sur Elektra. Certaines des autres chansons sont correctes mais peu remarquables, du Rock décontracté du début des années 70, de la Californie du Sud, bien qu'elles ne soient pas aussi commerciales que leurs plus grands concurrents dans cette catégorie.
La tentative d'obtenir un peu de Blues sur "Get Out on the Road" semble forcée, et parfois l'ambiance est un peu inférieure à celle des Eagles, bien qu'il soit important de se rappeler que le genre d'harmonies que les Eagles faisaient a été inauguré par les Dillards eux-mêmes dans leurs années Elektra. "Sunny Day", avec ses doux accents Bluegrass et ses harmonies et voix aiguës chantantes, presque à la Beach Boys, est à peu près la meilleure tentative de jeter un pont vers le public Rock.
Malgré tout, la meilleure partie de l'album est l'harmonisation appalachienne a cappella de "Man of Constant Sorrow"...
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1975 - Physical Graffiti
À l'origine, le double album "Physical Graffiti" de 1975 de Led Zeppelin est sorti avec une pochette découpée à l'emporte-pièce représentant un immeuble d'habitation de New York, à travers les fenêtres duquel on pouvait voir diverses icônes culturelles de manière interchangeable.
Les deux bâtiments de cinq étages photographiés pour la couverture de l'album sont situés au 96 et 98 St. Mark's Place à New York. La photographie originale a dû subir un certain nombre de retouches pour aboutir à l'image finale. Le quatrième étage de l'immeuble a dû être recadré pour s'adapter au format carré de la pochette de l'album.
L'album a été un succès commercial et critique, ayant fait l'objet d'une énorme commande à l'avance suite au report de la date de sortie, et lorsqu'il est finalement sorti, il a atteint la première place dans les Charts Britanniques. Aux États-Unis, il a débuté à la troisième place du Billboard Pop Albums Chart, avant de se hisser à la première place la semaine suivante et d'y rester pendant six semaines.
Véritablement encensé par les critiques, l'album est numéro 1 dans le classement du Billboard 200 Américain et a également prouvé qu'il était l'un des plus populaires réalisé par le groupe. L'album se vend à plus de 16 millions d'exemplaires rien qu'aux États-Unis.
"Physical Graffiti" a été le premier album à devenir Platine uniquement grâce aux commandes anticipées.
Fait unique, le 29 Mars 1975, Led Zeppelin devient le seul groupe de l’histoire à avoir six albums classés en même temps dans le Billboard Américain: En effet, peu après la sortie du nouvel opus, tous les albums de Led Zeppelin entreront dans les charts des 200 meilleurs albums. Dans l'ordre, "Physical Graffiti", "Led Zeppelin IV", "Houses of the Holy", "Led Zeppelin II", "Led Zeppelin" et "Led Zeppelin III".
"Physical Graffiti" a été certifié 16 fois Platine aux États-Unis par la Recording Industry Association of America (RIAA) en 2006, ce qui signifie qu'il a été vendu à plus de huit millions d'exemplaires.
"Physical Graffiti" étant constitué de diverses chutes d'albums précédents, il ne restait pas grand-chose des sessions d'enregistrement qui n'ait été publié. Un premier arrangement de "Custard Pie", différent de la version finale, fut retravaillé en tant que "Hots on For Nowhere" sur l'album suivant, "Presence". Un certain nombre d'autres chutes de sessions d'albums antérieures qui n'avaient pas été mises sur "Physical Graffiti" ont été incluses plus tard sur l'album "Coda" de 1982.
En 1976, l'album a été nominé pour un Grammy Award dans la catégorie du meilleur emballage d'album.
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1980 - Nine to the Universe
"Nine to the Universe", paru en 1980, est un autre album posthume dans la discographie de Jimi Hendrix avec Alan Douglas comme producteur. Cette fois-ci, on n'entend que la guitare d'Hendrix (à l'exception du chant sur le premier morceau) et divers musiciens, dont Miles Davis, qui ont participé à une jam session.
L'album est différent de ce qui s'était fait jusqu'à présent, car le climat est plus proche du Jazz que du Rock et du Blues dont Hendrix était connu.
Il avait indigné, menacé, séduit, évoqué une génération. En trois ans. Il avait fait Monterey, Woodstock, l'île de Wight, Johnny Carson. Et en passant du statut de musicien à celui de divinité de la Pop, il se sentait de plus en plus limité. Il n'en pouvait plus de "Foxy Lady".
C'est ainsi qu'il s'étaitt retrouvé sur une scène très différente en 1969, dans un club de Jazz chic du West End de Londres, le Ronnie Scott's. Connu comme le lieu du Jazz à Londres par ceux qui ont l'argent pour y entrer, le Ronnie Scott's était à plusieurs reprises à l'écart du circuit que le guitariste Rock avait entamé trois ans plus tôt dans la rue de Soho, sous la pluie.
Hendrix avait choisi le compagnon de route idéal pour exprimer clairement son intérêt croissant pour le Jazz : Rahsaan Roland Kirk qui pouvait jouer de trois instruments à la fois, était tout aussi novateur dans son domaine qu'Hendrix l'était dans le sien. Ils s'entendaient bien.
Les étincelles de la Fusion crépitaient déjà dans l'usine de disques. John McLaughlin, qui s'était mis à la guitare électrique, passait souvent pour échanger des notes avec Hendrix. Larry Young et Tony Williams sont des invités fréquents. Miles Davis, dont la musique a guidé tous ces musiciens était un visiteur important.
Les cinq interprétations du disque sont le résultat d'un enregistrement sans pression, presque à tête reposée, réalisé au cours de l'année 1969. Si elles semblent non répétées, c'est parce qu'elles le sont. La musique de cet album n'a jamais été destinée à être publiée; ce que l'on y entend, c'est Hendrix qui s'amuse, le maître qui joue. Il y a beaucoup de concessions mutuelles, Hendrix se détend et joue avec les musiciens qui l'entourent, au lieu de jouer devant eux. Miles, Cox, le guitariste Jim McCartey et en particulier le regretté Larry Young prennent efficacement le relais d'Hendrix et, dans les meilleurs échanges, lui rendent la pareille, lui donnant des idées avec autant de générosité et d'assurance qu'il leur en donne.
La perfection n'est pas le but, c'est le jeu qui l'est. Ces morceaux ont été compilés à partir de jams qui ont duré jusqu'à 30 minutes. Il n'y a eu aucune tentative de rendre les montages aussi "lisses" que possible; le seul objectif est de révéler Hendrix dans sa plus grande liberté, dans sa plus grande fraîcheur. Son jeu de guitare devient parfois si complet, si large dans sa portée et sa couleur, qu'il sonne comme un big band entier.
Alan Douglas souligne la "liberté" et la "générosité" dont Hendrix fait preuve lors de ces concerts. Il va même jusqu'à qualifier le jeu d'Hendrix de "sans ego", une déclaration assez surprenante à propos d'un musicien perçu dans le monde entier comme l'Everest des instrumentistes de Rock.
Les enregistrements prévus avec Kirk, Gil Evans et d'autres sommités du Jazz laissent entrevoir une musique d'Hendrix encore plus imaginative, une musique sur laquelle, malheureusement, on ne peut que spéculer...
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Rockeye (1992)
The Outfield a été un grand groupe de Power Pop dont la grosse production des années 80 était l'antithèse de ce que les fans de Power Pop voulaient.
La fusion de mélodies à la Dwight Twilley avec la grandiloquence de Journey était intrigante sur le moment, mais ne permet pas de retrouver l'éclat du groupe des années plus tard. "Rockeye", sorti en 1992, est toujours très agréable à écouter, le trio s'étant réduit à un duo, les 11 nouvelles compositions de John Spinks ne comportent qu'une seule coécriture de Tony Lewis, et le matériel est toujours de la Pop de première qualité, pleine d'accroches. Ils n'innovent pas avec "Winning It All" ou "Closer to You", et le son est interchangeable avec certains de leurs travaux précédents, "The Way It Should Be" dans la même veine, tandis que "Under a Stone" ressemble à une version britannique de The Cars avec Dave Fitzgerald au saxophone.
Cela semble être un mariage impie sur le papier, mais l'album est plaisant et fonctionne à plusieurs niveaux. "Young Love" semble être redondant, mais il se transforme au bon moment pour se sauver. Le guitariste de Ten Years After, Alvin Lee, apparaît pour assurer le solo de "Jane". Alvin est un atout supplémentaire pour ce qui est le morceau le plus 'New Wavey' du disque, le genre de chose qui rend un groupe très branché. Le solo de Lee est néo-métallique, un contraste agréable avec la sensibilité Rock moderne présente partout ailleurs sur le morceau.
"Rockeye" semble être un album oublié du Rock des années 80, mais il mérite un meilleur sort, malgré la similitude de titres comme "Take Me Home" et "Tonight You're Home", le chant de Tony Lewis est ce qui donne au groupe l'étiquette de "Rock Progressif"; il pourrait pesque remplacer Jon Anderson chez Yes.
Il n'y a pas un seul mauvais morceau car il y a suffisamment de substance pour demander plus d'attention pour ce travail souvent négligé, un jour ou l'autre...
Modifié en dernier par alcat01 le ven. 8 mai 2026 17:06, modifié 1 fois.
