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1981 - Honky
L'album "Honky", enregistré pour le label italien Bubble et sorti en 1981, est probablement le plus éclectique de Keith Emerson, avec un certain sens de l'humour.
Le meddley d'ouverture de "Hello Sailor" d'Emerson et de "Bach Before the Mast" de George Malcolm, aux accents baroques, offre un contraste saisissant, passant d'un chant marin feutré à un piano solo endiablé, pour finalement se transformer en une véritable envolée Rock avec une touche caribéenne.
Il s'aventure dans le Jazz en jouant du piano honky tonk et du synthétiseur sur "Barrelhouse Shakedown" de Billy Taylor, tandis que Frank Scully joue de divers instruments de percussion, y compris des ustensiles de cuisine.
La chanson "Yancey Special" de Meade "Lux" Lewis, le grand du Boogie Woogie, est également jouée au piano honky tonk, mais avec une saveur plus antillaise. Et "Rum-a-Ting" est un morceau qui fait taper du pied et qui s'avère plutôt entraînant.
Emerson était manifestement d'humeur badine pendant ces sessions, lançant une pseudo-diffusion de bribes de vieux standards, entrecoupée de commentaires et de voix légères, au début de la deuxième face, et remplissant la pochette de l'album de diverses photographies amusantes de lui-même.
Ce disque est peut-être un peu trop diversifié pour les fans d'Emerson, Lake & Palmer, mais son attitude décontractée et insouciante est néanmoins assez séduisante.

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1967 - Two for the Price of One
Bien que les deux artistes Larry Williams et Johnny Watson soient généralement identifiés à des styles des années 1950, l'album "Two for the Price of One", sorti en 1967, est un excellent album négligé de Soul entraînante de la fin des années 1960.
Les deux chanteurs sont en pleine possession de leurs moyens sur un ensemble de morceaux solides qui n'ont rien à envier aux efforts de Soul urbaine de Chicago et de Détroit de l'époque.
La réédition CD ajoute deux titres bonus significatifs de leur single de 1967 avec Kaleidoscope, "Nobody" et "Find Yourself Someone to Love", bien que la présence du groupe, même s'il est crédité, ne soit pas évidente sur la face B.

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1980 - Speed Queen
Le groupe Francais Speed Queen s’est créé en 1977 sous le nom de Black Rats et très vite l’alchimie avait opèré entre les musiciens avec Stewie et sa voix cassée qui se révèle parfaite pour jouer du Rock!
Le groupe a composé une dizaine de titres et fait la première partie de Scorpions à Strasbourg en 1978 avant de participer à la compilation "Rock D’ici Vol.2" sur le label Crypto avec deux morceaux "Be Bad Man" et "One of these Days".
Le label les a signé pour un premier album éponyme qui fut enregistré au Château d’Hérouville en neuf jours, mixage compris, et il est sorti en Janvier 1980.
Le groupe est alors composé de Stewie (Martine Hammerer) au chant, Agnain Martin et Joël Montemagni aux guitares, Terry Smajda à la basse et Speedy à la batterie. Chanté en Anglais, chaque titre est composé par Stewie et un des musiciens, trois pour Joël Montemagni, trois pour Agnain Martin, un pour Terry Smajda et un pour le batteur Speedy.
L’album ne contient donc que huit titres avec une durée d’à peine 30 minutes et on peut se demander pourquoi le groupe n’a pas intégrer les deux morceaux issus de la compilation!
C’est un bon groupe de Hard Rock’n’Roll, musicalement le groupe est bien plus proche de l’Australie que de Strasbourg, ça swingue dés le premier titre avec "Lucifer’s daughter" et ça monte en température avec "Mister lee" avec une rythmique bien inspiré d’Angus Young. Les guitaristes sont plutôt bons et il y a du Rythm’n’Blues dans l’air.
ce premier Speed Queen fait vraiment partie des meilleurs albums Français de Rock des années 80 et Stewie avait vraiment toutes les qualités pour devenir une très grande chanteuse de rock!
Bref, c'est un album qui a très bien vieilli et qui s’écoute toujours avec autant de plaisir.

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Orange Blossom Special - 1965
Même si les meilleures et les plus populaires chansons de l'album "Orange Blossom Special" de Johnny Cash de 1965 sont celles qui figurent le plus souvent sur les compilations des meilleurs titres ("The Long Black Veil", "Orange Blossom Special", "It Ain't Me Babe"), il s'agit certainement de l'un de ses meilleurs albums qui n'est pas un best-seller.
Il a une importance historique pour l'inclusion de trois reprises de Bob Dylan, à une époque où Dylan commençait tout juste à être repris par des musiciens Pop, et pas rarement par des musiciens Country.
"It Ain't Me Babe", chantée en duo par June Carter, est la plus remarquable d'entre elles, même si, en l'écoutant aujourd'hui, certains peuvent être déconcertés par les cuivres de mariachi. Il en va de même pour "Mama, You Been on My Mind" que Dylan lui-même n'avait pas encore sorti lorsque Cash l'a enregistré, où il est surprenant d'entendre le saxophone de Boots Randolph se faire entendre. "The Long Black Veil", cependant, est un classique sans âge, et la chanson-titre est l'une de ses meilleures chansons à propos de train.
Le reste de l'album est respectable et varié, sans être exceptionnel, et comprend l'austère original de Cash "You Wild Colorado", plus de chants en duo de Carter sur la reprise de Johnny Horton "When It's Springtime in Alaska", une interprétation sautillante de "Wildwood Flower" de la Carter Family, le spiritual "Amen" et, avec moins de succès, une lecture sentimentale de "Danny Boy".

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1979 - Bayou Lightning
Après sa participation sensationnelle à "Living Chicago Blues", Lonnie Brooks débute une collaboration fructueuse avec Alligator.
Pour ce label, il met au point un superbe mélange de Chicago Blues et de Swamp Blues. Son premier album pour Alligator, "Bayou Lightning" paru en 1979 et produit par Lonnie Brooks et Bruce Iglauer, développe ses qualités déjà vues dans ses enregistrements précédents: finesse de l'interprétation, compositions personnelles accrocheuses, musiciens remarquables.
Parmi ses compositions, il faut écouter "Voodoo daddy", "Figure head", "Watchdog", "Watch what you got" et "You know what my body needs". Enfin, on trouve aussi des reprises convaincantes de "In the dark" et "Alimony".
L'album connut un beau succès public et permit à Lonnie de tourner aux Etats Unis et en Europe.

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1978 :Peter Gabriel (2)
Peter Gabriel produit par Robert Fripp est uneassociation qui semble idéale. Malheureusement, le deuxième album de Peter Gabriel, éponyme comme le premier, ne répond pas à ces attentes grandioses, même s'il semble le faire au début.
"On the Air" et "D.I.Y." sont d'étonnantes tranches de Rock moderne datant de 1978, bouillonnantes de synthés, de rythmes insistants, de guitares traitées et polies, le tout enfermé dans une production épurée qui sonne pourtant comme un grand stade.
Puis les choses commencent à dériver, d'abord de manière agréable ("A Wonderful Day in a One-Way World" est étonnamment agile), mais à la fin, tout cela semble un peu informe. Ce n'est pas que la musique soit trop difficile, c'est que le disque n'est pas concentré. Il y a de bons moments éparpillés, mais il ne captive jamais, que ce soit par sa créativité enivrante et désordonnée ou par sa cohésion.
Certaines chansons fonctionnent bien par elles-mêmes, mais pour tous les morceaux qui fonctionnent, ils ne fonctionnent jamais bien ensemble. Ironiquement, l'album tient un peu mieux la route que son prédécesseur, mais il n'atteint jamais les sommets brillants de ce dernier.
En bref, il s'agit d'un album de transition qui mérite le temps des auditeurs sérieux, même s'il reste quelque peu insatisfaisant.

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1981 - October
U2 avait l'air si confiant et assuré sur son premier album qu'il était peut-être inévitable qu'il ne trébuche un peu sur son successeur, "October".
Le disque n'est pas plus faible que son prédécesseur parce qu'il répète la même formule de "Boy". C'est surtout parce que le groupe essaie trop fort d'aller de l'avant. Bono, en particulier, essaie trop de faire de grandes déclarations politiques, émotionnelles et religieuses, mais le reste du groupe n'est pas innocent.
En général, la musique est trop pompeuse, le son prenant le pas sur les chansons. Mais lorsque U2 réussit à marier le message, la mélodie et le son, le résultat est vraiment intéressant.

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1986 - Emerson, Lake and Powell
"Emerson, Lake and Powell" est un album plutôt courageux compte tenu de la période à laquelle il a été réalisé.
Il y a plus d'énergie et de détermination que sur n'importe quel album d'Emeson, Lake and Palmer postérieur à "Works", ce qui le rend intéressant pour les fans, bien qu'il ne fasse pas non plus de nouveaux convertis.
Une bizarrerie est que Emerson, Lake & Powell reprennent "Mars, The Bringer of War" de "The Planets" de Holst, un morceau que King Crimson avait introduit pour la première fois en tant qu'adaptation Rock lorsque Lake en était membre lors d'une tournée en 1969.

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1973 - Listen
Après une absence de quelques années, Johnny "Guitar" Watson revient avec l'album "Listen" pour Fantasy avec un nouveau son plus orienté vers une Soul très mélodique.
Bien qu'il ait quitté le Blues pour toujours, sa guitare cinglante est encore bien présente et comporte quand même quelques éléments Blues de temps à autre.
C'est un album très consistant avec de beaux moments comme "If I had the power", "Lovin' you", "I get the feeling", "Why don't you treat me like I'm your man".

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1971 - Pictures at an Exhibition
"Pictures at an Exhibition" d'Emerson, Lake & Palmer est l'un des albums fondateurs de l'ère du Rock Progressif, un disque qui s'est retrouvé dans les collections de millions de lycéens qui n'avaient jamais entendu parler de Modest Mussorgsky auparavant et ne connaissaient rien des "Cinq" nationalistes Russes.
Il fait un peu violence à Moussorgski, mais "Pictures at an Exhibition" est aussi l'album live le plus énergique et le mieux réalisé du catalogue d'Emerson, Lake & Palmer, et il constitue un argument assez convaincant en faveur de l'adaptation de pièces classiques de cette manière.
À l'époque, il a fait découvrir le "Rock Classique" à des millions d'auditeurs, y compris à la communauté classique, dont la plupart des membres considéraient ce disque comme une sorte d'assaut armé.
Le son live du début des années 70 est un peu rudimentaire par rapport aux normes actuelles, mais l'intensité du jeu compense les insuffisances sonores. Keith Emerson est la personnalité musicale dominante, mais Greg Lake et Palmer sont suffisamment mis en avant pour éviter que cet album ne soit qu'une vitrine de claviers.

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From Sea to Shining Sea 1968
"From Sea to Shining Sea" de Johnny Cash, sorti en 1968, est une tentative ambitieuse mais brève de traverser les États-Unis en chansons.
De tous ses albums conceptuels, l'album s'appuie davantage sur des chansons de marins que sur des chansons de cow-boys; les chansons qui n'impliquent pas l'eau traitent généralement d'événements américains, qu'il s'agisse de foires, de mines, de prisons ou de stations-service.
La plupart des chansons reposent sur leur thème, et non sur les paroles ou la musique, et elles s'en ressentent: "From Sea to Shining Sea" est agréable à écouter en tant qu'instantané de l'Amérique, mais pas vraiment en tant qu'album.

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1981 Turn On The Night
"Turn On The Night" de Lonnie Brooks, paru en 1981, est son second opus pour Alligator avec ses excellents musiciens (agrémenté d'une section cuivres arrangée par Bill Mac Farland).
Encore une fois, on apprécie une belle série de superbes compositions comme "Eyeballin'", "Inflation", "Heavy traffic", "Don't go to sleep on me".
C'est un grand album dans la parfaite continuation de "Bayou lightning"...

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1980 - Peter Gabriel (3)
Généralement considéré comme le meilleur album de Peter Gabriel, son troisième album éponyme, sorti en 1980, lui permet de s'affirmer, de créer un album plus ardent, plus fort et plus axé sur la chanson qu'auparavant.
Son ouverture est inquiétante avec la menace contrôlée de "Intruder". Il n'a jamais trouvé un son aussi effrayant, mais c'est une peur indéniablement séduisante, et il continue sur cette lancée tout au long de l'album.
Pour un album aussi populaire, il est remarquablement sombre, froid et sombre. Pour la première fois, Gabriel a trouvé le son qui correspond à ses thèmes, ainsi que les chansons qui articulent ses thèmes. Chaque aspect de l'album fonctionne, se nourrit l'un l'autre, créant un chef-d'œuvre romantiquement sombre, séduisant et arty.
C'est le genre d'album dont on se souvient des détails de la production autant que des accroches ou des chansons. Il a fini par avoir des albums qui se sont vendus davantage, ou qui ont généré de plus grands succès, mais ce troisième album de Peter Gabriel reste son chef-d'œuvre.

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1983 - War
S'ouvrant sur la protestation sinistre et enflammée de "Sunday Bloody Sunday", "War" s'annonce immédiatement comme l'album le plus concentré de U2 à ce jour.
En balayant les indulgences sonores floues d'"October" avec des rythmes propulsifs et martiaux et des éclats de guitare, "War" déborde de colère, de désespoir et, surtout, de passion. Les hymnes ("New Year's Day", "40", "Seconds") sont contrebalancés par des chansons d'amour efficaces et étonnamment émouvantes ("Two Hearts Beat as One"), qui sont tout aussi désespérées et suppliantes que ses protestations.
Il accomplit la tâche difficile de rendre le son universel personnel, et le groupe l'aide avec des performances musclées et énergiques qui révèlent leurs textures variées et expressives lors d'écoutes répétées.
U2 a toujours visé la grandeur, mais c'est avec "War" qu'il a pratiquement atteint son objectif.

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1988 - The Christmas Album
Les artistes associés au Rock Progressif n'ont pas produit beaucoup de musique de Noël, mais l'album "The Christmas Album" de Keith Emerson, sorti en 1988, est une exception bienvenue.
Essentiellement instrumental, il propose des reprises d'Emerson de chants de Noël traditionnels et de morceaux classiques, ainsi que quelques compositions originales. "Captain Starship Christmas", une petite histoire saisonnière de science-fiction chantée par le chœur de l'école West Park.

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1975 - I Don't Want to Be a Lone Ranger
Seconde et dernière livraison pour le label Californien Fantasy, "I Don't Want to Be a Lone Ranger" de Johnny "Guitar" Watson, sorti en 1975, reprend cette même Soul mélodique parfaitement produite par Watson avec presque le même groupe.
Globalement, celui-ci est sensiblement inférieur au précédent mais recèle tout de même des moments intéressants comme "I don't want to be a lone ranger", "Tripping", "You make my heart want to sing", "Love is sweet misery" ou "You can stay but the noise must go"...

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1977 - Works vol 1
L'album "Works vol 1" d'Emerson, Lake & Palmer, sorti en 1977, reflète une scission croissante au sein du groupe.
À l'origine, les membres du trio avaient chacun l'intention de faire un album solo. La raison l'a cependant emporté, probablement aidée par la prise de conscience du groupe que les ventes combinées des albums solos publiés par les cinq membres de Yes l'année précédente ne représentaient qu'une fraction des ventes des disques les plus récents de Yes.
Ce double LP est essentiellement composé de trois faces solo et une face groupe et c'est l'album le plus complexe et le plus exigeant du groupe. Le "Concerto pour piano" de Keith Emerson est du niveau d'une bonne pièce d'étudiant en musique, sans beaucoup de langage original. Là où Emerson, en collaboration avec son chef d'orchestre et co-orchestrateur, John Mayer, réussit admirablement, c'est dans l'écriture de beaux passages virtuoses pour le piano.
Les chansons romantiques de Greg Lake marquent l'épanouissement final de son travail dans cette veine. La face de Carl Palmer est la plus accessible des trois faces solos pour les auditeurs de Rock occasionnels, rockant fort sur les adaptations classiques et mettant en vedette Joe Walsh à la guitare solo pour une chanson.
Les deux titres du groupe, "Fanfare for the Common Man" et "Pirates", reprennent beaucoup de choses anciennes, mais de manière ornée et élégante. Après avoir utilisé le "Hoedown" de Copland comme point d'orgue de ses concerts pendant quatre ans, le trio porte "Fanfare" à de nouveaux sommets d'indulgence, et cela fonctionne, jusqu'à un certain point, c'est juste un peu trop d'une bonne chose...

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Hello, I'm Johnny Cash 1970
"Hello, I'm Johnny Cash" est un album de Johnny Cash, sorti chez Columbia Records en 1970. "If I Were a Carpenter", un célèbre duo avec la femme de Cash, June Carter Cash, vaudra au couple un Grammy Award pour la meilleure performance Country par un duo ou un groupe avec voix en 1971; la chanson a également atteint la deuxième place dans les charts Country.
Cet album comprend également "To Beat the Devil", la première chanson de Kris Kristofferson reprise par Cash; les deux hommes collaboreront par la suite à de nombreuses reprises, notamment sur "Sunday Mornin' Comin' Down".
"See Ruby Fall" et "Blistered" sont également sortis en tant que singles, et l'album lui-même a atteint la première place des Charts Country et la sixième place des Charts Pop.
"Hello, I'm Johnny Cash" a été certifié Or le 29 Janvier 1970 par la RIAA.
N.B.: Cet album ne doit pas être confondu avec une compilation LP de 1977 de Columbia Special Products portant le même nom.

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1983 - Hot Shot
Pour l'album "Hot Shot", sorti en 1983 chez Alligator, Lonnie Brooks reprend consciencieusement ses mêmes ingrédients.
On trouve quelques titres accrocheurs comme "Don't take advantage of me", "I want all my money back" et il redonne un coup de jeune à deux anciens morceaux: "Family rules" et "Mr Hot shot". Malgré ces bons moments, l'album n'atteint, malheureusement, jamais la même intensité que dans "Bayou lightning" ou "Turn on the night".

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1982 - Peter Gabriel (4)
L'album "Peter Gabriel 4" qui s'intitule "Security" aux États-Unis, paru en 1982, reprend le flambeau de son troisième album, partageant la même production dense et le même sens de la cohésion, tout en allégeant l'atmosphère et en élargissant quelque peu la palette sonore.
La morosité qui imprégnait son troisième opus a été atténuée et, bien qu'il s'agisse toujours d'une musique sombre et sérieuse, elle est plus lumineuse, en partie grâce à l'utilisation par Gabriel de rythmes africains et latins. Ceux-ci sont généralement utilisés comme des couleurs tonales, mettant en valeur les synthétiseurs qui forment le lit musical de base de l'album, puisqu'il s'agit en grande partie de musique dite d'"ambiance".
L'album coule facilement et de manière séduisante, avec certaines chansons comme l'inquiétant "San Jacinto", "I Have the Touch", "Shock the Monkey" qui émergent du flot sonore.
Il faut être très attentif pour apprécier des poèmes sonores comme "The Family and the Fishing Net", "Lay Your Hands on Me" et "Wallflower", et tous ne récompensent pas une écoute aussi intensive.
Même avec ses défauts, cela reste un album puissant, certainement l'un des meilleurs de Gabriel, prouvant qu'il était en train de devenir un maître du ton, du style et de la substance, et de la façon dont chaque partie de l'album améliore l'autre.