Producteur – Beth Hart, Tal Herzberg
Basse – Tal Herzberg
Batterie – Rocco Bidlovski
Guitare – Jimmy Khoury
Orgue, Claviers, Piano – Benmont Tench
Percussions – Aaron Gross , Luis Conte
Chant, piano, piano électrique, claviers – Beth Hart
Beth Hart a sorti "Screamin' for My Supper" en 1999, trois ans après son premier album. Autoproduit avec l'aide de son collaborateur de longue date, Tal Herzberg.
C'est un album abouti et mature. Les chansons sonnent souvent comme un cri de désespoir, comme si Beth craignait que si elle ne hurle pas à pleins poumons, personne ne l'entende.
Les chansons "Get Your Shit Together" et "Mama" sont les titres phares de cet album, mais celui-ci est très agréable à écouter...
Genre: AOR, Ballad, Arena Rock, Pop Rock, Soft Rock
Producteur, chant, basse, claviers – Jeff Scott Soto
Batterie – Alex Papa
Guitare solo – Alex Llorens, Howie Simon
Lorsqu’en 2002 sort "Prism", les amateurs de Jeff Scott Soto ont dû se dire qu’ils allaient enfin voir de quoi le gaillard était capable par ses propres moyens, libéré de toute directive musicale extérieure et libre d’aller dans la direction qu’il souhaite réellement.
En fait, Soto n’est ni un metalhead ni un hard rocker.
Son album montre qu'il apprécie l’AOR, le Hard FM, mais alors très FM et peu Hard. Le mixage et la production sont excellents.
Il ne faut donc pas s’attendre à secouer la tête vigoureusement ou à taper du pied en rythme en l'écoutant. Jeff s’émancipe de son passé typé metal en se positionnant clairement du côté d’un Hard FM commercial typiquement américain.
Le meilleur morceau se nomme "I Want To Take You Higher", un duo avec Glenn Hughes, un titre groovy et puissant à souhait.
"Prism" est loin d'être mauvais et son écoute est plaisante...
Producteur – Jean-Marie Migeot, Bobby Bruno
Basse – Gino Chantoiseau
Guitare – Phil Marlo
Claviers – Daniel Antoine
Percussion – Philippe Floris
Chant, guitare solo, harmonica – Paul Personne
L'album éponymz de René-Paul Roux, alias Paul Personne, sorti en 1982, n’a pas marqué les esprits de l’époque, pourtant dans son Rock cuivré, vif, et sincère, Paul chante avec entrain mais reste encore discret à la guitare sur "Partie" ou "Rien qu’en Perdant".
Par contre, dans des Blues Rock bien balancé comme "Dis-Moi" ou "Vieux Blues", il se lâche plus et décoche quelques petits solos prometteurs.
Dommage que le disque soit mal mixé et qu'il sonne un peu comme une bonne maquette car la patte de l'artiste est deja là...
Producteur – Bruno Ravel, Riot
Basse – Don Van Stavern
Batterie – Bobby Jarzombek
Guitares – Mark Reale, Mike Flyntz
Chant – Tony Moore
"Immortal Soul" de Riot, sorti en 2011, a tout ce qui rendait le son de l'album "Thundersteel" de 1988 si enivrant.
On y trouve de la vitesse, de la puissance, un chant déchirant, des guitares incisives, une écriture de haute volée, des mélodies incroyablement accrocheuses, des refrains percutants et des paroles intelligentes.
Au-delà des morceaux eux-mêmes, la grande surprise est la qualité de la voix de Tony Moore, qui a remarquablement bien vieilli. Associée aux riffs de guitare agiles et percutants composés par Mark Reale et Mike Flyntz, la voix de Riot renaît et revient en force.
C'est un album de Metal précis, rageur et dévastateur comme on n'en fait plus.
C'est l'un des meilleurs opus de pur Metal de l'époque.
Hautement recommandé...
Legion Of Mary 2005 – The Jerry Garcia Collection, Vol. 1
Genre: Psychedelic Rock, Folk Rock
Producteurs – Jerry Garcia, Merl Saunders
Basse – John Kahn
Batterie – Ron Tutt
Claviers, chant – Merl Saunders
Saxophone, flûte – Martin Fierro
Chant, guitare – Jerry Garcia
La compilation "The Jerry Garcia Collection Vol. 1" de Legion of Mary, paru en 2005, rassemble plusieurs performances du groupe solo aux accents jazz avec lequel Jerry Garcia a tourné pendant la pause du Grateful Dead au milieu des années 70.
Legion of Mary a été conçu par Garcia pour lui offrir un espace scénique où il pourrait s'évader des pressions et des contraintes musicales de sa vie avec Grateful Dead. Le double CD reflète ces intentions à travers une série de jams décontractées et prolongées, qui laissent rapidement place aux solos.
Souhaitant s'éloigner du répertoire strict de Grateful Dead, Garcia a veillé à ce que les setlists soient relativement exemptes de ses propres compositions, et aucune ne figure sur ce CD.
Les disques se concentrent plutôt sur le penchant du groupe pour l'exploration de styles relativement étrangers à Garcia à l'époque. Bien que quelques morceaux Country Rock soient présents, comme "Tough Mama" de Dylan, les chansons sont principalement des reprises Soul et R&B.
Legion of Mary revisite avec brio des classiques tels que "I Second that Emotion" de Smokey Robinson et "Talking About You" de Ray Charles, multipliant les solos et étirant souvent les morceaux pendant dix minutes, voire plus, permettant à chacun de briller à son tour.
Les fans inconditionnels du Grateful Dead clameront sans doute que ces disques représentent une période cruciale de la carrière solo de Jerry Garcia.
A chacun de se faire une opinion!...
Producteur, claviers, chant : Rob Hyman
Producteur, percussions – Rick Chertoff
Basse – John Siegler
Clavinet, Synthétiseur, Soliste – Ralph Schuckett
Batterie – David Darth Prater, Rick Marotta
Guitare, chœurs – Eric Bazilian
Chant principal – David Kagan
Saxophone, soliste – Michael Brecker
Baby Grand était essentiellement un trio composé de David Kagan, Eric Bazilian et Rob Hyman qui, avec le producteur Rick Chertoff, ont réalisé un album éponyme composé de Rock des années 70, vite oublié.
Ce trio connaîtra le succès avec the Hooters quelques années plus tard, mais rien sur cet album ne les distingue des autres groupes compétents mais sans éclat qui pullulent sur cette scène.
Le problème de Baby Grand réside dans le chanteur David Kagan, dont les textes sont prometteurs mais l'interprétation laisse vraiment à désirer, avec une emphase excessive plutôt qu'une réelle émotion.
La présence de John Siegler et Ralph Schuckett évoque un lien avec Utopia, et "Shinin' in the Spotlight" sonne effectivement comme une version édulcorée de "You Left Me Sore" de Todd Rundgren, mais les similitudes s'arrêtent là.
Le jeu de Bazilian et Rick Marotta, associé aux arrangements concis d'Hyman, témoigne du professionnalisme de Baby Grand, mais cela ne signifie pas pour autant savoir quoi faire...
Eddie C. Campbell 1985 – The Baddest Cat On The Block
Genre: Chicago Blues
Producteur – John Stedman
Basse – Wayne Elliott
Batterie – John Dummer
Guitare, Chant – Eddie C. Campbell
Piano – Hammy Howell
Sur l'album "The Baddest Cat On The Block" d'Eddie C. Campbell, sorti en 1985, ses morceaux sont bons, mais ce ne sont pas pas ses meilleurs.
Son groupe semble manquer de cohésion: l'accompagnement d'Eddie n'est pas à la hauteur et le son d'ensemble en pâtit.
"The Baddest Cat On The Block" est loin d'être un must, mais ce n'est pas un mauvais disque.
Malgré tout, la guitare d'Eddie, saturée de réverbération, ressort bien, et les vrais fans de Chicago Blues voudront sans doute ajouter ce CD à leur collection...
Sur "Leave The Light On", paru en 2001, Beth Hart affine son style d'écriture déjà épuré et authentique pour mieux saisir l'essentiel d'une chanson, puis y insuffle toute son âme.
Beth s'exprime à travers un Rock classique et sans concession, à la fois brut, incisif et authentique, qui ne ressemble à rien de ce qui se faisait à cette époque.
"Leave the Light On" est sans conteste le chef-d'œuvre de Beth à ce jour. Rares sont les artistes capables d'enchaîner trois albums de cette qualité, et encore plus rares sont ceux qui parviennent à surpasser le précédent.
En fin de compte, tandis que Beth Hart continue de laisser son inspiration nourrir et transformer les cendres de son passé, l'auditeur bénéficie grandement de son parcours. Quel que soit le succès commercial ou critique, cet album reste essentiel et incontournable. Du rock classique, assurément...
Basse – Jeff Scott Soto
Batterie – Glen Sobel
Guitare – Gary Schutt, Howie Simon, Neal Schon
Chant, Claviers – Jeff Scott Soto
Guitare solo – Alex Llorens
Originaire de Californie, Jeff Scott Soto est un bon chanteur qui a débuté comme choriste pour Yngwie Malmsteen dans les années 80.
Il a ensuite été le chanteur de plusieurs groupes confidentiels tout au long des années 90 avant de s'associer au guitariste de Journey, Neal Schon, au sein du groupe Soul SirkUS en 2004.
Depuis 1995, Soto a sorti régulièrement des albums solo, celui-ci étant son quatrième.
Soto possède une de ces voix à la fois puissantes et vibrantes, presque théâtrales parfaitement adaptée au style Pop-Metal des années 80, certes intemporel, mais aseptisé.
"Lost in the Translation", sorti en 2004, vise clairement un public qui apprécie les morceaux de Warrant, Stryper ou Kix...
On retrouve beaucoup de passages Hard Rock des années 80 et Soto est quasiment le seul à pouvoir assumer ce genre de choses.
Avec une jolie voix, des riffs accrocheurs et quelques morceaux bien rythmés, le résultat est toutà fait réussi...
Basse, chant – Arturo Domingo
Batterie, percussions, triangle – Pedro Van Eeckout
Guitare, chant – Alfonso Bou
Chant, flûte, guimbarde – G. Paris
Avec Máquina!, Pan & Regaliz est considéré comme l'un des tout premiers groupes progressifs d'Espagne.
Le groupe a été fondé en 1969 par le chanteur et flûtiste Guillem París, lorsqu"il découvrit Ian Anderson et Jethro Tull, puis continua de faire évoluer son son en y intégrant diverses influences.
C'est en 1971 que le groupe eut un succès cerain avec la sortie de son unique album éponyme, composé de huit titres de Psychédélisme et de Prog espagnols.
Les membres du grope étaient manifestement en phase avec le marché international, préférant chanter en Anglais plutôt que d'écrire leurs textes en Catalan ou même en Espagnol. Le groupe s'inspirait de la scène Britannique, avec des références évidentes à Jethro Tull et aux premiers Pink Floyd, tout en affichant une affinité avec la scène Krautrock des débuts et ses excès psychédéliques.
Bien qu'il ne dure qu'un peu plus de 30 minutes, "Pan & Regaliz" présente un contraste intéressant entre la première et la seconde face de l'album original.
La première propose les sonorités les plus accessibles du groupe, notamment le premier single "Dead Of Love", illustrant l'influence de Jethro Tull sur le Blues Rock des débuts de "This Was", ainsi que les échanges de solos de guitare et de flûte caractéristiques d'albums comme "Stand Up" et "Benefit".
Pan & Regaliz s'approprie ces styles grâce à des compositions très variées et une touche plus psychédélique et jazzy.
La première face culmine avec l'instrumental "Thinking In Mary", riche en flûte, qui met en valeur le style rythmique unique du groupe, ainsi que l'utilisation de guitares acoustiques et l'improvisation en solo.
La deuxième face est tout autre, chaque morceau explorant des territoires complètement différents. L'inattendu "A Song For The Friends" replonge l'auditeur dans l'âge d'or du Music-Hall avec des performances de piano cabaret et un foxtrot théâtral, danse très en vogue dans les années 1930.
Puis, avec "When You Are So Bringdown", le groupe replonge dans le Blues Rock avec une touche de Jimi Hendrix. Le véritable voyage psychédélique progressif de l'album arrive cependant avec "Today Is Raining", qui dégage d'emblée une énergie brute, un mélange d'Amon Düül II et de Guru Guru, s'affranchissant des conventions. On y trouve une ligne de basse pulsante, accompagnée d'orgues planantes, d'une batterie frénétique et même d'une guimbarde! Le chant affiche une personnalité planante, rappelant celle de Can. La musique conserve des riffs et des solos de guitare bluesy, tandis que la boucle cyclique du Krautrock propulse le morceau dans une procession tentaculaire de motifs étranges, mêlés d'effets sonores et d'excentricités cosmiques détachées et évasives. Vers la fin, le morceau s'élève véritablement dans l'espace. L'album se termine sur le titre plus classique "I Can Fly", un véritable remontant, avec sa ligne de basse entraînante, sa guitare psychédélique et ses effets sonores, est de loin le titre de Rock Psychédélique le plus conventionnel de l'album.
Si "Pan & Regaliz" ne sonne absolument pas Espagnol, le groupe parvient à s'inspirer des scènes Anglaise et Allemande sans pour autant imiter ses modèles. Il offre un aperçu plus large de la créativité d'un groupe.
Bref, on a affaire à du Rock Progressif de très haute qualité, inspiré du Krautrock du genre Amon Düül II, Tomorrow's Gift, etc.
"Pan & Regaliz" est un excellent disque fortement recommandé...
Larry Carlton, Steve Lukather 2001 – No Substitutions (Live In Osaka)
Genre: Fusion, Contemporary Jazz
Producteur – Steve Lukather, Steve Vai
Basse – Chris Kent
Batterie – Gregg Bissonette
Guitare [Côté gauche] – Larry Carlton
Guitare [Côté droit] – Steve Lukather
Claviers – Rick Jackson
Steve Lukather est l'un des guitaristes Rock les plus sous-estimés. Surtout connu pour son travail avec Toto, c'est un musicien de studio très demandé, ayant participé à d'innombrables albums d'autres artistes.
Il s'adapte sans difficulté à une grande variété de styles.
Lukather trouve également le temps de sortir sporadiquement ses propres albums solo, et en 2001, il a publié un album live en collaboration avec le guitariste de studio Larry Carlton, intitulé "No Substitutions: Live in Osaka".
Comme on pouvait s'y attendre, chaque guitariste y trouve son compte, notamment sur deux morceaux de plus de 14 minutes, "The Pump" et "All Blues", ainsi que sur une reprise du classique de Carlton, "Room 335", qui clôt l'album.
Ce n'est pas un album de Jazz Rock révolutionnaire, mais les fans des deux guitaristes apprécieront sans aucun doute de les entendre s'exprimer sur scène...
Legion Of Mary 2013 – GarciaLive Volume Three (December 14-15, 1974 Northwest Tour)
Genre: Blues Rock, Jazz-Funk
Production, Guitare, Chant – Jerry Garcia
Basse – John Kahn
Batterie – Ron Tutt
Flûte, percussions, saxophone – Martin Fierro
Claviers, chant – Merl Saunders
"GarciaLive Volume Three (December 14-15, 1974 Northwest Tour)" de Legion Of Mary, sorti en 2013 est une archive d'enregistrements de concerts destinée aux fans inconditionnels du Grateful Dead et du Jerry Garcia Band qui propose plus de deux heures et demie de matériel inédit issu de deux soirées de concerts.
Ce projet inclut des enregistrements inédits de certains des premiers concerts du groupe, et l'ambiance y est plus expérimentale, progressive et d'une audace froide que dans la majeure partie de la vaste œuvre de Garcia.
Débutant par une reprise incroyablement improvisée de 18 minutes de "Boogie on Reggae Woman" de Stevie Wonder, le morceau ne fait que s'enflammer ensuite. Une lecture d'une lenteur exaspérante de "The Night They Drove Old Dixie Down", des improvisations jazz et des interprétations enflammées et frénétiques de classiques de la Soul constituent une grande partie du spectacle, qui culmine dans une intensité incroyablement lente et progressive pendant près d'une demi-heure. Le morceau "Wondering Why" de Saunders mijote indéfiniment dans une brume silencieuse et mélancolique, sans jamais atteindre un point d'ébullition prévisible.
Avec l'immensité des enregistrements live de Garcia et du Grateful Dead, même les fans les plus fervents peuvent se lasser des éléments répétitifs de leur catalogue complet de concerts.
Legion of Mary propose des sonorités véritablement audacieuses et stimulantes, même pour l'infatigable Garcia. C'est une anomalie, une page quelque peu oubliée de l'histoire de Garcia, assurément l'une des sorties les plus intéressantes du genre, et un incontournable pour quiconque s'intéresse, même de loin, aux innombrables enregistrements live du Grateful Dead...
Producteur – Larry Marks
Basse, chant – Monte Melnick
Batterie, percussions, chant – Phil Lowe
Claviers – Jim Dickensen, Larry Knechtel
Guitare solo, chant – Jack Malken
Chant principal, guitare – John Micallef
Le groupe de Rock Progressif Thirty Days Out a été formé à New York en 1971.
Après avoir signé chez Reprise, Thirty Days Out a enregistré son album éponyme en partie en Californie avec les célèbres claviéristes de studio Jim Dickinson et Larry Knechtel.
Ce dique fit sensation dans les magasins de disques grâce à son emballage original: au lieu d'un film plastique, il était présenté dans une affiche représentant un paquebot.
On y trouve du Rock mélodique rural solide, comme les morceaux Rock à la guitare "Survival" et "Home On The Road". Le titre semi-acoustique "Forever" ainsi que le morceau de clôture passionné "Doing The Best I Can" se démarquent particulièrement… Mais il y a un morceau Country assez décevant, "Holy Hannah".
Dans l'ensemble, "Thirty Days Out" a beaucoup à offrir et s'écoute avec plaisir...
Batterie – John McColgan, Olaf Keus
Guitare, Chant – Elisha Blue
Harmonica – Johnnie Mars
Piano – Al Copley, Han van Dam
Saxophone ténor – Rinus Groeneveld, Tom "Mad" Jones
Trombone – Jan Voeten
Trompette – Angelo Verploegen, Saskia Laroo
Chant, guitare – Eddie C. Campbell
"Mind Trouble" d'Eddie C. Campbell, paru en 1986, a été enregistré à Amsterdam en Juin et Juillet 1986 au Studio 150 et à Stichting Pop.
"Please Love Me" a été enregistré aux Sound Studios, à Chicago, en Juin.
Dans sa carrière, Campbell a accompagné, entre autres, Howlin’ Wolf, Little Walter, Jimmy Reed, Percy Mayfield, Lowell Fulson, Willie Dixon et même B.B. King, excysez du peu.
Ses influences somme toute diverses favorisent assurément son approche et son phrasé si original. Et Campbell est aussi un très bon chanteur à la voix chaude et grave, ce qui ne gâche rien.
"Mind Trouble" est un zxczllent album de Blues qu'il faut absolument écouter..
Producteur – Rune Westberg
Basse – Rune Westberg
Batterie – Frederik Bokkenheuser
Guitare – Nathaniel Webb, Rune Westberg, Slash, Stephan Galfas
Claviers – Beth Har , Stephan Galfas
Chant principal, Cordes, Chœurs, Piano – Beth Hart
"My California" de Beth Hart, sorti en 2010, porte indéniablement la marque du producteur Rune Westberg, qui lui a conseillé de maîtriser ses élans émotionnels et de se concentrer sur la puissance de sa voix.
Il en résulte un album plus homogène que les précédents, mais certainement pas commercial. Westberg est co-auteur de tous les titres et a insisté pour que chacun soit enregistré immédiatement après sa composition afin de préserver la fraîcheur et l'intention qui avaient présidé à son écriture.
Le résultat est mitigé: Beth réprime une partie de sa personnalité comme on le lui avait conseillé, mais c’est justement ce qui la rend unique en tant qu’artiste.
De bonnes chansons, une prestation professionnelle, une voix magnifique, mais elle reste imparfaite pour ceux qui savent de quoi elle est vraiment capable lorsqu'elle se lâche...
Genre: AOR, Hard Rock, Soft Rock, Pop Rock, Ballad
Producteurq, Chant principal – Jeff Scott Soto
Choeurs – Anna-Maria La Spina, Chris James, Iain James, Jeff Scott Soto, Lisa Ljungblad, Paulo Mendonca, Per Wockatz
Basse – Paulo Mendonca, Sammy Sims
Batterie – Karl Gunér, Paulo Mendonca, Peter Strandberg
Guitare – Ben Carey, Paulo Mendonça
Claviers – Paulo Mendonca
Sorti en 2009, l'album de Jeff Scott Soto, surtout connu pour avoir été le chanteur de Rising Force, le groupe d'Yngwie Malmsteen, s'intitule "Beautiful Mess".
C"est un recueil de chansons Soul qui touchent l'auditeur. La voix exceptionnelle de Jeff captive et tient en haleine l'auditeur tout au long de ce CD.
Cet album marque une rupture avec son parcours Rock plus mélodique, s'orientant vers une influence Pop / Funk / R&B plus subtile. Attention, il s'agit bien d'un album rock, mais avec des influences discrètes. On y perçoit notamment l'influence de Prince et de Lenny Kravitz.
Au final, "Beautiful Mess" est un excellent album, fidèle à la marque de fabrique de JSS: des bonnes compositions et des refrains envoûtants.
On peut recommander vivement "Beautiful Mess" à tous les fans de bon vieux Rock des années 80...
Modifié en dernier par alcat01 le dim. 15 mars 2026 16:48, modifié 1 fois.
Producteur – John Keane
Chant, basse, percussions – David Schools
Chant, batterie, percussions – Todd Nance
Chant, guitare – John Bell, Michael Houser
"Space Wrangler", sorti en 1988, est un premier enregistrement réussi pour Widesread Panic, un groupe de Blues du Sud qui improvise avec brio.
Le son rappelle parfois le Grateful Dead, mais avec une touche plus incisive.
La première face est bien moyenne,, même si "Chilly Water" démarre très bien. La seconde, en revanche, enchaîne trois titres exceptionnels: "Porch Song", "Stop-Go" et "Driving Song", sauvant ainsi cet album de la médiocrité.
"Space Wrangler" révèle à ceux qui les ont découverts en concert sa facette studio. Ce groupe possède deux facettes distinctes, mais tout aussi brillantes: sur scène, ils recréent l’énergie du Grateful Dead et des Allman Brothers Band, tandis qu’en studio, le son évoque une version moderne du Marshall Tucker Band et des Outlaws, créant un son et un style ni trop modernes ni trop démodés.
Widespread Panic est composé de bons musiciens qui prennent du plaisir et ce disque est agréable à écouter...
Sorti en 2009, "Beautiful Mess" de Jeff Scott Soto, surtout connu pour avoir été le chanteur de Rising Force, le groupe d'Yngwie Malmsteen, s'intitule "Beautiful Mess".
C'est pas tout ça, mais quand je serai mort, qui c'est qui va s'occuper de papa ? (Jésus Christ)
Avec "Twilight In The Crystal Cabinet", paru en 2010, le groupe Suédois de Space Rock, My Brother The Wind, offre à l'auditeur la bande-son idéale pour une heure de contemplation des étoiles depuis votre transat, à l'exception notable de "Precious Sanity", une imitation complètement déjantée de Captain Beefheart d'une durée de deux minutes.
"Karmagrinder" est un morceau plus typique où le groupe respecte le schéma classique du genre: le batteur Tomas Ericsson se fait discret pendant un moment, puis frappe ses cymbales, avant d'introduire la caisse claire, puis maintient un rythme froid mais implacable. Pendant ce temps, les guitaristes solistes Nicklas Barker et Mathias Danielsson enchaînent des accords lointains et percutants et des riffs planants, tandis que le bassiste Ronny Ericsson assure la cohésion de l'ensemble avec sa basse.
Comme on peut s'y attendre d'un groupe qui tire son nom d'un album de Sun Ra, My Brother The Wind est un groupe d'improvisation, ce qui rend le résultat d'autant plus impressionnant par sa profondeur et sa richesse.
Bien que le groupe privilégie des ambiances plus sombres comme le mélancolique "The Mournful Howl Of Dawn" et le poignant morceau post-Rock, "Death And Beyond", il sait aussi donner un résultat Rock percutant avec le titre entraînant et rapide "Electric Universe", qui montre qu'il a un côté moins pesant.
"Twilight In The Crystal Cabinet" est un album prometteur que les fans de Space Rock ainsi que les curieux pourraient apprécier...
