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Message par alcat01 » mar. 31 janv. 2023 14:00

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1972 C.C.S. II
Peut-être pas aussi bon que leur premier album, mais certainement pas sans mérite. Suivant la même formule que leur premier album, CCS propose à nouveau un autre ensemble de versions de reprises, toutes dotées de leur propre marque de traitement blues / jazz, ainsi que de certains de leurs propres matériaux originaux.
Le medley "Rock 'n' roll" au milieu de l'album fonctionne très bien, et même si les chansons ne sont peut-être pas aussi fortes, c'est toujours une sortie digne et que j'aime tout autant écouter.
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Algernon
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Message par Algernon » mar. 31 janv. 2023 14:58

Algernon a écrit :
mar. 31 janv. 2023 11:28
SAHB était vraiment sensationnel. Cet album est représentatif de leur travail, de leur talent et de leur touche de douce fantaisie. Dommage que cet album ne soit pas plus long (seulement 6 chansons si on enlève l'intro instrumental "Fanfare") et il me manque les images pour être pleinement transporté en Vibrania.
Et comment ! Ce que je me suis dit pendant des années, avant de voir arriver d'autres live, mais il a fallu du temps. Et des archives filmées, heureusement. Du bonheur total ce groupe.
Je ne suis pas trop vieux pour ces conneries.

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Message par alcat01 » mar. 31 janv. 2023 15:37

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Baton Rouge a été un groupe de hard rock mélodique avec des accents de heavy blues pas très éloignés des premiers Whitesnake et Tanger. Le groupe s'est formé à l'origine en Louisiane sous le nom de Voices en 1986 et était composé de Kelly Keeling (guitare et claviers), Lance Bulen (chant), Keith Harrison (basse) et Harold Knappenburger (batterie).

Après avoir changé son nom en Meridian et enfin Baton Rouge, le groupe a déménagé à Los Angeles en 1987 et a remanié sa composition. Keeling a repris le chant tandis que Bulen est passé à la guitare et une nouvelle section rythmique de Scott Bender (basse) et Corky McClellan (batterie) a été ajoutée.
Après seulement six concerts sur le Sunset Strip, ils ont été signés chez Atlantic Records et se sont associés aux producteurs Jack Ponti et Vic Pepe qui co-écriraient plusieurs de leurs chansons.
Leur premier album, Shake Your Soul, a fait ses débuts en 1990 et a atteint la 160e place du palmarès Billboard. Le claviériste David Cremin est apparu sur la pochette de l'album, Photo du groupe Baton Rouge mais n'a en fait rejoint le groupe qu'une fois l'enregistrement du premier album terminé.
Avec l'aide de l'auteur-compositeur et producteur de disques expérimenté Jack Ponti, Baton Rouge a sorti son premier album Shake Your Soul en 1990 qui est une œuvre solide qui mélange le hard rock anthémique et l'AOR avec de nombreux solos de guitare mélodiques, des voix de gang et des refrains accrocheurs. Kelly Keeling a une voix forte, ressemblant quelque peu à David Coverdale de Whitesnake. Les chansons sont un peu inégales, allant de grands morceaux comme "Doctor", "Bad Time Comin´ Down" et le contagieux "Melenie" à l'immémorial "Spread Like Fire" ou "Young Hearts".
Dans l'ensemble, cela n'appartient pas au sommet du genre, mais il y a suffisamment de morceaux forts pour satisfaire les fans de hard rock mélodique.
Dabar


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Message par alcat01 » mar. 31 janv. 2023 17:46

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Le premier album de King's X en 1988, Out of the Silent Planet, est un excellent premier effort d'un groupe qui a malheureusement été négligé pendant la majeure partie de sa carrière.
Out of the Silent Planet est le premier enregistrement qu'ils ont fait sur Megaforce records après avoir été signés pendant des années sur des labels de musique exclusivement chrétienne. Bien qu'il n'ait pas fait de vagues et qu'il n'ait pas eu autant d'impact que l'album suivant, Gretchen Goes To Nebraska, il est toujours tenu en haute estime, étant classé parmi les 10 meilleurs albums de 1988 par Kerrang et parmi les 200 meilleurs albums des années 1980 par Metal Hammer.
La formation, qui n'a jamais changé, est composée de Doug Pinnick à la basse, Jerry Gaskill à la batterie et Ty Tabor à la guitare. Tous les hommes sont crédités du chant principal et des chœurs.
Au premier abord, cela peut sembler un peu étrange. Peu de groupes, à part Kiss, ont plusieurs chanteurs. Mais King's X n'est pas comme Kiss.
Pinnick est le chanteur principal à toutes fins utiles. Sa voix est la plus dominante sur l'album. Mais, Gaskill et Tabor se joignent à lui en harmonie, faisant une voix sur trois.
Cette harmonisation est devenue l'élément de base du son de King's X. Pinnick est puissant à lui seul, mais lorsque les trois se combinent, les voix deviennent énormes, remplissant vos oreilles d'un océan de sons. Cela fonctionne bien et a influencé plusieurs autres groupes, qui ont repris la formule avec plus ou moins de succès.
Out of the Silent Planet s'ouvre de façon spectaculaire avec "The New Age". Je ne sais pas si cette intro est inspirée par des bandes sonores de films de science-fiction ou d'horreur, mais elle commence avec ce son de partition, jusqu'à ce que King's X apporte le rock. C'est une bonne intro, à mi-parcours, qui vous donne un avant-goût des riffs lourds du groupe, des harmonies vocales et des mélodies de guitare qui forment un ensemble impressionnant. Il fait le travail que tout lead in devrait faire : Il vous donne envie d'en entendre plus.
En passant, je dois mentionner que cet album sonne très bien. Vous entendez et sentez la basse, la batterie et les guitares. Les instruments et les voix sont équilibrés. Rien n'a l'air d'être diminué pour permettre à quelque chose d'autre de briller.
Contre toute attente, King's X ralentit les choses pour la deuxième chanson, "Goldilox". Il ne s'agit pas exactement d'un rock, mais plutôt d'une ballade. La performance de Pinnick porte cette chanson. Il chante seul les couplets et le refrain vous frappe au bon endroit lorsque les voix des autres membres du groupe entrent en jeu.
Le schéma est similaire avec une grande partie de l'album, mais ce n'est pas une mauvaise chose. Qu'il s'agisse du premier vrai rock "Power of Love" (qui comporte un solo de guitare génial) ou du tout aussi rockant "What is This ?", ça marche et on ne se lasse pas. Cela est dû en grande partie au fait que le groupe est composé de personnes qui savent tirer le meilleur parti de leurs instruments et ajouter ces petits bouts de son supplémentaires à des endroits que les autres groupes de rock négligent.
"King", qui a probablement l'un des meilleurs clips de 1988, est probablement le point culminant de l'album. Il fait monter d'un cran tout ce qu'on entend sur l'album. Il vous attrape tout de suite avec son rythme et sa mélodie et vous retient avec son refrain accrocheur. Pinnick brille également sur cette chanson.
Les titres les plus marquants de la seconde moitié de l'album sont "Far, Far Away" et "Visions". "Visions" en particulier, car il montre une fois de plus son talent pour ajouter ces petites choses dans une chanson afin de la rendre encore plus intéressante et réécoutable.

Je recommande vivement d'écouter Out of the Silent Planet qui est un bon album et il rend l'auditeur impatient de découvrir le prochain album du groupe, Gretchen Goes to Nebraska.
Joseph R. Price


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Message par alcat01 » mar. 31 janv. 2023 19:56

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Le line-up de Livin' Blues composé de Ted Oberg (guitare), John Lagrand (harmonica), Nicko Christiansen (chant), Cesar Zuiderwijk (basse) et Henk Smitskamp (batterie) - nouvellement sous l'équipe de production de Jaap Eggermont, ancien batteur de Golden Earrings (plus tard de renommée mondiale à travers ses productions), pour un nouveau label, Red Bullet (détenu par Willem van Kooten alias DJ Joost den Draaijer) - enregistra l'album très acclamé, "Hell's Session" en 1969.
C'est un album très fort, souvent comparé avec des albums d'autres groupes de Blues blanc comme John Mayall's Bluesbreakers, Fleetwood Mac et autres Cuby + Blizzards.

Ce premier opus, "Hell's Session", paru en 1969 est non seulement le seul qui ait été enregistré avec la formation originale, mais il a également un matériel de chanson plus qu'intéressant car ils reprennent du Willie Dixon, du Muddy Waters et du Little Walter réarrangés dans le style Hard Blues Rock de cette époque.
Ce disque a été enregistré en seulement trois jours en Juillet 1969 dans l'intimité, live-in-the-studio.
Un album captivant qui révèle une musique solide, et des vocaux de Nico Christianson qui sont extrêmement puissants. Il a une voix faite pour ce type de musique, rugissante et un peu rauque.
La guitare et les lignes de basse sont satisfaisantes mais l'harmoniciste est vraiment très bon.
Le style musical est directement lié aux Blues Britannique de l'époque, dont l'un des chefs de file s'appelle John Mayall, mais cela manque un peu de style et peut-être même de grâce... mais ce n'est cependant qu'un premier album... qui est plus qu'intéressant à découvrir.

La plupart des pistes sont des originales, co-écrites par le groupe, mais il y a quand même plusieurs reprises telles que "Worried Dreams" et "Waitin' on You" de B.B. King et "Big Road Blues", un morceau traditionnel connu grâce à Little Walter.
Livin' Blues joue un Blues Rock très terre à terre, sans aucun compromis, enjolivé par la voix puissante de Nicko Christiansen et la guitare de Ted Oberg jouant le Blues de façon quasi traditionnelle.
Cela crée une grande dynamique dans leurs chansons et rapidement, Livin 'Blues deviendra l'une des têtes d'affiche les plus demandées dans divers festivals.

Le pur Boogie "Waitin' On You" ouvre le disque de façon magistrale. Les bons riffs de guitare alternent avec des excellentes mélodies d'harmonica intermittentes.
Le morceau suivant, "One Night Blues" est un très bon Blues super lent sur lequel le chant intensif domine la scène, avant que la lead guitare ne prenne le relais. Tout d'abord, très peu profond, puis de plus en plus féroce, jusqu'à l'extase.
Le guitariste Ted Oberg sait vraiment comment jouer le Boogie, à la manière de Kim Simmonds et l'harmoniciste John LeGrand ajoute vraiment une autre dimension au groupe.
Le Blues acoustique est ensuite de rigueur avec "Bowlegged Woman". Et il y a en prime un excellent harmonica: A croire que le delta du Blues est en Hollande!
On en arrive à ''Hell's session" qui se compose d'un dialogue instrumental entre la guitare et l'harmonica, et au milieu, une partie de percussion très intense est incorporée. La fin du morceau se noie dans les échos et la réverbération.
"Big Road Blues" qui suit est un Hit en puissance. Bon rythme avec accompagnement de piano simple et chant polyphonique et, bien sûr, jolis solos d'harmonica.
Ensuite, la chanson "Black Panther" est un Blues lent: Cette fois, les vocaux rugueux sont soutenus et complétés par un harmonica parfait. Mais, malheureusement, cela ne dure que trois minutes; il aurait pu tout aussi bien encore se poursuivre pendant un certain temps.
Vient ensuite le bien nommé "Worried Dreams", la chanson plus calme de l'album dans un style venant en la droite ligne d'"Albatross" de Fleetwood Mac. Comme toute musique mystique jouée avec une guitare calme, l'accompagnement à l'harmonica bluesy est habilement délicat.
"Big Black Train" qui clôture cet album a une ressemblance plus que frappante avec le "Hellbound Train" de Savoy Brown...

En conclusion, il est bien dommage que cet album soit un peu court car il ne dure qu'un peu moins de 32 minutes, mais Livin' Blues démontre malgré tout être un excellent groupe de Blues et il deviendra par la suite l'un des meilleurs en Hollande en concurrence étroite et directe avec Cuby & Blizzards.
Un must hautement recommandé pour tous les amateurs de bon vieux Blues Rock!...


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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 10:14

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Le Berceau de Cristal (enregistré en 1975) (1993)
Il arrive parfois que la musique qui accompagne un film s’avère plus réussie que le film lui-même. C’est le cas du Berceau de cristal, métrage de 1975, commis par Philippe Garrel avec Dominique Sanda et la chanteuse Nico, métrage d’une chiantise absolu. En revanche, il n’en va pas autant du score composé par Ash Ra Tempel, invitation aux rêves d’une beauté immense et onirique.

Si cet opus n’a été exhumé qu’en 1993 du grenier où il prenait la poussière depuis le milieu des années 70, son point de départ est la longue plage atmosphérique éponyme qui a donné son thème principal au film et que Manuel Göttsching a interprétée en guise de rappel lors d’un concert à Cannes effectué le 7 mai 1975. Comme le groupe capturait alors toutes ses performances scéniques, le guitariste, qui connaissait bien Nico, a donc décidé d’offrir ce morceau à Garrel pour son film. Avec son compère Lutz Ulbrich, il a ensuite tricoté d’autres thèmes à Berlin à l’aide d’un matériel électronique, certes rudimentaire, mais qui fait rêvé aujourd’hui, constitué du EKO Rythm Computer, d’un orgue Farfisa et d’une guitare – synthétiseur EMS, autant d’instruments dont l’utilisation est propice aux déambulations contemplatives.

Le berceau de cristal s’arc-boute autour de huit pistes oscillant entre 2 et 14 minutes qui se fondent admirablement avec les images dont elles servent de support et libèrent des effluves électroniques enivrantes, parfois proches des travaux contemporains de Klaus Schulze, tandis que le tandem y associe leurs guitares habituelles. Cette fusion aboutit à un magma hypnotique, passé dans un filtre et bourré d’effets, d’échos étranges, et de réverbérations cosmiques. Cette superbe création est une masse unique de sons étonnants, tout à la fois beau comme un chat qui dort, ("Deux enfants sous la lune"), mystérieux ("… Et les fantômes rêvent aussi"), planant ("L’hiver doux"), inquiétant parfois ("Le diable dans la maison"), ou tout simplement trippant ("Silence sauvage" et surtout "Le sourire volé").

Bien que gravé avec un modeste magnétophone à quatre pistes, Le berceau de cristal, dont l’intérêt dépasse largement le cadre de la simple bande originale de film, n’en demeure pas moins l’une des créations les plus marquantes de Manuel Göttsching. En outre, une de ses grandes qualités réside dans le fait qu’il n’est pas nécessaire de connaître le long métrage pour l’apprécier. Mieux, ce score, contrairement à la plupart des BO, parvient à exister par lui-même, indépendamment de la pellicule. A l’instar de Dream & Desire ou de Early Water, il eut donc vraiment été fâcheux que ces bandes restent dans les limbes de l’oubli. Les disques d’Ash Ra Tempel, comme tous les autres travaux du génie allemand du reste, méritent vraiment d’être (re)découverts. Ils regorgent de richesses qu’une vie entière ne suffirait pas à déguster.
CHILDERIC THOR


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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 10:16

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The Penthouse Tapes (1976)
Quiconque connaît le travail du Sensational Alex Harvey Band sait que le groupe avait un penchant intriguant pour les reprises étranges de tous les domaines de la musique populaire.
Cet album de 1976 permet au groupe de donner libre cours à cette obsession : trois des titres sont des originaux du groupe, mais le reste est une série de reprises qui vont d'Irving Berlin aux Osmonds en passant par Alice Cooper.
L'album qui en résulte a un côté improvisé qui l'empêche d'être cohérent, mais il est tout de même intéressant à écouter grâce à une combinaison de performances fougueuses et d'arrangements intéressants.
Le point culminant des originaux du groupe est "Jungle Jenny", un conte de Tarzan avec un changement de genre, qui met en scène une déesse blanche lascive qui rend les singes fous sur un air qui mélange guitare glam rock et tambours tribaux. En ce qui concerne les reprises, les morceaux les plus marquants sont une version mid-tempo de "Love Story" de Jethro Tull et "Crazy Horses", qui utilise le chant de Harvey, qui déchire le larynx, pour faire ressortir les connotations apocalyptiques de cette chanson des Osmonds, étonnamment hard-rock. Le groupe s'attaque aussi de façon étonnamment efficace au country rock en reprenant "Gamblin' Bar Room Blues" et "Say You're Mine (Every Cowboy Song)", une chanson originale de Harvey.
Quelques titres sont un peu négligés ("Runaway" est interprété avec énergie mais n'apporte rien à la chanson), mais cet album est une bonne écoute pour tous les fans du son Alex Harvey.
Donald A. Guarisco


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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 11:07

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1972 Lunch
Ce n'est certainement pas le meilleur travail d'Audience et, connaissant et adorant leurs deux précédents albums magistralement réalisés, on pourrait facilement être déçu en l'écoutant. Mais néanmoins, si l'on n'établit pas trop de comparaisons, surtout pas avec les albums classiques de Prog, "Lunch" reste un album agréable et surtout drôle.
D'une certaine manière, cet étrange mélange de folk, de country, de pop, de bluegrass et de rock cuivré peut être considéré comme assez unique et il est difficile de trouver des réminiscences. En fait, les seuls qui me viennent à l'esprit sont Van Morrison ou peut-être Kevin Coyne par moments et il est vrai qu'il n'y a pas grand-chose à trouver ici qui puisse intéresser un fan de Prog.
Un titre un peu exceptionnel est pour moi "In Accord" avec un super son de cuivres mais des chansons comme "Stand By The Door", "Hula Girl", "Thunder And Lightnin", "Party Games" ou "Buy Me An Island" ont aussi leur charme et sont agréables à écouter de temps en temps.
hdfisch


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Message par Cooltrane » mer. 1 févr. 2023 12:50

Merci pour CCS, j'avais totalement oublié que cela existait.

alcat01 a écrit :
mer. 1 févr. 2023 11:07
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Ce que mon pote Dieter oublie de mentionner dans sa chronique, c'est que Lunch était un album concept ambitieux, mais qui a bien failli ne pas voir le jour. Ils n'ont pas eu le budget complet et Dudgeon (habitués aux moyens pour Elton Hohn) n'a pas su y faire n'ayant pas les coudées franches.

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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 13:59

Cooltrane a écrit :
mer. 1 févr. 2023 12:50
Merci pour CCS, j'avais totalement oublié que cela existait.

alcat01 a écrit :
mer. 1 févr. 2023 11:07
Image
Ce que mon pote Dieter oublie de mentionner dans sa chronique, c'est que Lunch était un album concept ambitieux, mais qui a bien failli ne pas voir le jour. Ils n'ont pas eu le budget complet et Dudgeon (habitués aux moyens pour Elton Hohn) n'a pas su y faire n'ayant pas les coudées franches.
Merci! :hello:

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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 14:00

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1973 The Best Band In The Land
CCS (Collective Consciousness Society), était un groupe britannique formé par le bluesman Alexis Korner et le chanteur Peter Thorup. Le groupe lui-même était également composé de différents chats de studio qui seraient présents, mais comprenait également Tony Carr (batterie), Herbie Flowers (basse), Harold Beckett (trompette), Harold McNair (bois) et Henry Lowther (trompette), entre autres . Ce n'était pas tout, car ils recherchaient un son unique pour rivaliser avec les meilleurs groupes de rock de l'époque. Ainsi, ils saisiront la crème de la crème des musiciens de studio de jazz de l'époque qui comprenait également Kenny Wheeler, Les Condon et le tromboniste Don Lusher, mélangés avec Ronnie Ross au baryton, Danny Moss au ténor et Ray Warleigh à la flûte. L'ensemble du line up serait toujours sujet à changement tout au long de l'histoire du groupe, en fonction de la disponibilité du personnel lors des enregistrements.
L'album comprend des reprises de chansons de The Kinks et Cream entre autres, et il est également partagé avec des compositions originales. Le style continue celui de leurs deux albums précédents, avec des chansons heavy rock et blues arrangées avec des instruments de jazz. Le single "The Band Played the Boogie" s'est classé jusqu'à la 36e place des charts officiels britanniques . Ni l'album ni le single n'ont été répertoriés aux États-Unis.
wikipedia


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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 15:56

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Pour le second album de Baton Rouge, l'ancien guitariste de Keel, Tony Palmucci, a été recruté afin que Keeling puisse se concentrer uniquement sur le chant et Cremin était parti.
"Lights Out On The Playground" est une preuve de plus que Baton Rouge aurait dû être un plus grand succès qu'eux. Cette suite de "Shake Your Soul" n'est pas une copie conforme mais plutôt une continuation de l'excellence établie par Baton Rouge sur leur premier album. Il a une sensation plus mature (expérimentée, si vous préférez) et les chansons sonnent toutes comme si elles provenaient d'un super groupe bien établi avec une série d'albums d'or à leur actif.
Vous savez que vous êtes prêt pour du rock 'n' roll sérieux lorsque Baton Rouge se lance dans le morceau d'ouverture, "Slave To The Rhythm", mais ce sont les chansons plus lentes de ce disque que j'apprécie vraiment. Les performances vocales de Kelly Keeling sur "Desperate" et "Hotter Than Hell" ne manquent jamais d'attirer toute mon attention. Les deux sont plus lents mais alors que "Desperate" a cette sensation émouvante et nostalgique, "Hotter Than Hell" est un morceau de blues à combustion lente qui me donne envie de plus. Je suis sûr que ce n'est pas une coïncidence si "Hotter Than Hell" se trouve être la 12e et dernière chanson de ce disque de 50 minutes.

Il est difficile de choisir une chanson comme la meilleure du groupe car "Lights Out On The Playground" propose de nombreux morceaux de qualité. Alors, pour emprunter (vaguement) aux paroles de "Vampire Kiss", ne soyez pas surpris si "Lights Out On The Playground" "vous rend électrique", "vous embrase", "vous fait vibrer les os" comme ça" vous emmène fil à fil".
CU82

Lights Out On The Playground a été un échec commercial et le groupe s'est rapidement séparé lorsque Keeling s'est vu offrir la place de chanteur principal dans Blue Murder.


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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 17:45

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1970 : Getting to This
Il n'y a pas eu beaucoup de changements entre les deux premiers albums de Blodwyn Pig, mais il y a quand même quelques différences notables. Il semble qu'Abrahams aime faire un peu plus de rock, au lieu d'emprunter un chemin lent et bluesy, ce dont je me réjouis. Les meilleurs de ces morceaux sont "See My Way" et "Send Your Son to Die" qui combinent les éléments du jazz de haut vol de Lancaster et le solo passionné d'Abrahams de façon remarquable avec leur section rythmique fascinante. Je trouve les autres moins intéressants ("The Squirelling Must Go On", "Worry"). Peut-être que Blodwyn Pig a toujours eu plus de blues/rock dans le sang, et qu'il était plus compétent dans cet aspect, mais mes goûts personnels sont un peu différents.
Et ceci nous amène à la deuxième petite différence. Ils ont commencé à devenir légèrement plus aventureux ici et certains morceaux commencent à se démarquer plus que d'habitude. Les meilleurs morceaux de cet album sont probablement "Variations on Nainos", à la manière de Jethro Tull, où Lancaster joue de la flûte psychédélique de manière exaltante, rivalisant avec les meilleurs jours de Ian Anderson avec son groupe, et l'ambitieux "San Francisco Sketches", qui commence à se rapprocher des groupes progressifs de l'époque. Sa sensibilité jazz groovy, ses jeux forts et ses breaks soudains font de ce morceau l'un de mes préférés. "Toys" est un morceau acoustique qui a lentement gagné en popularité, mais "To Rass Man" est un gaspillage très laid de reggae qui s'est en quelque sorte perdu dans cet album autrement solide.

Encore une fois, un album très intéressant de ces gens. C'est difficile pour moi de dire quel album je préfère. Les deux ont leurs hauts et leurs bas, mais je pense qu'ils sont assez similaires dans leur résultat final, bien que j'aime celui-là un peu plus, car il est plus proche de nouvelles eaux musicales que le précédent.
King_Insano


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Message par alcat01 » mer. 1 févr. 2023 19:50

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Pour son deuxième opus, "Wang Dang Doodle", paru en 1970, Livin' Blues porte vraiment bien son nom: il ne s'agit pas d'une imitation grotesque ou maladroite d'un Blues éculé ou faussement moderne, mais bien d'une interprétation sincère et viscérale.
Son Blues est fortement influencé par celui de Chicago et le British Blues. Cette formation n'a finalement rien à envier à des groupes comme Savoy Brown, Fleetwood Mac, Chicken Shack, Juicy Lucy ou encore John Mayall.
Mais, bien que le groupe puisse encore être considéré comme un groupe de Blues, le LP commence à suinter quelques influences de Rock Progressif.

John Lagrand, l'harmoniciste est toujours aussi talentueux et inspiré, jouant toujours avec une légère saturation, et le chanteur Nicko Christiansen est également capable de délivrer de jolies phrases de saxes jazzy, lorsqu'il ne riffe pas avec le guitariste Ted Oberg qui sait se montrer tout à fait flamboyant, voir lumineux.
Cet album de compositions pour la plupart d'origine, mélangeant les racines du Blues et du Blues Rock, où les titres Blues se succèdent ou succèdent à d'autres plus Blues Rock, parfois même proche d'un Blues plus Hard, tout en passant par des Slow Blues langoureux, est magnifié par deux excellentes reprises boostées de Willie Dixon: la chanson-titre, "Wang Dang Doodle" et une longue jam sur "Spoonful", l'une des meilleures versions de cette chanson.

Ils commencent le disque par "Wang Dang Doodle", la chanson phare de Koko Taylor sur laquelle ils ont ajouté un riff Zeppelinien qui l'a transformé en un Hard Rock pratiquement classique. Le riff de guitare rappelle un peu le "Black Night" de Deep Purple. Une version abrégée de la chanson sera publié en single et deviendra un succès modeste; ce succès permet au groupe de faire des tournées dans toute l'Europe, de l'Angleterre à l'Italie. Les guitares utilisent la distorsion et sonnent brut de décoffrage et cela devient presque une nouvelle chanson dans leurs mains.
Le morceau suivant, "I Came Home at Night", est une merveille qui nous ramène au plus beaux Slow Blues de Chicago, introduit par un saxophone jazzy, supplanté par un harmonica dans un style très Paul Butterfield qui laisse à son tour sa place à un très bon chorus de guitare...
Suit "Whiskey and Gin" qui n'est, comme son titre l'indique, ni plus, ni moins qu'une chanson à boire!
"This Is The Hour" est un morceau cool avec des vocaux, un harmonica et des percussions légères, aidée sur la fin par le son d'un bottleneck...
la chanson qui suit, "When the Sun goes down", annonce un Boogie de style Status Quo ou même presque une certaine lourdeur entendue sur "Rio Grand Mud" de ZZ Top.
Alors que "Go-Go Train" retourne vers des prairies plus sincèrement British Slow Blues, avec des nappes d'harmonica plutôt langoureux.
Enfin, pour le final, ils ont retravaillé "Spoonful" en quelque chose d'inhabituelle. Il y a juste ce qu'il faut d'Acid Rock, avec une pointe de Psychédélisme, surtout quand ils commencent à improviser.

Bref, cet album comporte certains des meilleurs Hard Blues Rock de la part de l'un des groupes de Blues les plus sous-estimés de l'époque.
Un autre must pour tous les fans de Blues et de Blues Rock!


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Message par alcat01 » jeu. 2 févr. 2023 10:22

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SAHB Stories (1976)
Le sixième album du Sensational Alex Harvey Band, sorti après un hiatus de plus d'un an qui a néanmoins vu la sortie de deux nouveaux LP : le fuyant Live, et la collection odds 'n' oldies Penthouse Tapes. Les deux ont dépeint le groupe sous un jour qui n'avait que peu de choses en commun avec les véritables forces du groupe - les deux, accompagnés d'un succès majeur dans les hit-parades et d'une exposition, ont laissé le groupe incertain quant à la façon dont il devait continuer - ou même s'il devait continuer. SAHB Stories souffre en conséquence.

Dans sa version la plus aboutie, il brille aux côtés du meilleur du passé du groupe. Le dernier morceau, "Dogs of War", bien qu'excessivement bombardé, se classe néanmoins aux côtés de "Mercenaries" de John Cale, tout aussi effrayant, comme l'un des plus grands examens jamais réalisés sur le soldat de fortune, tandis que l'histoire tordue de "Boston Tea Party" - probablement le seul hit britannique à mentionner les dents en bois de George Washington - est réglée sur un riff de guitare tomahawk martelant et un refrain extraordinairement contagieux. Une interprétation tout à fait envoûtante d'"Amos Moses" de Jerry Reed, quant à elle, plonge l'auditeur dans le bayou de Louisiane, à la chasse aux alligators comme aux chefs de police. Ailleurs, cependant, le sentiment de finalité qui entourait les concerts du groupe se retrouve dans l'incapacité de l'album à sortir de la seconde vitesse. "Dance to Your Daddy" est entraînante mais un peu trop mignonne ; "Sirocco" gronde avec une promesse orientale pulsée, mais ne tient jamais ses promesses, et ainsi de suite.

La fin du groupe est proche, et Harvey lui-même le reconnaît lorsqu'il quitte le groupe quelques mois plus tard.
Dave Thompson


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Message par alcat01 » jeu. 2 févr. 2023 10:24

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1981 El Rayo-X
Le multi-instrumentiste David Lindley est probablement mieux connu comme l'un des sidemen de Jackson Browne. Je l'ai entendu pour la première fois sur _ Running on Empty _ de Browne (c'est Lindley qui chante en fausset sur le tube mineur de l'album, "Stay").
Sur son premier album, "El Rayo-X", Lindley m'apparaît comme un croisement entre Ry Cooder et Garland Jeffreys. Il est éclectique comme Cooder à la fois dans son choix de sélections de reprises et dans les divers instruments qu'il joue. Et, comme Jeffreys, son matériel rock et R&B original est imprégné d'une bonne dose de reggae.

Produit par Browne, "El Rayo-X" couvre toute la gamme de différents styles musicaux, apparemment pour montrer les talents et les intérêts de Lindley. Sur l'album, il joue de la guitare électrique et slide, du violon et d'un instrument à cordes espagnol appelé la bandurria. Parmi les artistes invités figurent Bill Payne de Little Feat et l'ancien membre du groupe Garth Hudson, tous deux aux claviers.
Plus de la moitié des chansons sont des reprises, mais elles sont rarement jouées directement. Par exemple, il reprend "Bye Bye Love" des Everly Brothers en lui donnant le traitement zydeco. Vous souriez qu'il interprète une telle chanson de cette façon, mais franchement, cela n'apporte aucune lumière nouvelle à la chanson. La même chose peut être dite pour la reprise à saveur cajun de The Isley Brothers' "Twist and Shout" et la version influencée par les Caraïbes de The Temptations ' "Don't Look Back".
Lindley utilise les morceaux de reggae comme chansons politiques, conformément à la tradition de ce genre. Par exemple, le "Quarter of a Man" volumineux et maussade aborde les insuffisances d'un piranha social. Dans le dernier morceau de l'album, "Pay the Man", il reconnaît que tout le monde, des membres du Congrès aux prostituées du coin de la rue, doit se soumettre à une autorité supérieure, ici sur Terre et dans l'autre monde.
Pour moi, les chansons rock fonctionnent le mieux. Vous pouvez juste sentir le pouls s'accélérer sur "Mercury Blues" alors que Lindley et son groupe de musiciens déchirent la chanson comme s'ils brûlaient du caoutchouc sur un long tronçon d'autoroute.
La chanson titre est un peu maladroit de splendeur qui ressemble à Lindley diffusant de l'autre côté de la frontière mexicaine. Cet esprit Tex-Mex joyeux et invitant se poursuit sur sa reprise de "Tu-Ber-Cu-Lucas and the Sinus Blues" de Huey "Piano" Smith .

Il ne fait aucun doute que Lindley peut jouer, et "El Rayo-X" a une sensation de douceur décontractée. Il n'innove pas, mais l'esprit de l'album est celui de bons amis qui se réunissent et s'amusent.
Pantagruel


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Message par alcat01 » jeu. 2 févr. 2023 11:19

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Les tensions et autres conflits internes dans le groupe Heads Hands & Feet causés par des problèmes persistants, entrainent finalement l'éclatement du groupe en 1973 avant même la sortie de leur troisième LP, "Old Soldiers Never Die" qui marquait le passage du groupe chez Atlantic Records.
Contrairement au précèdent album, l'influence Country est moins évidente (en dehors du Country Rock, 'Taking My Music To The Man") et avec la plupart des chansons écrites par Tony Colton (chant) et Ray Smith (guitare), "Old Soldiers Never Die" tombe plus dans la catégorie de Rock Progressif. C'est un petit bijou que très peu de gens connaissent.
C'est encore un autre disque oublié, mais portant exceptionnel. Albert Lee est encore fidèle à lui-même à la fois à la guitare et au piano. Chas Hodges démontre toutes ses capacités et si le groupe avait eu un peu plus de chance, on aurait fini par en entendre plus de lui.
Bien que Tony Colton et Ray Smith personnifiaient parfaitement le plus clairement le groupe, c'est Albert Lee qui en était le principal légataire. Chas Hodges et Pete Gavin fournissaient une section rythmique de feu.

La première chanson, "Jack of All Trades" avec son piano et son accompagnement orchestral, avec les talents vocaux en contrepoint mis parfaitement en valeur, pourraient être à l'aise sur scène dans un opéra dit 'moderne'. A mi-chemin cependant, la chanson bascule dans une chanson trépidante "Meal Ticket" - un Rock up-tempo qui défrise.
Il y a beaucoup de morceaux qui se démarquent. Des ballades comme "Soft Word Sunday Morning" avec la voix impressionnante de Tony Colton, Albert Lee au ​​piano et un orchestre dirigé par Johny Harris. "Just Another Ambush" pourrait se retrouver sur l'album blanc des Beatles, alors que "Stripes" dans un style assez proche de "Whiter Shade of Pale" de Procol Harum, donne des frissons dans le dos avec ses paroles déchirantes et ses vocaux hantés.
"Another Ambush", "Taking My Music to the Man", et "Another Useless day" affichent toutes un style Rock et Boogie.

L'écoute de ce disque donne l'impression que les membres du groupe savaient que tout était fini et que ce devait être leur dernier enregistrement: ainsi ces chansons de la vie et de l'amour sur la route sont remplies d'une tristesse douce-amère qui vient du coeur.
Comme dit plus haut, le style de Heads Hands & Feet préfigure le mouvement Americana qui a fomenté aux Etats-Unis au cours des terribles années 1990 assez musicalement sages.


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Message par alcat01 » jeu. 2 févr. 2023 13:46

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Baton Rouge "Baton Rouge" 1997
Un album éponyme Baton Rouge est sorti en 1997, mais il n'est vraiment rien de plus que Kelly Keeling fournissant des vocaux à certaines demos de l'auteur-compositeur et producteur de disques expérimenté Jack Ponti et cela n'a jamais vraiment été considéré comme un projet de groupe.
Ce disque n'est pas un grand cru, mais il n'est pas aussi mauvais que certains critiques peuvent le dire...
Donnez-lui une chance!


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Message par alcat01 » jeu. 2 févr. 2023 15:49

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1991 "All Said And Done"
Les récits de la folie de contrôle de Ian Anderson sont probablement apocryphes. Elles racontent comment, après la première année incroyable de Jethro Tull, il a délibérément éliminé des membres du groupe tout aussi déterminés pour les remplacer par des musiciens plus dociles à sa volonté. C'est ainsi que le Tull s'est lancé dans des albums conceptuels à grand succès, mais moins intéressants, comme "Aqualung" (1971) et "Thick As A Brick" (1972).
Aujourd'hui, Mick Abrahams réécrit de manière convaincante l'histoire en sa faveur en réenregistrant l'intégralité du premier album de Tull, " This Was " (1968), en tant que projet solo, soulignant ainsi l'importance de sa contribution non négligeable. Et c'est un rappel étonnant de la façon dont cet album était innovant. À une époque où les idées préconçues avaient été pulvérisées au-delà de la stratosphère commerciale, et où tout était à prendre sans repères évidents, le Tull jouait au maximum de ses capacités, des tripes jusqu'à ce que les enceintes vibrent. Une concoction ambitieuse de jazz-blues comme il n'y en a jamais eu avant, ni depuis. Coupez, ça saigne.
Ici, de "My Sunday Feeling" avec la basse galopante de Mike Summerland et le scat-vocal de Steve Dundon, au blues lent "It's Breaking Me Up" avec l'excoriant solo prolongé d'Abrahams, et "Song For Jeffrey" sur lequel je peux entendre les paroles pour la première fois, Dundon excelle dans la tâche la plus difficile de reproduire de manière convaincante la voix d'Anderson tout en conservant ses propres compétences d'interprète.
Parmi les points forts de l'album, citons le swing haletant de l'instrumental jazz de Roland Kirk "Serenade For A Cuckoo" et une version exceptionnelle de 10:54min de "Cat's Squirrel" de Dr Ross (via Cream), passant par des séquences de doigté serré pour revenir à ce riff déchiqueté qui définit l'époque. Le "Dharma For One" d'Anderson/Clive Bunker persiste gentiment jusqu'à 5:15mins alors que la re-création de Tull va jusqu'au double de cette durée sur la face live au Carnegie-Hall du double-vinyle "Living In The Past" (1972) (et encore plus longtemps quand je les ai surpris au City Hall de Hull). Il y a aussi le slide proéminent d'Abrahams sur son propre "Move On Alone" et sa collaboration d'écriture avec Ian Anderson pour "Beggars Farm".
Comme l'indiquent ces morceaux, le line-up original était une contradiction vibrante et créative, qui n'a tenu que douze mois. Mick était déjà parti, remplacé temporairement par Tony Iommi, lorsqu'ils ont fait le "Rolling Stones Rock 'n' Roll Circus" à la fin de 1968.
À cette époque, Blodwyn Pig avait fait passer Mick à une autre phase de sa carrière. Ce coffret très soigné contient un deuxième CD qui présente de nouvelles impressions de ces incarnations ultérieures (ainsi qu'une interview sur DVD expliquant le projet). Il réunit même son groupe d'origine, le McGregor's Engine de Luton (Andy Pyle à la basse, Clive Bunker à la batterie), qui a servi de modèle à Tull pendant ses années de guitare vivante, avec "Let Me Love You Baby", puis le premier single de Pig éclairé par diapositives ("Dear Jill"), plus des extraits de "Ahead Rings Out" (août 1969) et "Getting To This" (août 1970), qui précèdent la première sortie de Mick de Pig.
Il aurait été viré de son propre groupe ! Mais il y a bien d'autres choses encore, notamment du blues boogie au piano et au saxophone ("Road Roller"), du brit-blues bagarreur qui ne demande qu'à être présenté à l'émission de R&B de Paul Jones sur Radio 2, du vieux Alexis Korner ("I Wonder Who"), du rag joyeux et soigné, de la complainte de la cuvette à poussière - "How Can A Poor Man" qui se compare bien à la version récemment publiée par Michael Chapman, ainsi que trois morceaux revisitant l'album de retrouvailles de Pig de 1994, "Lies".
Bien qu'il soit tentant de dire que ni Anderson, ni Abrahams n'ont jamais été aussi puissants séparément qu'ils l'ont été - brièvement - ensemble.
Andrew Darlington


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Message par alcat01 » jeu. 2 févr. 2023 17:39

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1989 : Gretchen Goes to Nebraska
Se targuant d’être la « first church of rock'n'roll » (la première église du rock'n'roll), KING’S X n’est pas pour autant un groupe de dévots ou de bigots lorsqu’un STRYPER, à une époque, distribuait des bibles à son public ou un SKILLET qui, de nos jours, chante les louanges du Seigneur à tout bout de… chant. Non, la formation d’origine texane est plus subtile que cela. Et le 27 juin 1989 sort le deuxième album du trio, plus abouti que son premier essai et qui n’est que succession d’excellents titres.
​Pour situer la bête, KING’S X mélange, à son rock si particulier, la soul de par la voix si caractéristique et profonde du chanteur-bassiste Doug Pinnick à celle de ses camarades Ty Tabor à la guitare et Jerry Gaskill, tous deux chantant en lead, créant ainsi des ambiances qui ne sont pas sans rappeler celles d’un petit groupe de Liverpool qui, en son temps, fit grand bruit dans le Landerneau d’outre-Manche, et ailleurs…
Influence totalement assumée, nom d’un scarabée ! Un exemple frappant à ce sujet étant l’intro du morceau "Everybody Knows A Little Bit Of Something". On parlait religion au début et les morceaux "Over My Head", incontournable des set-lists que le groupe aime à prolonger en live en faisant du public le quatrième musicien, "Mission" (une critique du télévangélisme, un sujet abordé par IRON MAIDEN sur "Holy Smoke" en 1990) et "Pleiades" (évoquant Giordano Bruno qui fut brûlé vif en 1600 pour hérésie et écrits blasphématoires) y font référence. D’autres chansons propulsent l’auditeur en orbite autour de la planète bonheur à l’écoute de "Summerland", "Out Of The Silent Planet" qui, au passage, porte le même titre que leur premier album ou la douce et délicate "The Difference (In The Garden Of St. Anne's-On-The-Hill)". Ces douze titres forment ainsi 52 minutes d’un contenu marqué d’une empreinte absolument unique et que KING’S X saura conserver, optimiser et développer au fil des années qui suivront.
Le magazine Rolling Stone, pour n’en citer qu’un, se fera l’écho de la qualité de cet album quand l’ancien guitariste de FAITH NO MORE, Jim Martin, interrogé alors par la chaîne MTV, déclarera : « Ce disque est l’un des seuls sortis par ceux qu’on appelle nouveaux groupes que j’ai vraiment aimé ces derniers temps. ». Un avis que nous partageons chez HARD FORCE sans condition.
L’album fut même à l’époque cité par Hard Rock Magazine parmi les meilleurs albums des années 80 ou parmi les albums de l’année par le britannique Kerrang!. Un enregistrement vidéo existe de cette tournée, en l’occurrence le concert donné par le groupe à Londres en 1990 et qui s’intitule « Live Love In London », un témoignage commercialisé de façon confidentielle par le groupe mais que chaque fan devrait avoir dans sa vidéothèque.
Jérôme Sérignac


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