à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

[Harvest]

"The Deviants" est le troisième et dernier album du groupe underground Britannique the Deviants, enregistré et sorti en 1969. Le chanteur Mick Farren considère cet album comme le début d'une divergence entre lui et ses collègues musiciens, déclarant "J'avais une idée et les autres voulaient être une sorte de groupe de guitares comme Led Zeppelin".

Sorti à l'origine en 1969, c'est le troisième album des Deviant et il est tout aussi bon que leur premier album 'Ptooff'. "Billy The Monster" a tendance à montrer le côté (un peu) farfelu du chanteur Mick Farren, car j'ai aussi trouvé que "First Line" et "People Suite" avaient bien leur place. Je suis sûr d'avoir déjà entendu l'instrumental "Broken Biscuits" quelque part. Un très bon travail de guitare tout au long de la réédition du CD. C'est peut-être parce que dans '#3', trois membres des Pink Fairies accompagnaient Farren, car je ne le savais pas avant de recevoir ce titre il y a quelque temps. Le guitariste Paul Rudolph, le bassiste Duncan Sanderson et le batteur Russell Hunter sont bien présents. Je me suis demandé pourquoi "Rumbling Transit Blues" m'avait fait penser - à ce point - aux Fairies. "Death Of A Dream Machine" m'a pris par surprise. Personnel : Mick Farren - producteur et chanteur, Paul Rudolph - guitare et voix, Duncan Sanderson - basse et voix, Tony Ferguson - orgue et Russell Hunter - percussions et voix. Une tranche fantastique de psychédélisme underground classique de la fin des années 60, avec une touche de blues punk. La réédition du CD est présentée dans un dépliant à quatre volets avec la pochette originale du LP. Belle reproduction. Durée - 34:25. Hautement recommandé.

Mike Reed

Trois excellents disques que ceux des Deviants. Puis les Pink Fairies. Vous y ajouterez le Edgar Broughton Band et Stackwaddy et vous aurez une assez bonne idée du rock underground hyper vitaminé qui nous aura secoué.

[alcat01]

"The Deviants" est le troisième et dernier album du groupe underground Britannique the Deviants, enregistré et sorti en 1969. Le chanteur Mick Farren considère cet album comme le début d'une divergence entre lui et ses collègues musiciens, déclarant "J'avais une idée et les autres voulaient être une sorte de groupe de guitares comme Led Zeppelin".

Sorti à l'origine en 1969, c'est le troisième album des Deviant et il est tout aussi bon que leur premier album 'Ptooff'. "Billy The Monster" a tendance à montrer le côté (un peu) farfelu du chanteur Mick Farren, car j'ai aussi trouvé que "First Line" et "People Suite" avaient bien leur place. Je suis sûr d'avoir déjà entendu l'instrumental "Broken Biscuits" quelque part. Un très bon travail de guitare tout au long de la réédition du CD. C'est peut-être parce que dans '#3', trois membres des Pink Fairies accompagnaient Farren, car je ne le savais pas avant de recevoir ce titre il y a quelque temps. Le guitariste Paul Rudolph, le bassiste Duncan Sanderson et le batteur Russell Hunter sont bien présents. Je me suis demandé pourquoi "Rumbling Transit Blues" m'avait fait penser - à ce point - aux Fairies. "Death Of A Dream Machine" m'a pris par surprise. Personnel : Mick Farren - producteur et chanteur, Paul Rudolph - guitare et voix, Duncan Sanderson - basse et voix, Tony Ferguson - orgue et Russell Hunter - percussions et voix. Une tranche fantastique de psychédélisme underground classique de la fin des années 60, avec une touche de blues punk. La réédition du CD est présentée dans un dépliant à quatre volets avec la pochette originale du LP. Belle reproduction. Durée - 34:25. Hautement recommandé.

Mike Reed

Trois excellents disques que ceux des Deviants. Puis les Pink Fairies. Vous y ajouterez le Edgar Broughton Band et Stackwaddy et vous aurez une assez bonne idée du rock underground hyper vitaminé qui nous aura secoué.

tout à fait d'accord!

[alcat01]

Il y a quelque temps, lors de ma quête pour rechercher les œuvres antérieures de Judas Priest, j'avais sauté cet album au profit de son successeur, "Stained Class". Ce qui est décevant, non seulement parce que cet album est crucial (du point de vue du critique de métal et de l'historien) pour voir la transition que Priest a faite vers cet album, mais parce que cet album vous botte immédiatement le cul en moins de 10 secondes et continue de le faire donc avec un minimum de sursis. Probablement leur album le plus lourd à ce jour, "Sin After Sin" montre un groupe qui se rapproche de la découverte de son identité en tant que groupe. Les chansons lourdes sont plus lourdes, plus rapides et plus frénétiques qu'auparavant, et la voix de Rob Halford plane sur les chansons, comme un chanteur d'opéra pour un orchestre infernal.

Bien que chaque morceau ait ses propres points forts, il y a quelques morceaux en particulier qui, à mon avis, méritent d'être remarqués, car ils montrent les progrès musicaux de Judas Priest et puisqu'ils continuent d'influencer le heavy metal à ce jour. Au milieu de l'album, nous sommes frappés par "Let us Prey / Call for the Priest", qui mélange les éléments progressifs que nous attendons des albums précédents de Priest avec l'attaque métal au tempo rapide du reste de l'album, contribuant presque à inventer l'idée du métal progressif. La chanson contient également un solo de guitare en duel qui précède de trois ans les albums d'Iron Maiden. "Here Come the Tears" est l'une des deux ballades de l'album, mais je le mentionne par dessus l'excellent "Last Rose of Summer" (une chanson avec un ton de guitare aqueux et une mélodie émouvante qui sonne comme si elle aurait pu influencer Pearl Jam, de tous les groupes) parce qu'elle se rapproche de ce que Judas Priest accomplira avec "Beyond the Realms of Death" en termes de mélange de mélancolie avec métal. Bien sûr, il y a "Dissident Aggressor", la finale épique de l'album, où le fausset de Rob atteint des sommets sans précédent et l'attaque de la guitare sonne comme un précurseur du thrash metal qui a dominé les années 80 (pas étonnant que Slayer l'ait repris !). La chose la plus proche d'une chanson "commerciale" sur cet album, encore plus que "Last Rose of Summer" est la reprise de Joan Baez "Diamonds and Rust". Avec des guitares remarquablement calmes et une ligne rythmique qui rappelle Heart, la chanson semble être une prédiction du travail plus commercial de Priest dans les années 80,

Bien que ces chansons méritent d'être notées en raison de l'influence qu'elles ont eue sur le heavy metal (ainsi que sur le rock en général), ce n'est pas pour discréditer le reste de l'album, en particulier l'ouverture déchirante "Sinner" qui ressemble à la réalisation logique du riff "Born to Be Wild". Je ne peux pas non plus m'empêcher de laisser passer le hard rock "Raw Deal", principalement à cause de l'insinuation dans les paroles : "Tous les yeux m'ont frappé quand je suis entré dans le bar / Annonce voyant que d'autres gars s'amusaient avec les mecs en denim". Bien que la référence à la culture gay doive désormais être flagrante pour quiconque connaît la carrière de Judas Priest, cela n'aurait pas été aussi évident à l'époque, lorsque les bars gays en cuir étaient encore dans l'ombre de la société, et une telle référence serait une plaisanterie ésotérique. . Je dois donc admirer cela, même lorsque Rob Halford était "

Sorti en 1977, l'année où le punk rock était roi, la vitesse des chansons de l'album semble être la réponse de Priest à des groupes comme les Sex Pistols, et certaines des chansons sont encore assez rapides et lourdes pour se mesurer au métal d'aujourd'hui. Les éléments progressifs se sentent mieux intégrés dans l'album que leurs deux efforts précédents, et Judas Priest a maintenant sa propre identité en tant que groupe séparé du reste de la foule à l'époque.

Tchernobog

[Harvest]

"Roxy & Elsewhere" paru en Juillet 1974 est un album live de Frank Zappa & The Mothers of Invention. La plupart des titres a été enregistrée au Roxy Theatre à Hollywood les 8, 9 et 10 décembre 1973.
Le matériel tiré des concerts du Roxy a ensuite été modifié avec quelques overdubs en studio, tandis que les pistes du "Elsewhere" ("Son of Orange County" & "More Trouble Every Day") ont été enregistrées le 8 mai 1974, au Edinboro State College, à Edinboro, en Pennsylvanie (et certaines parties de "Son of Orange County" le 11 mai 1974, à the Auditorium Theatre à Chicago, dand l'Illinois (dernier show) et ne contiennent pas de matériel 'overdubbé'.

Cet album est considéré comme un enregistrement de haute qualité de l'une des plus célèbres incarnations des Mothers. Il dispose d'une gamme complète de pièces instrumentales très difficiles telles que "Echidna's Arf (Of You)", "Don't You Ever Wash That Thing?", et le thème d'ouverture de "Be-Bop Tango (of the Old Jazzmen's Church)". Il comprend également "Cheepnis", un hommage comico-épique de Zappa aux films de monstres et d'épouvante à faible budget, et les versions retravaillées de chansons antérieures de son répertoire telles que "More Trouble Every Day" (reprise funky du blues à contenu social "Trouble Every Day", enregistré sur son tout premier album) et "Son of Orange County" (extrait des chansons "Oh No", pilier du répertoire de la première incarnation des Mothers, entre 1967 et 1969 et "The Orange County Lumber Truck" et avec un long solo de guitare). "Village of the Sun" est une chanson à propos de Sun Village, en Californie, une zone non constituée en société près de Palmdale, et cela fait également référence à Lancaster, toujours en Californie, la ville jumelle de la ville natale de Palmdale et Zappa.

Le disque comprend donc principalement des enregistrements tirés de trois spectacles au Roxy Theater à Hollywood, et aussi des pistes jamais publiées avant ou après sur aucun album de Zappa, avec ou sans Mothers. Le matériel des performances au Roxy a été partiellement overdubbé. Les autres pistes sont tirées du show du 8 Mai 1974 au Edinboro State College et le deuxième spectacle le 11 Mai (fête de mères) 1974 au Chicago Auditorium Theatre.

Le morceau d'ouverture, "Penguin in Bondage" est un mélange des performances au Roxy et le concert de Chicago.
Le solo de guitare sur "Son of Orange County" est l'un des rares solos de guitare Zappa édités ensemble tirés de plus d'un concert, dans ce cas, les dates d'Edinboro et de Chicago.
A noter que certains des morceaux inutilisés des spectacles du Roxy circulent en bootlegs, ainsi que la totalité du show de Edinboro. D'autres pistes ont été éditées sur les volumes One, Three et Four des séries "You Can't Do That on Stage Anymore".
En marge, on peut entendre Zappa sur les bandes du Roxy publiées et inédites, parlant de la réalisation d'un 'film' qui pourrait potentiellement être "diffusé à la télévision", et rappelant au public de ne pas être "...mal à l'aise autour des grandes caméras 16 mm intimidantes...".

Une version quadriphonique à quatre canaux de l'album avait été préparée et annoncée, mais jamais publiée. Les trois concerts donnés au Roxy Theatre avaient aussi été filmés dans le but d'en proposer une sortie sur support vidéo. Le projet n'ayant pu aboutir du vivant de Frank Zappa, pour des raisons de budget, il était devenu un serpent de mer auprès des fans de l'artiste, sa production étant sans cesse repoussée.

Là encore fabuleux disque live. La Zappa Family a depuis édité la totalité des sets ainsi que le concert filmé.

[DaFrog]

The Deviants, Zappa/Roxy, ça me parle

[nunu]

Il y a quelque temps, lors de ma quête pour rechercher les œuvres antérieures de Judas Priest, j'avais sauté cet album au profit de son successeur, "Stained Class". Ce qui est décevant, non seulement parce que cet album est crucial (du point de vue du critique de métal et de l'historien) pour voir la transition que Priest a faite vers cet album, mais parce que cet album vous botte immédiatement le cul en moins de 10 secondes et continue de le faire donc avec un minimum de sursis. Probablement leur album le plus lourd à ce jour, "Sin After Sin" montre un groupe qui se rapproche de la découverte de son identité en tant que groupe. Les chansons lourdes sont plus lourdes, plus rapides et plus frénétiques qu'auparavant, et la voix de Rob Halford plane sur les chansons, comme un chanteur d'opéra pour un orchestre infernal.

Bien que chaque morceau ait ses propres points forts, il y a quelques morceaux en particulier qui, à mon avis, méritent d'être remarqués, car ils montrent les progrès musicaux de Judas Priest et puisqu'ils continuent d'influencer le heavy metal à ce jour. Au milieu de l'album, nous sommes frappés par "Let us Prey / Call for the Priest", qui mélange les éléments progressifs que nous attendons des albums précédents de Priest avec l'attaque métal au tempo rapide du reste de l'album, contribuant presque à inventer l'idée du métal progressif. La chanson contient également un solo de guitare en duel qui précède de trois ans les albums d'Iron Maiden. "Here Come the Tears" est l'une des deux ballades de l'album, mais je le mentionne par dessus l'excellent "Last Rose of Summer" (une chanson avec un ton de guitare aqueux et une mélodie émouvante qui sonne comme si elle aurait pu influencer Pearl Jam, de tous les groupes) parce qu'elle se rapproche de ce que Judas Priest accomplira avec "Beyond the Realms of Death" en termes de mélange de mélancolie avec métal. Bien sûr, il y a "Dissident Aggressor", la finale épique de l'album, où le fausset de Rob atteint des sommets sans précédent et l'attaque de la guitare sonne comme un précurseur du thrash metal qui a dominé les années 80 (pas étonnant que Slayer l'ait repris !). La chose la plus proche d'une chanson "commerciale" sur cet album, encore plus que "Last Rose of Summer" est la reprise de Joan Baez "Diamonds and Rust". Avec des guitares remarquablement calmes et une ligne rythmique qui rappelle Heart, la chanson semble être une prédiction du travail plus commercial de Priest dans les années 80,

Bien que ces chansons méritent d'être notées en raison de l'influence qu'elles ont eue sur le heavy metal (ainsi que sur le rock en général), ce n'est pas pour discréditer le reste de l'album, en particulier l'ouverture déchirante "Sinner" qui ressemble à la réalisation logique du riff "Born to Be Wild". Je ne peux pas non plus m'empêcher de laisser passer le hard rock "Raw Deal", principalement à cause de l'insinuation dans les paroles : "Tous les yeux m'ont frappé quand je suis entré dans le bar / Annonce voyant que d'autres gars s'amusaient avec les mecs en denim". Bien que la référence à la culture gay doive désormais être flagrante pour quiconque connaît la carrière de Judas Priest, cela n'aurait pas été aussi évident à l'époque, lorsque les bars gays en cuir étaient encore dans l'ombre de la société, et une telle référence serait une plaisanterie ésotérique. . Je dois donc admirer cela, même lorsque Rob Halford était "

Sorti en 1977, l'année où le punk rock était roi, la vitesse des chansons de l'album semble être la réponse de Priest à des groupes comme les Sex Pistols, et certaines des chansons sont encore assez rapides et lourdes pour se mesurer au métal d'aujourd'hui. Les éléments progressifs se sentent mieux intégrés dans l'album que leurs deux efforts précédents, et Judas Priest a maintenant sa propre identité en tant que groupe séparé du reste de la foule à l'époque.

Tchernobog

Troisième album du groupe avec un troisième batteur différent. Pour le coup la c'est un musicien de studio et pas n'importe lequel puisque c'est Simon Phillips qui s'y colle. Il a 20 piges a l'époque.

[alcat01]

Fastway est un groupe Britannique composé de Dave King - chant, de "Fast" Eddie Clarke - guitare, de Jerry Shirley - batterie, de Pete Way - basse (crédité, mais pas sur l'album) et de Mickey Feat - basse (non credité, mais c'est bien lui qui joue).

Le hard rock bluesy et le boogie étaient encore présents au début des années 1980, même si le hair metal commençait à attirer toute l'attention. L'un de ces groupes britanniques, Fastway, était dirigé par deux vétérans : Fast Eddie Clarke, guitariste de Motorhead, et Jerry Shirley, batteur de Humble Pie. Ils ont recruté un chanteur et harmoniciste inconnu, David King, et ont sorti leur premier album éponyme en 1983.
Fastway n'avait pas de bassiste à plein temps à ce moment-là, et celui qui a joué sur l'album n'est pas crédité. King était un clone virtuel de Robert Plant, et c'est un euphémisme de dire qu'une grande partie de Fastway ressemble plus que de loin à Led Zeppelin. Malgré sa nature dérivée, il s'agit d'un plaisir négligé et non raffiné.
Dans l'ensemble, le travail de Clarke à la guitare est plus varié qu'avec Motorhead, mais le premier morceau, "Easy Livin'", est plein de ses riffs de marteau-piqueur. La mélodie est également accrocheuse, et le chant exubérant de King ne peut être ignoré. " Feel Me, Touch Me (Do Anything You Want) ", " Heft ! " et " We Become One " sont bons, mais le crachotant " Say What You Will " et le morceau bonus " Far Far From Home ", qui est une véritable bombe, sont, avec " Easy Livin' " (qui n'est pas une reprise d'Uriah Heep, d'ailleurs), les meilleurs morceaux de Fastway. Il est intéressant de noter que, bien que les influences de Fastway soient évidentes, le groupe a généralement évité les critiques venimeuses et les comparaisons dont Kingdom Come a fait l'objet cinq ans plus tard.

Bret Adams

[alcat01]

Il y a quelque temps, lors de ma quête pour rechercher les œuvres antérieures de Judas Priest, j'avais sauté cet album au profit de son successeur, "Stained Class". Ce qui est décevant, non seulement parce que cet album est crucial (du point de vue du critique de métal et de l'historien) pour voir la transition que Priest a faite vers cet album, mais parce que cet album vous botte immédiatement le cul en moins de 10 secondes et continue de le faire donc avec un minimum de sursis. Probablement leur album le plus lourd à ce jour, "Sin After Sin" montre un groupe qui se rapproche de la découverte de son identité en tant que groupe. Les chansons lourdes sont plus lourdes, plus rapides et plus frénétiques qu'auparavant, et la voix de Rob Halford plane sur les chansons, comme un chanteur d'opéra pour un orchestre infernal.

Bien que chaque morceau ait ses propres points forts, il y a quelques morceaux en particulier qui, à mon avis, méritent d'être remarqués, car ils montrent les progrès musicaux de Judas Priest et puisqu'ils continuent d'influencer le heavy metal à ce jour. Au milieu de l'album, nous sommes frappés par "Let us Prey / Call for the Priest", qui mélange les éléments progressifs que nous attendons des albums précédents de Priest avec l'attaque métal au tempo rapide du reste de l'album, contribuant presque à inventer l'idée du métal progressif. La chanson contient également un solo de guitare en duel qui précède de trois ans les albums d'Iron Maiden. "Here Come the Tears" est l'une des deux ballades de l'album, mais je le mentionne par dessus l'excellent "Last Rose of Summer" (une chanson avec un ton de guitare aqueux et une mélodie émouvante qui sonne comme si elle aurait pu influencer Pearl Jam, de tous les groupes) parce qu'elle se rapproche de ce que Judas Priest accomplira avec "Beyond the Realms of Death" en termes de mélange de mélancolie avec métal. Bien sûr, il y a "Dissident Aggressor", la finale épique de l'album, où le fausset de Rob atteint des sommets sans précédent et l'attaque de la guitare sonne comme un précurseur du thrash metal qui a dominé les années 80 (pas étonnant que Slayer l'ait repris !). La chose la plus proche d'une chanson "commerciale" sur cet album, encore plus que "Last Rose of Summer" est la reprise de Joan Baez "Diamonds and Rust". Avec des guitares remarquablement calmes et une ligne rythmique qui rappelle Heart, la chanson semble être une prédiction du travail plus commercial de Priest dans les années 80,

Bien que ces chansons méritent d'être notées en raison de l'influence qu'elles ont eue sur le heavy metal (ainsi que sur le rock en général), ce n'est pas pour discréditer le reste de l'album, en particulier l'ouverture déchirante "Sinner" qui ressemble à la réalisation logique du riff "Born to Be Wild". Je ne peux pas non plus m'empêcher de laisser passer le hard rock "Raw Deal", principalement à cause de l'insinuation dans les paroles : "Tous les yeux m'ont frappé quand je suis entré dans le bar / Annonce voyant que d'autres gars s'amusaient avec les mecs en denim". Bien que la référence à la culture gay doive désormais être flagrante pour quiconque connaît la carrière de Judas Priest, cela n'aurait pas été aussi évident à l'époque, lorsque les bars gays en cuir étaient encore dans l'ombre de la société, et une telle référence serait une plaisanterie ésotérique. . Je dois donc admirer cela, même lorsque Rob Halford était "

Sorti en 1977, l'année où le punk rock était roi, la vitesse des chansons de l'album semble être la réponse de Priest à des groupes comme les Sex Pistols, et certaines des chansons sont encore assez rapides et lourdes pour se mesurer au métal d'aujourd'hui. Les éléments progressifs se sentent mieux intégrés dans l'album que leurs deux efforts précédents, et Judas Priest a maintenant sa propre identité en tant que groupe séparé du reste de la foule à l'époque.

Tchernobog

Troisième album du groupe avec un troisième batteur différent. Pour le coup la c'est un musicien de studio et pas n'importe lequel puisque c'est Simon Phillips qui s'y colle. Il a 20 piges a l'époque.

Pour moi, leur meilleur album, et le seul que j'ai gardé!

[nunu]

Il est même pas dans mon Top 5 je pense :

-British Steel
-Defender of the Faith
-Scraming for Vengance
-Killing Machine
-Stained Class

[alcat01]

L'année 1975 est surtout marquée par l’édition de "One Size Fits All" en Juin, un album de Rock de Frank Zappa and the Mothers of Invention.
Une version spéciale quadriphonique quatre canaux avait été annoncée, mais jamais publiée.
Le line up d'alors des Mothers of Invention, composé de George Duke aux claviers, de Napoleon Murphy Brock au chant et au saxophone, de Ruth Underwood aux percussions, de Tom Fowler à la basse et de Chester Thompson à la batterie est une des plus unanimement acclamées parmi les amateurs de Frank Zappa.
Il est considéré comme l'un des plus charismatiques et cohésifs, trouvant l'équilibre entre virtuosité instrumentale et sens de l'entertainment scénique, se coulant avec aisance dans l'univers musical zappaien tout en lui donnant une couleur Jazz Rock et Funky flamboyante.
Une piste comporte le bassiste James "Birdlegs" Youman, qui remplaça Fowler quand le bassiste s'était cassé la main lors d'une tournée. À noter la présence de Johnny 'Guitar' Watson, chanteur et guitariste Américain souvent cité dans les interviews données par Frank Zappa comme l'une de ses références en matière de guitariste, et qui passait par hasard dans le studio où Zappa enregistrait avec son groupe, les Mothers of Invention. Il chante sur les titres "Andy" et "San Ber'dino". Captain Beefheart apparaît également sous le pseudonyme de Bloodshot Rollin' Red.

Bien que présenté comme un album studio, "One Size Fits All" contient certains éléments enregistrés lors de concerts donnés en 1974.
Il comporte l'une des pistes les plus complexes de Zappa, "Inca Roads", le morceau préféré de sa femme Gail, dont le socle est issu d'un concert donné à Los Angeles en Août 1974 et dont on peut entendre des extraits dans l'album "The Dub Room Special!". Son solo de guitare provient en revanche d'un concert à Helsinki en Septembre 1974 (que l'on peut entendre dans sa version complète dans l'album live "You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 2", paru en 1988).
Le même procédé - appelé 'xenochronie' par Zappa - est employé pour le morceau "Florentine Pogen", tiré du même concert à Los Angeles en Août 1974 et amputé de son solo de guitare (disponible dans "The Dub Room Special!").

Zappa a déclaré dans les notes de pochette que l'album a été enregistré en même temps que leur "prochain album", mais ce "prochain album" sera remplacé par "Bongo Fury", principalement constitué d'enregistrements live avec Beefheart à partir de Mai 1975.
D'après les commentaires de Frank fait dans des interviews radiophoniques en Avril 1975, il semblait probable que le prochain album inédit contiendrait "Greggery Peccary", lequel n'est apparu que trois ans plus tard sur "Studio Tan".

"One Size Fits All" a d'abord été publié en CD par Rykodisc en 1988.
Il a été réédité par Rykodisc en 1995 avec l'art de la pochette restaurée, mais avec une qualité sonore identique.
En 1996, une édition 24-karat gold Au20 a été émise avec une qualité sonore améliorée de manière significative.
En 2012, il a été remasterisé et réédité encore une fois par le Universal Music Group sous la marque Zappa Records.

[Harvest]

Quel disque celui-ci. Œuvre chef. Peu se seront hissés à un tel niveau de musicalité.

[alcat01]

Il y a quelque temps, lors de ma quête pour rechercher les œuvres antérieures de Judas Priest, j'avais sauté cet album au profit de son successeur, "Stained Class". Ce qui est décevant, non seulement parce que cet album est crucial (du point de vue du critique de métal et de l'historien) pour voir la transition que Priest a faite vers cet album, mais parce que cet album vous botte immédiatement le cul en moins de 10 secondes et continue de le faire donc avec un minimum de sursis. Probablement leur album le plus lourd à ce jour, "Sin After Sin" montre un groupe qui se rapproche de la découverte de son identité en tant que groupe. Les chansons lourdes sont plus lourdes, plus rapides et plus frénétiques qu'auparavant, et la voix de Rob Halford plane sur les chansons, comme un chanteur d'opéra pour un orchestre infernal.

Bien que chaque morceau ait ses propres points forts, il y a quelques morceaux en particulier qui, à mon avis, méritent d'être remarqués, car ils montrent les progrès musicaux de Judas Priest et puisqu'ils continuent d'influencer le heavy metal à ce jour. Au milieu de l'album, nous sommes frappés par "Let us Prey / Call for the Priest", qui mélange les éléments progressifs que nous attendons des albums précédents de Priest avec l'attaque métal au tempo rapide du reste de l'album, contribuant presque à inventer l'idée du métal progressif. La chanson contient également un solo de guitare en duel qui précède de trois ans les albums d'Iron Maiden. "Here Come the Tears" est l'une des deux ballades de l'album, mais je le mentionne par dessus l'excellent "Last Rose of Summer" (une chanson avec un ton de guitare aqueux et une mélodie émouvante qui sonne comme si elle aurait pu influencer Pearl Jam, de tous les groupes) parce qu'elle se rapproche de ce que Judas Priest accomplira avec "Beyond the Realms of Death" en termes de mélange de mélancolie avec métal. Bien sûr, il y a "Dissident Aggressor", la finale épique de l'album, où le fausset de Rob atteint des sommets sans précédent et l'attaque de la guitare sonne comme un précurseur du thrash metal qui a dominé les années 80 (pas étonnant que Slayer l'ait repris !). La chose la plus proche d'une chanson "commerciale" sur cet album, encore plus que "Last Rose of Summer" est la reprise de Joan Baez "Diamonds and Rust". Avec des guitares remarquablement calmes et une ligne rythmique qui rappelle Heart, la chanson semble être une prédiction du travail plus commercial de Priest dans les années 80,

Bien que ces chansons méritent d'être notées en raison de l'influence qu'elles ont eue sur le heavy metal (ainsi que sur le rock en général), ce n'est pas pour discréditer le reste de l'album, en particulier l'ouverture déchirante "Sinner" qui ressemble à la réalisation logique du riff "Born to Be Wild". Je ne peux pas non plus m'empêcher de laisser passer le hard rock "Raw Deal", principalement à cause de l'insinuation dans les paroles : "Tous les yeux m'ont frappé quand je suis entré dans le bar / Annonce voyant que d'autres gars s'amusaient avec les mecs en denim". Bien que la référence à la culture gay doive désormais être flagrante pour quiconque connaît la carrière de Judas Priest, cela n'aurait pas été aussi évident à l'époque, lorsque les bars gays en cuir étaient encore dans l'ombre de la société, et une telle référence serait une plaisanterie ésotérique. . Je dois donc admirer cela, même lorsque Rob Halford était "

Sorti en 1977, l'année où le punk rock était roi, la vitesse des chansons de l'album semble être la réponse de Priest à des groupes comme les Sex Pistols, et certaines des chansons sont encore assez rapides et lourdes pour se mesurer au métal d'aujourd'hui. Les éléments progressifs se sentent mieux intégrés dans l'album que leurs deux efforts précédents, et Judas Priest a maintenant sa propre identité en tant que groupe séparé du reste de la foule à l'époque.

Tchernobog

Troisième album du groupe avec un troisième batteur différent. Pour le coup la c'est un musicien de studio et pas n'importe lequel puisque c'est Simon Phillips qui s'y colle. Il a 20 piges a l'époque.

Merci pour toutes ces précisions!

[Harvest]

Guy Darol a consacré un petit livre chez Le mot et le reste en 2008 sur ce disque. Livre intitulé, Frank Zappa / one size fits all - Cosmogonie du sofa. Lecture éclairante.

[alcat01]

Il est même pas dans mon Top 5 je pense :

-British Steel
-Defender of the Faith
-Scraming for Vengance
-Killing Machine
-Stained Class

J'avias acheté les six premières sorties!
Après, je n'ai jamais retrouvé le feeling ressenti à l'époque!
Au point même de tous les revendre...

J'ai racheté "Sin After Sin" bien plus tard en CD!

[Algernon]

Jamais écouté One Size Fits All
On ne peut pas tout écouter non plus. Ça va donner une séance de rattrapage.

[alcat01]

Jamais écouté One Size Fits All
On ne peut pas tout écouter non plus. Ça va donner une séance de rattrapage.

Bonne écoute!

[alcat01]

Le groupe Rock Rose s'est formé à l'origine autour du bassiste chanteur Frank Demme, du claviériste guitariste chanteur Chris Barr et du lead guitariste Carl Johnson, qui étaient allés au lycée ensemble dans une banlieue de Los Angeles.
Le trio a dérivé à travers une variété de groupes de Garage locaux avant de chercher la dernière pièce du puzzle, un quatrième membre. Une fois le batteur Jack D'Amore à bord, le groupe est passé à la vitesse supérieure et a parcouru le circuit des clubs de Californie du Sud ainsi que d'autres États de la côte Ouest.

L'album éponyme enregistré en 1979 est un AOR d'époque bien conçu avec des arrangements harmonieux et soignés, réalisés par l'équipe de production qui a notamment travaillé avec Santana - Dennis Lambert et Brian Potter. "Diary Of Fools " est une excellente chanson, tout comme "Daddy's Car " et " Sad Thing ".

Un bon disque à découvrir!

[alcat01]

Guy Darol a consacré un petit livre chez Le mot et le reste en 2008 sur ce disque. Livre intitulé, Frank Zappa / one size fits all - Cosmogonie du sofa. Lecture éclairante.

Merci, Harvest!

[Cooltrane]

One Size Fits All est excellent, mais repose surtout sur l'immense Inca Roads.

Il est même pas dans mon Top 5 je pense :

-British Steel
-Defender of the Faith
-Scraming for Vengance
-Killing Machine
-Stained Class

Aucun de ceux-là.

Je n'en garde qu'un, c'est le Sad Wings Of Destiny... Jamais réussi à rentrer dans Sin After Sin... pas lieux pas Stained et Hell Bent For Leather (titre ricain)... mais franchement à partir de Brutish Steel, je décroche totalement.

Pour finir, je préfère encore leur assez brouillon Rocka And Rolla à la plupart de leur plaques non-70's.

[alcat01]

L'album "Another Days Blues" de Robin Trower, sorti en 2005, est une réussite totale.
Le line up est composé, outre Trower, de Davey Pattison au chant, de Reg Isadore à la batterie, de Nicky Brown aux claviers, et Dave Bronze à la basse.
L'ensemble est très bluesy et l'orgue toujours aussi discret tapisse la plupart des morceaux.

Comme son titre l'indique, cet opus est entièrement Blues. Il dispose d'une palette de compositions originales de Trower et des reprises de standards du Blues comme le "Crossroads" de Robert Johnson.

Le jeu de Trower est, comme toujours, superbe. On reconnait moins son style caractéristique, mais la guitare reste fluide ou enlevée mais avec moins de distorsion et autre effet wha wha, même si "21st Century Blues", "Go my Way" ou "This Blue Love" laissent entendre quelques effets adéquats qu'affectionnent particulièrement Robin. Et il joue avec le genre de fureur contrôlée caractéristique des meilleurs guitaristes de Blues et sa guitare sonne bien.

Sa guitare est même meilleure que jamais... plus nuancée, plus dynamique et c'est clair que le côté lyrique de son approche s'est amélioré au fil des ans. Et elle brille efficacement.
Davey Pattison prend tous les vocaux (sauf Hazel Fernandez sur "Looking For a True Love" et Trower sur "This Blue Love"), ce qui permet à Robin de s'épancher généreusement par des solos de guitare très inspirés. La voix de Pattison apporte une autre dimension aux chansons de Trower. Il démontre, si besoin était, qu'il est un merveilleux chanteur dans la tradition des chanteurs classiques de Blues Britanniques comme James Dewar ou Paul Rodgers. Il est évident que Pattison est un meilleur chanteur que Trower et il est aussi plus à l'aise quand il chante le Blues.
La section rythmique est toujours aussi parfaite avec son compère de la première heure, Reg Isadore à la batterie et Dave Bronze qu'on ne présente plus à la basse. Et avec Nicky Brown à l'orgue, tout est prêt pour un grand festin.

Il s'agit d'un enregistrement exceptionnel. Ce n'est pas un disque de Rock, mais c'est très certainement un disque de Robin Trower de toute première classe... L'album contient surtout certaines pépites de Blues, et rien d'autre que du Blues. Mais ce ne sont pas tous des standards comme "Crossroads".
Le songwriting est bon et l'ambiance semble excellente.
La plupart des chansons sont vraiment bonnes: "Inside Out" et "Go My Way" sont remarquables.

Une bonne partie du CD est de premier ordre avec un bon remake de "Someday Blues", de "21st Century Blues", "Go My Way" remanié, la langueur de "Shining Through", la reprise oscillante de "Crossroads", et la progression de "Feel So Bad". Cela groove malgré l'avis contraire de certains fans et surtout grâce au feu contrôlé du jeu de Trower car le disque est bourré de jeu de guitare au phrasé simple mais émouvant avec beaucoup de feeling, une bonne variété de tons distordus.
D'ailleurs, beaucoup de chansons sont des remakes de chansons précédentes, mais chacune d'elles a été améliorée.

L'album s'ouvre avec "Inside Out", un petit bijou qui est un Blues très rythmé qui était à l'origine sur l' album "Someday Blues". C'est probablement le morceau d'exception du disque.
Vient ensuite "Someday Blues" qui était aussi sur le même album. La différence avec cette version est que Pattison remplace efficacement Trower au chant. C'est une chanson au rythme lent avec la présence d'un orgue Hammond et un style de Blues beaucoup plus traditionnel. Comme toujours, Trower brille sur ses pistes.
"Sweet Little Angel", co-écrite par le légendaire B.B. King, suit et a également été à l'origine sur le même album.
"21st Century Blues" est une mise à jour de sa chanson "20th Century Blues" de l'album du même nom de 1994. La chanson est plus dans la veine d'un Blues traditionnel.
L'originale de "Next in Line" se trouve sur "Someday Blues" aussi et ce qui en ressort est la voix de Pattison nettement meilleure que celle de Trower.
"Go My Way" est une version différente de celle de l'album "Go My Way". Elle est beaucoup plus courte que la version originale et plus bluesy avec Trower utilisant une pédale wah-wah à bon escient. Et puis, il y a le traitement vocal de Davey Pattison où celui-ci apporte cette voix incroyable et une interprétation émouvante, donnant à la chanson une sensation tout à fait différente de l'originale.
Cependant, la chanson la plus puissante et intense, à la fois lyrique et musicale, est sans aucun doute la réincarnation de "Extermination Blues" qui était à l'origine de l'album "Someday Blues" également. Cette fois Trower joue méchament de la lead en slide, ce qui est rare pour lui.
La voix délicieusement riche et enrouée d'Hazel Fernandez donne tout ce qu'elle a sur "Looking For a True Love" et c'est vraiment parfait. Son chant remplace efficacement la voix d'origine sur "Someday Blues".
"Shining Through" a le même pedigree que la plupart des chansons sur cet album, elle vient du même album, "Someday Blues". C'est une énorme chanson, avec une guitare extrêmement puissante. Cette version est un peu plus longue, mais elle est similaire musicalement à celle de "Someday Blues" avec l'orgue Hammond en instrument principal et Pattison la chante avec passion.
Trower fait alors une reprise du Blues du grand Robert Johnson, "Crossroads", mais c'est loin d'être la version de Cream, et c'est plus proche de la version traditionnelle que Johnson avait enregistré.
La nouvelle version de "Feel So Bad" écrite par un autre géant du Blues, Chuck Willis, qui était beaucoup plus qu'un contemporain de Robert Johnson, est meilleure que la précèdente.
La dernière chanson, "This Blue Love", chantée par Trower, est apparemment la seule chanson qui est unique à l'album. Robin n'a jamais chanté comme ça. Sa voix atteint enfin un bon niveau, devenant autant un instrument finement réglé alors que sa 'Signature Strat" s'exprime avec la passion pure et l'émotion brute ! Cette chanson fait littéralement frissonner!

En conclusion, les vocaux de Trower ont donc été remplacés, ce qui est la plupart du temps une bonne chose, certaines chansons ont été bien remixées et certains instruments ont même été réenregistrés.
C'est un grand album solide qui vaut la peine d'être ajouté dans toute discothèque. Un excellent disque qui garantit un plaisir d'écoute très appréciable.