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Message par alcat01 » mar. 14 mars 2023 19:42

Algernon a écrit :
mar. 14 mars 2023 19:15
Ils avaient décroché la timbale à l'époque. Bah ! J'aime bien "Love Stinks", qui contient deux ou trois surprises, mais qui n'est pas un changement terrifiant quand à l'esprit. C'était surtout la prise de contrôle par Seth Justman qui a changé les choses.
Je préfère les deux lives, et de loin!

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Message par alcat01 » mar. 14 mars 2023 19:43

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Ladies Invited 1973
The J. Geils Band sortait de son plus grand album (Bloodshot, qui a atteint le Top 10 du Billboard) lorsque Ladies Invited est paru en 1973. Il n'a pas atteint le même niveau de vente (il s'est classé au 51e rang) et aucune des chansons n'est devenue un incontournable de l'AOR.
Malgré cela, le disque est un Geils solidement divertissant, plein d'airs de fête sautillants et de ballades qui font chaud au cœur, tous composés par le groupe lui-même.
Comme d'habitude, les chansons les plus rythmées sont les meilleures : "Did You No Wrong" est un rocker dynamique avec un travail de guitare foudroyant de J. Geils, "I Can't Go On" est une jam funky à fond, et "Lay Your Good Thing Down" est de la bonne blue-eyed soul avec des voix de hipster de Peter Wolf. Les ballades montrent un niveau d'émotion et d'engagement auquel on ne s'attendrait pas : "My Baby Don't Love Me" est un morceau qui fait pleurer dans les chaumières, avec les harmonies douloureuses de Seth Justman, "Chimes" est un morceau atmosphérique et paranoïaque avec une grande dynamique et un chant de Wolf qui oscille entre l'intimité et le hurlement, et le meilleur de tous est probablement le relaxant "That's Why I'm Thinking of You", aux accents de Stones. Il est vraiment surprenant qu'aucune de ces chansons n'ait été retenue par les programmateurs de l'AOR. La seule à avoir été écoutée est "No Doubt About It", et c'est le point culminant de l'album, un blues rock bas et méchant, avec le seul et unique Magic Dick qui s'attaque à son harmonica. Cette chanson et d'autres comme le dynamique "Take a Chance (On Romance)" et le ringard mais amusant "Diddyboppin'" auraient dû être diffusés sur les radios de tout le quartier, sur les parkings des lycées et sur la plage - en gros, partout où l'AOR sonne le mieux.
Ne laissez personne vous dire que Ladies Invited est l'une des moins bonnes œuvres de Geils.
C'est juste l'une des œuvres oubliées du groupe qui mérite une seconde écoute.
Tim Sendra



N.B.: Le modèle de la pochette, illustrée par le célèbre artiste de mode Antonio, serait l'actrice Faye Dunaway qui a épousé le chanteur Peter Wolf l'année suivante.

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Message par Algernon » mar. 14 mars 2023 21:04

Je l'ai réécouté récemment, et toujours le même avis : il n'apporte rien au prestige du groupe, et est même un peu faible.
Je ne suis pas trop vieux pour ces conneries.

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Message par alcat01 » mar. 14 mars 2023 21:33

Algernon a écrit :
mar. 14 mars 2023 21:04
Je l'ai réécouté récemment, et toujours le même avis : il n'apporte rien au prestige du groupe, et est même un peu faible.
Ce n'est pas un grand disque, d'accord, mais il n'est pas mauvais!

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Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 10:11

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En 1976, les Groovies sortent un album étrange appelé "Shake Some Action" qui connaîtra un petit succès.
Sorti en 1976, le disque a été enregistré aux Rockfield Studios de Dave Edmunds et produit par celui-ci. Le groupe se met dans la tête d'imiter les Beatles de 1962, et de sonner totalement Mersey Beat.
Étrange parce qu'entièrement dédié à cette recréation du Mersey Beat par un groupe Américain, le tout en pleine vague Punk. Pour bien marquer le coup, tous les membres du groupe arborent même costumes Carnaby Street vintage 66 et coupes Beatles sur la pochette.
Mais ce n'est pas qu'une copie conforme du son et des groupes de l'époque et cela ressemble plutôt à un groupe punk fan des Rolling Stones qui interprète les Byrds et les Beatles.
Le titre phare de l'album, "Shake Some Action" marche assez bien mais on pourrait aussi citer "Let The Boys Rock'n Roll" que n'auraient pas reniés les Lovin Spoonfull (normal, c'est une reprise du groupe de John B Sebastian), "You Tore Me Down", "Please Please Me" plus Beatles que les Beatles ou "Don't You Lie To Me" très early Rolling Stones.
Les amateurs du genre considèrent ce disque, méconnu, comme leur chef d'oeuvre absolu, enchainant les pépites Pop, centrées autour des subtils entrelacs de guitare de Jordan.


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Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 10:13

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Troisième et dernier album avec le même line-up que sur l'album précèdant, sorti la même année (1977) et sur le même label (Novembre), "Wardance" cloture les incursions d'Hiseman en territoire Rock, car il se concentrera sur le Jazz à l'avenir.
Cet album est de la même qualité musicale que "Electric Savage", mais, alors que la production est légèrement en avance sur ce disque, au niveau composition, il est un pas en arrière.
Le court laps de temps entre les deux derniers albums n'a pas permis la pleine réalisation de toutes les chansons, et ça se voit.
Dans l'ensemble, cet album est important historiquement parlant car on peut le considèrer comme l'un des exemples du début du proto metal fusion.

"Wardance" semble plus mature que les deux albums précèdants. La section rythmique est toujours aussi étonnante, avec un son dynamique et propulsif.
Don Airey joue beaucoup de grands solos (Minimoog, Fender Rhodes, orgue Hammond) et Gary Moore offre son meilleur travail, son jeu de guitare est plus varié et subtile que lors de ses jours blues et heavy metal (un solo piquant trempé de wah-wah dans "Star Maiden / Mysterioso / Quasar" et un duo époustouflant de guitare en overdub entre une guitare espagnole et une fougueuse guitare électrique). Mais l'élément le plus passionnant sur cet album est l'interaction entre les envols spectaculaires de Don Airey au Minimoog et Gary Moore à la guitare électrique mordante.

Un album de pures virtuoses et une partie de démonstration la plus impressionnante que quatre mucisiens puissent faire pour prouver que la musique n'a pas de limites en termes de créativité et d'imagination. C'est le dernier album de Colosseum II: Jon Hiseman, l'instigateur de ce projet avait fini par trouver dans les trois autres gars le parfait line up pour prouver que des musiciens Britanniques pouvaient produire de la Fusion Music de haute qualité avec un plus de racines Rock à la base;
Le nouveau territoire que Colosseum II avait commencé à explorer à l'époque était tout à fait stimulant et en particulier le rocker Gary Moore était une vraie révèlation: Il pourrait être appelé le caméléon de la guitare car cet album prouve sa polyvalence et Moore n'a jamais été plus aventureux dans son expression musicale que dans l'aventure Colosseum II.
Don Airey est, quant à lui, tout simplement magnifique et les sons de ses touches sont hors de ce monde. Très moderne, il joue avec fureur et agressivité parfois, mais dans le bon sens du terme.
John Mole à la basse est efficace et parfois même incroyablement spectaculaire.
Les nouveaux paysages sonores musicaux explorés ont été très difficiles à défricher! Il suffit d'écouter le furieux "Star Maiden / Mysterioso / Quasar" et Mahavishnu ou Return To Forever ne sont pas loin!
Du pur Jazz Rock Fusion fait par quatre virtuoses au sommet de leur inspiration! Il faut juste réaliser le fait que cet album a été fait en 1977 et quelle une approche étonnante et moderne pour ces musiciens tellement qualifiés!
C'était la période des recherches permanentes et le désir d'aller toujours de l'avant en permanence avec les compétences techniques et instrumentales pour les musiciens qui faisaient de la musique pour l'amour de cet art unique appelé la musique...

La première chanson "Wardance" est magnifiquement composée en utilisant la combinaison d'une guitare tempo rapide et le travail au clavier accompagné par le jeu rythmé de la batterie.
"Major Keys" est une bonne séance d'entraînement Funky qui aurait irès bien pu être un outtake de l'album de Jeff Beck "Blow By Blow" !
Les choses passent vraiment très vite sur "Put It That Way" avec une bonne interaction harmonique entre Airey et Moore. Le solo de guitare de Moore est particulièrement plaisant, comme d'ailleurs celui d'Airey sur le Hammond.
Ensuite, "Castles", la seule chanson chantée avec la voix de Gary Moore, est une ballade agréable à consonance R & B. Elle raconte un amour malheureux
Une caractéristique intéressante se trouve être le duel entre les claviers et la guitare que l'on peut entendre sur "Fighting Talk" où Airey assène quelques passages au Minimoog vraiment formidables et des harmonies au clavier.et que Moore ressort sa Gibson avec certains bons riffs.
La pièce maîtresse de l'album, "The Inquisition" propose des envols imprenables de guitare répondant aux claviers planants. Elle dégage un certain goût pour le Metal, le Dungeon Doom et les 'Arabian Nights' quand Yngwie était encore un apprenti guitariste qui jouait dans sa chambre. Moore y brille vraiment, emmenant le tout main dans la main avec Hiseman et montrant la plus grande confiance, ayant conscience de ne plus jamais sonner tout aussi crue, puissant et gracieux. On y trouve un mélange de travail à la guitare et au clavier compliquée réalisé dans le style tempo rapide, toujours renforcé par la batterie inventive de Jon Hiseman. Gary Moore joue savamment de deux types de guitare sur ce morceau: électrique et acoustique. L'insertion de la guitare acoustique est vraiment une excellente idée.
A noter également que la science-fiction est à l'honneur dans le morceau épique composé de plusieurs parties "Star Maiden / Mysterioso / Quasar" qui est une sorte de pot-pourri apporte une variété de styles à travers trois principaux changements de tempo. Cela commence d'abord lentement dans la première partie et cela augmente progressivement dans la deuxième partie pour fournir une étoffe un peu pluscomplexe à la fin (Quasar). Mole joue un solo de basse très cool dans la première partie qu'il a également écrit. Certainement une des meilleures chansons de l'album!
La grande jam "Star Maiden" est suivie par le peu commercial "Last Exit "et c'est du bon Heavy Progressive Fusion qui clôt l'album avec un solo torride du guitariste Moore.

Les musiciens ont également joué sur "Variations" avec Andrew Lloyd Webber, qui comportait aussi Julian Lloyd Webber au violoncelle, Rod Argent aux claviers et la femme d'Hiseman, Barbara Thompson, à la flûte et au sax. Cet album a atteint le numéro 2 dans les charts Britanniques.

En Août 1978, Moore les quitte pour rejoindre Thin Lizzy, et le frère d'Airey, Keith remplace Moore à la guitare. Les plans pour un quatrième album capote définitivement quand Don Airey décide de rejoindre Rainbow en Décembre 1978.


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Message par Algernon » mer. 15 mars 2023 10:19

Flamin' Groovies et J. Geils Band : au cœur battant des musiques rock 60 70, et plus.
Des générations n'ont pas fini de les découvrir.
Je ne suis pas trop vieux pour ces conneries.

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Message par gabuzomeuzomeu » mer. 15 mars 2023 10:41

Algernon a écrit :
mer. 15 mars 2023 10:19
Flamin' Groovies et J. Geils Band : au cœur battant des musiques rock 60 70, et plus.
Des générations n'ont pas fini de les découvrir.
Période la plus fun préférée !

L'humour est le seul vaccin contre la connerie… Le con lui n’a jamais trouvé la pharmacie ! (Aphorismes et Blues - Pierre Perret 2020)

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Message par Algernon » mer. 15 mars 2023 10:51

Impérissable !
Je ne suis pas trop vieux pour ces conneries.

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Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 10:53

gabuzomeuzomeu a écrit :
mer. 15 mars 2023 10:41
Algernon a écrit :
mer. 15 mars 2023 10:19
Flamin' Groovies et J. Geils Band : au cœur battant des musiques rock 60 70, et plus.
Des générations n'ont pas fini de les découvrir.
Période la plus fun préférée !

Mon premier album acheté, une pépite! :super:

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Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 10:54

Algernon a écrit :
mer. 15 mars 2023 10:19
Flamin' Groovies et J. Geils Band : au cœur battant des musiques rock 60 70, et plus.
Des générations n'ont pas fini de les découvrir.
Il faut les faire connaitre!

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Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 11:22

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1986 Finyl Vinyl
Les sirènes du business… Alors que RAINBOW vit un joli succès, même si la grandeur des années Dio est déjà passée, que WHITESNAKE a repris le flambeau d'un DEEP PURPLE mort en enterré depuis huit ans (mais pas dans les mémoires c'est certain), le Mark II se reforme pour enregistrer "Perfect Strangers". Ainsi, du jour au lendemain, RAINBOW cesse purement et simplement d'exister. Il faudra attendre "Slaves And Masters" pour voir l'Arc En Ciel se réveiller, même si à ce moment-là ça se passe encore sous le nom de DEEP PURPLE.

Toujours est-il que cet album décrié de 1990 comprend les trois-cinquièmes du line-up des années 80. Celui-là même que nous allons retrouver en bonne place sur "Finyl Vinyl". Car si les affaires du Pourpre Profond ont repris, il fallait bien trouver quelque chose pour conclure un peu plus proprement l'aventure du Ritchie Blackmore's RAINBOW. Fort heureusement il restait un titre inédit de l'époque "Down To Earth" et peu de gens avaient connaissance des deux inédits de "Difficult To Cure" parus sur le Maxi-45 tours "Jealous Lover". Si la tournée "Straight Between The Eyes" avait donné lieu à une vidéo de concert de cette deuxième époque de stabilité pour les Anglais, il n'y avait qu'au final peu de traces live du passage de Joe Lynn Turner au sein de l'effectif.
C'est en cela que "Finyl Vinyl" est intéressant, car en se présentant comme une compilation qui met un point final (pas si final que ça comme l'avenir nous le montrera), il revisite toute l'existence du groupe sans pour autant s'attarder sur la période Dio déjà largement documentée (c'est fou le nombre de Lives officialisés pour une aventure qui au final aura duré à peine trois ans). Celui qui reste puni, c'est Graham Bonnet dont le comportement a laissé Ritchie Blackmore revanchard quand bien même le seul véritable inédit de "Finyl Vinyl" est de son interprétation. Pas un titre fort qui plus est. Mais l'Homme en noir a tout de même été assez logique dans sa démarche en choisissant une version live captée aux Monsters Of Rock en compagnie du rockeur aux cheveux courts.

Ainsi, la plus grande partie des musiciens ayant un jour œuvré au sein de RAINBOW est présente sur "Finyl Vinyl" et on peut dire que s'il y en a bien un en dehors de Ritchie qui éblouit de sa classe, c'est bien Joe Lynn Turner. Impeccable sur chacune des prises live sélectionnées, il fait la paire avec un Ritchie qui ne lâche pas son approche Rock'N'Roll voire bruitiste, mais qui affiche un sens mélodique au sommet allié à un toucher d'exception. C'est d'ailleurs curieux quand on écoute ce "Man On A Silver Mountain" de 1978 où son jeu se fait bien plus sauvage.
Les titres sont pour la plupart des hymnes, de "Street Of Dreams", sans doute le plus grand titre de cette ère de RAINBOW avec "Spotlight Kid" sans oublier "I Surrender" ou "Tearing Out Of My Heart" dont la version rallongée rappelle les longues improvisations dont Ritchie a toujours été friand. C'est peut-être le seul point sur lequel on notera qu'il n'a jamais retrouvé un partenaire d'impro aussi magistral que Ronnie James Dio au sein de sa propre créature. Et puis il y a ce joli cadeau que s'était fait Ritchie au Budokan sur la neuvième de Beethoven où il se fait accompagner par un orchestre. Une idée qui inspirera grandement un certain Yngwie Malmsteen dans les années à venir.

La carrière de RAINBOW a depuis repris, et de nombreux enregistrements officiels sont venus enrichir son catalogue live. Or, la plupart restant focalisés soit sur la reformation avec Ronnie Romero soit, pour la plupart, sur la mythique ère Dio/Blackmore/Powell. Ce qui est compréhensible, mais passe sous silence toute une période où, malgré ses velléités plus FM, RAINBOW sortait des albums de qualité avec un Joe Lynn Turner impeccable.
Et "Finyl Vinyl" en est peut-être au final le meilleur témoignage, bien qu'il ne lui soit pas exclusif.
JEFF KANJI


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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 14:24

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Tower of Power 1973
Tower of Power est réputé pour son talent en matière de funk, il n'est donc pas surprenant que les meilleurs morceaux de cet album soient fidèles à ce modèle. "What Is Hip", "Soul Vaccination" et "Get Yo' Feet Back on the Ground" (et, dans une moindre mesure, "Clean Slate") jouent tous sur les points forts du groupe. La section de cuivres bien connue est au centre, là où elle doit être, tandis que la basse est agréable et caoutchouteuse. En tant que groupe de funk, ils n'ont pas l'impact de James Brown, ne sont pas aussi habiles à mélanger les genres que Prince, ne sont pas aussi subtils que les Isley Brothers ou ne sont pas aussi volontairement eux-mêmes que P-Funk. Cependant, leurs chansons sont dynamiques, bien écrites et très bien interprétées. En bref, une musique profondément divertissante.

Malheureusement, les résultats de ces gars-là sont un peu plus mitigés quand il s'agit d'autre chose que du funk. Ce qui ne veut pas dire qu'ils sont mauvais dans les ballades ou la pop FM légère ; je trouve "So Very Hard to Go" sacrément agréable, et je suis presque sûr que c'était leur plus gros succès. Mais bon sang. Cet album s'ouvre si fort avec "What Is Hip", puis il faut passer au crible les blablas du Chicago-like "Clever Girl" (qui, oui, titre distrayant ca. 2020, mais il est sorti en 73, donc c'est juste une coïncidence bizarre) et les ballades "This Time It's Real" et "Will I Find A Love ?" avant d'arriver à "Get Yo' Feet Back On the Ground". On ne fait pas miroiter à quelqu'un la promesse d'un funk sérieux pour ensuite le lui arracher. La deuxième face est plus forte, mais toujours un peu fragile, notamment à cause de la fin de l'album "Just Another Day", qui est accompagnée d'un hautbois pour une raison quelconque.

C'est donc un très bon album dans son ensemble, même si l'on considère ses limites. Tower of Power ne sont pas exactement des auteurs-compositeurs de génie, et leur ambition se limite au funk et aux ballades.
Pourtant, leur énergie et leur grande musicalité en font un groupe de funk idéal ; ces gars-là peuvent rester au sommet d'un groove comme personne, et ils valent la peine d'être écoutés pour cette seule raison. Il faut juste faire attention aux morceaux les plus torrides.
finulanu


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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 15:53

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Le contrat avec Island définitivement terminé, Amazing Blondel rebondit chez DJM Records (Dick James Music), un label Britannique indépendant distribué par Pye Records.
Le groupe va y enregistrer, entre 1974 et 1977, la bagatelle de quatre albums, trois studios ("Mulgrave Street", "Inspiration" et "Bad Dreams") et un live ("In Tokyo"). Pour cela, il a progressivement modernisé et électrisé leur son.
Ces albums ont accueilli un certain nombre de musiciens invités, dont Steve Winwood et Paul Kossoff. On croit, à tort, que, pendant cette période, le groupe a raccourci son nom en Blondel, mais cela est probablement dû au titre du dernier album d'Island, et à la couverture de "Mulgrave Street", qui donne la version courte du nom. Mais le nom complet est bien donné au dos et sur la couverture des deux albums suivants.

Le premier effort d'Amazing Blondel pour DJM est une transformation quasi majeure: Un an après le "Purple Album" très Folk mélodieux, le groupe revient avec un album plus musclé aux entournures avec en invité de marque le guitariste de Bad Co mais c'est la face Folk qui donne les plus belles pages musicales de cet album avec des compositions de belles factures...
Paru en 1974, "Mulgrave Street" confronte l'auditeur à un groupe plus Soft Rock et plus moderne. Le duo Terry Wincott et Edward Baird continue à perpétuer la tradition du groupe, en faisant appel à des musiciens de Rock bien connus en invités et en modifiant le son pour adopter un format de chanson plus contemporain et plus Rock. Cependant, les éléments folkloriques et des éléments occasionnels de musique médiévale sont toujours incorporés dans la musique, avec leurs harmonies vocales qui restent inégalées.
Sur cet album, auquel prend part un parterre huppé de musiciens tels que trois musiciens de Free, le guitariste Paul Kossoff, le batteur Simon Kirke, et le claviériste John Rabbitt Bundrick, et deux membres de Bad Company, le claviériste Raymond Boz Burrell et le guitariste Mick Ralphs, et, enfin, le claviériste et violoniste Eddie Jobson, alors membre de Roxy Music.
En effet, ce disque permet d'entendre la magnifique guitare de Paul Kossoff sur un morceau malheureusement trop court intitulé "Hole In The Head". Deux ans plus tard, il succombera à une crise cardiaque...
Tout le reste est soyeux, doux, mélodique, et parfois mémorable si la mémoire supporte autant de douceur, de guitare acoustique romantique, de falsettos et de chœurs.
Malgré une pochette plutôt banale, "Mulgrave Street" est un albums des plus intéressants. Eddie Baird a écrit la majorité des chansons et Terry Wincott en a écrit deux, dont "Leader of the Band".
Avec ce disque, le groupe referme officiellement le livre sur son passé pseudo élisabéthain et entre dans son présent pseudo Carpenters. Avec une section rythmique complète, des guitares électriques, des voix hippies soyeuses et des mélodies soft-rock génériques des années 1970, "Mulgrave Street" est... une avancée courageuse et honnête: le groupe admet librement et ouvertement que, sans la participation de Gladwin, il est incapable de s'inspirer davantage des Tudors.

Quiconque est familier avec les albums des années 70 d'Island trouvera une équipe de musiciens exceptionnels pour soutenir Baird et Wincott. A part les célébrités déjà citées, on trouve aussi Mick Feat et Pat Donaldson à la basse et la batterie est assurée par le fidèle William Murray.
Tout ceci et la double production de John Glover et Phil Brown font de "Mulgrave Street" un classique perdu des années 70.
La plupart des compositions, bien qu'elles soient toujours basées sur la musique folklorique, a maintenant une orientation un peu plus commerciale, avec un œil sur les Charts.
Quelque peu similaire à "Blondel" mais avec plus de guitares électriques. Très mélodique, mélodies beatlessiennes et une production typique des années 70.

Amazing Blondel s'est, dans les faits, pratiquement transformé en un groupe de Soft Rock assez classique du milieu des années 70 avec une petite influence Folk résiduelle ici et là, beaucoup moins distinctif, Eddie Baird prenant en charge la quasi-totalité de l'écriture et du chant. La première preuve de l'amplification se produit dans la dernière chanson de la première face. "Hole in Your Head", est un Hard Rock bluesy avec des leads impressionnants de Paul Kossoff. Cela s'avère être atypique de l'album, qui revient à une seconde face de nouveau moelleuse mais avec du matériel beaucoup plus fort.
Bien qu'il ne s'agisse pas d'un album progressif, il se développe avec l'auditeur, et c'est toujours un grand mérite. une bonne écriture de chansons est une bonne écriture de chansons, et ils en avaient à la pelle, même sans Gladwin.
"Mulgrave Street" est appréciable car Baird est clairement un bien meilleur auteur de chansons dans la veine Folk Pop normale que dans le genre Médiéval / Renaissance, et les arrangements des chansons ne tentent pas au moins de les noyer dans un sirop désordonné de cordes / pianos / cuivres, comme cela arrive si fréquemment avec le Soft Rock des années 70.

"Mulgrave Street" et le morceau le plus long de cet opus, "Iron and steel", sont assez agréables. La chanson Pop / Folk "Help Us Get Along" ne fait qu'ajouter du grain au moulin. les mélodies sont travaillées ("Love Must Be the Time of Your Life") mais quasi enfantines... Mais c'est ainsi que l'on perçoit l'ambiance générale ("Sad to See You Go") par exemple.
Cet album est difficile à classer car Amazing Blondel s'est éloigné de ses racines originales et a commencé à faire du Rock. Néanmoins, les gars n'ont bien sûr pas lâché le Folk. Il y est présenté dans le style du milieu des années 70. De belles lignes de guitare douces et chantantes, une basse fretless occasionnelle, des charlestons clairs et des chœurs brillants. Ce n'est qu'après plusieurs écoutes que l'on peut se rendre compte de la prudence avec laquelle les différentes pistes, plutôt calmes, ont été produites.
Quiconque apprécie une variété de chansons bien jouées et accrocheuses appréciera cet excellent album. Bien qu'Amazing Blondel ait eu la réputation bien méritée d'être un groupe de Folk, cet album regorge d'excellentes chansons Folk et Rock, tant acoustiques qu'électriques.

L'album s'ouvre avec la 'suite' de "Mulgrave Street", avec le bassiste Mick Feat, le batteur William Murray et le claviériste (Synthesizer [Moog]) et violoniste Eddie Jobson. Les premier et dernier mouvements de cette suite semblent être directement inspirés de "Dear Prudence".
Les arrangements vocaux et la mélodie sont au rendez-vous sur les deux morceaux suivants, "Iron and Steel" et "Leader of the Band" sur lequel joue le bassiste Alan Spenner et le batteur William Murray.
"Light Your Light" sur lequel joue William Murray à la batterie n'est, tout simplement, qu'un Soft Rock de belle facture.
Sur "Hole In The Head", on trouve le bassiste Mick Feat, le batteur William Murray, les choristes Sue Glover et Sunny Leslie et le lead guitariste Paul Kossoff. Il y a une tentative étrangement brève de 'Rock out', sur les deux minutes de ce morceau: La chanson ressemble vraiment à un extrait qui aurait certainement dû être la coda d'une plus grande épopée Art Rock, le meilleur étant la grande performance de guitare électrique cathartique de Paul Kossoff; mais il est effacé presque aussitôt qu'il commence, un teaser plutôt stupide (peut-être que le groupe était encore mal à l'aise avec les sons électriques forts, mais ils ont dû sentir la puissance de ce morceau particulier de toute façon).
Pour la chanson suivante intitulée "Help Us Get Along", on a définitivement un côté Bad Co, ce qui n'est, bien sûr, pas surprenant vu la présence de Mick Ralphs, Simon Kirke et Boz Burrel.
"See em Shining" est un morceau doux et chantant qui emprunte une certaine élégance au passé du groupe, et qui est quelque peu étonnante dans la mesure où sa mollesse exemplaire est rachetée par une partie vocale bien écrite.
"Love must be the best Time Of Your Life" est une jolie ballade avec une belle mélodie.
"All I Can Do" est une autre ballade Soft Rock avec Simon Kirke à la batterie et Rabbit Bundrick au piano et à l'orgue et Sue et Sunny dans les choeurs.
Mais le vrai morceau gagnant de l'album est "Goodbye our Friends" éctit par Wincott, qui est une superbe chanson d'adieu Folk Rock avec des vocaux, une basse et un piano magnifiques avec des Invités comme le bassiste Pat Donaldson, le batteur William Murray et le pianiste Rabbit Bundrick.
Le morceau de clôture, "Sad To See You Go", porte bien son nom et il est agrémentée par le violon d'Eddie Jobson.

En conclusion, cet album est très différent de la première incarnation du groupe, mais reste un excellent témoignage d'une époque désormais révolue. Cela vaut certainement la peine de s'y attarder!
Le disque a obtenu un succès critique certain, même avec un nouveau son et une nouvelle direction.
Certains titres sont d'ailleurs devenus des standards pour les concerts, notamment "Sad to See You Go" et "Love Must Be the Best Time of Our Lives".


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Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 17:56

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Judas Jump “Scorch 1970"
Supergroupe britannique issu de The Herd, Amen Corner et the Mindbenders, s'étendant au-delà, avec une direction plus progressive, comme il était de rigueur à la fin des années 60. Malgré une bonne promotion et un contrat avec le label des Beatles : Parlophone, ils n'ont fait qu'un grand album et deux singles, mais n'ont pas réussi à toucher le public.
Avec Alan Jones d'Amen Corner, ils ont été en mesure d'augmenter leur son avec des cuivres et des bois, et en écoutant aujourd'hui, vous pouvez voir certains parallèles avec les contemporains Chicago et BST, mais surtout la saveur est britannique et vous met à l'esprit d'un groove Traffic / Spooky Tooth, avec un peu de Jethro Tull jeté pour faire bonne mesure - mais leurs racines pop n'ont pas été abandonnées, ce qui est ce qui distingue cet album de tant d'autres qui garnissent mes étagères de la période 1969/1970.
Comme beaucoup de leurs contemporains à cette époque, Judas Jump voulait se débarrasser des chaînes du succès pop qu'ils avaient connu auparavant avec leurs groupes du Top 40. Judas Jump était leur tentative collective de "devenir progressif". Heureusement pour nous, ils évitent les pièges de beaucoup de leurs contemporains prétentieux et grandiloquents et conservent un côté pop et rock qui imprègne tout l'album.
"Scorch" démarre avec "John Brown's Body", une grande déclaration d'ouverture couillue comme jamais vous n'en avez entendu, avec un fond d'harmonica gémissant. Le rythme ne se relâche guère avec "Rocking Chair" et "Beer Drinking Woman", mais ralentit un peu pour l'habillage percussif de clôture "Bossa Jump". Suit "Cry De Cry", une partie acoustique, puis nous avons droit au savoureux single, "Run For Your Life" de Trevor Williams. Ce n'est pas tout à fait merveilleux, car vers la fin de l'album, il s'essouffle et, comme une boisson gazeuse décevante, il devient légèrement plat. Il se termine par l'affreux "Private Holiday Camp" - cette pièce datée de non-sens n'est pas sur la copie américaine - soyez reconnaissants mes cousins américains !
Alan Jones, Trevor Williams et Andy Sown apportent tous leur contribution, mais c'est Bown qui se taille la part du lion, car c'est à ce moment-là que les autres interviennent et que la tendance à la baisse est marquée.
Marios


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Message par alcat01 » mer. 15 mars 2023 19:54

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1974 Nightmares ..And Other Tales From the Jungle
Cinquième album studio et encore un grand coup de maître des bostoniens. Enregistré lors de deux sessions les 4 et 11 juin 1974 au Record Plant de New York, ce disque au titre étrange se déguste plus de quatre décennies après sa sortie comme un bon crû. Et dire que deux avant, un public prétentieux et plein d'œillères avaient hué le groupe en première partie d’EMERSON LAKE & PALMER à l’Olympia.

Avouons que la marche semblait haute après la sortie de l’excellent Bloodshot, galette comprenant sept originaux et deux covers imparables dont "Ain’t Nothin’ But a House Party", hit oublié des Show Stoppers.

Ne lésinons pas sur notre côté chauvin et saluons l’excellente pochette de Jean Lagarrigue (une idée du bassiste Danny Klein, grand fan du dessinateur), grand illustrateur français ancien compagnon de route de Jean-Paul Goude, Gabriel Pascalini et Alain Le Saux, tous collaborateurs de la revue Esquire. Si l’illustration a de quoi inquiéter avec cette silhouette sur le point d’être engloutie dans une literie par d’obscures forces, le groupe nous rassure dès le titre d’ouverture « Detroit Breakdown » une plongée au cœur du Rhythm and Blues seventies. Le timbre expressif de Peter Wolf, l’harmonica de Dick Salwitz (alias Magic Dick) la guitare de Jay Geils s’annoncent comme des atouts de première main.

Au niveau répertoire, le claviériste Seth Justman et Peter Wolf mettent la main à la pate et à la plume avec pas moins de huit originaux. Justman prend les choses en main avec "Givin’ It All Up", titre festif se situant à la lisière du Boogie et du Rock. Le combo hausse le ton avec "Look Me In The Eye", tandis que cette face A s’achève sur l’étrange "Nightmare", un coup de folie de 74 secondes. Changement de cap avec "Stop Down ≠ 39", un long R&B avoisinant les 7 minutes, un morceau bourré de vitamines lorgnant quelque peu via les riffs de guitare sur le fantastique "Funky ≠ 49" du JAMES GANG. Débutant sur une intro genre House Party, "I’ll Be Coming Home" demeure marqué par l’orgue, Seth Justman pianotant entre une tonalité d’église et un phrasé en droite ligne avec celui de Greg Hawkes des CARS, alors que Jay Geils s’offre un petit solo de mandoline qui apporte un certain cachet tandis que le titre se termine sur un ait de musette d’à peine 10 secondes évoquant « Le petit vin blanc ». Le disque s’achève sur le puissant "Gettin’Out", un vigoureux Rock patiné de R&B dans lequel tous les instruments semblent en symbiose.

Il nous parait impossible de chroniquer cette galette sans terminer par deux titres phares : seule reprise, "Funky Judge", une compo d’André Williams popularisée par Bull & The Matadors, petit combo de St Louis dirigé par James Lafayette "Bull" Parks, prend un petit coup de jeune et remet au gout du jour une certaine approche du Funk Rock. A noter la participation de George Jessel, ancien acteur de Vaudeville et producteur de comédies musicales venu apporter son grain de sel. Une version bien plus entraînante que la reprise d’Alice And The Soul Sensations. Enfin terminons par "Must Of Got Lost", une véritable tuerie et futur Top 15 du Billboard. Comment ne pas lever le cul de sa chaise et d’enchainer quelques pas de gigue devant un tel groove : " Never thought about tomorrow - Seemed like a long time to come - How could I be so blind baby - Not to see you were the one - I must'a got lost ". Une chanson sur les regrets d’un amour perdu.

N’oublions pas une production bien troussée et particulièrement vivifiante avec l’apport de Bill Szymczyk qui parvenait à mettre au diapason en studio ce groupe rompu à la scène. Quatre titres symbolisent la puissance de l’album : le destructeur "Gettin’Out", l’humoristique et funky "Funky Judge", le sublime "Detroit Breakdown" qui dévaste tout sur son passage et enfin "Must Of Got Lost" pour sa mélodie aussi poignante qu’intense. N’oublions pas que ces deux derniers titres figurent dans le double live « Blow Your Face Out », l’un des meilleurs disques Rock de la décennie 70. Sorti dans les bacs en septembre 74, ce disque studio demeure à ce jour le plus grand succès commercial du groupe,"Blow Your Face Out" étant hors concurrence. L’album studio du J GEILS BAND qu’il faut absolument avoir dans sa discothèque avec "Bloodshot".
LE KINGBEE


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Message par alcat01 » jeu. 16 mars 2023 07:49

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Now! (1978)
Bien qu'il ait fallu cinq longues et tortueuses années pour que les Flamin' Groovies retrouvent le chemin d'un contrat d'enregistrement américain avec Shake Some Action, un an et demi plus tard, le groupe était prêt pour une suite, et bien que Flamin' Groovies Now de 1978 ne soit pas tout à fait aussi cohérent que l'album qui l'a précédé, à bien des égards, le groupe sonne à la fois plus serré et plus détendu, le temps passé sur la route ayant raffermi la section rythmique tout en donnant aux chansons un peu plus d'espace pour swinguer (ce qui n'était pas l'un des points forts des groupes de la British Invasion qui leur ont servi de modèle auditif).

Le groupe a perdu le guitariste James Ferrell pendant la tournée qui a suivi Shake Some Action, mais l'ancien guitariste des Charlatans Mike Wilhelm s'est avéré être un remplaçant plus que sympathique sur ces sessions, et bien que le leader Cyril Jordan n'ait pas créé une autre nouvelle chanson aussi transcendante que "Shake Some Action", "All I Wanted" s'en rapproche pas mal. Mais il est significatif que la plupart des chansons de Flamin' Groovies Now soient des reprises, et elles sont toutes jouées avec amour, enthousiasme et le bon style de l'époque (en particulier "There's a Place" des Beatles, "Ups and Downs" de Paul Revere & the Raiders, et "Move It", un des premiers succès britanniques de Cliff Richard).
En outre, ce n'est pas parce que la reprise de la rareté des Rolling Stones "Blue Turns to Grey" était une bonne idée que les Flamin' Groovies avaient le droit de s'attaquer à "Paint It Black".
Dans l'ensemble, Now! est un disque à la sonorité formidable qui capture un groupe en pleine forme, mais il montre aussi clairement que les problèmes qui ont souvent affecté les Groovies en studio (à savoir leur incapacité à faire un album satisfaisant à 100 %) n'ont pas disparu.
Mark Deming


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Message par alcat01 » jeu. 16 mars 2023 07:51

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1969 At Home
En Amérique, Shocking Blue était l'archétype du one-hit wonder. Et ce tube, "Venus", est un morceau définitif de psychopop sexy de la fin des années 60 qui fait encore couler beaucoup d'encre. Mais il faut croire que ces fêtards hollandais avaient bien plus à recommander que ce tube planétaire et ce hit-parade à la dérive.

At Home propose un ensemble de chansons instantanées qui englobent les tropes familiers de l'extrémité accessible du spectre trippy-rock de l'époque. Robbie van Leeuwen était un artisan expert en accroches indélébiles, qu'il brodait avec des guitares acoustiques et électriques, du sitar, de la basse et de la batterie qui atteignaient infailliblement le point sensible entre la convivialité radiophonique et la séduction de la salle d'opium. La chanteuse Mariska Veres a imprégné ses compositions accrocheuses d'une sensualité dominatrice qui a fait de chaque auditeur un objet de convoitise.

Il serait exagéré de qualifier Shocking Blue de groupe "important", mais il reste une source remarquablement durable de chansons qui procurent du plaisir. "Love Machine" est une chanson faussement funky, à la manière des Doors, qui contient la phrase immortelle "the love machine makes the world turn around" (la machine à aimer fait tourner le monde). Une bombe de vérité. "Poor Boy" est le morceau le plus proche d'un véritable délire psychédélique, tandis que "Love Buzz" a jeté les bases qui ont permis à Nirvana de faire un excellent travail sur Bleach, avec ce come-on de sike-pop glissant et lubrique, faisant de van Leeuwen un homme encore plus riche. Il faut dire que ce mec mérite tout l'argent qu'il peut obtenir avec des morceaux aussi envoûtants et musqués que celui-ci.
"Acka Raga" est le sommet de l'album et ma chanson préférée de SB. C'est un instrumental aux accents de sitar qui incarne une certaine forme de mélange entre l'Est et l'Ouest qui fleurissait à la fin des années 60 psychédéliques. Shocking Blue contient tellement d'exotisme érotique en un peu plus de trois minutes. On pourrait mettre "Acka Raga" en boucle pendant deux heures et en faire la bande-son d'une orgie spectaculaire (je vous en prie, invitez-moi à cela). (Je vous en prie, invitez-moi à cela.)

At Home est un excellent point de départ pour votre aventure Shocking Blue. Il s'agit d'un divertissement assez léger, mais qui a le mérite de durer.
Buckley Mayfield


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Message par alcat01 » jeu. 16 mars 2023 14:20

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1995 Stranger In Us All
Monsieur « tête de cochon » Blackmore, l’homme en noir aux multiples prouesses guitaristiques qui n’ont d’égal que sa légendaire mauvaise humeur, après avoir sous la pression de la maison de disques réalisé "The Battle Rages On" au titre parfaitement trouvé, signant le retour définitif de monsieur Ian Gillan chez DEEP PURPLE, n’en soupera pas davantage. Il ne peut s’entendre avec l’autre leader de la bande. Claquant la porte en pleine tournée au milieu d’une ambiance insupportable pour lui (il suffit de voir la tronche qu’il tire sur le Live "Come Hell Or High Water"), il décide de redonner vie à son bébé, interrompu dans son élan par la reformation de 1984.

Et comme il ne veut plus se prendre la tête, du passé faisons table rase. Ainsi Joe Lynn Turner ne sera pas rappelé (sorti sous le nom de DEEP PURPLE, "Slaves And Masters" reste un album de RAINBOW joué par les musiciens du Pourpre Profond au succès plus que mitigé) et nous voyons débarquer Doogie White, illustre inconnu à l’époque et débauché de PRAYING MANTIS. Les autres musiciens ne seront ni plus ni moins que des grouillots et Ritchie n’aura plus qu’à se consacrer à son art de la manière la plus entière possible… même si l’on remarquera toutefois que la collaboration avec Doogie White semble avoir opéré (ce dernier co-écrit la plupart des titres de l’album). C’est aussi l’entrée en scène discrète mais bien réelle de Candice Night avec qui il va faire muter son arc-en-ciel en BLACKMORE’S NIGHT. Elle est particulièrement à l’honneur sur la splendide "Ariel", sans nul doute l’une des compositions de RAINBOW les plus envoûtantes toutes époques confondues.

On avait quitté Ritchie et ses acolytes sur "Bent Out Of Shape", un album hautement mélodique mais plutôt éloigné des envolées Hard/Heavy épiques de l’époque Dio, ce qui n’enlevait rien à sa qualité, si ce n’est qu’aucun titre (à part peut-être "Stranded") ne passera à la postérité. Ici retour à un Hard Rock bien carré, qui compose avec les acquis de toutes les incarnations de RAINBOW. On retrouve ainsi du tempo soutenu presque Heavy ("Black Masquerade"), du FM presque AOR ("Too Late For Tears") et de l’épique et intimiste ("Ariel") ou encore du Hard Rock plus traditionnel ("Wolf To The Moon"). On remarquera que l’accent est mis sur la virtuosité, et les soli de Ritchie Blackmore n’ont peut jamais été à la fois aussi rapides et mélodiques. D’ailleurs vu l’époque et donc la production moderne que peut s’offrir le groupe, on remarquera la proximité avec le style pratiqué par Yngwie MALMSTEEN sur ses opus récents ("Fire & Ice" en tête) comme une volonté de l’homme en noir de ne pas céder le trône à son disciple. Marrant pour l’anecdote. Les références à la musique classique ne sont pas oubliées avec cette réinterprétation du plus célèbre morceau de "Peer Gynt", sans conteste l’œuvre la plus connue du compositeur norvégien Edward Grieg avec son célèbre motif en chromatismes devenu un véritable gimmick ("Hall Of The Mountain King").

"Stranger In Us All" est incontestablement un album solide, suffisamment varié pour ne pas lasser, homogène et cohérent sur sa durée, pas trop long (les deux derniers titres sont des reprises dont l’une déjà bien connue des amateurs de RAINBOW) et ce retour (éphémère) aux affaires est une franche réussite, cet unique album des nineties étant sans doute la plus belle réussite du groupe depuis… "Long Live Rock'N'Roll" ! Après n’allez pas y chercher une once d’originalité si ce n’est la présence de cuivres sur "Silence" qui donne l’impression de voir RAINBOW fusionner avec un big-band.
JEFF KANJI


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Message par alcat01 » jeu. 16 mars 2023 14:21

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John Kay & The Sparrow
Avant que Steppenwolf ne fasse un tabac avec "Born to Be Wild", il y avait un groupe de blues canadien appelé The Sparrow.
Non seulement le futur grognement de John Kay est atténué sur ce disque, mais aussi les mugissements qui sont devenus la marque de fabrique de l'organiste Goldy McJohn.
La composition de John Kay "King Pin" présente un piano presque jazz jouant contre l'harmonica. Avec le batteur Jerry Edmonton, McJohn et Kay, c'est trois cinquièmes de Steppenwolf, et cela donne l'impression d'un Steppenwolf allégé.
Le guitariste Dennis Edmonton, le frère du batteur, compose ou coécrit cinq des chansons, alors que John Kay en a écrit quatre. La chanson "Chasin' Shadows" de Dennis Edmonton est une pop psychédélique, aux sonorités très britanniques, et donne des indications sur le style trippant qu'il allait développer.
Lorsqu'il a quitté le groupe, il est devenu Mars Bonfire et a écrit "Born to Be Wild", sorti sur son propre album Faster Than the Speed of Life de CBS. "Green Bottle Lover", écrite par les deux frères Edmonton, est encore plus psychédélique et rock.
Les notes de pochette sont terribles, donnant peu d'informations sur ce disque historique, laissant la place à la musique. Alors que "Twisted" de John Kay démarre les festivités avec un blues boogie-woogie qui semble indiquer le Moineau, le dernier morceau, "Isn't It Strange" de St. Nicholas et Dennis Edmonton, se lance à fond dans le psychédélisme. Une collection de sons très intéressante qui présente deux facettes musicales, mais qui ne fait que laisser entrevoir ce qu'ils développeront lorsqu'ils s'associeront au producteur Gabriel Mekler pour produire une demi-douzaine de hits du Top 40 sur Dunhill.
Joe Viglione


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