1985: Empire Burlesque
"Empire Burlesque" est le disque le plus cohérent que Bob Dylan ait fait depuis "Blood on the Tracks", même s'il n'est pas tout à fait aussi intéressant que "Desire".
Cependant, c'est un meilleur ensemble de chansons, toutes issues du même endroit et remplies de joyaux subtils, le plus évident étant "Tight Connection to My Heart (Has Anybody Seen My Love?)", mais aussi "Emotionally Yours" et "Dark Eyes" qui prouvent que ses pouvoirs sont toujours là.
Le reste de l'album n'est peut-être pas aussi gracieux, mais il s'agit toujours de compositions bien conçues qui ne manquent jamais d'être intéressantes.
Riding with the King (2000)
Le potentiel d'une collaboration entre B.B. King et Eric Clapton est énorme et les vraies questions concernent l'organisation et l'exécution de cette collaboration.
Ce premier duo enregistré entre King, 74 ans, et Clapton, 55 ans, a été mis sur pied de la manière la plus évidente qui soit: Clapton a organisé la session en faisant appel à plusieurs de ses musiciens habituels, a choisi les chansons et les a coproduites avec son partenaire Simon Climie. Cela devrait signifier que King serait un invité virtuel plutôt qu'un co-billing, mais en raison du respect de Clapton pour son aîné, c'est presque l'inverse qui se produit.
La liste des morceaux comprend de nombreuses spécialités de King, "Ten Long Years", "Three O'Clock Blues", "Days of Old", "When My Heart Beats Like a Hammer", ainsi que des standards comme "Hold on I'm Coming" et "Come Rain or Come Shine", avec quelques morceaux récents spécialement écrits et appropriés, de sorte que King a des raisons d'être à l'aise sans pour autant être complaisant.
Le vrai danger est que Clapton s'en remette trop à lui; il a parfois eu tendance à s'appuyer trop lourdement sur des accompagnateurs tels qu'Albert Lee et Mark Knopfler lorsqu'il travaillait avec eux en concert. Ce danger est partiellement réalisé; comme son titre l'indique, "Riding With the King" est davantage consacré à King qu'à Clapton. Mais les deux guitaristes ont des styles suffisamment complémentaires, bien que distincts, pour que le rôle de soutien de Clapton complète et entoure le jeu monocorde percutant de King.
N.B.: Il convient de noter qu'il y a généralement deux ou trois autres guitaristes sur chaque morceau.
Le résultat est une œuvre efficace, même si elle n'est jamais vraiment stupéfiante.
1983: Ark
"Ark" est un album des membres originaux des Animals. Sorti en 1983 par IRS Records, il a culminé à la 66e place du Billboard Top 200.
Ce fut la deuxième et dernière tentative de réunion de la formation initiale du groupe, et l'album a ensuite été suivi d'une tournée du groupe.
"The Night" a connu un succès modéré aux États-Unis, atteignant la 48e place du Billboard Hot 100 et la 34e place du Mainstream Rock Tracks. Ce single a été suivi de "Love Is for All Time". Les deux chansons avaient été écrites et enregistrées pour un album solo d'Eric Burdon, mais elles furent retenues une fois que les projets de retrouvailles allèrent plus loin. La plupart des autres chansons ont été écrites par Burdon et son équipe. "No John No" a été écrit par Alan Price.
Cet album suivait la tendance de nombreux groupes vétérans de l'époque tels que Fleetwood Mac, Stevie Nicks, Jackson Browne, Linda Ronstadt et Queen, qui avaient soit augmenté leur son classique, soit complètement échangé pour un son Punk / New Wave.
The Animals ne faisaient pas exception avec "Ark" affichant un son New Wave / Post-Punk proéminent.
1975: Lost Generation
Après son premier album qui s'est avéré un succès critique et un échec commercial, Elliott Murphy est passé de Polydor à RCA pour l'album "Lost Generation", sur lequel le producteur de Doors, Paul A. Rothchild, et un groupe de musiciens de session de Los Angeles lui ont donné un meilleur son, alors que ses chansons semblaient être des reprises du premier album.
Une fois de plus, Murphy se réfère sans cesse à des références, citant tout le monde, d'Andy Warhol à Ezra Pound, mélangeant un milieu New-Yorkais contemporain avec des allusions littéraires, cinématographiques, musicales et historiques, tandis que le groupe fait comme sur "Blonde on Blonde".
Murphy est un auteur-compositeur intrigant, doté d'un bon sens culturel, et son avenir semble des plus prometteurs.
Un bijou cet album de Elliott Murphy qui annonce les pépites à venir.
Le Grand Bazar Vinylique : pleins de 45 tours EP & SP avec de vrais morceaux de vinyles dedans !
Citation : "Elle est pas électrique ta guitare... c'est une vieille, elle est encore à vapeur" Dupont et Pondu (1964) C.V. (archives2) : ICI
1986: Knocked Out Loaded
Il est facile de rejeter "Knocked Out Loaded" en le considérant comme une extension du professionnalisme lisse d'"Empire Burlesque", mais il n'a pas été entièrement écrit par Bob Dylan.
Il collabore avec tout le monde, de Tom Petty à Sam Shepard, et s'appuie sur des enregistrements réalisés à différents moments au milieu des années 80, ce qui rend l'effet de dispersion moins surprenant.
Pourtant, cette approche éparpillée a son charme, surtout lorsqu'elle aboutit à des épopées sinueuses comme la collaboration avec Shepard "Brownsville Girl". Mais même avec des chansons aussi bonnes et intéressantes, le disque suit trop de détours pour être constamment convaincant, et certains de ces détours s'engagent sur des routes qui sont incontestablement des impasses.
En 1986, des disques aussi inégaux n'étaient plus tout à fait inattendus de la part de Dylan, mais cela ne les rendait pas moins frustrants.
1969: Crosby, Stills and Nash
Le trio Crosby, Stills & Nash est devenu immédiatement superstar avec la sortie de son premier album éponyme, un set étincelant qui immortalise les harmonies hautes et étonnamment proches du groupe.
Bien que certains éléments du disque n'aient pas bien vieilli/ les réflexions influencées par l'Orient de Graham Nash sur le Hit "Marrakesh Express" semblent maintenant plus qu'un peu idiotes, tandis que les sentiments anti-guerre de "Wooden Ships", bien que bien intentionnés, sont plutôt bidons, mais les harmonies sont absolument intemporelles, et les morceaux restent solides comme du roc.
Le magnifique morceau d'ouverture de Stills, "Suite : Judy Blue Eyes", en particulier, est une chanson d'amour épique remarquable dans sa complexité musicale et émotionnelle, "Pre-Road Downs" de Nash est un Folk Pop dynamique soutenu par de légères textures psychédéliques, et "Long Time Gone" de Crosby reste un puissant réquisitoire contre l'assassinat de Robert Kennedy.
Ce véritable MUST est un document définitif de son époque...
A Christmas Celebration of Hope (2001)
Il a fallu du temps à B.B. King pour réaliser son premier album de Noël, qui n'est apparu qu'environ un demi-siècle après le début de sa carrière.
Il s'agit d'une reprise adéquate et pleine d'humour de plusieurs chansons de Noël, dont certaines ont des origines Blues / R&B, comme "Merry Christmas Baby".
King n'a écrit qu'une seule nouvelle chanson, l'instrumentale "Christmas Love", bien qu'il ait enregistré à l'origine un autre titre, "Christmas Celebration", en 1960. Il a la sagesse de jouer "Auld Lang Syne" comme un instrumental funky au lieu d'en chanter les paroles.
Outre les éclats périodiques de la guitare caractéristique de King, les arrangements entraînants font la part belle aux cuivres et à l'orgue. Le Nashville String Machine ajoute ses cordes à seulement trois titres, ce qui réduit l'excès de production (qui n'est un problème que sur "Please Come Home for Christmas").
Ce n'est certes pas pas le premier B.B. King et ce n'est pas non plus le premier album de Noël R&B, mais il est quasi indispansable à la période de Noël...
Paul Butterfield's Better Days - 1973 Better Days
"Nous sommes le seul groupe à jouer de la musique américaine enracinée", a déclaré Geoff Muldaur, chanteur de Better Days et ancien folkloriste, lors de la sortie de cet album en 1973, et, à quelques exceptions près, il avait raison.
Le mélange de différents styles de Blues, du rural (Robert Johnson) au cosmopolite (Percy Mayfield), avec des touches de R&B de la Nouvelle-Orléans, de Boogie Woogie et des débuts du Rock et de la Country, était terriblement décalé par rapport aux tendances Pop de l'époque.
De nos jours, bien sûr, de nombreux groupes font plus ou moins la même chose, mais rarement aussi bien, mais le fait que ces gars-là ne se souciaient pas le moins du monde de paraître à la mode est l'une des raisons pour lesquelles "Better Days" sonne intemporel. Muldaur, Paul Butterfield et le guitariste Amos Garrett, en particulier, donnent l'impression d'être à la fois détendus et passionnés.
Malgré leur approche essentiellement formaliste de la musique, ils ne semblent jamais académiques ou stériles.
"Better Days" est l'un des grands albums perdus des années 70.
2003 Mambo Sinuendo
'Mambo Sinuendo" est une collaboration entre Ry Cooder et Manuel Galbán, ancien de Buena Vista (et ancien membre de nombreux autres groupes).
L'album tente de reprendre un vieux style popularisé à Cuba par Galbán et qui, étonnamment, n'a jamais été repris par qui que ce soit après lui. Il s'agit d'un jeu de guitare très proche des croisements Pop / Jazz des années 1950-1960 (Henry Mancini, Nelson Riddle, etc.).
Il y a une touche d'exotisme ici et là, et une touche plus importante d'une ambiance relativement hawaïenne via les techniques de guitare employées par le duo. Le tout se situe quelque part entre le Lounge, le Mambo et la vieille musique d'Esquivel de l'âge de l'espace. En de rares occasions, les percussionnistes ajoutent même une petite boucle de batterie house.
Hormis le refrain spatial du morceau-titre, l'album est entièrement instrumental, ce qui convient parfaitement aux musiciens, qui ont ainsi l'occasion de montrer toute leur virtuosité. La musicalité de ces guitaristes, et l'interaction entre eux, est le vrai régal de l'album.
Pour un regard agréable sur le genre musical qui n'a jamais existé, mais qui aurait probablement dû exister, c'est un bon spectacle.
1976: Night Lights
Pour son album "Night Lights", paru en 1976, Elliott Murphy a recommencé à enregistrer à New York, en posant pour la pochette au milieu de la 42e rue.
Avec le producteur Steve Katz, qui s'était occupé des trois derniers albums de Lou Reed, Murphy s'est entouré d'un groupe de studio comprenant l'ancien chanteur / guitariste du Velvet Underground, Doug Yule, et les anciens Modern Lovers Ernie Brooks (basse) et Jerry Harrison (claviers), qui allait bientôt rejoindre les Talking Heads.
Ils donnent à Murphy un son Rock plus contemporain et plus diversifié, qui se distingue des deux premiers albums par le fait que Murphy est devenu un chanteur plus expressif. Il a même réduit la nature référentielle de ses textes, s'appuyant plutôt sur des jeux de mots intelligents et des associations libres évocatrices, bien qu'il soit toujours capable de lancer des lignes comme "Just a ballad of a thin girl", un truc dangereux pour quelqu'un qui avait été étiqueté comme un "nouveau Dylan".
Dans l'ensemble, "Night Lights" montre que Murphy dépasse ses influences évidentes, même si ses paroles semblent parfois avoir besoin d'une mise au point plus précise.
Bob Dylan 1988: Down in the Groove
Si le caractère diffus de "Knocked Out Loaded" était excusable en raison de ses collaborateurs et des différentes sessions d'enregistrement, "Down in the Groove" a moins d'excuses, puisqu'il date relativement de la même époque, même s'il est tiré de plusieurs sessions différentes avec plusieurs groupes d'accompagnement différents.
Néanmoins, la principale différence est que, alors que "Knocked Out Loaded" était ambitieux, celui-ci est positivement sans prétention, espérant au mieux capturer le Rock roots moelleux du Grateful Dead (ce qu'il fait, sur les collaborations de Dylan avec Robert Hunter, "Ugliest Girl in the World" et "Silvio").
Le reste de l'album se promène à travers les reprises avec une aimable facilité, qu'il soit soutenu par d'anciens punks ou par des pros de toujours. Cela ne fait pas un grand disque, mais c'est un disque plutôt attirant, un peu plus concentré que "Knocked Out Loaded" et un peu plus décontracté et funky que "Empire Burlesque".
En fait, il n'est pas aussi riche en grands moments que l'un ou l'autre, mais il est tout de même assez agréable dans sa façon discrète de faire.
1970 : Déjà Vu
L'album "Déjà Vu" de Crosby, Stills, Nash and Young, paru en 1970, s'est hissé à la première place des Charts dès sa sortie. Ces résultats étaient d'autant plus étonnants que le groupe avait à peine tenu le coup pendant les quelque 800 heures qu'avait duré l'enregistrement de "Déjà Vu" et qu'il n'avait pratiquement pas fonctionné en tant que groupe pendant la majeure partie de cette période.
C'est un album qui est le produit de quatre talents musicaux indéniables et puissants qui se hissaient tous au sommet de leur art, associé à une production, une ingénierie et un montage très habiles. L'ajout de Neil Young à la formation Crosby, Stills & Nash a augmenté le niveau de virtuosité, Young et Stephen Stills atteignant de nouveaux niveaux de complexité et de volume sur leurs guitares. La présence de Young a également augmenté d'un cran la gamme des voix disponibles et a ajouté un auteur-compositeur de caractère au groupe, bien que la plupart des contributions de Young dans ce domaine aient été confinées à la deuxième face du disque.
La plupart des morceaux, à l'exception de la version de "Woodstock" de Joni Mitchell, ont été enregistrés individuellement par chacun des membres lorsqu'ils se présentaient, apportant ce qui était nécessaire et sur lequel on pouvait se mettre d'accord.
"Carry On" a été pris comme ouverture de l'album lorsque Stills a 'sacrifié' un autre droit d'auteur, "Questions", qui comprenait la seconde moitié du morceau et le rendait plus substantiel.
"Woodstock" et "Carry On" représentent le groupe dans son ensemble, tandis que le reste de l'album est une vitrine pour les membres individuels. "Almost Cut My Hair" de David Crosby est un morceau de paranoïa hippie très énergique dont le sujet n'est pas très éloigné de "Drug Store Truck Drivin' Man" des Byrds, mais dont l'humeur et la texture sont plus colériques (en particulier au milieu de l'orgue qui pompe et des guitares qui claquent); la chanson-titre, également composée par Crosby, a nécessité 100 heures de travail et a été mieux accueillie que des œuvres expérimentales telles que "Mind Gardens", issue de sa carrière antérieure avec les Byrds, montrant son abandon occasionnel d'un rythme rock, ou d'un rythme fixe, en faveur d'une immersion de l'auditeur dans des tonalités et des ambiances. "Teach Your Children", le grand succès de l'album, reflète l'idéalisme de l'ère hippie qui remplit toujours la vie de Graham Nash, tandis que "Our House" est son hymne stylistique aux Beatles de la fin de l'ère et que "4+20" est une magnifique excursion dans le Blues de Stephen Stills, précurseur du matériel qu'il explorera sur l'album solo qui suivra. Et puis il y a les morceaux de Neil Young, l'exquisément harmonisé "Helpless" (qui a pris de nombreuses heures pour arriver à la version lente finalement utilisée) et les rocks country rugissants qui terminent la deuxième face, qui ont subi beaucoup de retouches de la part de Young, même son final, "Everybody I Love You", est un os jeté aux fans de longue date comme étant peut-être la plus grande chanson de Buffalo Springfield qu'ils n'ont pas enregistrée.
Toute cette variété a fait de "Déjà Vu" un riche banquet musical pour les auditeurs les plus sérieux et les plus personnels, tandis que le grand public s'est délecté des glorieuses harmonies et des guitares électriques tonitruantes, qui ont été présentées de manière encore plus dramatique et plus étendue lors de la tournée qui a suivi.
Bref, c'est le MUST absolu!
Reflections (2003)
B.B. King avait 77 ans lorsque Reflections est sorti, ce qui l'autorisait peut-être à réfléchir aux standards de la chanson que l'album contenait.
Sur Reflections, il a de nouveau travaillé avec Simon Climie, qui avait produit "Riding With the King", et a collaboré avec un groupe de session comprenant des personnalités telles que Joe Sample, Nathan East et Doyle Bramhall II.
Les chansons vont des classiques de la Pop comme "I'll String Along With You" et "For Sentimental Reasons" aux favoris du Blues comme "Tomorrow Night" de Lonnie Johnson, en passant par des bizarreries comme "Always on My Mind" et même quelques reprises des anciennes chansons de King "Word of Honor" et "Neighborhood Affair". L
es arrangements, qui comprennent des parties de cuivres et de cordes, laissent de la place au travail de guitare blues caractéristique de King, mais soutiennent vraiment sa voix toujours expressive.
Le résultat est un album tranquille qui aurait pu, d'un point de vue stylistique, être réalisé aussi bien en 1953 qu'en 2003. Les puristes du Blues et les aficionados de la guitare blues ne le trouveront que partiellement satisfaisant, mais il reflète l'étendue des goûts musicaux d'un artiste qui a toujours joué du Blues, mais qui ne s'est jamais limité à la musique Blues ou aux fans de Blues.
Paul Butterfield's Better Days - It All Comes Back (1973)
Le deuxième album de la formation post-Blues Band de Paul Butterfield est un peu plus décontracté que son prédécesseur, mais il a ses bons moments, et comme auparavant, la musicalité est stellaire.
L'ouverture " Too Many Drivers ", par exemple, est un Blues de Chicago qui fait vibrer les cuivres de Butterfield avec autant d'intensité que d'habitude, et qui aurait été parfaitement à sa place sur le premier album de son ancien groupe.
Geoff Muldaur interprète de façon envoûtante la délicate ballade R&B "Small Town Talk" écrite par Rick Danko, tandis que "Take Your Pleasure Where You Find It", coécrite et chantée par Butterfield et la légende du R&B, Bobby Charles, est un travail funk au clavinet dont les sections instrumentales produisent une véritable écume à la Little Feat.
2003 Mambo Sinuendo
'Mambo Sinuendo" est une collaboration entre Ry Cooder et Manuel Galbán, ancien de Buena Vista (et ancien membre de nombreux autres groupes).
L'album tente de reprendre un vieux style popularisé à Cuba par Galbán et qui, étonnamment, n'a jamais été repris par qui que ce soit après lui. Il s'agit d'un jeu de guitare très proche des croisements Pop / Jazz des années 1950-1960 (Henry Mancini, Nelson Riddle, etc.).
Il y a une touche d'exotisme ici et là, et une touche plus importante d'une ambiance relativement hawaïenne via les techniques de guitare employées par le duo. Le tout se situe quelque part entre le Lounge, le Mambo et la vieille musique d'Esquivel de l'âge de l'espace. En de rares occasions, les percussionnistes ajoutent même une petite boucle de batterie house.
Hormis le refrain spatial du morceau-titre, l'album est entièrement instrumental, ce qui convient parfaitement aux musiciens, qui ont ainsi l'occasion de montrer toute leur virtuosité. La musicalité de ces guitaristes, et l'interaction entre eux, est le vrai régal de l'album.
Pour un regard agréable sur le genre musical qui n'a jamais existé, mais qui aurait probablement dû exister, c'est un bon spectacle.
En suivant ta découverte de l'œuvre de Ry Cooder je me rends compte qu'il y a vraiment très peu de mauvais disque dans le vie de ce musicien hormis peut être boderline
2003 Mambo Sinuendo
'Mambo Sinuendo" est une collaboration entre Ry Cooder et Manuel Galbán, ancien de Buena Vista (et ancien membre de nombreux autres groupes).
L'album tente de reprendre un vieux style popularisé à Cuba par Galbán et qui, étonnamment, n'a jamais été repris par qui que ce soit après lui. Il s'agit d'un jeu de guitare très proche des croisements Pop / Jazz des années 1950-1960 (Henry Mancini, Nelson Riddle, etc.).
Il y a une touche d'exotisme ici et là, et une touche plus importante d'une ambiance relativement hawaïenne via les techniques de guitare employées par le duo. Le tout se situe quelque part entre le Lounge, le Mambo et la vieille musique d'Esquivel de l'âge de l'espace. En de rares occasions, les percussionnistes ajoutent même une petite boucle de batterie house.
Hormis le refrain spatial du morceau-titre, l'album est entièrement instrumental, ce qui convient parfaitement aux musiciens, qui ont ainsi l'occasion de montrer toute leur virtuosité. La musicalité de ces guitaristes, et l'interaction entre eux, est le vrai régal de l'album.
Pour un regard agréable sur le genre musical qui n'a jamais existé, mais qui aurait probablement dû exister, c'est un bon spectacle.
En suivant ta découverte de l'œuvre de Ry Cooder je me rends compte qu'il y a vraiment très peu de mauvais disque dans le vie de ce musicien hormis peut être boderline
Je ne trouve pas que "Boderline" soit si mauvais que ça!
Mais, encore une fois, à chacun ses goûts!
2005 Chávez Ravine
"Chavez Ravine: A Record by Ry Cooder", paru en 2005, est le premier album "solo" de Ry Cooder depuis "Get Rhythm" en 1987.
Il s'agit d'un album conceptuel qui documente dans un style mythique le quartier disparu de Chavez Ravine à Los Angeles, un quartier Mexicano-Américain qui avait été disputé par des promoteurs immobiliers, des activistes de l'urbanisme et le gouvernement de la ville. Il avait été rasé dans le cadre d'un accord sordide pour construire un stade qui attirerait les Brooklyn Dodgers de Walter O'Malley à Los Angeles.
L'œuvre de Cooder s'est presque toujours intéressée à ce qui avait été laissé de côté, marginalisé ou relégué à la place de la mémoire; elle fut inspirée par un livre de photographies en noir et blanc de la région, réalisées par Don Normark.
Au fil des 15 chansons, Cooder dépeint de manière poignante et chaleureuse la saveur du lieu, de l'époque, de la culture, du chaos et de la corruption du Los Angeles de l'après-guerre.
Les ovnis, la peur rouge, la peur du pachuco, les boxeurs, les flics, les "cool cats" branchés, les gens ordinaires, la politique raciale, la guerre des classes, la radio, J. Edgar Hoover, le baseball et, bien sûr, les musiciens, se glissent dans ce mélange vaporeux, rêveur et homogène qui évoque une palette d'émotions riche et complexe.
Les morceaux sont variés: corridos corsés, swing latino, guarachas, sons afro-cubains, polkas enfumées, morceaux atmosphériques lunatiques, boogie Pachuco émeutier, rock roots, chansons folkloriques du Costa Rica et airs de R&B.
Héros et méchants vont et viennent dans ce panorama, qui s'enroule autour du petit quartier où les gens se retrouvent, chantent, dansent, font l'amour, luttent et transpirent pour une vie meilleure dans le cadre du rêve Américain.
Chantant en Espagnol et en Anglais, Cooder a fait appel à des musiciens de l'époque et de l'endroit, dont le regretté Don Tosti, patron du boogie de Pachuco, le légendaire Lalo Guerrero, Ersi Arvizu et Little Willie G., qui apparaissent tous aux côtés de Joachim Cooder, Juliette & Carla Commagere, Jim Keltner, Flaco Jimenez, Mike Elizondo, Gil Bernal, Ledward Kaapana, Joe Rotunde, Rosella Arvizu et d'autres.
"Poor Man's Shangri-La" est une rhumba où l'extraterrestre Space Vato se rend à bord d'un OVNI pour visiter le quartier au son de Little Julian Herrera à la radio. Little Willie G. et les Commagere Sisters proposent la mélodieuse "Onda Calljera", une chanson folklorique décrivant une guerre entre les militaires stationnés localement et les pachucos.
"Chavez Ravine" est triste et beau, drôle, excentrique et funky; il garde les auditeurs captivés dès le départ par l'histoire et ses fantômes colorés. Cooder termine le tout avec réconfort, et peut-être avec un peu d'espoir, dans une version de "Soy Luz y Sombra", une magnifique chanson folklorique costaricienne a cappella avec une musique originale.
lL'album est sans conteste l'œuvre la plus ambitieuse de Cooder et pourrait bien être le grand opus de sa carrière.
1977: Just a Story From America
Avec "Just a Story from America", Elliott Murphy a trouvé sa place chez Columbia Records, le label de Bob Dylan. Adepte de Dylan, Murphy tente lui aussi d'investir le Rock de poésie, qu'il chante dans un ténor tour à tour rauque et pleurnichard.
Pour ce disque, il s'est rendu à Londres et a enregistré avec un groupe comprenant le batteur de Genesis Phil Collins et, pour un solo bluesy sur "Rock Ballad", l'ancien guitariste des Rolling Stone Mick Taylor. "Drive All Night" plante le décor, un Rock uptempo rythmé par un orgue Farfisa qui rappelle Del Shannon, tandis que les paroles reflètent le sentiment d'aventure juvénile à bord d'une voiture rapide. La vision artistique de Murphy et ses histoires courtes en chansons concernent des personnages arty conscients de leur valeur, qui cherchent à s'évader aussi bien spirituellement qu'économiquement.
Murphy est, comme toujours, franc quant à ses influences, mettant une ligne de Raymond Chandler sur la pochette du disque, créditant "Nick Caraway" (le narrateur de The Great Gatsby de F. Scott Fitzgerald) pour les voix de fond, et lâchant des noms de films comme Errol Flynn et Rhett Butler.
Si Dylan utilise de tels noms à des fins comiques et absurdes, Murphy crée délibérément un équivalent Rock pour les romans et les films qu'il aime; il est également sérieux, mais il a aussi un point de vue sur les scènes qu'il décrit. Ainsi, lorsqu'il écrit une ballade rock, il l'appelle "Rock Ballad". Il ne laisse jamais son public oublier qu'il assiste à un spectacle, ce qui peut aller à l'encontre de l'authenticité et de la franchise émotionnelle supposées du rock.
Mais c'est bien là l'essentiel, car, dans le monde de Murphy, le grand Gatsby est une star du Rock, et la vie est un film.
