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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » sam. 24 sept. 2022 16:36

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Il est tout simplement incroyable, mais aussi criminel de voir comment, à la fin des années 80 et début des années 90, certains groupes évidemment talentueux furent négligés par l'industrie du disque.
Par exemple ce quintet basé à Boston, Bittersweet, avait tout: les regards, le talent musical et les chansons pour devenir une force majeure dans le domaine du style U.S. melodic Hard Rock.

Dès leur début en 1988 et au début des années 90, Bittersweet, composé du batteur Joe Jorden, du bassiste Craig Dailey, du chanteur David Shaw et des deux guitaristes Michael Jollie et Stephen Shaw, a représenté le Hard Rock Américain en montant et descendant la côte Est des Etats-Unis d'Amérique. Tournant de Miami, en Floride, à Toronto, au Canada, les talents de David Shaw, Mike Jolly, Joe Jordan, Stephen Shaw et Craig Daily font de Bittersweet un nom familier.
Plus qu'avec un autre groupe de Rock, leur son vérifie l'adage “Rock and Roll is here to stay”. Dans les premières années du déclin du 'Hair Metal', Bittersweet tient bon contre l'adversité et le groupe porte haut le flambeau pour les générations de fans de Rock and Roll.

Mais malgré des tournées sans relâche en ouvrant continuellement pour les groupes majeurs, on ne leur a jamais proposé de contrat d'enregistrement. Ceci combiné avec l'avènement du Grunge conduisit à la disparition du groupe au début des années 90.
Pendant toutes ses tournées, le groupe enregistra la plupart de ses chansons sur un 4 piste dans les chambres d'hôtel et les rendit officiellement disponibles sur bande magnétiques autour de 1990 / 1991.
Pendant plus de dix ans, les demos ont ramassé la poussière dans un coin oublié, mais grâce à Joe Dolan chez Retrospect Records, l'auditeur peut enfin faire l'expérience de la musique de Bittersweet.

Inclus dans le pack "Loaded Up" paru en 2006 se trouvent vingt morceaux numériquement remixés qui prouvent que ces gars n'avaient rien à envier à des groupes comme Warrant, Poison, Firehouse ou Danger Danger.
La voix puissante et les riffs de guitare bien conçus combinés avec des rythmes toujours entraînants et mémorables constituent quelques-uns des matériels les meilleurs et les plus négligés à venir de l'ère du Hard Rock. Des grands hymnes Rock, des ballades enrobées de sucre, des ponts musicaux acérés, des vocaux puissants ou très chargés émotionnellement et une grande musicalité, tout est là et bien là.
"Bought And Sold / Love Fade Away" commence de façon acoustique mais à mi-chemin, elle se transforme en une véritable power ballad, "Outlawed" a un groove assassin, "Shot Round The World” ressemble à du Ratt, "Living In America” est ultra mélodique, "Down To The Wire” est un titre on ne peut plus AOR et "Under The Gun" est un Blues tranchant et acéré.
Cette vingtaine de pistes représentent, en tout et pour tout, la durée de la carrière de ce groupe et elles servent de représentation de première classe de ce talent que la pratique et le dévouement peuvent créer.

On en redemande!


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Unserious Sam
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Message par Unserious Sam » sam. 24 sept. 2022 17:49

"Cette vingtaine de pistes représentent, en tout et pour tout, la durée de la carrière de ce groupe et elles servent de représentation de première classe de ce talent que la pratique et le dévouement peuvent créer." (Google Crad Trad)

On en redemande!

Je confirme ! :mdr3: :mdr3: :mdr3:
A partir d'un certain âge, si on vous donne 10 ans de moins, un conseil : prenez-les !.

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Message par alcat01 » sam. 24 sept. 2022 18:23

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Le groupe de Hard Rock Britannique des années 1970 Leaf Hound n'est autre qu'une nouvelle version de Black Cat Bones.
La formation, un pur produit de la scène Rock du Sud-Ouest de Londres, a été cité comme une influence majeure pour le mouvement Stoner Rock.

Le groupe s'était constitué dans un premier temps en 1969 sous le nom de Black Cat Bones qui avait sorti un album chez Decca, intitulé "Barbed Wire Sandwich". Ils avaient remplacé leur chanteur peu après la sortie de l'album, ajoutant Peter French, un Londonien du Sud au line-up. Le guitariste Rod Price parti peu après rejoindre Foghat, French invite son cousin Mick Halls à tenir la lead guitare. Ces deux musiciens avaient joué dans divers groupes de Rock / Blues comme Switch et Joe Poe, avant de s'associer avec Bob Brunning pour former le Brunning Sunflower Blues Band.
C'est alors que Black Cat Bones change son nom en Leaf Hound: le groupe comprend alors French au chant, Halls à la guitare solo, Derek Brooks à la guitare rythmique, Stuart Brooks, frère du précédent, à la basse, et Keith George-Young à la batterie.

L'album "Growers of Mushroom" a été enregistré en une seule session de onze heures aux Spot Studios de Mayfair, à Londres, à la fin des années 1970.
Entre l'enregistrement de l'album et sa sortie tardive, l'année suivante, les frères Brookes ont été remplacés par Ron Thomas, ancien membres de Heavy Metal Kids à la basse et Leaf Hound avait entrepris une tournée de l'Europe en quatuor et sorti un single, "Drowned My Life in Fear", sur le label Telefunken en Allemagne.

Le nom de l'album est très trompeur. Si l'on s'attend à une classic Acid rock tel que le titre et la couverture de la publication au Royaume Uni pourraient le faire penser, alors on pourrait être déçu. Il s'agit tout simplement d'un Hard Rock très conventionnel dans le moule de Led Zeppelin qui est seulement susceptible de plaire aux fans de ce genre.
Néanmoins la voix de French est forte et rauque et parfaitement adaptée à la musique de ce type et l'album est plein de travail incisif de la lead guitare de Mick Halls. Cela est particulièrement évident sur des titres comme "Drowning My Life In Fear", "Stagnant Pool", "Sad Road To The Sea" et "A Minute To Go", mais il n'y a aucune faiblesse sur l'album.

Bien que le groupe avait prévu que l'album soit publié pour coïncider avec la tournée, cela ne s'est pas matérialisé dans le temps, et le groupe s'est retrouvé dans la situation frustrante de faire la promotion d'un album qui n'était pas encore disponible.
Malgré cela, les shows ont été réussis, et la légende veut que Leaf Hound ait régulièrement ouvert pour un jeune UFO, têtes d'affiche sur certains des spectacles.
Le succès de la tournée incite le label Allemand Telefunken à sortir l'album en Allemagne.
En Octobre 1971, Decca emboîte le pas au Royaume-Uni. Toutefois, au moment de la sortie du disque par Decca le groupe s'était séparé, déchiré par les conflits avec leurs agents.

Au cours de leur court passage ensemble, Leaf Hound fit une tournée en Allemagne et leur album a été publié sur Telefunken pour sa sortie Allemande.
Inexplicablement la version Allemande avait oublié deux morceaux: "Freelance Fiend" et la chanson-titre, mais il était livré avec un poster du groupe.
Telefunken a également émis une des plus fortes chansons de l'album "Drowned My Life In Fear" sur un single soutenu par une chanson qui ne se retrouvait pas sur le LP "It's Going To Get Better" dans une pochette en 1971.
La sortie de l'album sur Telefunken a été piraté il y a quelques années.
L'album "Growers of Mushroom" sortie, French, alors considéré comme le leader, part à son tour pour rejoindre Atomic Rooster sur leur album "In Hearing Of".
"Growers of Mushroom" deviendra, dans les années qui suivent, un objet de collection, le plus recherché par les collectionneurs selon un sondage paru dans le magazine Q.
En Allemagne, il est édité en CD par Walhalla Records et contient un morceau supplémentaire, "It's Gonna Get Better", la face B du single "Drowned My Life in Fear".
Il est aussi réédité en 1994 par See For Miles Records avec deux bonus, I"t's Gonna Get Better" et "Hipshaker". Le vinyle est ensuite réédité par Akarma Records en 2003 avec "It's Gonna get Better".
Il est réédité en CD une troisième fois en 2005 par Repertoire Records avec les deux morceaux bonus de l'édition See For Miles ainsi qu'une troisième, "Too Many Rock'n'Roll Times".


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Message par alcat01 » sam. 24 sept. 2022 19:53

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Après avoir partiellement réussi le mélange Heavy Prog / Hard Rock standard dans leur album éponyme, Bull Angus a enregistré un autre album intitulé "Free for All".
Celui-ci est paru en 1972...
Une fois de plus, l'art de la couverture en gatefold est assez divertissant.

Malheureusement il présente un matériel encore plus mainstream dominé par un Hard Rock trop typique avec saveur Pop forte.
Le contenu ne peut vraiment pas être appelé Heavy Prog du tout, car il ne contient que quelques influences progressives.
Les compositions sont moins convaincantes, moins surprenantes, mais, magré cela, encore assez bonnes à écouter...

En outre, c'est un album qui se révèle plutôt faible, qui ne mérite pas trop d'attention de la part des fans de Prog Rock, et les amateurs de Hard Rock occasionnels peuvent aussi le trouver trop Pop / mainstream.
En comparaison avec le premier album, les compositions sont même assez boiteuses...
Et le claviériste semble être hors de forme!...

"Free for All" débute moyennement: "Lone Stranger" est une chanson Rock bien jouée et dirigée par les deux guitares omniprésentes et une mélodie plutôt banale au piano... Mais où est passé le groupe du premier album?
Le morceau qui suit, "City Boy", est une autre chanson avec un air plutôt banal, très doux, mais sans grand intérêt. Rien de Hard ni de Prog. Cela sonne plus comme un Rock'n'Roll du milieu des années 60. Quelques jams de Blues Rock avec le piano et les guitares dans la deuxième partie de la chanson relèvent le niveau, mais c'est encore bien moyen.
Enfin, un matériel plus ambitieux avec "Loving Till End". Chanson tout à fait calme et atmosphérique avec chants passionnés et quelques fragments de belle flûte. Certainement le moment le plus Prog Rock de l'album.
Leur version du "Savoy Truffle" des Beatles (George Harrison) est jouée de façon très Pop. Les chœurs très Soul / R'n'B sont particulièrement terribles. Et, enfin, Ron Piccolo joue de l'orgue Hammond! C'est seulement un solo standard mais cela vaut la peine d'être mentionné.
Vient ensuite "Drivin' Me Wild" qui est un autre Hard Rock avec un refrain plutôt banal. Beaucoup de riffs de guitare un peu plus intéressants et un solo d'orgue cool. Vers la fin, il y a quelques duels de guitare des plus énergiques et de bons passages de Hammond.
Quant à "(We're the) Children of Our Dreams", c'est une jolie ballade Rock avec un refrain assez accrocheur. Plutôt standard, mais agréable à écouter... Certaines belles harmonies vocales similaire à Queen, mais rien de révolutionnaire!
Pour terminer ce disque, "Train Woman Lee" est un excellent morceau plus Psyché Prog avec la mélodie principale jouée par Ron à l'orgue. Parfois, Uriah Heep ou Deep Purple viennent à l'esprit à l'écoute, mais au cours du solo d'orgue prolongée apparaissent clairement les influences d'Atomic Rooster... Peut-être le meilleur morceau du disque!..

Finalement, après un très bon premier opus, il est bien dommage que Bull Angus n'ai pas pu continuer dans la droite ligne de celui-ci...
Résultat, le groupe eut un faible succès commercial et après deux albums, c'était fini!...


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Message par alcat01 » dim. 25 sept. 2022 09:23

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Pour son troisième album, "The Rock", au lieu de sortir un nouveau opus solo, Frankie Miller présente son propre groupe, The Frankie Miller Band. Enregistré en vue de la célèbre prison d'Alcatraz durant le premier semestre 1975, il contient certains éléments musicaux entendus sur ces deux premiers disques. La compétence de Miller en tant qu'auteur-compositeur et chanteur de Pub Rock à la base de cet album, la Soul décontractée de "Highlife" et le Rock et le Blues teintés de Country de The Frankie Miller Band se mélangent tous de manière transparente sur "The Rock".
Le groupe comprenait Henry McCullough à la guitare, Chrissy Stewart à la basse, Mick Weaver aux claviers et Stu Perry à la batterie. Tous avaient déjà d'illustres CV à leur actif.

Le côté Soul de son album "Highlife" a été fourni par The Memphis Horns et The Edwin Hawkins Singers renommée pour leur "Oh Happy Day".
Ajoutez à cela une apparition du chanteur James Dewar de Robin Trower et il n'est pas étonnant que "The Rock" soit aussi solide et cohérent. La production a été assurée par Elliot Mazer qui avait participé à l'enregistrement de "Harvest" de Neil Young quelques années auparavant. Comme il l'avait fait avec l'album "Highlife", Miller critiquait le mixage final et le son de la production, estimant qu'il lui manquait la vraie sensation live qu'il désirait absolument.

Il y a de très bons morceaux, et beaucoup de ballades de Blues électriques.
Quelques années plus tôt, Miller et Andy Fraser, ancien bassiste et auteur-compositeur de Free avaient tenté de monter un groupe, mais cela n'avait pas abouti. Cela leur avait permis de se former une solide amitié et un excellent partenariat pour l'écriture de chansons. "A Fool In Love' était l'un des morceaux issus de ces sessions qui fait démarrer 'The Rock' de manière explosive. La voix rocailleuse de Miller parfaitement reconnaissable démarre pratiquement au début du morceau. L'influence de Fraser donne à la chanson un réel sentiment d'être une chanson de groupe plutôt que celle d'un interprète solo. Ce premier morceau a fourni à Miller son premier Hit considérable en Amérique et il a ensuite été repris par d'innombrables interprètes dont Delbert McClinton, Etta James et UFO pour n'en nommer que trois.
Le deuxième morceau "The Heartbreak", une ballade de Blues électrique à couper le souffle, est un morceau plus lent avec un bon mélange de Rock, de Blues et de Soul à la fois dans la voix et dans l'accompagnement musical. Le piano conduit bien la chanson et un solo de guitare et d'orgue suivent et se mélangent tous pour en faire une piste remarquable.
La chanson titre, "The Rock", le surnom de la prison d'Alcatraz, est teintée de Country Rock. La guitare, le piano boogie woogie de bar et les chœurs gospel complètent la voix de Miller et cela aurait vraiment dû être son premier gros Hit. La chanson avait été inspirée par la vue d'Alcatraz depuis le studio d'enregistrement et la conviction que, sans la musique, Miller se serait probablement retrouvé dans un endroit similaire. C'est un hommage à ces hommes incarcérés qui était apparemment à portée de vue du studio d'enregistrement. Les notes de la pochette font référence à la chanson étant dédiée au "sort des prisonniers" et contiennent des paroles généralisées douteuses sur les prisonniers étant des étrangers et des rebelles plutôt que des gens qui "...ont tiré sur un homme à Reno juste pour le regarder mourir...". The Frankie Miller Band a même joué un concert pour la promotion de l'album dans la prison de San Quentin où Johnny Cash avait enregistré son célèbre album live.
Le deuxième des morceaux ressuscités des sessions du Rumbledown Band avec Fraser "I Know Why The Sun Don't Shine" ralentit considérablement. Cette ballade de Blues électrique maussade se construit progressivement, un peu plus lent et plus dépouillé que l'enregistrement original du Rumbledown Band qui mettait en vedette Paul Kossoff à la guitare et qui a finalement fait surface sur l'album de compilation de Paul Kossoff "Blue Soul" au milieu des années quatre-vingt. Bien qu'Henry McCullough soit un excellent guitariste et offre une performance de classe, il est difficile de ne pas préférer la version plus rapide et plus émouvante du Rumbledown Band avec Kossoff.
La première partie de l'album se termine par "Hard On The Levee" qui reste d'un excellent niveau. Il faisait partie intégrante du set live.
L'une des chansons les plus reprises de Miller, "Ain't Got No Money", donne à la seconde moitié de l'album le même niveau élevé que la première. C'est le classique de Miller et c'est le meilleur morceau de bar de tous les temps. Ce Boogie Blues a une approche rapide et sans fioritures avec un peu plus de piano boogie woogie, des percussions frénétiques, un autre bon solo et même un peu de cloche, le tout avec la voix usée et graveleuse de Miller. Le morceau a été repris par des artistes aussi divers que Chris Farlowe, Bob Seger et Cher.
"All My Love To You" affiche le côté plus émouvant de Miller et ressemble très vocalement à Otis Redding / Arthur Conley. Cette composition de Miller a la sensation d'un vieux morceau de Soul et il n'est pas difficile d'imaginer qu'il puisse être interprété par ces grands de la Soul que Miller admire tant. The Memphis Horns donnent à l'ensemble une grande authenticité et la voix de Miller n'a rien à envier à celles qu'il admire.
Les choses s'accélèrent dans un rythme effréné.pour "I'm Old Enough" avec des paroles typiquement bien pensées de Miller sur un rythme Rock rapide et rebondissant. Une guitare simple mais efficace. Comme pour les morceaux plus rapides précédents, la voix de Miller est pleine de courage et d'attitude.
"Bridgeton" tire son nom de la région de Glasgow dont est originaire Miller et c'est un autre morceau plus lent qui raconte l'histoire de Miller là-bas. La guitare fait penser à un dobro ou même de la slide par endroits et il y a même quelque chose qui sonne étrangement comme de la cornemuse bien qu'il n'y ait aucune suggestion de l'un ou l'autre dans les notes de la pochette. Que ce soit le cas ou non, le travail d'orgue est l'un des points forts, tout comme la mélodie vocale.
Le titre du dernier morceau "Drunken Nights in The City" est assez explicatif et raconte l'histoire des nuits de beuverie de Miller avec un ancien footballeur Ecossais du Celtic FC, Jimmy Johnstone. Tous les mots nécessaires sont dans le titre … "ivre", "nuits" et "ville"...
Miller est un fervent fan du Celtic F.C.. Le morceau, écrit pour son ami de fin de soirée, est une simple voix sur une guitare acoustique. Miller joue la chanson seul à la guitare . La voix donne l'impression d'avoir été enregistrée après qu'une bonne quantité d'alcool absorbée.

Bien qu'il ait été acclamé par la critique, "The Rock" n'a pas été une grande réussite commerciale, mais la tournée Américaine pour le promouvoir a été un énorme succès et le groupe a régulièrement mieux réussi que les groupes pour lesquels il ouvrait.
Il a été repris, entre autres, par Johnny Cash, Ray Charles, Lou Ann Barton, Rod Stewart, Cher, Bob Seger, Les Bellamy Brothers, Ray Charles, Southside Johnny and The Asbury Jukes, Traveling Willburys, Chris Farlowe, Clint Black, Kim Carnes, Waylon Jennings, The Proclaimers, Peter Frampton, Shakin Stevens, Don Williams, The Climax Blues Band, Bonnie Tyler, Oak Ridge Boys, Roy Orbison, UFO, Quireboys, Johnny Hallyday, Etta James, Joe Cocker, Paul Kossoff, Robin Trower, Joe Walsh et The Eagles.
Frankie Miller est une sorte de barde, il est devenu une légende en Écosse en général et à Glasgow en particulier.
Si vous ne connaissez pas Frankie Miller, "The Rock" est l'album à écouter en priorité.


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Message par alcat01 » dim. 25 sept. 2022 09:43

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Lincoln Street Exit est un groupe de Garage et Psychedelic Rock formé en 1964, originaire du Nouveau-Mexique, et composé à l'origine de Paul Chapman, du batteur Leeja Herrera, du chanteur et guitariste Michael Henry Martin et du bassiste Jomac "Mac" Suazo.
Ce fut l'un des rares groupes Amérindiens de la fin des années 60 au début des années 70.

Cette rareté est surtout due au fait que ce groupe de Rock autochtone Américain dont les quatre membres étaient des Sioux du Nouveau-Mexique participait activement à tourner et à enregistrer, et que les musiciens avaient lutté pendant quelque six ans avec finalement bien peu de reconnaissance, pour ne gérer la sortie que de trois singles instantanément et obscurément durant cette période.

Le groupe avait commencé par s'installer à Albuquerque, au Nouveau-Mexique. Comme avec la plupart des groupes de cette époque, leur meilleur travail se trouve aussi dans leur performance live.

Lincoln Street Exit n'a jamais été ménagé et ce fut malgré tout un phénomène naturel qui évolua à partir d'un groupe de danse qui jouait à la Junior High School, et qui a fini par être capable de jouer un "Gloria" ou "Brown Eyed Girl" de Van Morrison de très grande facture.

Au moment où la formation signe chez le label Mainstream de Détroit, Paul Chapman était mort et remplacé par le guitariste RC Gariss qui fait équipe avec le producteur Brad Shad en 1970.
Le seul album de Lincoln Street Exit, intitulé "Drive It" est un de ces disques qui suscite toujours beaucoup d'attention de la part des collectionneurs depuis de nombreuses années.
Il est, musicalement, essentiellement basé sur le Blues. La pochette est vraiment tout ce qu'il y a de psychédélique.
Il avait fallu près de deux ans au groupe pour que cet album entre dans la phase de production.
Lincoln Street Exit s’inscrit dans la lignée d’un Rock très énergique, presque survitaminé, où les guitares ont la part belle dans les échanges démonstratifs effectués entre les deux excellents solistes.
L’album démarre de fort belle manière avec "Man Machine" et le Blues Rock de "Dirty Mother Blues" qui montrent que ces jeunes musiciens ne s’en laissent pas compter.
Les titres s’enchaînent selon une veine Heavy, "Got You Babe" ou "Straight Shootin’Man", Boogie, "Teacher Teacher", ou même Country, "Soulful Drifter", mais, on retrouve aussi dans la rythmique tribale de "Time Has Come Gonna Die" le style caractéristique naissant du futur XIT.
"Phantom Child" conclut l'album avec un certain brio.

Pourtant, niveau texte, les sentiments anti-guerre du groupe révèlés sur les morceaux "Man Machine" et "Has Come Gonna Die" ne sont pas particulièrement originaux ou remarquables. De même, leur pseudo-évangélisme de "Going Back Home" est, au mieux, très peu judicieux.
D'autre part, propulsé par la voix sympathique de Martin, des titres comme "Dirty Mother Blues", "Teacher Teacher" et "Straight Shootin 'Man'" offrent un ensemble tout à fait convaincant de ce que peut être un Blues Rock violent.
Ironiquement, le morceau le plus impressionnant est également un de leurs efforts les plus commerciaux, le très Country Pop "Soulful Drifter" (qui est aussi sorti en single, mais sans aucun succès).

Cet album ne représente que la pointe émergée de l'iceberg de ce à quoi ils ressemblaient réellement et de ce qu'ils étaient capable de faire, et comme avec la plupart des groupes de cette époque, leur meilleur travail était aussi au moment de leur performance live.

Au moment où cet album fut enregistré, le groupe désirait dèjà changer de son et son style psychédélique et cherchait déjà dans d'autres directions afin de garder sa fraîcheur et sa spontanéité.

Ces musiciens avaient réellement du talent mais cela ne transparaît pas forcément complètement sur cet enregistrement. Ainsi, par exemple, le batteur Lee Herrera est un très bon batteur, car malgré le fait qu'il n'utilise pas de double grosse caisse, cela y ressemble fortement.
Gariss, Herrera, Martin et Suazo ne cessent pas pour autant leur collaboration musicale, réapparaissant ensuite sous un nouveau nom, XIT, enregistrant d'une série de LPs pour Motown au milieu des années1970.
Car Lincoln Street Exit est, en fait, la première mouture du groupe qui donnera naissance à XIT.


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Message par alcat01 » dim. 25 sept. 2022 12:20

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Originaires du New Jersey, le bassiste Britt Pennella, et le chanteur Kenny Price déménagent pour Los Angeles au milieu des années 80 où ils pensent, en tant que Blackboard Jungle, avoir une bien meilleure chance de se faire un nom.
Ils commencent par monter un groupe de Glam Rock appelé Filthy Ritz qui se fait une base de fans solide dans une très petite période de moins de six mois.
Alors que Filthy Ritz commençait à donner ses propres spectacles et à se faire un nom, le groupe décide d'en rester là en raison de quelques conflits de personnalité.
Britt et Kenny se lient avec le guitariste Dave Zinc et le batteurJoel Patterson et ils décident de lancer un autre groupe et ce groupe, c'est Blackboard Jungle.

C'est l'un des groupes de Hard Rock des plus diversifiés avec un style qui lui est propre. Kenny Price a une voix unique et distinctive et Blackboard Jungle a couvert plus de terrain et a obtenu plus de presse que n'importe quel groupe non signé jamais sorti de L.A.
Ayant fait des nombreuses tournées avec les groupes comme Faster Pussycat, Gene Loves Jezabel, Filthy Lucre, Hole, Love Hate, ils ont même ouvert pour Cheap Trick.
Blackboard Jungle est allé au Japon en 1992 pour environ deux semaines, jouant ses spectacles à guichets fermés devant plus de 2.500 personnes et a enregistré BBJ-Live In Japan 1992 en VHS. Une des chansons enregistrées pour le set live au Japon se retrouve sur le nouvel album incidemment appelé "Welcome To The Blackboard Jungle".
Brent Muscat a également produit deux chansons qui apparaissent sur ​​la motion picture soundtrack Japonaise de "He Is Werewolf King".

L'année 1993 pour Blackboard Jungle s'est passé en tournée et enregistrements des demos avec Bill Kennedy qui avaient travaillé avec Nine Inch Nails. Plus d'enregistrements, des spectacles locaux et les membres du groupe furent très occupés jusqu' à 1994.
Blackboard Jungle fut l'un des trois finalistes pour le concours 'FOX 11 L.A.' de groupe non signé, qui a reçu plus de 2500 entrées. Il a remporté ce concours et apparut en direct à la télévision nationale à deux reprises pour jouer et accepter l'honneur.
Leur seul album "Welcome to the Blackboard Jungle", paru en 2007, est une compilation de différents enregistrements faits de 1990 jusqu'à la dissolution du groupe en 1995.
Toutes les chansons sont étonnantes avec un fantastique songwriting et de superbes performances musicales. C'est une véritable révélation: il a tout, et il est très diversifié.

Puis vint la redoutable année 1995. Plus de distensions chez les membres du groupe, la mort de Laz et le départ de Dave a finalement abouti à la fin de Blackboard Jungle.
La seule bonne chose de 1995 fut que Kenny, Britt et Joel enregistrèrent ensemble pour une dernière fois.


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Message par alcat01 » dim. 25 sept. 2022 13:26

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C’est à Johannesburg, en Afrique du Sud, au début de l’année 1970 que les membres du groupe Suck se sont retrouvé en studio pour enregistrer leur premier et unique album, "Time To Suck".
Celui-ci est paru sous le label Parlophone (EMI) en Afrique du Sud et, étrangement en France, la même année sous le label Megaphone Records.
Ce disque s’inscrit dans le droit fil de tous ces groupes de Hard Rock aux accents progressifs. Le plus surprenant est que le son du disque est excellent et que l’on peut comparer sa production à celles des plus grands disques de son époque. Ce qui ne l’est pas moins, c’est la grande compétence des musiciens à jouer une bonne musique, bien en place où chacun sait faire preuve d’une grande musicalité.

Le seul point qui, peut-être, décevra le plus est qu’à une exception près, tous les titres enregistrés sont des reprises de divers grands groupes Anglais ou Américains.
Le guitariste, Stephen Gilroy, donne à ce disque tout l’intérêt qu’on peut lui porter car, autant le groupe joue de manière efficace et n’a pas grand-chose à envier aux autres groupes qu’il interprète, autant le guitariste joue de manière remarquable sans se départir d’une certaine originalité sur des titres que tout un chacun, ou presque, connait déjà dans leursversions originales.

On y trouve deux morceaux de Grand Funk Railroad, "Aimless Lady" et "Sin's a Good Man's Brother" extraits de "Closer to Home", un de King Crimson, "21th century Schizoid Man" de "In The Court of the Crimson King", dans une version assez proche de l’originale, effets sur la voix compris mais résolument plus Heavy dans l’approche,une version longue de "Season of the Witch" de Donovan qui couvre la seconde moitié de la face 1…où le chanteur joue de la flûte et où l’intensité de leur Hard Rock tombe d’un cran mais n’en est pas moins extrêmement plaisant à écouter. La musique jouée prend des accents plus psychédéliques et progressifs jusqu’à ce que le batteur, Saverio Grande, déroule son jeu de batterie faisant éclater les structures rythmiques posées au départ, le chanteur, Andrew Ionnides, n’est pas en reste qui donne à sa voix des accents sabbathiens, le bassiste, Louis Joseph Forer, assure en jouant de bonnes lignes de basse (Si ce n’est le tempo, cette version a peu à voir avec celle de Al Kooper et Stephen Stills sur leur 'Super Session'), un de Free, "I’ll be Creeping", extrait du second album, "Free", dans une version moins bluesy (n’est pas Paul Rogers qui veut), un de Deep Purple, "Into the Fire" tiré de "In Rock" et enfin un de Colosseum, "Elegy", qui se trouve sur "Valentyne Suite".

Il reste donc un seul titre original, "The Whip", qui s’inscrit exactement dans la lignée des emprunts faits aux groupes cités et qui peut laisser songeur quant à un second album plus personnel sur le plan des compositions, mais qui ne verra jamais le jour, le groupe disparaissant dès la fin de l'année 1970.

La réédition officielle en cd rajoute en bonus un "War Pigs", emprunté à l'album "Paranoid" de Black Sabbath, qui à l’origine n’était paru que sur une compilation intitulée "Rock Today with the Big Heavies"!
Pour les amateurs de ce genre de disque.


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Message par alcat01 » dim. 25 sept. 2022 15:51

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Bloontz est un groupe Americain originaire de Houston, au Texas, dont le nom d'origine était The Bloontz All Star Blues Band, qui met en vedette les talents de Tony Braunagel (batterie), d'Andy Chapman (chant), David L. Kealey (guitare), Mike Montgomery (claviers), et Terry Wilson (basse).
Le producteur Ron Johnsen (manager de KISS pendant une partie de leur début de carrière) les a fait déménager à New York en 1972 et raccourci leur nom en Bloontz, décrochant un contrat avec le label Evolution.
Il existe donc un lien naturel important entre le groupe de Hard Rock Bloontz et KISS: Ils ont joué un 'benefit show' ensemble avec quelques autres groupes en Mai 1973. Il est probable que la participation de Bloontz dans ce concert bénéfice était du fait de Ron Johnsen qui habitait à côté de l'organisateur de la prestation.
Toutefois, les liens entre Bloontz et KISS vont plus loin que de simplement partager une scène une nuit. Andy Chapman était aussi un bon ami de Robbie Leff qui écrira les parties de la musique de la chanson "Weddin'"de Patti Dahlstrom qui a été enregistré sur l'album de Lyn Christopher avec Gene Simmons et Paul Stanley dans les chœurs et trois des membres de Bloontz (Michael Montgomery, Tony Braunagel, et Terry Wilson) ont été des musiciens de session sur le disque de Lyn Christopher.

Le groupe a enregistré un album intitulé "Bloontz", produit par Ron Johnsen, et paru en 1973. Aucun de ses neuf morceaux ne gagnera un prix d'originalité, mais les chansons sont assez variées et les performances sont pratiquement toutes agréables.
Chapman a vraiment une voix dure et rocailleuse faite pour chanter du Rock. Le groupe est très bon avec mention spéciale pour Kealey et ses excellents solos de guitare.
Le rock d'ouverture "The Joke's On You" est l'une des chansons les plus commerciale du disque. "Jason Blue" ne ressemble à rien d'autre sur l'album. C'est un Rock bluesy qui est un défi grammatical car le lyrique reste une énigme. "You Ain't Your Body" donne l'occasion à Kealey de montrer ce qu'il sait faire à la guitare. "Arena" est un bon Rock avec un bon pont musical et des paroles intéressantes. "Long Way Down" est une jolie ballade emmenée par la lead guitare de Kealey bien grinçante et un excellent chant de Chapman qui a été exploité comme un single instantanément. Le très mélodieux "Prodigal" est un Country Rock écrit par Montgomery qui donne à Kealey une autre chance de montrer ses talents à la Telecaster...
Co-écrite avec l'ancien partenaire de Wilson dans Blackwell, John Rabbit Bundrick, "Sunshine's Masquerade" est un morceau mi-tempo accentué par ​​les claviers de Montgomery qui ne décolle tout simplement jamais. "Ramon" est certainement le morceau le plus faible, même si la mélodie elle-même est assez bonne. Ouvrant avec une jolie guitare acoustique 'Light Up the World' se transforme en une ballade aérée pour clôturer l'album...

"Bloontz", sorti en 1973, a été enregistré aux Electric Lady Studios, mais il n'a pas marché commercialement parlant et le groupe s'est séparé par la suite.
N.B.: Montgomery, Braunagel, et Wilson ont donc continué en formant Back Street Crawler avec l'ex-guitariste de Free, Paul Kossof.


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Message par alcat01 » dim. 25 sept. 2022 17:19

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Keel est un groupe de Heavy Metal Américain fondé en 1983 par Ron Keel à Los Angeles, en Californie, suite au split du groupe Steeler. Les membres originaux étaient Ron Keel, David Michael Phillips, Bobby Marks et Kenny Chaisson.
Le groupe a été actif jusqu'en 1989, avec une brève réunion en 1998. Il a fait sept albums dont le plus connu est le deuxième "The Right to Rock", paru en 1985 et produit par Gene Simmons de KISS, pour leur hymne Rock du même nom.
Keel est alors composé de Ron Keel - chant, guitare, claviers, de Marc Ferrari - guitare, de Brian Jay - guitare, de Dwain Miller - batterie et de Kenny Chaisson - basse.

Sur cet album, on retrouve deux titres qui figuraient déjà sur le précédent album: "Let's spend the night together"(légèrement retouché).
Dès l’attaque puissante de "The Right To Rock", on sait à quoi on a affaire, c'est-à-dire du Hard Heavy Rock avec des gros riffs incisifs, une voix agressive, limite criarde et des superbes solos du duo Marc Ferrari / Bryan Jay, l'un des plus sous-estimé des années 80.
"Back To The City" est encore meilleur. C'est un Heavy Rock particulièrement énergique, efficace avec un autre énorme duel des guitaristes.
La reprise de The Rolling Stones, "Let's Spend The Night Together", est très convaincante.
"Easier Said Than Done" est un autre hymne Hard avec des choeurs aériens, très influencé par KISS. Pas étonnant lorsque l’on sait que c’est Gene Simmons qui est derrière les manettes.
"So Many Girls, so Little Time", au mid-tempo des plus énergiques, est dominé par des vocaux particulièrement hargneux et des guitares au diapason.
"Electric love" n'est pas tout à fait du même acabit, peut-être finalement un peu trop 'KISSien'.
"Speed Demon" est un morceau qui déchire tout sur son passage avec une voix hurlante et agressive et des guitares qui broyent les oreilles de l'auditeur.
"Get down" est largement un ton en deçà du reste de l’album, le morceau le plus faiblard.
"You're The Victim (I'm The Crime)", au tempo très soutenu, est entrainant, mais la musicalité laisse à désirer

Ce "The Right To Rock" se révèle globalement très énergique et la production crue de Simmons rend parfaitement justice aux compositions.
Bref, un disque à écouter pour tous les amateurs du genre!


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Message par alcat01 » dim. 25 sept. 2022 18:18

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Après avoir répété pendant un certain temps en quatuor, Steeleye Span décide qu'il a besoin d'un autre instrumentiste et il fait appel à l'aide d'un jeune violoniste nommé Peter Knight qui travaillait alors en tant que vendeur de musique pour Boozey et Hawkes et qui avait une formation de violoniste classique.
À l'Eté 1970, le groupe joue devant un public pour la première fois au Cambridge Folk Festival, et en Octobre, Steeleye Span fait sa première tournée Britannique.
Pendant ce temps, la formation enregistre son deuxième album, "Please To See The King" pour B and C.
Le titre de l'album est dérivée de la cérémonie appelée "Cutty Wren". Un mignon troglodyte est présentée dans une cage comme s'il s'agissait d'un roi. Ce rite était réalisé le 26 Décembre, jour de la Saint-Étienne, et il était relié au début des célébrations de Noël. La chanson "The King", figurant sur l'album, aborde ce sujet, et elle est souvent interprétée comme un chant de Noël.
Steeleye Span reviendra sur ce sujet sur son album "Live at Last" avec "Hunting the Wren" et sur l'album "Time" avec la chanson "The Cutty Wren". La coutume des Wrenboys est principalement associée avec l'Irlande, mais elle a été récemment relancée en Angleterre.

Le changement de line up entraîne évidemment une modification substantielle de leur son d'ensemble, en raison d'un manque de batterie et du remplacement d'une chanteuse avec un chanteur.
Le groupe a même repris une chanson de leur premier album, "The Blacksmith", avec un dispositif remarquablement différent. Le ré-enregistrement des chansons sera un thème mineur dans la production Steeleye Span au fil des années, et le groupe a fini par sortir un album entier de reprises, "Present - The Very Best Of Steeleye Span".

Toutes les chansons figurant sur l'album original sont des traditionnelles.
"The False Knight on the Road" est l'une des "Child Ballads" (# 3), et elle concerne la bataille d'un garçon avec le diable dans un jeu de devinettes. Tim Hart et Maddy Prior avaient déjà enregistré une version de la chanson sur leur album "Summer Solstice".
"The Lark in the Morning", une de leurs chansons les plus populaires, a le même titre qu'une autre chanson au sujet d'un laboureur robuste, mais il existe de fortes similitudes. Cette version a été recueilli par Ralph Vaughan Williams.
"Boys of Bedlam", une variante de "Tom o' Bedlam", est racontée du point de vue d'un membre d'un asile d'aliénés. Martin Carthy et Maddy Prior ouvrent cette chanson en chantant derrière des banjos, produisant un effet étouffé. Le groupe utilise la première version imprimée de la chanson d'après "Wit and Mirth, or Pills to Purge Melancholy" par Thomas d'Urfey.

Le Melody Maker fit de ce disque son album Folk de l'année. Le journaliste musical Colin Irwin, dans son livre "In Search of Albion", le décrit comme l'un de ses albums Folk Rock préférés. Il atteint le numéro 45 dans les charts du Royaume Uni, édité à l'origine sur B & C Records, mais avant la fin de l'année, les droits ont été acquis par Mooncrest Records qui le ré-édite la même année, avec une pochette différente.
Il a été édité aux États-Unis au même moment sur Big Tree, lorsque le petit label fut distribué par Ampex. Il se vend mal et il a été supprimé assez rapidement après sa sortie. Les exemplaires restants ont été achetés par un couple de distributeurs et en même temps, le groupe signait avec Chrysalis et l'album d'origine se vendit très bien.
Lorsque des stocks furent épuisés, des copies pirates de pauvre qualité ont commencé à circuler en énormes quantités.

Musicalement, il s'agissait de leur enregistrement le plus électrique, le plus dense, avec des grandes parties de guitares et de fortes lignes de basse en boucle, mais sans batterie.
En 2006, Castle Music a réédité l'album comme un double-CD avec de nombreux morceaux supplémentaires provenant d'apparitions à la radio et la télévision.
L'album, sur Chrysalis, sort en Mars 1971 et atteint le numéro 7 dans les Charts britanniques. A cette époque, le groupe ouvre pour Jethro Tull lors de leur grande tournée Britannique.


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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par lienard » dim. 25 sept. 2022 19:23

alcat01 a écrit :
dim. 25 sept. 2022 09:23
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Pour son troisième album, "The Rock", au lieu de sortir un nouveau opus solo, Frankie Miller présente son propre groupe, The Frankie Miller Band. Enregistré en vue de la célèbre prison d'Alcatraz durant le premier semestre 1975, il contient certains éléments musicaux entendus sur ces deux premiers disques. La compétence de Miller en tant qu'auteur-compositeur et chanteur de Pub Rock à la base de cet album, la Soul décontractée de "Highlife" et le Rock et le Blues teintés de Country de The Frankie Miller Band se mélangent tous de manière transparente sur "The Rock".
Le groupe comprenait Henry McCullough à la guitare, Chrissy Stewart à la basse, Mick Weaver aux claviers et Stu Perry à la batterie. Tous avaient déjà d'illustres CV à leur actif.

Le côté Soul de son album "Highlife" a été fourni par The Memphis Horns et The Edwin Hawkins Singers renommée pour leur "Oh Happy Day".
Ajoutez à cela une apparition du chanteur James Dewar de Robin Trower et il n'est pas étonnant que "The Rock" soit aussi solide et cohérent. La production a été assurée par Elliot Mazer qui avait participé à l'enregistrement de "Harvest" de Neil Young quelques années auparavant. Comme il l'avait fait avec l'album "Highlife", Miller critiquait le mixage final et le son de la production, estimant qu'il lui manquait la vraie sensation live qu'il désirait absolument.

Il y a de très bons morceaux, et beaucoup de ballades de Blues électriques.
Quelques années plus tôt, Miller et Andy Fraser, ancien bassiste et auteur-compositeur de Free avaient tenté de monter un groupe, mais cela n'avait pas abouti. Cela leur avait permis de se former une solide amitié et un excellent partenariat pour l'écriture de chansons. "A Fool In Love' était l'un des morceaux issus de ces sessions qui fait démarrer 'The Rock' de manière explosive. La voix rocailleuse de Miller parfaitement reconnaissable démarre pratiquement au début du morceau. L'influence de Fraser donne à la chanson un réel sentiment d'être une chanson de groupe plutôt que celle d'un interprète solo. Ce premier morceau a fourni à Miller son premier Hit considérable en Amérique et il a ensuite été repris par d'innombrables interprètes dont Delbert McClinton, Etta James et UFO pour n'en nommer que trois.
Le deuxième morceau "The Heartbreak", une ballade de Blues électrique à couper le souffle, est un morceau plus lent avec un bon mélange de Rock, de Blues et de Soul à la fois dans la voix et dans l'accompagnement musical. Le piano conduit bien la chanson et un solo de guitare et d'orgue suivent et se mélangent tous pour en faire une piste remarquable.
La chanson titre, "The Rock", le surnom de la prison d'Alcatraz, est teintée de Country Rock. La guitare, le piano boogie woogie de bar et les chœurs gospel complètent la voix de Miller et cela aurait vraiment dû être son premier gros Hit. La chanson avait été inspirée par la vue d'Alcatraz depuis le studio d'enregistrement et la conviction que, sans la musique, Miller se serait probablement retrouvé dans un endroit similaire. C'est un hommage à ces hommes incarcérés qui était apparemment à portée de vue du studio d'enregistrement. Les notes de la pochette font référence à la chanson étant dédiée au "sort des prisonniers" et contiennent des paroles généralisées douteuses sur les prisonniers étant des étrangers et des rebelles plutôt que des gens qui "...ont tiré sur un homme à Reno juste pour le regarder mourir...". The Frankie Miller Band a même joué un concert pour la promotion de l'album dans la prison de San Quentin où Johnny Cash avait enregistré son célèbre album live.
Le deuxième des morceaux ressuscités des sessions du Rumbledown Band avec Fraser "I Know Why The Sun Don't Shine" ralentit considérablement. Cette ballade de Blues électrique maussade se construit progressivement, un peu plus lent et plus dépouillé que l'enregistrement original du Rumbledown Band qui mettait en vedette Paul Kossoff à la guitare et qui a finalement fait surface sur l'album de compilation de Paul Kossoff "Blue Soul" au milieu des années quatre-vingt. Bien qu'Henry McCullough soit un excellent guitariste et offre une performance de classe, il est difficile de ne pas préférer la version plus rapide et plus émouvante du Rumbledown Band avec Kossoff.
La première partie de l'album se termine par "Hard On The Levee" qui reste d'un excellent niveau. Il faisait partie intégrante du set live.
L'une des chansons les plus reprises de Miller, "Ain't Got No Money", donne à la seconde moitié de l'album le même niveau élevé que la première. C'est le classique de Miller et c'est le meilleur morceau de bar de tous les temps. Ce Boogie Blues a une approche rapide et sans fioritures avec un peu plus de piano boogie woogie, des percussions frénétiques, un autre bon solo et même un peu de cloche, le tout avec la voix usée et graveleuse de Miller. Le morceau a été repris par des artistes aussi divers que Chris Farlowe, Bob Seger et Cher.
"All My Love To You" affiche le côté plus émouvant de Miller et ressemble très vocalement à Otis Redding / Arthur Conley. Cette composition de Miller a la sensation d'un vieux morceau de Soul et il n'est pas difficile d'imaginer qu'il puisse être interprété par ces grands de la Soul que Miller admire tant. The Memphis Horns donnent à l'ensemble une grande authenticité et la voix de Miller n'a rien à envier à celles qu'il admire.
Les choses s'accélèrent dans un rythme effréné.pour "I'm Old Enough" avec des paroles typiquement bien pensées de Miller sur un rythme Rock rapide et rebondissant. Une guitare simple mais efficace. Comme pour les morceaux plus rapides précédents, la voix de Miller est pleine de courage et d'attitude.
"Bridgeton" tire son nom de la région de Glasgow dont est originaire Miller et c'est un autre morceau plus lent qui raconte l'histoire de Miller là-bas. La guitare fait penser à un dobro ou même de la slide par endroits et il y a même quelque chose qui sonne étrangement comme de la cornemuse bien qu'il n'y ait aucune suggestion de l'un ou l'autre dans les notes de la pochette. Que ce soit le cas ou non, le travail d'orgue est l'un des points forts, tout comme la mélodie vocale.
Le titre du dernier morceau "Drunken Nights in The City" est assez explicatif et raconte l'histoire des nuits de beuverie de Miller avec un ancien footballeur Ecossais du Celtic FC, Jimmy Johnstone. Tous les mots nécessaires sont dans le titre … "ivre", "nuits" et "ville"...
Miller est un fervent fan du Celtic F.C.. Le morceau, écrit pour son ami de fin de soirée, est une simple voix sur une guitare acoustique. Miller joue la chanson seul à la guitare . La voix donne l'impression d'avoir été enregistrée après qu'une bonne quantité d'alcool absorbée.

Bien qu'il ait été acclamé par la critique, "The Rock" n'a pas été une grande réussite commerciale, mais la tournée Américaine pour le promouvoir a été un énorme succès et le groupe a régulièrement mieux réussi que les groupes pour lesquels il ouvrait.
Il a été repris, entre autres, par Johnny Cash, Ray Charles, Lou Ann Barton, Rod Stewart, Cher, Bob Seger, Les Bellamy Brothers, Ray Charles, Southside Johnny and The Asbury Jukes, Traveling Willburys, Chris Farlowe, Clint Black, Kim Carnes, Waylon Jennings, The Proclaimers, Peter Frampton, Shakin Stevens, Don Williams, The Climax Blues Band, Bonnie Tyler, Oak Ridge Boys, Roy Orbison, UFO, Quireboys, Johnny Hallyday, Etta James, Joe Cocker, Paul Kossoff, Robin Trower, Joe Walsh et The Eagles.
Frankie Miller est une sorte de barde, il est devenu une légende en Écosse en général et à Glasgow en particulier.
Si vous ne connaissez pas Frankie Miller, "The Rock" est l'album à écouter en priorité.

Alors là ... bravo à toi, c'était l'album qui me manquait .. je l'ai connu grâce à Delbert McClinton ..

J'ai acheté à sa sortie son double cd .. "Double take" ... hommage d'une multitude de Star à cet Artiste bien trop tôt parti .. :/

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Message par alcat01 » lun. 26 sept. 2022 06:42

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En 1972, avant que Free Will n'enregistre au légendaire Electric Lady Studio de Jimi Hendrix à Greenwich Village, à New York, RCA a exigé que le groupe change de nom.
Avec son line up composé des guitaristes Mark Doyle et George Egosarian, du chanteur Joe Whiting, du bassiste John DeMaso et du batteur Tom Glaister finalement stabilisé à l'Automne 1971, Free Will est devenu naturellement Jukin' Bone.

Grâce à RCA, le groupe entre à l'Electric Ladyland en 1972 et enregistre son premier album intitulé "Whiskey Woman":
Le producteur Lewis Merenstein leur avait conseillé de faire un enregistrement live, mais le groupe a décidé d'essayer de capturer son son live en studio.
Merenstein, alors âgé de 37 ans, avait enregistré des disques depuis 1959. Ses crédits allaient de Charlie Musselwhite au Spencer Davis Group, de Charlie Daniels à George Burns. Il dirigea les sessions de Jukin' Bone pour le LP de neuf pistes.
La couverture de "Whiskey Woman" représente un chapiteau pour Roseland Dance City, bien que Louis Brecker, le propriétaire du Roseland Ballroom de New York City, ait interdit le Rock'n'Roll à ce point de repère musical de Manhattan.

Pour "Whiskey Woman", Merenstein et le groupe évitaient les trucs de studio en répètant toutes ou la plupart des neuf chansons tous les soirs, puis en choisissant ce qui était considéré comme le meilleur. Toutes les pistes ont été enregistrées complètement en live devant un petit public invité à coup de riffs de guitare Heavy, avec une section rythmique solide et un super chanteur.
Le régisseur de Free Will, Dave Rezak, plus tard devenu le meilleur agent de réservation de Syracuse, a confirmé que les sessions de Whisky Woman étaient 'bien lubrifiées'.

Les performances, bien que pas aussi fascinantes que leurs spectacles en live, étaient plus que respectables, exsudant un groove hard-rockin' Blues authentique sur des originaux tels que "Jungle Fever" et "Got the Need", ainsi que des reprises de "Spirit in the Dark" d'Aretha Franklin et "The Hunter" de Booker T.
Tandis que la section rythmique créait une base solide, le travail de guitare dynamique de Doyle, allant des solos à la note unique en cascade à des diapositives glissantes, et les chants ardents et douloureux de Whiting menaient la journée ... ou la nuit, selon le cas.
Mais malheureusement, "Whiskey Woman" n'a pas répondu aux attentes du groupe et de RCA. Il a échoué à la vente, et n'a même pas été accepté par la base des fans de Free Will dans Central New York.

L'album est passé presque inaperçu, bien que le groupe ait eu au moins une chance d'enregistrer son deuxième album.
Mais le batteur Tom Glaister s'est marié et il a quitté le groupe. Il sera remplacé par deux batteurs Kevin Shwaryk et Danny Coward par la suite.


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Message par alcat01 » lun. 26 sept. 2022 06:44

lienard a écrit :
dim. 25 sept. 2022 19:23
alcat01 a écrit :
dim. 25 sept. 2022 09:23
Image

Pour son troisième album, "The Rock", au lieu de sortir un nouveau opus solo, Frankie Miller présente son propre groupe, The Frankie Miller Band. Enregistré en vue de la célèbre prison d'Alcatraz durant le premier semestre 1975, il contient certains éléments musicaux entendus sur ces deux premiers disques. La compétence de Miller en tant qu'auteur-compositeur et chanteur de Pub Rock à la base de cet album, la Soul décontractée de "Highlife" et le Rock et le Blues teintés de Country de The Frankie Miller Band se mélangent tous de manière transparente sur "The Rock".
Le groupe comprenait Henry McCullough à la guitare, Chrissy Stewart à la basse, Mick Weaver aux claviers et Stu Perry à la batterie. Tous avaient déjà d'illustres CV à leur actif.

Le côté Soul de son album "Highlife" a été fourni par The Memphis Horns et The Edwin Hawkins Singers renommée pour leur "Oh Happy Day".
Ajoutez à cela une apparition du chanteur James Dewar de Robin Trower et il n'est pas étonnant que "The Rock" soit aussi solide et cohérent. La production a été assurée par Elliot Mazer qui avait participé à l'enregistrement de "Harvest" de Neil Young quelques années auparavant. Comme il l'avait fait avec l'album "Highlife", Miller critiquait le mixage final et le son de la production, estimant qu'il lui manquait la vraie sensation live qu'il désirait absolument.

Il y a de très bons morceaux, et beaucoup de ballades de Blues électriques.
Quelques années plus tôt, Miller et Andy Fraser, ancien bassiste et auteur-compositeur de Free avaient tenté de monter un groupe, mais cela n'avait pas abouti. Cela leur avait permis de se former une solide amitié et un excellent partenariat pour l'écriture de chansons. "A Fool In Love' était l'un des morceaux issus de ces sessions qui fait démarrer 'The Rock' de manière explosive. La voix rocailleuse de Miller parfaitement reconnaissable démarre pratiquement au début du morceau. L'influence de Fraser donne à la chanson un réel sentiment d'être une chanson de groupe plutôt que celle d'un interprète solo. Ce premier morceau a fourni à Miller son premier Hit considérable en Amérique et il a ensuite été repris par d'innombrables interprètes dont Delbert McClinton, Etta James et UFO pour n'en nommer que trois.
Le deuxième morceau "The Heartbreak", une ballade de Blues électrique à couper le souffle, est un morceau plus lent avec un bon mélange de Rock, de Blues et de Soul à la fois dans la voix et dans l'accompagnement musical. Le piano conduit bien la chanson et un solo de guitare et d'orgue suivent et se mélangent tous pour en faire une piste remarquable.
La chanson titre, "The Rock", le surnom de la prison d'Alcatraz, est teintée de Country Rock. La guitare, le piano boogie woogie de bar et les chœurs gospel complètent la voix de Miller et cela aurait vraiment dû être son premier gros Hit. La chanson avait été inspirée par la vue d'Alcatraz depuis le studio d'enregistrement et la conviction que, sans la musique, Miller se serait probablement retrouvé dans un endroit similaire. C'est un hommage à ces hommes incarcérés qui était apparemment à portée de vue du studio d'enregistrement. Les notes de la pochette font référence à la chanson étant dédiée au "sort des prisonniers" et contiennent des paroles généralisées douteuses sur les prisonniers étant des étrangers et des rebelles plutôt que des gens qui "...ont tiré sur un homme à Reno juste pour le regarder mourir...". The Frankie Miller Band a même joué un concert pour la promotion de l'album dans la prison de San Quentin où Johnny Cash avait enregistré son célèbre album live.
Le deuxième des morceaux ressuscités des sessions du Rumbledown Band avec Fraser "I Know Why The Sun Don't Shine" ralentit considérablement. Cette ballade de Blues électrique maussade se construit progressivement, un peu plus lent et plus dépouillé que l'enregistrement original du Rumbledown Band qui mettait en vedette Paul Kossoff à la guitare et qui a finalement fait surface sur l'album de compilation de Paul Kossoff "Blue Soul" au milieu des années quatre-vingt. Bien qu'Henry McCullough soit un excellent guitariste et offre une performance de classe, il est difficile de ne pas préférer la version plus rapide et plus émouvante du Rumbledown Band avec Kossoff.
La première partie de l'album se termine par "Hard On The Levee" qui reste d'un excellent niveau. Il faisait partie intégrante du set live.
L'une des chansons les plus reprises de Miller, "Ain't Got No Money", donne à la seconde moitié de l'album le même niveau élevé que la première. C'est le classique de Miller et c'est le meilleur morceau de bar de tous les temps. Ce Boogie Blues a une approche rapide et sans fioritures avec un peu plus de piano boogie woogie, des percussions frénétiques, un autre bon solo et même un peu de cloche, le tout avec la voix usée et graveleuse de Miller. Le morceau a été repris par des artistes aussi divers que Chris Farlowe, Bob Seger et Cher.
"All My Love To You" affiche le côté plus émouvant de Miller et ressemble très vocalement à Otis Redding / Arthur Conley. Cette composition de Miller a la sensation d'un vieux morceau de Soul et il n'est pas difficile d'imaginer qu'il puisse être interprété par ces grands de la Soul que Miller admire tant. The Memphis Horns donnent à l'ensemble une grande authenticité et la voix de Miller n'a rien à envier à celles qu'il admire.
Les choses s'accélèrent dans un rythme effréné.pour "I'm Old Enough" avec des paroles typiquement bien pensées de Miller sur un rythme Rock rapide et rebondissant. Une guitare simple mais efficace. Comme pour les morceaux plus rapides précédents, la voix de Miller est pleine de courage et d'attitude.
"Bridgeton" tire son nom de la région de Glasgow dont est originaire Miller et c'est un autre morceau plus lent qui raconte l'histoire de Miller là-bas. La guitare fait penser à un dobro ou même de la slide par endroits et il y a même quelque chose qui sonne étrangement comme de la cornemuse bien qu'il n'y ait aucune suggestion de l'un ou l'autre dans les notes de la pochette. Que ce soit le cas ou non, le travail d'orgue est l'un des points forts, tout comme la mélodie vocale.
Le titre du dernier morceau "Drunken Nights in The City" est assez explicatif et raconte l'histoire des nuits de beuverie de Miller avec un ancien footballeur Ecossais du Celtic FC, Jimmy Johnstone. Tous les mots nécessaires sont dans le titre … "ivre", "nuits" et "ville"...
Miller est un fervent fan du Celtic F.C.. Le morceau, écrit pour son ami de fin de soirée, est une simple voix sur une guitare acoustique. Miller joue la chanson seul à la guitare . La voix donne l'impression d'avoir été enregistrée après qu'une bonne quantité d'alcool absorbée.

Bien qu'il ait été acclamé par la critique, "The Rock" n'a pas été une grande réussite commerciale, mais la tournée Américaine pour le promouvoir a été un énorme succès et le groupe a régulièrement mieux réussi que les groupes pour lesquels il ouvrait.
Il a été repris, entre autres, par Johnny Cash, Ray Charles, Lou Ann Barton, Rod Stewart, Cher, Bob Seger, Les Bellamy Brothers, Ray Charles, Southside Johnny and The Asbury Jukes, Traveling Willburys, Chris Farlowe, Clint Black, Kim Carnes, Waylon Jennings, The Proclaimers, Peter Frampton, Shakin Stevens, Don Williams, The Climax Blues Band, Bonnie Tyler, Oak Ridge Boys, Roy Orbison, UFO, Quireboys, Johnny Hallyday, Etta James, Joe Cocker, Paul Kossoff, Robin Trower, Joe Walsh et The Eagles.
Frankie Miller est une sorte de barde, il est devenu une légende en Écosse en général et à Glasgow en particulier.
Si vous ne connaissez pas Frankie Miller, "The Rock" est l'album à écouter en priorité.

Alors là ... bravo à toi, c'était l'album qui me manquait .. je l'ai connu grâce à Delbert McClinton ..

J'ai acheté à sa sortie son double cd .. "Double take" ... hommage d'une multitude de Star à cet Artiste bien trop tôt parti .. :/
Il est encore vivant!
En août 1994, Frankie a souffert d'une hémorragie cérébrale. Il a passé cinq mois dans le coma, quand il est sorti, il est incapable de parler, de chanter ou de jouer. Il passe alors en rééducation et, depuis, il n'est plus en mesure de se produire.

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Message par alcat01 » lun. 26 sept. 2022 11:24

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Bronco fut un groupe Anglais de Rock / Country signé par Island Records puis Polydor Records entre 1969 et 1973.
Formé fin 1969 par le chanteur Jess Roden à la suite de sa rupture avec The Alan Bown Set, Bronco a tout d'abord été signé chez Island Records et a publié deux albums "Country Home" and "Ace of Sunlight".
Le groupe est composé, outre Roden, des guitariste Kevyn Gammond et Robbie Blunt, du bassiste John Pasternak et du batteur Pete Robinson.

Leur premier album, "Country Home", est produit par Mike Flicker et édité au cours de la première semaine de Novembre.
Presque tout le premier lot de chansons était écrites par Jess Roden et le groupe les avait rôdé de nombreux fois aux répétitions de la salle des fêtes afin de se familiariser avec elles. Jess avait beaucoup d'expérience pour la production finale et, mêrme Richard Digby Smith qui était ingénieur du son de sessions (la première fois pour lui) n'avait une quelconque idée de quoi ou comment les disques appropriés étaient faits.
"Country Home" fut très bien enregistré malgré très peu des concerts. Quoi qu'il en soit, le groupe s'est retrouvé avec environ une dizaine de chansons, et Paul Samwell-Smith a été payé pour peaufiner et terminer l'enregistrement.

Avec cet album, Bronco était beaucoup plus qu'un véhicule pour la voix de Jess dans l'esprit de Chris Blackwell et ses chansons faisaient tranquillement irruption dans la vie réelle. Et, pour ce disque, le groupe fut même augmenté par l'ancien sideman de Alan Bown, Jeff Bannister qui jouait du piano sur deux chansons, ainsi que Clifford T. Ward qui a non seulement fourni les choeurs sur le titre "Home", mais qui a co-écrit "Misfit On Your Stair".
Une autre co-écriture était avec Suzy Worth pour "Bumpers West", la dernière chanson de la première face du disque. Suzy était l'une des personnes les plus arty de l'entourage du groupe, elle écrivait de la poésie et elle provoquait les choses, et c'est ainsi qu'elle écrivit des textes pour quelques-unes des mélodies de Roden.
Clifford T. Ward était un très bon ami de Kevyn Gammond et donc ils écrivaient parfois ensemble. Quand Roden chantait avec the Raiders, il était connu comme Cliff Ward et son groupe s'appelait The Cruisers. Ils furent sans aucun doute, le meilleur groupe de Pop à Kidderminster à l'époque. Au cours des années Bronco et après une période comme instituteur, il était réapparu comme Clifford T. Ward et avait signé avec Island Publishing. Il avait eu un Hit single et un album assez réussi, mais il avait développé une sclérose en plaques et malheureusement il est décédé depuis.

La photo de la couverture de l'album a été prise près de Rusper sur les bords du Surrey et du West Sussex. Elle représente une maison que Roden avait loué. Cette maison baptisée "Laudate" était de plain-pied, composée principalement de bois et construite dans un style Japonais, avec un jardin contenant une piscine et une grande cage de fer qui avait dû autrefois abrité un ours. Le tout dans huit acres de terrains boisés avec un lac et quelques îles alentour. Elle était la propriété de Peter Asher, qui, à cette époque, était un producteur de disques à Los Angeles.

Les photos de la pochette ont été prises par Malcolm Macintosh, un ami de Roden, dans les bois entourant la propriété, et la cabane en bois s'est retrouvée, ainsi, juste là au beau milieu de nulle part.
Bronco a trois principaux auteurs et aussi des combinaisons des trois avec d'autres écrivains et ainsi, il n'est pas trop difficile de comprendre pourquoi il y avait toujours beaucoup de matériel à enregistrer.
L'album reçut une foule de bonnes critiques et Bronco avait pris son essor.

Pour les amateurs de Rock, Country et Folk...


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Message par alcat01 » lun. 26 sept. 2022 13:45

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BOOT est un quatuor qui a vécu une véritable passion pour le Rock. il s'est formé en 1963 sous le nom de the Allusions.
Originaires de Port Richey, en Floride, Dan Eliassen et Jim O'Brock ont créé leur premier groupe The Kingsmen au début des années 60, mais ils ont changé de nom lorsque les Kingsmen installés à Washington ont créé le Hit "Louie Louie".
The Allusions du duo Eliassen / O'Brock a régulièrement changé de line up, jouant dans les salles de bal scolaires locales et les centres pour adolescents. En 1966, le line up se stabilisa enfin avec Eliassen, O'Borck, et les guitaristes Bruce Knox et Mike Mycz.
Plus tard, ils ont changé leur nom en The Split Ends, évitant alors de jouer des reprises et composant de plus en plus. Signé par le label local CPF Records, ils ont également enregistré un single "Rich with Nothin' b/w 'Endless Sun" qui s'est avéré être un succès régional.
Au fil des ans, ils ont joué dans le Dick Clark Tour "Happening '67" et le Dick Clark contest show "Happening '68".

En 1969, ils sont devenus Blues of Our Time, abrégé rapidement en B.O.O.T... Et ils ont passé douze années avec le même line up: Eliassen, Mycz, Knox et O'Brock.
Avec un matériel en grande partie d'origine, le groupe a pris la route, jouant dans des clubs et donnant des concerts presque non-stop pendant quatre années.
Ils ont participé avec the Allman Brothers à un concours à l'Université de Floride et ils ont remporté le premier prix!
Ils ont joué avec des tas de groupes, comme Canned Heat, Jefferson Airplane, Iron Butterfly, Steppenwolf, BB King, et tant d'autres, des centaines de dates de concert, mais ils ont eu très peu de succès commercial. À Atlanta, en Géorgie, ils ont joué en tête d'affiche avec Lynyrd Skynyrd en ouverture. Ils ont même participé à the Atlanta Pop Festival et au Miami II Pop Festivals.

Publié par le label Agape basé au Texas, le groupe a fait ses débuts en 1972 avec un premier album astucieusement intitulé "Boot". Co-produit par Mike Stone et Peter Thomason, le disque a été enregistré à Nashville, dans le Tennessee au Starday-King Studio à Nashville (le studio de James Brown pour ses grands succès).
Avec les quatre membres contribuant au matériel, ce rare album offre un mélange de Hard Rock et de Blues Rock avec quelques travaux de guitare psychédélique.

Pour les amateurs de ce genre de musique!


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Message par alcat01 » lun. 26 sept. 2022 15:16

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En Septembre 1971, Steeleye Span enregistre son troisième album, "Ten Man Mop or Mr. Reservoir Butler Rides Again" qui sortira en 1972.
Le curieux titre de l'album et son sous-titre nécessitent quelques explications.
Un "mop" (ratissage, en Français) ou "mop-fair" (ratissage équitable) est un terme du Moyen Age tardif pour une sorte de salon de l'emploi, où les ouvriers viennent chercher du travail. (Le morceau "Copshawholme Fair", issu du premier album du groupe, est une histoire à propos d'un tel salon.)

L'idée de base est que le groupe est au chômage et qu'il est à la recherche d'un emploi.
Un 'ten man mop' serait donc un spectacle très pauvre, car il y aurait peu d'employés potentiels à choisir.
Le sous-titre encore plus curieux, est une référence à Reservoir Butler, qui avait initialement joué l'une des chansons reprises sur l'album. Le groupe fut tellement frappé par son nom inhabituel qu'il a décidé qu'il devait être sauvé de l'obscurité.

De tous leurs albums, c'est le plus acoustique et il contient également une grande influence Irlandaise. Des titres comme "Four Nights Drunk", "Marrowbones", et "Wee Weaver" sont essentiellement du pur Folk.
C'est aussi le dernier album avec le membre fondateur Ashley Hutchings, qui quittera le groupe en partie parce qu'il croit que l'album s'est trop rapproché de la musique Irlandaise, bien loin de la musique Anglaise.
Le groupe envisageant également une tournée en Amérique, Hutchings est réticent à faire le voyage.

L'album commence par une adaptation de la chanson de Noël "Gower Wassail".
"When I was on Horseback" est l'une des rares chansons folkloriques à avoir une existence alternative comme chanson de Blues, parfois connue sous le nom "Six White Horses". C'est également une variante d'une mélodie Irlandaise qui avait inspiré "Streets of Laredo" et "St James Infirmary".
La dernière chanson, "Skewball" est l'un des faits morceaux phares de l'album, employant un contrepoint efficace entre un banjo et une guitare électrique.

L'album a été remarquable pour avoir une pochette de texture "gatefold" et des pages interieures sur sa version d'origine. Elle est entièrement payée par le groupe, et cela coûte plus cher à imprimer que ce que l'album pouvait générer comme profit, ce qui signifie le groupe perd de l'argent sur chaque album vendu.
Aucune des rééditions ultérieures n'a inclus le nombre initial des pages d'origine.

Que du bon!


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Message par alcat01 » lun. 26 sept. 2022 16:43

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Inspiré d'abord par Eric Clapton, puis plus tard par Jimi Hendrix, Eddie Clarke, né à Twickenham dans le Middlesex est à l'origine de ce groupe qui n'a fait qu'un album, mais quel disque!

En 1973, Eddie était devenu professionnel en rejoignant le groupe de Curtis Knight, Zeus, comme guitariste. Les autres membres de Zeus à l'époque étaient Chris Perry (batterie), Nicky Hogarth (claviers) et John Weir (basse).
A cette époque, un ami guitariste, Allan Callan, avait invité Nicky Hogarth, et Chris Perry à une jam session au Command Studios à Piccadilly. Quatre pistes furent enregistrées lors de cette session, dont trois étaient pratiquement complètes à l'exception de la basse et du chant.
De fait, les pistes étaient si bien faites que le quatuor réussit à obtenir un contrat avec Anchor Records, et le groupe se baptisa aussitôt Blue Goose.

Avec ce contrat en poche, Eddie, Nicky et Chris quittérent Zeus pour se concentrer sur leur propre projet avec Allan Callan au grand dam de Curtis Knight.
Callan ne possèdait pas d'amplis, alors Eddie lui permit de partager le sien pendant les répétitions, mais, plus tard, Eddie estima qu'il était impossible d'entendre ses solos car le son de Callan le noyait.

Le résultat fut que Eddie fut limogé. Cependant, quelques jours après, le groupe lui demanda de revenir, mais il refusa car il estimait que le groupe lésait Anchor car ils avaient été payés d'avance pour l'enregistrement d'un album, mais à ce moment-là, ils n'avaient encore pris aucune mesure pour le faire.
Eddie fut remplacé par Mike Todman et le disque fut finalement enregistré.
Le groupe se composait donc de Nick South à la basse, de Alan Callan au chant, à la guitare, et aux claviers, de Mike Todman à la guitare, de Chris Perry à la batterie er de Nick Hogarth aux claviers.

"Blue Goose" est un excellent disque édité par Anchor en 1974, mais qui sonne plus année 1972 ou 1973 et sa couverture originale est un travail de logo en relief de très haute qualité.
Cet opus possède un véritable son de jam puissant, Hard, Heavy, Psyche / Blues Boogie avec beaucoup de guitares, de claviers et un peu d'harmonica. Du bon vieux Rock du début des années 70 et un véritable joyau perdu...
La toute dernière chanson, la meilleure de toutes, intitulée "Inside Yourself" est une fantastique jam Psyché Blues.
Le seul rappel de l'époque d'Eddie Clarke avec le groupe était un morceau instrumental intitulé "Over The Top", crédité à Clarke-Hogarth-Perry, et ce n'est rien d'autre que la chanson de Motörhead avec le même titre.

C'est vraiment dommage que ce fut leur seul album car ce groupe avait du répondant!...


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Message par alcat01 » lun. 26 sept. 2022 17:56

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Sperrmüll est un groupe de Rock Allemand fondé à Aachen (Aix-La-Chapelle), en Westphalie au début des années 70.
Le groupe se compose alors de Helmut Krieg (guitares, mandoline, chant), de Harald Kaiser (basse, violon, chant), de Reinhold Breuer (batterie, percussions, piano), de Peter Schneider (orgue, claviers, synthesizer), et de Udo Hager (flûte, saxophone, guitares acoustique, chant).
L'histoire du groupe passe par celle de son guitariste Helmut Krieg.
Celui-ci a joué entre 1965 et 1967 dans un groupe de Aachen appelé Drifters qui n'a pas sorti de vinyle, mais il était très populaire et actif dans la région.
En plus des instrumentaux des Shadows et des Ventures, ils jouaient aussi le répertoire habituel de la Beat Music, mais aussi ses propres chansons, ce qui fait que les Drifters étaient différents des autres groupes de cette époque.

Helmut Krieg contribua à certaines de ces compositions. Fin 1966, début 1967, il est embauché par les Mustangs pour jouer à la Münster d'Aachen. Ce combo n'était pas n'importe qui! Le groupe, alors composé du batteur Joern Schroeder, des guitariste Nico Kuhlkamp et Gerd Geerken et du bassiste Horst Heineberg avait déjà sorti un album et trois singles sur le label Allemand Ariola.
En 1965, Udo Lindenberg avait été embauché comme nouveau batteur. Leur version du Hit "Mrs Brown You`ve got a lovely daughter" de Herman's Hermits transformé en langue Allemande en "Mrs. Brown hat einen Blumenladen", passa même dans plusieurs émissions de radio. Mais le producteur trouva son jeu de batterie trop sauvage et jazzy et il fut rapidement remplacé par un batteur de studio.
Par contre, il apparair sur l'autre face, "Das Glück und die Liebe".

Helmut Krieg n'était pas encore là quand les Mustangs avaient enregistré ce disque. Cependant, il existe un single de Terry Schauer & the Batmen d'Aachen de 1964 avec Helmut Krieg.
Malgré tout cela, pendant cette période, aucun nouvel enregistrement n'est fait. L'avènement de la musique Psychédélique et de la Soul Américaine, dans les discothèques en plein essor, en fait un groupe de Beat typique alors que les Mustangs n'arrivent pas à augmenter leur popularité.
Udo et Helmut l'ont bien compris. Tous deux quittent les Mustangs et se réfugient à Hambourg, à proximité du Star Club et du légendaire Onkel Po, le coeur du Beat Allemand et le rythme de la scène Rock.
Des contacts ont été pris avec des formations de courte durée de vie qui n'ont pas permis à Krieg de se révèler.
Au début des années 70, Helmut retourne finalement dans le Niederrhein.

Le groupe 'Mick Felden Krieg' est alors formé et ce groupe fait quelques véritables enregistrements en studio, mais il n'en exite pas de photos.
Puis Helmut Krieg quitte ce groupe pour se consacrer à un nouveau groupe de Krautrock, qui deviendra culte plus tard.
En effet, 1971, Harald Kaiser et Reinhold Breuer décident de former un groupe du nom de Sperrmüll. Puis, un jour, Krieg arrive avec sa guitare et ses arrangements et le groupe est lancé.
Dès ce moment-là, la formation devient un quatuor avec l'engagement de Peter Schneider pour jouer des claviers.
Le nom du groupe est quelque peu obscure parce que "Sperrmüll" est une expression allemande qui désigne les ordures ménagères en vrac.
Ils n'ont enregistré qu'un seul album pour le label Brain dans une édition très limitée en 1972, d'une manière d'ailleurs assez anonyme au studio de Dieter Dierks à Stommeln, produits par un certain Chazadu, sûrement un pseudonyme.
Un essai très abouti semblable au Deep Purple du début, à Nosferatu et même à Rufus Zuphall, Cet album fut longtemps une rareté précieuse en vinyle.

Sperrmüll nous offre un album paru en 1973 solidement charpenté appelé simplement "Sperrmüll", pas tout à fait unique ou expérimental, mais malgré tout intéressant. Car sa musique est loin d'être pauvre ou inutile. Le chant en Anglais n'est pas en surcharge instrumentalement parlant, mais le groupe a réellement plein de choses à nous offrir.
C'est principalement du Heavy Rock, mais avec de nombreux ajouts de musique progressive, à la guitare aussi bien qu'à l'orgue.
La version originale du LP est composé de six chansons, alors que plus tard seront rajoutés numériquement deux autres morceaux ("Have To Leave You" et "To Be Satisfied").
L'ensemble est pourtant dynamique et complexe entre des improvisations dans un certain flou artistique (beaucoup d'orgues Hammond et de guitares Heavy accrocheuses) et des arrangements Folk épique pour la flûte.
Car sur cet album, qui a reçu beaucoup de reconnaissance de la presse, Sperrmüll combine des riffs de Hard Rock mélangeant des sons d'orgue Heavy et des solos de guitare presque excessifs, créant ainsi un mélange psychédélique tout à fait spécial.

Le morceau d'ouverture est un Pop Folk intitulé "Me And My Girlfriend" contrôlé tout d'abord par la mandoline et le piano, pour déboucher, petit à petit, grâce à l'orgue et au synthétiseur sur une fin beaucoup plus Heavy Blues.
"No Freak Out", majestueusement Prog, est la chanson du groupe la plus connue parce qu'elle s'est trouvée pendant longtemps sur la plupart des compilations de Krautrock pendant plusieurs années. Un bon choix parce que celle-ci est un savant dosage d'ingrédients psychédéliques dans un style proche de Pink Floyd combinés avec un rythme monotone.
"Rising Up"est un morceau plus spacy qui rappelle parfois Deep Purple, Eloy ou même Grobschnitt.
Le Hard Rock de "Right Now", une épopée de quelques neuf minutes commence de manière inhabituelle, car seules des explosions de guitare et une batterie d'enfer sont en duel pendant un instant. Après plusieurs minutes, le morceau se transforme en un morceau plus calme parfaitement structuré, avec un piano jazzy et une basse puissante, pour finalement se terminer en Hard Rock à nouveau. Peut-être le meilleur morceau, en raison de ces innovations très variées.
Les deux derniers morceaux "Land Of The Sun Rocking" et "Pat Casey" ne sont pas vraiment importants, car ce sont des chansons typiquement Rock, bien que le second ait un rythme plus marqué dans un style Boogie Woogie.

C'est un bon album de Krautrock quasi classique, pas spectaculaire, spécialement pour les collectionneurs, qui semble avoir été égaré pendant longtemps.
Avec l'intensité et la promesse laissées par ce premier opus, on peut se demander ce qui se serait passé si le groupe avait continué, la scène Rock Allemande étant en mesure d'être la plus excitante de l'époque.

Car Peter avait arrêté sous la pression de ses parents. Une tournée était pourtant déjà organisée avec Birth Control, sans aucune promotion. Harald Kaiser frustré quitta alors le groupe. Ce qui scella la fin définitive du groupe.


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Message par alcat01 » mar. 27 sept. 2022 09:06

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Le groupe Bodkin avait travaillé dur pour être reconnu au début des années soixante-dix et ce concours leur a permis d'enregistrer.
L'album "Bodkin" a donc été enregistré aux Central Scotland studios à Falkirk.
Il a été publié par le label West Records en 1972 dans un très petit tirage, 100 exemplaiires et il a été vendu aux fans lors de concerts, et un exemplaire a été attribué au célèbre disc-jockey, John Peel.

On peut considérer que "Bodkin" a été une redécouverte majeure à partir du milieu des années 1980, bien que l'on sache que l'album existait auparavant en très petites quantités.
L'histoire raconte qu'un collectionneur Allemand s'était lié d'amitié avec l'ingénieur du son et propriétaire du label Ecossais Jim West, et à sa grande surprise, il avait encore en sa possession de nombreux vinyles et aucune pochette. L'histoire du LP et des rééditions est donc assez fascinante.

La couverture originale est une inconnue pour les collectionneurs de vinyle. De nombreux exemplaires originaux étaient logés dans une pochette blanche, mais plusieurs avaient une couverture colorée faite à la main.
On sait que peu d'exemplaires avaient été pressés avec deux couvertures distinctes et même très simplistes, et ce disque est considéré comme l'un des plus rares et des plus chers du marché Européen.
'Popsike' cite précisément un exemplaire qui s'est vendu avec la pochette originale en 2012. Il a été acheté pour la modique somme de 2 300 et quelques dollars.
A noter que la plupart des copies originales vendues dans la nature n'avaient pas de couverture d'album, et se sont vendues pour 1 000 $, ce qui est beaucoup moins cher.

À la fin des années 1980, l'album est sorti en vinyle en quantités très limitées, avec des couvertures vertes ou oranges personnalisées, mais il n'a pas été largement distribué à l'époque.

En 1989, le label Allemand Witch & Warlock a lancé son catalogue avec une réédition de l'album sur CD (avec une autre couverture différente). Witch & Warlock est considérée comme une entreprise de pirates, mais ils n'avaient pas commencé comme ça. Witch & Warlock étaient en fait le même label qui est derrière l'album "German Oak".

Ce qui est intéressant dans ce travail, c'est que lorsqu'il a été réédité par le label Italien Akarma en 2000, il était accompagné d'une autre couverture, bien différente de celle de la version originale. On peut même attribuer une mention spéciale pour cette pochette quelque peu blasphématoire, avec une croix massive en feu qui se déplie plusieurs fois pour former un crucifix avec une tête de chèvre en son centre brûlant dans des flammes infernales; cela fait certainement une énorme impression et attire beaucoup d'attention et pourrait suggérer que Bodkin était un groupe occulte comme avait pu l'être Black Widow en son temps, mais les paroles, cependant, ne suggèrent pas du tout cela.

Il existe également une réédition avec une reprise alternative apportant en bonus la chanson "Three Days Aft er Death Pt. 2", uniquement instrumentale. Un travail graphique vraiment intéressant, qui valorise encore plus cette véritable relique des années 1970.

"Bodkin" sorti en 1972 propose une Jam Heavy Prog teintée de noir, avec une légère dose de psychédélisme, très marquée par l’esprit Sabbath / Deep Purple, bien que l’orgue Hammond soit plus au centre de leur musique.
Il y avait un insert, désormais extrêmement rare, inclus avec le vinyle original, décrivant les circonstances entourant la création de ce disque.

Tout comme Deep Purple Mark 1, ce groupe a un son brut et meurtrier, celui du Hammond. La puissante bête domine les débats et il y a de grands moments de leslie qui grognent, mais bien que Doug Rome fasse un véritable travail de tueur, il ne déchire pas l'instrument aussi régulièrement que le groupe susmentionné.
Mais les autres instruments ne sont pas du tout à la traîne. La guitare et la batterie forte et précise, la basse rigoureuse ainsi que les voix et les paroles poétiques merveilleuses se tiennent toutes bien à côté de l'orgue. Le son de la guitare est bon, sec et grave,et les riffs bien appliqués, mais il est malheureusement un peu trop dominé par l'orgue.

Le Hammond et son son riche indéniable est sans aucun doute la star du spectacle. Comme beaucoup de groupes Ecossais de l'époque comme Iron Claw, Writing On The Wall, ou encore Soho Orange, ce groupe crée une atmosphère sombre, lugubre et globalement mystérieuse avec la musique qu'il présente. Mais il n'ajoute simplement rien à son son qui puisse le différencier de dizaines d'autres groupes de cette période.

Un peu plus orienté jam que certains contemporains comme Atomic Rooster ou Uriah Heep, mais moins percutant, Bodkin livre néanmoins un Rock toujours dynamique avec une interaction énergique entre l'orgue et la guitare, une belle musicalité et de bonnes compositions distrayantes.

La base créative du groupe se compose du guitariste Mick Riddle et du claviériste Doug Rome, et ce dernier qui, au moment de l'enregistrement, vient d'avoir vingt et un ans possède un bagage érudit qu'il transpose dans les compositions de Bodkin.
Le matériel est pour la plupart de bonne qualité. Le groupe sonne très bien du début à la fin mais l'écriture des chansons aurait pu être plus originale.

Ce sont de bons musiciens, sans aucun doute. Mais à peine exceptionnels ou même très créatifs. Il est facile de comprendre pourquoi ils n'ont jamais vraiment réussi: ils ont juste joué ce que beaucoup de groupes jouaient à la fin des années 60 et au début des années 70.
Dommage qu'il n'y ait jamais eu de suite, si ce groupe avait pu mixer le combo guitare/organe de manière plus cohérente, il aurait été l'antidote parfait au Prog grand public qui se trouve juste au coin de la rue.

En dehors de cela, l'enregistrement est évidemment copié à partir d'une source vinyle et donc toutes les rayures ou autres artefacts provenant de sources vinyle sont présents.

Le jeu est bon et l'album sonne comme s'il était joué 'live in the studio' (ce qui a été certainement le cas) avec un mixage direct et pratiquement aucun effet stéréo en dehors de la répartition du groupe sur la scène sonore. Il aurait pu être meilleur si la qualité d'enregistrement avait été meilleure.
La qualité de production est dond un peu approximative, mais c'est bien pour ce genre de musique et quelque chose de plus propre et de plus raffiné n'aurait certainement pas du tout été approprié.

Bodkin sait tirer des sons fortement symphoniques à base d'orgue teintés d'épices psychédéliques et l'album s'intègre aussi bien au Proto Metal qu'au Heavy Prog.
Tout n'est pas réduit à un seul rythme et il y a beaucoup de dynamiques extrêmes.

Les structures des chansons ne sont ni sophistiquées ni complexes, du moins pas de la manière dont les gens semblent souvent s'attendre de la part du Prog en 1972 et le son est symptomatique de ce qu'un grand nombre de groupes Anglais (ou Ecossais) et Allemands produisaient.
Ce style plus Heavy de Prog est souvent appelé aujourd'hui Proto-Prog, probablement parce que les personnes qui ont inventé ce terme ne croient pas qu'il s'agisse de Prog 'réel' mais de quelque chose qui est presque Progressif ou que ce style a précédé un mouvement Progressif plus complexe et, par conséquent, légitime.

Cette sortie est joué 'à la manière' de groupes tels que Bram Stoker ou Deep Purple, et quiconque connaît ces groupes saura à quoi s'attendre. Des riffs Hard Rock, des saveurs psychédéliques et des gémissements de guitare bluesy avec des voix confiantes et des mélodies fortes signifient que Bodkin et leur album peuvent parfaitement s'asseoir aux côtés de ces groupes sur l'étagère pour les fans de ce genre de musique précoce liée au Prog.

L'album contient cinq morceaux, avec une atmosphère de jam session, pleine d'improvisations et de belles lignes de chant. Leur durée varie de cinq à dix minutes, ce qui donne à la musique le temps de respirer et de se développer.
Ces morceaux sont bien joués, avec des mélodies et des progressions mémorables, et de belles performances de tous. Le chant a ce ton 'perdu' et rauque, qui était populaire à l'époque où le Blues était très présent. il mérite sans aucun doute la mention 'excellent'.

La première face s'ouvre avec les deux parties 'intimidantes et laborieuses' (dans le bon sens) de "Three Days After Death".
Ces deux compositions, bien que séparées, avec le même titre, sont toutes les deux très climatiques, comme le titre le suggère, et sont deux beaux exemples de Heavy Prog très typiques de l'époque. Il s'agit d'un Heavy Prog dense et corsé où le Hammond est le point culminant de toute la performance.
Ces deux jams prolongées sont émotionnellement puissantes et dévastatrices, avec des guitares et de l'orgue. On ressent une certaine note de tristesse à leur écoute et la musique est du genre un peu déprimante.

Dès la première piste "Three Days after Death pt.1", on peut clairement voir ce qui va se passer. Le son est beaucoup plus du milieu à la fin des années 60 que de 1972. Avec des échos de Deep Purple Mark 1, c'est un morceau puissant et entraînant. Une introduction puissante mélangée à de beaux passages de guitare qui, à certains endroits, semble être une atmosphère de jam. Des lignes de basse puissantes accompagnées d'une lourde batterie font également partie d'un travail qui implique une technique claire et une excellente qualité. Les couplets et les riffs principaux ne sont pas vraiment étonnants, quelque peu mélodiques, mais le jamming est indéniablement puissant. Les tambours chauffés à blanc résonnent alors que l'auditeur est instantanément assailli par la fureur du Hammond, avec des riffs de guitare Heavy et crasseux et une fureur de cymbales s'écrasant partout sur cet orgue rugueux le plus rugueux. On y trouve aussi des passages plus lents et imbibés d'orgue pour le chant. Il n'y a pas de cris aigus comme avec Uriah Heep et la voix, bien que très bonne, est plus proche du chanteur de Frijid Pink, Kelly Green, en termes de portée et de timbre. Malgré le bruit implacables tout du long, la pièce reste toujours mélodique et accrocheuse; c'est la force de l'album dans son ensemble.
"Three Days After Death, Pt.2" est particulière de par la voix très mélancolique et émouvante de Zeike Hume, la mélodie étant triste et découragée. Cette deuxième partie est plus discrète et moins efficace. le titre souligne que les compositions dépassent la lourde routine du début des années 70. Bodkin a également su doter son son de puissance Hammond de zones de silence bien mesurées. C'est alors que se déploie un personnage progressif précoce, qui peut être comparé à Beggar's Opera. L'ouverture du solo d'orgue peut ressembler un peu à Deep Purple Mk.1, cependant, cela pourrait être davantage dû à l'enregistrement rugueux qui a probablement été sauvé d'une source vinyle et non d'une bande master. Ce morceau passe également par différentes phases de 'lumière' (à nouveau ressemblant à Deep Purple) et de Heavy. La chanson alterne aussi le tempo et le rythme d'une manière intelligente. C'est progressif, mais il ne fait aucun doute qu'il y a aussi un son très Heavy. il y a le bon équilibre entre le Prog et le Rock. Très vite, cependant, le son rugissant de l'orgue Hammond revient sur le devant de la scène.
La seconde face comporte des couplets et des bons riffs qui mènent à des sections de jam puissantes.
Sur les trois dernières pistes, l'orgue continue à dominer les bases mélodiques et à se battre en duels successifs avec la guitare, sur une section rythmique efficace, principalement sur la troisième piste, la chanson la plus longue, "Aunt Mary's Trashcan", où les éléments mentionnés ci-dessus se distinguent, offrant dix minutes de pur délice pour les amateurs de chansons de climats différents dans une même composition. Les paroles décrivent le contenu de la poubelle de tante Mary. Le morceau passe par phases successives avec une intro d'orgue, une musique pleine de suspens, une guitare rock Heavy et beaucoup d'espace solo pour guitare et orgue. C"est rythmé, implacable et plein de vie. Musicalement, on ne peut toujours pas s'empêcher de faire des comparaisons avec Deep Purple ou même Uriah Heep, et ce n'est certainement pas une mauvaise chose. On pourrait même, à la rigueur, également y ajouter Warhorse pour son côté Heavy Prog / Proto Metal du début des années soixante-dix. Bien qu'elle soit accompagnée d'une mélodie vocale principale légèrement hostile, il s'agit en réalité d'une improvisation prolongée complètement dominée par l'orgasme de l'orgue Hammond de Rome sur chaque centimètre carré en sueur. Il résonne avec une distorsion palpitante, prenant une joie malveillante, alimenté par la batterie de percussion effrénée de Dick Sneddon, les grondements fluides de la basse de Bill Anderson et la magnifique guitare bluesy sordide de Mick Riddle. Le chant a besoin d'être développé, mais il se tient debout tout seul. Il ne fait aucun doute que quand on arrive aux sessions instrumentales plus Rock, les choses vont beaucoup mieux. C'est le plus long morceau, mais le groupe sait comment garder les choses intéressantes tout le temps. Après quelques bruits sourds, un jeu d'orgue fantastique et des paroles réellement intéressantes, le groupe se met à jammer toujours plus. Il enferme l'auditeur immédiatement dans un groove énergique tandis que l'orgue retentit et que la longue durée de la chanson est rapidement oubliée. Avec "Aunt Mary's Trashcan", le son des claviers est couronné. Il devient alors évident que dans le cas de l'instrumentarium spécifié, il est spécialement indiqué que pour un Hammond dans la zone Rock, la cabine Leslie appartient également à la zone appropriée. Un 'gémissement de clé' déformé est ici dominant. Cela semble parfois légèrement bosselé et les déficits sonores ne doivent pas être dissimulés car, après tout, l'album a été enregistré en studio en très peu de temps.
Indépendamment des déficits sonores, les deux derniers titres, plus courts, "Aftur Yur Lumber" et "Plastic Man" laissent une impression positive. Dans le rythme de groove et de traînée respectivement, l'art élevé de l'authentique son de Rock tourbillonnant est démontré. Ici, le facteur prog est presque complètement absent, mais cela ne nuit pas à la qualité.
"Aftur Yur Lumber" est un Rock classique orgue / guitare, avec vocal plus percutant de type Yes au cœur, un peu plus retenu pour la mélodie réelle, une guitare sonnante et quelques touches symphoniques avec un bon passage de Hammond. Cela semble être la chanson la plus optimiste, avec ses harmonies vocales et son atmosphère presque "Cruisin' Down The Highway" de James Gang. Mais elle conserve encore de la lourdeur et de l'énergie à revendre, et tous les instruments sont à nouveau fantastiques, en particulier le jeu d'orgue de Doug Rome, cette fois un peu plus en arrière-plan. Cette chanson est, peut-être, celle qui possède la ligne mélodique la plus accessible des cinq compositions, où le chant participe intensivement aux duels entre l'orgue et la guitare.
Le voyage se termine avec "Plastic Man", qui, avec une mélodie saisissante, dans les tons graves, introduit le thème où la performance vocale est le grand moment. Le timbre vocal de Zeik Hurme correspond parfaitement aux mélodies créées par le groupe. C'est un autre morceau fantastiquement sombre du Prog qui scelle assez bien ce sombre paquet. C'est du bon choix et cela fournit un son atypique. On ne marche pas sur un nouveau territoire bien que le riff de guitare rappelle un peu les débuts de Black Sabbath. La majesté symphonique continue, une ligne de basse rampante et une guitare marécageuse traquant derrière la voix principale, tout le groupe se laissant déchirer avec une jam courageuse au milieu du morceau.


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