Line-up:
Joel Ellis (chant)
Gary Hoey (guitare)
Rex Tennyson (basse)
Frank Banali (batterie)
HEAVY BONES est un groupe de Hard US formé par le chanteur Joel Ellis (ex-CATS IN BOOTS), le guitariste virtuose Gary Hoey, le bassiste Rex Tennyson (ex-HELLION) et le batteur Frank Banali (QUIET RIOT, WASP).
C’est en 1992 que voit le jour le premier album de ce groupe au potentiel intéressant. Et ça démarre en trombe avec « The Hands That Feeds », un titre à la fois pêchu, explosif, rapide et mélodique. Par la suite, HEAVY BONES ralentit la cadence, mais délivre tout de même quelques compos de bonne facture comme les typiquement Hard-Rock « 4:AM T.M », « The Light Of Day », le Big-Rock « Your Love Won’t Let Me Down » ou des titres Hard/Pop tendance Glam tels que « Turn It On » et « Dead End St. ».
Il y a également 4 ballades présentes et c’est là qu’est justement le point faible de l’album, à mon avis. Non pas que les ballades soient mauvaises; mais 4 ballades sur un album, c’est trop: 2 ballades auraient largement suffi. Celles qui sont réussies sont « Where Eagles Fly », gorgées de guitares acoustiques avant de basculer dans un final apocalyptique de guitares Heavy, et « Summers In The Rain » qui plonge dans les racines du Blues. En revanche; « Beating Heart », qui remporte la palme de la nullité, et »Anna » (malgré une belle intro à la mandoline) sont de trop sur l’album.
Enfin, cette galette se conclut de la même manière qu’elle a commencé: avec un titre rentre-dedans, survolté qui n’est autre que « Where The Livin’ Is Easy », très efficace.
Tout compte fait, mon sentiment vis-à-vis de ce disque est partagé entre satisfaction et deception. Satisfaction car il y a de très bons titres et j’ai découvert un guitariste (Gary Hoey) petri de talent. Qui plus est, Joel Ellis a une voix comparable à Vince Neil en plus mélodique, voire bluesy. Il la module quand même suffisamment pour ne pas être perçu comme un clône du chanteur de MÖTLEY CRÜE. Déception car j’ai l’impression que ce groupe n’exploite pas au maximum ses capacités et le trop-plein de ballades enlève 1 étoile à l’album.
Verdict: un album satisfaisant, mais pas exceptionnel de la part d’un groupe qui a rapidement disparu de la circulation.
Sorti en Mai 1977, "Indian Summer" reste l'un des points culminants de la carrière de Poco vers un niveau nettement plus commercial. L'album ne fait pas véritablement partie de ses meilleurs travaux, mais c'est encore un disque très écoutable avec quelques très bons moments.
A partir du son des guitares jusqu'à la structure des harmonies, la musique de Poco est un trésor Américain qui devrait donner une seconde chance à chacun.
C'est le seul groupe réel qui soit issu de Buffalo Springfield. Stills et Young ont été, et sont toujours, des artistes solo qui aimerait vraiment appartenir à des groupes, mais ils n'ont jamais pu tout à fait le faire.
Poco est une entité à long terme qui a ainsi eu des moments de succès et des moments de frustration. Le travail de guitare sur "Indian Summer" est considérablement plus fort que tout ce que Stills pouvait faire à l'époque et le songwriting est meilleur que celui de Young.
On retrouve beaucoup d'échos de Springfield tout au long de ce disque, mais c'est encore le son d'un orchestre qui travaille ensemble pour le bénéfice de la musique, pas la carrière solo des autres.
Peu importe le personnel et peu importe qui prend la tête créative musicalement parlant, une fois mise au point, cela fonctionne. Chaque chanson est bonne. Il y a peu d'albums dans ce cas-là. De la guitare envoûtante de la chanson-titre à la chantante "Find Out in Time" jusqu'à la trilogie de "the Dance" qui se termine l'album, Poco n'a probablement jamais fait un album plus complet.
La musique est assez compacte et malgré certaines influences Country, le son commence à devenir plus sombre et plus dur. "Indian Summer" est une sortie très solide, quoique pas particulièrement remarquable.
Les compositions de chansons sont partagées équitablement entre les membres du groupe, Timothy chante sur trois chansons. Le plus remarquable instrumentalement est le jeu tout en finesse de Rusty Young à la pedal steel guitar toujours fidèle à lui-même. En ajoutant le batteur George Grantham et sa voix haut perchée, et le solide jeu de basse de Tim Schmit et ses vocaux scintillants, Schmit contribue aussi à quelques parties d'harmonica et Young, certaines de banjo. Et que demander de mieux que Paul Cotton pour continuer dans l'esprit de Messina / Furay?
Plusieurs invités apparaissent, notamment Donald Fagen au synthétiseur, dont les cuivres et les cordes sonnent merveilleusement à la fin de la suite "The Dance". Les mélodies et les voix sont douces, évocatrices et fougueuses, tour à tour.
Peu de groupes ont été en mesure de surmonter d'importants changements de personnel, comme Poco. "Indian Summer" survient lors d'une période moyenne de Poco. C'est un de ces albums rares où tout est venu au même moment. L'influence Country est toujours là, mais le son plus sombre et plus dur de Paul Cotton commence à émerger.
Deux chansons de Timothy B. Schmit, "Me And You" et "Find Out In Time" sont devenues de véritables classiques de Poco avec sa voix riche et les grandes harmonies.
"Indian Summer" commence aussi magnifiquement que chacun des Album de Poco avec le magnifique, le languissant "Indian Summer" (un de moments les plus beaux de Paul Cotton), à travers "Twenty Years", sur le suggestif "Me and You" de Tim Schmit qui est l'une de ses plus belles contributions à Poco
Tim Schmit brille sur l'album, notamment sur le fantastique "Find Out in Time", malheureusement pour les fans de Poco, l'album s'avérera le chant du cygne de Schmit avec Poco, car il va quitter le navire pour rejoindre les Eagles après la sortie de cet album.
Paul Cotton se démarque une fois de plus sur "Indian Summer", passant un temps important sur la chanson titre, et les Rocks "Twenty Years", "Win or Lose" et "Living in the Band". Rusty Young n'est pas autant présent sur cet album que sur les albums précédents, mais il offre encore un certain travail de pedal steel guitar et il nous donne un avant-goût des choses à venir dans le futur grâce à sa chanson "Downfall", son premier morceau en lead vocal complet.
Des chansons comme "Downfall" et "Stay (Night Until Noon)" sonnent à peu près comme de véritables Rocks bien que les paroles soient plutôt en manque d'imagination. Les mélodies fortes et le bon chant ont toujours leur place dans la musique Rock, mais les paroles n'ont jamais réellement été la grande force de Poco. La chanson titre est une des meilleures de Poco et les Rocks tels que "Living in the Band" et "Twenty years on" assurent.
La meilleure chanson de Cotton est un diamant brut intitulé "Indian Summer", la chanson-titre qui ouvre l'album, une ballade douce avec steel guitar et jolie harmonie vocale. Ce morceau a un sens quelque peu rêveur et il nous entraine immédiatement vers une soirée d'Automne fraîche mémorable dans la chaleur d'une merveilleuse relation. Son refrain frappe l'oreille, mais il n'est pourtant pas particulièrement bien écrit, et les paroles laissent beaucoup à désirer. Le solo de guitare de Paul Cotton est tout à fait planant.
"Twenty Years" de Cotton est une chanson solide qui pourrait facilement ouvrir une jam façon Allman Brothers si les musiciens le voulaient.
Le morceau de Schmit "Me And You" est très bonne ballade avec un refrain accrocheur.
"Downfall" de Young a un joli travail de guitare croustillant, une bonne ligne de basse, mais les paroles sont, comme souvent, assez peu imaginatives et ternes. Rusty brille avec des harmonies flamboyantes, des guitares rutillantes dans une interprétation tout ce qu'il y a de plus brillante de Country Rock.
"Living in the Band" signé Cotton est un Rock qui est pratiquement au niveau de "Good Feelin to Know".
Un autre morceau de Timothy, "Stay (Night Until Noon)", est uptempo et met en valeur certaines superbes lignes de sa basse et du Banjo lèché.
"Find Out In Time" que Schmit a co-écrit avec Robbin Thompson est une ballade acoustique joliment troussée avec un beau travail de guitare douze cordes. C'est cependant le même genre de morceau que l'on trouve sur n'importe lequel des albums solo de Schmit avec un son acoustique léger et un style de chant distinctif. C'est peut être l'une des meilleures chansons jamais réalisées par Schmit.
"The Dance: When the Dance Is Over / Go On And Dance / Never Gonna Stop / When The Dance Is Over (Reprise)" de Rusty Young est une autre chanson qui se démarque, étant divisée en quatre parties distinctes et bourrée de corde et d'arrangement de cuivre. Bien que ce pourrait être un morceau intéressant, sa longueur épique et sa structure répétitive nuisent un peu à la cohésion de l'ensemble. C'est cependant une expérience vraiment intéressante dans le travail réalisé. "The Dance" a ses bons moments, mais malheureusement la suite plonge dans une sorte de mélange Disco / Funk qui empêche sans doute cet album d'être considéré comme l'un des meilleurs albums de Poco.
Juste assez de Country, juste assez de Rock, le tout avec des mélodies mémorables et la patte du groupe, les impeccables harmonies de Poco, en font finalement un excellent album.
C'est le dernier album de Poco avec Rusty Young, Paul Cotton, George Grantham et Timothy B. Schmit. C'est un départ à partir de leur ancien style avec un côté Rock and Roll plus défini mais toujours enjolivé avec des harmonies fluides et de la guitare mélodique bien lèchée.
Cet album est certainement le début d'une 'nouvelle ère' et d'un 'nouveau son' Poco.Globalement, le son est très bon. l'album sonne très (trop) propre. Si vous êtes un fan Poco, alors cet album est un must.
"Indian Summer" est sorti au Printemps de 1977, atteignant le numéro 57 dans les Charts.
En Août 1977, avec l'appui du reste de Poco, Schmit quitte le groupe pour rejoindre the Eagles, par coïncidence, en remplacement de l'ancien membre de Poco, Randy Meisner encore une fois.
L'album de The Steve Miller Band; "Your Saving Grace", a atteint le numéro 38 en 1969, et Steve Miller est sans doute le guitariste le plus sous estimé du monde.
Il est également très sous estimé en tant qu'artiste et "Your Saving Grace" ne fait pas exception. La chanson-titre est chargée d'émotion et quoi que non écrite par Miller, elle montre le talent de Tim Davis, qui était l'épine dorsale du groupe à ses débuts.
Bien qu'il existe quelques réminiscences psychédéliques de l'époque Boz Scaggs et de Jim Peterman, l'apport des claviéristes Ben Sidran et Nicky Hopkins ajoute une facette plus jazzy à cette deuxième incarnation du groupe.
Renouant avec les racines Blues du groupe, l'album comprend quelques Blues originaux bien particuliers, comme "Don't Let Nobody Turn You Around" et son côté Gospel et un arrangement un peu plus banal de "Motherless Children", qui aurait sonné plus synchrone avec les albums "Sailor" ou "Brave New World".
Une fois de plus, la production est assurée par Glyn Johns, dont les contributions sont ici plus discrètes, mais non moins notables. Cela est particulièrement vrai avec les riffs cristallins de guitare slide de Miller sur l'énigmatique morceau de Lonnie Turner intitulé "The Last Wombat in Mecca".
Le son est même propre et nickel sur le laid-back et bluesy "Feel So Glad", qui est ponctué par quelques titillements impécablement inspirés et sans équivoque par le prodige Nicky Hopkins.
La romance énergique Funky "Little Girl" et la question des droits civiques de "Don't you let nobody" sont des chansons Rock avec un soupçon de Blues et beaucoup de moyens.
L'élégance pensive de "Baby's House" met en valeur les compétences de Nicky Hopkins au piano ainsi que la force de Miller en tant que chanteur.
"Motherless Children" a un swing bluesy et une base émotionnelle solide qui en fait un classique.
Issu de l'écurie à Mike Varney(Shrapnel Records), le talentueux guitariste Richie Kotzen sort en 1990 son second album intitulé "Fever dream". Oui, mais attention ! Il ne s'agit pas là d'un album instrumental axé sur les descentes de manche, contrairement à ce que certains seraient tentés de croire. Non, cet album est constitué de vraies chansons interprétées par Richie Kotzen himself(eh oui, il sait aussi chanter !).
Bien épaulé par une bonne section rythmique(le bassiste Danny Thompson et le batteur Atma Anur), Richie Kotzen fait montre d'un admirable talent de songwriter et son grain de voix bluesy, voire soul par moments, est fort plaisant à entendre.
Le premier titre de l'album, "She", est un remarquable mid-tempo oscillant entre big-rock et hard bluesy, bien mis en évidence par quelques chœurs bienvenus et de solos aux petits oignons. "Fall of the leader", qui suit, a tout d'un tube en puissance en raison de son côté groovy et du refrain absolument killer. Sur "Off the rails", le tempo se fait plus incisif, plus déchaîné et ce titre rappelle carrément les heures glorieuses de Van Halen à l'époque de David Lee Roth. Assurément, un must absolu pour tout inconditionnel de big-rock survitaminé. Le mid-tempo "Things remembered never die" lorgne plus résolument vers les racines du blues et la voix du sieur Kotzen est remarquable, en adéquation parfaite avec les mélodies du titre. A signaler aussi que Mike Varney est venu y faire un solo...
Autres bons titres de l'album à retenir: le groovy "Dream of a new day", le flamboyant "Money power" sur lequel Richie Kotzen affirme franchement sa patte musicale, l'entêtant et accrocheur "Rollercoaster" aux relents funkysants, ainsi que le déchaîné "Wheels can fly" joué sur le tempo de l'urgence. Concernant le travail guitaristique de Richie Kotzen, je pense qu'il n'est pas nécessaire de dire qu'il a réalisé un excellent travail, que ce soit au niveau des riffs et des solos, et que son toucher de guitare a séduit plus d'un six-cordiste en herbe...
En conclusion, Richie Kotzen s'en est bien sorti, même si on peut trouver quelques superflus ici et là (rassurez-vous, il y en a très peu). "Fever dream" fait quand même la part belle aux chansons et les amateurs de big-rock et de hard bluesy devraient y trouver leur compte. Ce disque est à classer aux côtés du 1er album éponyme de Mr. Big, du "1987" de Whitesnake et des opus de Van Halen période David Lee Roth. Donc, si vous aimez tous ces disques mentionnés et ne connaissez pas encore ce "Fever dream", vous savez ce qui vous reste à faire...
J'avais acheté son 1er cd .. 'fin, celui de 2007 ... le seul reproche à lui faire était qu'il en "faisait" un peu trop ... ce qui vaut mieux que de ne pas en faire assez ..
J'avais acheté son 1er cd .. 'fin, celui de 2007 ... le seul reproche à lui faire était qu'il en "faisait" un peu trop ... ce qui vaut mieux que de ne pas en faire assez ..
Il est dommage que tous ses albums ne soient pas aussi bons!
Gilgamesh avait cessé toutes ses activités à la fin de 1975 suite à l'annulation d'une proposition de tournée Ecossaise.
Mais, après avoir quitté National Health, en Mars 1977, Alan Gowen avait commencé à travailler sur de nouvelles compositions et, pour se faire, il avait reformé Gilgamesh en tant que formation axée uniquement sur les répétitions avec un line-up informel composé de lui-même, Neil Murray, Phil Lee et de Trevor Tomkins, l'ancien batteur du Rendell-Car Quintett, un vétéran du Jazz et collaborateur de longue date de Lee.
Lorsque le moment est venu d’enregistrer un second album en Juin 1978, Murray a été remplacé par Hugh Hopper, bassiste de Soft Machine, mais ce line-up ne dura que pendant toute la durée des sessions.
Ce deuxième opus intitulé "Another Fine Tune You've Got Me Into" a été enregistré sur le label Charly Records, en Juin 1978 avec Gowen, Lee, Tomkins et Hugh Hopper, mais le groupe n'avait déjà plus d'existence à sa sortie en 1979.
L'Art de la pochette est intéressant pour ce style de musique, c'est, en fait, une peinture intitulée "Le fantôme d'une puce" par William Blake.
Cette sortie est le dernier véritable album de Gilgamesh, et sans aucun doute leur plus impressionnant, mais en vérité, il est probablement arrivé beaucoup trop tard pour avoir un réel impact sur la scène musicale alors en plein développement. La touche de Jazz légère qui y prévaut est magnifiquement exécutée, traversant une série de compositions luxuriantes, mais avec le Punk aboyant, il semblait que le groupe menait une bataille perdue que personne ne regardait vraiment.
Comme le premier, cet album présente une formation de Canterbury qui est techniquement très compétente, mais qui manque tout de même un peu d'éclat, d'émotion ou d'énergie. La musique est incontestablement Canterbury mais sûrement sur son côté le plus Jazz et le moins Rock.
C'est de la musique produite dans le but de produire de la musique, plutôt que de la musique produit pour le plaisir des auditeurs et il manque peut-être l'esprit et la bonne humeur que l'on trouve dans Caravan ou Hatfield, au lieu de cela, il y a une légère mélancolie même avec la légèreté de tout cela.
Cet album est beaucoup plus concentré et décontracté sur les claviers que les deux premiers albums de National Health. Gilgamesh est bien plus Jazz que Jazz Rock. Ils sont également beaucoup plus Jazz que National Health, Hatfield & The North et même Soft Machine. C'est un beau travail de Jazz électrique où les performances du synthétiseur se distinguent tout particulièrement.
La musique présente une certaine complexité mais la nature globale est toujours légère et aérée. Gowen joue souvent du Moog, et ses claviers ne volent pas la vedette: l'accent est mis sur un jeu de groupe bien conçu. Elle est très bien jouée, mais ne fait pas grand-chose d'autre que d'être jolie. La présence de Hugh Hopper jette les bases de sa collaboration avec Gowen sur Two Rainbows Daily, mais sa présence à la basse ne change pas vraiment le son du groupe par rapport à l'album précédent.
Cet album est certainement plus accessible que le précédant. Avec une section rythmique différente, on ne pouvait pourtant pas trop craindre pour la nature de la musique, d'autant plus que Hugh Hopper était désormais libre de Soft Machine, mais impliqué dans les projets Soft Heap.
Ce disque possède des compositions intelligentes et bien jouées explorant des thèmes doux, mais expansifs. Il y a un grand mélange d'arrangements acoustiques et électriques qui donnent à l'album une belle fluidité. Il s'agit d'une exquise collection de chansons instrumentales, caractérisées par des accords luxuriants sur piano électrique, des mélodies agiles à la fois sur synthétiseur et guitare Jazz, et des tempos rythmiques subtilement changeants!
La clarté de l'approche à une seule note de la guitare de Phil Lee se marie bien avec le style de claviers aventureux d'Alan Gowen. La section rythmique de Trevor Tomkins / Hugh Hopper ajoute le courant de fond parfait à la musique. Bien qu'il n'y ait pas d'excursions instrumentales sauvages et que le sens de l'humour Canterburien reste assez discret, la musique reste jazzy et optimiste malgré sa gentillesse.
Un album très cérébral qui ne se prend pas trop au sérieux. Il n'y a pas de côté rugueux, la musique chantonne et oscille avec grâce et retenue.
Cet album est bien évidemment le véhicule d'Alan Gowan, en particulier avec son piano électrique sur "Bobberty-Theme From Something Else" de plus de dix minutes où il montre toutes ses capacités sur claviers, et cette piste est relativement représentative de l'album. Bien que le quatuor puisse sembler très distant dans son approche, ils sont une unité très rigoureuse, comme le montrent "Play Time" et "Underwater Song".
Le morceau d'ouverture, "Darker Brighter", propose un jeu de batterie tout en douceur avec une basse qui coule dessus. La guitare de Lee intervient avec une jolie mélodie qui est aussi fluide que le jeu de claviers de Gowen.
Suit "Darker Brighter" qui couvre presque tout le terrain que l'album explorera ensuite, sautant presque follement d'une idée brillante à une autre idée brillante, les harmonies tournoyant à toute allure. Mais plutôt que de se sentir saccadé ou mécanique, on peut noter la douceur presque trompeuse de l'écriture et de la performance. Ce qui aurait dû être une sorte de 'riff-o-rama' se transforme ainsi en une mélodie élégante, quoique presque totalement incompréhensible.
"Bobberty-Theme From Something Else" a de belles parties de guitare alors que Gowen continue d'impressionner. La basse de Hopper est toujours précise dans ses interventions. Les synthés vont et viennent dans cet univers musical. La batterie parait toujours lègère et le paysage sonore reste toujours léger et jazzy.
"Waiting", une pièce solo pour guitare acoustique écrite par Lee, naturellement, est un changement de rythme intéressant par rapport au reste de l'album.
"Play Time" est une chanson tellement complexe que chaque note est rigoureusement à sa place. C'est une jam sur deux accords 'mystérieux' qui roulent doucement, se développant en quelque chose d'un peu plus concret et funky. la pièce n'est pas particulièrement ludique, mais les accords de cette chanson hanteront les musiciens.
"Underwater Song" a une excellente introduction de batterie. Un solo de batterie solide de Trevor Tomkins qui se joue un peu plus tard mène à un véritable lavage d'harmonie; la mélodie flotte sur rien d'autre qu'un motif de ride et de magnifiques accords suspendus d'un synthétiseur et d'un piano électrique soigneusement mélangés. Il n'y a aucune autre chanson qui capture mieux ce sentiment de flottement sous l'eau. C'est tout à fait paisible et serein.
"Foel'd Again" présente une basse et une batterie qui jouent lentement tandis que les touches du clavier jouent tranquilement en arrière-plan.
"TNTFX" s'ouvre sur une belle mélodie de guitare alors que la batterie joue des motifs aléatoires. Lee est au centre de tout ce beau monde et Tomkins est également impressionnant.
Le résultat est une pure bombe pour l'amateur de Prog: une combinaison intelligente et extrêmement subtile entre le Jazz et le Canterbury. Cet album est un excellent disque de Jazz Rock Fusion Canterburien!. C'est un must pour les fans du style.
La complexité de la musique et la pauvreté des musiciens impliqués rendaient également les tournées complètement irréalistes, et Gilgamesh se dissoudra avant même d'avoir vraiment eu la chance de briller.
C'est une triste histoire car c'était un groupe qui méritait tellement plus, d'autant plus qu'ils étaient aussi bons que n'importe lequel de leurs contemporains de Canterbury, des groupes tels que Caravan, Soft Machine, National Health et Hatfield & The North.
Cependant, malgré le manque de succès, "Another Fine Tune You've Got Me Into" est une odyssée de Jazz éblouissante, et un album qui devrait définitivement être écouté et étudié par tous les amateurs de Prog classique.
Malheureusement, la mort tragique d'Alan Gowen à seulement 33 ans, quelques années plus tard en 1981, privera le monde du Jazz progressif de l'un de ses talents les plus raffinés et finira par éclipser une carrière qui promettait encore beaucoup.
Dans l'album "Black Market" paru en 1976, la musique de Weather Report a évolué plus avant, passant de jams Funk ouvertes à des formes concises et plus orientées vers la mélodie, qui offraient également un plus grand attrait sur le marché de masse.
L'album tire fortement des influences Africaines et son style pourrait être décrit comme de la "World Fusion".
Zawinul a consolidé son utilisation des synthétiseurs, tandis que Shorter a expérimenté une forme précoce de synthétiseur à vent, le Lyricon.
Le nouvel album fut peut-être aussi le travail le plus Rock que le groupe avait produit à ce jour. Cependant, il avait encore été enregistré pendant une autre période de changement pour le groupe, avec des mélanges de personnel multiples.
Bien qu'Alyrio Lima ait joué des percussions sur une piste, il a été remplacé pendant les sessions par Don Alias (sa première apparition avec le groupe depuis le premier album) et par Alex Acuña (un batteur Péruvien et joueur de conga basé à Las Vegas, qui avait joué Avec Elvis Presley et Ike Turner, entre autres).
Alphonso Johnson était également fatigué des changements fréquents de batteurs et de la tension continuelle qui pesait sur la section rythmique. Pendant une pause dans l'activité, à mi-parcours de l'enregistrement de "Black Market", Johnson choisit de quitter Weather Report pour jouer avec the Billy Cobham / George Duke Band (qui présentait un jeune John Scofield à la guitare).
Avant son départ, Johnson avait joué sur toutes les pistes de l'album, sauf deux. Son remplaçant fut Jaco Pastorius, un bassiste fretless virtuose originaire de Floride, qui avait été en contact avec Zawinul pendant plusieurs années, et qui vint jouer sur "Cannon Ball" et sa propre composition "Barbary Coast".
En fait, Le succès de Weather Report doit beaucoup à l'arrivée de Jaco Pastorius qui fut l'un des bassistes (voire instrumentistes) les plus influents de son époque.
Zawinul et Shorter avaient supposé que Chester Thompson allait partir avec son ami Johnson, et pour la deuxième série de sessions, ils le remplacèrent (sur la recommandation de Pastorius) par l'ancien batteur du Mahavishnu Orchestra, Narada Michael Walden.
Bien que Walden joue effectivement sur plusieurs pistes de l'album, il s'est finalement avéré inapproprié, car Thompson était revenu pour les séances finales de "Black Market", mais il repartit rapidement après avoir échoué à former une section rythmique avec Pastorius (dont le style était beaucoup plus occupé que celui de Johnson).
Le recrutement de Pastorius contribua grandement à pousser Weather Report à la hauteur de sa popularité.
Déjà une étoile montante à part entière, Pastorius apporta une qualité mélodique très musicale à la basse: Il pouvait jouer des lignes de groove musclées, éclairantes, influencées par le R & B ou le Funk, démontrant un extraordinaire contrôle solo du ton et des harmoniques de cordes, ressemblant souvent à un joueur de cor.
Pastorius était aussi un multi-instrumentiste (contribuant à la batterie et au mandoloncelle aux dernières sessions d'enregistrement), un compositeur talentueux (éventuellement responsable de certains morceaux de Weather Report comme "Teen Town" et "Three Views of a Secret"), et il avait une capacité de production utile pour Zawinul en raison de sa connaissance des studios d'enregistrement et des techniques.
Finalement, le scénario et le show agressif de Pastorius ont aidé le groupe à attirer un nouveau public.
A propos de la chanson "Black Market", dans ses notes pour la compilation "Live & Unreleased", parue en 2002, Alan Leeds écrira: "...Lorsqu'on lui a demandé quelle chanson représentait tout ce que Weather Report voulait dire pour lui, Zawinul a rapidement répondu "Black Market"...".
Zawinul a souvent parlé du clavier inversé qu'il jouait sur "Black Market"; cela avait été rendu possible grâce à une fonction sur l'ARP 2600 qui permettait d'inverser la tension du clavier de sorte que la partie supérieure du clavier joue les sons inférieurs et vice versa.
Zawinul expliqua à Conrad Silvert que "...lorsque vous changez de clé et que vous la jouez avec la main gauche, c'est très difficile. Mais ça change le feeling rythmique et mélodique de la musique, comme une image miroir. C'est presque comme aller dans la quatrième dimension, comme étant des deux côtés de ce mur simultanément...".
Chester Thompson et Narada Michael Walden ont joué tous les deux sur "Black Market":
"...Sur la première chanson de l'album, il y a deux batteurs à partir de deux jours différents...", a déclaré Thompson à Glasser. "...Si vous écoutez attentivement, le son change complètement au milieu, où la musique change. La sensation va d'un pur huit à une sorte de sensation d'oscillation. La plupart des gens ne l'attrapent pas au début, mais une fois que vous l'entendez, c'est tellement évident que c'est assez drôle...".
Walden a dit aussi à Glasser:
"...ça commence avec Chester, puis il y a une modification difficile sur moi quand la chanson change et commute la vitesse tout d'un coup. Je joue à partir de là à travers la jam entière, juste en assurant. Le solo de Wayne a été pris en live. J'ai joué sur la chanson entière, mais je pense qu'il voulait garder l'ouverture avec Chester parce que c'était si détendu. Puis il voulait un gros coup de feu quand il m'a découpé [dans le morceau]. Nous l'avons peut-être joué deux ou trois fois. Ce n'était pas trop de fois, parce que le feu était tellement chaud. C'était chaud, mec! J'ai été surpris quand il est sorti, ils n'ont pas utilisé toute la version que j'ai fait, mais je pense que c'est brillant la façon dont il l'a fait. Je pense que c'est juste...".
La chanson intitulée "Cannon Ball" est un hommage à l'ancien patron de Zawinul, Julian "Cannonball" Adderley, décédé le 8 Août 1975.
Zawinul et Shorter avaient arrangé la venue de Jaco à Los Angeles spécifiquement pour cet enregistrement. Ce fut une sorte d'audition.
Bien sûr, le son de basse est l'une des caractéristiques de signature de "Cannon Ball".
Le son de Jaco est venu incarner un ensemble parfois confus de grappes d'accords, de qualités de tonalité presque tangibles, de lignes d'improvisation rapides qui conservent une profondeur tonale étonnante et un penchant pour utiliser les harmoniques de l'instrument dans les sens mélodiques et percussifs.
Tout simplement, jamais une imagination si catholique n'a été appliquée à la guitare basse. Il y a encore une dimension supplémentaire à la personnalité musicale de Jaco, telle qu'elle est véhiculée à travers la guitare basse: Son étrange capacité à sonner, dans sa tonalité sonore et son phrasé innovateur, autant comme un violon acoustique que comme une guitare. La nature de l'instrument n'est pas toujours claire même pour les auditeurs les plus expérimentés.
Pour "Gibraltar":
"...C'est mon improvisation du début à la fin...", a déclaré Zawinul à Milkowski en 2002. "...C'était une de ces choses que j'ai composées et ensuite je l'ai écrit pour le groupe et nous l'avons joué - aussi simple que cela...".
Dans "In A Silent Way", Thompson se souvient d'avoir été 'jeté' par le 'détail des partitions. "...Tout était tracé pour des choses comme "Gibraltar", ce qui le rendait très difficile à lire, car ce n'était pas le genre typique de chose...". D'autre part, les parties de batterie n'avaient pas été notées, mais avaient été communiquées verbalement.
Shorter a offert quelques éléments différents sur le sens du titre de la chanson intitulée "Elegant People". Dans les notes pour "Live & Unreleased", il a expliqué la signification de “Elegant People” ainsi:
"...Cet état de vie où l'on peut dire, sans regrets, 'j'ai atteint le point de fierté et d'élégance d'être un être humain. Il est si élégant d'être un être humain - élégant signifiant bonne fortune. Nous sommes très chanceux de naître en tant qu'êtres humains. Donc, si nous nous rendons compte de cette fortune, pourquoi ne pas nous efforcer d'être le plus élégant dans tout ce que nous faisons?...".
Wayne explique le titre de la chanson "Three Clowns": "...Beaucoup de gens obtiennent leur dû, leurs juste desserts - en fait beaucoup obtiennent quelque chose de mieux encore - et les clowns, eh bien, c'est presque comme le comédien Red Buttons qui avait l'habitude de dire: 'Personne ne divertit l'artiste'. Cette chanson était une mélodie abandonnée à propos de l'idée qu'il n'y a personne alentour qui va divertir l'artiste...".
"Black Market" semble être le seul album sur lequel Wayne Shorter a joué du Lyricon, et il pourrait bien être la seule fois où il a jamais enregistré avec l'instrument.
"Three Clowns" est un bon exemple de son utilisation dans ses mains. Le Lyricon était essentiellement un synthétiseur pour les joueurs d'instruments à vent. Il se composait d'un contrôleur de saxophone avec un module de synthétiseur analogique.
Le Lyricon était capable de sons très expressifs, mais comme d'autres synthétiseurs de l'époque, il n'y avait aucun moyen de sauvegarder les réglages pour un son particulier.
Le biographe de Pastorius, Milkowski a expliqué la signification du son d'ouverture d'un train qui rugit tout le long des pistes:
"...Ce son est beaucoup plus que du remplissage atmosphérique; Il résonne avec le sens profond pour n'importe qui qui a grandi dans Fort Lauderdale près des voies qui courent le long de la Dixie Highway. En tant qu'enfant, Jaco errait souvent sur ces voies pendant des kilomètres, rêvant des endroits qu'il pourrait visiter un jour...".
Enfin, à propos de "Herandnu", en 2002, Zawinul en a offert une description succincte à Bill Milkowski:
"...Une grande mélodie d'Alphonso Johnson en tempo 11/4 que j'ai fait avec plus d'orchestration. Ce morceau que j'aime vraiment...".
Quant au titre, Johnson a déclaré à Glasser:
"...Nous étions en tournée en Europe - Copenhague, je pense - et je suis entré dans ce magasin de vêtements et il s'appelait Herandnu. J'ai demandé ce que cela signifiait, et ils ont dit: 'Ici et maintenant'. Et ce qui m'a impressionné avec ce magasin, c'est que dans le bas, ils avaient un petit coin réservé aux enfants, de sorte que pendant que Maman achetait, ils pouvaient jouer, ce qui est à la mode maintenant mais, à l'époque, c'était une pensée vraiment progressiste!...".
"Black Market" continua le succès de Weather Report en se vendant bien et en étant le quatrième des albums du groupe à remporter 'l'album de l'année' du magazine 'Down Beat'.
Il s'est classé deuxième au Billboard en 1976 dans la catégorie 'Albums de Jazz'.
J'adore les 3 albums de ce groupe que je viens de réécouter. Le premier est un peu plus faible au niveau des compositions je trouve. Qu'en pensez vous?
Le label Américain Cuneiform Records a publié un CD d’enregistrements d’archives de Gilgamesh intitulé "Arriving Twice", en sSeptembre 2000.
Il s’agit d’enregistrements inédits de 1973 à 1975. On y trouve la demo de 1973 ainsi que deux sessions radio de 1974–75. Il met en vedette Gowen, Lee, Travis, Murray, Cook, Clyne et Peter Lemer, et comprend plusieurs compositions inédites, notamment "Extract", tiré du morceau non enregistré du "double quatuor" Gilgamesh / Hatfield and the North.
"Arriving Twice"est une source sonore quelque peu surprenante qui montre le chemin au premier album. Il est aussi possible d'écouter la performance de membres tels que leur premier bassiste Neil Murray sur les deux premières chansons de 1973. Les deux chansons suivantes présentent son remplaçant à l'époque, Steve Cook de 1974. Alors que les quatre dernières chansons mettent en vedette Jeff Clyne à la basse en 1975.
Moins 'révolutionnaire' que les deux LPs 'historiques', c'est une sortie impeccable du superbe label Cuneiform. Cet album posthume du groupe est composé d'enregistrements inédits qu'ils ont réalisés avant d'enregistrer leur premier album, entre 1973 à 1975. Les restes, en d'autres termes, mais ce ne sont pas des morceaux de fond de tiroir et ces prises différentes sont également plus qu'intéressantes. La plupart de ces compositions ont fini sur leur premier album éponyme de 1975, mais il s'agit d'une collection de sessions d'enregistrement qui ne sont jamais apparues sur les deux albums studio officiels et d'une partie de travail du groupe inédite.
Ce qui frappe le plus, c'est que la musique difficile et complexe est très agréable et beaucoup plus mélodique et accessible que sur ces deux albums, enveloppant un Jazz Rock très agréable quelque part entre le début des années 70 de Miles Davis, Isotope et Mahavishnu Orchestra. L'une des choses étranges à remarquer est que bien que provenant de trois sessions différentes, ces pistes parviennent à faire un très bon album cohérent à elles seules, sans aucune piste se démarquant. Ce disque est beaucoup plus proche du deuxième album avec sa fusion froide plutôt que du premier qui est beaucoup plus proche du Free Jazz.
Au cours des trois sessions en question, il est amusant de voir que Gilgamesh n'a jamais eu de bassiste entièrement établi, alors que les trois autres membres sont restés sur place.
À partir de la troisième session de fin 1975, les quatre morceaux sont brûlants, et il est intéressant d'entendre que le jeu de synthé de Gowan a évolué en raison de ses progrès alors que son piano électrique est resté constant.
Là où les deux albums studio officiels étaient assez introvertis, celui-ci est beaucoup plus ouvert et accessible. La musique est également assez différente des deux albums studio. C'est un mélange de Jazz et de Jazz Rock. La musique y est plus Mahavishnu Orchestra que Soft Machine à cet égard. Il s'agit avant tout de l'album de Phil Lee. Ses longs solos de guitare sont lâchés sur plusieurs des pistes où les deux albums studio étaient plus Alan Gowen et ses claviers dominaient. Heureusement, Alan Gowen est très présent sur cet album. Mais lui et Phil Lee ont un rôle plus égal en ce qui concerne les solos et les instrumentations.
Certaines chansons avaient également été enregistrées sur le premier disque de Gilgamesh, mais la musique de ces enregistrements sonne mieux que celle de leurs deux albums studio. D'une manière ou d'une autre, ces enregistrements sonnent plus mélodiques et accessibles, ou même symphoniques, là où leurs deux albums studio manquaient parfois de beaucoup d'accessibilité.
Mieux que leurs enregistrements en studio, ces enregistrements montrent comment le Jazz de Gilgamesh et l'approche Rock plus capricieuse de Dave Stewart, avec qui Gowen a déjà collaboré au cours des derniers mois d'existence de Gilgamesh en 1975, pourraient se fondre dans le style unique du prochain groupe de Gowen et Stewart: National Health. De ce point de vue, ces enregistrements ont également leur place dans l'histoire de la musique de Canterbury, et ils ont ce rôle plus explicite et à un niveau de qualité beaucoup plus élevé que leurs albums studio.
Cet opus témoigne du génie d'Alan Gowen et il est beaucoup plus facile à écouter que les versions antérieures de Gilgamesh. Magnifique jeu incluant un son live beaucoup plus Rock. Cet album pointe vers National Health et il est essentiel pour comprendre comment Hatfield aurait pu devenir National Health car, sans Gilgamesh, National Health n'aurait tout simplement jamais vu le jour.
Les points forts de ce CD sont les chansons "You're Disguised" et "One End More", où le guitariste Phil Lee est à son meilleur. En plus de cela, "Extract" posséde une valeur historique car elle fait partie de la fameuse suite de 40 minutes de 'The Double Quartet', qui a été spécialement composée par Gowen à l'occasion de leurs deux concerts légendaires combinées avec Hatfield and The Nord en Novembre 1973. Dans cette suite, ils ont uni leurs forces après leurs sets séparés, mais ces sessions n'ont malheureusement jamais été enregistrées.
C'est malheureusement l'un des albums les plus sous-estimés et les moins connus de la scène de Canterbury, bien que composé de morceaux très puissants, aventureux et bien structurés, accomplis avec une grande musicalité.
Le morceau d'introduction, "With Lady And Friend", commence par un paysage sonore très agréable de basse, guitare, batterie et piano. Tout cela change rapidement alors que la guitare commence à jouer des mélodies angulaires qui se frayent un chemin à travers cette chanson.
L'un des gros points forts est la longue suite appelée "Your'e Disguised / Orange Diamond / Northern Gardens / Phil's Little Dance / Northern Gardens", qui est tout simplement époustouflante à certains moments. Le guitariste Phil Lee est vraiment la star de ce morceau et donne à Alan Gowen un vrai défi pour le suivre. Le morceau commence assez calme, puis le rythme et le son s'accélèrent. De belles mélodies pour piano suivent avant l'arrivée d'un calme pendant que la guitare fait une pause. La guitare est de retour et elle redevient angulaire.
Heureusement, cet album prend un peu plus de retenue avec le troisième morceau, "Island Of Rhodes/ Paper Boat/ As If Your Eyes Were Open", avec des 'boppins' chauds et des rythmes semi-symphoniques qui génèrent des étincelles, un excellent jeu de percussions alors que la basse palpite. Un air très jazzy avec de belles mélodies de guitare aussi.
Tiré de la deuxième session fin 74, "Extract" est un autre point fort, mais clairement un indice que cela faisait partie d'une autre piste plus grande. Les choses ralentissent encore pour l'improvisation "Extract" a une jolie introduction au piano avant que la guitare n'intervienne alors que la basse, la batterie et les claviers remplissent le son. Gilgamesh et Hatfield and the Nord avaient partagé deux fois la même affiche en 1973, et ils avaient terminé la soirée avec les deux groupes ensemble sur scène jouant une chanson de 40 minutes composée par Alan Gowen spécifiquement pour l'occasion. La piste "Extract" est une section de cette chanson.
Mais cela repart de plus belle avec le Jazz Symphonique "One End More / Little Dance / Worlds Of Zin de Phil". Quand la guitare se fait plus agressive, cela devient aussi spatial que possible avec un bon son. Ce qui suit est encore mieux car cette guitare devient moins rugueuse et la basse et la batterie offrent une excellente rythmique.
"Arriving Twice" présente ces touches à 'consonance liquide' jouées par les deux solistes qui ouvrent la voie pour cette piste courte et douce.
Il est suivi par l'excellent 'Notwithstanding', le clou de l'album et la meilleure représentation des réalisations de ce groupe. C'est un excellent morceau avec des mélodies de guitare torrides et des sons complexes. Gowen est excellent sur le Fender Rhodes.
Le morceau final, "Lady And Friend", s'ouvre doucement avant qu'un collage de sons comprenant la basse, la batterie, la guitare et les claviers n'entrent en action de façon surprenante. Gowen brille encore une fois avec son Fender Rhodes.
Encore une fois, assez différent des deux autres opus, celui-ci ne convient pas vraiment comme une bonne introduction au groupe car il n'est pas représentatif de leurs albums.
A noter que la qualité est assez élevée tout au long de ce disque. On pourrait même presque dire que c'est le meilleur album de Gilgamesh.
J'adore les 3 albums de ce groupe que je viens de réécouter. Le premier est un peu plus faible au niveau des compositions je trouve. Qu'en pensez vous?
Les premiers albums sont rarement des Musts.
Celui-ci a un certain 'charme', mais je pense qu'il faut surtout l'écouter pour voir l'évolution créatrice du groupe!
L'oeuvre de Gilgamesh est un ensemble, un tout!
C'est dans ce sens qu'il faut la juger...
Joyeux Mondialiste Droit de l'Hommiste et Internationaliste convaincu, amateur d'étrangetés Vinyliques tournant en 33 et 45 tours en provenance des quatre coins de la planète et des 7 continents
Le Tale Spinnin’ de Weather Report est magnifique. Gilgamesh, grandiose. Steve Miller impeccable. Bref que du bon. Et Buffalo Springfield aussi évidemment.
Weather Report, par contre, je lâche l'affaire avec BM... Je n'aime pas du tout la manière dont Pastorius surjoue tout.
Excellent bassiste, mais qui cherche constamment à nous en flanquer bien plus dans la vue plutôt que dans les oreilles.
Sauf chez Joni Mitchell
J'adore les 3 albums de ce groupe que je viens de réécouter. Le premier est un peu plus faible au niveau des compositions je trouve. Qu'en pensez vous?
Les premiers albums sont rarement des Musts.
Celui-ci a un certain 'charme', mais je pense qu'il faut surtout l'écouter pour voir l'évolution créatrice du groupe!
L'oeuvre de Gilgamesh est un ensemble, un tout!
C'est dans ce sens qu'il faut la juger...
Perso, c'est souvent les premiers albums que je préfère (où du moins, j'ai un gros faible pour eux), car c'est là où ils ont quasi le plus à dire...
Maintenant,c'est pas vraiment le cas en jazz or rock dits progressifs... où ils doivent trouver leurs marques... et améliorer ce qui peut l'être dans des compos compliquées.
En effet, le premier Gilga n'est pas leur meilleur.
à noter que le meilleur album de Gilgamesh, àmha, est le truc posthume chez Cuneiform et qui s'appelle Arriving Twice
Cuneiform Records dont on ne dira jamais assez de bien sur son magnifique boulot et sur son Éclectisme musical section grande classe
je dois bien avoir facilement au-dessus de la 100-aine
Cunéiform peut se décliner en trois ou quatre catégories:
Les Rééditions (style Présent ou UZ des débuts) >> pas fort nombreuses.
les albums archives (live ou studio), comme ce Arriving Twice dont il est question ou encore les DVDs/CDs de Soft Machine
les sorties typiquement Cuneiform, même si depuis qqes années, Steve Feigelboom sort trop rarement encore des disques physiques (et Cd uniquement, je crois)
Bref, si vous trouvez encore des CD Cunéiform en vente, dépêchez-vous, car il ne re-pressera plus jamais son catalogue physique... à moins d'une résurgence peu probable du CD
"Legend", paru en 1978, peut être considéré comme l'album de 'Cotton-Young' avec une pochette créée par l'artiste graphique (et plus tard acteur comique), Phil Hartman, et il est ensuite devenu l'album du groupe le plus réussi commercialement, contenant deux Hits du Top 20, "Crazy Love" écrite et chantée par Rusty Young (qui est aussi resté pendant sept semaines au numéro 1 dans les Adult Contemporary chart au début de 1979, le plus gros succès cette année-là) et "Heart of the Night" de Cotton.
"Legend" propose un simple échantillon de chansons portant certaines ressemblances avec leurs enregistrements précédents. "Legend" et "Barbados" sont des chansons où cette influence est très présente. Mais ce n'est surtout pas le point crucial de ce disque.
Les musiciens de Poco commencent à devenir de plus en plus des créateurs de ballade au détriment du reste, tout comme les derniers survivants du 'Californie Sound'.
Après neuf ans d'existence et une douzaine de disques réalisés, Poco abandonne l'essentiel de ses racines Country Rock et le groupe a enfin deux Hit singles et un album à succès!
On peut juste regretter que pour cela, ce groupe tant admiré comme pionnier du Country Rock s'aventure donénavent tout simplement dans un Rock plus générique.
"Legend" est un nouveau départ pour Poco après le départ de Tim Schmit et la mise à l'écart de George Grantham, deux énormes chanteurs de Country Rock. Pour cette raison, la puissance vocale de Poco est largement amputée. Il marque également la transformation de Rusty Young de pedal steel guitariste à un nouveau rôle de guitariste chanteur. Enfin, l'album est entraîné par l'arrivée d'une nouvelle section rythmique Rock pleine de promesse.
Alors que les fans de leur début 'Country-Rock' peuvent trouver que cet album est orienté Pop et loin de leur travail précèdents, musicalement, "Legend" est merveilleusement fait avec des grands équilibres et ne pas oublier de mentionner le bon songwriting de Paul Cotton et Rusty Young. Ils prouvent à tous que leurs talents ont été grandement sous-estimées.
Cet album est la preuve que grand succès commercial ne signifie pas forcément grand album. Poco a déjà enregistré des albums bien supérieurs à "Legend", mais pour une raison quelconque, c'est celui-ci qui a retenu l'attention des masses.
Le départ de Schmit a pourtant retiré le tapis de sous les pieds du groupe du point de vue écriture, et, par conséquent, toutes les chansons sur "Legend" ont été écrites soit par Rusty Young soit par Paul Cotton.
L'album en résultant est une nette amélioration par rapport à "Indian Summer", mais il a toujours tendance à suivre les règles de l'art avec un 'songwriting' qui laisse encore parfois à désirer.
La première chose qui ressort de cet album travaillé, ce sont les chansons. Rusty Young avait déjà montré un certain talent d'auteur compositeur principal du groupe et sur cet album, il continue à briller. Comme il aime souvent à le souligner, ses chansons sont simples et directes et il se dégage un grand pouvoir de cette simplicité.
C'est aussi le premier album sans banjo, sans mandoline et ce fut le dernier album sur ABC Records avant qu'ABC soit vendu à MCA Records.
La guitare de Paul Cotton sonne un peu comme celle de Mick Ralphs de Bad Company ou Stephen Stills pendant la période 1969 / 1970 de Crosby Stills Nash and Young.
Certaines chansons sont envoûtantes, comme "Spellbound" ou "Love Comes, Love Goes" aussi puissantes dans la prestation des émotions sincères. "Heart of the Night" et "Little Darlin" ont des airs bien produits qui ont attiré les passages à la radio, car ce sont les enregistrement de Poco qui sonnent les plus polis au niveau qualité sonore.
Poco a beaucoup évolué depuis ses débuts, aboutissant à un produit qui sonnent tellement plus Pop que les fans du début se sont sentis trahis.
Young vole aussi la vedette sur les rares occasions où il revient à la pedal steel, en particulier sur "Boomerang" et "In The Heart of the Night.
"Legend" apporte enfin une réputation bien méritée et durable avec ce succès commercial à quelques gars qui méritenr vraiment la reconnaissance pour de nombreuses années de 'grande musique'.
Les paroles sont uniformément assez faibles, douloureusement peu profondes et sans beaucoup d'imagination. Pourtant, chaque chanson, en elle-même, est un petit bijou. Ce qui distingue la musique sur cet album de la Pop oubliable publiée à la même époque par leurs contemporains, c'est que Poco possède toujours les belles voix de Rusty Young et de Paul Cotton, la guitare de Young et un super saxophoniste appelé Phil Kenzie.
Cotton offre une chanson d'ouverture bien branchée intitulé "Boomerang" même si elle possède parfois des voix de fausset un peu ennuyeuses, elle a une excellente sonorité grâce à la Fender Stratocaster, aux riffs de la slide guitare, et au clavinet.
"Spellbound" signée de Rusty est une ballade très tranquille avec sa voix en lead calme, un piano Fender Rhodes, et l'énorme solo de guitare de Paul. C'est une ballade mélodique captivante avec de belles couches de piano électrique et de guitare acoustique profonfément ancrée.
"Barbados" de Paul avec son chant, piano, du piano Fender Rhodes, et des riffs de lead et de steel guitare est tout à fait tropical. La chanson a aussi quelques sautes d'humeur agréables mais elle est un peu alourdie par un chœur quelque peu sous-développé.
"Little Darlin" de Rusty est une excellente chanson de guitare Rock avec son chant calme, des solos de guitare de Paul, et du piano, et un tempo mi-Pop Rock assez accrocheur. C'est l'un des meilleurs morceaux de l'album et il aurait pû (dû) être publié comme un single.
"Love Comes Love Goes" de Rusty avec solo de saxo, chant de Paul et solo de guitare est excellent malgré une mélodie un peu ratée.
Puis vient le classique de radio FM "Hearth Of The Night" écrit et chanté par Paul qui offre un excellent chant et de la guitare rythmique, accompagné par l'orchestre, un solo de saxo et la pedal steel guitare de Rusty, mais le piano Fender Rhodes ne se mélange pas réellement bien avec la pedal steel guitar. La ballade est certes plus qu'écoutable, mais la sentimentalité de celle-ci semble assez terne.
L'autre classique FM "Crazy Love" écrite par Rusty, possède des paroles efficaces qui disent tant de choses, et si joliment. Cette chanson est impeccable du début à la fin avec sa douce voix calme, des guitares acoustiques et les voix en harmonie. Ce Hit est joliment mélodieux, et il souffre pourtant aussi un peu de quelques minces et fragiles harmonies.
"The Last Goodbye" sonne comme si Paul et Rusty chantait tour à tour les différents versets et la chanson possède des solos de guitare excellents, des riffs de piano, et des jolies harmonies vocales.
"Legend" la chanson-titre écrite par Rusty est une excellente chanson de guitare Rock avec la voix en lead de Paul, des riffs de guitare par Rusty et Paul, les harmonies vocales, et aussi de l'orgue.
Le claviériste Kim Bullard rejoint le groupe en Décembre 1978 à la sortie de "Legend". Alors que "Crazy Love" monte au sommet du palmarès, ABC Records a été vendu à MCA Records. Poco a été retenu par MCA et "Legend" a été réédité sur le label MCA.
Musicalement c'est un superbe album et "Legend" est certifié disque d'or, le premier disque de Poco à obtenir cette distinction dans la distribution originale.
Au début de l'année 1974, Elf s'est rendu au Royaume-Uni pour enregistrer son deuxième album à The Manor Studios. Il est produit par le bassiste de Deep Purple, Roger Glover et s'appelle "Carolina County Ball".
Toutefois, aux États-Unis, il sort sous un autre nom, "LA / 59", et les raisons de ce changement de nom n'ont jamais été connus.
Ce disque signé par Ronnie James Dio et Mickey Lee Soule abandonne le coté Hard théatral du premier opus pour se concentrer sur un Boogie Rock plus fiévreux et festif. On peut y remarquer les morceaux "Carolina County Ball", "L.A. 59", "Happy" et "Rainbow".
La musique du groupe s'affirme d'avantage au point qu'après la sortie de cet album, Elf tourne de nouveau en première partie de Deep Purple pendant leur tournée Britannique en avril-Mai 1974.
Et c'est le début de la fin pour Elf, mais il ne le sait pas encore!
Plus un amalgame de travail individuel qu'un effort de groupe intégré, le deuxième album de Buffalo Springfield assez bon et agréable dans l'ensemble, "Buffalo Springfield Again", est publié en Novembre 1967.
Les compositions sont bonnes et c'est peut-être bien le meilleur de leurs trois albums.
Neil Young semble vouloir rester une force indépendante et il est clair qu'il a pris une nouvelle dimension, aussi bon que Stephen Stills. Mais celui-ci semble être, quant à lui, en deça de son potentiel du premier disque, mis à part "Bluebird" et son psychédélique "Hung Upside Down" qui est probablement sa contribution la plus mémorable.
Et Richie Furay tente d'écrire des chansons pour la première fois, et ce n'est pas vraiment une réussite, mais il faut bien commencer un jour...
En ouverture, vient "Mr. Soul" qui sonne comme une sorte de variation de "Satisfaction" des Rolling Stones, et Neil Young en fait une grande chanson. Le riff est naturellement très accrocheur, la mélodie vocale de Young est bonne et le solo psychédélique dans l'interlude instrumental est vraiment excellent... "Mr. Soul" est certainement le morceau le plus audacieux de l'album et de loin.
A noter que la version qui apparaît en face B de l'édition "Bluebird" a une lead guitare complètement différente de la version stéréo LP et n'a pas encore été publiée sur CD.
"Child's Claim to Fame" est une bonne chanson Country Rock signée Richie Furay dont le flux et la mélodie sont simples, mais efficaces grâce aux travaux des guitares.
La chanson "Everydays" est un croisement entre le Psychédélisme et la ballade jazzy, et il y a un son de guitare qui joue sans changer sa tonalité tout le long de ce morceau.
"Expecting to Fly" commence avec un orchestre en progression effrayant et calme à la fois, dans un mode des plus psychédéliques. Certains violons classiques commencent à jouer, et puis intervient la guitare acoustique, et Neil Young commence à chanter. L'atmosphère de cette chanson est tout à fait enchanteur et l'instrumentation est bonne.
Le morceau suivant, "Bluebird", est une composition ambitieuse de Stills bien jouée et avec des guitares prédominantes. La mélodie est intéressante, mais c'est surtout une chanson qui permet des extensions en live. L'intervention d'un banjo dans la dernière moitié de la chanson amène un plus indéniable.
A noter que James Gang en a fait une superbe version sur son premier album, "Yer' Album"!
"Hung Upside Down" est une belle vieille ballade... La basse est mélodique dans une manière très Beatles. La mélodie est simple, mais toujours efficace! La chanson sonne solide, bien structurée et pleinement développée. L'instrumentation est impeccable; ils savent généralement comment varier les sons de garder l'expérience intéressante.
Avec "Sad Memory", voici la deuxième incursion de Furay en songwriting sur cet album, et c'est la chanson la plus faible de l'album jusqu'ici. La mélodie est un peu simplette et les paroles sont vraiment banales. Il y a un peu de guitare électrique dans le 'lointain", mais cela ne suffit pas vraiment à émouvoir.
Furay a aussi écrit "Good Time Boy", un Rock upbeat assez stérile teinté de Rhythm 'n' Blues chanté par la voix bourrue de Dewey Martin! Belle voix, mais qui ne fait pas beaucoup plus pour le songwriting, cela s'écoute sans déplaisir, mais....
Vient ensuite "Rock 'N' Roll Woman"; malgré son titre, ce n'est pas très rockant, mais c'est signé Stephen Stills! Malgré de bonnes parties de guitare avec un riff assez mou, le développement reste intéressant.
Pour finir, "Broken Arrow" est la composition ambitieuse de Young, et c'est six minutes de collage qui mettent fin aux festivités. Cela commence avec une certaine audience hurlante sur un extrait sonore de "Mr. Soul". Tout s'arrête brusquement, et Young commence à chanter la ballade "Broken Arrow". Il recycle son idée de changer de façon intermittente les tempos 4/4 et 3/4 qu'il avait essayé plus tôt dans "Nowadays Clancy Can't Even Sing". Tout finit et le bruit de l'auditoire revient. Un orgue commence à jouer "Take Me Out to the Ball Game" et puis il disparaît dans un vide quasi psychédélique... La ballade "Broken Arrow" réapparaît pour s'arrêter tout à coup de nouveau, et il y a un roulement de tambour qui démarre puis disparaît de nouveau dans le 'vide psychédélique'... Et la ballade "Broken Arrow" recommence pour la troisième fois. La dernière minute est constitué de certains passages jazzy ... Et puis quelques battements de cœur (comme Pink Floyd) et c'est la fin. La mélodie est bonne, mais le développement est quand même assez maladroit; en tout cas, ça a bien vieilli. Et l''ambition de Neil Young ne correspond pas encore à sa capacité, du moins à cette époque-là.
En conclusion, "Buffalo Springfield Again" est un album qui a été salué par la critique et il atteindra le numéro 44 dans les Charts.
A noter que "Bluebird" a été sélectionné pour passer dans l'épisode de Mannix, "Warning: Live Blueberries", diffusé le 28 Octobre 1967.
Avec de fortes critiques apparaissant dans tout le pays, non seulement à propos de "Buffalo Springfield Again", mais de la performance du groupe dans le cadre de The Beach Boys Fifth Annual Thanksgiving Tour, les choses s'améliorent.
