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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » sam. 29 oct. 2022 08:15

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Bedlam est composé de Frank Aillo (Chant), de Dave Ball(Guitare), de Dennis Ball (Basse) et de Cozy Powell (Batterie).
Une bonne surprise. Ce qui est triste avec les groupes underground des années 70, c'est que la plupart d'entre eux manquent d'une bonne production et/ou que leur son essaie d'être méchant, mais qu'il est en fait creux parce qu'ils n'ont pas fait d'overdubs, et que le résultat final est que le dynamisme a disparu et que le potentiel n'a pas été réalisé.
Ce n'est pas le cas ici.
Je ne sais pas comment ils ont pu se payer un bon studio et un bon producteur, mais la qualité du son est presque parfaite pour les années 70, et ils ne laissent jamais leur son creux, sauf dans Sarah où c'est en fait une bonne chose puisqu'il s'agit d'un prototype de ballade AOR très proche du futur Journey ; et en général, les trucs mélodiques de l'album sont influencés par le heavy rock psychédélique des années 60 comme Cream. Peut-être que c'est parce que Bedlam a écouté Deep Purple et le funk et s'est dit "Hé, ça fait vraiment bouger les rockeurs, prenons ça !", et peut-être aussi parce qu'ils avaient des gars comme Cozy bloody Powell dans le line-up ; alors peut-être qu'ils ne sonneraient pas mal par défaut ?
Et puis il y a le chanteur, Frank Aiello, comme on peut le voir. Bien qu'il ne se lance pas dans l'agression, il n'est certainement pas Gillan, mais son chant est bon, émouvant, émotionnel, et lorsque ces émotions dépassent les limites et atteignent le registre aigu, il est également un chanteur compétent.
La plupart de mon amour pour la musique lourde vient peut-être de mes expériences passées, mais ce groupe pourrait être un nouveau groupe modérément préféré s'il avait plus de matériel à offrir, et j'aurais été excité parce que cet album n'est définitivement pas mauvais. Hélas, cela ne s'est pas produit. Et peut-être, juste peut-être, si les mélodies étaient juste un peu plus accrocheuses. Sinon, je ne trouve pas de gros défauts à ce disque et je le recommande!
ImGonnaDJ


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Message par alcat01 » sam. 29 oct. 2022 08:31

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Le premier album de Flash publié en 1972 est excellent et exceptionnel et les musiciens ont su garder leur calme, car ils avaient les moyens d'aller beaucoup plus loin, mais l'industrie de la musique en a décidé autremernt car le groupe avait trop de tournées avec bien peu de respect pour leur vie personnelle.

C'est un petit bijou obscur, mais qui vaut la peine d'être déterré car on y trouve beaucoup à apprécier pour les fans de Prog Rock mélodique.
C'est leur album le plus fort, mais ce sauvage esprit aventureux rempli de virtuosité est cohérent dans tout leur travail et certainement aussi en concert.
Les fans des deux premiers albums de Yes ne peuvent qu'aimer Flash car Peter Banks continue avec son savoureux travail de guitare tandis que Tony Kaye ajoute quelques grands travaux de claviers sur les riffs très compétents de la basse de Ray Bennett.
Ajoutez à cela la voix de Colin Carter et on obtient une sorte de super clone du Yes du début tout à fait unique. Les fans de Flash ont semblé penser que c'est un clin d'oeil de Banks et de Kaye à leurs anciens partenaires comme leur perfectionnisme affiné affiché sur ce disque semble le démontrer.
L'étincelle énergique du morceau d'ouverture "Small Beginnings", avec ses claviers en hymne, ses guitares en arpège et des harmonies proches sans doute du Yes d'origine, a probablement plus en commun avec Steely Dan "Reelin' In The Years" que tout "The Yes Album"...

Les chansons sont énormes: "Small Beginnings", "Children of the Universe" et "Dreams of Heaven" possèdent des superbes parties de guitare. Ce sont aussi deux morceaux plus épiquement Prog qui arrivent à ne jamais trop s'éloigner de la mélodie. Pete Banks était un guitariste en avance sur son temps avec un grand mélange d'agressivité et de beauté. Cette musique est un peu comme une des premières journées chaudes au début de Juin.
Cet album montre vraiment leur talent, mais le marché n'était malheureusement pas là pour eux à cette époque!...
Et ce LP fut un succès modéré et "Small Beginnings" a même été aussi un succès modéré, car, sans surprise, les débuts de Flash ressemble un peu à du Yes, mais tout sur cet album ne ressemble pas à Yes.
Il y a "Morning Haze" acoustique et une magnifique ballade, "The Time It Takes", avec cette merveilleuse ambiance rêveuse du début des années 70 montrant un peu de ressemblance avec Yes musicalement. "Dreams of Heaven" est la quintessence du Rock Progressif dans les années 1970.
Cependant, lorsque "Flash" est sorti, "Small Beginnings" et "Children of the Universe" ont passées assez souvent dans les stations radio de Prog RocK.

Ce premier opus de Flash est souvent consiféré comme l'un des meilleurs albums de Rock Progressif, et c'est de loin leur meilleur.
La couverture était tentante, le groupe était prometteur, mais malgré cela, Flash n'a jamais eu l'opportunité du moment.
Les fans de Yes et du Rock Progressif des années 70 en général ne doivent pas passer à côté de cet album.
Ce premier album s'est vendu à plus de 100.000 exemplaires.

Kaye ne restera pas très longtemps. Plutôt que de le remplacer numériquement, le groupe continue en tant que quatuor.



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Message par alcat01 » sam. 29 oct. 2022 10:44

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En 1983 sort la nouvelle création d'Art Zoyd intitulée "Les Espaces Inquiets".

A son propos, Progmonster a écrit:
..."Les Espaces Inquiets" laisse entrevoir les prémices d’une intrusion bientôt exclusive de l’électronique au détriment de l’acoustique dont ils étaient jusqu’ici de brillants représentants.
"Légendes", en guise de prologue et d'épilogue au travers de ses deux parties, en est un bon exemple ; avec sa démultiplication d'effets sur les voix ou son parti pris d'un travail en boucle, il préfigure en quelque sorte ce qui est devenu la norme dans notre vingt-et-unième siècle. Il n’empêche ; la formule est plus convaincante que jamais, de par l’étendue de ses arrangements, illustré par l'excellent "Cérémonie", Art Zoyd gravissant indubitablement un nouvel échelon en terme de production.
Ne faisant en aucun cas la moindre concession, "Les Espaces Inquiets" demeure sans aucun doute le plus facile d'accès des disques d'Art Zoyd, tant au niveau de leurs travaux antécédants que de ce qui va suivre. Le groupe, lui, se stabilise avec le remplacement de Michel Thomas par Didier Pietton au saxophone, avec les toujours fidèles Jean-Pierre Soarez, à l’étincelante trompette, et Patricia Dallio dont le piano a pris ici une place encore accrue.
Ce qui reste néanmoins le fait le plus marquant de ce cinquième album - et pourtant aussi le plus paradoxal - après l'imposant double album "Phase IV", c'est la contribution quasi exclusive de Zaboïtzeff, ne laissant à Hourbette le soin de placer qu'un seul titre, la tout de même imposante suite en trois actes "Images d'une Ville Poussière", fait assez rare dans leur longue carrière.
Il serait toutefois erroné de considérer que ce côté plus abordable (toutes proportions gardées) serait imputable à l'omniprésence de Zaboïtzeff.
Ce sont en effet sur ses titres que le plus de nouvelles choses sont tentées : introduction du synthétiseur, des boîtes à rythme aussi ("Migrations"), même si le ton général semble plus posé. Par la suite, on le sait, Hourbette reprendra très vite les commandes pour orienter de plus en plus son travail sur les structures sonores et les manières de jouer avec elles quel qu'en soit le média...

La même année, Art Zoyd tente une première 'alliance de la musique et de l’art visuel' grâce au chorégraphe Roland Petit qui les remarque lors d’un concert télévisé et leur passe commande d’un ballet intégral: "Le Mariage du Ciel et de l’Enfer", créé au Festival de la Scala à Milan.
Avec Art Zoyd sur scène, le ballet sera repris pour trente représentations en France, dont douze au Théâtre des Champs Élysées à Paris.

Dans un spectacle outrageusement noir où le spectre de Pasolini croise celui de James Dean et de la mort, la musique d'Art Zoyd trouve un contexte parfaitement approprié à sa démesure.
C’est une véritable révélation que cette musique aussi radicale dans ses développements et ses choix, puisse séduire des foules hétéroclites, peu habituées aux harmonies dissonantes et aux chocs rythmiques d’un nouveau genre, mêlant instruments amplifiés, instruments électriques, bandes, voix…
L’envie est là dorénavant, d’allier musique et art visuel. Alliance de la musique avec l’art vivant comme la danse ou le théâtre, ou avec l’image comme le cinéma muet ou la vidéo.


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Message par alcat01 » sam. 29 oct. 2022 13:20

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"Manna", initialement publié en Mars, profita du succès colossal de son single d'Or "If" qui deviendra synonyme de Bread (un peu comme Procol Harum et son "Whiter Shade of Pale"), mais chaque morceau mérite d'être approfondi à son écoute.
C'est vraiment doux, Rock simple avec de belles harmonies sans une seule mauvaise chanson. C'est un bon album avec beaucoup de styles très variés et intéressants.
C'est un excellent exemple de la capacité du groupe à créer des chansons pop très agréables.
Le conflit entre Gates et Griffin fut malheureux parce que les deux écrivains ont énormément contribué à l'entité globale et l'identité de ce groupe.

Ces gars-là savaient pourtant comment enregistrer et produire et Gates était en pleine forme mélodique avec sa douce voix de ténor sur les chansons comme "If" et "What a Change".
Griffin / Royer contribuent également à quelques bonnes chansons, dont le Country Rock mélodique "Too Much Love" et l'éthéré "I Say Again".
Comme toujours, le répertoire est équitablement scindé en deux: d'un côté, David Gates, de l'autre, Griffin et Royer.

La différence de style (Pop, Soft Rock pour Gates, Rock pour Griffin et Royer) et surtout de qualité était assez perceptible sur "On The Waters". Elle se renforce un peu plus ici, et cette rivalité est un atout qui profite bien au disque.
Titillé par les éloges essentiellement affectés à la production de Gates, le tandem Griffin / Royer hausse son niveau.
Le contraste entre les deux options structurant "Manna" demeure, mais, cette-fois, ça fonctionne, contrairement au disque devancier. L'ensemble est très séduisant.

Globalement, Gates est en très bonne forme avec ses compositions, surtout avec trois chansons irrésistibles: "She Was My Lady", "What A Change" et bien sûr, l'immortel "If". Quant au combo Griffin / Royer, ils montrent des signes de nette amélioration.
La légendaire ballade "If" est presque suffisante pour justifier l'appel 'céleste' de l'album, mais des chansons telles que le Rock enlevé par un clavecin "Let Your Love Go" et les solos d'orgue d'église comme sur l'éthéré "What A Change", ainsi que la pièce maîtresse de l'album, "Come Again " qui, comme mélodrame, réussit brillamment dans ses changements de tempo et la dynamique d'ensemble donnent, en fin de compte, à cet album un chaud sentiment tout à fait 'baroque'.

Les deux premières chansons donnent une fausse impression car on pourrait croire que cet album est plus Heavy qu'il ne l'est.
L'ouverture "Let Your Love Go", accrocheur comme l'enfer, déjà sorti en single à la fin de 1970 culminant au numéro 28, est l'un de leurs meilleurs Rocks, montrant que Gates pouvait faire d'autres styles, et pas seulement des ballades, avec une tentative pour un son percutant et relativement Hard Rock.
"Take Comfort", avec un bon et fort riff de guitare va titiller le Jefferson Airplane jusque dans son jardin sur un morceau tempéré par des cordes et de superbes harmonies Rock.
Ce morceau passe d'un moment vraiment bluesy avec une section relativement Hard à un côté ballade dans le milieu et cela fonctionne vraiment, montrant par- là même, que Griffin et Royer étaient aussi talentueux que le génie avéré Gates.
Le beau Pop Rock acoustique "Too Much Love" possède un autre de leurs mélodies fortes et douces à la fois.
Et bien sûr, on en arrive à la superbe chanson intemporelle "If", pour ne pas dire immortelle, qui est une belle ballade déchirante et à la fin, en fermant les yeux, on a l'impression de prendre l'avion. Cette déchirante ballade transcendante de la dévotion éternelle est dignement améliorée par une guitare électrique sonnant un peu 'sous marine'.
La bonne chose à propos de la chanson douce et luxurieuse "Be Kind To Me" aux saveurs R & B est son instrumentation somme toute assez détendue... la mélodie n'est pas puissante, mais elle sonne plutôt considérablement désinvolte.
La mélodie de "He's A Good Lad" a un côté Beatles, une légère sensation de McCartney, mais malheureusement assez légère et terne.
Gates en vient ensuite au Rock à saveur un peu roots intitulé "She Was My Lady" dans lequel il livre un excellent chant avec écho et un solo averti de lead guitare; elle ressemble certainement à John Lennon et elle n'a pas une mélodie forte, juste une sensation agréablement psychédélique.
"Live In Your Love" a un petit quelque chose d'Elton John dans la façon dont la chanson commence. C'est une autre ballade orchestrée presque incroyable, avec une mélodie transcendée.
Le Pop Rock jovial "What A Change" est une jolie ballade mélodique avec solo d'orgue.
Ils enchainent avec une engageante ballade morose "I Say Again", dont l'instrumentation du départ est impressionnante, voir même 'trippy'.
"Come Again" a une incroyable arrangement classique avec un beau piano et violon et une belle mélodie. C'est un air extrêmement ambitieux, commençant comme une ballade classique d'inspiration majestueuse, passant par une touche jazzy de nightclub, et contenant un passage instrumental mélodique complexe avec piano et orchestration. Il est assez fascinant avec ses mélodies impressionnantes et efficaces.
Et l'album s'emballe un peu plus pour le final avec "Truckin'" qui est finalement très accrocheur alors que son départ Country est bluffant.

L'album, mis à part "If" peut-être moins commercial que les précédents, est excellent. On sent que Bread se bonifie petit à petit.


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Message par Cooltrane » sam. 29 oct. 2022 14:56

Punker paname a écrit :
ven. 28 oct. 2022 23:45
Cooltrane a écrit :
ven. 28 oct. 2022 16:04
Punker paname a écrit :
ven. 28 oct. 2022 10:43
j'adore la voix de leur chanteuse Karin Töppig :chapozzz: Car il ne faut pas oublier que dans les 70's il y avait relativement peu de chanteuses et de musiciennes dans les groupes Krautrock Prog et Heavy Rock Allemand
à première pensée :gratzzz: , je pense à Renate Knauf (AD2), Inga Rumpf (Atlantis & Frumpy) et la nana de Tomorrow's Gift en plus de celle-ci. Probablement que j'en oublie aussi.

Pas sûr qu'un autre pays fasse aussi bien à l'époque.
Autant de groupe qu'hélas je ne connait que de réputation et de nom mais je vais faire des recherches gougeules la dessus

Mille fois Merci Cooltrane :) :super:
Pour info, AD2 est l'acronyme de Amon Düül II (ou 2)... qui s'est différentié quand la communauté hippie s'est divisée entre Munich et Berlin. Amon Düül (parfois nommé AD1) était un des groupes de polit-rock les plus durs basé à Berlin

Les hippies plus doués et musicaux sont restés à Munich et ont fait des albums de légende (Phallus Dei, Yeti, Tanz Der lemmingen et Wolf City).

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Message par alcat01 » sam. 29 oct. 2022 15:02

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Ten est composé de Gary HUGHES: Chant, guitares, choeurs, de John HALLIWELL: Guitares, guitares acoustiques, de Neil FRASER: Guitares, lead guitares, de Paul HODSON: Claviers, programmation, de Mark SUMNER: Basse, et de Mark ZONDER: Batterie et percussions.
Garry Hughes, compositeur/vocaliste, a un style reconnaissable entre mille. Les sonorités qu’il propose, le ton de sa voix, sont reconnaissables au possible. Ils fleurissent notamment dans ses sept albums solo, dans les trois albums de Bob Catley (le vocaliste de Magnum) et dans les opus de son groupe Ten, qui nous offre avec ce "Stormwarning" un neuvième album en quinze ans d’existence. Il est concevable de ne pas apprécier les caractéristiques de son empreinte vocale, l’homme ne possédant pas un gosier phénoménal en termes de puissance et de variations de tessiture, mais il serait injuste de ne pas reconnaître que ce Monsieur est dépositaire d’une atmosphère particulière qui peut être rencontrée dans chacune de ses compositions.

"Stormwarning" n’échappe pas à la règle. Le maître des lieux nous fait visiter un domaine fait d’immensités mélodieuses classieuses, traversées de chemins de guitares ajustées, et bordées de nappes de claviers soyeuses. Que Dennis Ward (Pink Cream 69) se soit attelé à la production n’est donc pas étonnant, ce perfectionniste du son sachant en effet choisir ses clients. Chacun des dix titres dépasse ici les cinq minutes, le père Hughes sachant prendre son temps pour installer ses ambiances. Plus d’une heure de sucreries nous sont ainsi proposées à l’écoute de cet album.

Dans cette fabrique de gourmandises vous aurez le choix entre quelques gâteries qui vous tiendront éveillées les papilles. Vous saurez par exemple apprécier la finesse des claviers d’ouverture de "Endless Symphony" et le croquant de son riff d’entrée en matière, annonçant la douceur d’un couplet/refrain posant d’emblée l’état d’esprit de toute l’œuvre. Vous aimerez l’explosion de saveurs mélodieuses celtiques de "Destiny", et l’enivrante musicalité du tubesque "The Hourglass And The Landslide". Vous adorerez également la nostalgique saveur du titre éponyme qui vous rappellera Thin Lizzy par foudroyances, et ne resterez pas insensible au goût suave puis pétillant de "Love Song", la superbe (fausse) ballade de l’opus où transparaissent imperceptiblement des élans à la Ennio Morricone (!).

Alors certes, "Invisible", "Center Of My Universe" et "Kingdom Come" sont un ton en dessous de ces hautes performances, "Books Of Secret" est un peu trop Rock de base, et on s’ennuie un tantinet sur la (vraie) ballade "The Wave", mais rien qui ne vient contrarier l’impression positive que laisse l’écoute de cet opus.

Si vous avez apprécié jusque-là les travaux de Hughes, vous adhèrerez à cette nouvelle offrande. Si son style ne vous a jamais inspiré, passez votre chemin car le sien n’a pas ici dévié d’un pouce. Si vous ne connaissez pas ce talentueux Monsieur, arrêtez-vous un instant sur cet album, il est fort possible que vous ayez ensuite envie d’arpenter les recoins de son domaine en sa compagnie.
FM


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Message par alcat01 » sam. 29 oct. 2022 16:13

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Randy Jackson's China Rain est un groupe de Rock éphémère fondé en 1991 par Randy Jackson (Chant, Guitare) avec Teddy Cook (Basse, Choeurs), Ronnie Snow (Guitare, Choeurs) et Brian Tichy (Batterie, Choeurs).
Plus connu pour son travail avec Zebra, Randy Jackson fut la voix et la guitare derrière ce groupe séminal des années 80. Le groupe China Rain n'est certainement pas très loin de l'endroit où Zebra avait laissé "3.V", bien que cela penche un peu plus près du Pop Metal de l'époque.
Muni d'un contrat d'enregistrement avec le label Beyond Records, le groupe entra en studio et enregistra l'album "Bed Of Nails", publié dans la même année.
Cet album commence avec une chanson qui est dans le style Zebra mélangeant du Led Zeppelin avec des tendances mélodiques et progressives. Cette chanson contient un très bon jeu de guitare.
Alors que le reste du disque possède une ambiance similaire, une partie du matériel est un peu plus orienté Pop Metal satiné de claviers. Que dire d'un titre comme "Psychedelic Sex Reaction"?
Évidemment, Randy tente de monter ce train de Pop Metal mélodique tant qu'il peut encore le faire. Il dégote même quelques musiciens bien connus afin de l'aider à écrire dont Dave "Snake" Sabo (Skid Row) et Mark Slaughter (Slaughter / Vinnie Vincent).
"Before It's Too Late", co-écrit par Slaughter, est un autre de ces morceaux hors concours. Dans cette chanson, Randy utilise même certaines de ces voix de fausset qui était sa signature dans Zebra.

Les dix chansons sont du Rock mélodique à un niveau agréablement haut et la ballade "Love Calls", cerise sur le gateau, clôture le couronnement d'un grand album.

Malheureusement, Randy Jackson a dissout son groupe après seulement cet album et les musiciens se sont retrouvés un peu plus tard dans le groupe the Sign.




h[media]ttps://www.youtube.com/watch?v=6KZpgwV-DFE[/media]

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Message par alcat01 » sam. 29 oct. 2022 18:44

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Les deux premiers albums de Flash sont souvent cités parmi les plus beaux LPs de Rock Progressif jamais sortis. Il y eut beaucoup d'albums étonnants publié en 1972 et le deuxième album de Flash à la fois de 1972 et de leur carrière, "In The Can" reçoit normalement l'approbation de la plupart des admirateurs de Rock Prog.
Tony Kaye n'est plus là, mais il ne manque certainement pas. La guitare de Peter Banks et ses travaux principaux sont très bons. Le songwriting de Colin Carter et Ray Bennett laisse plus de place à Banks pour s'exprimer. L'amélioration de la voix est particulièrement frappante, pourtant elle était bonne sur le premier disque.

"In The Can" fait encore penser aux deux premiers albums de Yes, mais il ne possède pas de chansons mémorables avec l'intensité qui attire l'attention à la première écoute, pourtant, ce disque semble au moins aussi bon que le premier.
En 1972, ce disque aurait tout bonnement dû se trouver dans toutes les collections de disques de chaque fan de Rock Progressif car Peter Banks n'est rien de moins que spectaculaire sur ce LP. L'interactivité dans les membres du groupe est incroyable et tandis que les paroles semblent un peu datées maintenant, elles répondaient parfaitement à la guitare de Banks à ce moment-là.

L'enregistrement contient cinq titres. Toutes les chansons sont parfaitement conçues et elles possèdent des changements de tempo intéressants tout en profondeur. Le son de l'album est aussi au top. La musicalité est vraiment incroyable.
Les deux morceaux les plus forts sont la chanson d'ouverture "Lifetime" et la finale "There No More".
Le groupe est en mesure de 'montrer ses muscles' et les passages musicaux ont une intensité adéquate.
Sur "Lifetime" un nouvel auditeur de Flash pourra passer son temps à comparer la qualité sonore globale aux albums de Yes. Mais grâce à "Black and white", il sera convaincu que ce groupe était frais et original.
Il existe pourtant des gens qui n'ont pas été exactement séduit par le mixage de "In The Can". Une chose est intéressante cependant, c'est la batterie qui sonne assez puissamment et qui améliore grandement les chansons avec des nuances que l'on peut observer tout au long des quarante minutes environ.
Il faut profiter de la musique et c'est tout!

Un excellent disque à écouter intégralement: Il est très intéressant avec des idées musicales qui n'ont pas la prétention de ressembler à Yes, mais plutôt de créer un tout nouveau concept qui va faire de ce seul album l'un des meilleurs si vous êtes intéressé à écouter de la bonne musique depuis le début des années 70!...


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Message par alcat01 » dim. 30 oct. 2022 09:19

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En Janvier 1972 Bread sort "Baby I'm-a Want You", leur album certainement le plus réussi, avec un pic au numéro 3 dans le Billboard 200.
La chanson-titre est devenu un Hit à la fin de 1971 avant que l'album ne soit publié, atteignant aussi le numéro 3.

Robb Royer a quitté le groupe et Larry Knechtel est venu à bord. Les membres semblent enfin sonner comme un véritable groupe. Les airs semblent couler de source, les orchestrations développent plus de profondeur et de saveur, et les membres chantent de mieux en mieux et les uns pour les autres.
Cet énorme album est composé de douze chansons dont six sont des compositions en solo de David Gates et le duo d'auteurs-compositeurs Griffin / Royer n'a, cette fois, écrit que deux chansons, "Dream Lady" et "Games Of Magic", mais chacune d'entre elles est étonnamment forte. Il semble que Gates et Griffin soient à leur meilleur colaboration pour créer une véritable osmose.
Les ballades sont toujours là, et Griffin a écrit certaines de ses meilleures comme "Dream lady" et "Just like yesterday".
A remarquer que des chansons comme "Down on my knees" et "Just Like Yesterday" ont aussi la signature indubitable de Griffin.
Gates est, lui aussi, en forme; "Baby I'm a want you" ainsi que ses autres contributions sont de grandes ballades, sauf pour "Mother Freedom" qui est sa contribution personnelle au Rock.
A cette époque, il sentait qu'il était un peu le "McCartney" du groupe, son penchant pour la composition comme "Make It With You" étant l'une des chansons de Bread qui ont été le plus jouées à la radio.
Mais Griffin brille absolument: super jeu de lead guitar sur la chanson d'ouverture, "Mother Freedom", ou surtout le morceau final de l'album, "I Don't Love You", où Griffin arbore son côté Memphis, et chante comme Wilson Pickett qui aurait une sévère gueule de bois.

En fait, la force de cet album repose beaucoup sur les Rocks que Griffin a écrit en solitaire. Ses "Down on My Knees" et "Nobody But You" sont deux grandes chansons qui ont bénéficié plus que toutes autres chansons sur l'album de la présence de l'un des plus grands musiciens de l'époque, Larry Knectel. Ses claviers sont quasiment stellaires et la voix granuleuse de Griffin ajoutent de la vie à ce qui aurait été un très bon album de toute façon, mais ils font encore mieux.
Chaque chose est sublimée par la présence de Knechtel et celui-ci joue même de la lead guitare sur la chanson "Daughter". Son solo d'orgue sur le "Dream Lady" de Griffin montre sa supériorité sur les autres claviéristes "flashy" alors en vigueur et son jeu d'harmonica sur "I Do not Love You" est superbe.

Bread a souvent commencé ses précédents albums avec une chanson Rock, et "Mother freedom" est sans doute le morceau le plus Heavy qu'ils aient jamais fait. Excellent et particulièrement accrocheur, il fait un peu penser à "Smell Like Teen Spirit". Définitivement Rock avec un riff à la James Gang, il est bien dommage cependant que les paroles soient assez ringardes...
Belle chanson d'amour très accrocheuse dans un style proche d'America ou the Carpenters, "Baby I'm a want you" fut un grand Hit et sa mélodie est certainement très agréable, mais les lyriques sont aussi un peu ringards, et rétrospectivement, la chanson sonne comme une sorte de répétition pour la version 1974 de "Never Let Her Go" de David (une chanson qu'il avait effectivement écrite au milieu des années 60).
Le Pop Rock uptempo "Down On My Knees", co-écrit par Gates et Griffin, est également assez accrocheur et cela reste l'un des airs les plus mémorables avec bonne et forte mélodie.
La jolie ballade avec orchestre "Everything I Own", écrit pour le père de David qui était décédé est particulièrement bien écrite.
Suit un peu de Country Rock avec "Nobody like you", un morceau aussi un peu jazzy Soul chanté par Griffin et écrit par Knechtel, Griffin, et Gates.
La douce ballade de style "If" intitulée "Diary" est bien arrangée et agréable à écouter. Elle a un arrangement de cordes superbe, avec de subtiles choeurs faits par James et de belles paroles.
"Dream Lady" est une ballade psychédélique vraiment cool qui évolue dans un sérieux solo d'orgue! Elle commence de façon rêveuse, solidement mélodique et bien chantée par James, et la chanson fait finalement place à une section médiane qui rocke joliment avec orgue et solo de guitare. Jolie mélodie avec des choeurs agréables et une guitare toute en finesse.
La chanson upbeat "Daughter" est une belle petite rock ballade sonnant un peu Beatlessienne, de style McCartney avec David et James partageant les vocaux.
Un autre morceau de rêve avec beaucoup de travail de Larry Knechtel aux claviers, la jolie ballade acoustique (sans batterie) "Games of Magic" est une chanson psychédélique lente et mélodique qui fait penser à certaines chansons Flower Power.
Accompagné au violon d'une manière très Hillbilly, "This Is not What The Governmeant" souffre malheureusement de paroles bien légères.
Et l'album se termine avec deux compositions signées Griffin en solo:
- "Just Like Yesterday" qui est encore une autre belle ballade et c'est même l'une de ses meilleures ballades au piano.
- "I Don't Love You" qui rappelle les Rocks surmenés de Griffin / Royer sur "On The Waters", avec James chantant d'une voix incroyablement 'Blues' sur le premier verset, revenant à une plus voix normale pour le reste de la chanson à part un bref extrait sur le fondu.

Donc, dans l'ensemble, c'est vraiment un excellent album qui regroupe quelques unes des meilleures ballades du groupe et quelques superbes Rocks.
Cet album a engendré quatre de leurs meilleurs Hits top 40 avec certainement le meilleur travail de Griffin....
Dans l'ensemble, il a un bel équilibre et plus de variance entre les ballades, Rocks, et autres chansons que leur album précédent, "Manna".

"Baby I'm-A Want You" aurait même dû être le véritable chef-d'œuvre du groupe et être considéré comme un classique au même titre, par exemple, que "Sgt. Pepper" ou "Pet Sounds", mais, pour une raison qui m'échappe, il ne l'est pas devenu!


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Message par alcat01 » dim. 30 oct. 2022 09:20

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The Exkursions est composé de Mike Johnson - Voix principale et guitares, de Leon Wilson - Basse, et de Fyl Jonnzen - Batterie.
Trio de choc originaire de Chicago à la fin des années 60, The Exkursions s'est imposé comme l'un des premiers groupes de rock évangélique et a joué un rôle fondamental dans la scène croissante de la musique chrétienne contemporaine de l'époque. Le groupe a débuté par de nombreuses tournées, se produisant dans des centaines de clubs, de cafés et de campus universitaires avant de faire une pause suffisamment longue en 1971 pour enregistrer son premier album complet de 8 chansons. L'album, évidemment épuisé depuis longtemps et objet de collection très prisé, a été remasterisé et réédité par Born Twice fin 2011.
Musicalement, the Exkursions ont été comparés à Cream et Hendrix pour leur son qui peut être décrit comme "un hard rock lourd influencé par le blues avec une touche psychédélique". Oui, les références à Cream et Hendrix sont pertinentes, mais si vous aimez des artistes plus récents tels que Glenn Kaiser Band, The Rex Carroll Band, Thieves & Liars, Darrell Mansfield et Gypsy Carns/Prophet AZAL, alors je peux voir que les Exkursions sont intéressants. Le matériel de Resurrection Band, plus axé sur le blues - et je fais ici référence à "The Crossing", "Someone Sleeps" et "Rain Dance" - doit également être noté. En fait, la reprise par Resurrection Band (sur Silence Screams de 1988) du vieux morceau d'Eric Clapton "Presence Of The Lord" est un bon indicateur de ce que sont les Exkursions.
Oui, the Exkursions ont une forte influence sur le blues, comme en témoignent les titres "Baby You Lied" et "You & Me", aux saveurs blues rock traditionnelles, et "Picture Women", un morceau plus enlevé qui donne une impression de cran et de cran. Le groupe peut aussi faire du hard rock, ce qu'il fait sur le brûlant "It's Been Set Down" de Rez Band, en plus des tempos implacables de "Dry Ground" et "What Happened To Me". "Third Eye", qui combine des tendances de jam instrumental psychédélique avec une touche de groove décontracté, représente the Exkursions à leur meilleur. Le groupe s'adoucit même en ajoutant des claviers sur le morceau plus lent et gospel "Would You Believe".

Le membre fondateur Mike Johnson s'occupe du chant et des guitares. Sur le plan vocal, il apporte un style bluesy heavy, grinçant et imprégné de gravier, qui a beaucoup en commun avec Glenn Kaiser, Darrell Mansfield et Gypsy Carns. Son travail à la guitare est tout aussi remarquable (ce type donnerait du fil à retordre à Stu Heiss et Carns), avec des solos allant de la fougue ("It's Been Set Down") à la distorsion en plein air ("Third Eye") en passant par le jazz ("Dry Ground").
Fyl Jonnzen est un batteur monstrueux aux pieds lourds. Son meilleur travail se trouve sur "It's Been Set Down", qui commence par un long solo de batterie et présente un martèlement incessant des peaux. Mais ce qui le distingue vraiment, c'est la quantité de son qu'il obtient de ce qui est (pour autant que je puisse dire) un kit de batterie de base ; en d'autres termes, pas de ce truc de contrebasse non-stop qui peut parfois devenir monotone chez les groupes d'aujourd'hui.

La production est assez solide pour une sortie indépendante enregistrée avec la technologie du début des années 70. Je suis sûr que le remastering, réalisé par J. Powell chez Steinhaus, a considérablement amélioré les choses, bien que je n'aie pas de copie vinyle originale pour pouvoir comparer.
Les paroles laissent peu de doute quant à la foi du groupe. Ceci est mieux illustré sur "What Happened To Me" - Now let me tell you what happened to me. Quand j'ai finalement obtenu de l'aide, j'ai ouvert mon coeur et laissé Jésus entrer. Et il a balayé toutes les ordures qui étaient en moi. Allons, les gens. Ne voyez-vous pas qu'il n'y a qu'une seule personne qui va vous libérer - et "Voulez-vous croire" : Croiriez-vous que Jésus me parle ? Je ne suis plus une victime du destin. Tu vois, quelqu'un est venu et m'a parlé de Jésus. Comment il a vécu et est mort il y a si longtemps. "You & Me" fait une déclaration de foi - Jésus donne un sens à la vie. Donnez-lui une chance. Vous découvrirez que c'est vrai - tandis que "Dry Ground" offre les mots de sagesse suivants : Vous pouvez réparer les ailes brisées d'un oiseau si vous essayez. Vous devez réparer l'aile avec la vérité et non avec un tas de mensonges.
The Exkursions prouvent sans aucun doute qu'"ils ne les fabriquent plus comme avant" sur leur premier album éponyme. Le son "throwback" du groupe, en d'autres termes, sera certain de plaire à ceux qui aiment le rock des années 70, le rock basé sur le blues et le hard rock pur et dur. Si vos goûts vont vers le métal, donnez une chance à The Exkursions et vous pourriez être agréablement surpris.

"Picture Woman" représente la quintessence du blues et du heavy rock. La chanson gronde sur toute sa longueur avec des guitares brutes et nerveuses et une batterie lourde, mais avec un rythme entraînant en toile de fond. La guitare principale est tout aussi énergique, tandis que le chant en papier de verre s'aligne sur la scène obstinée. Les fans de Glenn Kaiser Band apprécieront ce morceau.
"Dry Ground" prend une direction plus affirmée. D'un rythme rapide et enlevé, la chanson renforce une basse agitée et quelques crochets pour établir un milieu sur le côté accrocheur des choses. Les moments instrumentaux donnent naissance à une saveur jazzy basée sur la jam.
Une influence blues traditionnelle se retrouve sur "Baby You Lied". La chanson s'étire sur toute sa longueur de manière tranchante alors que Mike Johnson s'en donne à cœur joie à la guitare, posant une guitare rythmique persévérante mais se lâchant aussi avec des leads fulgurants qui commencent lentement mais finissent par flotter entre les canaux gauche et droit. On ne peut pas faire plus psychédélique que ça, hein ?
"What Happened To Me" marque un retour en territoire up-tempo. Il s'agit d'un morceau fougueux mais bref, d'à peine deux minutes et demie, qui mêle des riffs de guitare rapides à un solo de batterie occasionnel et à la voix rapide de Mike Johnson. La guitare principale donne presque une impression de funky cette fois-ci.
Un peu de variété est présentée sur "Third Eye". La chanson commence ses premières minutes par une conversation improvisée entre les membres du groupe qui se transforme en un morceau de guitare distordue. Les quatre dernières minutes de "Third Eye" prennent une direction nonchalante basée sur le groove, soulignant quelques moments de paroles et un refrain tourbillonnant soutenu par des chœurs abondants.
"You & Me", comme "Baby You Lied", est imprégné de blues traditionnel. Cette chanson se fraye un chemin, tantôt décontractée, tantôt endiablée, mais tout en exsudant une tonne d'attitude chargée de gravier et en vous attirant à la première écoute. La musicalité est également un point fort, Mike Johnson délivrant des morceaux plus fougueux et Phil Johnson un travail technique à la batterie.
"It's Been Set Down" commence par un long solo de batterie, ce que l'on n'entend pas souvent sur les enregistrements en studio (du moins à l'époque actuelle). Lorsque la guitare entre en jeu au bout d'une minute, nous avons droit aux moments les plus lourds de l'album - et je veux dire par là qu'il s'agit d'un morceau de Rez Band qui ne dépareillerait pas sur Awaiting Your Reply et Rainbow's End. Sinon, nous avons droit à un assaut de riffs entraînants et de batterie puissante, avec quelques solos tape-à-l'œil.
La direction plus lente et plus détendue est prise sur "Would You Believe". Ce morceau se caractérise par ses saveurs de guitare plus calmes - pas du tout aussi rock que celles qui l'ont précédé - et des touches de claviers en toile de fond. L'effet global est un morceau jazzy (presque fluide) qui contribue à ajouter à la polyvalence de l'album.
angelicwarlord.com


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Message par alcat01 » dim. 30 oct. 2022 11:44

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En 1971, Mahogany Rush se produit en public à Montreal, et il est repéré par Kotai, un label Canada qui signe le groupe.
Après environ deux années, semblant aller nulle part très rapidement, Frank Marino commence à enregistrer son tout premier album, "Maxoom", un album, bien entendu, dédié à Hendrix, alors qu'il n'a que 16 ans.
Ce disque est publié en 1973. Il a été le premier de plus d'une douzaine de LP que le groupe a enregistré pendant les deux premières décennies de son existence.
Premier LP du guitariste et chanteur canadien Frank Marino né en 1954 sous le nom de groupe Mahogany Rush. La sortie remonte à 1972 et est dédiée au génie Jimi Hendrix, mort deux ans plus tôt. Sous la direction de son cerveau et compositeur exclusif Marino, le trio, entre autres le bassiste Paul Harwood et le batteur Jim Ayoub, s'engage à prouver leur référence à la musique de Jimi Hendrix et à la poursuivre. Cela vous permet de reconnaître de nombreuses séquences dans les chansons et dans le style de jeu de guitare qui sont directement attribuables à Hendrix. Néanmoins, son habitude a sa propre identité, soutenue par le chant de Marin. La musique a un large éventail allant de progressif expérimental, psychodélique, mélodieuse à des excursions comme le powerrock. Mais la grande force du trio réside devant les fans dans leurs performances live.
dieter burkhart


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Message par alcat01 » dim. 30 oct. 2022 13:56

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En 1983, Art Zoyd avait tenté une première 'alliance de la musique et de l’art visuel' grâce au chorégraphe Roland Petit qui les avait remarqué lors d’un concert télévisé et leur avait passé commande d’un ballet intégral: "Le Mariage du Ciel et de l’Enfer", créé au Festival de la Scala à Milan.
Avec Art Zoyd sur scène, le ballet sera repris pour trente représentations en France, dont douze au Théâtre des Champs Élysées à Paris.
Dans un spectacle outrageusement noir où le spectre de Pasolini croise celui de James Dean et de la mort, la musique d'Art Zoyd trouve un contexte parfaitement approprié à sa démesure.
C’est une véritable révélation que cette musique aussi radicale dans ses développements et ses choix, puisse séduire des foules hétéroclites, peu habituées aux harmonies dissonantes et aux chocs rythmiques d’un nouveau genre, mêlant instruments amplifiés, instruments électriques, bandes, voix…
L’envie est là dorénavant, d’allier musique et art visuel. Alliance de la musique avec l’art vivant comme la danse ou le théâtre, ou avec l’image comme le cinéma muet ou la vidéo.

Ce n'est pourtant qu'en 1985 que "Le Mariage Du Ciel Et De L'Enfer" parait en LP.

Le Mariage Du Ciel et de l’Enfer est à la base un ballet commandé à Art Zoyd par Roland Petit.
Cependant loin de n’être que le complément sonore de ce ballet, Art Zoyd a su délivrer à sa musique une personnalité, un ensemble de sentiments allant jusqu’à en faire une œuvre indépendante, débordant d’émotions.
A cette époque, le groupe ne s’est encore pas attaqué à la musique de films (Nosferatu, Faust, …), mais ce premier pas d’une création basée sur un spectacle visuel ouvre le chemin suivi par le groupe les années suivantes. Mais Art Zoyd reste avant tout une expérience sonore unique…
Tout au long d’environ 70 minutes, l’auditeur se retrouver tiraillé, harcelé entre les deux facettes sauvages des 9 compositions qui s’unissent l’une à l’autre avec une sensualité presque séductrice.
Dès les premières notes, éclats enfantins capturés sur la bande, on peut ressentir cette dualité présente, ce combat de chaque partie pour préserver son existence : cordes aériennes et sons cristallins se frottent à l’inquiétude amenée par cet Enfer. Chaque morceau dégage une ambiance particulière.
Lorsque Sortie 134 Part 1 débute, ce sont les portes de la réalité qui se ferment. Le Ciel fait son apparition, grâce à quelques notes éclatantes préservant de la bestialité de l’Enfer à venir, bénédiction de ces voix angéliques parvenant à l’oreille de l’auditeur.
Cryogenese - Reve Artificiel ne serait point un rêve, mais plutôt un cauchemar, descente aux enfers du voyageur de l’imaginaire avec ce coté étouffant, presque paranoïaque… quand en surgissent les derniers sons, une respiration haletante, apeurée et plaintive se fait entendre, comme si finalement le rêve n’en était plus un.
Les notes se succèdent, rires imprudents sur Io 1, cris apeurés sur Io 2 ou voix fantomatiques sur Io 3. Les deux mouvances correspondent aux mots échangés par les mariés. Facilement identifiables, ils précédent la marche nuptiale et l’union amenée par les deux derniers morceaux. Et lorsque des voix résonnent, ce ne sont pas des cris de joie, mais plutôt le brouhaha fêtant l’événement imaginé par Art Zoyd. Sur la fin de Cryogenese - Les Portes Du Futur, lorsque les notes sortent droit d’un film d’horreur des années 30, l’Enfer se veut puissant, ouvrant le dernier chapitre de ce Mariage Du Ciel et de l’Enfer.
Le point le plus inquiétant reste ces rires d’enfants disséminés sur Le Mariage Du Ciel et de l’Enfer.
Hors contexte, ils seraient rassurants, source de joie et de bonheur, mais lorsque ils résonnent ici, le coté intriguant en ressort. Fantômes sonores d’une allégresse disparue, emportés par l’Enfer, ils créent une tension palpable, échos d’un plaisir rongé par ce malaise sonore…
Et lorsque les dernières notes fuient, ce ne sont pas pour se réfugier dans des contrées imaginaires, mais pour annoncer que deux êtres se sont unis en grande pompe…
Ce Ciel et cet Enfer ne sont pas uniquement nommés, mais sont aussi présents dans chaque mouvement, se mariant et s’emportant dans un enchevêtrement de sons à l’image du monde dont ils sont issus...
Euka

Art Zoyd créera ensuite des musiques de films, comme "Nosferatu" (1988) et "Faust" (Rome – 1993) de F.W. Murnau, "Häxan" de Benjamin Christensen (Queen Elisabeth Hall – Londres 1995).
La réussite est étonnante: "Nosferatu" est toujours représenté, plus de quinze ans après sa création, "Häxan" et "Faust" également jusqu’en 2001 et 2003.


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Message par alcat01 » dim. 30 oct. 2022 15:35

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Excellent groupe Psych Hard Rock, Steel était composé de Roland Robinson (basse - six cordes - voix), Duane Hutchings (orgue - piano - clavier - basse), Carl Sims (voix), Steve Busfield (guitare électrique - guitare slide - voix) et Jerry Norris (batterie - voix).
A noter que Roland Robinson avait joué comme bassiste de studio dans les années 60 pour le label STAX, et il a joué sur l'album "Nine To The Universe" de Jimi Hendrix, et que le claviériste Duane Hutchings avait des liens avec The Buddy Miles Express, Hendrix, Cactus, Thee Image et Charmer.
A son actif, Steel n'a qu'un seul album, éponyme, et un seul single en 1971 chez Epic.
La face A est composée par Duane Hitchings et la face B par Roland Robinson. Les deux faces sont produites par Stefan Bright pour Douglas Productions.

Un LP de rock du début des années 70, en grande partie excellent et pratiquement oublié. "Eye to Eye", "Road Runner" et "Merry Go Round" ont un son légèrement teinté de soul, très entraînant du début des années 70, un peu comme un "Grand Funk Railroad" un peu plus soul. En fait, la majeure partie de cette première face est de première qualité... l'une des faces les plus agréables de musique dans ce style que j'ai entendue. Juste plein de viande, soulful, old school 70's heavy rock goodness ... :)
La deuxième face n'est pas aussi bonne que la première et commence avec le morceau le plus faible du LP, mais il y a quand même quelques morceaux intéressants... "Rosie Lee" et "To You Who Are Watching" sont les meilleurs des morceaux optimistes de la face 2. Au milieu de la face, ils font un détour musical pour un instrumental à base de piano, presque gospel ("Loving You")... peut-être un peu déplacé ici, mais excellent aussi, et en fait, probablement le meilleur morceau (... ou du moins, mon préféré) de la face.
"Steel" est étonnamment hors du radar et obscure pour un article de major label, mais vaut la peine de traquer...
Note : Certains de ces morceaux sont sortis plus tard sur un Lp très rare sur le label Illusion en 1976 sous un autre nom de groupe... "Charmer" et le titre... "Your Presence Requested". Ce Lp peut également inclure d'autres morceaux de ces sessions.
PROGROCKASAURUS

Cet opus est impeccable, servi par une excellente production et la musique fait un peu penser à Mountain. C'est un véritable must pour les collectionneurs de Hard Rock du début des années 70.


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Message par alcat01 » dim. 30 oct. 2022 17:40

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"Guitar Man" de Bread, paru en 1972, atteindra le numéro 18 dans les Charts. C'est un album classieux qui a donné à David Gates assez de raison de tenter une carrière solo. Il suffit d'écouter "Aubrey" pour entendre le producteur chanteur et compositeur qui peut créer une piste solide avec peu ou pas d'aide de ses collègues musiciens.
La couverture de LP d'origine est composée de belles illustrations pastel réalisées par Bob Ziering sur carton rugueux sans aucune brillance lisse, impressionnantes à l'aspect et au toucher.
Gates et Griffin travaillent de mieux en mieux ensemble et le disque semble plus cohérent: "Guitar Man" est peut-être leur album le plus polyvalent.

A ce moment-là, en 1972, il était évident que Gates était le 'fabricant de Hits' de Bread, mais des chansons hors concours comme la chanson titre grandiose et "Sweet Surrender" bénéficiaient de toute évidence de la présence d'un groupe exceptionnel à ses côtés.
Inversement, le mélancolique "Aubrey" était une ballade forgée en studio qui utilisait la guitare classique, des cordes d'orchestre et une boîte à musique au lieu d'un simple groupe (Il culmina au numéro 15, pendant 11 semaines dans le Hot 100 charts, ouvrant la voie à la carrière solo de Gates).

Parmi les douze chansons qui composent l'album, Gates en a écrit six et co-écrit deux autres. D'autre part, deux de ses chansons les plus fortes, "Sweet Surrender" et "The Guitar Man", sont totalement des produits Pop parfaits d'un groupe en plein groove.
Grâce à un ensemble de chansons accrocheur, "Guitar Man" couvre tous les angles des divers talents de Bread avec usage et destination.
La façon dont le groupe a incorporé ses influences profondes, engloutissant tout, du Country, du Folk, du Blues, du Classique, du style 'British Invasion', de la Soul, et du bon vieux Rock and Roll, dans un mélange Pop reste impressionnant.
Des mélodies agiles, des harmonies concises et des arrangements créatifs nous sont livrés tout au long du disque et les excellentes sensibilités du songwriting, accompagnées par une production propre et fraîche, resserrent en outre l'ensemble.
Par exemple, il y a le Boogie de "Do'nt Tell Me No", tandis que "Tecolote" palpite avec une intensité brute du jeu de batterie assez fort pour relever les morts, des vocaux menaçants, bourrus et durs, et des rythmes lourds.
A noter par ailleurs et de manière toute significative, Bread n'a jamais atteint le Top Ten avec un seul Rock. Leur seule tentative, "Mother Freedom" était un effort louable, mais les fidèles ne sont pas prêts. Par conséquent Gates retourna à ses ballades et les Hits commencèrent à revenir.
Tous les albums du groupe ont fourni un avant-goût de leur diversité, "Guitar Man" étant un parfait exemple de leurs multiples compétences; peu importe, c'est, avant tout, un bon album qui montre le talent du groupe dans l'écriture de chansons: Du jazzy "Welcome To The Music", au radical "Tecolote"; en passant par le Country Pop "Make It by Yourself", et le doux Hit acoustique "Aubrey", ce bel album est un must pour tous les amateurs de Bread et de musique en générale.
Le disque contient trois Hits du Top 20, "The Guitar Man", "Sweet Surrender" et "Aubrey".
Ils ont échoué à atteindre le Top Ten, bien que "The Guitar Man" l'ait approché. Elle et "Sweet Surrender" ont bien marché dans les adult contemporary Charts en 1972, tandis que "Aubrey" suivit ces deux titres, en entrant dans le Top 15 au début de 1973.

La chanson d'ouverture, "Welcome to the Music", révèle un Hard Rock bluesy accompagné par la plainte d'un harmonica. Curieusement, c'est une sorte de raté quasiment vide qui est conçu pour nous accueillir au 'spectacle', façon 'Sgt. Pepper', présentant l'album avec des paroles drôles, ce qui donne un ton agréable pour tout le reste de l'album.
Ensuite vient le classique absolu, "The Guitar Man". Aussi bonne que soit la première chanson et le titre de clôture "Didn't Even Know Her Name", l'ouverture de cette ballade parsemée du doux soupir d'une guitare folk bluesy et wah-wah, arrangements de cordes et vocaux de Gates est tellement impressionnante qu'il n'y a, musicalement, aucune comparaison. Son pont musical est irresistible et sa mélodie est limpide. Sans aucun doute, "The Guitar Man", avec Knechtel à la lead guitare, a influencé the Carpenters en mettant cette guitare flamboyant à la fin de leur Hit adult contemporary numéro un "Yesterday Once More" un an après cela, d'une façon vraiment intelligente et efficace. Ce morceau fut le plus gros succès des trois singles tirés de l'album.
Mais dans l'air du temps, Bread a commencé à flirter avec un Country Rock harmonieux comme en témoigne "Make It by Yourself ", une chansonnette chargée de pedal steel qui aurait sonné comme jamais personne auparavant sans le succès avéré de the Eagles avant leur implosion et de Poco. Mais, "Make It by Yourself" est bien loin de "Make It With You". Dommage, car avec Larry Knetchel et David Gates dans la même l'équipe, cela aurait pu être bien meilleur. Ce n'est pas aussi efficace que leurs trucs middle-of-the-road, mais c'est quand même bien loin d'être du remplissage.
L'orchestration calme et mélancolique de "Aubrey" fait de cette chanson la plus délicate et belle qu'ils aient jamais faite, une des meilleures ballades romantiques de David Gates.
Et "Fancy Dancer" est un Rock incroyable qui se mélange à un rythme Funk sexy, montrant que Bread n'est pas qu'un groupe de ballade. Le jeu de claviers en cascades marqué par un penchant Rock Progressif relève les moments les plus risqués du disque.
La pétillante "Sweet Surrender" est une autre merveilleuse balade de style Poco avec de grands lyriques.
"Tecolote" est une autre chanson qui met en lumière les talents musicaux de Larry jouant de la lead guitare et Mike de la batterie. Elle possède l'un de leurs départs les plus insolites, tout en profitant de sa musicalité et de son originalité. Avec quelques paroles hystériques, elle fait un peu rêve absurde des années 70.
"Let Me Go" est une autre chanson de style Beatles ou même Elton John avec arrangements et orchestre...
"Yours For Life" est un autre épisode de chansons d'amour de David.
Même Larry Knechtel entre sur le chant avec l'intrigant "Picture in Your Mind" accompagné par un piano et des claviers omniprésents et une progression musicale de tout l'orchestre petit à petit.
Griffin et Royer contribuent à l'exceptionnelle "Don't Tell Me No", avec cette influence Beatles qui faisait partie du son du groupe à ses débuts, qui présente James à son meilleur, mais ses talents d'écriture ont toujours été exceptionnels. Après tout, il a gagné un Grammy avec "For All We Know" un grand succès pour The Carpenters. (Ecoutez sa version sur le CD "Anthology Of Bread").
Et enfin "Didn't Even Know Her Name" est une touchante chanson d'amour perdu très poignante à propos d'un amoureux qui rencontre la fille de ses rêves. Mais, il ne pourra jamais l'appeler en raison d'un engagement qu'elle a fait avec son amour de lycée. Quelle déception. Ce morceau ferme l'album sur une note mélodramatique...

Comme dit plus haut, l'album produit trois Hits singles dans le Top 20, "The Guitar Man", au numéro 11, "Sweet Surrender", au numéro 15, et "Aubrey", au numéro 15, avec les deux premiers qui seront numéro 1 dans les Billboard's adult contemporary Chart.

Comme il est normal pour les musiciens aussi talentueux que ceux-ci, les directions musicales commencent à évoluer dans un contraste tel qu'il est apparemment impossible de justifier le maintien de la cohésion du groupe, et peu de temps après la sortie de "Guitar Man", le groupe s'est séparé.


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Message par alcat01 » dim. 30 oct. 2022 20:15

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Trouble Is... est un excellent mélange de blues et de rock alternatif. Il présente de bonnes voix et une guitare étonnante. Shepherd est HAUTEMENT sous-estimé et mérite d'avoir plus de fans.

Kenny Wayne Shepherd est un artiste de blues extrêmement sous-estimé. Son premier album, Ledbetter Heights (1995) a été un succès immédiat, se vendant à plus de 500.000 exemplaires au début de 1996. La plupart des disques de blues n'atteignent jamais ce niveau de succès commercial. Sans compter que Shepherd n'avait que 17 ans à la sortie de l'album. Ledbetter Heights a passé 20 semaines en tête du classement blues de Billboard, et le magazine "Guitar World" l'a élu n°3, après B. B. King et Eric Clapton.

Il maintient sa réputation avec l'album Trouble Is..... Si vous écoutez cet album, vous reconnaîtrez peut-être le titre "Blue On Black". C'est le seul tube rock "grand public" de cet album. Très vite, d'autres titres ont commencé à gagner en popularité. Il s'agit de "Slow Ride", "Somehow, Somewhere, Someway" et "King's Highway". L'album contient également deux reprises.

Maintenant, je ne suis normalement pas un fan des reprises. Franchement, je pense que si une personne n'a pas le talent d'écrire ses propres chansons, alors elle ne devrait pas être dans l'industrie musicale. Cependant, les titres "Everything Is Broken" (Bob Dylan) et "I Don't Live Today" (Jimi Hendrix) sont formidables. Je suis un grand fan de Hendrix, et "I Don't Live Today" de Shepherd est l'une des meilleures reprises que j'ai jamais entendues. Elle est comparable à la reprise par Hendrix de "All Along The Watchtower" de Bob Dylan.

Trouble Is... est l'un des meilleurs albums que je possède. Je dois également dire qu'il contient des guitares extraordinaires, mais vous ne verrez pas Shepherd sur de nombreuses listes du "Top 20". J'ai un passe-temps qui consiste à regarder cette merde de temps en temps. Je l'ai vu le plus souvent autour du numéro 65 environ. Parfois, il est en dessous de gens comme Kurt Cobain ou Ike Turner. J'en retire à la fois du divertissement et un sentiment de tristesse face à ce mépris pathétique du vrai talent.

Pourquoi le blues n'a-t-il pas la même popularité que le rock ou le hip-hop ? Faites-moi une faveur, lecteurs. La prochaine fois que vous vous promenez dans la rue, arrêtez un inconnu et parlez-lui. Parlez de musique et évoquez des noms comme Kenny Wayne Shepherd ou B.B. King. Ouvrez-lui les yeux sur la musique qui lui échappe peut-être. Trouble Is... est l'un des nombreux albums que vous pourriez lui suggérer d'écouter.

Merci de votre lecture, et j'espère que cette critique a été au moins un peu amusante pour vous.
DruggieDougie


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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » lun. 31 oct. 2022 06:43

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"Berlin", paru en 1987 est l'un des disques-phare du mouvement Art Rock. Maniant puissance incantatoire et imagination foisonnante, cet album nous renvoie à la fascination qu'exerçait cette ville scindée à une époque d'avant le mur.
...La musique d'Art Zoyd est si dense et demande un tel effort d'écoute qu'il fallait bien une pause prolongée avant d'aborder leur seconde partie de carrière. Comme une fissure qui ne cicatrisera jamais, "Le Mariage du Ciel et de l'Enfer", publié en 1985, était venu poser les jalons de leur grammaire future. Plus tôt encore, "Les Espaces Inquiets" laissait déjà timidement entrevoir cette nouvelle orientation qui, à l'instar de nombreux autres groupes, allait concéder du terrain à ce que l'on pourrait sommairement désigner en tant que fascination technologique.
Bien qu'étant toujours en soi un des plus respectables vulgarisateur de la musique de chambre contemporaine dans un contexte rock (entendez populaire), Art Zoyd montre clairement sur "Berlin" qu'il envisage sa musique désormais autrement. "Epithalame", monumentale pièce de vingt minutes, induit le trouble et l'effroi à grand renfort de programmations électroniques auxquelles viennent s'opposer une instrumentation dite classique, matérialisant les visions biomécaniques chères à Hans Ruedi Giger.
Le trompettiste Jean-Pierre Soarez n'est plus convié à la fête ; qu'à cela ne tienne, les synthétiseurs combleront son absence dans la limite de leur capacité ("A Drum, A Drum"). Par conséquent, point d'envolées lyriques ou d'interventions impétueuses ici, "Berlin" enfonçant l'univers d'Art Zoyd un peu plus dans le sinistre et le lugubre.
Leur approche "classique", sans jamais avoir été académique en aucune façon, cède le pas ici à une recherche de tous les instants sur les textures, les sonorités les plus originales possibles, quitte à simplifier à outrance leur mode d'écriture ("Unsex Me Here"). L'atmosphère plus Univers Zero que de coutume (précédant d'une quinzaine d'années ce que le groupe belge allait accomplir sur "Implosion") possède même une petite touche Present par l'entremise de la voix scandée de manière détachée et malsaine par Thierry Zaboitzeff.
À noter que sur sa version vinyle, "Berlin" ne comportait que deux titres...
Progmonster


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Message par alcat01 » lun. 31 oct. 2022 06:57

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Flash avait donné régulièrement des concerts dans son Royaume Uni natal, dont une tournée conjointe avec Beck, Bogert & Appice en 1973. Il avait également fait une brève tournée en Australie, tout en faisant leur troisième album "Out of Our Hands" cette année-là.
Ce disque est un assez bon effort pour ce groupe 'classieux'. Beau jeu de Peter Banks, en particulier. C'est un fait que la plupart des chansons sont plus courtes et l'écriture des chansons n'est pas aussi forte ou aussi intéressante que les précèdents disque de Flash, une dernière tentative de succès commercial peut-être?

Pourquoi cet album a-t'il reçu des mauvaises critiques? Si les gens ont cessé de comparer Flash à Yes, peut-être qu'ils l'apprécient pour ce qu'il est, c'est à dire un bon groupe qui enregistre du bon Prog plein de thèmes intéressants et de virtuosité.
Même si il n'a pas de couches de claviers, cela ne signifie pas qu'il ne peut pas être un bon album de prog. Au contraire, dans son ensemble, il est bien pensé, bien composé et magistralement interprété par tous les membres, en particulier Peter Banks, qui doit être le guitariste le plus sous-estimé dans le Rock Progressif.
Globalement, le son ressort comme une sorte de croisement entre Caravan et Magna Carta: un côté moins emphatique du Prog, plus doux, et pourtant beaucoup des chansons transportent beaucoup de punch et défient l'auditeur.
Parmi les trois premiers albums de flash, celui-ci possèdent des chansons plus courtes que sur les précédents, et certaines personnes ont tendance à penser qu'il s'agit d'une tentative commerciale vers une musique plus ¨Pop et indigne d'être étiquetée Rock Prog. Pourtant, à l'écoute, on peut ressentir beaucoup de sensations progressives.

Ce disque contient certainement quelques-uns des meilleurs travaux de Peter Banks à la guitare et le groupe dans son ensemble sonne beaucoup plus soudé que sur les albums précédents. Certes, il possède encore quelques points faibles, mais vraiment très peu, et la même chose peut être dit sur leurs deux albums précédents.
Si vous avez aimé les deux premiers albums Flash, ce disque est fait pour vous!
Sur l'insistance de Capitol, ce troisième album sort sous le nom 'Flash - featuring England's Peter Banks', pour éviter toute contestation judiciaire avec un autre groupe local nommé "Flash", et pour capitaliser sur l'intérêt suscité par l'album solo de Banks "Two Sides Of Peter Banks" qui a été publié presque en même temps.

A l'époque de "Out of Our Hands", les tensions au sein du groupe ont atteint un point d'ébullition, culminant dans le groupe en cours de rupture lors d'une tournée à Albuquerque, au Nouveau Mexique en Novembre 1973.
Selon Bennett, les problèmes sont tous venus, à l'origine, de Banks: "Il était presque entièrement à blâmer pour la rupture du Flash du début, et pour une quantité importante de friction et de troubles dans notre camp, et pas seulement avec le groupe, presque tout le monde aussi autour de nous: manager, producteur, Capitol Records et autres. Je me suis retenu de le dire sans ambages dans le passé, mais Flash n'a pas seulement "imploser sur la route. Nous en avions assez de Banks".
Il a été suggéré que le groupe trouve un remplaçant de Banks pour continuer, ce qui a entraîné finalement la disparition du groupe.


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Message par alcat01 » lun. 31 oct. 2022 12:18

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The Company Of Snakes est le 3/5 du line-up de Whitesnake.
Tout d'abord, je vais enlever la couverture de l'album de ma vue, parce qu'elle me rappelle fortement l'album Lovehunter, qui a un serpent similaire et presque la même nana nue... les deux dans des positions similaires. Ensuite, je dois retirer le serpent du chemin... je veux dire... du surnom du groupe, donc à partir de maintenant je ne les appellerai plus The Company Of Snakes, mais tCoS. OK, maintenant je suis prêt à procéder à la critique.
L'album Burst The Bubble contient un mélange parfait de morceaux classiques de Hard Rock anglais et de Rhythm Blues. La production est incroyable et a été prise en charge par Nikolo Kotzev (producteur, auteur-compositeur et guitariste de Baltimore, Brazen Abbot et Nostradamus). En ce qui concerne les musiciens, où peut-on trouver une combinaison de guitare slide incroyable avec des solos qui font fondre le cœur ? Seulement dans les albums où Micky Moody et Bernie Marsden coopèrent ! Et bien sûr, dans cet album, vous pouvez voir une fois de plus les lignes de basse légendaires de M. Neil Murray. La grande surprise est la voix de Stefan Berggren qui s'adapte parfaitement au style de musique dU groupe et sonne comme s'il avait été amené en 2002 directement des années 70!
Les chansons qui sortent du lot sont Ride Ride Ride (Run, Run, Run), une chanson incroyablement entraînante qui vous fait taper du pied même si vous essayez d'arrêter, Back To The Blues, une chanson blues-rock directe avec des lignes de guitare et des voix étonnantes, ma préférée Can't Go Back qui crée une atmosphère tellement géniale qu'elle impose d'être écoutée en buvant du bourbon et en fumant de grosses cigarettes, les Little Miss Happiness et Sacrificial Feelings qui s'adressent strictement aux amateurs de Rhythm Blues, la puissante ballade Hurricane et enfin la What Love Can Do qui a un son AOR (oui, un AOR) ! ! !! Étonnamment, la chanson titre est probablement l'une des moins bonnes avec Days To Remember qui, même si elle a des paroles nostalgiques, comme Do you remember the Rainbow and Hammersmith Odeon, ne fait pas partie de mes goûts.
Avant d'écouter Burst The Bubble, je me demandais pourquoi des musiciens aussi excellents et célèbres soulignent leur passé de Whitesnake dans chacun de leurs gestes, il n'y a certainement pas besoin de le faire. Leur précédent album Here They Go Again - Live aurait pu facilement être interprété comme une tentative d'exploiter leur histoire avec Whitesnake, mais heureusement Burst The Bubble est très clair, tout est fait par respect pour leur passé et cela ajoute une raison de plus pour que nous les respections tous en retour !
Dimitra Zertopouli


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Message par alcat01 » lun. 31 oct. 2022 13:32

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Bread s'est reformé pour ce qui sera son chant du cygne, "Lost Without Your Love" en 1976 et son retour a été gagnant, la réunion du groupe étant survenue après que le label Elektra Records ait exprimé son intérêt pour un nouvel album.
Elektra avait forcé la main pour ses retrouvailles, pensant réconcilier les deux antagonistes Gates et Griffin. Ce fut un grand coup d'épée dans l'eau car un Gates, contraint et forcé, n'est plus un Gates et tout s'en ressent.
Gates, Griffin, Botts et Knechtel retournèrent donc en studio et, mettant leurs différends de côté, ils enregistrèrent ce "Lost Without Your Love", sorti en Janvier 1977.

La première constatation est que c'est un bon album, avec quelques bonnes à très bonnes chansons, mais il n'a plus la magie des cinq premiers albums. Il est très différent des autres albums.
Gates n'a rien perdu de son talent et il a toujours le sens de la mélodie. En attestent ses belles ballades se démarquant cependant comme "Hooked On You", "Lost Without Your Love",et "Belonging" qui sont ses marques déposées. Mais, en fait, en 1977, la formule de Bread commençait à sonner un peu daté.
Car David Gates avait continué à travailler avec Mike Botts et Larry Knechtel sur ses albums solo, "First" de 1973 et "Never Let Her Go" de 1975. Pourtant, il n'y avait pas de chansons comme "Hooked On You" ou "Belonging" sur ces disques-là!

"Lost Without Your Love" capitalise une fois de plus sur la formule à succès du groupe, mais il leur a également permis de mûrir et de se diversifier vers d'autres territoires, même une piste pseudo 'disco'.
La seule chose qui permet vraiment à cer album de devenir tellement transcendant, est la maturité de James Griffin, à la fois en tant que compositeur et chanteur.
Il a co-écrit avec Gates, un "Change of Heart" excellemment mélodique. Le reste de ses morceaux sont co-écrit avec son partenaire d'écriture habituel, Robb Royer, et ils démontrent un saut quantique dans le songwriting arrivé à maturité par rapport aux premiers enregistrements du groupe.

C'est donc un album plein à craquer de ballades. Le son, dont la qualité est excellente, est toujours aussi passionné et ils donnent tout à chaque chanson, et cela se voit.
Ce disque va du lumineux et de la gaieté (dans la chanson "Hold Tight") jusqu'au sombre et tragique (dans la chanson "Our Lady of Sorrow"). Il y a beaucoup de claviers utilisés avec la sensation des turbulentes années soixante-dix et Gates et Griffin créent quelque chose ensemble d'unique et magnifique et ce nouvel opus en est la cerise sur le gâteau.

La mélodie entraînante de l'irrésistible chaud et fuzzy Pop Rock "Hooked on You" commence l'album de la meilleure des façons; le travail de guitare est impressionnant et il améliore considérablement ce morceau. C'est une ballade d'amour mélodique typique de Bread, avec guitares douces et orchestre.
Le fantastique et jovial "She's The Only One" de James Griffin / Royer est une ballade Country Rock remuante qui est un atout majeur. Il s'est même retrouvé sur la plupart des compilations du groupe...
Il est suivi par la chanson d'amour "Lost Without Your Love", à la mélodie simple et douce, qui est un énorme Hit avec un son qui le rend si difficile à oublier une fois entendu. Ce genre de chansons parle vraiment directement aux émotions des gens et c'est une des raisons qui les rendent si grandes. Cette ballade classique au piano de Gates a un refrain incroyable et de magnifiques chœurs édifiants, avec un grand solo de guitare électrique. Elle a aussi une excellente et un peu inattendue pause instrumentale, en plus de cette magistrale 'touche Gates'. Les synthés à la fin sont tout simplement éthérés. Ce sera le dernier Hit au Top 10 du groupe, avec un pic au numéro 9 dans les singles Charts.
L'un des grands classiques de Bread excellemment mélodique, "Change of Heart", une collaboration assez rare entre Griffin et Gates, est une autre ballade délicieuse, utilisant les percussions et cette musique est en corrélation parfaitement avec la voix et quelques beaux travaux à la guitare acoustique et à la flûte.
Et la ballade acoustique orchestrée super-tendre "Belonging" commence comme un disque solo de David Gates, comme "Working Class Hero" de John Lennon, ou encore "Redemption Song" de Bob Marley. Cependant la signature de l'instrumentation de Bread est magnifiquement tissés dans la chanson, l'élevant à un niveau beaucoup plus élevé. C'est une ballade dépouillée, avec picking acoustique et orchestre, de style similaire à d'autres morceaux de Gates comme "Diary" et "Aubrey"; fantastique dans la façon la plus sensible dans laquelle elle est jouée.
L'édifiant "Fly Away", signé Griffin / Royer, reçoit le traitement royal; Bread injecte beaucoup d'une véritable passion dans cet air. Quelques vocaux 'climatiques' montent vraiment dans les aigus et cette mélodie est accompagnée par beaucoup de travail à la guitare acoustique.
Gates a composé également "Lay Your Money Down", chantée par Griffin, qui est la seule chanson Rock de l'album; elle est fantastique, avec des voix multi couches, une grande instrumentation, des riffs de guitare super cool et un bon changement de rythme. A noter que ce chant de Griffin très mémorable avait été enregistré par Bread en 1973 pour leur album "Next" (inachevé / inédit).
Et il y a encore un autre joyau du Soft Rock, le classique intitulé "The Chosen One" de Gates avec une grande harmonisation. Ce morceau est aussi incroyable, avec un effort massif du groupe et d'excellents claviers et basse et un beau 'lead vocal'. C''est tout simplement l'une des meilleures chansons de Soft Rock jamais enregistrées; sage décision, elle ne dispose pas d'un orchestre mais d'un somptueux mélange d'harmoniques de guitare, de piano électrique luxuriant, un groove de rock, et un chant soyeux.
La ballade 'triste, mais avec encore de l'espoir' intitulée "Today's the First Day", de Griffin / Royer a une mélodie assez luxuriante; le piano et les cordes sont bien utilisés dans l'arrangement musical. Beau refrain et choeurs agréables...
"Hold Tight" a un arrangement fougueux et Bread délivre une super mélodie fun, accrocheuse, et upbeat avec beaucoup d'énergie; c'est encore un autre morceau inoubliable, mais une tentative avortée de Gates au disco Rock. C'est une chanson joyeuse qui est un peu prétentieuse, mais agréable tout de même. Elle a été désignée comme coup de poignard de Gates au disco Rock, complétée avec un orgue carnavalesque, et avec une orchestration plutôt discrète.
Le disque se termine par la déchirante "Our Lady of Sorrow", de Griffin / Royer! Cette chanson n'est pas exactement sur le plus heureux des sujets, c'est une méditation réfléchie et sympathique sur les problèmes de toxicomanie, avec de beaux vocaux de Griffin, mais il est néanmoins magnifique et c'est une autre belle performance.

L'opinion de Gates que ce fut un album 'de principe' pour le groupe est principalement le reflet de la tension entre lui et Griffin pendant son enregistrement. C'est, cependant, un grand album, et malheureusement, il n'a pas permis de maintenir leur réunion.
En conclusion, "Lost Without Your Love" est un véritable trésor pour les fans de Soft Rock des années 70. C'est un album magistral, un must-have pour tout amateur de cette musique.
Cet enregistrement du retour atteignit le numéro 26 dans les Billboard's album Chart et ce fut le septième album consécutif de Bread (y compris les deux best ofs) à être certifié or R.I.A.A.

Malheureusement, Bread fut dissout à nouveau, mais cette fois-ci définitivement, et Gates et Griffin revinrent de nouveau à leur carrière solo.


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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » lun. 31 oct. 2022 15:38

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Obscure groupe de heavy metal américain établie à Waterbury (Connecticut). Créé en 1966, Yesterday's Children, composé de Reggie Wright: Guitare, de Ralph Muscatelli: Batterie, de Chuck Maher: Basse, de Richard Croce: Guitare et de Denis Croce: Chant, ne sort qu'un disque en 1969. On ressent l'influence de Hendrix mais le son est bien plus heavy que la majorité des groupes de l'époque.

Il y a huit chansons imprégnées de guitare sur ce one shot et pas une ballade parmi elles. Dès le début, "Paranoia" délivre des accords de guitare hard n' heavy, et une voix de Denis Croce qui donne l'impression que l'homme s'est gargarisé de bernacles. Il a l'une de ces voix très rauques comme du papier de verre et il sait aussi frapper les notes. Il y a cependant un deuxième chanteur qui revient assez souvent, mais je n'arrive pas à savoir de qui il s'agit. Partout où je regarde, les critiques sont élogieuses à l'égard de cet album, qui couve dans un style hard rock qui vous frappe la tête presque aussi bien que n'importe quel premier métal, mais qui est recouvert d'une distorsion psychédélique et d'une batterie roulante accentuée par des crashs de cymbales. "Sailing" a un ton obsédant qui se construit et mène à de superbes crashes et à un double chant. "Hunter's Moon" a été qualifié par quelqu'un de métal psychédélique. "Providence Bummer" est clairement inspiré de la chanson des Yardbirds "The Nazz Are Blue", également connue sous le nom de "Jeff's Boogie" sous forme instrumentale. Les chansons ne suivent pas toujours le format typique du hard rock, car elles changent parfois soudainement de rythme et de pulsation et continuent jusqu'à ce que vous ayez oublié comment la chanson a commencé. Puis, d'une mesure à l'autre, la chanson revient proprement à la première partie.

Une chanson à noter est la reprise de "Evil Woman", faite à l'origine par Spooky Tooth, semble-t-il (ou si ce n'est pas l'original, cette reprise est basée sur la version de Spooky Tooth). Spooky Tooth, vous vous en souviendrez, a écrit la chanson "Better By You, Better Than Me" qui a été reprise plus tard par Judas Priest et leur a valu un procès pour messages subliminaux dans la musique. Cette version se distingue par son tempo plus lent mais par une basse et une batterie solides et une guitare lourde. Une fois de plus, le double chant donne à cette chanson un tel sentiment.

Yesterday's Children, cette version en tout cas, est un élément important de toute collection de proto-métal. Ils étaient clairement sur le point de faire un excellent hard n' heavy à la guitare avec des voix hard rock impressionnantes. La raison pour laquelle ils se sont soudainement séparés et ont disparu après cet album est un peu un mystère.
voila_la_scorie


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