L'album "Over-Nite Sensation" de The Mothers est sorti le 7 Septembre 1973.
La couverture a été réalisée par Dave McMacken comme quelque chose dans la veine de l'imagerie surréaliste de Salvador Dalí représentant un homme à deux têtes assis sur un waterbed dans une chambre d'hôtel Holiday Inn entouré de divers objets comme un pass en coulisses des Mothers et un poste de télévision montrant le visage de Zappa avec du slime suintant hors de lui. La peinture entière est représentée dans un cadre montrant de nombreux actes sexuels.
Album aux morceaux courts et globalement funky, "Over-Nite Sensation" n'en réserve pas moins son lot de surprises avant-gardistes, ici discrètement intégrées dans un format nettement plus 'Pop'. Volontairement plus accessible que ses précédents albums, "Waka / Jawaka" et "The Grand Wazoo", "Over-Nite Sensation" fait connaître Frank Zappa à un public plus vaste, dont une bonne partie lui restera fidèle au cours de toute sa carrière.
Zappa a voulu utiliser des choristes sur les chansons "I'm the Slime", "Dirty Love", "Zomby Woof", "Dinah-Moe Humm" et "Montana". Son road manager lui suggéra The Ikettes, et Ike & Tina Turner furent contactés. Ike Turner insista pour que Zappa ne paie les chanteuses, y compris Tina Turner, pas plus de 25 $ par chanson.
Pendant les séances d'enregistrement, Tina avait amené Ike dans le studio pour entendre un de ses enregistrements avec Zappa. Ike a écouté la bande et répondu "Qu'est-ce que c'est que cette merde?" avant de quitter le studio. Ike, plus tard, insistera pour que Zappa ne crédite pas the Ikettes sur l'album publié.
Une grande partie des paroles de l'album traitent du sexe. Par exemple, "Dinah-Moe Humm" décrit une femme qui parie que le narrateur ne peut lui donner un orgasme et elle est finalement réveillée en le regardant avoir des relations sexuelles avec sa sœur.
Sur d'autres sujets, "I'm the Slime" critique la télévision, et le ludique et musicalement aventureux "Montana" décrit le déplacement au Montana pour faire pousser la soie dentaire.
La musique puise dans le Rock, le Jazz et la musique Pop. "Zomby Woof" a été décrit comme un 'hybride de Heavy Metal de Louis Jordan et Fats Waller".
L'album a d'abord reçu des critiques mitigées en raison de son contenu lyrique, que certains critiques ont trouvé puérile. Le magazine Rolling Stone a détesté l'album, décrivant Zappa comme une 'force passée', et en disant que son meilleur travail avait été enregistré avec des incarnations antérieures des Mothers. Le New Musical Express a déclaré que l'album n'était "pas l'un des efforts les plus remarquables de Frank". Le critique Robert Christgau a même donné à l'album un C, en demandant "où est la substance sérieuse?"...
Pourtant, les critiques ultérieures ont évalué l'album beaucoup mieux, avec Steve Huey, critique de Allmusic qui écrivit, "...aimez-le ou détestez-le, "Over-Nite Sensation" est un grand tournant pour Frank Zappa, au point où son esthétique post-60s a été véritablement établi...". Kelly Fisher Lowe, dans 'The Words and Music of Frank Zappa', a écrit que "...Over-Nite et Apostrophe ( ') sont importants [...] comme un retour à la forme Mothers of Invention et aussi près des albums pop traditionnels que Zappa n'y viendra jamais...".
Quoi qu'il en soit, le disque a été certifié Or le 9 Novembre 1976.
N.B. "Over-Nite Sensation" sera suivi par l'album solo "Apostrophe ( ')" qui avait été enregistré au cours des mêmes sessions, mais qui paraitra en 1974, car les mêmes sessions d'enregistrement qui ont produit "Over-Nite Sensation" ont produit également "Apostrophe ( ')", mais celui-ci sera publié comme un album solo plutôt qu'une édition de the Mothers of Invention.
L'album suivant de Robin Trower, "Go My Way", paru en 2000, est une pure merveille de paix mêlée de quiétude. Au cours des nombreuses années écoulées, il y a eu plusieurs sorties bien moyennes, mais Robin est en pleine forme à nouveau.
C'est une réussite indéniable! Trower offre un superbe mélange de Rock mature et de Blues harmonieux pour faire un album bien équilibré dont on ne peut se lasser. Les guitares sont magnifiques, avec toujours ce son unique. On retrouve ce style si caractéristique où la guitare gargouille, pulse des sons organiques pleins de profondeurs, car Robin n'a pas son pareil pour reprendre les techniques harmoniques 'Hendrixiennes' sans, toutefois, le plagier.
Il semble que Trower s'est totalement redécouvert en s'associant avec un groupe complètement différent. Sur cet album, tous les musiciens ne sont pas des accolytes très habituels. Avec l'aide de Paul Page et Richard Watts aux claviers et au chant, c'est sans conteste une de ses meileures réalisations. Robin fusionne le Blues avec le Rock psychédélique et il rapporte ses sons de guitare atmosphériques fournies par toutes ses pédales à effets pour créer un album encore trop sous-estimé.
Sur cet album, Robin démontre qu'il peut encore produire les sons et les utiliser à merveille. Ce petit bijou, chargé de beaucoup de puissance est alimenté par de nombreux "Trowerismes", ces petites choses entendues nulle part ailleurs, même parmi ses plus grandes créations. "Breathless", "Run with the Wolves", "Long Hard Game", et la chanson-titre sont les chansons les plus remarquables, mais aucune n'est mauvaise.
Ce disque est un peu décontracté, mais il rocke assez bien pour satisfaire les fans de longue date de Robin. Il montre sans hésiter le travail de guitariste de Robin et il fait un gros effort sur les vocaux: Il se qualifie encore de chanteur, et de façon assez surprenante, il rend ce travail assez agréable car la plupart de ses vocaux sont acceptables, ce qui n'a, en soi, rien d'étonnant. Sa voix sonne surtout beaucoup mieux que sur "Someday Blues".
Comme cet album est relativement bluesy, sa voix, toujours proche de celle de Mark Knopfler, agrémente l'album tout en douceur. Ce n'est pas un mauvais chanteur, mais il faut un certain temps pour s'y habituer.
Son chant n'est pas son point fort mais certaines des voix les plus Rock ne sont pas, non plus, de grands chanteurs... Hendrix, Dylan ou Petty pour n'en nommer que quelques-uns. Mais le timbre de sa voix correspond vraiment à la musique jouée.
Malheureusement, bien que les vocaux de Trower se soient améliorés, ils ne sont pas assez puissants pour maintenir l'objectif éthéré plein de Soul sur la plupart des chansons alors que la voix de Richard Watts est bonne et bien adaptée au style de Trower.
Robin et Richard Watts se partagent les vocaux et les deux sont compétants- ils sonnent bien et l'essentiel est qu'ils soient expressifs.
Certains critiques se sont plaints aussi des vocaux Dylanesques de Richard Watts mais il se trouve que sa voix profonde paresseusement cool convient très hien à Trower. Ce style vocal surprend, mais les chansons bien écrites sont toutes chantées avec conviction, de sorte que le manque d'originalité des styles vocaux se fondent dans l'ensemble et l'impact des chansons prévaut. Les plaintes concernant les voix ne sont donc pas réellement pertinentes: Certains vocaux de Robin sont bons, d'autres moins bons, alors que l'autre chanteur, Richard Watts, lui, est bon.
Les chansons rafraîchissantes et mémorables sont très bien ficelées et bien écrites avec des mélodies qui s'incrustent en vous. Elles ont pour la plupart un rapport avec le désir spirituel.
"Go My Way" est un disque rempli de Soul qui a de très savoureuses parties de guitare. Il y a plusieurs endroits où le ton et le vibrato donnent toujours la chair de poule. Moins bluesy que ses dernières parutions, mais pas aussi Pop que son travail des années 80, il s'agit d'un album de chansons solides avec un travail de guitare stellaire. Le seul léger bémol est la qualité de la production assez décevante du disque.
Ce premier album studio de Blues Rock de Robin Trower en dix ans est un retour à une partie de son ancienne gloire et mieux que tout ce qu'il avait fait dans les années 80.
Ici il varie ses tonalités pour créer un effet beaucoup plus entêtant que ce qu'il avait fait depuis les années 70. Ce CD possède beaucoup d'influences. Utilisation d'accords inhabituels, rythmes funky, de beaux solos psychédéliques, et surtout - des paroles très matures et spirituelles; très spirituelles et édifiantes comme si Trower avait beaucoup réfléchi sur la religion.
Robin joue toujours avec beaucoup de cœur et d'âme. Son travail de guitare est du pur Trower et ses solos sont quasi inégalés et il nous emmène en voyage pour un grand tour avec "Go My Way".
Moins bluesy que ses dernières parutions, mais pas aussi Pop que son travail des années 80, il s'agit d'un album de chansons solides avec un travail de guitare stellaire. Le seul léger bémol est la qualité de la production assez décevante du disque et le jeu rythmique est plutôt indescriptible (où est le "Trower Groove"?).
Les chansons scintillent cependant encore du plus vif éclat: Cinq ou six morceaux, dont "Go My Way", "Too Much Joy", et "In My Dream", sont énormes, le reste de l'album est intéressant. Bluesy, jazzy, et même psychédélique. Dans l'ensemble, c'est un bon CD.
Encore mieux, des chansons comme "Into Dusk", "Run With the Wolves", et surtout, la chanson-titre en ouverture, avec leur groove "Little Wing" - "Third Stone From the Sun", auraient pu facilement se trouver sur "Bridge of Sighs".
Les airs plus lents comme "Into Dust", "On Your Own" et "In My Dream" sont de véritables ballades pur Trower.
Dès le premier titre, magnifique, de plus de 9 minutes "Go my Way" on retrouve cette inspiration dans cette longue composition où il développe un solo plein d'effets et presque planant sur une rythmique en mi-tempo. 11 titres, tous composés par Robin Trower, nous emmènent dans un blues profond aux sonorités orgasmiques.
L'album s'ouvre avec la chanson titre de neuf minutes, "Go My Way" où Robin utilise sa fameuse pédale wah-wah qui était sa marque de commerce pendant les années 70. C'est une grande chanson Blues Rock dans la veine classique de la musique à ses années 70 et Trower rocke même plus Hard qu'il ne l'a jamais fait avec son matériel des années 90. Un crochet tranquillement lancinant la préserve de paraître de longue haleine. Robin et le batteur déchirent littéralement - la jam entre eux pouvant certainement se poursuivre pendant longtemps. Trower s'étend vraiment dans cette chanson et c'est super pour faire le trajet avec lui. Il aurait dû faire ça il y a longtemps.
Vient ensuite "Breathless" qui est dans une veine différente. Elle ramène l'esprit de Jimi dans le mixage, mais elle aurait, peut-être, besoin de quelqu'un d'autre pour le chant pour la rendre meilleure.
"Into Dust" qui suit et est une chanson lente. Trower joue de la guitare sans fuzz. La voix de Richard Watts est plus qu'acceptable dans cette chanson. Il s'agit d'un effort très mélodique avec ses échos de "Little Wing" d'Hendrix et "Castles Made Of Sand".
Robin emprunte un style un peu plus Hard et rapide sur des chansons telles que "Run With the Wolves". Celle-ci trouve Trower de retour en territoire Blues Rock. Le duo vocal est, cette fois, un effort plus que crédible et "Run With the Wolves" sonne comme une sorte d'outtake de l'album "Caravan To Midnight"croisé avec "Third Stone From the Sun" d'Hendrix.
Le vif mid tempo Rock de trois minutes, "Too Much Joy" s'enveloppe également d'un rythme un peu plus lent avec juste une légère touche de Pop dans le Blues Rock, ce qui n'est pas une mauvaise chose. Les solos circulent librement dans cette chanson qui ressemble à un croisement d'un bon morceau de Dire Straits avec la voix et "All along the Watchtower" version Hendrix surtout à la guitare.
"Blue Soul" suit et nous ramène un peu aux albums de Bruce / Trower. Richard Watts grogne ses vocaux plus qu'il ne chante, ce qui lui donne ce feeling si courageux. Trower reprend sa wah-wah et il se dégage quelque chose de vraiment spécial au sujet de son jeu quand il utilise cet outil. C'est comme la différence dans ses solos (selon ses propres mots) quand il est passé d'une guitare Gibson à une Fender Stratocaster. "Blue Soul" est un R & B rappelant presque qu'il n'y a pas tant d'artistes que ça qui utilisent la pédale wah -wah de façon traditionnelle. Après une minute et 45 secondes dans ce titre, Robin Trower effectue un riff de wah-wah chargé de réverb hurlant qui fait froid dans le dos à chaque nouvelle écoute...
Vient ensuite "This Old World" qui est carrément un clin d'oeil au Dylan de la période Blonde On Blonde", ramène encore imparablement les comparaisons à la musique d'Hendrix style "Gypsy Eyes", mais il ne dépasse pas les clichés Blues Rock.
"On Your Own" est une chanson lente avec une sensation de rêve qui n'est rien comparée aux autres chansons de ce disque, mais ce n'est pourtant pas un morceau faible. C'est presque un duo entre la guitare et la voix de Richard Watts, et la section rythmique est non seulement très bien dans le fond. Il rappelle la chanson "Daydream" de 1973...
Et "Take This River" est comme un train fou qui va tout à coup passer pendant l'entracte... Elle renvoie au côté le plus traditionnel de son jeu mais plus Hard dans son Rock. La voix est très 'Knopfleresque'... Il semble que Trower a décidé de réutiliser les multi-couches habituelles de son travail à la guitare comme il le faisait dans les années 70. Trower excelle sur les ballades et les rocks psychédéliques un peu funky comme "Take This River" où la guitare s'épanouit entre les mots doux rêveurs et des contructions musicales uniques.
"Long Hard Game" qui est certainement la meilleure chanson, est plus bluesy que la plupart des chansons de cet album, et il est toujours bon d'entendre Robin plonger à fond dans le Blues. "Long Hard Game" a une mélodie bluesy funky jouée comme si l'esprit de Stevie Ray Vaughn les avait rejoint.
La dernière chanson de l'album, "In My Dream", est un blues-rock lent où les parties de guitare sont extrêmement émouvantes révélant de l'intérêt que Trower porte à B. B. King.
Cet enregistrement est donc très solide du début à la fin. Cela semble être le point culminant de tous les styles qu'il a joué au cours de toutes ces années.
Malheureusement "Go My Way" n'est pas le reflet exacte du niveau élevé du jeu que Trower atteint encore chaque fois qu'il monte sur scène car Trower n'est surtout pas un guitariste de Blues moyen, mais c'est un grand guitariste de R & B et probablement le meilleur guitariste psychédélique depuis Jimi.
Cet album est excellent et le dévouement de Robin à la musique et à ses fans est au-dessus et au-delà de tout autre et Trower prouve encore une fois qu'il est l'un des plus grands guitaristes de Rock Blues de tous les temps!
En conclusion, "Go My Way" est un retour bienvenu de la part de Trower.
Un robuste et louable Rock album.... physique, génial, 'old-school'. Hautement recommandé.
"Rock 'n' Roll Warriors" est le premier album de Savoy Brown en quatre ans et Kim Simmonds réinvente le groupe comme un groupe de Metal Rock...?!!...
Ou, tout au moins de Hard Rock!
En cette année 1981, fini le Blues et le Boogie que Savoy Brown maitrisait a la perfection depuis quinze ans, et place à cette musique qui sonne un peu comme un croisement entre Def Leppard et Whitesnake.
Mais ici, la plus grande surprise est le fait que cela marche! Ralph Mormon (ancien membre du Joe Perry project) fournit suffisamment de voix Rock sur un disque comportant aussi un super bassiste en la personne de John Humphrey.
Chaque chanson est un véritable rugissement sauvage, sauf la ballade Rod Stewartesque "Lay Back in the Arms of Someone", qui offre une pause nécessaire et bienvenue au milieu du disque.
"Cold Hearted Woman" est certainement le meilleur morceau de l'album, avec Kim coupant et découpant le son avec sa guitare sur un beat absolument fabuleux..
Quel contraste! En 1981, "Rock 'N Roll Warriors" est un véritable album d'énergie pure.
A jouer le plus fort possible car le son semble un peu faiblard!
Lionhart est un groupe de Rock Américain composé de Craig Bransfield: guitares, claviers, chant, de Jon Wesley: basse, chant, de Bill House: guitares, chant et de Lee Hamilton: batterie, percussions.
Fondé par l'ancien leader de Saturnalia, Craig Bransfield, ce groupe originaire de Houston, au Texas, a sorti son unique album, éponyme, en 1977 et effectué des tournées régionales régulières.
Mais, malgré les offres qui ne manquaient pourtant pas, Craig n'a jamais pu se résoudre à signer un contrat d'enregistrement avec une grande maison de disques, ce qui explique pourquoi cette musique n'est pas aussi connue qu'elle devrait l'être.
"Lionhart" est un album de Rock mélodique avec des morceaux bien composés avec beaucoup de parties Hard et un peu de son Southern Rock.
Les trois chanteurs créent de belles harmonies vocale. L'un des chanteurs a, par ailleurs, une tonalité de voix qui rappelle un peu Robert Plant.
Le duo de guitaristes est tout à fait cohérent. Certains passages de lead guitare sont joués un peu comme Funkadelic, ce qui ajoute au sentiment particulièrement positif à l'ensemble.
C'est un album de Hard Rock à la manière de Stud qui était d'ailleurs également originaire de cette partie du Texas.
On peut même définitivement dire que c'est du Texas Psyché avec un côté Hard Rock.
Modifié en dernier par alcat01 le dim. 20 nov. 2022 10:55, modifié 1 fois.
"Apostrophe ( ')" est un album sorti le 22 Mars 1974 à la fois en stéréo et en format quadriphonique, avec la participation d'anciens Mothers dans les chœurs et de Jack Bruce sur un titre. Continuant la percée commerciale de "Over-Nite Sensation" sorti l'année précédente, cet opus est un mélange similaire de chansons courtes mettant en valeur l'humour et les arrangements musicaux de Zappa.
Les thèmes lyriques de l'enregistrement sont souvent bizarres ou obscurs, à l'exception de "Uncle Remus", qui est une extension des sentiments de Zappa sur la discorde raciale présentée sur une ancienne chanson, "Trouble Every Day".
Comme ce fut le cas avec de nombreux albums de Zappa, "Apostrophe ( ')" est un mélange d'enregistrements d'archives et récents; la première face d'"Apostrophe ( ')" et "Over-Nite Sensation" ont été enregistrés simultanément. Les pistes de la face deux proviennent de diverses sessions de 1972 avec overdubs enregistrées en 1973 et 1974, sauf "Stinkfoot" où les dates des pistes de base viennent de 1970.
La première moitié de l'album suit vaguement un thème récurrent: "Don't Eat the Yellow Snow" et "Nanook Rubs It" parle d'un rêve que le chanteur avait où il se voyait comme un esquimau nommé Nanook.
Il se poursuit dans "St. Alfonzo's Pancake Breakfast", pour laquelle Zappa a dit avoir été inspiré par une publicité télévisée pour la margarine Imperial.
En introduction du disque, le morceau "Apostrophe ( ')" est un instrumental mettant principalement en vedette le bassiste Jack Bruce et le réputé batteur de session Jim Gordon, qui était en tournée avec le groupe de Zappa au moment de la session en Novembre 1972.
Bruce est crédité sur la pochette de l'album avec la basse et co écrivain de la chanson titre; cependant, dans une interview pour le magazine polonais de rock Tylko rock, en plaisantant, il a insisté pour dire au journaliste Wiesław Weiss qu'il n'avait pas joué toutes les parties de basse sur "Apostrophe ( ')", mais uniquement les parties de violoncelle. Jack avait appris le violoncelle comme un enfant et il avait joué de l'instrument sur certains de ses autres enregistrements. Cependant, le seul violoncelle sur l'album se trouve dans l'ouverture de "Apostrophe (')". Son jeu de basse sur "Apostrophe ( ')" rappelle son travail avec Cream.
A noter qu'une version révisée de la piste "Don't Eat the Yellow Snow", a été le premier de trois Hits de Zappa dans le Top 100 du Billboard, culminant en fin de compte au numéro 86.
"Apostrophe ( ')" qui est largement considéré comme l'une des œuvres définitives de Zappa, reste l'album ayant eu le plus grand succès commercial de Zappa aux États-Unis. Il a été certifié Or par la RIAA le 7 Avril 1976 et il a culminé au numéro 10 dans le Billboard 200 Chart en 1974.
En Juillet 2016, le 'Zappa Family Trust' a publié un CD de mixes alternatifs, de différentes prises et de versions live du matériel de "Apostrophe ( ')" intitulé "The Crux of the Biscuit". Il comprend les premières versions de "Down in De Dew" que Zappa envisageait pour "Apostrophe ( ')", mais qui plus tard se retrouva sur "Läther".
Overnite et Apostrophe sont des jalons essentiels de l’oeuvre de Zappa. Que quelques critiques ne l’aient point vu à l’époque montre assez bien que certains manquaient d’oreilles. Heureusement nous étions assez nombreux pour les acheter et les écouter en boucle. Apostrophe fut d’ailleurs mon premier Zappa acheté. Ensuite j’ai fait le chemin à l’envers, allant de surprises en enthousiasmes indéfectibles.
Overnite et Apostrophe sont des jalons essentiels de l’oeuvre de Zappa. Que quelques critiques ne l’aient point vu à l’époque montre assez bien que certains manquaient d’oreilles. Heureusement nous étions assez nombreux pour les acheter et les écouter en boucle. Apostrophe fut d’ailleurs mon premier Zappa acheté. Ensuite j’ai fait le chemin à l’envers, allant de surprises en enthousiasmes indéfectibles.
L'album, "Living Out of Time", paru en 2003, puis en 2005 (version remixée), propose le retour d'anciens membres vétérans du groupe, le bassiste Dave Bronze, le chanteur Davey Pattison et le batteur Pete Thompson.
A la lecture de ce line up, il y a de quoi s'inquièter car cette composition du groupe est la même que celle des albums "Passion" et "Take What You Need", deux albums bien moyens...
Mais après plus d'une quinzaine d'années passées, les musiciens semblent avoir muri, et après l'écoute de ce "Living Out Of Time", on ne peut que changer radicalement d'avis à leur sujet.
Tout d'abord, Davey Pattison, qui assure seul les vocaux, possède, comme le regretté James Dewar, ce drôle de trémolo dans le larynx, une voix profonde, un peu grave, non démonstrative qui s'allie décidément à merveille au jeu de guitare.
A l'écoute de tous les derniers enregistrements, sa voix semble être la plus adéquate pour la musique de Trower, probablement en raison de cette similitude assez frappante avec celle de Dewar. Il y a enfin une qualité expressive de la voix de Pattison qui faisait défaut auparavant. Cela permet à Trower de se consacrer pleinement à sa guitare pour dérouler d'excellents solos bien coulants; le long dernier titre "I Want To Take You With Me" en est l'illustration parfaite.
Ensuite, Dave Bronze joue de la basse comme jamais et Pete Thompson semble avoir fait d'énormes progrès depuis les années 80 et la section rythmique fonctionne bien.
Enfin, le jeu de Trower est toujours fidèle à lui-même, tout en retenue, mais puissant et la voix de Davey Pattison pourrait presque faire oublier le grand et regretté James Dewar.
Le jeu est de haut vol, les vocaux excellents. La qualité sonore est également très bonne et le travail à la guitare est plus doux. Ce n'est réellement que sur "I Want To Take You With Me" que les choses se réchauffent un peu.
Bref, le groupe est bon...
Il s'agit de la même version qui est sorti en 2003 aux Etats-Unis, sauf qu'elle est remixée par le bassiste Dave Bronze, et qu'elle a une couverture et des photos tout à fait différentes, et qui est sortie en 2005 sur le marché européen.
Robin Trower a gardé un profil bas pendant des années, mais ce CD devrait l'aider grandement. Il posséde depuis toujours cette grande qualité guitaristique de choisir les quatres ou cinq notes qui suffisent à nous faire voyager, rêver... de ne jouer que les belles notes. C'est toujours du Trower pur jus.
Tout au long de sa carrière il a toujours prouvé qu'il était un compositeur exceptionnel, et la richesse de grandes chansons sur ce disque n'est pas une surprise ... mais, ce groupe est inspiré, il met le feu aux poudres... de grandes chansons, de l'inspiration, et de la chimie musicale pour faire un grand disque ... d'ailleurs, la production crépite, avec une ambiance très live.
Cet album est exactement ce que l'on attend de Robin. C'est du Trower à son meilleur sans aucun doute à ce sujet, les chansons sont agréables et la guitare est toujours aussi grande. Un seul inconvénient, c'est qu'il n'y a pas de morceaux de rock vraiment Hard, il y a quelques rocks, mais rien qui corresponde au style de rock comme "Day Of The Eagle" ou "Too Rolling Stoned".
Il n'y a pas de Rock comportant les pièces pyrotechniques habituelles de Trower, mais les fans savent ce qu'il est capable de le faire. Tout n'est pas aussi flashy qu'autrefois, mais Robin choisit toujours soigneusement et savamment ses notes.
"Living Out of Time" offre quelques plans très savoureux combinés avec une bonne sensibilité lyrique. Le ton classique de Trower est toujours bien vivant.
Cependant, ce disque est une bouffée d'air frais avec l'utilisation accrue des guitares acoustiques dans la section rythmique ajoute une nouvelle dimension à la composition. Ce n'est pas seulement un excellent album, mais c'est un des meilleurs!
Toutes les chansons ont été écrites par Trower seul, sauf "Step into the Sun", "Living Out of Time" et "The Past Untied" qu'il a co-écrit avec Richard Watts et Il n'y en a pas une seule de mauvaise sur l'album.
Dès les premières notes, les vieux fans Trower découvrent que quelque chose de grand est en route: Les premières chansons sont bluffantes. Quelques-uns des morceaux sont très convaincants ("Another Time, Another Place"; "The Past Untied"; "I Want To Take You With Me"), il y a du classique "pop-Trower" ("Sweet Angel"), et power rock 'rentre dedans' ("Please Tell Me", "Living Out of Time"). Le long solo de guitare du dernier morceau ("I Want To Take You With Me") fait est assez exquis.
L'album s'ouvre sur un super Rock bien rythmé, "What's Your Name", qui est la chanson la plus courte avec quelques bons vocaux mais Trower ne s'étend pas beaucoup dessus.
Robin brandit sa guitare avec probablement son meilleur travail de l'album avec "Step into the Sun" qui est une chanson Rock mid tempo où il donne encore un avant-goût de ce qu'il peut faire sur une guitare. Son jeu de guitare bluffant à la fin de la chanson est vraiment remarquable. Ce n'est pas pour rien qu'il a été comparé à Hendrix pendant des années.
"Another Time, Another Place" ralentit considérablement le tempo, et Pattison fait un effort exemplaire sur la voix principale. Cette chanson a quelques plans de Trower qui rappellent "The Wind Cries Mary" d'Hendrix. Trower excelle dans ces chansons au rythme plus lent. C'est certainement la meilleure chanson lente de l'album.
Une autre excellente chanson up tempo est particulièrement à surveiller: "Sweet Angel" est vraiment un remake de "Lady Love" avec des paroles différentes, un style de jeu plus coulant et dont le laid-back est très réminiscent de Hendrix et l'intro rappelle même "Crosstown Traffic". Le plus surprenant est que Trower n'utilise pas de pédales wah wah pour ces chansons. Il fait quelques overdubs de guitare bien étalés comme il a l'habitude de le faire et son jeu est tout à fait exceptionnel. Belle voix...
La wah wah fait son apparition sur "Please Tell Me", une autre bonne chanson, sur laquelle son jeu est serré et concis, qui a quelque chose de "Hey Joe". Les vocaux sont peut-être un peu ennuyeux, mais les riffs de Robin les font oublier et son jeu sauve la chanson si cela était nécessaire... Le chœur est également très subtile.
"One Less Victory" est un autre morceau lent, qui met un peu la piste de batterie en avant. C'est une chanson bluesy où les intonations de la voix Soul de James Dewar font défaut. Pattison n'est pas encore tout à fait au niveau de Dewar mais il a appris quelque chose, quelque part. Il y a un peu de la pédale wah-wah dans cette chanson et Trower s'en sert pour combler les espaces entre les paroles. "One Less Victory" possède un des solos les plus mélodiques et de bon goût de la part de Robin.
"Ain't Gonna Wait" a des progressions d'accords inhabituels et rappelle l'une des collaborations de Trower avec Jack Bruce.
"Living Out of Time" suit alors que Trower ouvre avec quelques riffs avec un tempo plus rapide. C'est un Rock avec un excellent jeu de guitare d'accompagnement et quelques plans chauds par Robin! Quelques plans façon 'Voodoo Chile'
A partir de là, Robin nous emmène dans un voyage de guitare incroyable qui ravira tout ses fans.
'The Past Untied" ralentit encore le rythme et la voix de Pattison y est excellente. Le commencement à la guitare est génial. Il s'avére que le glissé n'est pas réutilisé dans la chanson ou même la structure vocale. Ce morceau est littéralement sauvée par le jeu de guitare de Robin.
L'énorme "You Still Came Back", up tempo où le batteur Pete Thompson donne une de ses meilleures performances de l'album, est une autre superbe chanson où l'effort vocal et le jeu de guitare sont grands.
Le long dernier titre, "I Want To Take You With Me", illustre parfaitement le style imperturbable du musicien. Ce slow 'Trowero-Hendrixien' d'une longueur épique, plus de dix minutes avec un long solo de guitare intéressant, est la meilleure chanson de l'album. C'est encore une chanson lente, mais c'est là où Trower a toujours brillé et c'est là où il montre l'étendue de son talent.
Dans l'ensemble, "Living Out of Time" est un excellent album à ajouter absolument à toute collection digne de ce nom. C'est un must pour tous les fans, mais, étrangement, il n'est pas entré dans les Charts...
Avec cet opus qui donne la sensation d'une performance live fraiche et bien rodée, Trower démontre encore qu'il est l'un des plus grands guitaristes du Rock. "Living Out of Time" est son meilleur album depuis bien les années.
Overnite et Apostrophe sont des jalons essentiels de l’oeuvre de Zappa. Que quelques critiques ne l’aient point vu à l’époque montre assez bien que certains manquaient d’oreilles. Heureusement nous étions assez nombreux pour les acheter et les écouter en boucle. Apostrophe fut d’ailleurs mon premier Zappa acheté. Ensuite j’ai fait le chemin à l’envers, allant de surprises en enthousiasmes indéfectibles.
Je plussoie!
Je suis d'accord aussi et ai eu le même parcours dans la découverte de Zappa qu'Harvest.
Un album live de l'ère Hard-Rock de Savoy Brown. Les albums studio de cette époque ne sont pas les meilleurs de SB, mais ce concert est excellent avec des chansons plus anciennes. Principalement de l'ère Dave Walker, et quelques-unes des années Chris Youlden. Et voici une autre bonne voix : Ralph Morman, qui chante très bien les vieilles chansons. En plus de Kim Simmonds, il y a un autre bon guitariste : Barry Paul joue aussi quelques solos. Le bassiste John Humphrey commence le "Hellbound Train" avec un bon solo fuzzé. Le batteur est Keith Boyce.
Les points forts de l'album sont les "chansons de Dave Walker" : "Street Corner Talking", "Hellbound Train", "I Can't Get Next to You" et "Wang Dang Doodle". Toutes sont plus heavy que les versions originales, comme le boogie de "Needle and Spoon".
En 2003, il est sorti comme premier disque du CD "Raw Live'n'Blue".
"The Deviants" est le troisième et dernier album du groupe underground Britannique the Deviants, enregistré et sorti en 1969. Le chanteur Mick Farren considère cet album comme le début d'une divergence entre lui et ses collègues musiciens, déclarant "J'avais une idée et les autres voulaient être une sorte de groupe de guitares comme Led Zeppelin".
Sorti à l'origine en 1969, c'est le troisième album des Deviant et il est tout aussi bon que leur premier album 'Ptooff'. "Billy The Monster" a tendance à montrer le côté (un peu) farfelu du chanteur Mick Farren, car j'ai aussi trouvé que "First Line" et "People Suite" avaient bien leur place. Je suis sûr d'avoir déjà entendu l'instrumental "Broken Biscuits" quelque part. Un très bon travail de guitare tout au long de la réédition du CD. C'est peut-être parce que dans '#3', trois membres des Pink Fairies accompagnaient Farren, car je ne le savais pas avant de recevoir ce titre il y a quelque temps. Le guitariste Paul Rudolph, le bassiste Duncan Sanderson et le batteur Russell Hunter sont bien présents. Je me suis demandé pourquoi "Rumbling Transit Blues" m'avait fait penser - à ce point - aux Fairies. "Death Of A Dream Machine" m'a pris par surprise. Personnel : Mick Farren - producteur et chanteur, Paul Rudolph - guitare et voix, Duncan Sanderson - basse et voix, Tony Ferguson - orgue et Russell Hunter - percussions et voix. Une tranche fantastique de psychédélisme underground classique de la fin des années 60, avec une touche de blues punk. La réédition du CD est présentée dans un dépliant à quatre volets avec la pochette originale du LP. Belle reproduction. Durée - 34:25. Hautement recommandé.
Je ne peux qu'approuver, étant grand fan des Deviants et des Pink Fairies. Pour moi, Disposable est le plus réussi car le plus déjanté, marque de fabrique de Farren et ses comparses. Mais les 3 albums valent l'écoute pour qui est sensible à ce genre de délires ! A écouter aussi : Mona – The Carnivorous Circus de Farren, et Think Pink, de Twink !!
Je ne peux qu'approuver, étant grand fan des Deviants et des Pink Fairies. Pour moi, Disposable est le plus réussi car le plus déjanté, marque de fabrique de Farren et ses comparses. Mais les 3 albums valent l'écoute pour qui est sensible à ce genre de délires ! A écouter aussi : Mona – The Carnivorous Circus de Farren, et Think Pink, de Twink !!
Tous les disques que tu cites sont indispensables!
Contrairement à beaucoup de leurs contemporains qui ont décidé de surfer sur la vague actuelle de leur nouvelle popularité et de forger de nouveaux line-up pour prendre la route, il semblerait que Poobah ne soit jamais vraiment parti et ait toujours branché son proto métal psychédélique blues depuis près de 40 ans maintenant à sortir des albums et à déchirer les scènes. C'est pourtant pour cet album qu'ils semblent être les plus connus avec des copies vinyles s'échangeant jusqu'à 300 dollars sur eBay.
Comme avec Leafhound et Sir Lord Baltimore, avec qui Poobah partage de nombreux traits communs du heavy rock du début des années 70, à la première écoute, j'ai été immédiatement frappé par l'ambiance "comment diable ces gars-là m'ont-ils manqué?". Me considérant comme un aficionado du métal des années 70, j'ai honte de dire que Poobah est complètement tombé en deçà de mon radar. Cet album est presque incroyable, alors je ne saurai jamais comment ces gars ne vivent pas dans des manoirs maintenant et vivent bien des redevances d'une carrière en or.
Le coup d'envoi avec "Mr Destroyer", pour 1972, cela aurait été l'équivalent musical d'être frappé avec un tazer. La guitare épaisse et mordante de Jim Gustafson est prête à étourdir alors que le groupe explose à travers une mélodie qui relie en quelque sorte le proto punk de The Stooges, les tons psychédéliques de Hawkwind et le minimalisme drogué de The Pink Fairies. Gustafson s'avère être l'un des héros méconnus de la guitare acid blues tandis que le batteur Glenn Wiseman ajoute quelques remplissages héroïques. Ensuite, le groupe fait une comédie musicale à 360 sur "Enjoy What You Have" qui est un morceau dépouillé, léger et aéré qui tourne autour d'une ligne de guitare douce et répétée et d'une voix aérienne et haletante… un vrai délice pour les fumeurs!!!
Poobah dépoussière le blues sur "Live To Work", quoique sous une épaisse couche de sirop à la fuzz guitare et Ritalin évitant la batterie. Les thèmes de l'insatisfaction à l'idée de travailler pour "l'homme" sonnent aussi vrais 38 ans plus tard qu'ils l'étaient lorsque cela a été enregistré (oui, enregistrement !!!). Bref et direct, il ouvre la voie à l'un des morceaux les plus mémorables de l'album "Bowleen". Montrant qu'il y a bien plus à Poobah que des amplis à manivelle et des voix déchirantes, ce morceau doit peut-être plus à Pink Floyd de l'ère Syd Barratt qu'à Deep Purple ou Sabbath, car il explore des thèmes orientaux dans les lignes de guitare et un rythme régulier et hypnotique. Gustafson continue de proposer des formes radicales, mais le tempère à côté de quelques claviers clairsemés. Structurellement, c'est assez linéaire, mais cela semble fonctionner.
"Rock N' Roll", comme le titre l'indique, est une explosion de 12 mesures à travers un rock and roll délicieusement crasseux qui ferait chier Little Richard avec ses tenues de scène extravagantes !!! Une fois de plus, Wiseman excelle avec son Keith Moon rencontre Ginger Baker sur un travail de peau de ruée vers le sucre tandis que la guitare de Gustafson sonne comme si elle poussait le Marshall au point de pleurer. L'album s'achève avec un peu plus de boogie bump and grind avec la chanson titre. Gustafson revient sur le devant de la scène avec un peu plus de travail de hache saignant des doigts tandis que Phil Jones travaille le bas avec du sexe pur dégoulinant de ses doigts. De toute évidence, les années 70 ne seraient pas ce qu'elles étaient sans un solo de batterie et dans la foulée de "Moby Dick" de Bonham, Wiseman intervient avec sa propre dégringolade autour du kit. Excessif? Peut-être. Déchirer, foutre une branlée? Bien sûr que c'est le cas !!!
Attention: Ce groupe Headstone est Anglais alors que le groupe de même nom qui a sorti "Still Looking" est Américain.
Headstone, composé de Phil Chen (basse), de Chili Charles (batterie), de Steve Bolton (lead guitare) et de Mark Ashton (chant, guitare) est un groupe Britannique de Rock Progressif et de Pop Rock, qui a été formé par Mark Ashton, qui fut membre du groupe Rare Bird et qui a enregistré le Hit mondial "Sympathy".
Headstone a d'abord sorti deux excellents albums en 1974 et 1975 qui méritent d'être découverts. L'album "Bad Habits", paru en1974, illustre parfaitement la scène Pop Rock / Soft Rock Britannique du milieu des années 70.
"Roxy & Elsewhere" paru en Juillet 1974 est un album live de Frank Zappa & The Mothers of Invention. La plupart des titres a été enregistrée au Roxy Theatre à Hollywood les 8, 9 et 10 décembre 1973.
Le matériel tiré des concerts du Roxy a ensuite été modifié avec quelques overdubs en studio, tandis que les pistes du "Elsewhere" ("Son of Orange County" & "More Trouble Every Day") ont été enregistrées le 8 mai 1974, au Edinboro State College, à Edinboro, en Pennsylvanie (et certaines parties de "Son of Orange County" le 11 mai 1974, à the Auditorium Theatre à Chicago, dand l'Illinois (dernier show) et ne contiennent pas de matériel 'overdubbé'.
Cet album est considéré comme un enregistrement de haute qualité de l'une des plus célèbres incarnations des Mothers. Il dispose d'une gamme complète de pièces instrumentales très difficiles telles que "Echidna's Arf (Of You)", "Don't You Ever Wash That Thing?", et le thème d'ouverture de "Be-Bop Tango (of the Old Jazzmen's Church)". Il comprend également "Cheepnis", un hommage comico-épique de Zappa aux films de monstres et d'épouvante à faible budget, et les versions retravaillées de chansons antérieures de son répertoire telles que "More Trouble Every Day" (reprise funky du blues à contenu social "Trouble Every Day", enregistré sur son tout premier album) et "Son of Orange County" (extrait des chansons "Oh No", pilier du répertoire de la première incarnation des Mothers, entre 1967 et 1969 et "The Orange County Lumber Truck" et avec un long solo de guitare). "Village of the Sun" est une chanson à propos de Sun Village, en Californie, une zone non constituée en société près de Palmdale, et cela fait également référence à Lancaster, toujours en Californie, la ville jumelle de la ville natale de Palmdale et Zappa.
Le disque comprend donc principalement des enregistrements tirés de trois spectacles au Roxy Theater à Hollywood, et aussi des pistes jamais publiées avant ou après sur aucun album de Zappa, avec ou sans Mothers. Le matériel des performances au Roxy a été partiellement overdubbé. Les autres pistes sont tirées du show du 8 Mai 1974 au Edinboro State College et le deuxième spectacle le 11 Mai (fête de mères) 1974 au Chicago Auditorium Theatre.
Le morceau d'ouverture, "Penguin in Bondage" est un mélange des performances au Roxy et le concert de Chicago.
Le solo de guitare sur "Son of Orange County" est l'un des rares solos de guitare Zappa édités ensemble tirés de plus d'un concert, dans ce cas, les dates d'Edinboro et de Chicago.
A noter que certains des morceaux inutilisés des spectacles du Roxy circulent en bootlegs, ainsi que la totalité du show de Edinboro. D'autres pistes ont été éditées sur les volumes One, Three et Four des séries "You Can't Do That on Stage Anymore".
En marge, on peut entendre Zappa sur les bandes du Roxy publiées et inédites, parlant de la réalisation d'un 'film' qui pourrait potentiellement être "diffusé à la télévision", et rappelant au public de ne pas être "...mal à l'aise autour des grandes caméras 16 mm intimidantes...".
Une version quadriphonique à quatre canaux de l'album avait été préparée et annoncée, mais jamais publiée. Les trois concerts donnés au Roxy Theatre avaient aussi été filmés dans le but d'en proposer une sortie sur support vidéo. Le projet n'ayant pu aboutir du vivant de Frank Zappa, pour des raisons de budget, il était devenu un serpent de mer auprès des fans de l'artiste, sa production étant sans cesse repoussée.
Avec les mêmes acolytes que sur "Living Out of Time", Robin Trower donne un concert le 9 Mars 2005 pour fêter son soixantième anniversaire au Crossroads Festival à Bonn, en Allemagne. Le concert a été enregistré par la chaîne de télévision Allemande WDR pour son émission 'Rockpalast' et sorti en DVD le 5 décembre 2005.
Il a ensuite été publié en CD dans toute l'Europe et plus tard aux Etats-Unis sous le titre "Living Out Of Time: Live".
Il est merveilleux de voir Robin au sommet de sa forme. Le son est excellent et sa tonalité est parfaite. La qualité sonore est même incroyable et l'accent est surtout mis sur le jeu de Trower la plupart du temps.
La section rythmique est serrée et compacte, et elle permet à Robin de s'exprimer et de se libérer totalement et Pattison fait un excellent travail sur la voix et elle ressemble de plus en plus à celle de James Dewar, ce qui n'est pas un mince compliment.
Ce CD rocke, et Robin en live, c'est quelque chose. Il prouve que, à 60 ans, il a encore plus d'énergie que de nombreux rockers ayant la moitié de son âge. Et il a tout à fait raison quand il se détend un peu et joue du blues plus américanisés et du R & B.
Il joue quelques classiques, et sa présence musicalement est sublime!
Il y a un beau mélange de chansons, "Daydream" de son premier album, puis un peu de version la plus populaire de Robin, "Bridge of Sighs".
Les années 80 sont ignorés, mais la plupart des fans Trower ne les considèrent pas comme son meilleur matériel.
Des morceaux des années 1990 sont présents, de "20th Century Blues", de "Someday Blues", ainsi que des années 2000 avec "Go My Way" et "Living Out of Time". Une nouvelle chanson, "Close every door" est jouée aussi, et c'est plaisant!
Il faut écouter "Sweet Angel" qui a une ligne vocale très Jack Bruce, une version de "Breathless" (de "Go My Way") très hargneuse et l'une des meilleures prises de "Bridge of Sighs" jamais enregistrée.
Les longs solos de guitare savoureux sur "Daydream" et "Bridge of Sighs", plus d'autres belles interprétations des classiques tels que "Day of The Eagle", "Too Rolling Stoned", et "Little Bit of Sympathy" rendent ce CD excellent.
Un disque pour fan de Blues électrique!
C'est encore un 'must' pour tout fan digne de ce nom; La qualité sonore et musicale est au top, avec un beau jeu de basse, et des vocaux limpides.
N.B.: Je recommande à tout fan d'acheter le DVD pour complèter l'ensemble car la prestation scénique y est parfaite...
"Live in Central Park", sorti en 1985, montre que Savoy Brown est d'abord et surtout un groupe scènique!
Je crois que c'était en 1970 lorsque Savoy Brown était la tête d'affiche d'une tournée à trois projets comprenant Fl;eetwood Mac et Long John Baldry. Long John Baldry a ouvert le spectacle avec le désormais classique blues / rock de style anglais, Fleetwood Mac a endormi le public et Savoy Brown a époustouflé et démontré que le rock peut être amusant.
Ils étaient là pour une fête et tout le monde était le bienvenu. J'ai comblé ma jeunesse en fréquentant les groupes de rock classique des années 60 et 70 et je ne me souviens pas d'un groupe qui semblait s'amuser davantage sur scène. Alors que je mets à jour ma rétrospective musicale, il est difficile de trouver des albums qui capturent non seulement la musique mais aussi l'expérience. Cet album fait les deux mieux que n'importe quel album live que je possède. Let it Rock et Hip Shake sont des rockers classiques étirés pour permettre les longs solos de guitare et de clavier de la fin des années 60 et ceux-ci tiennent le coup aujourd'hui. Tell Moma couvre leur succès commercial limité et The Saddest Feeling est devenu l'un de mes styles de blues préférés. La pochette du CD dit tout, élu meilleur concert cette année-là et fait référence à leur volonté de faire du rock une fête.
Cet album devrait plaire à ceux qui cherchent à savoir à quel point il pouvait être bon dans ces premières années de concerts de rock et à ceux qui ont des albums studio de Savoy Brown qui aimeraient avoir une idée de la personnalité scénique du groupe. Le rock vit dans ce CD.
