C'est un des buts recherchés!
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bushi
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La pochette n'est pas sans rappeler ...
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Il ne faut pas confondre profond attachement et haute fidelité - Franquin
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"Detroit"
John RushPourquoi cet album ne s'est-il pas vendu lors de sa sortie initiale ? On pourrait s'opposer à ce que le groupe porte le nom de la ville dont il est originaire, mais cela n'a pas empêché Chicago et Boston de devenir riches et célèbres. L'économie morose de l'année a été entravée par les fameux contrôles des salaires et des prix de Nixon, mais cela n'a pas empêché Led Zeppelin IV, Who's Next, Alice Cooper's Killer, Humble Pie's Rockin' the Fillmore, the Rolling Stones' Sticky Fingers and the Faces' A Nod Est aussi bon qu'un clin d'œil pour devenir or, platine et au-delà. Peut-être que la maison de disques est à blâmer - à quel point l'album a-t-il été largement distribué en dehors du sud-est du Michigan ? Mais j'ai trouvé ce CD il y a plus de 15 ans à El Paso, au Texas.
Donc je ne peux pas l'expliquer. La face 1 originale se distingue toujours parmi les meilleures faces de hard rock jamais sorties. Long Neck Goose rappelle l'époque des Detroit Wheels de Mitch Ryder, un piano accrocheur améliore Is It You (Or Is It Me), It Ain't Easy mélange avec succès des couplets acoustiques avec le refrain électrique et la reprise de Rock `N Roll de Lou Reed présente un riff qui écrase tout ce que Reed a jamais essayé. Alors que la face 2 est généralement oubliable (le premier morceau, la reprise de Let It Rock, est le seul bon morceau), l'album contenait moins de remplissage que la plupart de ses contemporains.
J'avais espéré que la jonglerie de line-up se terminerait avec la disparition des bandes 8 pistes, mais trop de rééditions de CD perpétuent cette mauvaise habitude. Ici, l'un des airs de remplissage, Box Of Old Roses, est placé entre Is It You (Or Is It Me) et It Ain't Easy. Cela ruine la continuité des 5 premières pistes, me faisant programmer le CD à chaque fois que je l'entends. Heureusement, la superbe version du groupe de Gimme Shelter, à l'origine juste un single, est ajoutée, donnant à ce CD un punch supplémentaire. Personne ne couvre mieux cette chanson, et l'interprétation de Detroit est sans doute supérieure à l'original ; les guitaristes ont simplifié les riffs et la gorge rocailleuse de Ryder donne le ton à cette chanson. Cependant, le moment n'était pas venu pour cette sortie de 1972 : le brouillon était finalement terminé, rendant les airs anti-guerre passés.
Si vous pouvez trouver ce CD, c'est un bel ajout à toute collection de hard rock.
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Golovanov Alexey"Fat" est un autre soldat méconnu du hard rock, qui a émergé du Massachusetts à la fin des années 60, et s'est révélé trop bon pour ne pas être repéré par l'un des grands labels - RCA. À mon humble avis, ils ont joué un mélange assez authentique de hard rock mêlé de psychédélisme, rappelant le côté plus doux de Steppenwolf, bien que la voix de Peter Newland soit aussi puissante (et mélodique) que celle de Johnny Kay, mais sans être menaçante.
Les membres du groupe étaient des musiciens p a r e x c e l l e n c e, e t méritent d'être mentionnés : Peter Newland (chant, harmonica, claviers et flûte), William "Benji" Benjamin à la batterie et aux percussions, Michael Benson et James Kaminski - lead guitares, Guy DeVito - basse. Tous les membres du groupe ont fait des choeurs.
Le premier album (1970) était un chef-d'œuvre autonome, mature et talentueux, une véritable tapisserie musicale - c'est pourquoi il n'a pas eu de succès commercial. Le groupe a eu la malchance d'être victime d'une saisie de drogue (alors qu'il travaillait sur le deuxième album), ce qui a mis fin à leur coopération avec RCA (le premier album autoproduit est resté sous-estimé par les dirigeants du label) et à leur carrière.
"Fat" a essayé de réapparaître en 1976 ("Footloose" - je l'ai vu en vinyle seulement), mais c'était une dérive ininspirante vers un AOR commercial (similaire à "Runner" de l'ex-Rare Bird), qui n'a pas réussi à attirer une attention significative.
Cependant, le premier album est une vraie perle.
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GEGERSNé en 1985, je n'ai pas (et à mon grand regret) vécu l'âge d'or du Hard Rock, cette époque dorée, depuis largement sacralisée par les nostalgiques de tous poils, qui a vu les groupes truster le hauts des charts et publier leurs albums communément admis comme étant leurs "classiques". J'ai découvert le genre dans la deuxième moitié des années 90 une époque où, moribond, il luttait pour survivre, tentant de s'adapter pour ne pas mourir, ou lançant ses dernières salves dans une flamboyance désuète. La porte d'entrée dans l'univers de plusieurs groupes devenus ensuite "de chevet" a donc souvent été un album mal-aimé. Le Pure Instinct de SCORPIONS, le Stiff Upper Lip d'AC/DC, le Virtual XI d'IRON MAIDEN... pas vraiment des classiques. Pour autant, j'entretiens toujours une tendresse particulière pour ces albums qui ne méritent le plus souvent pas leur statut de vilain petit canard. Il en va ainsi pour Human Zoo, album qui m'a permis de découvrir GOTTHARD. Non pas que cet album soit vilipendé par les fans ou renié par ses géniteurs, mais son écoute génère plus souvent un "mouais, bof" poli qu'un "wow, génial" enthousiaste.
Il faut dire que cet album marque le début d'une nouvelle ère pour le groupe suisse, alors fraîchement séparé d'avec son producteur et mentor Chris Von Rohr. Celui qui avait accompagné le groupe depuis ses débuts se voit alors remplacé par Marc Tanner, producteur américain ayant bossé avec NELSON ou THE CALLING. Il en résulte un album qui clôt l'évolution vers un hard rock mélodique très accessible entamée quatre ans plus tôt avec Open. Le problème est que, cette fois, bien trop de miel coule dans nos oreilles. Même les titres les plus énergiques ne parviennent guère à donner le change. Il règne sur cet album une certaine torpeur lancinante qui ne se voit bousculée que le temps d'un "Top of the World", excellent titre énergique, doté d'un refrain extrêmement bien construit, devenu un classique du groupe. Une claque, que l'on aurait aimé voir se reproduire à l'écoute du morceau-titre "Human Zoo", de l'enlevé "One in a Million" ou du bluesy "Long Way Down" (enfin un titre au riff mordant) qui rappelle les premières réalisations du groupe. Las, ce seront là les seuls véritables moments de hard rock que nous pourrons entendre sur cet album.
Pour le reste, GOTTHARD propose un rock gentillet qui, malgré les belles performances vocales de Steve Lee, est d'un niveau très faible si on le compare aux précédentes réalisations du groupe. On retient surtout "Janie's Not Alone", aux intonations folk, porté par des violons, violoncelles et autres accordéons, qui en font un titre résolument original et marquant. Quitte à adoucir encore un peu plus son propos, le groupe aurait dû poursuivre dans cette voie. Car les ballades, vraiment, ne sont qu'une vaine tentative de reproduire les succès passés. Qu'elles soient électriques ou acoustiques? "Have a Little Faith", avec son ambiance piano-bar enfumé, est d'une platitude consternante, tout comme "First Time in a Long Time", très prévisible. Bien que similaires, on retient surtout de cet exercice "Stil lI Belong To You" et "No Tomorrow", qui proposent des ambiances plus sombres.
Album-découverte, celui du déclic, Human Zoo garde pour moi ce charme curieux des albums que l'on apprécie alors qu'on ne leur reconnaît finalement que peu de qualités. Objectivement, il y a ici peu de raisons de s'extasier. GOTTHARD a poussé trop loin sa tentative de proposer un rock ultra-accessible, perdant en route une partie de son identité, et surtout sa capacité à alterner une caresse / une claque, ce qui faisait sa grandeur et sa marque de fabrique. Un "petit" album, à redécouvrir tout de même pour "Top of the World" et l'utilisation intelligente d'instruments à cordes frottés.
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NelwizardSouvent étiqueté comme le Black Sabbath japonais par les fanfarons et ceux qui n'ont pas vraiment entendu la musique, l'étrangement nommé ' Too Much ' est originaire du grand port de la ville de Kobe, où les membres du groupe ont grandi en absorbant toutes sortes d'influences occidentales des LP et les singles de 7 pouces qui sont arrivés sur les bateaux des États-Unis et du Royaume-Uni.
L'un des membres du groupe - le guitariste Junio Nakahara - avait passé la fin des années 60 dans le groupe de blues "The Helpful Soul'. Cependant, comme son public n'aurait jamais pu percevoir The Helpful Soul comme autre chose qu'un autre groupe de Group Sounds, Nakahara a décidé de sauter dans le train en plein essor du New Rock en formant le plus approprié nommé Too Much.
L'inspiration de Nakahara est venue du concert Too Much que The Helpful Soul a joué avec le tout nouveau Blues Creation, à Kyoto fin février 1970.
L'expression hippie «Too much» était déjà complètement clichée en Occident à cette époque, mais elle était emblématique et facilement prononçable en japonais. Dans le processus, Nakahara s'est associé au chanteur de hard rock Juni Lush, a changé son propre nom pour Tsomu Ogawa!, au son plus new rock, et a entraîné ses camarades de lycée Hideya Kobayashi et Masayuki Aoki dans la section rythmique.
Ils ont signé un contrat avec Atlantic Records à l'été 1970 et ont écrit toute une série d'hymnes proto-métal insensés, dont les excellents "Grease It Out", "Love Is You" et "Gonna Take You". Celles-ci ont été dûment enregistrées et sonnées sans réfléchir, de manière monolithique, parfaitement adaptées au public peu averti que Too Much visait à plaire.
Malheureusement, les hommes d'affaires d'Atlantique ont vu dans le "be-afro'd" Juni Rush, une autre star potentielle dans le moule de Joe Yamanaka du Flower Travellin 'Band, et ils ont fait pression sur le groupe pour qu'il ajoute plusieurs ballades sentimentales au premier LP afin d'élargir leur public...
Les résultats ont été désastreux. Personne n'avait besoin d'une autre version de "I Shall Be Released" de Bob Dylan, en particulier l'avortement de Nipponashville que Too Much a livré. Hé, mais ils n'avaient pas non plus besoin de 'Song For My Lady', ardemment flegmatique de 12 minutes qui est arrivé rempli de sections de méga-cordes, de pianos Michel Legrand, de solos de flûte Moody Blues / Focus et pas d'un rasoir à six cordes en vue. Too Much n'était tout simplement pas suffisant, et ils se sont séparés peu après la sortie de l'album...
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Adrian Janes"A Song for Me", sorti en janvier 1970, a marqué une transition pour Family, car en 1969, deux membres originaux étaient partis: le bassiste / violoniste Ric Grech pour rejoindre Blind Faith et le saxophoniste Jim King étant renvoyé au cours des sessions.
Le tout aussi polyvalent John Weider a remplacé Grech, mais King n'a pas été tant remplacé que réinventé, avec le multi-instrumentiste Poli Palmer (vibes, flûte et claviers) apportant de nouveaux sons et textures au groupe. Alors que Jethro Tull mettait au premier plan la flûte et Curved Air le violon, Family était encore plus aventureux dans l'élargissement de la palette du rock.
Ce qui frappe sur le disque est qu'il n'y a aucune perte de cohésion ou de puissance dans le groupe remanié. "Drowned in Wine" est une déclaration d'intention à cet égard : une intro acoustique ponctuée de cuivres, rapidement suivie par le groupe à plein régime alors que la voix de Roger Chapman capte la rage d'un homme qui lutte contre l'étranglement. D'autres passages brusques de l'acoustique solo au groupe sont tous gérés de manière experte, comme si cette incarnation avait été ensemble pendant des années plutôt que des mois. Puisant adroitement en divers points des influences rock, soul, folk, jazz et country, Family crée des contrastes à l'intérieur et entre les morceaux. Après la fureur de «Drowned in Wine», «Some Poor Soul» est une idylle acoustique avec une pointe de tristesse, Chapman d'une tendresse observatrice: «À travers les arbres une lueur/Et un miroitement sur l'eau/Et un écumeur faisant des traces à travers étang/Un crapaud gonflé affamé est assis laid et seul. « La variété des styles signifie aussi que des acteurs différents se présentent à des moments différents. Démarré par le riff de guitare urgent de Charlie Whitney, "Love Is A Sleeper" est un exemple de la façon dont les vibrations magnifiquement agiles de Palmer aident une chanson à couler, encouragées par les toms roulants et culbutants de Rob Townsend. Sur l'intéressant instrumental '93's OK J', les vibrations et la guitare acoustique sont la base initiale de la basse et du violon de Weider avant qu'un rythme rapide aux timbales n'entre en jeu. Sur 'Wheels', ce sont la flûte et l'orgue de Palmer qui appliquent le baume à la passion brute de Chapman, tandis que le banjo et le violon donnent une touche country mélancolique à "Song for Sinking Lovers", bien qu'épissé avec la râpe à la Otis Redding de Chapman. L'énergie collective du groupe, concentrée dans le redoutable beuglement de Chapman, rend 'The Cat and the Rat' engageant malgré sa sensation rock and roll conventionnelle, bien que la chose la plus intrigante à propos de "Stop for the Traffic (Through the Heart of Me)" soit son titre. Même avec sa voix provenant des deux canaux, les efforts de Chapman ne peuvent pas sauver ce clinker rare. "A Song for Me" lui-même clôt l'album, fondé sur un riff de piano martelant et une guitare flamboyante, le tout dominé par la ferveur de Chapman. Le sciage du violon de Weider devient plus important au fur et à mesure que la chanson avance, menant à une coda accélérée et trop étendue : family sait généralement combien d'espace et de temps s'accorder, mais c'est l'un des rares exemples d'auto-indulgence à vous rappeler de l'inconvénient de la provenance progressive de cet album.
Malgré un fort succès commercial avec certains de leurs singles et albums (" A Song for Me " a atteint le numéro 4), Family est resté quelque peu sujet aux changements de line-up. Peu à peu, le succès au Royaume-Uni s'est estompé et, associé à l'échec de percer en Amérique (contrairement à tant de leurs contemporains), ce groupe inhabituel, voire étrange, s'est séparé en 1973.
Cet album les montre à leur meilleur à leur époque, et il faut espérer qu'elle leur apportera une nouvelle reconnaissance à la nôtre. Malgré un fort succès commercial avec certains de leurs singles et albums (" A Song for Me " a atteint le numéro 4), Family est resté quelque peu sujet aux changements de line-up. Peu à peu, le succès au Royaume-Uni s'est estompé et, associé à l'échec de percer en Amérique (contrairement à tant de leurs contemporains), ce groupe inhabituel, voire étrange, s'est séparé en 1973.
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recordmanHard rock en plein essor avec des notes glamour
Sous-estimé et dont on ne parle généralement pas - ce groupe de Los Angeles a livré un solide album de hard rock commercialement viable, puis ils ont disparu. Remarquables : le hard rock en plein essor "Your Heart Can Find You A Song", le palpitant "Such A Lover" et le refroidi en titubant "Bank Of Love".
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Encore en 1970, Trapeze refait surface avec un second album baptisé "Medusa".
Quelque part entre le Heavy Metal et le Psyché, avec un peu de style de Blues du style J. Geils en prime, le groupe s'ouvre un chemin dans l'obscurité dans ce début des années 70.
Ses membres deviendront des stars du Rock avec d'autres groupes, mais leurs propres albums continuent d'être malheureusement ignorés.
Trapeze est tout à fait sous-estimé car ils ont une réelle capacité à écrire une bonne chanson après l'autre, tout en gardant le Blues, le Funk, le Hard Rock et l'étanchéité de la guitare en gardant une belle sonorité de la voix Soul de Glen Hughes. C'est un véritable trio de hard Rock avec une musicalité superbe. Le son d'ensemble est simple, sans beaucoup d'overdubs: trois instruments et deux voix, que demander de plus?
"Medusa" est considéré par beaucoup comme le meilleur album du groupe, et il peut l'être, même si le suivant est probablement tout aussi bon.
Le son obtenu est plus Hard à partir de ce moment-là.
L'album dispose de sept morceaux d'enfer qui resteront dans le registre scénique pendant de nombreuses années à venir. Le style varie entre le Hard Rock et le Funk mais sans se limiter à ça.
Les riffs prenants de la guitare, la batterie très en place, la basse qui groove et la voix phénoménale de Hughes qui est capable de véritables prouesses, tout est là! Le côté volontairement répétitif de certains morceaux, les reprises inattendues, les solos... C'est certainement l'un des meilleurs albums méconnus de Hard Rock d'un des groupes les plus méconnus des années soixante-dix.
Les chansons sont énormes et puissantes... Les morceaux sont tous aussi importants les uns que les autres et cet enregistrement regorge de riffs qui déchirent, explosent, et vous déchirent le coeur.
Certainement l'un des groupes les plus méconnus et les plus sous-estimés de tous les temps.
"Medusa" est énorme avec la fusion Free / James Gang / Humble Pie / Grand Funk Railroad / le style Soul et Funk de the Chambers Brothers et le pur Blues d'Otis Rush et Buddy Guy. C'est une honte que ces gars-là n'aient jamais atteint la grande notoriété, bien qu'ils soient souvent cités comme une influence par des grands rockers comme ZZ Top.
Le producteur John Lodge et l'ingénieur Roger Quested font un excellent travail car l'album possède de très bons moments, comme dans la chanson-titre et "Jury", où le son Heavy Rock ressemble un peu aux premiers albums de Judas Priest. Mais, surtout, "Black Cloud" et "Your Love Is Alright" sonnent comme l'album "Fire and Water" de Free.
Il existe un bel équilibre entre les Rocks ("Black Cloud", "Your Love Is Alright") et les ballades torrides ("Jury", "Seafull", "Medusa").
Les paroles sont exceptionnellement réfléchies pour du Hard Rock, et le groupe semble gèrer la plupart du temps afin d'éviter toute espèce de prétention.
Avec "Black Cloud" en ouverture, c'est comme si Humble Pie jouait du Free. Cette chanson rappelle justement beaucoup le riff principal de "All Right Now" de Free. D'ailleurs, les comparaisons avec Free viennent du fait que le groupe explore un certain nombre de nouveaux sons Heavy Rock tout au long de ce disque. Un peu de Free, de Humble Pie, et même presque du Sabbath sur les bords par moments, l'écriture est généralement assez bonne. C'est un morceau fabuleux avec une superbe harmonisation des instruments: En un mot, "Black Cloud" rocke.
Vient ensuite une ballade, "Jury", qui est probablement la meilleure chanson de l'album en raison des riffs, de la voix et de la façon générale dont la chanson semble passer en un instant malgré sa relatine longueur.
"Your Love Is Alright" rappelle plus Humble Pie et Steve Marriott en raison de son riff funky.
Toujours dans la somparaison, "Touch My Life" sonne comme un boeuf entre Humble Pie et Free
La chanson suivante, "Seaful" est une jolie ballade et ce morceau est tout simplement géant.
"Makes You Wanna Cry" sonne très Free avec un peu de basse cool et un énorme et beau travail à la guitare: un riff style Free et un chant très Steve Marriott et Humble Pie
Enfin, "Medusa" est LA ballade Rock avec une mélodie imparable: L'ouverture acoustique tranquille de ce morceau mène vers un passage de Heavy Metal où Glen hurle avec sa meilleure voix, "So you saiiid you saw Medusaaa!! The one with the head of fiii-yaaa!!" Avec "Medusa", Hughes possède la concentration, la finesse, la discipline du Hard Rock, et c'est ce qui contribue à rendre l'album un pur chef-d'œuvre.
Un bon conseil: jouer cet album très, très fort!
Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment
Christopher LindstromMogul Thrash a été formé par le chanteur/guitariste principal James Litherland lors de son départ de Colloseum. Comme ce groupe, ils explorent une marque bluesy de Prog, enracinée dans la musique de l'ère Bare Wires de John Mayall. Litherland est rejoint par un très jeune John Wetton à la basse et au chant supplémentaire, Bill Harrison à la batterie et une excellente section de cuivres composée de Micheal Rosen, Malclom Duncan et le futur saxophoniste Roger Ball, membre de l'Average White Band.
Bien que l'album ait longtemps été un objet de collection pour les fans de King Crimson en raison de l'implication de Wetton, il est bien plus important que cela. Mogul Thrash était l'un des rares groupes progressifs à être extrêmement adepte des éléments les plus bues du rock. Le R&B et l'art rock coexistent plus confortablement ici que partout ailleurs dans la musique des années 70, y compris Colloseum lui-même.
Litherland et Wetton sont tous deux dans une forme spectaculaire à la fois instrumentalement et vocalement, la formation sans clavier du groupe (à part un bref camée au piano du producteur Brian Auger) fournit au groupe une palette intéressante pour arranger ces chansons, et permet à Litherland beaucoup plus de place pour s'étirer à la guitare que Colosseum. Litherland refait son classique "Elegy" de Colloseum, Wetton chante en tête sur le merveilleux "St. Peter" le reste des compositions est également de premier ordre.
Je cherchais cet album depuis plus de 25 ans. Je ne suis pas du tout déçu. Cherchez cet album si vous êtes un fan de Coloseum, un fan de King Crimson ou un fan des débuts pré-séveux de John Wetton. Cela en vaut la peine à tout prix.
Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment
Avec la popularité du groupe encore élevée, la décision a été prise de préparer un double album live qui mettraient en valeur les prouesses musicales de l'ARS en concert.
En hommage au succès populaire de l'ARS et en témoignage de leurs talents musicaux, l'album live "Are You Ready!" sort en 1979.
Les images sur la pochette du disque montrent à quel point l'Atlanta Rhythm Section est passé du groupe maison d'un petit studio dans la banlieu d'Atlanta à une sorte de monstre sacré jouant dans des stades pleins de gens.
L'album démontre aussi le pouvoir que l'ARS peut apporter à une performance live.
Alors que le talent musical de chaque musicien se révèle parfaitement dans les enregistrements en studio, leur aptitude à donner de leurs chansons un arrangement différent, mais tout aussi agréable en concert, apparaît clairement.
Globalement, il s'agit d'une autre œuvre classique d'une compilation des chansons de leur grand nombre d'albums qu'ils ont joué avec beaucoup d'énergie et d'habileté.
Cet album live est le dernier opus pour le label Polydor.
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Mais Terry Dearmore trouvait que son loyer était mieux payé en faisant des jingles nationaux et en gardant son travail de nuit comme DJ à Nashville et il quitta Barefoot Jerry , remplacé par l'ancien roadie Michael McBride à la basse et Davis les quitta également.
Le joueur de banjo Buddy Blackmon, qui était seulement arrivé à Nashville depuis quelques années était un bon ami à eux encadré par Bobby Thompson et Charlie McCoy; McCoy a même finalement rejoint Barefoot Jerry.
Le nouveau line-up semble revitaliser totalement le groupe et en Février 1977, le groupe est convoqué à Cinderella avec Wayne Moss une fois de plus à la production pour enregistrer "Barefootin'" leur sixième et album final avéré.
Les défauts des deux albums précédents sont absents ici et chaque cible visée est atteinte. L'esprit de groupe brille à travers chaque moment tout à fait jubilatoire.
L'album débute avec une reprise de "Barefootin'" de Robert Parker chantée avec le style de Charlie McCoy et sublimée par un solo de guitare de Barry Chance qui assure un maximum, tout comme les autres membres du groupe.
Là où "Keys To The Country" sonnait souvent comme des reprises que Barefoot Jerry jouait, les quelques reprises sur cet album une fois de plus sonnent comme du Barefoot Jerry pur et simple.
Deux superbes chansons de Russ Hicks suivent, "I Ain’t Getting No Touching" est du classique Hicks sardonique, alors que "Keep On Funkin'" chantée par Chance est du Country progressif brillamment délivré.
La chanson "Sentimental Man" de l'ancien membre Warren Harman est, contrairement à son "Sinkin’ In The Sea" de "You Can't Get Off With Your Shoes On", du parfait matériel de Barefoot Jerry.
La première face se finit avec Charlie McCoy chantant une autre reprise chic de "Dixie Dancer".
Si cette première face possède le son commercial des deux albums précédents, la seconde est d'un tout autre acabit renouant avec les jours de génie des trois premiers albums:
"Hiroshima Hole" de Moss est du bon vieux style Jerry classique et son œuvre la plus épique et passionnée. La Tennessee Valley Authority avait commencé en 1975 la construction de la centrale nucléaire de Hartville (même si elle n'a jamais été achevée et qu'elle a fermé en 1984) Moss cracha son indignation face à ce fléau monstrueux sur la nature dans une chanson.
"Diana" écrite et chantée par Michael McBride est une charmante chanson d'amour empreinte d'une intimité tranquille qui trouve sa place ici.
La steel guitar sans équivoque de Hick nous conduit dans la dernière et la plus directe chanson de drogue sociale de Moss "Tokin' Ticket "(co-écrite avec Chance). Moss avait participé activement à la bataille juridique pour empêcher les autorités Mexicaines de pulvériser les cultures de graminées avec le produit chimique toxique, le Paraquat.
Le délicieux "Heading for the Hills" de Moss est une chanson d'amour sur les joies de la nature, puis l'album se termine avec l'instrumental "Highland Grass highlighting" de Russ Hicks et Buddy Blackmon.
En conclusion, "Barefootin'" est un album tout à fait merveilleux et un chant du cygne approprié pour ce groupe le plus unique et spécial...
Mais, comme Wayne le disait, "c'est juste de la musique pour le corps et l'âme."...
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Gerry Conway (qui avait travaillé avec Fotheringay, Cat Stevens, Jethro Tull, Richard Thompson et John Martyn) reprend la batterie et les percussions en 1987 et Pentangle enregistre "So Early in the Spring" qui est publié en 1989.
Après "In The Round", le groupe avait perdu le guitariste Mike Piggott et avait enrôlé Rod Clements (il ne restera pas trop longtemps non plus) qui avait déjà travaillé sur un des albums solo de Bert Jansch.
La musique y est beaucoup plus homogène que sur le disque précédent, mais a encore moins de points forts.
Il n'y a que trois chansons originales, le morceau d'ouverture, un instrumental dans un style très Jethro Tull (aidé par un invité spécial, Tony Roberts à la flûte), le bluesy "Lucky Black Cat" (chanté entièrement par Bert Jansch) et le jazzy "Gaea" (la voix de McShee ressemblant un peu à celle d'Annie Haslam de Renaissance).
Le reste se compose de chants traditionnels arrangés par le groupe. Tous sont bons, même si "Bramble Briar" ressemble étrangement à "Bruton Town" (enregistré dans leur premier album en 1968).
"Reynardine" et le trop long "Baron of Brackley" mettent en lumière les faiblesses du disque, mais même "So Early in the Spring", malgré le travail excellent de la basse, et "Lassie Gathering Nuts", malgré la forte performance vocale de MacShee, ne sortent jamais de leur torpeur.
"Eminstra" et "Lucky Black Cat" sont probablement les meilleures du lot, le premier étant un instrumental bondissant et le deuxième un bon blues acoustique.
Contrairement à "In The Round", aucun morceau ne sonne comme un morceau de Bert Jansch en solo au milieu de chansons du groupe, l'album est un ensemble plutôt parfait.
Le son est complètement nouveau, plus accessible, plus Européen, moins Jazzy, moins acoustique (bien que la guitare de Jansch plane encore sur la plupart de l'album).
Et Pentangle ne joue définitivement plus ces airs de Blues acoustique Américain.
Pourtant, le groupe livre une parfaite collection de chansons sophistiquées qui doit plaîre à tout fan de folk prog. Cependant c'est peut-être le plus faible album de Pentangle!!!...
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ChefBumGamma 1 (1979)
Quiconque est familier avec le travail "solo" antérieur de Ronnie, en particulier avec Sammy Hagar comme leader, doit vraiment découvrir ce groupe méconnu. Le son de guitare caractéristique de Ronnie, maigre, méchant et distinctif est là comme d'habitude, mais GAMMA a ajouté des couches supplémentaires de synthétiseurs, servis avec goût par Jim Alcivar. Cependant, l'une des plus grandes contributions de ce groupe à la musique rock a été...
la découverte du vocaliste Davey Pattison. Ce type a une voix terriblement graveleuse et a été une perle absolument inconnue pour Ronnie Montrose et le Rock 'n' Roll en général. Bien que Davey se soit depuis concentré sur le blues, qu'il travaille en solo et qu'il donne des concerts dans la région de SF, sa voix était également idéale pour l'excellent hard rock servi ici.
L'ordre original des morceaux est le suivant :
1. Thunder and Lightning : une grande chanson de rock, avec la voix de Davey, une voix de colère à peine contrôlée et des tonnes du son de guitare distinctif de Ronnie. Au-dessus de tout ça flotte un léger son de synthé constant. Beaucoup, beaucoup de saveur !
2. I'm Alive : le seul hit du top 40, même cette chanson enlevée et upbeat a des tonnes de tonalité Ronnie. C'est du hard rock progressif, mais amoureux.
3. Razor King : sombre et inquiétante, cette chanson est un peu plus longue, c'est plutôt une sorte de "conte" lunatique, entrecoupé de riffs rock et de passages de synthés calmes... avec l'expressivité vocale de Davey magnifiquement mise en valeur. Beaucoup, beaucoup de chansons, de groupes et d'albums d'écoute plus tard, et je n'ai toujours pas trouvé une autre chanson comme celle-ci. Elle est unique à ce point.
4. No Tears : est l'une des meilleures. Je crois que c'est en fait une reprise écrite par quelqu'un d'autre. C'est la seule chanson "triste" de l'album, mais elle reste upbeat et c'est probablement la chanson qui met le plus en avant le synthé.
5/6. Solar Heat/Ready for Action : alors que Solar Heat est vraiment le calme avant la tempête, composé principalement de bruits de synthé et de sons calmes, Ready for Action est le vrai rock de cette série. C'est implacable et rapide, et son rythme brutal et son ambiance vraiment agressive ne sont portés à leur paroxysme que par le chant de Davey, méchant et stupéfiant. Mon Dieu, j'adore cette chanson. Et tous ceux qui aiment Montrose ou Gamma l'aimeront aussi !
7. Wish I Was : c'est le seul morceau bluesy et mélancolique qui laisse présager le passage de Davey au blues. Mais encore une fois, avec les capacités vocales qu'il affiche sur ce morceau, je ne serais pas surpris que ce morceau soit son idée ! Cette chanson est celle qui met le plus en valeur l'excellente contribution de Davey Pattison. Ronnie joue également des morceaux très expressifs.
8. Fight to the Finish : C'est un autre rock agressif et la chanson la plus longue de l'album, et elle combine plusieurs des éléments ci-dessus dans la même chanson. Ce n'est pas un rock pur et dur comme "Thunder and Lightning" ou "Ready for Action", mais plutôt un morceau conceptuel dans la veine de "Razor King", avec des mouvements distincts et des variations dynamiques plus importantes, allant de passages calmes à des assauts de riffs endiablés.
En fait, il n'y a que sept chansons, et GAMMA 1 ne dépasse pas les 35 minutes. Au début des années 80 et du standard vinyle, c'était plus normal que de nos jours. Mais quand tout est aussi bon, qui s'en soucie ? GAMMA fonctionne bien comme un album entier, et les chansons ont été extrêmement bien choisies. C'est loin d'être un disque monotone, tout en offrant de grands morceaux et sans remplissage.
J'ai déjà acheté le mien. Fans de Gamma et de Montrose, c'est un must pour tout collectionneur de bon hard rock des années 80 !
Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment
GEGERSSortir un album amené à devenir un classique dans le début des années 2000 est un exploit à souligner. Particulièrement dans le domaine du hard rock mélodique, ou tout semble alors (et depuis bien longtemps) avoir été dit et enregistré. GOTTHARD, pourtant et contre toute attente, réussit ce tour de force en publiant en 2005 Lipservice, devenu depuis un album-clé dans la discographie du groupe Suisse.
Les effets d'annonce, dont on avait pourtant appris à nous méfier, voyaient pourtant le quintet se targuer de revenir à ses racines purement hard rock, après deux albums plus mous (mais pas moins aventureux) et plus fraîchement accueillis (principalement Human Zoo). Freddy Scherer, subside de China qui remplace alors Mandy Meyer à la guitare rythmique, n'est pas l'artisan de cette petite renaissance. Leo Leoni, membre fondateur de la formation, est bien entendu le moteur de ce retour aux sources. Mais pour l'aider, le groupe a fait appel au "song-doctor" Fredrik Thomander, qui l'aide à proposer un album hard rock sans faux pas ni temps mort.
Long, constitué de 14 titres, Lipservice est un véritable joyau, rien de moins. Sa force principale est de réussir à se faire équilibré, les morceaux les plus marquants étant savamment disséminés dans la tracklist. Le morceau introductif, "All We Are", bien que déjà fort convaincant, se fait finalement plutôt timide si on le compare aux titres véritablement "bombastic" qui lui succède. "Lift U Up" vient assez rapidement titiller nos oreilles. La batterie tribale qui lui sert d'introduction plante le décor, avant qu'une mélodie vocale irrésistible vienne nous cueillir. Steve Lee, bien sûr, est impérial, mais ce morceau est un tube (à défaut d'être un hit), tout simplement. Il y a la l'énergie de jeunes premiers couplée au savoir faire de vieux routards. Bordel, que c'est bon.
Ce que l'on apprécie, sur ce Lipservice, c'est la faculté du groupe à se faire mordant, presque agressif, tout en parvenant à chaque instant à rester efficace et mélodique. "I Wonder", "Anytime Anywhere" ou "Dream On" jouent parfaitement sur cette ambivalence, se faisant à la fois caresse et claque. Rarement (peut-on dire jamais ?) le groupe ne s'était fait aussi imparable. Le retour aux sources se poursuit avec des morceaux résolument directs, AC/DCiens dans l'âme, qui évoquent la jeunesse des Suisses : "The Other Side of me", "Said & Done" ou encore "Cupid Arrow" donnent tout, l'alchimie entre la force de frappe des riffs et la chaleur de la voix de Steve Lee étant alors à son paroxysme. Bon dieu, quel pied !
Les ballades, c'est vrai, n'ont pas la flamboyance de "One life One Soul" ou "Angel". Mais, mais, car il y a un mais, au nombre de quatre, elles permettent d'aérer un album par ailleurs très compact, et témoignent elles-aussi d'un savoir-faire intact en la matière. "Everything I Want", parvient à éviter la mièvrerie, mais on lui préférera la puissance mesurée de "I've Seen an Angel Cry" ou l'émotion acoustique de "And Then Goodbye", qui clôture l'album en beauté.
Tout sur cet album est une réussite. Chaque ligne de guitare de Leo Leoni, chaque intonation de Steve Lee parviennent à transpirer la sincérité tout en faisant preuve d'une maîtrise infaillible. Jamais GOTTHARD n'aura sonné aussi concis et percutant que sur cet album qui est à marquer d'une pierre blanche, et qui est sans aucun doute l'album-indispensable des Suisses. Un album culte (oui oui, rien de moins) essentiel dans la discothèque de tout hard rocker qui ne passe pas son temps l'oeil fixé sur le rétroviseur.
Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment
Fairport Convention s'est formé en 1967, avec un line up original composé de Judy Dyble et Ian MacDonald (connu plus tard sous le nom Iain Matthews) (chant), Richard Thompson et Simon Nicol (guitare), Ashley "Tyger" Hutchings (basse) et Shaun Frater (percussions).
Ashley Hutchings avait rencontré Simon Nicol à North London en 1966 quand ils jouaient tous deux dans the Ethnic Shuffle Orchestra.
Ils ont alors répété à l'étage au dessus du cabinet médical du père de Nicol dans une maison appelée "Fairport" dans Fortis Green, au nord de Londres, qui donna son nom au groupe qu'ils formèrent ensemble comme Fairport Convention en 1967 avec Richard Thompson et Shaun Frater.
Après leur premier spectacle au St Michael's Church Hall à Golders Green, au nord ouest de Londres, le 27 Mai 1967, ils ont eu le premier de nombreux changements de line-up quand un membre de l'auditoire, le batteur Martin Lamble, a convaincu le groupe qu'il pourrait faire un meilleur travail que Frater et l'a remplacé.
Ils ajoutèrent aussi rapidement une chanteuse, Judy Dyble, ce qui leur donne un son particulier parmi les nombreux groupes de la période à Londres.
Le chanteur Ian McDonald rejoint le groupe et leur premier album, "Fairport Convention", est enregistré à la fin 1967 et publié en Juin 1968.
À ce stade précoce de son histoire, Fairport cherche dans la musique Folk Américaine et les groupes Folk Rock tels que Joni Mitchell, Bob Dylan et the Byrds pour le matériel et l'inspiration (par opposition au traditionnel Folk Fusion Anglais, ils deviendront plus tard célèbre pour cela).
Le nom "Fairport Convention" et l'utilisation de deux chanteurs solistes conduit de nombreux nouveaux auditeurs à croire que c'est un groupe Américain, leur valant le surnom de 'British Jefferson Airplane' durant cette période.
Cet album se caractéristique par des reprises de chansons de Emitt Rhodes, Bob Dylan, Joni Mitchell, Jim & Jean, et une adaptation d'un poème de George Painter, ainsi que du matériel original du groupe.
C'est le seul album studio de Fairport Convention avec Judy Dyble. Au cours de sa courte période avec le groupe, elle a réussi à faire une impression sensible, notamment grâce à son habitude de tricoter sur scène des foulards lorsqu'elle ne chantait pas.
L'album ne doit pas être confondu avec "Fairport Convention", sorti aux Etats Unis sur A & M Records, un retitrage de leur deuxième album du Royaume Uni intitulé "What We Did On Our Holidays".
Le premier album, un produit de Polydor-Angleterre, est finalement publié aux États Unis sur le label Cotillion en 1970.
Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment
apps79Ben 1971
L'une des plus sérieuses raretés de Vertigo, un groupe britannique de Jazz Rock avec une vie courte mais un grand talent.
Ben était le saxophoniste/flûtiste Peter Davey, le claviériste/pianiste Alex Macleery, le guitariste Gerry Reid, le bassiste Len Surtees et le batteur David Sheen, ce dernier venant du groupe de Graham Bond.
Leur seul album éponyme, qui contient quatre longs morceaux instrumentaux, est sorti en 1971.
Celui-ci entre dans la même catégorie que NUCLEUS et IF, c'est un Jazz Rock techniquement compétent avec de superbes solos et rythmes, des climats variés, passant de mouvements de guitare furieux et d'interactions instrumentales fréquentes à une musique plus douce pilotée par des claviers et des pianos avec un environnement un peu psychédélique, comme RAY MANZAREK au piano. Un travail de saxophone cool et des lignes de flûte fortes sont toujours les bienvenus.
Je n'ai pas réussi à détecter de différences impressionnantes entre les morceaux, mais si vous voulez mon avis, ''Christmas execution'' sort du lot, car, contrairement aux autres morceaux, l'atmosphère y est vraiment sombre et dramatique, ce qui est rarement le cas dans une composition de Jazz Rock. C'est aussi le morceau le plus progressif, avec des guitares électriques douces, un clavecin et beaucoup de flûte, et une excellente deuxième partie avec un incroyable goût jazzy aux guitares et des claviers inquiétants. "Gibbon" contient également des chœurs sporadiques, un autre élément que l'on trouve rarement dans un album de jazz rock, tandis que les deux morceaux plus longs, "The influence" et "Gismo", sont nettement plus jazz avec un bon travail instrumental, certaines parties avec les guitares et le saxophone au premier plan rappellent les masturbations jazzy de VAN DER GRAAF GENERATOR, mais les valeurs progressives sont très limitées et l'accent est mis sur les solos isolés.
Du bon Jazz Rock des années oubliées, contenant deux très bonnes compositions avec quelques aperçus de progiciel et une autre paire d'exercices de Jazz plus standard.
Chaudement recommandé, le vinyle original est incroyablement cher, plusieurs rééditions existent.
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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment
Le premier album de Carpe Diem, "En regardant passer le temps", est publié en 1975 chez Arcane-WEA. Il sortira également au Canada sous le titre "Way Out as the Time Goes By" en 1976.
Bien que certaines influences évidentes d'anciens groupes puissent être clairement identifiées, leur son est très complexe et réellement original.
Leur musicalité unique peut être divisée en deux styles:
- Les parties les plus douces suivent la veine du Rock Symphonique pastoral, caractérisé par l'utilisation sombre du mellotron, des guitares acoustiques de premier plan, des flûtes complexes, voire même d'un clavecin, qui apparaissent à certains moments, et quelques synthés plein d’atmosphère spacial pour compléter ce paysage sonore tout à fait attrayant.
- Par contre, la musique est dirigée par les saxes de Claude-Marie David et ses incroyables solos mélodiques, appuyés par les belles pauses et la dynamique de la section rythmique. On ne peut s'empêcher de penser à Van Der Graaf Generator ou même, par moments, à Magma.
Le résultat final dépasse de loin toute imagination et l’album est vivement recommandé aux fans de musique audacieuse, stimulante et originale!
Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment
FrançoisJosefus ne perd pas de temps : dans la foulée de son premier et très bon album Dead Man, à peine six mois plus tard, il entre en studio pour un deuxième volet. Un petit peu de succès dans son Etat, le Texas, a motivé les troupes, mais il faut dire que certains morceaux étaient déjà dans le set du groupe depuis 1969 ; les démos de Get Off my Case en témoignent. C’est le cas de "Feelin’ Good", titre le plus long de l’album, qui a des côtés Allman Brothers, dans son introduction jazzy et sa guitare généreuse : après tout, Josefus est un groupe du Sud.
Ceux qui ont aimé l’album précédent seront à nouveau séduits par ce deuxième opus. Toujours cette guitare bien saturée qui n’hésite pas à donner dans des soli relativement copieux, ces relents blues et psyché dont le bon "B.S. Creek" est une belle illustration : on retrouve tous les éléments de la recette du groupe, jusqu’à l’harmonica et les effets (nombreux) qui colorent chaleureusement leur musique. Cette touche heavy des débuts est également présente sur le très bon "I’m Gettin’ On", un des meilleurs titres du groupe selon nous, ou encore "I Saw a Killin’", une autre pépite qui devait être une tuerie en concert. "Bald Peach", de son côté, mêle bien les réminiscences psychédéliques avec les tentatives proto-hard : le morceau rappelle un autre groupe encore plus obscur, Bulbous Creation.
Du reste, Josefus est moins aventureux sur ce deuxième opus ; c’en est fini des longs jams comme "Dead Man", et le son un lourd est moins présent. Les musiciens naviguent dans les eaux de l’Americana, avec "Jimmy, Jimmy" ou "America", qui rappelle un peu le King ("Suspicious Mind"), le country "Such Is Life". D’ailleurs, le petit blues sans prétention "Sefus Blues" est également dans le style de Presley. Inutile de signaler que sans être de mauvaises compositions, elles ne laisseront sûrement pas une trace indélébile dans vos mémoires mélomanes. L’originalité du groupe n’y est pas aussi sensible.
Cet album est hélas suivi d’une séparation du groupe en 1971, après un dernier concert à Houston en décembre 1970. Josefus a marqué une première tentative de transition entre les 1960’s marquées par le blues-rock et le psychédélisme, et un hard-rock plus corrosif des 1970’s. Par ailleurs, il a connu plusieurs reformations qui donnèrent lieu à de nouvelles productions studio : Son of Dead Man (1990) et State of the Union (2006).