Zoppo Trump
Au cours des années fertiles de Krautrock sur la scène rock progressive allemande, les années 1970 ont produit une variété de groupes bien connus qui sont devenus synonymes de la scène globale en général, mais tous n'ont pas eu la chance de devenir aussi connus que Can, Amon Duul II ou Popol Vuh. Au contraire, la plupart, s'ils avaient de la chance, n'ont réussi à sortir qu'un album ou deux avant de faire face à la ruine financière et, pire encore, de nombreux groupes n'ont même jamais eu l'occasion de sortir un seul album. Zoppo Trump entre dans cette catégorie malheureuse bien que le groupe ait enregistré plusieurs morceaux, dont deux : "Welloengang" et "Fluktuation" sont apparus sur la compilation "Scena Westphalica" de 1976.
Quelle que soit la signification du nom du groupe, ils en ont certainement choisi un qui se distingue de la plupart des noms génériques ennuyeux issus de la scène krautrock allemande ! Ce groupe s'est formé à Dortmund et a existé de 1971 à 1976 environ sept membres différents au cours de son existence. Au début, ZOPPO TRUM n'était qu'un trio, mais il est rapidement devenu un quatuor qu'ils sont restés jusqu'à ce que les membres du groupe se séparent.
Cette sortie éponyme est sortie en 2009 et comprend des morceaux allant du premier passage du groupe en tant que trio avec les deux premiers morceaux "Man of Peace" et "Queen of War" aux morceaux de rock plus progressifs qui incorporaient non seulement le blues rock de leurs débuts, mais a augmenté la sophistication avec des traces de jazz, de classique et de rock progressif avec de nombreuses utilisations du saxophone, de l'orgue et des mellotrons en plus de l'instrumentation rock standard de la guitare, de la basse et de la batterie.
Beaucoup de membres étaient multi-instrumentistes. Le groupe était dirigé par Ferdi Eberth qui s'occupait du chant, des guitares, du saxophone et de l'orgue, qui était le seul membre à chevaucher toute la chronologie de l'existence du groupe.
La musique est présentée par ordre chronologique, ce qui devrait être le cas pour ces types de versions d'archives, car elle montre comment le groupe est passé d'un simple trio rock basé sur le blues au jazz rock plus progressif des dernières années du groupe.
En son cœur, ZOPPO TRUMP était essentiellement un groupe de jam avec de simples grooves de basse sur lesquels l'organiste ou les guitaristes pouvaient improviser. Le chanteur a livré quelques paroles, mais plus de temps a été investi dans de longs entraînements instrumentaux qui allaient sonner comme Blodwyn PIg et Camel à d'autres contemporains allemands comme Out of Focus ou Thirsty Moon, mais presque aussi innovants ou magistraux dans le processus de composition que n'importe lequel de ces plus célèbres formations. Les touches symphoniques sont communes à tous les sons du groupe avec un fort accent sur les claviers, mais souvent les ambiances jazzy dominent. Les paroles étaient en anglais et le chanteur principal Reimund Eberth, bien que compétent, n'était pas non plus l'un des chanteurs les plus mémorables de la journée. Les neuf pistes de cette version sont toutes moulées à partir du même son global mais diffèrent suffisamment pour en faire une expérience d'écoute agréable.
ZOPPO TRUMP était un groupe décent à coup sûr, mais on peut entendre pourquoi ils n'ont pas exactement mis le feu au monde pendant leur existence. Bien qu'ils aient livré un mélange intéressant de psyché, de blues, de prog, de jazz et de classique, ils n'y ont pas excellé d'une manière particulière. Ils ne vous ont pas emmené dans un voyage lysergique au paradis des trippers, à l'exception de quelques moments qui ont malheureusement été gâchés par des accompagnements au clavier "normaux".
En d'autres termes, ils n'ont fait que tâter de ces motifs musicaux sans s'engager pleinement ce qui me laisse un peu insatisfait. La zone de confort de mixage est l'essentiel de toute l'existence du groupe. C'est en effet une version digne de ce nom pour ceux qui découvrent les coins et recoins de l'underground Krautrock négligé des années 1970, mais ZOPPO TRUMP n'avait pas assez de créativité pour se démarquer de la scène bondée. Certainement des moments magiques mais juste pas assez.
L'expérience en commun se poursuit en 1973 et Manassas a rapidement achevé son deuxième album intitulé "Down the Road".
Les premières sessions de ce disque avaient eu lieu aux studios Criteria, mais le groupe avait finalement déplacé ces sessions à Caribou Ranch, dans le Colorado, et à Record Plant, à Los Angeles, après que les ingénieurs de Criteria, Ron et Howard Albert, aient exprimé leur crainte que les sessions ne produisent pas de résultats de qualité escomptée.
Pour aggraver les choses, Atlantic Records avait ensuite rejeté certaines des pistes enregistrées pour l'album, ce qui avait nécessité le réenregistrement de certaines chansons. Résultat: une sensation de patchwork.
Certaines personnes soupçonnent que l'album a pu être rejeté pour contenir trop peu de chansons de Stills et trop de Chris Hillman.
"Down The Road" et "So Many Times" ont été enregistrés en Septembre 1972 à Criteria, Miami. Tous les autres morceaux ont été enregistrés en Janvier 1973.
La chanson d'ouverture "Isn’t It About Time" est un riche mélange de Rock tranchant et dur, une chanson de protestation mid-tempo au sujet du Viet Nam, avec des claquements de mains qui finissent par applaudir.
Hillman prend ensuite le micro pour sa chanson de trahison Rock bluesy intitulée "Lies",
Puis le groupe prend un virage Rock avec rythmes latino pour "Pensamiento", sur lequel Stills chante en Espagnol. C'est une belle évolution qui ajoute de la couleur et de la profondeur à l'album.
Vient ensuite "So Many Times", un morceau teinté de mandoline qui s'adoucit facilement.
La première face se termine par "Business On The Street", une chanson classique de Stephen Stills qui ne dépareillerait pas dans CSNY
La deuxième face commence dans le style Burrito avec le klaxon country de "Do You Remember The Americans", avec pedal steel guitare et harmonies de groupe.
La chanson-titre "Down The Road"est un Rock qui sonne comme un outtake de Buffalo Springfield, mais la slide guitare la rend parfaitement adaptée.
"City Junkies" pourrait être presqu'une copie de "Let's Spend The Night Together" des Rolling Stones, jusqu'aux changements d'accords et au piano solo.
Ensuite, "Guaguanco De Vero", une autre jam latino qui aurait pu rendre Carlos Santana légèrement jaloux de ne pas l'avoir écrit.
Le dernier morceau de l'album pousse encore plus loin le côté Rolling Stones avec une bonne dose de wah-wah et de bonnes jams de guitare. Et juste au cas où on pourrait en douter, ils l'ont appelé "Rollin 'My Stone".
L'album fut achevé en Janvier 1973 et publié au Printemps de cette année pour faire place à des critiques plutôt médiocres et à des ventes, atteignant finalement le numéro 26 aux États-Unis et n'atteignant pas le statut RIAA Gold; C’était alors le tout premier album sur lequel Stills apparaissait depuis 1968 n’ayant pas obtenu cette fameuse certification.
"Down The Road" est pourtant bien meilleur que ce que l’on veut en dire car en incorporant à son Rock, des influences Country, Folk, Blues, Bluegrass et Latino, Manassas pouvait tout jouer et sa fusion des genres est terriblement efficace et très distinctive de la production vinylique de l'époque. Il est simplement à déplorer que cette aventure prometteuse n’ait pas été prolongée bien au-delà des deux années qui marquent son existence dans le concert Rock Californien.
Alors, le mieux à faire, c’est de prendre un peu de recul dans son jugement et de commencer par le réécouter sans modération. Parce qu’un groupe de cette trempe, avec Dallas Taylor, Chris Hillman, Joe Lala, Al Perkins, Samuels Fuzzy, emmené par un Stephen Stills qui a encore bien des choses à dire, même si son travail d’écriture est réduit considérablement par rapport à l’album précédent, c’est bien la dernière fois qu’on voit ça.
Il leur était, bien sûr, difficile de faire mieux que leur monstrueux premier opus, d’où l’impression que la musique de celui-ci est plutôt fade, qu’il est assez médiocre et bien en retrait par rapport à son devancier.
Ce n'est qu'une impression seulement, car "Down The Road" reste pourtant très bon, même s’il se situe en dessous de son prédécesseur qui avait, il faut le répéter, placé la barre très, très haut. L'auditeur s’en satisfera d’autant que Manassas va disparaître dans la foulée et que c’est une vraie grosse perte pour la musique.
Car ce disque marqua la cessation définitive d’activité de ce que l’on peut considèrer aujourd’hui et avec le recul comme ayant été l’un des plus grands groupes de Rock des années 70, Manassas.
1974 : There's The Rub
Après un "Wishbone Four" honorable mais marquant une légère baisse de régime dans sa carrière, Wishbone Ash part aux Etats-Unis et s'offre les services du producteur Bill Szymczyk (qui s'occupe notamment d'Eagles) afin de bénéficier de l'apport d'un véritable professionnel, chose dont il s'était jusqu'alors passé. Autre changement significatif, pour la première fois le line-up évolue, Ted Turner cédant sa place à Laurie Wisefield, jeune surdoué de la guitare officiant au sein de Home.
"There's The Rub" n'est pas une révolution en soi et on y retrouve tout ce qui fait l'attrait de Wishbone Ash : une énergie communicative, des harmonies vocales millimétrées et une virtuosité des musiciens qui, loin de sombrer dans le démonstratif, se mettent pleinement au service de mélodies bien troussées. Tous ceux qui ont succombé au charme des opus précédents ne pourront que s'enthousiasmer devant ce nouvel album qui en profite pour corriger les légers défauts de son prédécesseur.
Première bonne nouvelle, les duels de guitare font de nouveau partie du programme. Andy Powell et Laurie Wisefield rivalisent de virtuosité dans des joutes fraternelles et homériques. Finie la simplicité un peu trop directe de "Wishbone Four", les deux musiciens nous brodent des motifs en dentelle, superposant ou alternant le son de leurs instruments, le nouveau venu endossant avec une aisance étonnante le costume laissé vacant par Ted Turner. Les harmonies vocales font elles-aussi leur retour en force, nous rappelant les meilleures heures d'"Argus". Certes, le procédé n'est pas original (pour le groupe) mais c'est tellement bon qu'on en redemande. Enfin, comment passer sous silence l'excellent travail rythmique ? Steve Upton sait faire résonner ses fûts à propos, affirmant sa présence sans noyer l'auditeur sous un déluge sonore inopportun. Quant à Martin Turner, sa basse illumine de sa présence chaque titre, allant jusqu'à voler la vedette aux guitares qui sont pourtant à leur affaire.
Côté compositions, une entrée en matière ciselée affichant le programme de ce qui va suivre ('Silver Shoes'), deux hard-rock de structure classique mais efficace ('Don't Come Back', 'Hometown'), deux ballades dont Wishbone Ash a le secret ('Persephone', 'Lady Jay'), et un long instrumental ('F.U.B.B.', Fucked Up Beyond Belief) très largement improvisé et prouvant, si cela était encore utile, les qualités techniques des quatre compères. Après une première partie principalement constituée d'une grosse ligne de basse inquiétante, les guitares tissent une mélodie construite avant que tous les instruments ne soient pris d'une espèce de frénésie, se la jouant western, la rythmique imitant la cadence saccadée des bielles des roues d'une vieille locomotive à vapeur.
Avec "There's The Rub", Wishbone Ash a renoué avec l'inspiration qui avait présidé à la parution d'"Argus" et dont il s'était volontairement, mais peut-être imprudemment, écarté sur "Wishbone Four". Un incontournable pour tout amateur de ce groupe.
Second Thoughts (1970)
Trouver des fans de McKendree Spring était difficile à faire même lorsqu'ils étaient un groupe actif. Ils ont réussi à traîner assez longtemps pour faire sept albums.
J'ai entendu tous sauf un et je soutiens que c'est de loin leur meilleur. Sur leurs premiers albums, ils étaient connus pour couvrir quelques classiques. Sur "Second Thoughts", ils font une version supérieure de "Fire & Rain" de James Taylor et une interprétation entraînante de l'épopée anti-guerre relativement obscure "What was Gained" d'Eric Andersen.
Les ajouts de batterie sur plusieurs pistes étaient un pas en avant par rapport à leur premier album. Bien que cela ait peut-être fonctionné un peu comme une nouveauté, la batterie aide simplement dans ce cas.
Une écriture plus forte de Fran McKendree sur toutes les pistes originales est cependant la différence entre cet album et les autres. "Friends Die Easy" et "Oh Now My Friend".
Dave Marsh de Rolling Stone détestait ces gars, mais honnêtement, j'ai rejeté ses critiques il y a bien des années.
Sweet Pain - 1970
Quiconque connaît ce disque n'a pas besoin d'être présenté. J'ai tiré de ce disque des informations de base sur le personnel afin que les nouveaux fans à la recherche de disques de blues exceptionnels de l'époque (1969) puissent en profiter. John O'Leary a joué de l'harmonica avec le Savoy Brown Blues Band avant l'enregistrement de Shakedown. Keith Tillman joue de la basse et a été membre fondateur de l'Aynsley Dunbar Retaliation et a brièvement joué avec les Bluesbreakers de John Mayall, et Dick Heckstall-Smith a joué des saxos ténor et soprano avec tant de gens formidables - Alexis Korner's Blues, Inc., Graham Bond Organization, John Mayall's Bluesbreakers et Colosseum sont les noms les plus familiers. Stuart Cowell était un guitariste de session très apprécié dans les cercles de blues, Sam Crozier était un multi-instrumentiste et un bluesman bien connu, Annette Brox est la chanteuse extraordinaire et très talentueuse et l'épouse de Victor Brox du Aynsley Dunbar Retaliation, et Junior Dunn était un batteur populaire et le leader de son propre quatuor de blues.
Si vous êtes un fan de la scène blues de la fin des années 1960 qui était partout au Royaume-Uni et en Europe, cela est fortement recommandé. C'est aussi excitant maintenant qu'il l'était quand je l'ai entendu pour la première fois il y a bien longtemps. C'est un sommet du blues unique en son genre qui fume et qu'il ne faut pas manquer. Le remastering est époustouflant, le son très excitant. Oui, il m'a fallu neuf ans pour rattraper ce CD de 2003. Merci et soyez béni Sunrise Records!
"Jewel In The Crown", publié en 1995, est considéré par beaucoup comme le meilleur album produit par le line up de Fairport Convention qui avait été formé en 1985 pour le projet "Gladys' Leap".
Bien que quelques-uns des morceaux sont auto-composés, l'album regroupe de nombreuses chansons de compositeurs favoris du groupe comme Huw Williams, Ralph McTell et Julie Matthews.
Initialement mixé par Fairport eux-mêmes et leur collaborateur de longue date, Mark Tucker au Woodworm Studios du groupe, six titres ont été re-travaillé par le légendaire producteur Gus Dudgeon, et l'ensemble est généralement considéré comme l'une des plus satisfaisantes des productions post-"Nine" de Fairport.
C'est le dernier album studio enregistré par le line up Nicol, Pegg, Mattacks, Allcock et Sanders.
Trees On The Shore 1970
La pochette de l'album correspond parfaitement à la musique ; la fin du 19e siècle sous acide.
Mon goût personnel penche vers les morceaux plus longs, en particulier "Sally Free and Easy" qui conserve les vibrations folkloriques mais l'apporte vraiment avec le jammin' et la voix de Celia suit la voie douce. Mon autre favori est « Murdoch », vraiment à l'ancienne sur les mélodies folkloriques, mais en ajoutant de la guitare électrique en cas de besoin.
C'est bien de voir comment la musique reproduit un charme du vieux monde tout en lançant de généreuses quantités de solos de psyché-rock, bien que certaines de ces pistes puissent devenir irritantes. Celia a une voix polyvalente, mais parfois sa voix de tête est un peu trop difficile à gérer pour moi. De plus, certaines jams sont meilleures que d'autres, car "Streets of Derry" a ce solo de guitare prolongé qui cuit pendant un moment mais devient progressivement un frein. Je veux dire, il est cool & tout, mais pas tout ça. Mais je dois donner des accessoires à sa livraison fougueuse une fois que "While the Iron Is Hot" apporte la chaleur avec le tempo rapide.
C'est un bon son que ce groupe a, mais individuellement, certaines chansons ne cliquent pas, comme l'ouverture que je trouve un peu maladroite et qui n'est pas la meilleure représentation de la façon dont le reste de l'album roule.
Mais quand même, l'expérience "Jane Austin on LSD" peut être un bon moment, mêlant le rock, le folk et même du prog de manière intrigante.
Redwing - Redwing - 1971
Le premier et de loin le meilleur album de ce quatuor basé à Sacramento, Redwing reste un solide classique du genre country-rock alors naissant. Mais ils n'ont pas été en mesure de développer un public national car leur style s'est transformé vers des styles country plus calmes sur les albums suivants. Cet album se distingue par son travail de guitare solo crépitant, son superbe et économique jeu rythmique et ses arrangements serrés et sans fioritures.Ils rappellent plus qu'un peu la haute énergie de Creedence (ils ont partagé le producteur chez Fantasy) avec des chœurs homogènes rappelant la période "On the Border" des Eagles.
Ayant usé plusieurs copies de la version vinyle de cette sortie, j'ai été ravi de constater qu'elle était finalement transférée sur CD. Bon, force est de constater que ce transfert a été fait à partir d'une source vinyle plutôt que les bandes maîtresses originales (aucune réclamation n'est faite autrement sur l'emballage).Il y a de nombreux 'clics et pops' de vinyle révélateurs, et la compression haut de gamme est la même que sur le disque original.
Je suppose que ce serait trop demander pour un album aussi relativement obscur de recevoir le traitement royal avec un remix et un remaster à partir des bandes originales (et il serait probablement impossible de les sortir des coffres Fantasy de toute façon). C'est bien d'avoir un transfert de CD compétent de ce grand album. J'espère que cela apportera à Redwing plus de reconnaissance qu'ils méritent.
1991 : Sounds From The Fourth World
Le deuxième album de Calvin RUSSELL est celui de la consécration. Le Texan, contre vents et marées, blindé en quasi permanence car plus porté que Lemmy sur le bourbon, amateur et vendeur de substances illicites, impose son style bluesy, la gueule ravagée par plus de dix années passées derrière les barreaux des prisons des USA et du Mexique ! Bref, le gendre idéal !
Sounds From The Fourth World(fi], à l’hallucinante pochette crépusculaire ornée de l’homme au feutre, n’est pas un disque pour fillettes. La beauté des mélodies, la magnificence des paroles, la dramatique voix de Calvin noyée dans l’alcool, ses doigts pourtant agiles qui courent sur le manche de sa guitare en font une œuvre majeure de ces années 90.
"Crossroads" est cette envoûtante mélodie sans âge ni repère, juste une rythmique rampante et entêtante, hypnotique, qui soutient des paroles d’une poésie que l’on ne soupçonnerait pas dans la bouche d’un être humain aussi laid, aussi mal dans sa peau. Le Crossroads, ce symbole du Blues si prégnant, le lieu du serment de Robert Johnson. Qui aura payé un tribut plus lourd que Calvin RUSSELL à cette musique ? Qui décidément doit être celle du diable, si la musique classique est celle des anges. Cette chanson, immuable et intemporelle, inéluctable, comme une dernière marche vers le destin que nous connaitrons tous. Pourtant, l’esprit du morceau n’est pas si macabre, et la guitare est même porteuse de sonorités évoquant plus l’espoir que l’anéantissement. Une merveille ciselée par les mains et l’esprit d’un orfèvre de génie.
A peine moins exceptionnelle, "One Meat Ball" narre les vicissitudes de la vie d’un pauvre hère, affamé et pauvre comme Job. Vous avez dit autobiographique ? On imagine sans peine le pauvre Calvin titubant, faisant la manche pour s’offrir un peu de nourriture. Les deux versions proposées ici ont le mérite de présenter les deux registres le plus souvent pratiqués par le Texan, l’un assez rock’n’roll, presque hard-rock par moments, l’autre plus acoustique. Malgré ma passion pour le gros son, j’avoue une nette préférence pour la version soft, infiniment plus triste, et dont le saxophone velouté résonne encore longtemps après la fin de la chanson.
Du gros son ? Cet album en comporte pas mal. "Maybe Someday" d’abord, que ne renieraient pas les southern bands les plus musclés du type de MOLLY HATCHET ou BLACKFOOT. Le rythme lent et syncopé de "Rockin the Republicans" ne cache pas sa force latente, nouvelle accusation portée contre le gouvernement américain. Si le dicton Nul n’est prophète en son pays s’applique à quelqu’un, notre bon taulard doit être celui-ci ! Totalement inconnu dans son pays excepté pour son casier judiciaire aussi long que Guerre et Paix, c’est la France qui a recueilli Calvin RUSSELL et lui a donné sa chance. Il n’a d’ailleurs de cesse de tourner dans l’hexagone, avec dévotion. En tout état de cause, mieux vaut pour lui ne pas rester aux USA, vu la politique extrêmement conservatrice en matière de possession d’herbe de la plupart des Etats.
"Baby I Love You" ou comment un germe d’espoir nait dans l’esprit d’un homme désespéré, pour une jolie comptine d’amour au refrain plus insouciant.
"Down Down Down" est une chanson qui me rappelle celle que notre bon Lucky Luke chante à la fin de ses aventures : I’m a Poor Lonesome Cowboy. Sur un thème presque optimiste, Calvin narre une autre portion de vie.
Une vision du désespoir, ce quatrième monde au goût acre de poussière. On y retrouve tous les ingrédients de l’envers du rêve américain : la prison, l’alcool, la drogue, la pauvreté, la saleté, la solitude, la violence. « Le dormeur doit se réveiller » ? Merci Calvin pour tant de vérités, même si elles ne sont pas toujours bonnes à dire. La réalité est souvent décevante.
1976 : Locked In
J'ADORE quand cela arrive ! À l'origine, je n'aimais pas Locked In mais le temps guérit toutes les blessures, et... les opinions changent et... certains d'entre nous deviennent plus ouverts d'esprit avec l'expérience... et... oh je vais juste me taire et aller droit au but. En fait, j'AIME vraiment Locked In maintenant !!
"Rest In Peace" n'a rien à voir avec le son médiéval que Wishbone Ash a maîtrisé sur ses cinq premiers albums, mais ce qu'il manque dans cette catégorie, il le compense dans une toute autre - c'est une extravagance country/rock ! Eh bien, c'est peut-être un peu exagéré, haha. J'aime l'atmosphère édifiante de la mélodie vocale, mais là où cette chanson excelle, c'est dans le jam de guitare. En fait, ça me rappelle un peu le Marshall Tucker Band. Le genre rock sudiste donne l'impression d'avoir joué une influence ici, et la chose la plus étonnante à propos de "Rest In Peace" est la façon dont les vrais riens sont vraiment mélodiques et *géniaux*. Une des meilleures chansons ici.
"No Water in the Well" est essentiellement du soft rock pur. Une ballade romantique, si vous voulez. Le style de chant ne semble pas naturel pour le chanteur principal, et en fait, c'est l'une des rares occasions où je pense qu'il exagère vraiment son style. C'est quand même pas terrible. Il avait juste besoin de retenir un peu sa voix.
"Moonshine" nous ramène au country rock dont la chanson d'ouverture a donné le ton. Je pense vraiment que c'est vraiment bien. La partie "when you see through a haze" de la mélodie vocale est VRAIMENT accrocheuse. Je suis content que cela se répète plusieurs fois.
"She Was My Best Friend" est une tendre ballade, mais c'est mieux que ce que je pensais au départ. Maintenant que je l'entends à nouveau, je me rends compte que c'est vraiment très beau.
"It Started In Heaven" me rappelle TELLEMENT une autre chanson des années 70 qui est sur le bout de ma langue mais je ne m'en souviens tout simplement pas. Oh ! Un point faible cependant, car c'est trop banal. Avec CELA à l'esprit, je l'aime toujours. Oui, c'est vrai - malgré toutes les critiques que Locked In a reçues au fil des ans, il s'avère que la pire chanson de l'album est toujours sympathique. Imaginez ça?
"Half Past Lovin" s'éloigne du country rock et des ballades et livre juste une spectaculaire mélodie vocale funky et blues rock avec un *grand* solo de guitare. Un point culminant.
En fait, les deux chansons suivantes sont encore meilleures. "Trust In You" a une mélodie vocale si belle que vous jureriez que cela aurait dû être sur Argus, et le solo de guitare soigneusement dispersé tout au long de la chanson est la cerise sur le gâteau pour moi. Je l'aime. "Say Goodbye" est une ballade puissante avec une mélodie et un refrain assez répétitifs, mais c'est vraiment bon donc je ne vais pas me plaindre.
Dans l'ensemble, c'est en fait un très bon album après tout. La négativité est probablement responsable du fait que Locked In est différent et plus doux que les 5 albums précédents de Wishbone Ash, ce qui est compréhensible.
Cependant, négligez cet aspect et concentrez-vous sur l'écriture des chansons, et vous avez vous-même un très bel album.
Badlands 1989
En mettant l'accent sur le brut. Pour 1989, ce genre de production était inouï. Vous pouvez tout entendre sur cet album, vous pouvez entendre les doigts de Jake parler. Très peu d'embellissement passe ici.
Badlands était presque une sorte de supergroupe : Ray Gillen ( ex-Black Sabbath ), Jake E. Lee (ex Ozzy Osbourne), Eric Singer (également ex-Black Sabbath, maintenant dans Kiss) et Greg Chaisson (ex-nobody significatif). Jake s'était toujours plaint qu'il n'avait pas d'exutoire pour jouer du blues dans le groupe d'Ozzy, donc c'est sa version du blues, et c'est dur comme l'enfer ! Le groupe avait aussi une vision d'un album à deux faces : une première face rock plus dure, et une seconde face plus blues avec des morceaux plus longs.
"High Wire" donne le coup d'envoi à Badlands avec le son de guitare brut et dépouillé de Jake. Le producteur Paul O'Neill (Savatage, Trans-Siberian Orchestra) dirigeait également Badlands, et son travail de production ici est complètement différent des couches sonores pour lesquelles il est mieux connu. Les effets sont réduits, et la guitare de Jake est très différente de The Ultimate Sin. Un morceau groovy excitant, "High Wire" est entraîné par le riff et la voix principale à la Coverdale de Gillen.
Le single "Dreams In The Dark" est le suivant, ce qui se rapproche le plus d'une chanson commerciale que cet album obtient. Il a un refrain fort, instantanément mémorable, mais vous serez pardonné de penser que c'est une sortie de Whitesnake au début. Un bref instrumental précède ma chanson préférée, « Winter's Call ». C'est aussi proche que possible d'une ballade sur cet album, et uniquement parce que son intro est lente et acoustique. Cependant, une fois que ce premier riff entre en jeu, il n'y a pas de retour en arrière. Les motifs de batterie d'Eric Singer sont complexes et percutants. La chanson elle-même est atmosphérique et me botte toujours le cul toutes ces années plus tard. C'est contagieux, comme un vieux morceau de Zeppelin. J'entends du sitar!
Une paire de rocks termine la première face, "Dancing On The Edge" (un rock brut accéléré avec un grand refrain) et "Streets Cry Freedom" un morceau torride et plus lent comme un classique de Coverdale en rodage. Les deux chansons sont remarquables.
La face deux commence par un rock sérieux, "Hard Driver", mais à partir de là, c'est aux longs morceaux bluesy plus lents dont le groupe a parlé. « Rumblin' Train » est le morceau le plus blues, et « Devil's Stomp » est aussi heavy que le titre l'indique. "Seasons" est un morceau lent et morose, brillamment dramatique grâce à la voix émotive de Gillen.
Badlands a fait quelques autres albums, mais celui-ci est mon préféré. Le critique Martin Popoff lui-même évalue celui-ci à 10/10.
Jasper Wrath - 1971
Pop psychédélique avec des éléments folk et proto-prog. Le groupe ne peut en quelque sorte être associé au progressif qu'à travers l'utilisation massive de la flûte et la composition Roland of Montevere.
La musique du groupe est très mélodique, mais l'accent est toujours mis sur le chant. Tous les participants chantent. Et je dois dire qu'ils chantent très bien. Pour moi, cet album de Jasper Wrath s'apparente au début des années 70-72 d'Uriah Heep. Malgré toute leur dissemblance, après écoute, l'arrière-goût d'un conte de fées demeure.
Étonnamment, la principale contribution à l'écriture des chansons a été faite par le batteur, et le guitariste avait le moins de talent de composition.
Le groupe était un peu en retard (bien qu'à cette époque très souvent un an de retard était déjà éternel) en retard sur la sortie de l'album. C'est le style de 1967-1969. Et apparemment, c'est l'une des principales raisons de l'échec commercial.
Un très bon album.
McKendree Spring 3 (1972)
Une petite augmentation de volume et peut-être une petite baisse de qualité décrit le 3e album de McKendree Spring.
C'est l'album où le violoniste électrique Mark Dreyfuss commence à se faire connaître. À cette époque, "Down By the River" était souvent repris jusqu'à la nausée, mais c'est une version que j'ai vraiment appréciée (à part celle de Neil bien sûr).
Une autre vedette est leur "Flying Dutchman" auto-écrit qui est probablement l'une des chansons les plus rock du catalogue. "Feeling Bad ain't Good Enough" parle de la prochaine meilleure chanson. La plupart des autres, comme leur reprise de "Heart is Like a Wheel" d'Ann McGarrigle ou "Oh, in the Morning" d'Arlo Guthrie, ne sont que moyens.
L'album se termine par les 9 minutes de "God Bless the Conspiracy". Une superbe chanson qui rocke pendant environ deux minutes puis se transforme en un Dreyfuss qui vole la vedette en triturant son violon pendant sept autres minutes.
Il n'y avait eu que deux albums de Manassas parus à l'époque, faisant allusion à d'autres grandes choses à venir, mais malheureusement qui ne venaient pas.
Il aura donc fallu plus de quarante ans pour que ces extraits de prises et de morceaux en live soient émis, mais ça valait vraiment la peine d'attendre! Il y a une bonne sélection de morceaux jamais entendus auparavant, qui montrent les différents styles de guitare et de chant, certains en Espagnol, qui font souhaiter qu'il y ait eu plus d'enregistrements live réalisés par ces musiciens.
En effet, en 2009 est tombé du ciel, grâce au label Rhino, le fameux "Pieces", qui réunissait quelques inédits de sessions, des versions alternatives de titres de l’époque qui suffisent amplement au plaisir de l'auditeur et à raviver la mémoire d’un groupe créatif et vitaminé beaucoup trop sérieusement négligé.
L’offre, axée sur une quinzaine de morceaux, des documents inédits des sessions originales de Manassas, est excellente et de belle qualité sonore. C’est très intéressant après la maigrichonne discographie du groupe.
Manassas n’était certainement pas le fruit du hasard, la preuve se situe dans cette belle rétrospective enregistrée en 1973.
Cela démontre encore une fois que Stills aura été un formidable catalyseur de talents pour un épisode trop court qui a laissé bien des regrets. Regrets d'autant plus forts après la sortie de cette bonne surprise que l'on n'imaginait réellement plus possible...
Alors, du coup, il pourrait peut-être exister d'autres traces d'enregistrement exploitables, issues d'autres sessions à Miami ou dans le Colorado, de concerts ou de plateaux TV...
Mais, en attendant, il ne faut pas passer à côté de celui-ci pour au moins quatre bonnes raisons:
1) les versions des titres sont excellentes, et parfois même supérieures à celles connues sur d'autres albums.
2) la qualité de prise de son et le mixage sont très bons avec des résultat plus conformes aux standards actuels.
3) le côté Bluegrass (quelques titres) est intéressant avec une version incroyable de "Do you remember the américans", avec Byron Berline au violon, Roger Bush à la contrebasse... et bien sur Chris Hillman à la mandoline, qui n'a rien a envier à la version retenue sur "Down the Road".
4) les titres écrits par Chris Hillman dont "Lies" dans lequel apparait un certain Joe Walsh sont excellents.
Cet album montre ce qui aurait pu être à l'apogée de Manassas. Il n'y a qu'une seule chanson un peu plus faible, "Like a Fox", qui fut aussi en son temps rejetée par Crosby, Stils and Nash, mais tous les autres sont une joie à écouter. La qualité sonore est bonne, souvent même très bonne.
Aussi, vu comme une des plus grandes formations des seventies par certains initiés, Manassas mérite amplement une réhabilitation dans les règles. Le mieux pour se convaincre du statut de 'Terrific Band' tel que le définissait alors Stills, est d'écouter ou de ré-écouter cette discographie sans aucune retenue.
Stills y tient, évidemment, le rôle central, fort d’une stature alors à son faîte. C’est le Stills que l'on l’aime, celui qui a influencé le Rock Californien, appuyé en cela par un lot de lieutenants qui s’engagent sans compter, sans retenue, en toute confiance.
Le rendu est plus que convaincant pour juger que la réputation de Manassas était loin d’être surfaite...
Mattacks occupé avec d'autres projets, Fairport Convention se déplace vers un format acoustique pour tourner et publier l'album unplugged ""Old, New, Borrowed Blue" sous l'appellation "Fairport Acoustic Convention" en 1996.
Pendant un temps, le quatuor acoustique avait existé parallèlement au format électrique, un peu comme les Strawbs.
"Old New Borrowed Blue", sorti en 1996, est le premier album du groupe entièrement acoustique en 29 ans.
Moitié studio, moitié live, il a été enregistré pour faire connaître une tournée aux États Unis et il est composé de reprises, de nouvelles chansons et de morceaux classiques datant de début de la carrière du groupe.
Dave Mattacks, qui jouait de la batterie et des instruments électroniques pour les albums précédents, est absent.
La musicalité est parfaite et les vocaux de Simon Nicol et Dave Pegg sont tout à fait extraordinaires.
Commençant comme l'un des nombreux groupes de musique beat des années 60 qui se tournaient vers l'Angleterre plutôt que vers leur scène underground allemande locale, SUBJECT ESQ a commencé humblement en 1966 sous le nom de The Subjects mais changera son nom en 1968 pour SUBJECT ESQ. Le groupe sortira cet album unique sous ce surnom en 1972 avant de changer de vitesse une fois de plus et de changer son nom de groupe en Sahara sous lequel ils sortiront deux albums supplémentaires. Basés à Munich, The Subjects devenu SUBJECT ESQ étaient plus intéressés par la création d'un son de guitare mélodique teinté de hard rock qui utilisait des paroles en anglais et incorporait des touches d'éléments plus progressifs tels que le jazz-rock et certaines caractéristiques psychédéliques.
Le groupe a passé de nombreuses années sur la scène locale à perfectionner ses compétences avant de se lancer dans l'enregistrement et la sortie de cette sortie éponyme SUBJECT ESQ et donc ce premier album sonne comme s'il avait été livré par un groupe chevronné qui avait réussi à perfectionner leurs mélodies des Beatles, des Who, inspirées et a incorporé une saveur plus locale avec du jazz-rock de style Embryo qui offrait des entraînements progressifs étendus intéressants qui s'étendaient au-delà du processus d'écriture de chansons fortement mélodiques. Le groupe à ce stade était composé de Michael Hofmann (flûte, sax alto, chant), Peter Stadler (claviers), Stephan Wissnet (basse, chant), Alex Pittwohn (harpe à bouche, guitare acoustique 12 cordes, chant) et Harry Rosenkind ( batterie) mais le groupe ajoutera encore plus de musiciens au fur et à mesure qu'ils continueront à tourner.
SUBJECT ESQ est un très bon exemple de musique complètement inconnue selon les normes d'aujourd'hui, qui était ridiculement bonne et me laisse me demander pourquoi ces gars n'ont pas été relégués à un niveau historique plus élevé. Les crochets mélodiques sont solidement addictifs car ils vous entraînent immédiatement avant que les arrangements ne soient autorisés à se développer en complexités plus intrigantes. Bien qu'il ne s'agisse pas exactement de jazz-fusion, les éléments de jazz sont extrêmement forts car ils accompagnent les parties de guitare hard rock, mais font tout aussi partie intégrante du son général du groupe que le sont la guitare et la basse. Les prestations vocales sont exceptionnelles. Les voix des groupes allemands de l'époque peuvent être loin d'être optimales pour le style musical, mais plusieurs chanteurs présentent des harmonies très fortes ainsi qu'une maîtrise instrumentale allant de techniquement habile à ridiculement ludique.
SUBJECT ESQ fut l'une des légendes du prog underground de la région de Munich à l'époque mais n'a malheureusement jamais vraiment percé au-delà du marché allemand. Avec un son éclectique qui faisait partie du rock anglais, y compris une performance de flûte Jethro Tullesque, une dominance rock jazzy et un fort élément folk américain qui rappelle un peu Crosby, Still et Nash, il n'est pas étonnant que le groupe ait été très populaire dans leur région car tous les membres ont maintenu une solide maîtrise de l'instrumentation et de la prestation musicale. C'est l'un de ces albums dans lesquels vous pouvez dériver des décennies plus tard et les accroches mélodiques sont si fortes qu'elles vous entraîneront instantanément et vous laisseront vous demander pourquoi vous n'en avez pas entendu parler auparavant et pire encore, vous vous demanderez combien d'autres excellents groupes du même acabit ont également été perdus au profit de la majeure partie des produits dans les bacs historiques. Ce fut une surprise mais agréable. Un album super fort qui mérite d'être redécouvert.
1976 : New England
Cet album est aussi bon que le disent la plupart des fans d'Ash. Cependant, je ne trouve pas une grande amélioration par rapport à "Locked In". J'ai passé en revue cet album et mes opinions à ce sujet se trouvent sous cette rubrique. Lyriquement, c'est un joli compagnon de "Locked In" et musicalement, il a une sensation plus mature et une meilleure production que l'ensemble précédent.
"(In All My Dreams) You Rescue Me", "Lorelei", "When You Know Love", "Lonely Island" et les instrumentaux "Outward Bound" et "Candle-Light" sont soigneusement pensés, parfois subtils et toujours des morceaux magnifiquement construits avec cette double attaque de guitare immédiatement reconnaissable qui vous permet de savoir que vous écoutez Wishbone Ash et personne d'autre.
L'ouverture de l'album "Mother of Pearl" prouve qu'Ash sait attirer votre attention. Il y a une guitare brûlante sur celui-ci et cette section rythmique costaude qui soutient le tout. Un véritable point fort de ce set (mis en évidence sur la version remasterisée) est les lignes de basse inhabituelles et aventureuses de Martin Turner. Il ajoute vraiment une profondeur supplémentaire intéressante à des chansons déjà intrigantes.
Il s'agit, encore une fois, d'un ensemble mature qui dégouline d'une classe authentique, une denrée assez rare d'un groupe de rock ne travaillant pas dans l'idiome distinctement "rock progressif".
Non pas que cette musique ne soit pas progressive dans le vrai sens du terme ! Cet album est un plaisir du début à la fin et vous devez aimer cette transition entre (In All My Dreams) You Rescue Me" et "Runaway" ! Des cris de grillons et des sons de nuit endormie vous bercent temporairement jusqu'à ce que BAAAAM ! !! C'est comme si Ash disait "Hé mec, nous sommes un groupe de rock, souviens-toi !"
Robert Fripp, de King Crimson, était un autre maître de cette tactique surprise. Cette séquence pourrait même faire sourire le visage surpris de Fripp.
1992 : Soldier
Il faut donner un successeur à la bombe que fut l'opus des bruits du quatrième monde, le monde où vit Calvin, celui des marginaux et des asociaux. A priori, on garde la même recette, pas de raisons de changer une formule gagnante. En outre, il semble peu probable que notre loustic à la gueule cabossée et échappé de taule se mue du jour au lendemain en un maniaque du top 50 ou en séducteur. Ici, c'est le règne de la castagne et du bourbon frelaté, les gars. Bah, vos gonzesses vont aimer de toute façon, pas de danger. La pochette désertique ne fait que confirmer l'ambiance qu'on est en droit d'attendre à son écoute et voila donc le troisième album de Mr RUSSELL.
Débutons par le commencement, c'est toujours plus simple. Les premiers accords de "Soldier" qui retentissent nous replongent d'emblée dans l'ambiance du classique "Crossroads", présent sur la précédente livraison. Même voix, même ambiance crépusculaire, même ton désabusé, même efficacité. Malgré la ressemblance, c'est très réussi, et agrémenté d'un solo de gratte de l'espace ! La folky "I Dreamed I Saw" nous explosent instantanément les esgourdes. C'est beau ! Ca sonne pourtant si simple. Le talent est là, sur cette petite mélopée toute bête, mais si mignonne. "This Could the Day" atteint des sommets de désespoir, qui décrit sans doute la perte de repères que subissent les inmates dans une cellule. Les heures passent les jours passent, les années s'égrènent... Un titre fantomatique, sans doute le plus triste jamais composé par Calvin RUSSELL.
Les amateurs de gros son trouvent aussi de quoi sustenter leur passion : ainsi, "Character" propose un riff hard qui dépote fort bien. Le mélange de folk et de distorsion passe remarquablement, sans sonner pour autant 'southern', et l'adjonction du Hammond nous ramène à des considérations presque seventies. D'un autre côté, "We're "Down in Texas", il y a ici une vraie tradition et ça s'entend ! La lancinante "This is Your World" ne peut que confirmer que l'artiste est aussi un rockeur pur et dur, ce titre classe prendra plus tard toute sa dimension en live.
Enfin, "Rats and Roaches" nous fait repartir sur des contrées bluesy, l'épicentre de la zique composée par Calvin. On n'oublie pas les chansons pour boire. Ecoutez donc cette ode à la beuverie qu'est "Shackeless and Chains". On se croirait dans un village du far west en 1850, en compagnie d'un joli troupeau d'ivrognes. Et comme souvent, il y a avec "White Rails" un petit rock'n'roll aux réminiscences country blues bien agréables.
Chez Calvin, il n'y a guère de déchets, on évolue dans les sphères rock, folk, blues ou même hard avec le même bonheur. Mais on reste tout de même en attente du titre sublime. Il y en a ici plusieurs, faisant incontestablement de ce cru l'égal du précédent. Un disque très recommandable, et avec lequel vous pouvez aisément débuter la discographie de Monsieur Calvin RUSSELL.
Majic Ship - 1970
Sorti à l'origine sur le label Bel-Ami en 1970, "Majic Ship" est un album qui a suscité beaucoup plus d'attention après sa naissance. C'est bien beau, mais de telles distinctions auraient dûment profité au groupe de Brooklyn à plus grande échelle pendant qu'il était actif. Parce que le disque était pressé sur une petit label, la distribution était limitée, ce qui équivalait bien sûr à une exposition restreinte. Si un public plus large avait pu entendre "Majic Ship", le groupe n'aurait certainement pas sombré dans l'obscurité comme il l'a fait.
Il y a quelques années, Gear Fab Records a ressuscité l'album au format numérique à quelques reprises, avec l'un des packages contenant des bonus des pistes. Le disque en cours de révision n'est cependant disponible qu'en vinyle.
Débordant à toute vapeur avec des sons psychédéliques hard rock, "Majic Ship" est encore enrichi par une solide musicalité et une écriture compétente. Composé du chanteur Mike Garrigan, du lead guitariste Phil Polimeni, du guitariste rythmique Tommy Nikosey, du batteur Rob Buckman et du bassiste et organiste Gus Riozzi, le groupe se vantait d'avoir un rapport impeccable, et le mot dit qu'ils étaient également une attraction live.
Enduit de riffs saccadés et des tempos enroulés, le punch puissant de "Nightmare" intervient comme une excellente imitation de the Who, tandis que "Cosmo's Theme" est un instrumental bourdonnant, "Sioux City Blues" crie et grésille avec détermination au son sifflant des guitares fuzz, et l'électricité crépitante de "Life's Lonely Road" palpite avec des grooves de rock acide pénétrants. Une sensation chaleureuse et relaxante charge l'état d'esprit méditatif de "Where Are We Going" et de "Wednesday Morning Dew", "Too Much" esclave d'un rythme solide et régulier, et d'un mélange de "Down By The River" de Neil Young et "For What It's Worth" de Buffalo Springfield est marqué par une jam croustillante et croquante.
Consommé par des crochets fringants, une énergie brute et des voix qui se pavanent, éclaboussé d'une pointe de soul, "Majic Ship" est destiné à produire des tope là par des fans de groupes comme Steppenwolf, Iron Butterfly, Nazz et Spirit.
L'existence de Majic Ship a pris fin en 1971 lorsque leur équipement a été emporté par un incendie.
"Majic Ship" est fortement recommandé.
Snowy White's Blues Agency est un groupe de Blues Britannique composé de Snowy White – guitare solo , guitare rythmique, de Graham Bell – chant , harmonica, de Kuma Harada - basse et de Jeff Allen – batterie , percussions.
Le premier album de cette formation, "Change My Life' est sorti en 1988.
White avait retenu les services du bassiste Kuma Harada, qui avait figuré sur ses trois premiers albums solo, et ils ont été rejoints pour cet album par le chanteur Graham Bell, qui avait auparavant travaillé avec Skip Bifferty et Long John Baldry.
Cet excellent disque comporte cinq titres originaux et sept reprises de vieilles chansons de Blues.
