Legend 1971
Une réédition remasterisée avec des titres bonus du deuxième album d'un groupe de pub rock rare et très recherché dirigé par l'un des pionniers du rock and roll "root" britannique, Mickey Jupp.
Ils jouent du rock 'n' roll chic avec des morceaux d'accompagnement doo-wop nostalgiques. Le son et le style anticipent clairement le néo-rockabilly et les rockeurs roots des années 80. Genre et groupe idéologiquement proche, Dr. Feelgood a repris leur chanson "Cheque Book" (voir piste #2) et c'est devenu un tube.
Mickey Jupp a commencé à se produire sous son propre nom dans la même soirée pub-rock, mais encore une fois, il n'a pas reçu beaucoup de renommée. Malheureusement!
À en juger par l'album, il a composé des chansons originales et énergiques avec une teinte ironique. Le producteur de disques ici est Tony Visconti (il a attiré le batteur Billy "Legend" Fifield vers T. Rex).
Brian Davison's Every Which Way
Quelques mois après la dissolution de the Nice, le batteur Brian Davison monte un nouveau groupe qu'il souhaite appeler Every Which Way et enregistre ce qui s'avère être son seul album solo.
Sorti en 1970, il a été reçu avec indifférence et reste à ce jour cruellement sous-estimé. Alors que son collègue Keith Emerson, ex-Nice, forme le trio de rock progressif Emerson, Lake & Palmer, Davison recrute des musiciens inconnus pour trouver un nouveau son, loin de la pompe classique de son ancien groupe.
Le résultat est un album de rock délicieux, très délicat et doux pour la plupart, teinté de blues et de soul et rappelant les albums de Savoy Brown du début des années 70, mais aussi d'Oblivion Express de Brian Auger. Plus important encore, Davison ne prend jamais un rôle de premier plan, gardant son jeu de batterie intelligent et efficace, mais fermement ancré dans l'arrière-plan.
Le claviériste et chanteur Graham Bell a écrit la plupart des morceaux. Le guitariste John Hedley (qui a disparu après ce LP) fait un excellent travail dans le plus énergique "All in Time". Le futur bassiste de Procol Harum, Alan Cartwright, apporte sa touche distinctive à la musique. Le saxophoniste/flûtiste Geoffrey Peach (plus tard dans Lake) joue avec beaucoup d'âme, évoquant un croisement entre Elton Dean sur Third de Soft Machine et Mel Collins sur Islands de King Crimson.
La musique est d'une simplicité trompeuse, avec des arrangements exquis et des voix captivantes. Le morceau d'ouverture, "Bed Ain't What It Used to Be", est le pionnier d'un genre de ballades blues-rock sobres qui deviendra plus courant dans les années 1990. "The Light" est l'autre point fort et sonne comme si Van der Graaf Generator jouait du blues.
La simplicité a rarement sonné aussi convaincante. Every Which Way est un trésor insoupçonné, caché parmi les piles d'albums mineurs liés au prog rock des années 1970.
Spring Suite (1973)
McKendree Spring n'était certainement pas un groupe folk-rock américain ordinaire. Ils n'ont pas été influencés par les Byrds ou CSNY. Le Dr Michael Dreyfuss jouait du violon, mais on ne pouvait pas les comparer à It's a Beautiful Day. Le fait que le groupe soit originaire du nord de l'État de New York signifiait qu'ils n'avaient pas à jouer selon les règles de la Californie. Le groupe n'avait souvent pas de batteur (bien que plusieurs de leurs albums aient de la batterie, Spring Suite n'en faisait pas partie). Ils avaient Fran McKendree à la guitare et au chant, Christopher Bishop à la basse et au chant, Martin Slutsky à la guitare et, comme déjà mentionné, le Dr Michael Dreyfuss (apparemment déjà d'âge moyen lorsque ce groupe a commencé) au violon.
C'était essentiellement un groupe avec des musiciens qui avaient un amour pour la musique folk et country, mais aussi pour la scène rock progressive qui était populaire à l'époque, en fait, si Je ne me trompe pas, ils ont ouvert une fois pour Emerson, Lake & Palmer, quelle étrange facturation! Ils n'avaient pas peur d'inclure des éléments de rock progressif dans leur musique, ce qui signifiait qu'ils étaient en quelque sorte un groupe de country/folk-rock progressif. Si cela ressemble à une combinaison étrange, c'est le cas, mais cela fonctionne plutôt bien, du moins sur Spring Suite.
Spring Suite de 1973 était leur quatrième album, sorti sur le label MCA (car MCA a pratiquement pris le relais de Decca à ce stade), et était ce rare exemple d'un groupe américain utilisant une pochette d'album de Roger Dean. Cette pochette ressemble beaucoup à une pochette d'album de Yes (ce n'est pas une surprise, étant donné son implication avec Yes à l'époque), mais n'achetez pas cela en pensant que le groupe est maintenant soudainement comme Yes, car ils ne ressemblent en rien à Yes.
Ils sont même allés en Angleterre pour enregistrer cet album, mais ont totalement gardé cette ambiance folk et country américaine, avec les tendances rock progressif qui se sont souvent glissées dans leur musique. Cette fois, ils ne semblaient pas reprendre les chansons d'autres personnes, ou s'ils le faisaient, c'était de quelqu'un que je ne reconnais pas (parce qu'il y a une chanson qui n'est pas écrite par le groupe).
"Equinox" et "Winter" montrent le plus les tendances prog, notamment la présence de quelques synthés Moog, et quelques tendances symphoniques mineures. "I Was Born" montre plus de ce penchant créatif, passant par plusieurs humeurs et changements tout au long. "Today's the Day" montre leurs influences américaines à la vue de tous, avec une ambiance folk/country plutôt agréable et décontractée.
Donc, si vous en avez marre de trop de clones de Byrds et de CSNY qui composaient la scène folk-rock américaine, vous serez très heureux avec le son beaucoup plus unique de McKendree Spring, et Spring Suite est un excellent album à obtenir !
Legend 1971
Une réédition remasterisée avec des titres bonus du deuxième album d'un groupe de pub rock rare et très recherché dirigé par l'un des pionniers du rock and roll "root" britannique, Mickey Jupp.
Ils jouent du rock 'n' roll chic avec des morceaux d'accompagnement doo-wop nostalgiques. Le son et le style anticipent clairement le néo-rockabilly et les rockeurs roots des années 80. Genre et groupe idéologiquement proche, Dr. Feelgood a repris leur chanson "Cheque Book" (voir piste #2) et c'est devenu un tube.
Mickey Jupp a commencé à se produire sous son propre nom dans la même soirée pub-rock, mais encore une fois, il n'a pas reçu beaucoup de renommée. Malheureusement!
À en juger par l'album, il a composé des chansons originales et énergiques avec une teinte ironique. Le producteur de disques ici est Tony Visconti (il a attiré le batteur Billy "Legend" Fifield vers T. Rex).
Avec leur huitième album studio Front Page News, Wishbone Ash, profondément anglais, était enfin devenu un groupe "américain". D'une part, bien sûr, ce fait avait quelque chose à voir avec le fait que les États-Unis étaient depuis longtemps devenus son pays d'adoption ; d'autre part, ils essaient depuis des années, avec un désespoir croissant, de traduire leurs succès indiscutables en tant que groupe live en chiffres de ventes correspondants sur le plus grand marché du disque au monde.
Le guitariste Andy Powell a déclaré dans une interview contemporaine : « La musique américaine est beaucoup plus détendue, beaucoup plus légère, beaucoup plus reposante. (...) Pas mal de groupes anglais préfèrent les gammes mineures. Je pense que cela a beaucoup à voir avec la musique folk britannique, qui utilise essentiellement des gammes mineures. Les groupes américains, en revanche, utilisent souvent des gammes majeures.
Wishbone Ash est de nouveau passé entre les mains des producteurs Ron et Howard Albert, qui ont donné à leur nouvel opus un son encore plus lâche, plus détendu et à la West Coast. Non seulement la chanson titre rappelait les Eagles, mais dans "Goodbye Baby, Hello Friend", des motifs subliminaux du hit américain "Rihannon" de Fleetwood Mac sont apparus. Parfois, ils travaillaient même avec des cordes collantes ("714") ou des cordes et un saxophone (!) ("The Day I Found Your Love"). Les vrais fans ont inévitablement dû se retourner l'estomac.
D'autre part, la volonté de musique rock prévaut toujours. "Midnight Dancer" était cool mais pas très excitant, "Come In from the Rain" était facile à vivre et légèrement bluesy. Les licks directs sur "Right or Wrong", qui tend vers le hard rock, rappellent Bad Company, Foreigner et AC/DC.
L'atmosphère des beaux jours d'autrefois se retrouvait très probablement dans "Surface to Air" et le "Diamond Jack" conclusif, qui indiquait déjà le prochain album très réussi No Smoke Without Fire .
A l'époque je n'aimais pas du tout ce disque. Aujourd'hui je le vois un peu différemment, car finalement c'est une oeuvre aérienne avec de très belles chansons,les Eagles pouvaient s'adapter. Ce qui manquait encore à Wishbone Ash, c'était pourtant un carton, puisque ni la chanson-titre ni "Goodbye Baby, Hello Friend" n'ont réussi à réussir en single, ce qui rétrospectivement est à la fois incompréhensible et regrettable.
Front Page News atteint quand même la 31e place en Angleterre durant l'année punk 1977, mais ne parvient pas à se placer dans les charts aux USA ou en Allemagne. Et ainsi le groupe a continué à se voir refuser un grand succès.
Lorsque Allcock avait quitté Fairport Convention, il avait été remplacé par Chris Leslie au chant, à la mandoline et au violon.
Cela signifiait que, pour la première fois depuis sa reformation, Fairport Convention reconnaissait un auteur-compositeur qui contribuait significativement à la production du groupe sur l'album "Who Knows Where the Time Goes" paru en 1997, en particulier sur l'éveillé "John Gaudie".
C'est un mélange de morceaux studio et de titres live enregistrés à Woodworm Studios, Oxfordshire, le Festival Cropredy 1995 et le Fairport Convention Winter Tour 1997.
Legend 1971
Une réédition remasterisée avec des titres bonus du deuxième album d'un groupe de pub rock rare et très recherché dirigé par l'un des pionniers du rock and roll "root" britannique, Mickey Jupp.
Ils jouent du rock 'n' roll chic avec des morceaux d'accompagnement doo-wop nostalgiques. Le son et le style anticipent clairement le néo-rockabilly et les rockeurs roots des années 80. Genre et groupe idéologiquement proche, Dr. Feelgood a repris leur chanson "Cheque Book" (voir piste #2) et c'est devenu un tube.
Mickey Jupp a commencé à se produire sous son propre nom dans la même soirée pub-rock, mais encore une fois, il n'a pas reçu beaucoup de renommée. Malheureusement!
À en juger par l'album, il a composé des chansons originales et énergiques avec une teinte ironique. Le producteur de disques ici est Tony Visconti (il a attiré le batteur Billy "Legend" Fifield vers T. Rex).
1995 : Dream Of The Dog
Nous retrouvons le taulard antisocial au sortir de son troisième album. La personnalité est posée, le marketing joue sur les ambiances propres à Calvin et, cette fois, nous avons entre les mains une peinture d'obédience amérindienne qui rappelle à chacun les origines Comanches du Texan. Ce Dream of the Dog n'est rien d'autre qu'une légende primitive, littéralement un rêve de nature, de retour à l'état sauvage. Ce qui n'est guère étonnant quand on étudie les capacités d'inclusion de l'artiste dans la société moderne. Voici donc la suite d'une discographie fort bien entamée sous un soleil plus français qu'européen !
"Don't Turn Your Head" reprend les ingrédients passés en ajoutant une dose de modernité. C'est à la fois folk et rock, avec un esprit sans concessions. La gratte tonne et déchire avec beaucoup d'agressivité. Tu m'étonnes que le Calvin soit aimé de la communauté des Hardeux. Du folk Hard de belle extraction, nanti de jolis choeurs féminins, on n'est pas si loin des thèmes chers à BLACKFOOT, ça c'est de la quadrature du cercle ! "Keepin' the Demons Down" est un blues lent dans une veine classique. Pas révolutionnaire pour deux ronds, mais de belle tenue. Un joli bridge en prélude à un refrain qui a guidé la vie de Calvin avec une constance démoniaque. Chacun ses démons ! On atteint le top sur "So Blue", crasseuse à souhait, et tout à fait à l'image du chanteur à la tronche dévastée. Un blues-rock de superbe extraction, au refrain qui marque au fer rouge.
Son fond de commerce, les chansons crépusculaires mi-bluesy mi-folky sont à nouveau de la partie, comme il se doit. Ainsi "Trouble" ne s'embarrasse pas de détails, c'est chaud, chaud et avec un trop plein de souffrance. C'est beau et l'orchestration tient la route avec beaucoup d'a-propos. La voix de Calvin est presque propre malgré tout, doublée par une guitare toujours volubile. Le folk reprend définitivement ses droits sur "The Answer" : quand on a composé "Crossroads", on se doit de retrouver l'esprit des chansons maudites. Celle-ci n'échappe pas à la règle. L'orchestration est belle, pas de faiblesse : un des titres majeurs de cette livraison.
Pas mal de hard-rock de facture classique dans cette galette : "We Can Live Together" est basique dans sa conception, mais très sympa. Plus loin, on croirait presque les frangins Young d'AC/DC sur "All We Got is Rock'n'Roll" et c'est à nouveau très jouissif. Dédiée aux femmes, "You'll Get Yours" est une complainte de plus sur le destin brisé des pauvres rock stars, avec une gratte qui s'arrache bien. On reprend les thèmes du voyageur ultime sur "Valley Far Below" où Calvin narre une nouvelle tentative de se fixer dans un endroit hospitalier, là ou personne ne l'empêchera de fumer son chichon et sniffer sa coke. Pas gagné. La gratte y est nucléaire. Le collègue bluesman texan Johnny WINTER avait lui aussi pondu un titre "It's My Life", la gratte balance la sauce avec un riff anthologique et un rythme bien fendard. Le refrain est quasiment punk, c'est toujours amusant de constater les influences qui peuplent les compos de notre Calvin.
Enfin, on repart dans la country la plus débonnaire qui soit à la fin de l'album avec deux titres. Tout d'abord "Stripe On a Nine Ball" qui ravira les amateurs de country western avec une atmosphère à la cool, puis sur "Life of a Texas Man" où la lap steel guitar ponctue les phrasés de Mr RUSSELL avec tout le laid back nécessaire. C'est assez réussi et la voix de Calvin se satisfait pas mal de l'exercice.
Pas de point faible dans cet album, c'est dit ! Très recommandable pour découvrir l'oeuvre du monsieur, un peu comme chaque fois, ai-je envie de dire. La voix de Calvin est superbe, les guitares sont rageuses, particulièrement en verve, et servent de très jolies compositions. Aucune hésitation à avoir avec ce Dream of the Dog, qui prendra une place de choix dans votre discothèque et que vous ne risquez pas d'oublier sur vos étagères.
Badlands – Voodoo Highway 1991
Badlands est un groupe de hard rock de courte durée de la fin des années 80 et du début des années 90. Je peux dire que ce groupe est un super groupe, car les musiciens impliqués ici, en particulier sur leurs deux premiers albums, sont bien connus et respectés dans cette scène.
Tout d'abord, le deuxième album du groupe nommé Voodoo Highway sorti en 1991 est un bon exemple de la façon dont le hard rock doit sonner à cette époque, avec quelques influences rock sudiste sur quelques morceaux mais dans l'ensemble une solide sortie de hard rock à coup sûr.
Deuxièmement, les musiciens impliqués ici, Ray Gillen est l'une des voix les plus puissantes du hard rock, une excellente gamme et un musicien artisanal, malheureusement décédé en 1993 du SIDA, le guitariste bien connu et influent dans le monde entier Jake E. Lee venant de Rough Cutt et la renommée d'Ozzy Osbourne avant de rejoindre Badlands en 1988, à la basse Greg Chaisson de Legs Diamond et enfin mais pas des moindres le batteur Jeff Martin du heavy metal américain Racer X, donc un tas de musiciens artisanaux, une chose qui s'entend très clairement ici sur cet album, pour moi leur meilleur qu'ils aient jamais fait.
Des morceaux comme The last time, avec de splendides parties vocales et quelques solos et riffs de guitare puissants, Shine on, Whhiskey dust, Silver horses ou une courte piste instrumentale montrent ici un groupe mature avec de nombreux accords et arrangements mémorables.
Je peux facilement dire que Badlands n'était pas juste un autre groupe de hair metal de cette période, c'est sûr, ils étaient plus que ça.
Malheureusement, après cet album, ils se sont dissous en 1993 à cause de la mort de Gillen. Badlands reste l'un des meilleurs groupes de hard rock avec quelques excellents albums, spécialement ce deuxième, mon préféré d'eux et l'un de mes préférés de la scène hard rock. recommandé à coup sûr, j'ai été très agréablement surpris lorsque j'ai entendu cet album pour la première fois il y a 15 ans, toujours aussi agréable maintenant.
Snowy White's Blues Agency 1989 : Open For Business
Dans le groupe Snowy White's Blues Agency, qui en plus du guitariste Snowy White comprenait des vétérans de la scène musicale Anglaise: Graham Bell (chant, Harmonica, Rhythm Guitare rythmique), Jeff Allen (batterie) et Kuma Harada (basse).
La sortie de cet album "Open for Business" en 1989 n'a pas fait grand bruit, mais elle a donné aux vrais connaisseurs du genre une sorte de chef-d'œuvre dans le style du "Blues blanc".
Les versions de reprise sont pratiquement époustouflantes et du matériel original a formé l'épine dorsale de ce disque trop sous-estimé du tournant des années 80-90.
Got Change for a Million? de Mitch Ryder, sorti en 1981 en Allemagne sur Line Records, poursuit la progression entamée sur The Detroit-Memphis Experiment en 1969 et l'album Detroit suivant produit par Bob Ezrin. Il s'agit d'un rock teinté de blues et de bon sens, produit par Tom Conner avec Ryder.
"That's Charm", d'une durée de cinq minutes et demie, est le morceau le plus long et a effectivement du charme. Bien que Ryder ait l'air un peu hagard 12 ans à peine après The Detroit-Memphis Experiment, sa voix est intacte et les morceaux, tous signés Kim Levise et Ryder (alias William S. Levise, Jr.), ont un petit côté poppy concis. "Red Scar Eyes" est un vrai départ, un morceau sombre avec des paroles qui vont de l'introspection à la folie, bien loin de l'efficace morceau d'ouverture "My Heart Belongs to Me".
Les notes de pochette contiennent les paroles écrites à la main, de la première face à côté d'un verre de bière plein, et de la deuxième face avec la photo d'un stylo à côté d'un verre vide.
La voix terreuse de Ryder est devenue célèbre en tant qu'instrument du producteur Bob Crewe et des chansons de Crewe, Burt Bacharach, Bill Medley et d'autres. Bien que le titre d'ouverture de la deuxième face, "Bang Bang", soit un échec, "Back at Work" et "Ich Bin Aus Amerika", à saveur reggae, sont des succès, montrant l'évolution de Ryder de chanteur à auteur-compositeur-interprète. Le grognement classique de ce véritable compagnon de route bien équilibré est en pleine forme sur l'exquise "Bare Your Soul". "We're Gonna Win" s'ouvre sur des guitares en boucle et des chœurs uniques, le groupe cuisinant derrière la voix puissante de Ryder.
L'album a été enregistré et mixé au Delta Sound Studio à Wilster, en Allemagne de l'Ouest, à l'exception des deux derniers titres, "Bare Your Soul" et "We're Gonna Win", qui ont été enregistrés à Detroit. L'album a été "enregistré et mixé sans l'aide d'aucun dispositif de réduction". Réédité sur J-Bird Records en 1995, c'est un bon aperçu de Mitch Ryder seul.
Battle Hymn (1971)
Si ce n'était pas d'avoir vu ce groupe en concert, en première partie de Black Sabbath en 1972, je les aurais probablement complètement manqués de leur vivant. Au début des années 70, les groupes de soutien étaient invariablement de très bons groupes prometteurs et méritaient souvent d'y prêter toute leur attention. L'introduction soulignait le récent départ de Glenn Cornick de Jethro Tull et c'était suffisant pour que je leur accorde toute mon attention. L'autre aspect qui est resté gravé dans ma mémoire de ces jours longs et lointains était leur hommage à Hendrix, le morceau "Butterfly" qui allait devenir l'ouverture de ce premier album studio. Ils n'étaient pas le premier groupe pour lequel j'ai quitté le concert en les appréciant autant, sinon plus, que le groupe de tête d'affiche.
Manquer ce groupe aurait été bien plus que dommage car c'est, pour moi, l'un des couronnements du mouvement Prog anglais. Quelques-uns de mes albums préférés de tous les temps sont ce qui serait maintenant décrit comme obscur ou mineur, dans l'ordre général des choses. Ce n'est pas toujours immédiatement évident pourquoi j'aime un album autant que moi et encore plus insaisissable un travail pour décrire la musique de manière à transmettre ce qui la rend si spéciale. Souvent, il s'agit simplement d'être au bon endroit au bon moment. À un moment de ma vie d'où viennent presque tous mes albums préférés, il est clair que tout ce que j'écoute beaucoup deviendrait un succès à long terme pour moi. Il' Il est impossible d'écouter sans passion un album que je connais si intimement et je ne peux pas imaginer ce que ce serait de ne jamais l'avoir entendu et de l'écouter pour la toute première fois maintenant. Quand je fais cette évaluation presque impossible, afin d'essayer de comprendre l'allure d'un album, certains de mes albums les plus aimés sonneraient ordinaires. Ils n'ont souvent pas de réelles caractéristiques distinctives pour se démarquer de la foule. Celui-ci est différent, cependant, car même maintenant, tout cet album sonne remarquablement frais. Plus j'aime un album, plus j'ai tendance à l'écouter en détail et cette écoute critique (faute d'un meilleur terme) mérite un examen minutieux avec cet album.
Pour les non-initiés ou les inconnus, cet album pourrait facilement sembler ordinaire ou peu spectaculaire et je suis sûr que beaucoup l'auront ignoré après un seul tour, le rejetant comme banal; en effet, j'ai rencontré de nombreuses critiques au fil des ans où l'auditeur a manifestement fait exactement cela. En regardant de plus près, vous entendez la profondeur de la subtilité, la grande variation et le contraste entre l'électrique et l'acoustique - il se passe énormément de choses, souvent au sein d'une seule piste. Ce n'est pas complexe comme l'étaient Yes ou Tull mais c'est plus doux et mélodieux, avec des mélodies somptueuses. Il y a beaucoup de guitares acoustiques qui donnent une sensation de douceur à de nombreuses pistes, mais à aucun moment ce n'est à distance. Il y a assez de mordant là où c'est nécessaire sans que ça déborde et ne devienne jamais, ce qui serait pour moi un trait affreux - boogie rock. Les voix sont gérées conjointement par Gary Pickford-Hopkins et Jon Blackmore, les deux voix se complétant. Lyriquement, il reste l'un de mes albums préférés également, avec intérêt et réflexion en abondance. Il y a beaucoup de contraste, à la fois dans le style de la chanson et dans la dynamique. Il s'agit d'un groupe frappant le filon mère à la première bouchée.
Cela vaut la peine de commenter Jon Blackmore, qui n'était apparemment qu'un gars qui a joué sur le premier album puis a disparu. Je dirais que tout n'est pas comme il semble. Quand on écoute le deuxième album, on se rend compte à quel point il a eu une influence sur ce disque. Il était le gars qui avait le plus d'apport en ce qui concerne le contenu de la guitare acoustique et, rétrospectivement, lui a donné une qualité si magique et si douce. Sans lui, le deuxième album est bon mais cette magie avait disparu et ce qui restait n'était qu'un groupe de soft rock, quoique relativement bon.
Je ne peux pas m'attendre à ce que d'autres partagent mon enthousiasme pour un si vieil album - peut-être que tu devais vraiment être là ? En fin de compte, peu importe pourquoi vous aimez quelque chose - tout ce qui est important, c'est que vous le fassiez et que vous puissiez trouver suffisamment de ces joyaux pour rendre fructueuse toute la collection de musique. Si cela avait été le seul album merveilleux, tout le voyage aurait valu la peine - heureusement et bien sûr, ce n'est pas le seul. Sonorité ou style, si vous voulez, c'est unique à mes oreilles - un voyage fabuleux, doux et toujours intéressant. L'écoute répétée ne peut être que bénéfique et peut apporter des récompenses inattendues que seuls les albums très spéciaux peuvent apporter.
Qualité audio : C'est l'un des albums qui sont sur mon Saint Graal des projets de remasterisation - la beauté de la production et des arrangements réclament un remasterisation de qualité. Ce CD Edsel est correct, typique de l'époque - pas mal du tout mais avec quelque chose qui manque dans la clarté. La scène sonore n'est pas si large et dans un monde idéal, j'aimerais beaucoup plus de séparation. Espérons que quelqu'un de l'une des petites étiquettes ésotériques lise ceci.
J'ai écouté cela récemment (juin 2013) quand j'ai entendu la nouvelle désespérément triste que Gary Pickford-Hopkins venait de mourir. C'est un sacré héritage et, après tout ce temps, ça s'améliore de plus en plus avec l'âge.
1978 : No Smoke Without Fire
En 1972/73, Wishbone Ash était considéré dans le monde entier comme l'un des groupes de rock les plus prometteurs. Cinq ans plus tard, ils reviennent en Angleterre, la queue entre les jambes, après avoir tenté en vain de réaliser des ventes de disques significatives et durables aux États-Unis, malgré des tournées réussies.
Musicalement, le groupe a décidé de laisser derrière lui l'influence détendue de la West Coast de leur dernier disque Front Page News, et d'ignorer complètement le punk et la new wave qui régnaient entre-temps à Londres.
Le sentiment de bien-être que procure sa terre natale a apparemment provoqué une explosion créative, en particulier chez le guitariste Laurie Wisefield, puisqu'il a signé seul quatre des sept titres de No Smoke Without Fire et a participé à un autre. De plus, après une longue pause, Wishbone Ash s'est à nouveau associé à Derek Lawrence, qui avait produit leurs trois premiers albums de 1970 à 1972, y compris l'éternel classique Argus. Et le résultat musical était vraiment très agréable à écouter.
Le titre d'ouverture "You See Red", à la fois rock et accrocheur, a montré pendant six minutes, avec une véhémence impressionnante, où Bartel allait chercher le meilleur. "Quand une journée de travail est terminée et que vous êtes par terre / Vous rentrez à la maison juste pour découvrir qu'elle n'est pas là", les machos ont tout de suite ouvert à plusieurs voix leur complainte sur les méchantes femmes.
Le juteux "Baby the Angels Are Here" de , qui aurait pu être écrit par Bad Company, en a rajouté une couche, puisqu'il parle également d'une relation qui a échoué.
Avec le magnifique "Ships in the Sky", profondément romantique et aux paroles un peu inquiétantes, Laurie Wisefield a fait savoir qu'il avait visiblement absorbé des films contemporains comme Star Wars [A New Hope] et Close Encounters of the Third Kind : "Ships in the sky / Je les ai vus passer / Brillant dans la nuit / Ne regarde pas derrière toi".
Le point culminant et final d'une première face de LP impeccable a ensuite été atteint avec le bouleversant 'Stand and Deliver', également signé Wisefield. Staaand and deliveeeer' - le refrain n'était composé que de ces trois mots entonnés avec passion, suivis de guitares tout aussi passionnées. Un opus de plus de sept minutes, imprégné de diverses mélodies, pour l'éternité.
La deuxième face commence par "Anger in Harmony", une composition de groupe cool et blues-rock que Martin Turner qualifie dans le livret d'"un peu molle", ce que je ne comprends pas vraiment.
"Like a Child" est de Turner et vit, comme la plupart des titres de l'album, des vocaux d'harmonie réussis, mais est sinon plutôt discret.
Avec "The Way of the World", un morceau en deux parties de presque dix minutes, Laurie Wisefield a voulu donner une sorte de suite dépensée au classique épique du groupe "Phoenix" de 1970. La partie 1 flotte entre douceur et hard rock, tandis que dans la partie 2, après un début vocal, le groupe s'enfonce dans une sorte de jam discret, largement instrumental. C'est difficile à décrire, il faut l'entendre.
Derek Lawrence a fait du bon travail et a produit l'album de Wishbone Ash le plus puissant et le plus transparent des années soixante-dix. Un petit rêve.
J'adore cet album, qu'il soit accompagné ou non de rappels.
Juicy Lucy - 1969
Signé par Vertigo, le groupe a fait ses débuts avec une reprise de 1970 du classique de Bo Diddley "Who Do You Love?" n/b 'Walking Down The Highway'. Leur version s'est assez bien vendue au Royaume-Uni et en Europe, atteignant finalement le top 20 et suscitant un certain intérêt pour le LP - 1969 intelligemment intitulé "Juicy Lucy". Produit par Nigel Thomas musicalement, l'ensemble avait pas mal d'avantages. Avec tous les groupes britanniques de la fin des années 1960 apparemment intéressés à mettre en valeur leurs racines de blues américain, grâce à Campbell, ces gars sont devenus l'un des groupes les plus authentiques. Ils étaient certainement dotés de joueurs incroyables. À seulement 23 ans à l'époque, Owen a obtenu sans effort ce son de «gars de 70 ans» que d'autres comme Eric Burden ne pouvaient que désirer. Découvrez sa performance grisonnante sur le morceau country-blues "Just One Time". Le guitariste Neil Hubbard et la section rythmique de Dobson and Ellis méritaient tous une mention spéciale. Cela dit, les résultats étaient encore imitatifs - après tout, c'était un groupe de gars britanniques essayant de sonner comme un groupe de blues américain.
Propulsé par la voix de papier de verre d'Owens, l'album commence avec un blues-rock flamboyant "Mississippi Woman". Musicalement, ce n'est pas le morceau le plus original que vous ayez jamais entendu, mais il sert de plate-forme agréable pour vous présenter les influences du groupe - pas de prétention progressive ici. Cela donne également à Neil Hubbard l'occasion de montrer ses astucieux mouvements de slide guitare.
Probablement le morceau le plus commercial, ils ont enregistré une reprise fantastique du "Who Do You Love" de Bo Diddley. Signifiant comme une morsure de serpent, cette version a dû servir d'inspiration pour la couverture et George Thorogood and the Delaware Destroyers sont sortis quelques années plus tard. Le seul reproche, c'est qu'il se termine trop tôt.
Le rock "She's Mine, She's Yours" sert effectivement de vitrine à la guitare hurlante de Hubbard. C'est en fait une bonne chose étant donné que la piste voit Owens lutter pour rester dans un registre qui est tout simplement trop élevé pour sa zone de confort. Musicalement, la chanson me rappelle un peu Outside Woman Blues de l'Atlanta Rhythm Section. Le fondu enchaîné et le refrain abrupt n'ont vraiment rien ajouté à la chanson.
Normalement, les morceaux de country-blues ne font pas grand-chose pour moi, mais l'obsédant "Just One Time" est une exception et est peut-être le morceau le plus époustouflant de l'album. Je pense que Campbell gére la voix sur celui-ci, réalisant ce qui est simplement une performance fascinante avec les fioritures de cuivre psychédéliques de style Norman Whitfield de Mercer ajoutant un arrière-plan astucieux.
Arborant une autre voix de Campbell (toujours intéressant d'entendre un Britannique avec une voix traînante américaine), "Chicago North-Western" est un country-rock fantastique. Une superbe mélodie, des voix d'harmonie étonnamment agréables du groupe et des paroles cool (les chansons sur les trains sont toujours chouettes). Changement de direction totalement inattendu et agréable avec un drôle de clin d'œil à Neil Young.
Rock assez conventionnel, 'Train' présente de savoureux cuivres de Mercer et la guitare toujours chic de Hubbard. Malheureusement, la chanson trouve qu'Owen affiche sa voix chantante dans un registre plus élevé qui n'est pas aussi impressionnante que ses gammes inférieures.
C'est passable, mais une autre reprise de « Nadine » de Chuck Berry n'était pas vraiment une nécessité.
Commençant comme une morceau de country acoustique, 'Are You Satisfied?' se transforme en un chant rhétorique hippie étonnamment accrocheur ...
Pas l'album parfait, mais cent fois mieux que la plupart de leurs concurrents de la fin des années 1960.
"The Wood and the Wire" de Fairport Convention est édité en 2000. Gerry Conway revient à la batterie pour sa première apparition depuis 1973, mais la force principale de l'album est caractérisée par la présence de Chris Leslie, qui, seul et avec Nigel Stonier, compose et dirige la plupart de celui-ci.
En effet, Leslie sera indispensable au groupe pendant plus de trois ans. Dave Pegg commentera plus tard "Nigel Stonier est un grand producteur, écrivain et musicien. Il a vraiment été très bénéfique pour aider Chris Leslie à composer. Chacun d'entre eux a écrit quelques chansons avec l'autre, qui semble vraiment bien correspondre au répertoire de Fairport".
N.B.: La boutique montré sur la couverture se trouve à Banbury, dans l'Oxfordshire, et le garçon regardant dans la vitrine est le fils de Chris Leslie, Sam.
Get Me to the Country (1975)
Cette œuvre est le cinquième album sorti par MCA aux États-Unis en 1973, et les membres sont Fran McKendry, Mike Dryfuss, Martin Slutsky, Christopher Bishop de l'œuvre précédente et Carson Newly. Basé sur une formation de cinq personnes avec Michaels, Howard L'orgue de Wyeth et le chœur de Valerie Rosa sont inclus selon la chanson. Produit par Mark London.
Il développe un folk rock relativement léger et serré, et est assez différent de l'œuvre précédente « Spring Sweet », qui avait une forte couleur prog folky, ou une extension de l'œuvre précédente « Tracks ».
La batterie du nouveau membre Michaels est précise et la correspondance avec l'ensemble à cordes conventionnel de guitare, violon et basse est également très bonne pour cette ligne. Dans l'ensemble, les couleurs soul et funk sont ajoutées avec un goût qui n'est pas envahissant, et la couleur swamp & blues n'est pas trop beurrée, et le son mystérieux qui garantit l'élégance du folk & folk rock est franchement cool. phrases et mélodies intelligentes.
Malheureusement, c'est le seul album réalisé par ce qui était en fait The Nice avec le magicien suisse des claviers Patrick Moraz remplaçant Keith Emerson (qui était parti pour ELP).
Ce que Refugee a produit est un album progressif très bien construit. La musique n'a qu'une ressemblance passagère avec le travail de The Nice dominé par Emerson, avec beaucoup plus de démocratie en évidence. Cela donne à l'album un équilibre notable.
Le chant de Jackson ne lui vaudra jamais de récompenses, mais son côté bourru semble tout à fait à sa place ici, et de toute façon, la plupart du temps, sa voix n'est pas nécessaire. Les claviers de Moraz sont excellents, avec une prédominance de son langage jazzy familier sur le synthétiseur, semblable à celui qui a rendu "Relayer" si différent des autres albums de Yes.
Les morceaux sont répartis entre trois morceaux assez directs d'une durée d'environ cinq minutes et deux longs morceaux structurés de pur prog. "Grand Canyon" fait un bon travail de peinture de cette merveille du monde, avec des paroles telles que "We'll swoop right up the canyon wall, then like an eagle down we'll falllll (descending echoes on the word "fall")", vous voyez l'idée ! "Credo" est un morceau un peu plus brut, plus proche de the Nice, avec des claviers un peu plus jazz.
Il est vraiment dommage que le groupe ne soit pas resté ensemble pour développer leur son unique. Moraz a ensuite remplacé Rick Wakeman dans Yes pour l'album "Relayer", puis a fait un passage chez Moody Blues avec qui il a enregistré plusieurs albums.
La base de fans était là pour que Refugee l'exploite, mais c'était et sera toujours un album unique. (Si vous recherchez la version LP de l'album, méfiez-vous des sorties d'un autre groupe sans rapport portant le même nom).
Affinity
AFFINITY est un groupe éphémère qui a sorti un album et un single en 1970, puis s'est séparé. Il s'agissait d'un groupe très apprécié et considéré avec beaucoup de promesses comme l'un des artistes de la nouvelle vague de fusion jazz-rock. Avec un mélange efficace de folk, de jazz, de soul, de blues et de rudiments de psychédélisme moderne et de rock progressif, il était tout simplement injuste de les classer dans une seule catégorie musicale. Avec la voix puissante de Linda Hoyle en tête, il semblait que le groupe avait un bel avenir devant lui. Malheureusement, ce n'était pas le cas. Ce qu'ils nous ont laissé est une superbe réussite, quel que soit le standard musical, et cela inclut les facteurs les plus importants tels que le son, la production et la musicalité.
L'illustration originale du LP est emballée et reproduite magnifiquement ; elle est présentée dans des pochettes gatefold traditionnelles avec les critiques originales du LP et les notes de pochette. Le vinyle vierge de 180 grammes offre un son magnifique et met en valeur l'excellente voix de Mme Hoyles. Ce qui est vraiment surprenant, c'est leur version de "All Along The Watchtower" de Dylan. Elle dure plus de 11 minutes et est l'une des meilleures versions que j'ai jamais entendues, y compris la version classique d'HENDRIX.
Il s'agit d'une musique très progressive pour l'époque ; en fait, la logique veut qu'elle ait été plus que probablement considérée comme un peu extrême en 1970. Je ne peux m'empêcher de penser à l'évolution de ce groupe s'il était resté ensemble quelques albums de plus.
Affinity
AFFINITY est un groupe éphémère qui a sorti un album et un single en 1970, puis s'est séparé. Il s'agissait d'un groupe très apprécié et considéré avec beaucoup de promesses comme l'un des artistes de la nouvelle vague de fusion jazz-rock. Avec un mélange efficace de folk, de jazz, de soul, de blues et de rudiments de psychédélisme moderne et de rock progressif, il était tout simplement injuste de les classer dans une seule catégorie musicale. Avec la voix puissante de Linda Hoyle en tête, il semblait que le groupe avait un bel avenir devant lui. Malheureusement, ce n'était pas le cas. Ce qu'ils nous ont laissé est une superbe réussite, quel que soit le standard musical, et cela inclut les facteurs les plus importants tels que le son, la production et la musicalité.
L'illustration originale du LP est emballée et reproduite magnifiquement ; elle est présentée dans des pochettes gatefold traditionnelles avec les critiques originales du LP et les notes de pochette. Le vinyle vierge de 180 grammes offre un son magnifique et met en valeur l'excellente voix de Mme Hoyles. Ce qui est vraiment surprenant, c'est leur version de "All Along The Watchtower" de Dylan. Elle dure plus de 11 minutes et est l'une des meilleures versions que j'ai jamais entendues, y compris la version classique d'HENDRIX.
Il s'agit d'une musique très progressive pour l'époque ; en fait, la logique veut qu'elle ait été plus que probablement considérée comme un peu extrême en 1970. Je ne peux m'empêcher de penser à l'évolution de ce groupe s'il était resté ensemble quelques albums de plus.
Muzikman
Super content de te voir citer ce groupe, dont j'ai acheté le vinyle il y a bien longtemps et que j'adore. Depuis, j'ai trouvé des titres de Linda Hoyle en solo et quelques autres d'Affinity qui restent intéressants. Merci pour tes chroniques, et j'espère avoir celles des live de Wishbone Ash, celui avec Turner puis celui avec Wisefield, qu sont à mon humble avis excellents !
Et en passant, bonne année à toi. Je crois que nous sommes de la même année (1955)
