Julie Driscoll 1969
Le premier pas de Julie Driscoll (maintenant Tippetts) loin de la pop orientée vers le blues du groupe de Brian Auger s'est avéré être cette plaque de cire prophétique qui a révélé son penchant à transcender les pièges du rock et de la pop pour quelque chose de plus aventureux.
À cette fin, Driscoll a fait appel à plusieurs des musiciens les plus connus de la scène de Canterbury, dont Carl Jenkins, Elton Dean, son futur mari Keith Tippetts et le guitariste Chris Spedding.
Le set s'ouvre sur ce qui deviendra un hymne pour Driscoll, le rock chargé de cuivres "A New Awakening", dans lequel elle détaille les avantages de la recherche d'un nouveau terrain sur le plan émotionnel et mental. De plus, avec ses lignes de cuivres noueuses et chargées d'arpèges et l'arrangement anguleux de Tippetts qui place le morceau du côté gauche de la barrière standard du rock et de la pop. "Those That We Love", un morceau acoustique simple avec Driscoll à la guitare acoustique, Tippetts au piano et au violoncelle et Jeff Clyne à la basse, est un traité saisissant sur la façon dont nous blessons ceux que nous aimons le plus, et comment ceux qui nous aiment nous oublient le plus. Des lignes vocales magnifiquement texturées s'ouvrent sur tout le corps de la mélodie, s'élevant dans les coins sombres et les illuminant. L'une des choses les plus frappantes de cette dalle est la façon dont l'auditeur peut entendre la voix de Driscoll commencer à s'ouvrir aux possibilités de la vie après la pop, qu'il y avait un univers entier attendant d'être exploré en chanson, en nuance et en technique. Le groupe lui apporte un soutien non seulement sympathique, mais aussi inspiré. Parmi les autres morceaux notables, citons l'orgie de guitares de "Break-Out", la chanson de chambre/salon de "The Choice" et la ballade jazzy (dans le style Canterbury) de "Leaving It All Behind".
En dépit de son âge, 1969 tient étonnamment bien la route et reste très avant-gardiste dans ses approches musicales. L'émotivité brute et à cœur ouvert de Driscoll/Tippetts est vraiment transcendante ici, et cet aspect de sa merveilleuse voix n'a pas pris une ride en plus de 50 ans.
Avec "Get A Whiff A This", Cherry Red Records sort le troisième album de Juicy Lucy, datant de 1971, dans une version remasterisée. Ce doit être dû à la courte carrière du groupe que cela n'a pas suffit pour quelques titres bonus.
On reste donc à un peu plus d'une demi-heure de temps de jeu, ce qui pourrait certainement plaire aux amis du rock progressif. Il y a d'abord la couverture de SPIRIT, Mr. Skin, qui décolle déjà légèrement (tourne) et démontre les possibilités vocales de Williams.
Avec Midnight Sun ça devient plus blues-rock, plus rugueux, mais penche toujours vers le rock acide et psychédélique. Peut-être une des raisons pour lesquelles il n'a pas été si bien accueilli: le temps était tout simplement révolu, même si les compétences de Moody en matière de slide brillent un peu ici.
Bien sûr, la version de couverture du ALLMAN BROTHERS BAND, Midnight Rider, est intéressante pour les fans de rock sudiste, où l'original est assez suivi.
Avant que les espoirs ne surgissent : Jessica , en tant qu'avant-dernière chanson, n'a rien à voir avec le hit des sudistes que nous venons d'évoquer, mais c'est un morceau de rhythm'n'blues funky au groove contagieux - certainement inspiré des sudistes.
Il y a aussi le funky Harvest avec des chants, le country-folk accrocheur Mr. A. Jones avec de belles harmonies et le folky Sunday Morning.
Big Lil est à nouveau plus funky, avec un plus gros caractère de jam. On peut vraiment imaginer mieux à San Francisco qu'à Londres, mais ce n'est pas courant. Ffuture Days groove bien dans le country rock, encore une fois avec de belles harmonies vocales et sonne un peu comme Clapton dans les années 70.
Le disque n'est certes pas un moment fort absolu, mais il divertit tout de même.
Julie Driscoll 1969
Le premier pas de Julie Driscoll (maintenant Tippetts) loin de la pop orientée vers le blues du groupe de Brian Auger s'est avéré être cette plaque de cire prophétique qui a révélé son penchant à transcender les pièges du rock et de la pop pour quelque chose de plus aventureux.
À cette fin, Driscoll a fait appel à plusieurs des musiciens les plus connus de la scène de Canterbury, dont Carl Jenkins, Elton Dean, son futur mari Keith Tippetts et le guitariste Chris Spedding.
Le set s'ouvre sur ce qui deviendra un hymne pour Driscoll, le rock chargé de cuivres "A New Awakening", dans lequel elle détaille les avantages de la recherche d'un nouveau terrain sur le plan émotionnel et mental. De plus, avec ses lignes de cuivres noueuses et chargées d'arpèges et l'arrangement anguleux de Tippetts qui place le morceau du côté gauche de la barrière standard du rock et de la pop. "Those That We Love", un morceau acoustique simple avec Driscoll à la guitare acoustique, Tippetts au piano et au violoncelle et Jeff Clyne à la basse, est un traité saisissant sur la façon dont nous blessons ceux que nous aimons le plus, et comment ceux qui nous aiment nous oublient le plus. Des lignes vocales magnifiquement texturées s'ouvrent sur tout le corps de la mélodie, s'élevant dans les coins sombres et les illuminant. L'une des choses les plus frappantes de cette dalle est la façon dont l'auditeur peut entendre la voix de Driscoll commencer à s'ouvrir aux possibilités de la vie après la pop, qu'il y avait un univers entier attendant d'être exploré en chanson, en nuance et en technique. Le groupe lui apporte un soutien non seulement sympathique, mais aussi inspiré. Parmi les autres morceaux notables, citons l'orgie de guitares de "Break-Out", la chanson de chambre/salon de "The Choice" et la ballade jazzy (dans le style Canterbury) de "Leaving It All Behind".
En dépit de son âge, 1969 tient étonnamment bien la route et reste très avant-gardiste dans ses approches musicales. L'émotivité brute et à cœur ouvert de Driscoll/Tippetts est vraiment transcendante ici, et cet aspect de sa merveilleuse voix n'a pas pris une ride en plus de 50 ans.
Thom Jurek
J'espère que tu connais son album suivant Sunset Glow, avec +/- la même équipe et datant de 76.
La chronique que tu as choisi ne mentionne pas les deux gars du Blossom Toes (Godding et l'autre - j'oublie son nom)
Julie Driscoll 1969
Le premier pas de Julie Driscoll (maintenant Tippetts) loin de la pop orientée vers le blues du groupe de Brian Auger s'est avéré être cette plaque de cire prophétique qui a révélé son penchant à transcender les pièges du rock et de la pop pour quelque chose de plus aventureux.
À cette fin, Driscoll a fait appel à plusieurs des musiciens les plus connus de la scène de Canterbury, dont Carl Jenkins, Elton Dean, son futur mari Keith Tippetts et le guitariste Chris Spedding.
Le set s'ouvre sur ce qui deviendra un hymne pour Driscoll, le rock chargé de cuivres "A New Awakening", dans lequel elle détaille les avantages de la recherche d'un nouveau terrain sur le plan émotionnel et mental. De plus, avec ses lignes de cuivres noueuses et chargées d'arpèges et l'arrangement anguleux de Tippetts qui place le morceau du côté gauche de la barrière standard du rock et de la pop. "Those That We Love", un morceau acoustique simple avec Driscoll à la guitare acoustique, Tippetts au piano et au violoncelle et Jeff Clyne à la basse, est un traité saisissant sur la façon dont nous blessons ceux que nous aimons le plus, et comment ceux qui nous aiment nous oublient le plus. Des lignes vocales magnifiquement texturées s'ouvrent sur tout le corps de la mélodie, s'élevant dans les coins sombres et les illuminant. L'une des choses les plus frappantes de cette dalle est la façon dont l'auditeur peut entendre la voix de Driscoll commencer à s'ouvrir aux possibilités de la vie après la pop, qu'il y avait un univers entier attendant d'être exploré en chanson, en nuance et en technique. Le groupe lui apporte un soutien non seulement sympathique, mais aussi inspiré. Parmi les autres morceaux notables, citons l'orgie de guitares de "Break-Out", la chanson de chambre/salon de "The Choice" et la ballade jazzy (dans le style Canterbury) de "Leaving It All Behind".
En dépit de son âge, 1969 tient étonnamment bien la route et reste très avant-gardiste dans ses approches musicales. L'émotivité brute et à cœur ouvert de Driscoll/Tippetts est vraiment transcendante ici, et cet aspect de sa merveilleuse voix n'a pas pris une ride en plus de 50 ans.
Thom Jurek
J'espère que tu connais son album suivant Sunset Glow, avec +/- la même équipe et datant de 76.
La chronique que tu as choisi ne mentionne pas les deux gars du Blossom Toes (Godding et l'autre - j'oublie son nom)
Bonne année à te lire
Je ne le connais pas du tout!
Mais je vais y remèdier...
Merci pour l'info, et bonne année à toi aussi
2007 : First Light
En fin de compte, Wishbone Ash est vraiment "le" groupe pour moi. "Le" groupe étant celui qui m'a ouvert les oreilles à tout ce que j'écoute aujourd'hui. 'Le' groupe qui m'a intéressé à vouloir en entendre toujours plus, et collectionner toujours plus. Mais plus particulièrement, Wishbone Ash est pour moi, "le" groupe qui incarne le mélange de rock lourd basé sur le blues avec les éléments communs trouvés dans le rock progressif.
"First Light" est ce qui aurait très bien pu être le premier album de WA. L'enregistrement a été réalisé avec un seul but en tête, obtenir un contrat d'enregistrement. Mais comme le groupe a signé avec MCA Records (avec le soutien de Ritchie Blackmore de Deep Purple), ils ont décidé de réenregistrer la plupart d'entre eux. Bien que peut-être moins raffiné que les premiers enregistrements MCA, on peut entendre ici l'expérimentation qui a conduit à ce travail ultérieur. La qualité sonore est étonnamment bonne, avec une certaine énergie brute qui donne à la musique un son très frais. L'album dans son ensemble représente le groupe dans ses premières étapes de création.
En 2007, cette démo Wishbone apparemment oubliée a été découverte et publiée. C'est un excellent petit bijou pour les fans de Wishbone, et je le recommanderais probablement même comme point de départ pour les nouveaux arrivants.
This Was (1968)
Il est parfois difficile de chroniquer certains albums datant de plusieurs dizaines d'années. En effet, si certains traversent les âges avec grâce par leur musique intemporelle, d'autres sont profondément ancrés dans les critères artistiques de l'époque où ils ont pris naissance. Ce qui était un phénomène de mode ou d'une rare audace à la fin des années soixante prend alors une tournure surannée au XXIème siècle.
C'est le cas du tout premier album de Jethro Tull, "This Was", très imprégné de blues, d'un peu de rock et de quelques expérimentations probablement osées lors de la sortie de l'album, mais paraissant aujourd'hui bien conventionnelles et superflues. Au-delà de ces considérations temporelles, l'album est de plus desservi par une direction artistique chahutée. Jethro Tull est alors un groupe bicéphale, le leadership étant revendiqué par Ian Anderson et le guitariste Mick Abrahams. Le premier est un touche-à-tout éclectique et donne à l'album ses teintes rock agrémentées de solos de flûte à la maîtrise approximative mais audacieuse. Le second est un musicien de blues qui veut faire de Jethro Tull le porte-étendard du blues.
La situation se complique encore par l'intervention des producteurs qui suggèrent à Ian Anderson d'abandonner la flûte et de laisser le lead vocal à Abrahams. Il est amusant de s'imaginer ce que serait devenu Jethro Tull si Ian Anderson avait céder à cette requête. Le personnage ayant une idée bien précise de l'orientation qu'il veut donner à son groupe rejeta bien vite la suggestion.
Ce contexte chronologique et relationnel explique l'aspect bancal de l'album. D'un côté, des titres franchement bluesy ('My Sunday Feeling', 'Some Day The Sun Won't Shine For You', 'Move On Alone', 'It's Breaking Me Up'), d'un classicisme qui séduira les fans de cette musique, mais laissera les autres de marbre. Dans un genre approchant, des musiques d'ambiance ('Serenade To A Cuckoo', 'One For John Gee', qui figure en bonus sur la version remasterisée), semblant tout droit sorties de films américains des années 60, désuètes mais sympathiques. A l'opposé de ces "standards", des morceaux s'apparentant plutôt à des "bœufs" sur lesquels un instrument est mis à l'honneur par une longue improvisation : la flûte sur 'Beggar's Farm', le titre qui ressemble le plus au Jethro Tull du futur, la batterie sur 'Dharma For One', dans la grande tradition fort heureusement abandonnée des solos barbants de batterie, la guitare grasseyante sur 'Cat's Squirrel', plus démonstrative qu'intéressante, la basse ayant eu son heure de gloire sur le déjà cité 'Serenade To A Cuckoo'.
Certes, le jeu de flûte atypique et la voix particulière de Ian Anderson sont déjà présents, mais semblent un peu déplacés par rapport au répertoire musical joué. L'ensemble manque d'osmose, aucun titre ne peut prétendre au statut de tube et la production très chiche confère à l'album un son étriqué.
Ian Anderson avait voulu baptiser son premier album "This Was" pour indiquer qu'il s'agissait de la musique d'un instant révolu, un instantané reflétant l'histoire du groupe à un moment précis, avant de tourner la page et de passer à une autre musique. Titre on ne peut plus prophétique et approprié.
"This Was" est à réserver aux inconditionnels du groupe, à titre documentaire, et accessoirement aux amateurs de blues.
Calvin RUSSEL 1999 : Sam
La vie ne s'arrange pas pour notre émigré texan en terre française. Calvin paraît 80 ans sur cette photo ou il n'en a somme toute que 50. L'alcool et la drogue, les gars ! On devrait montrer la trombine de notre Calvin dans les écoles pour illustrer les ravages de l'alcool ! Toujours est-il que nous sommes là pour évoquer son sixième album. Pour l'instant, pas la moindre déception dans une discographie certes tristounette sur le fond mais magnifique sur la forme. Calvin a trouvé son filon, à lui de le faire fructifier ! En avant pour Sam !
Que retenir en premier lieu de cet album ? Je vois ici quelques classiques : le premier est la rythmée "This Is Your World", certes un peu mainstream, mais tout y est remarquable, avec un refrain phénoménal qui marque les cortex au fer rouge ! Plus loin, "That Wouldn't Be Enough" ressemble presque à une comptine et pour une fois, le chant de Calvin est presque clair. Un piano solennel donne à cette composition des lettres de noblesse que Calvin n'avait pas jusqu'à présent. Clairement à retenir ! Je recommande aussi le petit blues smooth "Where The Blues Get Born", qui deviendra une pierre inamovible de ses concerts, au très joli refrain.
Calvin a toujours été un rockeur pur sucre, et nous trouvons dans ce nouvel opus plusieurs titres bien pêchus. La bonne preuve avec la chevauchée électrique qu'est "Wild Wild West" où le riff de gratte vous atomise dès la première seconde, du hard'n'roll pas si loin que ça de certains thèmes des STRAY CATS. Les grattes y sont fort belles. D'ailleurs, "Texas Bop" est trépidante et une bonne excuse pour les cow-boys de faire danser leur partenaire au bon vieux son du rock'n'roll. Plus Hard, le riff presque AC/DCien de "Retcha" dépote superbement.
Au rayon des reprises, la présence de "All Along The Watchtower" de Bob DYLAN ne surprend personne. Elle est ici acoustique et assez fidêle à l'originale. "Over the Rainbow" ? Diantre ! Vous allez avoir du mal à me croire mais il existe un point commun entre Calvin et la regrettée Judy GARLAND. En effet, il s'agit de la consommation de Bourbon. Eh oui, si certains parmi vous l'ignoraient encore, Judy, la petite ingénue du "Magicien d'Oz", était une alcoolique de la pire espèce. Alors, cette version du Texan est sympatoche, avec des violons, des accordéons, des ukulele, des grattes Hawaïennes, c'est joli et ne dépareille aucunement.
"Common One" est plus dans la tradition de ses chansons crépusculaires où l'espoir semble avoir disparu pour toujours. Elle n'est sans doute pas à la hauteur de "Crossroads" mais reste de belle qualité. La seconde version en live acoustique ici présente est comme souvent meilleure. L'artiste était indubitablement fait pour les live.
La ritournelle folky de "Dream Of A Better World" est mignonette. Calvin y évoque ses espoirs, guère nombreux mais existants. Espérons tous qu'il l'a aujourd'hui trouvé. Toujours dans le même état d'esprit, l'autobiographique "This Is My Life" le voit légitimer son existence. On ne le changera pas... ça non ! D'ailleurs, "The Hole" transpire le mal-être, Cold dark and lonely... répète-t-il tout au long de la chanson. Le sujet est terrible mais le rendu cependant anecdotique. Enfin, "Sam Brown" est la petite complainte country qui donne son nom à l'album. C'est sympa à écouter, un petit moment agréable.
Nous restons dans une qualité constante avec le natif d'Austin. Pas de compromission, pas de baisse de niveau, des ballades désespérées aux rock survitaminés, il y a à nouveau de quoi plaire à la majorité dans cet opus. Alors, Calvin RUSSEL continue son petit bonhomme de chemin par les fameuses voies caillouteuses qu'il se plaisait à décrire dans son chef-d'oeuvre : "Crossroads".
Swallow Tales 1971
Je n'aime pas la musique country, point final. Cependant, lorsqu'elle est fusionnée avec de la musique rock, les résultats peuvent aller dans les deux sens pour moi, généralement en fonction du rapport entre country et rock. Cochise a tendance à inclure un pourcentage sain du quotient rock dans la plupart de sa musique, et le produit final est un album agréable, voire exceptionnel.
Je commencerai par dire que la plupart de ces chansons auraient été plus appréciées si les éléments country n'avaient pas été dans le mix. Mais comme la majorité de ces éléments country ne sont pas trop distrayants, cela laisse beaucoup de place pour respirer les éléments rock. La Pedal Steel guitare est souvent le baiser de la mort en ce qui me concerne. Et j'en ai trouvé ici. Il y a aussi beaucoup de morceaux sans cela, donc je gravite juste là où je peux apprécier davantage la musique. Puisqu'ils passent beaucoup de temps à marcher sur la ligne avec moi, je dois dire que l'album semble moins cohérent qu'il ne l'est vraiment. La seule piste Home Again en fait un gardien, je dirais, bien qu'il y ait beaucoup d'autres moments intéressants, y compris un camée de Steve Marriott au piano et (accompagnement?) Voix. Je le dis ainsi parce que sa voix distinctive vole la vedette presque à chaque fois qu'il chante. Il y a aussi quelques tendances progressives qui se cachent dans le mix, donc dans l'ensemble, cela pourrait être quelque chose qui mérite d'être étudié pour les auditeurs les plus aventureux.
1979: Earthquake
En 1978, Uli Jon Roth forme Electric Sun, un groupe de Heavy Metal Allemand, en engageant le bassiste Ule Ritgen et le batteur Clive Edwards.
Cela faisait de longs mois qu'il envisageait de quitter Scorpions pour s'en aller proposer sa propre musique. Peu inspiré par l'orientation plus mélodique et accessible du Hard Rock proposé par Klaus Meine et Rudolf Schenker, Uli se rend rapidement compte que les morceaux qu'il crée en cette fin de décennie ne trouveront plus leur place sur un album de Scorpions. Il lui faut monter son propre projet qui prendra la forme d'un trio.
Uli Jon a parfaitement su s'entourer d'une bonne section rythmique avec le bassiste Allemand Ule Ritgen (Fair Warning, il jouait aussi avec le frère d'Uli, Zeno Roth, au sein de Black Angel) et le batteur Anglais Clive Edwards (Rococo, UFO, Pat Travers Band, Wild Horses) viennent l'aider à mettre en forme une musique audacieuse et sans compromis qui mêle la virtuosité autant que la poésie.
La formule est audacieuse car, tandis que, au sein de Scorpions, la guitare rythmique de Rudolf Schenker permettait à Uli de proposer de longues et audacieuses mélopées, seule sa guitare vient remplir l'espace sonore en supplément de la section rythmique.
Le musicien doit donc se faire omniprésent dans un format qui rappelle tout à fait celui de son idole, Hendrix. Monika Dannemann, ancienne compagne de Jimi et alors celle d'Uli, se charge d'illustrer par un visuel céleste ce premier album aux allures de véritable pierre fondatrice d'un genre nouveau.
Comme il le souhaitait, Roth était entré en studio dès le mois de Novembre pour enregistrer le premier album de son nouveau groupe, un trio de musiciens nommé Electric Sun (son "Experience" à lui), et au sein duquel il tenait le double poste de guitariste et de chanteur.
Dès 1979 sort le premier album du groupe, "Earthquake",sur le label Allemand Brain dans lequel Uli Jon exprime son profond attachement au Hard Rock psychédélique et cosmique.
L'album, produit par Roth lui-même, a été enregistré entre Novembre 1978 et Janvier 1979 aux Studios Olympic de Londres sauf les parties de batterie de "Lilac" et "Burning Wheels Turning" qui avaient été enregistrées aux Scorpio Sound Studios également à Londres.
Le premier titre, "Electric Sun", permet à Uli de construire une mythologie autour de son nouveau groupe. Il y est question de déchaînements des éléments, et le morceau très énergique se voit doté d'un certain ésotérisme qui aura un impact évident sur de nombreux musiciens (notamment Yngwie Malmsteen qui mettra le temps mais reconnaîtra l'immense influence d'Uli sur son jeu). Electric Sun propose un premier titre envoûtant. Les lignes de guitare, souvent doublées, apportent une profondeur sonore qui met en valeur le jeu de l'artiste. Sans aucunement dévaloriser le talent de Jimi Hendrix, force est de reconnaître qu'Uli, dont le jeu transpire des influences issues de la musique classique, fait preuve d'un sens de la mélodie largement égal, voire supérieur, à celui de son modèle. Du grand art, si l'on parvient à accrocher au chant vraiment très particulier de l'artiste.
Alors que le Hard Rock de Scorpions se faisait alors compact et agressif, la musique d'Electric Sun se voit plus aérée et contemplative. En mettant en musique certains de ses poèmes, Uli propose des morceaux aux allures de respirations ("Lilac", "Japanese Dream"), qui servent de piste d'envol à des pièces musicales plus enlevées et énergiques: "Sundown", qui fait preuve d'une incroyable transcendance instrumentale, ou encore l'accrocheur "Still so many lives away" ne sont finalement pas si éloignés de ce que proposait le guitariste au sein de Scorpions (la rondeur de la basse évoque notamment certains titres de l'album "Fly To The Rainbow"), mais il est évident que la pièce "Earthquake" longue de dix minutes n'aurait pu finir en aucune façon sur un album de Scorpions en cette fin de décennie. Titre à tiroirs, marqué par l'enchevêtrement et l'alternance d'ambiances tour à tour éthérées, solennelles, Flamenco, Acid Rock, ce morceau final est un mini-univers au sein duquel le guitariste semble s'épanouir comme jamais. Un véritable morceau de bravoure.
Inclassable, "Earthquake" est un disque conçu par et pour la guitare. Virtuose poète, Uli Jon Roth propose un album au sein duquel l'instrument roi se fait vecteurs d'émotions intenses et bariolées.
A noter que l'album est dédicacé à l'esprit de Jimi Hendrix et les peintures de la pochette furent réalisées par Monika Dannemann, la compagne de Roth et ancienne compagne d'Hendrix.
A sa sortie, l'album peine à rencontrer son public, ce dernier pensant (à tort) que le guitariste allait proposer une musique proche de l'univers de Scorpions.
Au contraire, ce premier album d'Electric Sun ne ressemble alors à rien de connu et n'a surtout rien de commercial. L'approche inédite de l'instrument et le travail technique exceptionnel d'Uli permettront finalement à cet opus d'être réhabilité et adopté par une large communauté d'amateurs de l'univers psyché et bariolé du guitariste.
Le sextet de Call, Connor, Goshorn, Hinds, Powell et Reilly font le troisième album de Pure Prairie League, "Two Lane Highway", rejoint par les stars du Country Chet Atkins, Emmylou Harris et Johnny Gimble.
En 1975, le Country Rock était à la croisée des chemins. The Eagles s'étaient envolés avec "One Of These Nights", mais plus tard dans l'année, ils avaient radicalement changé leur son et leur personnel. The New Riders Of The Purple Sage étaient, en substance, terminés. The Byrds avaient déjà été dissous. The Flying Burrito Brothers s'étaient à nouveau réorganisés et étaient clairement à la baisse dans leur carrière. Poco faisait à nouveau face à des changements de personnel et avait du mal à reprendre ce qu'ils avaient établi au début des années 70.
Pure Prairie League était également à la croisée des chemins car Craig Fuller était parti depuis quelques années, Larry Goshorn avait pris en main le groupe avec George Powell et les deux premiers LP du groupe, malgré une musique formidable, n'avaient pas suscité l'enthousiasme qu'il méritait si largement.
RCA avait fait un effort misérable pour les promouvoir et les avait lâchement abandonnés lorsque Fuller était parti. Le groupe avait alors tourné pendant deux ans sans contrat et s'était constitué une solide base de fans.
RCA ayant, par la suite, re-signé Pure Prairie League, le groupe était aussi à la croisée des chemins quand ils sont entrés en studio pour enregistrer un nouvel album intitulé "Two Lane Highway. À la sortie, ils avaient mis au point un classique, sans parler de la question de savoir s'ils réussiraient sans Fuller. La réponse était évidente car cet album est devenu leur premier LP Disque d' Or.
Dans la foulée, il a, par la même occasion, ressuscité les deux premiers LP, poussant "Bustin' Out" et "Amie" dans les charts quelques années après leur sortie originale.
Il fallait de la musique spéciale pour le faire, et c'est exactement cela. C'est un classique de Pure Prairie League qui doit appartenir à toute discothèque digne de ce nom.
Les deux premiers albums avec Craig Fuller avaient tendance à obtenir tout l'amour et l'attention du public, mais cet album est peut-être leur plus beau. "Two Lane Highway", publié en Juin 1975, est composé de chansons savoureuses, allant du Country Rock festif au matériel influencé par le Bluegrass, qui montraient les prouesses instrumentales du groupe.
Il comporte l'apparition d'invités comme Chet Atkins, le violoniste Johnny Gimble, le guitariste Don Felder des Eagles et Emmylou Harris, qui fait un duo avec le groupe sur la chanson "Just Can't Believe It", qui a reçu beaucoup de diffusion sur les stations de radio Country.
Le remplaçant de Fuller, le lead guitariste, chanteur et compositeur-interprète Larry Goshorn avait été ajouté au groupe, rejoignant George Ed Powell, John David Call, Mike Reilly, Mike Connor et Billy Hinds, qui étaient tous ensemble depuis des années et tous connaissaient bien Goshorn, qui avait le réputation d'être le premier guitariste de Cincinnati et des environs. Il avait précédemment enregistré avec The Sacred Mushroom.
Goshorn est devenu énorme car il avait surtout repris le flambeau de l'écriture avec pas moins de cinq chansons de haut vol.
Sur cet album, le groupe s'inspire largement de ses racines musicales diversifiées: Rock, Country, Bluegrass et Blues, tous superbement fusionnés en un son plutôt passionnant et vivifiant. Les harmonies rigoureuses et riches du groupe sont toujours présentes.
La musicalité est exceptionnelle à tous les niveaux. Mais, le plus fantastique, c'est la pédale steel.
Par moment, l'auditeur croirait entendre the Allman Brothers Band, ou the Marshal Tucker Band.
George Ed Powell apparaît comme un chanteur / compositeur extrêmement rusé et doué après avoir été dans l'ombre de Fuller pendant les deux premiers LP.
Cet album a également déclenché une autre arme dans leur vaste arsenal: Mike Reilly. Le leader charismatique conduit Pure Prairie League depuis le début de 1973, le sens des affaires de Reilly n'a été dépassé que par sa voix / musicalité.
Comme Powell et Goshorn, il pourrait aussi facilement être chanteur dans presque n'importe quel groupe. Son chant principal et harmonique est encore un autre exemple de la diversité et de l'originalité du groupe.
De plus, Reilly établit des lignes de basse fortes et imaginatives, tandis que Hinds fait preuve d'une polyvalence et d'un professionnalisme sur la batterie qui, trop souvent, sont tenus pour acquis, compte tenu de la musique exceptionnelle jouée.
Connor ajoute une touche créative au piano, une approche Rock énergique lorsqu'il doit le faire ou se fondant de façon transparente à certains moments avec une touche beaucoup plus éloquente. Il peut tout faire et il le fait bien.
Call sert de référence, pour ceux qui ignoreraient encore après le premier LP, qu'il est le premier homme de la steel guitare dans le Country Rock. Tout simplement incroyable, il peut presque à lui seul transformer n'importe quelle chanson en quelque chose de vraiment spécial. Ses 'duos de lead' avec Goshorn sont devenus une marque de commerce du groupe alors qu'ils se frayaient un chemin vers le succès. Parfois, ils se confondaient presque en un seul, une approche au-delà de leur tandem de Country Rock.
Mais c'est finalement l'ajout de Goshorn qui s'est avéré être l'un des facteurs majeurs dans le changement extrême de fortune du groupe car cette fois, Pure Prairie League n'a pas été refusé. Il était vraiment temps de changer quand ils étaient entrés dans le studio à la fin de 1974.
Après la douce torpeur du délicat "Bustin'out", on se sent immédiatement secoué par l'énergie dégagée dès le début de l'album. Des titres forts comme "Harvest", ou "Kansas City Southern" alternent avec d'autres plus intimistes comme "Kentucky Moonshine".
Environ sept, ou peut-être même huit, des chansons auraient pu être de grands succès si le label leur avait donné le genre de coup de pouce que the Eagles avaient eu de la leur.
La ballade "Runner", "Kansas City Southern" (qui ouvre tous leurs concerts), le up-tempo "Pickin' To Beat The Devil", la chanson titre "Two lane Highway", l'amusant "I'll Change Your Flat Tire Merle" sont autant de délicieux moments à passer en compagnie d'une formation aux très belles harmonies vocales. Ce groupe, avec ou sans Fuller, avait vraiment de l'allure. Son "Two Lane Highway" est un classique; les chiffres sont plus éloquents que n'importe quel commentaire.
L'auditeur peut être stupéfait par la combinaison impressionnante de belles ballades originales ("The Runner") et de superbes airs rythmés ("Two-Lane Highway" et "Pickin 'to Beat the Devil") et des chansons amusantes ("I'll Fix Your Flat Tire, Meryl") et des shuffles sournois (" Kentucky Moonshine"). Il peut aussi être émerveillé de la splendeur de la musicalité (guitares solo à l'harmonie incomparable et harmonies entre lead guitare et pedal steel), des grands vocaux (George Ed Powell, Michael Reilly, Larry Goshorn), et toujours de la douce voix d'harmonie solitaire.
Les harmonies sont aussi bonnes que n'importe quel Byrds, Crosby, Stills, Nash & Young, Eagles ou autres Poco.
Le morceau titre signé Goshorn illustre ce qu'est le groupe: conduire le Country Rock avec une superbe musicalité tout autour. La chanson a généré une énorme diffusion et a propulsé Pure Prairie League sous les projecteurs nationaux.
Si le son n'est plus en rapport avec les deux albums précédents, ce troisième LP pour lequel Chet Atkins, Emmylou Harris et Johnny Gimble ont fait le déplacement, a quand même du répondant.
Leur chanson d'ouverture "Two Lane Highway", écrite par leur lead guitariste, est l'une des meilleures façons de commencer ou de terminer tout voyage sur la route, et d'ailleurs à tout moment de la journée ou de la nuit quand vous voulez changer de vitesse! Le morceau capture l'auditeur à sa première écoute et ne le lâche plus. Dans ce cas, cela fait 30 ans que c'est un classique de Country Rock.
Dans "Kentucky Moonshine", l'amour de Goshorn pour le Blues résonne, écrit avec Chet Atkins en tête, et il le fait venir pour un travail de guitare formidable.
"Runner" et "Sister's Keeper" de Powell l'ont placé au premier plan. Le secret a été dévoilé lorsque Powell a émergé sur ce LP. Il met en valeur son penchant pour les paroles fortes et astucieuses et se révèle tout aussi habile en tant que chanteur. Les deux chansons sont de la variété décontractée, excellentes musicalement et sont de belles productions.
"Memories" est une ballade facile à vivre chantée avec passion par Goshorn et c'est un autre bel exemple de la musicalité étroite et attrayante du groupe.
"Kansas City Southern" (l'ouverture de PPL à chaque concert) flamboie dès le début et prend de la vitesse. Avec Reilly à nouveau au chant, la steel de Call, simulant un sifflement de train, rugit droit sur l'auditeur et gémit tout au long de la chanson. Inoubliable. Goshorn et Call conduisent à nouveau avec force leur son et Hinds donne tout derrière ses tambours, les cymbales se brisent, offrant une ouverture qui vous saisit et ne vous lâche pas. Superbe. Juste une autre chanson PPL qui montre pourquoi ces gars-là se sont hissés au sommet du genre.
"Harvest" a un côté plus hard, avec une force motrice positive de la steel guitare de Call. C'est un autre exemple de la capacité du groupe à changer de vitesse et à ne rien perdre en le faisant.
"Just Can't Believe It" (avec Emmylou Harris) a trouvé son chemin vers les Charts Country, ouvrant une autre avenue de fans, avec la voix superbe d'Emmylou.
"Give Us A Rise" montre Powell dans un tempo plus positif, car les harmonies, les guitares et la steel se mélangent dans des efforts sans faille extrêmement efficacement.
Sur "I'll Change Your Flat Tire, Merle", Reilly prend son tour sur le chant principal et Pure Prairie League swingue de nouveau. Un hommage humoristique et ironique à Merle Haggard, PPL en donne une merveilleuse interprétation, et encore une fois, tous les membres du groupe ont leurs moments.
"Pickin' To Beat The Devil" montre le groupe dans un mode Bluegrass entraînant, avec les voix de Powell, la guitare de Goshorn, le piano de Connor déchirant tout. Call abandonne la steel sur celui-ci, nous offrant une belle préparation de banjo dans cet effort rapide et de premier ordre.
L'album "Two Lane Highway" a contribué a faire connaître Pure Prairie League au plus grand nombre en passant par la radio. Le Country Rock était alors a son apogée...
La chanson titre de Goshorn et le LP lui-même ont fourni l'étincelle qui a ravivé le passé et illuminé l'avenir du groupe, car ils étaient maintenant à l'avant-garde de la scène Country Rock où ils resteront jusqu'à ce qu'ils se dissolvent dans les années 80.
Rolling Stone Magazine a présenté le groupe après cette sortie, citant "Two Lane Highway" comme un équivalent de "Sweetheart Of The Rodeo" des Byrds et d'autres joyaux du genre.
La chanson titre, elle-même, a connu une entrée mineure dans les Charts et "Two Lane Highway" est leur album qui a rencontré le plus grand succès dans les Charts US puisqu'on le retrouve en 24ème position au Billboard, pas une tâche facile pour des country rockeurs.
Pour leur album "Over the Next Hill", publié en 2004, les membres de Fairport Cnvention ont fondé spécialement un nouveau label: Matty Grooves Records.
Cet opus est souvent décrit comme le meilleur disque du groupe en 25 ans.
L'album a été enregistré en Mars et Avril 2004 au Woodworm Studio de Dave Pegg, à Barford St-Michael, dans l'Oxfordshire, au Royaume Uni.
Il a été conçu et mixé par Mark Tucker, et le producteur exécutif a été Dave Pegg.
2008 : Lost Pearls
Ce CD vaut vraiment la peine d'être acheté si vous êtes un fan de Wishbone Ash, car il y a de très bons extraits qui n'ont jamais été publiés sur des albums de la période 1977-1980 avec le line-up Mark Two mettant en vedette Laurie Wisefield.
La musique tend vers un côté plus rock et plus hard plutôt que certains des arrangements sublimes et complexes pour lesquels le groupe était si connu, mais il y a beaucoup de bonnes choses ici.
Un exemple assez intéressant est un instrumental qui est devenu plus tard le morceau 'Stand and deliver' de l'album 'No smoke without fire'. Il y a aussi une très bonne version live de 'Too much monkey business' et l'album est jonché d'un excellent travail de guitare.
À mon avis, Wishbone Ash n'a jamais été tout à fait le même après le départ du chanteur et bassiste Martin Turner, bien qu'il revienne pour un passage de trois albums fin des années 80 au début des années 90. C'est donc super d'avoir un autre album où son jeu de basse et
sa voix sont prédominants.
Keith Plant
Modifié en dernier par alcat01 le jeu. 5 janv. 2023 18:26, modifié 1 fois.
Stand Up (1969)
Stand Up de 1969 est un des premiers classiques de Jethro Tull. L'album a été produit à la suite d'une scission des directions musicales, alors que le guitariste original du groupe, Mick Abrahams, quittait le groupe en raison de philosophies musicales différentes avec le chanteur principal et compositeur principal de Jethro Tull, Ian Anderson. Le premier album du groupe en 1968, This Was, était principalement basé sur le blues-rock, qu'Abrahams voulait continuer, mais Anderson se dirigeait vers des fusions folk, jazz et classiques du rock and roll. Stand Up trouvera un bon équilibre entre les deux directions musicales et touchera un accord avec les fans de musique, car il est allé jusqu'au n ° 1 des charts britanniques.
Pour remplacer Abrahams, le groupe s'est d'abord tourné vers le guitariste Tony Iommi, alors d'un groupe appelé Earth, qui se renommera plus tard Black Sabbath. Iommi a joué avec Jethro Tull lors de l'émission télévisée The Rolling Stones Rock and Roll Circus à la fin de 1968, mais est rapidement revenu dans son ancien groupe. Après avoir auditionné plusieurs autres guitaristes (dont le futur guitariste de Yes Steve Howe, qui a échoué à son audition), Anderson a finalement choisi Martin Barre comme remplaçant permanent d'Abrahams à la guitare. Alors que Jethro Tull a eu plus de 20 membres du groupe au cours de sa longue carrière, Barre est resté avec le groupe de manière constante (à partir de 2014), faisant de lui le deuxième membre le plus ancien du groupe après Anderson.
Avant de sortir Stand Up, le groupe a enregistré "Living In the Past", qui était le premier enregistrement de Barre avec le groupe. C'est devenu l'une des chansons les plus connues de Jethro Tull alors qu'à l'origine, il n'était sorti qu'en single. Remarquable pour sa signature rythmique 5/4, ce morceau mélodique entraîné par une mélodie accrocheuse est devenu le premier hit du groupe dans le Top 20, culminant à la 11e place aux États-Unis et à la 3e au Royaume-Uni.
Un rock de blues doom, avec une ambiance presque psychédélique, "A New Day Yesterday" travaille le même riff encore et encore. Anderson ajoute des parties d'harmonica à travers les sections de couplet et une flûte plus tard, mais la chanson est dominée par les rythmes rock fournis par les autres joueurs ainsi que des effets de réverbération et de panoramique tout au long. Probablement influencée par Cream, cette chanson est atypique pour Jethro Tull et sonne fraîche. "Jeffrey Goes to Leicester Square" est la deuxième d'une série de chansons qui rendent hommage à Jeffrey Hammond-Hammond, un ancien et futur membre du groupe d'Anderson qui deviendrait le futur bassiste de Jethro Tull. La chanson comporte des riffs de guitare et de basse menant à une mélodie de vers de style folklorique dans une chanson étrange et asymétrique.
Le seul instrumental de l'album, "Bourée" est aussi le seul morceau non composé par Anderson. Composée par Johann Sebastian Bach des siècles plus tôt, la pièce a influencé une danse folklorique française populaire appelée bourrée. Alors que la flûte prend la tête tout au long, la basse de Cornick est le véritable point culminant du morceau, qui se transforme en un jam rock jazzy vers le milieu avant que deux flûtes overdubbées dans la section finale fassent un grand effet pour clôturer la chanson.
Avec une intro légère et lente et des riffs de basse plus géniaux, "Back to the Family" contient des couplets décontractés qui sont subdivisés par un rock plus simple dans les sections de pont qui se terminent chacune par des flûtes flamboyantes d'Anderson, avec Barre rejoignant à la guitare plus tard dans le second. La fantastique première face se conclut par la ballade acoustique « Look into the Sun ». Une véritable ballade folk avec de belles guitares d'Anderson et une instrumentation ajoutée tout au long, comme des riffs de blues électriques et des poussées de basse.
"Nothing Is Easy" est une grosse jam rock, surtout vers la fin. La batterie de Bunker brûle avec des rudiments entre les couplets de jam et les solos. Un solo de Barre au milieu est bientôt interrompu par la flûte d'Anderson, car le groupe a peut-être un peu trop essayé d'être progressif avec plusieurs parties, mais néanmoins une excellente chanson de jam. "Fat Man" contient des éléments musicaux indiens avec sitar et percussions à main, tandis que "We Used to Know" est une autre grande ballade acoustique d'Anderson. Cette dernière chanson s'appuie sur des sections de motifs d'accords répétitifs pour les instruments principaux, y compris quelques superbes pistes de Barre où il découpe de superbes motifs sonores.
Bien qu'elle ne soit certainement pas aussi forte que la première face, la face deux a sa part de moments brillants. "Reasons for Waiting" est peut-être la meilleure chanson globale de l'album, avec une mélodie et un ton fantastiques. À peu près une ballade tout au long avec de légères sections de tension rock ajoutées après les refrains, la voix à double flûte d'Anderson est accompagnée de cordes fournies par David Palmer, qui persistent tout au long de la seconde moitié de la chanson. "For a Thousand Mothers" commence par une légère intro de batterie de Bunker avant que la chanson ne démarre avec à peu près le même style et la même intensité sonore que l'ouverture "New Day Yesterday", ouvrant ainsi la voie à une musique "heavy metal" émergente qui proliférera dans les années 1970. Après un faux arrêt grandiose, Bunker redémarre le morceau pour une section instrumentale de clôture agrémentée d'environ 30 secondes supplémentaires de jam intense pour clôturer l'album.
Après la sortie de Stand Up, le groupe a enregistré et sorti "Sweet Dream" et "Witches Promise", qui sont tous deux devenus des singles hors album du Top Ten alors que Jethro Tull entrait dans les années 1970 avec un grand élan.
1980 : Let the Music Do the Talking
Let the Music do the Talkin' est un album tueur de rock n' roll du début à la fin. Enfer, en toute honnêteté, Let the Music do the Talkin' est le plus grand album d'Aerosmith que le groupe n'ait jamais enregistré.
Du début à la fin, LTMDTT est un travail de guitare. À ce stade, c'était le jeu de guitare le meilleur et le plus fort que Perry ait fait depuis l'album Rocks d'Aerosmith en 1976. 'Break Song' seul est parmi les meilleurs que Joe Perry ait jamais enregistrés. Un travail de guitare à coup sûr.
Mais l'album n'est pas entièrement consacré au travail de guitare magistral de Perry. Perry voulait faire du rock et je veux dire vraiment du rock quand il a quitté Aerosmith en 1979 et il l'a certainement fait ici. La chanson titre au titre poignant servait à son état d'esprit à l'époque et vraiment un coup à l'homme aux écharpes. Quelques années plus tard, il deviendra l'un des meilleurs morceaux qu'Aerosmith ait jamais enregistrés. Toujours un pour apporter un peu de funk à Aerosmith "Rockin Train" était juste un petit rock funky dans la veine de "Walk This Way" et "Last Child". Ailleurs, le morose 'The Mist Is Rising', le coup managérial à Leber-Krebs "Conflict Of Interest" et les albums plus proches 'Life At A Glance' montrent vraiment le pouvoir de Perry en tant que grand auteur-compositeur de rock n 'roll et parfois, chanteur.
Night In The Ruts était certes un album solide, mais ni Ruts, ni le Rock And Hard Place sans Perry ni Whitford, ni la réunion de Done With Mirrors ne pouvaient se comparer à la puissance du fantastique premier album de Joe Perry Projects.
Let the Music do the Talkin'!
John Uzonyi's Peacepipe
Ce classique inédit de la fin des années 1960 est probablement très attrayant pour les fans de Psyché Rock. Bien qu'il ne s'agisse que d'un trio sans bassiste, un mur dense de Hard psyché est pourtant érigé.
On y trouve d'excellents Rocks issus de la scène underground Californienne. Un Psyché époustouflant à base de guitare, avec des lead guitares wah-wah acides, de la distorsion, des claviers tourbillonnants et des paroles plutôt défoncées.
Dans l'ensemble, c'est bon, sans être vraiment révolutionnaire. Avec du matériel sous-estimé, et probablement mal compris à l'époque, ce disque sonne daté, mais aussi très cool et Heavy.
Il s'agit principalement d'un excellent Heavy Psyché Acid Rock orienté pyrotechnie à la guitare qui sonne comme un mélange entre Blue Cheer, Randy Holden, Iron Butterfly, Mariani, Jimi Hendrix avec plein de pédale wah wah, de distorsion et de sustain massif et même Quicksilver Messenger Service de l'époque "Shady Grove",
On trouve sur ce disque des morceaux plus cools où le groupe se permet des clichés hippies et des chansons beaucoup plus Pop qui semblent bien vieillottes.
Cependant, l'ensemble sonne toujours de façon très cohérente!
Uzonyi est très bien assisté par le batteur Gary Tsuruda et le claviériste Rick Abts, mais le spectacle lui appartient indéniablement. Il y a au moins deux guitares présentes la plupart du temps, et il possède un ton plutôt monstrueux à la guitare, assez similaire, en fait, au feedback 'dive-bombing' de Jimi Hendrix, par exemple, mais les deux guitaristes ont styles de jeu très différent.
Jon est, en fait, assez étonnant dans son maniement de la guitare fuzz, faisant apparaître de son instrument des sons assez effrayants un peu comme sait le faire Randy Holden.
A noter qu'il est aussi le chanteur, et il joue probablement également les pistes de basse.
Il n'y a pas de trucage de studio, à proprement parler, bien que Eirik Wangberg ait fait un travail magistral pour capturer ce qu'Uzonyi essayait de faire, et qu'il soit parvenu à un mixage dynamique et à des effets de panoramique stéréo amusants.
L'album sonne, bien sûr, de son temps, mais certains jeux de guitare sont encore inventifs.
Cet album contient un excellent Hard Psyché Rock, mélangé à un Rock semi-commercial comparativement plus faible. Les morceaux vont de la folie des guitares super Heavy à des morceaux plus Pop.
Les chansons sont aussi riches, denses, et parfois carrément psychotiques. Parmi les points forts, citons le puissant morceau d'ouverture "Sea of Nightmares", le progiciel "I Can Never Take Your Dreams Away" et les deux morceaux psychédéliques "A Bikers Tune" et "Open Your Mind".
Cet enregistrement fut surtout l'occasion pour Uzonyi de créer un disque complet sur Peacepipe, et ce sont ses guitares ardentes et inventives dans leurs couches denses qui suscitent aujourd'hui l'admiration. Le son glauque caractéristique de Peacepipe est évident, notamment sur "Sea Of Nightmares" ("... si les rêves de bonheur perdent leur chemin, on meurt de tristesse dans la tombe..."). Je connais ce sentiment...") et "The Day The War Has Ended", une reprise élaborée et étonnante de la face A du single sur Accent. C'est ici que ces améliorations artistiques prennent tout leur sens.
Il y a aussi des morceaux plus doux, dont certains sont excellents, mais c'est pour le Rock ouvertement psychédélique de leur répertoire que le groupe restera dans les mémoires.
Au mieux, Peacepipe égrène de superbes jams de guitare psychédélique de motards Californiens des années 60 avec plein de wah-wah, de distorsion et de sustain massif. Des voix puissantes et non-macho et les guitares à larsen à trois pistes rendent cet album pratiquement indispensable. Etonnant par endroits, mais solide dans son ensemble.
Le morceau d'ouverture particulièrement accrocheur, "Sea Of Nightmares", un modèle d'Acid Rock qui, sorti de son contexte, ne veut plus dire grand-chose, mais qui aurait pu avoir une belle carrière au moment de sa création, est l'un des meilleurs morceaux de Heavy Psyché jamais écrits.
"Angel of Love" possède un son de guitare et un riff qui tuent, c'est un morceau de Hard Rock de bonne qualité. La chanson est accompagnée à l'orgue et au piano, et le chant baryton d'Uzonyi.
"I Can Never Take Your Dreams Away" qui tient finalement plus du Rock traditionnel, sans que cette appartenance ait une connotation péjorative, est une chanson de Heavy Psyché presque parfaite et très agréable à écouter.
La chanson "Carry On Together" est un bon Rock, mais rien de plus.
Il y a quelques morceaux remarquables comme le morceau instrumental groovy Acid Psyché Rock "A Biker's Tune" qui présente un superbe travail de belles guitares lysergiques psychédéliques.
"Open Your Mind" est un morceau Psyché moyen qui culmine avec de bons histrioniques de guitare et une excellente ligne de basse.
La perle de l'album est sans conteste le long morceau tentaculaire "de Heavy Psyché très agréable "The Day the War Has Ended", une superbe chanson dont le titre est inspiré de leur single "The Sun Won't Shine Forever", qui présente le type de riff métal que l'on retrouvera sur les albums de la NWOBHM 10 ans plus tard. Le chant intense et les multiples thèmes et sections rappellent Music Emporium et Micah, avec une bonne dose d'Iron Butterfly. Cela correspond bien au ton de l'époque où la guerre du Vietnam était toujours en cours.
Le morceau de clôture Fuzz Acid & Flowers, "Love Shines", est une tentative d'aller vers des morceaux Psyché Pop doux, il sonne vieillot, mais il n'est pas complètement dénué d'intérêt.
Socrates Drank The Conium (1971)
Formé à Athènes à la fin des années 60, l'étrangement nommé Socrates Drank The Conium a sorti un trio d'albums en 1972 et 1973, qui offrent tous un agréable mélange de Heavy Psych, Hard/Blues Rock, et une touche de Progressive Rock, grâce à certains des arrangements et à la modification des signatures temporelles.
Et bien que le chanteur (Antonis Tourkoyorgis) ne soit pas toujours précis à 100% lorsqu'il énonce les mélodies, sa prestation passionnée, parfois bourrue, est plus qu'acceptable pour une musique de cette nature. Sur des morceaux tels que "Live in the Country", "Bad Conditions", "Starvation", "Close the Door and Lay Down", "Hoo Yeah" et le multi-part, bluesy et ballsy "It's a Disgusting World", avec ses rythmes tonitruants, ses insertions de flûte trippantes et son solo de guitare exceptionnel, le groupe me rappelle souvent un amalgame d'artistes tels que Cream, May Blitz, Ten Years After, Mountain, Jimi Hendrix et Three Man Army. En effet, chaque morceau, même le "Underground" psychédélique à mi-tempo, présente une guitare solo et une basse savoureuses et agressives tout au long (grâce respectivement à Yannis Spathas maniant Stratocaster et à Antonis Tourkoyorgis susmentionné).
Pour les fans du genre et de l'époque, ce groupe très obscur au nom étrange vaut vraiment la peine d'être étudié. Gardez également à l'esprit qu'après quelques changements de line-up vers 1976, y compris l'ajout du claviériste Vangelis, le groupe a raccourci son surnom pour simplement Socrates et a sorti quatre albums supplémentaires, le premier, Phos, apparaissant plus tard la même année.
Le titre du nouvel album, "Sense of Occasion" vient du fait que 2007 marque le 40e anniversaire de Fairport Convention, même si un seul et unique membre, Simon Nicol, reste du lineup original.
Cet album représente un autre jalon dans l'histoire remarquable du groupe.
Le contenu suit dans la même veine que les deux derniers opus, avec un mélange de nouvelles chansons et un peu de matériel. Le livret joint comprend toutes les paroles.
La contribution majeure vient encore du compositeur principal, Chris Leslie, qui a écrit une série de chansons Folk basée sur la vie réelle ou des récits mythiques.
Ce genre est représenté par "South Dakota to Manchester", inspiré par la vie d'un sorcier du peuple Nakota d'Amérique du Nord, et "Edge of the World", basé sur la légende du navire connu sous le nom de 'The Flying Dutchman" qui est voué à sillonner les mers à jamais.
Le deuxième membre de Fairport à contribuer sur le matériel original est Ric Sanders, qui fournit deux instrumentaux plutôt banals, "The Bowman's Return" et "Just Dandy", ainsi que le lyrique "Your Heart and Mine".
Deux chansons du catalogue du groupe sont reprises pour la circonstance: "Polly on the Shore", mais l'original sur "Nine" avait plus de 'mordant', quoique la voix de Simon Nicol se compare favorablement à celle de Trevor Lucas et montre à quel point il a progressé vocalement au fil des ans... Et "Tam Lin" est apparu à l'origine sur l'album révolutionnaire "Liege And Lief" en 1969 avec le chant incomparable de Sandy Denny, le groupe se partage le chant ici, mais cette chanson 'classique' est l'une des meilleures à jouer en live.
Parmi les autres chansons, "Love on a Farmboy's Wages" est une reprise d'un morceau de XTC par Andy Partridge sur leur album de 1983 "Mummer".
"Hawkwood's Army" est une épopée historique de Pete Scrowther (qui a écrit "Heart of the Song" sur l'album "The Wood and the Wire"). C'est une histoire de guerre et de sang avec un bon beat et une solide performance.
C'est un album qui prend de plus en plus d'importance après chaque écoute!
Le trio d'Electric Sun, alors composé de Uli Jon Roth (guitare, chant) Ule Ritgen (basse) et Sidhatta Gautama (batterie), a signé un nouvel opus en 1981, intitulé "Fire Wind", dans la même veine musicale que le précédent.
Ce LP est sans doute très légèrement plus moderne, plus ancré dans les années 80, et encore plus mélodique. La pochette, assez superbe, est encore une fois l’oeuvre de la compagne d’Uli, Monika Dannemann. Elle reflète bien le contenu du disque, celui d’un guitariste passionné et mystique, mélodique et dégageant une... cascade de feeling.
"Fire Wind", sorti sur le label Brain (EMI / Sonopresse en France) et produit par Roth, fut enregistré sur une période allant de Mars à Septembre 1980. L'essentiel des titres a été enregistré aux Studios Olympic à Londres. Quelques re-recording furent effectués dans deux studios différents de Hambourg où l'album fut aussi mixé.
Un album de cette trempe est extrèmement rare. Rien que son titre, "Fire Wind" ("Le Vent de Feu"), peut-on envisager plus sonore, plus enveloppant, plus effusif, que des bourrasques de flammes?
La pochette de l'album évoque également le bruit et la fureur: les cascades, le tonnerre, et la Stratocaster du virtuose. Car bien sûr, la musique est à l'avenant. Après avoir créé les bases de son univers au sein de Scorpions, Roth a enfin pu s'affirmer sans contraintes sur "Earthquake".
Deux ans plus tard, et tandis que son ancien groupe connaît alors un drame (avec la perte de voix de Klaus Meine), le guitariste confirme ses envies d'exploration par le biais d'un nouvel album encore plus flamboyant et audacieux que son prédécesseur. Plus mélodique également, et c'est ce qui en fait sans aucun doute sa richesse.
Pourtant, une constatation vient dès la première écoute; si le chant d’Uli Jon était déjà difficilement supportable à l’écoute d’"Earthquake", les choses ne s'arrangent pas sur "Fire Wind"! Particulièrement sur des titres comme "I’ll be loving You Always", "Fire Wind" ou "Just Another Rainbow", sur lesquels sa voix ne ressemble à rien, même si quelque part, elle correspond parfaitement bien "dans l’esprit" à la musique.
Heureusement il reste justement cette musique et c’est le plus souvent magnifique comme en témoignent les rapides "Cast away your Chains" ou "Fire Wind" (et son 'outro solo' d'une telle pureté), ou d’autres morceaux plus originaux. Parmi ces derniers, le génial "Indian Dawn" et son mélange de percussions et de solos qui repoussent les limites de l’aigu, ou encore "Chaplin and I" et sa superbe intro acoustique.
"Fire Wind" est une démonstration complètement débridée du talent d'Uli Jon. Bien sûr, ce dernier est au chant, mais si Uli aime déclamer ses poèmes, il sait également se taire pour laisser parler sa guitare, le moyen de communication qui lui rend sans-doute le plus justice.
Si sur "Indian Dawn", qui reprend le riff de "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin, Uli fait un clin d'oeil à certaines de ses influences, cet album reste avant tout une réalisation très personnelle. Globalement plus énergique que son prédécesseur, et plus homogène (pas de récitation éthérée de poème comme sur "Lilac").
Le morceau "Fire Wind", à l'image du morceau "Electric Sun", sert avant tout à enrichir la mythologie qu'Uli tente de construire autour de son univers. Les éléments en sont au coeur. Il y est question d'explosions, de sauveur ailé, d'universalité, le tout emballé dans un riff d'une énergie décoiffante et agrémenté bien entendu de solos qu'il serait insultant de décrire tant ils se font éblouissants et d'une richesse mélodique déconcertante. Tout cela est riche en ambiances et en motifs mélodiques de grande classe. Si "...Au commencement était le verbe...", on a plutôt envie de penser qu'au commencement était la musique, tant l'intensité qui règne sur cet album prend des airs d'explosion originelle.
Comme sur "Earthquake", le disque se conclut avec une long morceau de bravoure de plus de dix minutes qui cristallise toute l'audace du guitariste, "Enola Gay - Hiroshima Today?", dont le thème est inspiré par le bombardement sur la ville Japonaise le 6 Août 1945, pendant la Seconde guerre mondiale. Même si ce morceau va peut-être moins loin dans le génie que le morceau "Earthquake" de l’album précédent, il vaut toute de même largement le détour. Divisé en quatre mouvements, ce titre en majorité instrumental alterne des accords mélancoliques et des effets de guitare apocalyptiques, qui rappellent immanquablement le lâcher de la bombe atomique sur la cité asiatique.
Si Uli se fait également très convaincant sur des formats plus courts ("Cast Away Your Chains", "Just Another Rainbow" et sa superbe introduction), c'est bien sur ce morceau-fleuve qu'il semble se réaliser pleinement.
Certains morceaux plus calmes, notamment "Chaplin and I" qui le voit troquer sa Fender pour une délicate guitare acoustique, viennent compléter le tableau, ou plutôt ce big-bang, avec brio.
Un musicien n'aurait pas assez de notes, un peintre pas assez de couleurs, et un chroniqueur pas assez de mots pour retranscrire la beauté à la fois pure et très élaborée qui transparaît sur ce "Fire Wind" dont la richesse est encore aujourd'hui, plus de 40 ans après sa sortie, inégalée.
Voici LE véritable chef-d'oeuvre d'Uli Jon Roth, l'album à acheter absolument.
A noter que cet album est dédicacé au leader égyptien Anwar El-Sadat assassiné en 1981.
