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[Slade]

C'est dommage qu' Uli Jon Roth chante parce que c'est une catastrophe ..

[ledzep56]

C'est dommage qu' Uli Jon Roth chante parce que c'est une catastrophe ..

Entièrement d'accord

[Cooltrane]

Le premier album rock auquel j'ai été exposé et je l'ai adoré. Mon père l'avait acheté à sa sortie pour Bourrée et j'ai passé des heures (à 6 ans) à l'écouter et regarder cette pochette géniale (que j'ai tjs) avec on pop-up trop cool.

Stand Up (1969)

Le seul instrumental de l'album, "Bourée" est aussi le seul morceau non composé par Anderson. Composée par Johann Sebastian Bach des siècles plus tôt, la pièce a influencé une danse folklorique française populaire appelée bourrée. Alors que la flûte prend la tête tout au long, la basse de Cornick est le véritable point culminant du morceau, qui se transforme en un jam rock jazzy vers le milieu avant que deux flûtes overdubbées dans la section finale fassent un grand effet pour clôturer la chanson.


"Nothing Is Easy" est une grosse jam rock, surtout vers la fin. La batterie de Bunker brûle avec des rudiments entre les couplets de jam et les solos. Un solo de Barre au milieu est bientôt interrompu par la flûte d'Anderson, car le groupe a peut-être un peu trop essayé d'être progressif avec plusieurs parties, mais néanmoins une excellente chanson de jam. "Fat Man" contient des éléments musicaux indiens avec sitar et percussions à main, tandis que "We Used to Know" est une autre grande ballade acoustique d'Anderson. Cette dernière chanson s'appuie sur des sections de motifs d'accords répétitifs pour les instruments principaux, y compris quelques superbes pistes de Barre où il découpe de superbes motifs sonores.

classicrockreview

A priori, non!! Pas d'overdub... Martin Barre est crédité de la 2è flute sur Bourrée

Sinon, la succession d'accord de We Used To Know a servi aux Eagles pour Hotel California, chose que Anderson a appris via les médias il y a 15/20 ans st il s'en voit fort aise. WUTK étant quasi mon morceau préféré sur l'abum.

[alcat01]

C'est dommage qu' Uli Jon Roth chante parce que c'est une catastrophe ..

Entièrement d'accord

On finit par s'y habituer!

[alcat01]

Le premier album rock auquel j'ai été exposé et je l'ai adoré. Mon père l'avait acheté à sa sortie pour Bourrée et j'ai passé des heures (à 6 ans) à l'écouter et regarder cette pochette géniale (que j'ai tjs) avec on pop-up trop cool.

Stand Up (1969)

Le seul instrumental de l'album, "Bourée" est aussi le seul morceau non composé par Anderson. Composée par Johann Sebastian Bach des siècles plus tôt, la pièce a influencé une danse folklorique française populaire appelée bourrée. Alors que la flûte prend la tête tout au long, la basse de Cornick est le véritable point culminant du morceau, qui se transforme en un jam rock jazzy vers le milieu avant que deux flûtes overdubbées dans la section finale fassent un grand effet pour clôturer la chanson.


"Nothing Is Easy" est une grosse jam rock, surtout vers la fin. La batterie de Bunker brûle avec des rudiments entre les couplets de jam et les solos. Un solo de Barre au milieu est bientôt interrompu par la flûte d'Anderson, car le groupe a peut-être un peu trop essayé d'être progressif avec plusieurs parties, mais néanmoins une excellente chanson de jam. "Fat Man" contient des éléments musicaux indiens avec sitar et percussions à main, tandis que "We Used to Know" est une autre grande ballade acoustique d'Anderson. Cette dernière chanson s'appuie sur des sections de motifs d'accords répétitifs pour les instruments principaux, y compris quelques superbes pistes de Barre où il découpe de superbes motifs sonores.

classicrockreview

A priori, non!! Pas d'overdub... Martin Barre est crédité de la 2è flute sur Bourrée

Sinon, la succession d'accord de We Used To Know a servi aux Eagles pour Hotel California, chose que Anderson a appris via les médias il y a 15/20 ans st il s'en voit fort aise. WUTK étant quasi mon morceau préféré sur l'abum.

En es-tu sûr?
Je le vois bien crédité de la 2è flute sur deux morceaux, "Jeffrey Goes To Leicester Square" et "Reasons For Waiting", mais pas sur "Bourrée", mais je peux me tromper!

[alcat01]

1019

Benefit (1970)
Troisième album dans la discographie de Jethro Tull, "Benefit" se trouve coincé entre l'album de la révélation, "Stand Up", avec son incontournable tube, 'Bourée', et ce qui reste à ce jour comme l'album de référence de Jethro Tull, le très réussi "Aqualung". Pas facile d'exister entre ces deux monuments même si, au moment de sa conception, Jethro Tull ne pouvait pas avoir idée du retentissement sur sa carrière de l'album suivant.
Si le groupe conserve le line-up de "Stand Up", il s'adjoint un cinquième membre en la personne de John Evan pour tenir les claviers. En effet Ian Anderson souhaite décharger Martin Barre des accompagnements tenant lieu d'habillage aux morceaux pour qu'il concentre ses efforts sur les riffs et les solos de guitare. De ce fait, John Evan se retrouve le plus souvent cantonné aux fonds sonores et les claviers sont rarement à l'honneur sur "Benefit", seul 'Alive And Well And Living In' permettant d'entendre le piano en premier plan. La part du lion revient aux guitares, électriques et acoustiques, qui monopolisent l'espace sonore sur la quasi-totalité des titres : en solo, en duo, en couches superposées, elles donnent à l'album un tour plus heavy, les tendances folk étant remisées avec les solos de flûte. Car l'instrument emblématique de Jethro Tull, celui que Ian Anderson a su imposer à une production réticente, est beaucoup moins présent que sur "Stand Up". Certes les premières notes de l'album sont pour la flûte traversière, mais celle-ci reste très discrète, notamment durant la première moitié de l'album où ses interventions sont utilisées avec parcimonie.
Les compositions ont quant à elles totalement abandonné le blues des débuts, Anderson se donnant même la peine d'expliquer que cette page est définitivement tournée dans son agressif pamphlet 'Play In Time'. Elles s'orientent dorénavant vers un rock qu'il est bien malaisé de définir tant les chansons se permettent régulièrement de petites escapades qui les singularisent des standards. Sans les apparenter au rock progressif, elles ne sont pas de simples titres rock, ni folk, ni variété internationale, ni hard-rock. Un peu apatrides, à mi-chemin entre plusieurs styles, avec ce chant caractéristique aux constantes intonations méprisantes ou moqueuses, d'une complexité accessible ou d'une facilité sophistiquée.
L'originalité n'est cependant pas obligatoirement gage de réussite. Certains titres contiennent des prémices d'"Aqualung", comme 'With You There To Help Me', 'Nothing To Say' ou 'To Cry You A Song'. Ce sont ceux qui sont le plus digne d'intérêt. D'autres ont leur propre personnalité, comme le doux 'Sossity, You're A Woman', au style guitare autour d'un feu de bois, ou son contraire, l'agressif et heurté 'Play In Time', qui sait utiliser à bon escient les distorsions des guitares. Mais certains morceaux déçoivent et nuisent à la dynamique de l'album. 'Son' et 'For Michael Collins, Jeffrey And Me' déroutent par des pauses, des changements de rythmes semblant improvisés tellement ils sont mal construits, des sons sales et un manque de dynamisme évident. 'Inside', affligé d'un son très étouffé, semble issu d'un autre album, tant il se trouve en décalage d'un point de vue mélodie, composition, interprétation et instrumentation.

Ces écarts qualitatifs parfois importants, que ce soit dans la composition ou dans la production, font de "Benefit" un album en dents de scie à l'intérêt inégal. Jethro Tull s'est trouvé une identité, mais la créativité de Ian Anderson l'entraine parfois sur des chemins de traverse qu'il aurait dû savoir éviter.

musicwaves

[alcat01]

1020

L'album de Pure Prairie League, "If the Shoe Fits", paru au début de l'année 1976, propose la même formation du groupe que l"album précèdent, bien que cette fois les membres aient co-écrit une grande partie du matériel les uns avec les autres, donnant à l'ensemble de l'album une ambiance encore plus cohésive.
Cependant, cela ne ressort pas sur la reprise d'ouverture de "That'll Be The Day" une reprise des Crickets de Buddy Holly, qui semble en contradiction avec le reste de l'album, bien qu'il s'agisse cependant d'une interprétation plutôt bonne.
C'est la seule chanson extérieure, bien que "Sun Shone Brightly" ait été écrit par Tim Goshorn, le frère cadet de Larry, qui ne rejoindra le groupe qu'un an après l'enregistrement de l'album.
Le groupe s'investit à fond et continue dans la même veine que le dernier LP avec seulement quelques morceaux de George Powell ressemblant au son des deux premiers disques. Malgré tout, il n'y a aucune comparaison possible avec ceux-ci.
Ce n'est pourtant pas réellement un mauvais disque, mais il devient de plus en plus difficile de trouver des traces de ce qui avait rendu ce groupe si spécial. Les compositions sont plus fades que sur les albums précédents et même, parfois, assez quelconques.

Commercialement parlant, sur la lancée de leur album précédent, "If the Shoe Fits" a été un autre Hit du Top 40, engendrant d'ailleurs une entrée mineure dans les Charts Country avec la reprise de "That'll Be the Day".
A noter que, en plus de la version stéréo à deux canaux habituelle, l'album a également été publié par RCA Records dans une version sonore quadraphonique à quatre canaux en 1976.
L'album a été réédité en 2017 sur Super Audio CD hybride par Dutton Vocalion. Cette édition a été remasterisée à partir des bandes originales et contient à la fois les mixages stéréo et quadraphoniques originaux.

L'album suivant sera une énorme amélioration, mais cet album est toujours très aléatoire. C'était vraiment dommage car les chansons comme "Long Cold Winter", "Lucille Crawfield" et "That'll Be The Day", sont très bonnes.
Les chansons moins bonnes sont vraiment plutôt fades; cependant, les quelques bonnes chansons valent la peine d'être écoutées.

[alcat01]

1021

Stealer Of Years (1996)
Près d'un quart de siècle après leur rupture, Glenn Cornick, Gary Pickford-Hopkins et Tweke Lewis, avec Brian Thomas à la batterie, se sont réunis sous le nom de Wild Turkey et ont enregistré Stealer Of Years pour une sortie sur le label peu connu HTD Records; il a été autorisé par Castle Records et réédité en 1999. Le groupe n'a fait aucune tentative de musique fantaisiste ou complexe, pas même dans la mesure où ils l'ont fait sur leurs deux albums originaux Battle Hymn et Turkey, restant plutôt plus proche de l'orthodoxie blues-rock sur de nombreuses chansons, aux côtés d'une dose généreuse de morceaux sympathiques, accessibles et mélodiques qui pourraient entrer dans la catégorie générale d'AOR.
Comme ce fut le cas avec les albums précédents du groupe, l'accent instrumental de Stealer Of Years était sur les guitares. Lewis a adopté une approche simple, faisant en sorte que chaque note compte pour son travail sur ces 14 pistes, de ses gros riffs et lignes à une seule note sur "Wrap It Up Take It Home", "Battlefield" et "Gunslinger" au son des carillons bluesy et désespérés sur "With You In Mind" et l'excellent et sombre "Anthem Of The Universe". En l'absence d'un deuxième guitariste, il a joué ses propres lignes doubles, et l'a fait assez bien comme en témoigne "Riff Me Rock Me". Il a également contribué à la merveilleuse pièce finale "Klementina", qui était malheureusement le seul instrumental de l'album. Curieusement, il n'y a presque pas de solos de guitare prolongés, et bien que le dévouement à la brièveté de bon goût soit admirable et immaculé, il aurait peut-être été agréable d'entendre le vieux Tweke se déchaîner un peu plus.
Le chanteur Gary Pickford-Hopkins a fait un travail fantastique. sa prestation bourrue et quelque peu nasale s'est peut-être un peu améliorée depuis la course originale (et trop brève) de Turkey vers la gloire et la fortune. Il a montré qu'il pouvait encore atteindre les notes élevées sur "St. Catherine's Bells" et "With You In Mind" et en effet, son chant et sa co-écriture (avec Lewis) sont fondamentaux pour l'attrait de l'album.
Bien sûr, Wild Turkey est une branche étroitement intégrée de l'arbre généalogique Jethro Tull, par le biais du bassiste et membre fondateur Glenn Cornick. Il a écrit trois des chansons de Stealer Of Years, y compris "St. Catherine's Bells" avec la chanson titre. Ce sont les airs qui ont tendance à s'éloigner de la musique rock, avec des clins d'œil au folk anglais traditionnel et au skiffle. "Life Is What You Make It" est un rock and roll direct, un clin d'œil évident aux sons rauques de Chuck Berry et Jerry Lee Lewis dans les années 1950.
En plus de jouer de la basse trompeusement mélodique et basanée (écoutez "Battlefield" pour un bon exemple), Cornick a également apporté son bandana de marque. Certaines choses ne changent jamais! Tout pour le mieux. Bravo à vous, les gars!

Reginod

[alcat01]

1022

Pieces - 1972
La troisième et dernière version de Juicy Lucy est restée fonctionnelle entre juillet 1971 et juin 1972. Le guitariste rythmique Dave Tedstone a travaillé avec eux pendant un certain temps, mais le line-up sur "Pieces" comprenait principalement Paul Williams (chant), Micky Moody (guitare), Jean Roussel (claviers), Ron Berg (batterie) et Andy Pyle (basse).
Le style de Juicy Lucy a commencé à s'éloigner du son blues plus prévisible.
Micky déclare : « La musique avait un côté plus doux. Nous avons passé un accord avec Polydor pour enregistrer l'album 'Pieces' qui a été produit par Bruce Rowlands, batteur du Grease Band.'
Il a été enregistré aux Olympic Studios de Barnes en décembre 1971. La plupart des chansons ont été écrites par Paul et un de ses amis paroliers appelé John Edwards. Il y avait quelques invités sur l'album. Albert Lee et Chas Hodges étaient aux chœurs et Ian McLagan des Small Faces et Mick 'Wynder K. Frogg' Weaver étaient aux claviers. Incidemment, ces deux gars ont retravaillé ensemble sur des albums à Los Angeles.
"Pieces" regorge de bonnes performances et démarre avec une version entraînante de "Promised Land" de Chuck Berry conçue comme un hommage au maître. « Bien qu'il s'agisse principalement d'un album doux, nous voulions montrer que nous pouvions encore jouer du rock'n'roll », déclare Micky. "La chanson suivante, 'Cuckoo', était celle que nous avions dirigée sur un album du Taj Mahal appelé 'Natch'l Blues.'
Nous avons beaucoup aimé Taj Mahal et Ry Cooder. "It Ain't Easy" était une chanson que Zoot Money a écrite et transmise à Paul, et "Suicide Pilot" était un original de Williams/Edwards et un bon rock'n'roll. Certaines des chansons ont des paroles de style début des années 70, comme «Dead Flowers In The Mirror» qui, je me souviens, était un peu une parodie country! Le montage final "How Can A Poor Man Stand These Times" est tiré du premier album de Ry Cooder et a été écrit par un chanteur de blues appelé Alfred Reed.
L'album a-t-il très bien fonctionné ? Je ne pense pas ne pas avoir été payé pour ça ! Le groupe s'est pratiquement séparé peu de temps après la sortie de l'album cet été lorsque Paul est parti rejoindre Tempest. Pourtant, le groupe a lutté avec Frankie Miller pour quelques concerts de plus et Bobby Harrison a également chanté pendant un moment.
Nous avons essayé de faire entrer Frankie Miller dans le groupe mais son management a dit « non ». Puis Bobby a dit qu'il avait un contrat de management et a demandé si nous aimerions former un groupe avec lui. Nous avons donc formé un nouveau groupe appelé SNAFU et en 1972, nous avons tourné avec Joe Cocker en Europe et fait quelques concerts avec Slade. Mais comme Nigel Thomas, notre manager, s'occupait de Joe Cocker, nous avons en quelque sorte été relégués à l'arrière-plan. À un moment donné, on m'a demandé de rejoindre Boxer avec Mike Patto, mais cela ne me plaisait pas vraiment, alors j'ai fait équipe avec Bobby Harrison et ce fut la fin de Juicy Lucy.
"C'était une triste fin pour un groupe qui avait commencé avec tant de promesses et de grands espoirs.
Étonnamment, malgré tous les changements de line-up et les changements de direction musicale, le nom du groupe à lui seul pouvait encore commander des chaînes de concerts dans les collèges et les clubs jusqu'à la fin, telle était la demande de musique "live" à cette époque.

Chris Welch

[Cooltrane]

Benefit est probablement le plus faible des 5 premiers albums du Tull

A priori, non!! Pas d'overdub... Martin Barre est crédité de la 2è flute sur Bourrée

Sinon, la succession d'accord de We Used To Know a servi aux Eagles pour Hotel California, chose que Anderson a appris via les médias il y a 15/20 ans st il s'en voit fort aise. WUTK étant quasi mon morceau préféré sur l'abum.

En es-tu sûr?
Je le vois bien crédité de la 2è flute sur deux morceaux, "Jeffrey Goes To Leicester Square" et "Reasons For Waiting", mais pas sur "Bourrée", mais je peux me tromper!

T'as sans doute raison sur les crédits par chanson, mais je ne vois que si Martin Bourré joue 2è flute sur deux titres, il n'en serait pas sur un 3è - d'autant plus qu'il n"y a quasi pas de guitare dans Barrée

[alcat01]

1023

Nicely Out of Tune (1970)
Parmi les groupes folk anglais et américains du début des années 70, America, Fairport Convention voire Pentangle et Steeleye Span reviennent immédiatement à l'esprit.
Pourtant Lindisfarne a été également de la partie.
Moins inventif que les groupes cités ci-dessus, leur musique n'en est pas moins efficace est sympathique à écouter.
"Lady Eleonor" est le morceau le plus connu puisqu'il a atteint la 3ème place des meilleures ventes britanniques en juin 1972, 5 mois après "A horse with no name" d'America. Le refrain à plusieurs voix et la coda instrumentale ne passe pas inaperçus.
"Clear white light part 2" avec ses vocaux extraodinaires et l'amusant "We can swing together" avec le solo d'harmonica sont les 2 autres temps forts de cet album qui ont été ajoutés 2 bonus tracks absents dans le vinyle de 1970.
Reste que le remaster de ce CD déjà édité par Virgin UK à la fin des années 80 n'apporte pas vraiment de plus-value par rapport à la 1ère édition CD : la différence au niveau du son est insignifiante et surtout, les craquements de vinyle entendus dans l'intro de "Down" ont été supprimés alors qu'ils avaient été intentionnellement enregistrés par le groupe pour justement sonner rétro ! Carton jaune pour le technicien de EMI pour cet excès de zèle !
Seule plus-value ; "Knackers Yard Blues", le 1er des 2 titres bonus apparaît ici en stéréo alors qu'il était en mono sur l'édition précédente. Bien maigre consolation !
Malgré tout cela, cet album est à recommander à tous les amateurs de folk anglais qui se respectent.

PC_Music

[alcat01]

1024

1981 : I've Got the Rock'n'Rolls Again
La deuxième sortie du Joe Perry Project tombera une fois de plus dans l'obscurité alors que Columbia refusa d'aider à promouvoir l'album dans une tentative étrange de reconstituer la formation originale d'Aerosmith. C'est dommage. I've Got The Rock N' Rolls Again est un album solide. Pas tout à fait aussi bon ou puissant que le premier mais un excellent album néanmoins.

Au lieu de travailler sur le flash de son travail de guitare, Perry a déclaré qu'il voulait faire un album avec du groove et du rythme. Ce que nous avons, c'est un album à moitié heavy blues dans la même ambiance que le classique AC/DC, un groupe que Perry admirait, et un album à moitié punk dans l'ambiance en herbe des Sex Pistols; encore un autre groupe que Perry a beaucoup apprécié. Cela semble bizarre, mais cela fonctionne.
En optant davantage pour une sensation rythmique avec son jeu par rapport à un son principal, nous avons des morceaux comme le morceau titre qui tue qui est la meilleure chanson d'AC/DC de tous les temps que Bon Scott n'a jamais écrite: La douce reprise entraînante de "Buzz Buzz". L'ouverture cool de "East Coast, West Coast". Le punk en herbe qui rencontre la power-pop de Cheap Trick sur "TV Police" et le funk n roll classique de Perry, "Dirty Little Things", mais c'est la clôture de l'album "South Station Blues" qui vole vraiment la vedette.

smorton87

[alcat01]

1025

1985 : Beyond the Astral Skies
Après quatre ans d'intense préparation, le nouvel album d'Electric Sun intitulé "Beyond the Astral Skies", est prêt et il sort en 1985.

Quatre ans après le chef-d’œuvre "Fire Wind", le guitariste renouvelle son entourage et s'offre les moyens de ses ambitions. Désormais distribué par EMI, l'artiste dispose en effet de moyens financiers plus conséquents qui lui permettent de recruter des musiciens supplémentaires, et de passer plus de temps en studio.

La splendide pochette est réalisée une nouvelle fois par Monika Danneman.
"Beyond The Astral Skies", ou le jusqu'au boutisme assumé d'Uli Jon Roth. Cet ultime album d'Electric Sun voit le maestro pousser encore plus loin ses expérimentations, et affirmer encore un peu plus son univers musical teinté de psychédélisme et, c'est une nouveauté, d'une grandiloquence assumée.
C'est également le premier enregistrement sur lequel figure la célèbre Sky Guitar, qui deviendra bien vite l'unique instrument d'Uli. Originellement constituée de 30 frets afin de se rapprocher le plus possible du son de violon, cette guitare en forme de goutte d'eau ouvre en effet de nouvelles possibilités pour Roth, qui se laisse totalement guider par son instrument sur cet album complexe et ambitieux.

Plus que d'un disque Rock Psyché, il semble évident que Uli a désiré créer une œuvre musicale à part entière, dotée d'une progression, et qui trouve son climax sur le titre de près de 7 minutes, "Eleison", qui voit de nombreuses pistes de guitares se superposer à de (très nombreuses) pistes de chant, ainsi qu'à des instrumentations pompeuses, le tout donnant en effet l'impression d'écouter une petite symphonie.
L'album n'est pourtant pas aussi bon que son prédécesseur. Deux raisons à cela: Uli, bien que voguant dans son univers, se voit influencé par le son des années 80, et propose notamment sur la première partie de l'album des morceaux Rock qui se veulent efficaces et à la recherche de la mélodie qui fait mouche. Des titres tels que "The Night The Master Comes" ou "Icebreaker" se voient ainsi engoncés dans des habits étriqués, qui ne semblent pas à la hauteur de leurs ambitions. La deuxième raison est à chercher dans le trop plein d'éléments: Comme galvanisé par ses nouvelles possibilités, Uli met des chœurs et des harmonies vocales partout, pour un résultat très sucré que la beauté naturelle de la Sky Guitar ne parvient pas vraiment à contrebalancer.
C'est malheureusement une impression de trop-plein qui se dégage de l'écoute de cet opus, dont on ne parvient pas à retenir grand chose si c'est n'est les sublimes "Why?", introduit par un piano et des bruits d'oiseaux bucoliques, et agrémenté de la présence du chanteur Michael Flexig, ainsi que "I'm a River", également introduit par des bruits de nature, qui propose une véritable démonstration de force de la Sky Guitar, et bénéficie de quelques influences Folk Psyché qui peuvent rappeler l'univers de Jethro Tull.
"Beyond The Astral Skies" est, dans sa globalité, malgré tout ,un album réussi que l'on ne peut finalement qu'apprécier. Pourtant, il faut se raccrocher aux branches, tenter de percer la beauté dans un océan de complexité, là où la beauté de la musique d'Uli se faisait évidente sur ses deux albums précédents.

D'ailleurs, ce disque divise, certains le jugeant comme le plus réussi de sa discographie, d'autres, jugeant qu'il souffre d'un trop-plein d'éléments pour réussir à convaincre pleinement.
En tout état de cause, cet opus pose néanmoins les bases de ce que le guitariste proposera en solo à partir du début des années 90.

[alcat01]

1026

Aqualung (1971)
“Sitting on a park bench…” ("Assis sur un banc de parc...")
C'est l'une des lignes d'ouverture emblématiques de la musique rock, contre l'un de ses riffs les plus distinctifs, l'introduction de l'auditeur au monde d' Aqualung de Jethro Tull , sorti au Royaume-Uni le 19 mars 1971 (et le 3 mai aux États-Unis).
Sur Aqualung , Jethro Tull a démontré toute la gamme de son talent, insufflant des chansons avec des éléments hard rock, classiques et progressifs. Que ce soit dans de brèves chansonnettes ou des épopées en plusieurs parties, le chanteur/compositeur/flutiste Ian Anderson et le groupe nous présentent des parias, des pécheurs et ceux qui sont laissés pour compte, tout en livrant une critique sévère contre les constructions sociétales. C'est un album ambitieux, qui reste pertinent, intemporel et accessible à l'infini. Dans le monde du rock progressif, ce n'est pas une mince affaire.
Le groupe basé à Blackpool Jethro Tull s'était fait un nom principalement avec des styles blues-rock sur This Was (1968), Stand Up (1969) et Benefit (1970). Mais au moment où le travail a commencé sur Aqualung , ils seraient revitalisés : plus lourds, plus insistants et encore plus convaincants.
Aqualung présente Anderson sur sa flûte, sa guitare acoustique et sa voix distinctives; Martin Barre à la guitare électrique; et Clive Bunker à la batterie et aux percussions pour ce qui sera son dernier album avec le groupe. Pour compléter la formation, les nouvelles recrues John Evan aux claviers et Jeffrey Hammond, qui a appris à jouer de la basse alors qu'il rejoignait le groupe à la fin de 1970. Ils se sont installés aux Island Studios sur Basing Street, à Londres, pour enregistrer un album avec un thème.
Comme Anderson l'a rappelé, le groupe était essentiellement des cobayes dans le nouvel espace, travaillant avec un équipement flambant neuf auquel personne ne semblait avoir été formé. Il s'est avéré que Led Zeppelin avait réservé l'espace sonore le plus petit et le moins vivant du complexe de studios. pour faire Led Zeppelin IV afin que Jethro Tull se retrouve avec une église caverneuse convertie mieux adaptée aux enregistrements orchestraux, donnant à l'album une empreinte sonore distincte. Bien que la création de l'album n'ait peut-être pas été facile, la simplicité de la musicalité de Jethro Tull et l'excellent matériel ont brillé sur cet album historique.
La première face explore le rôle des inadaptés et les systèmes qui les mettent de côté. Il s'ouvre sur le récit ultime du vagabond : « Aqualung ». Ici, nous avons des aperçus d'un clochard peu recommandable et échevelé, gras, indésirable, jetant des regards sur les filles, le tout contre certains des meilleurs rock que Tull ait jamais posés. Mais l'ambiance change dans la section B, où Anderson profite du moment pour introduire un élément pathétique :
“Aqualung, my friend, don’t you start away uneasy,” the narrator directs. “You poor old sod, you see it’s only me.” ("Aqualung, mon ami, ne commence pas à te mettre mal à l'aise », ordonne le narrateur. "Pauvre vieux con, tu vois que ce n'est que moi.")
Le contraste entre le comportement socialement inacceptable du clochard et les descriptions de son état - sa «jambe douloureuse alors qu'il se penche pour botter le cul d'un chien» et sa dépendance à l'Armée du Salut pour son confort - est reflété par la complexité musicale. La voix d'Anderson est à la fois macabre et hurlante, puis délicate et douce. Pendant ce temps, le groupe canalise le rock lourd, avec Barre délivrant des riffs et des solos brûlants. Ils pointent vers leurs racines blues, puis alternent avec une intimité folklorique. Sans parler du contraste frappant entre l'instrumentation rock lourde et la flûte d'Anderson. En ouverture, c'est une introduction au Jethro Tull revitalisé, à leurs chansons basées sur des histoires et aux thèmes qui se poursuivront tout au long de l'album. Cela est mis en évidence par l'histoire d'un autre inadapté sur du hard rock, "Cross-Eyed Mary".
Le milieu de la première face présente un son plus dépouillé, influencé par les goûts du folk écossais et des styles d'auteurs-compositeurs-interprètes. «Nous avions de bons modèles en tant qu'auteurs-compositeurs autour de nous», se souvient Anderson en 2011. De Simon et Garfunkel et Bob Dylan au guitariste acoustique Bert Jansch et «le fantasque et légèrement philosophique Roy Harper», Anderson s'intéressait à «une sorte de pureté et une simple clarté d’approche.
Le bref "Cheap Day Return", qui dure un peu plus d'une minute, montre des figures de guitare à la Jansch, ainsi que des orchestrations complémentaires de Dee Palmer. "[C'est] à propos d'un jour où j'étais allé rendre visite à mon père à l'hôpital de Blackpool", a déclaré Anderson en 1971. "J'ai pris un train à neuf heures, j'ai passé quatre heures à voyager, quatre heures avec mon père et quatre heures pour revenir. C'était une longue chanson principalement consacrée au voyage en train, mais la section du disque parle de la visite de mon père. C'est une vraie chanson. La "Mother Goose" aux influences écossaises, avec ses lignes de flûte à bec superposées et ses signatures temporelles alternées, est du pur surréalisme. Les barbus, les amateurs de poulet, les éléphants de Piccadilly Circus et les épouvantails qui volent les bonhommes de neige font tous leur apparition dans ce conte enjoué d'inspiration médiévale.
Elle est suivie peut-être de la chanson la plus personnelle de l'album, une ballade d'amour intitulée "Wond'ring Aloud". “We are our own saviors as we start both our hearts beating life into each other,” ("Nous sommes nos propres sauveurs alors que nos deux cœurs commenent à battre la vie à l'unisson"), chante Anderson sur son grattage acoustique, rythmé par des houles orchestrales et la ligne de piano de tissage occasionnelle. La chanson a été enregistrée à l'origine comme une épopée de sept minutes, dont des restes peuvent être entendus sur "Wond'ring Again" sur l'album de compilation de 1972 Living in the Past.
La face se termine par "Up To Me". C'est un brulôt de blues-rock aux riffs lourds avec des guitares électriques sinueuses contre la guitare acoustique douce d'Anderson et des lignes de flûte sinueuses, un contraste parfait avec les chansons plus légères qui le précèdent et une amorce pour le matériel plus lourd à venir.
La face deux est centrée sur le thème "My God", qui est aussi le nom de la première chanson sur la face. Il s'agit d'un morceau de rock à construction lente et dramatique critiquant la religion organisée, complété par un intermède de chorale. "C'est une lamentation pour Dieu", a déclaré Anderson dans une interview en février 1971. « Vraiment en moi-même, je me réfère au genre d'idées de Dieu et de religion avec lesquelles j'ai été élevé. Dans le contexte où je le connaissais, Dieu est une chose hautement personnelle, un sentiment de droiture et de bonté".
C'était une décision audacieuse pour un groupe britannique en 1971. Anderson savait qu'il était susceptible d'offenser avec des phrases du type : “So lean upon him gently/and don’t call on him to save/you from your social graces/and the sins you used to waive,” (« Alors, appuyez-vous doucement sur lui/et ne l'appelez pas pour vous sauver/de vos grâces sociales/et des péchés auxquels tu renonçais,"), sans parler de “And the bloody church of England/in chains of history/requests your earthly presence/at the vicarage for tea.” (« Et l'église sanglante d'Angleterre/dans les chaînes de l'histoire/demande votre présence terrestre/au presbytère pour le thé ». Mais Anderson a également souligné que sa préoccupation n'était pas avec Dieu ou la spiritualité, mais avec les systèmes d'autorité qui ont utilisé une relation avec un dieu « comme excuse » pour un comportement inhumain. "Je ne voudrais pas éloigner les gens de Dieu", a-t-il déclaré à Disc & Music Echo avant la sortie de l'album. "En fait, je ne pense pas que vous puissiez vous éloigner davantage de Dieu que nous ne le sommes aujourd'hui."
Il continue d'explorer le thème avec "Hymn 43", un morceau entraînant teinté d'évangile qui demande pardon à Dieu pour ce que l'homme lui a fait. “If Jesus saves, well He’d better save Himself,” ("Si Jésus sauve, eh bien, il ferait mieux de se sauver lui-même"), hurle Anderson sur les interventions judicieuses de Barre et le piano frénétique de John Evan, “from the gory glory seekers who use His name in death!” ("à partir des chercheurs de gloire sanglants qui utilisent son nom dans la mort!").
Puis, sur "Locomotive Breath", Anderson fait le point sur un autre type de catastrophe imminente. Thématiquement, la chanson traite de la peur de la survie dans un monde qui a déraillé à cause de la cupidité et de la corruption, personnifiée par un train en fuite. En 1971, Anderson pouvait voir les effets du progrès technologique, des systèmes sociaux et d'un monde en croissance qui se dépassait, déclarant dans son refrain qu'il n'y avait “no way to slow down.” ("aucun moyen de ralentir").
"Nous sommes toujours là", a-t-il déclaré à un journaliste en 2011. "Nous créons un habitat beaucoup plus difficile en termes de nourriture et d'eau et de qualité de l'air que nous respirons, alors que les gens continuent de prélever des ressources sans planifier sur plus long terme." Ce danger est représenté musicalement par les constructions dramatiques de la chanson. Cela commence par une introduction déclarative au piano, avant de passer à un vamp de blues, puis à ce riff distinctif à tonalité mineure qui porte le chant frénétique et jappant d'Anderson. Le groupe est bloqué, avec un rythme entraînant et métronomique, mais on a l'impression qu'il pourrait dérailler à tout moment. Mais, comme beaucoup d'autres chansons de l'album, elle s'estompe, vous laissant vous demander si l'intensité a déjà débordé.
Le morceau de clôture, "Wind Up", est l'aboutissement de toutes les idées qui avaient traversé l'album jusqu'à présent, mais plus directement une condamnation de la religion organisée comme une mascarade et de son influence sur la jeunesse.
Ces déclarations ont attiré l'attention de ceux qui estimaient que le rock était déjà une forme impie et une mauvaise influence sur la jeunesse. Mais Anderson s'est défendu en disant: «Je suis fondamentalement une personne religieuse - je crois au concept de Dieu pour l'individu et la plupart des chansons de l'album [sont] pro-Dieu. Il n'y a vraiment pas de chansons anti-Dieu sur l'album".
En fin de compte, Aqualung s'est avéré un succès, la presse rock annonçant l'album pour sa variété, son sérieux et sa musicalité inégalée. "Hymn 43" a été sélectionné comme single mais n'a fait qu'effleurer le Top 100 des singles. L'album, cependant, a été un succès mondial, atteignant le top 5 dans huit pays, culminant à la 7e place aux États-Unis et à la 4e place au Royaume-Uni. Depuis sa sortie, l'album s'est vendu à plus de sept millions d'exemplaires.
L'acclamation a donné au groupe son premier vrai goût de la célébrité et l'a lancé dans sa prochaine phase en tant que mastodontes du rock progressif.
Dans une interview en 2016, on a demandé à Anderson pourquoi il était impatient d'écrire ce qu'il appelait ses «émotions d'adolescent». Il a répondu: "J'avais peur de grandir hors d'eux." Pourtant, 50 ans plus tard, il croit toujours aux messages d' Aqualung . "Ce n'est pas de la nostalgie pour moi… Cela me semble toujours important." Ces thèmes universels, voire prophétiques, de la sécurité, de la perte, de la spiritualité et des luttes avec l'autorité résonnent non seulement avec le leader, mais aussi avec les fans et les nouveaux venus, même toutes ces années plus tard. En effet, sur Aqualung , Anderson, Barre, Bunker, Hammond et Evan ont réussi à saisir l'occasion pour créer un véritable classique - un album qui a défié les conventions et contribué à établir la musique rock comme une forme d'art - album concept ou non.

Sam Stone

[alcat01]

1027

Bulldog Breed - Made In England
Le collectif de groupes Bulldog Breed, Neon Pearl, Flies, Gun, T2, Infinity et Asgaerd m'a toujours un peu fasciné. Principalement à cause de l'interrelation entre tous les combos et du fait que même s'ils ont tous sorti de bons trucs, ils restent pour la plupart obscurs.
C'est trop pop pour les fans de prog, trop progressif pour les fans de psych pop, trop tard pour l'ère mod freakbeat mais pas assez heavy pour les fans de heavy rock. Pas étonnant qu'il ait coulé sans laisser de trace lors de sa sortie. Bulldog Breed réside un peu dans chacun de ces sous-genres et pris tel qu'il est sans tenir compte de l'heure à laquelle il est sorti - enregistré, c'est un très bon album. C'est typiquement britannique et évoque toute une série de superbes groupes britanniques (la fantaisie de style Kinks, le freakbeat morose de The Attack, les guitares crunchy de The Open Mind...) mais assez fort pour ne pas être une simple imitation de ces groupes.
Beaucoup de bonnes choses ici. "Paper Man" groove sur un riff hard et s'intégrerait parfaitement dans l'album éponyme d'Open Mind. "Eileen's Mercerie Store" a cette ambiance fantaisiste qui était si branchée en 1967 (voir la référence de Kinks ou peut-être la première de Blossom Toe). Je creuse "Folder Men" avec ce n'est qu'au Royaume-Uni, un chœur ironique de "bowler hatted briefcase clowns". "When the Sun Stands Still" est un rock de riff progressif qui, eh bien, déchire. Il en va de même pour mes deux autres favoris ici, le sauvage "Reborn" et le sombre "Austin Osmanspare".
Le seul vrai point négatif est la production plutôt sèche et le fait qu'ils ont mixé les voix si haut qu'ils enlèvent un peu de puissance aux guitares qui rockent. Un peu d'écho ou de réverbération aurait également profité à l'ensemble.
Si vous aimez le rock underground, britannique, des années 60, vous trouverez ici quelque chose pour aiguiser votre sifflet.

Purple_Daze

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1029

Pure Prairie League était lancé et son nouvel album,"Dance", est sorti dès l'Automne de 1976.

C'est un disque plus étonnant et plus intéressant que le précédent.
Tous les membres fondateurs sont pratiquement à leur apogée au moment de la sortie de cet album. Le son des six cordes acoustiques et de la pédale steel se frayent un chemin tout au long du disque.
George Ed Powell, Larry Goshorn et l'incroyable voix de Mike Reilly s'additionnent encore pour en faire un enregistrement particulièrement mémorable du genre Country Rock. Le niveau des compositions redevient acceptable.

"Dance" a pourtant encore conservé le même paysage sonore, propulsé par des airs plus ou moins inattendus comme la chanson titre,"Dance", un air de Boogie Woogie accrocheur en ouverture qui présente des cuivres et qui saisit immédiatement l'auditeur, et "Catfishin'" avec un travail de dobro inspiré; c'est un classique! Le doux et harmonieux infléchi "In The Morning" est un superbe morceau avec le violon invité d'Andy Stein (membre de Commander Cody and His Lost Planet Airmen).
A noter aussi que "San Antonio" est une jolie ballade Country et que sur "All the Way", John David Call fait encore un superbe travail de pédale steel.

Contrairement à "If the Shoe Fits", ce disque se vendit mal, n'entrant que dans le Top 100 des Charts Pop, même s'il devint leur tout premier album à atteindre les Charts Country.

[alcat01]

1030

Brainticket Psychonaut
La scène rock psychédélique européenne brillait et grandissait dans les années 70. Brainticket est l'un de ces groupes dont l'influence a été très élevée lors du développement de la musique rock psychédélique en Europe. Le groupe a été formé par le pianiste de jazz Jöel Vandroogenbroeck, influencé par des artistes comme Amon Düül II,  Can et Tangerine Dream. Avec le guitariste Ron Byer et le batteur Wolfgang Paap, ils formaient la première formation de Brainticket.
Accompagnés de musiciens supplémentaires, ils sortent leur premier album "Cottonwoodhill", en 1971. Peu de temps après, Bryer décède et Vandroogenbroeck s'installe en Italie, où il rencontre de nouveaux collaborateurs et musiciens. Propulsé par une nouvelle formation de groupe, composée de : Jane Free (chant principal, tbilat, tambourin, sifflet à glissière, sons), Jöel Vandroogenbroeck (orgue, piano, flûte, sitar, voix sanze, rumeurs, générateur, arrangements), Rolf Hug (chef guitare, guitare acoustique, tablas, voix), Martin Sacher (basse électrique, flûte), Barney Palm (batterie, percussions, sons étranges) et Carole Muriel (voix supplémentaire) ont sorti leur deuxième album, probablement le plus réussi - "Psychonaut" en 1972.
S'ouvrant sur le morceau psychédélique relaxant "Radagacuca", qui commence par un orgue trippant et des flûtes en écho, c'est l'un des meilleurs exemples de la façon dont le groupe voulait que cet album sonne totalement à l'opposé et moins électrique que ses débuts. Sept minutes et demie de détente absolue pour entrer dans l'ambiance de l'album "Psychonaut". Il passe doucement à "One morning" - une chanson psychédélique épique, composée et interprétée dans les meilleures manières de la génération du flower-power. La façon dont les sons de la nature et de la pluie sont combinés avec le piano et les percussions reflète la production florissante de cet album et de cette belle chanson sur l'ouverture d'esprit et les perspectives de vie. "Watching You" est probablement le morceau le plus rock jamais enregistré par Brainticket. Le son brut de la batterie et des guitares avec des solos lourds est un arrière-plan fantastique pour la voix agressive mais soignée de Jane Free. Si vous avez déjà regardé le film "Almost Famous", cela vous y mènera probablement, car la chanson représente l'âge d'or du sexe, de la drogue et du rock 'n roll. La quatrième chanson "Like a Place in the sun" avec des vocaux parlés et chantés est un pur chef-d'œuvre progressif, enregistré par ce groupe. "Feel the wind blow" est un son acoustique hippie-trippy agréable, qui commence par des gens qui parlent (et qui fument probablement quelque chose). Vague de détente exceptionnelle. Le riff de flûte de "Coc`o-Mary" rappelle "Black Sand" de leur précédent LP. L'instrumental a une bonne ambiance de style Jethro Tull, placé à la fin de l'album pour enfin vous épater avec une bonne jam et des sons inspirants, créant une atmosphère psychédélique.
Cet album n'est pas aussi extrême et fou que le précédent, sans airs hypnotiques de longue durée, ce qui le rend moins psychédélique. Cependant, c'est plus acceptable musicalement, car l'expérimentation du groupe a déjà commencé avec ses débuts. "Psychonaut" fait partie de la tradition du groupe de faire en sorte que chaque album sonne unique et différent de tous les autres qu'ils ont enregistrés.
Cette sortie expérimentale de Brainticket n'est pas seulement un album "indispensable" pour tout admirateur de "krautrock", mais sûrement pour tous les fans de rock classique qui aiment les albums bons et intelligents, et dont les âmes sont nourries par la bonne musique.

Andrija Babovic

[alcat01]

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Entre Octobre et Novembre 1973, Brian Parrish et Dave Foster avaient quitté le groupe Badger.
Et en 1974, la formation se retrouva donc réduit à Tony Kaye et Roy Dyke. Cherchant une nouvelle inspiration, ils recrutèrent l'ancien guitariste de Stealers Wheel, Paul Pilnick pour remplacer Foster et également l'ancien bassiste de Ashton, Gardner et Dyke, Kim Gardner, un grand bassiste particulièrement bien avec Roy.
La recherche d'un chanteur compositeur se termina par l'ajout de Jackie Lomax originaire de Liverpool, précédemment avec The Undertakers, ancien membre de Lomax Alliance, de Heavy Jelly et artiste solo pour le label Apple des Beatles.
Ils furent heureux d'obtenir Lomax car il était bon chanteur et il avait déjà quelques nouvelles chansons.
En substance, Badger est devenu le groupe de Lomax, et il a poussé le groupe loin du Rock Progressif de ses débuts et dans un style R & B / Soul d'une manière sérieuse, tout à fait dans le style qu'il avait utilisé sur ses albums solo. Le groupe devient le véhicule idéal pour ses chansons et son chant.

L'album, "White Lady", sur Epic Records, est composé entièrement de chansons co-écrites par Lomax, et produit à la Nouvelle-Orléans dans le studio d'Allen Toussaint. Le changement de direction est assez difficile à faire dans les meilleures conditions, mais la stabilité n'était pas le fort de Badger à cette date.
Les dix chansons ont été écrites ou co-écrites par Lomax. Quelques invités de choix font une apparition sur l'album dont Jeff Beck, qui contribue à un solo de guitare sur la chanson "White Lady".
Toutefois, avant la sortie de l'album, le groupe s'était scindé en deux factions, avec Lomax et Gardner qui dirigèrent un groupe de courte durée appelé White Lady, avant que Lomax ne retourne à sa carrière solo.
Epic Records publie les résultats de la session en deux registres: un SP "White Lady / Don't pull the trigger", publié en single en Mai 1974, et le LP "White Lady".

Le groupe se sépare définitivement après un concert à la Croyden's Fairfields Hall en soutien de ELO avec qui ils avaient eu une dispute sur l'utilisation de l'amplification, avant même que "White Lady" ne soit publié, laissant les fans des deux bords perplexes pour réfléchir à ce qui venait d'arriver.

[alcat01]

1032

Aum Bluesvibes
L'un des grands groupes moins connus de San Francisco, AUM était un power trio de rock classique, inspiré par Jimi Hendrix Experience et Cream, et dirigé par le talentueux multi-instrumentiste et chanteur Wayne Ceballos. Le groupe a d'abord été porté à l'attention de Bill Graham par le premier photographe de San Francisco, Jim Marshall.
Initialement signés par le label Sire affilié à Londres, comme on pouvait s'y attendre d'après le titre, les "Bluesvibes" du groupe de 1969 les ont trouvés travaillant dans une veine typiquement blues. Reflétant l'acte live du groupe, le premier album produit par Richard Gotthrer comportait une série de sept jams prolongés (la chanson la plus courte enregistrant 4 minutes). 
Avec Ceballos écrivant la majorité du matériel, malgré les excès de la période (par exemple, le solo sans but), des originaux tels que "Mississippi Mud" et "Chilli Woman" n'étaient pas à moitié mauvais. De plus, Ceballos s'est avéré un chanteur décent, injectant une énergie considérable dans ses performances. Parmi les quelques faux pas, la lourde reprise du groupe de "Tobacco Road" de John Loudermilk aurait pu convenir à Vanilla Fudge. Commercialement, l'ensemble s'est avéré un échec...

Bad-cat

[lienard]

Question: Est-ce déjà fini à propos de McKendree Spring ??