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Message par alcat01 » jeu. 26 janv. 2023 17:53

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Amazing Grease 1975
L'album s'ouvre plein de vie alors que le groupe saute dans une reprise de New Morning de Dylan qui présente du punch et de l'esprit, nous descendons ensuite dans un rythme beaucoup plus lent (Reminiscing) qui aurait peut-être semblé magnifique si Cocker avait dirigé le chant, mais McCullough ne peut tout simplement pas sembler pour maintenir l'élan du morceau d'ouverture.
L'intro de Pont Ardawe Hop bien que rebondissante continue de rouler sur les mêmes rythmes alors que nous attendons que les voix frappent le piano, la batterie et les cors continuent de répéter ce qui ressemble à un échauffement ou à une jam session plutôt qu'à un morceau raffiné, maintenant ça peut être dit que le blues brut n'a pas besoin d'être poli mais la mélodie semble juste oubliable et ne se démarque pas même si le jeu n'est pas nécessairement mauvais.
Alors que vous retournez sur la deuxième face 'Blue Monday, I hate blue Monday' bourdonne le chanteur noyé par le groupe d'une manière rassis, si c'est du blues rock où est le cœur ? C'est tellement médiocre. Où est la performance précipitée et énigmatique de la reprise de Dylan qui a donné un coup de fouet à l'album ?
The Grease Band a-t-il complètement atteint le mur métaphorique après le premier morceau ? Eh bien, la mandoline entre en action avec l'évidemment intitulé "Mandolin song" qui insuffle un peu plus de vie à cet album mourant et un léger retour à la forme de New Morning, mais des chansons plus lentes suivent qui tuent complètement l'album.

Dans l'ensemble, The Grease Band accompagnait mieux la voix de Cocker, mais avait une certaine renaissance de son propre talent, tel que Mandolin Song et New Morning, les deux morceaux que je recommande, alors sautez l'album et écoutez ces deux-là.
deathmaumau


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Message par alcat01 » jeu. 26 janv. 2023 19:41

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1974 Black Hole Star
The Neutrons sont une sorte de supergroupe Britannique éphèmère, formé par l'ancien membre de Man Phil Ryan (claviers, chant) et Will Youatt (basse, guitare, chant) avec le batteur de Gentle Giant John Weathers à la fin de 1973. Les trois avaient joué ensemble dans Pete Brown and Piblokto! au début des années 70. Ils ont en fait enregistré les premiers morceaux (''Living in the World Today'' et ''Snow Covered Eyes'') aux Rockfield Studios près de Monmouth, avant d'être rejoints par Martin Wallace (guitare, chant), Taff Williams (guitare, basse), l'ancien de The Incredible String Band, Stuart Gordon au violon et le chanteur Caromay Dixon. Le reste du premier album de Neutrons '' Black Hole Star '' a été enregistré au milieu de 1974 aux Chipping Norton Recording Studios et l'album est sorti en septembre 1974 sur United Artists.

A l'époque de la deuxième session de ce qui allait devenir "Black Hole Star" qui pris une quinzaine de jours en Avril 1974 aux Chipping Norton studios, Stuart Gordon, avait été recruté pour apporter une saveur Folk à la procédure. Son ami âgé de 17 ans, Caromay Dixon avait ajouté ses talents vocaux à "Mermaid and Chips" pour lequel le vieux copain Pete Brown fournissait les paroles, tandis qu'un autre ancien membre de Eyes of Blue / Piblokto!, Taff Williams, arrivait pour épauler Will Youatt au niveau de la guitare.
Le bassiste Will Youatt est heureux avec les résultats des sessions, car: "...Man a toujours semblé être dans les studios pendant cinq jours, alors nous devions travailler sur la route. Ce fut la première fois que nous avons eu le temps d'écouter...". Néanmoins, Andrew Lauder les voulait pour promouvoir leur produit, et c'est ce qu'ils ont fait, en ouvrant leur set avec une superbe jam de 15 minutes.
Le mixage a été fait aux Olympic Studios de Barnes et l'album est sorti en Septembre 1974, sous le titre "Black Hole Star". Globalement, c'est un album tout a fait satisfaisant.
Il y a quelques notes intéressantes concernant cet album, en particulier en ce qui concerne la pochette. Comme on peut le vérifier lorsque l'on lit le manchon intérieur, l'intention originale pour l'album était d'avoir une pochette ouvrante illustrant le thème Black Hole couplé avec le logo de Neutrons conçu par Rick Griffin. Toutefois, le résultat final ne correspondit pas à la couverture et ne pouvait pas être utilisé.
Les copies demo de l'album associaient le disque emballé dans une pochette en argent et le groupe possédait également des autocollants promotionnels d'argent du logo Neutrons.
Ainsi, le concept fut modifié avec le disque emballé dans une pochette cartonnée argentée. Le manchon intérieur affirme que le recto et le verso de la couverture sont des peintures de Paul Whitehead (les peintures sont entièrement inexistantes), ainsi qu'une photo à l'intérieur, qui a fini par être placé à l'arrière de la pochette.
Seul le sac à l'intérieur conçu par Kevin Doyle a survécu au plan initial, mais la face deux du LP a le numéro de l'album d'origine UAG 29651 annulé tout le long de la rainure du disque.

C'est un bon album mais il souffre de la même maladie dont souffrent tous les groupes avec des membres des groupes précédents qui avaient une vraie qualité mais pas le succès commercial qu'ils pensaient mériter.
En essayant ainsi de combiner mercantilisme et qualité ils perdent quelque peu le sens de l'orientation.
"Black Hole Star" est un mélange de rock classique artistique de type Man et de rock progressif classique des années 70, apparemment assez charmant mais peut-être un peu incohérent. C'est surtout un album avec une prédominance de claviers avec des influences psychédéliques, progressives et R & B avec quelques bonnes parties de lead guitares.

Sur la face A, le progressif "Living in the World Today" emmené par les claviers de façon magistrale est de loin leur meilleur morceau. "Feel" est agréable mais "Mermaid and Chips" est un pur chef d'oeuvre progressif. Le dernier titre de la première face, "Dangerous Decisions " est un instrumental sans réelle surprise qui est un magnifique rock progressif de grande classe avec des passages dominants de piano et de synthé, des mouvements de guitare courts mais excellents et des solos de claviers impressionnants dans une veine proche de Genesis. "Doom City", est un morceau mi tempo-semi-progressif avec des influences R & B et des bons travaux de guitare. Cela continue avec "Dance of the Psychedelic Lounge Lizards", un titre pop-folk modéré qui est un autre morceau qui rappelle Genesis avec une voix à la Gabriel, mise en valeur par le jeu de violon extraordinaire de Gordon. "Going to India" est un excellent morceau de folk progressif et "Snow Covered Eyes", un morceau fort avec une bonne mélodie.

En consultant les morceaux sur la pochette, on peut voir que "Feel" a un certain Pique aux 'tambours à main'. Ce n'est autre que Pique Withers qui a également joué sur l'album séminal de Spring, et plus tard il refera surface sous le prénom différent de Pick Withers en tant que batteur pour Dire Straits dans les années ultérieures.
Pour dissiper toute confusion, The Quickies, crédité de choeurs sur "Going To India", sont Quicksand, le premier groupe de Youatt, tandis que Will lui-même est crédité en tant que 'Y Willis' pour éviter un conflit d'édition musicale.

La musique de Neutron est bien jouée et exécutée, alors que certains moments sur cet album flirtent avec la grandiosité des plus grands groupes prog de l'époque. D'autre part le manque de véritable personnalité forte et l'ombre de la musique de Man empêchent "Black Hole Star'' d'être un opus vraiment brillant.
Recommandé si vous aimez tous les types de Prog des années 70.

ornen
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Message par ornen » ven. 27 janv. 2023 09:31

alcat01 a écrit :
jeu. 26 janv. 2023 09:55
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Ash Ra Tempel (1971)
Moins populaire que ses contemporains Tangerine Dream, Amon Düül II et autre Can, Ash Ra Tempel reste toutefois une référence en matière de krautrock dont l’influence sur la new wave, la techno et le stoner sera certaine.

Après la parution en 1970 de Electronic Meditation de Tangerine Dream, le batteur Klaus Schulze quitte le groupe d’Edgar Froese et fonde Ash Ra Tempel avec le guitariste Manuel Göttsching. Rapidement rejoint par Hartmut Enke à la basse, le trio se paye très vite une solide réputation dans les clubs branchés de Berlin Ouest par leurs concerts. Prestations qui se résument souvent par de longues pièces improvisées.

Cette réputation va rapidement amener le groupe dans les studios afin d’enregistrer ce qui sera un premier album. Produit par l’apôtre du krautrock, Conny Plank cet album éponyme est publié en 1971 et offre deux titres. Une par face donc. À l’écoute on retrouve les éléments qui ont fait la réputation du trio: improvisation, expérimentation sonore et space rock.

La première pièce, « Amboss » commence doucement par des effets sonores à la guitare. Cette guitare lointaine, corrosive, sous acide, inquiétante, d’une tranquillité trompeuse va dévoiler un Manuel Göttsching fasciné par les possibilités sonores de la six cordes électrique. Cette fascination, accompagnée de cymbales discrètes, nous plonge dans une ambiance planante et psychédélique. Puis cela s’accélère avec l’arrivée d’un roulement de batterie et d’une basse menaçante. Virant au cosmique, la guitare s’affole et part dans des soli délirants à n’en plus finir pouvant évoquer le style acid rock californien incarné par Grateful Dead. Renforcée par la wah wah, cette guitare énigmatique, tapageuse, par moment magmatique rappelle bien évidement Jimi Hendrix. Mais dans sa globalité cet « Amboss » fait penser à « Saucerful Of Secret » des Pink Floyd.

Les Floyd semblent être une des influences majeures d’Ash Ra Tempel. En effet, les vocalises que l’on entend dans « Traummaschine », le second titre, nous renvoient à « Careful With That Axe Eugene » des Flamants Roses. Ce titre, que l’on peut traduire par machine à rêve, est beaucoup plus reposant que le précédent. Ce morceau étrange est également plus mélodieux, plus atmosphérique avec ces sons électroniques, étirés, profonds, répétitifs. Pourtant loin d’être cauchemardesque ce « Traummaschine » n’en est pas moins inquiétant. En témoignent ces chœurs fantomatiques et envoûtants, sans oublier ces percussions qui nous transportent au beau milieu du titre vers une transe hypnotique. Cette œuvre tendue, d’une beauté magistrale, allait rapidement rencontrer le succès et devenir un classique du genre en Allemagne et bien au-delà. Malgré cela, quelques mois plus tard, Klaus Schulze quittait le navire pour tenter sa chance en solo.
Mais pour Ash Ra Tempel l’histoire n’était pas terminée.
jeanjacquesperez

Très heureux de voir un de mes groupes préférés chroniqué ici ! J'ai découvert cet album sur le tard, bien après Join Inn, Schwingungen, Seven up et Starring Rosi, que j'écoutais en 1973. Depuis, j'ai aussi acquis les albums de Manuel Göttsching (disparu comme Klaus Schulze en 2022) et de Ash Ra. Göttsching était un excellent guitariste, très novateur. J'écoute toujours tous ces albums avec grand plaisir. Mes préférés sont Join Inn et Starring Rosi, celui-ci très différent des albums antérieurs mais plein de fraîcheur...

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Message par alcat01 » ven. 27 janv. 2023 10:09

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Schwingungen (1972)
Le premier album d’Ash Ra Tempel en 1971 avait rencontré un certain succès mais n’empêchait pas le départ du batteur Klaus Schulze pour une carrière solo bien prometteuse.

Le guitariste Manuel Göttsching et le bassiste Hartmut Enke recrutent en remplacement le batteur Wolfgang Mueller. Le trio est rejoint par le saxophoniste Matthias Wehler, Uli Popp aux bongos et John L au chant. Ce dernier, un parfait inconnu et qui le restera, fut chanteur en 1968 pour Agitation Free. Mais il fut rapidement viré car il ne savait pas chanter. Il ne le saura jamais !
C’est ce qu’indique l’écoute de Schwingungen second opus d’Ash Ra Tempel publié en 1972 sur le label Ohr. Pour un exercice bien barré il n’est nullement besoin d’exceller au chant. Mieux vaut être mauvais dans le domaine afin d’approfondir l’aspect déjanté qui parcourt une partie de ce 33-tours. De toute façon, le mystérieux John L ne beugle que sur la face A.

Schwingungen est souvent ignoré dans la discographie du groupe allemand, étriqué entre les emblématiques Ash Ra Tempel et le futur Join Inn. La faute peut être à une pochette banale.
Pourtant ce disque est magnifique en particulier sur la face B avec le titre éponyme pour une durée de près de vingt minutes. Loin des folies angoissantes des trips antérieurs, cette pièce est largement inspirée par les Pink Floyd des débuts et post Syd Barrett. C’est un voyage cosmique qui nous plonge lentement dans un coma sans fin. Troublant, irréel, vaporeux, kaléidoscopique c’est comme une fusion de deux titres des Floyd : « Quicksilver » admirablement étiré sur quatorze minutes et le final quasi-céleste de « A Saucerful Of Secret » (version live) en fin de piste.
Mais avant ce plat de résistance, Ash Ra Tempel propose deux mise-en-bouches. À commencer par « Light: Look At Your Sun » un blues planant et déglingué où Manuel Göttesching cisèle avec sa six cordes électrique des soli étirés et acides.
Dans ce climat space rock, suit « Darkness: Flowers Must Die » pour une expérience tribale via les percus et un saxophone qui tire vers le free-jazz. C’est dans ce morceau que John L en pleine démence, montre son talent merdique ô combien utile. Contrairement à la pièce éponyme, ici on atteint la vitesse de la lumière grâce à ces sons magmatiques et ces roulements de tambour convulsifs.

Un disque krautrock dans l’air du temps, hélas boudé à sa sortie. Même aujourd’hui les fans du genre sont timides face à cette œuvre psyché. Allez comprendre ?!!
jeanjacquesperez


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Message par alcat01 » ven. 27 janv. 2023 10:11

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Framed (1972)
C’est après avoir longtemps bourlingué qu’Alex Harvey forme le Sensationnel Alex Harvey Band avec d’anciens membres du groupe de Rock progressif Tear Gas. Ce mélange de musiciens extrêmement talentueux et versatiles avec un vieux briscard au timbre ayant subi les ravages de l’alcool et de la cigarette va donner un cocktail détonnant. Ils mélangeront Rock théâtral (chaque membre se trouvera un costume de scène très caractéristique), Hard Rock, Blues, Rock Progressif, Folk, musique de cabaret et j’en passe. The Sensational Alex Harvey Band est donc un groupe inclassable et c’est sans doute cela qui les a empêché de devenir des stars. A la place ils sont restés un groupe culte de la Grande Bretagne des années 70. C’est presque aussi bien finalement. Ce premier album, Framed, reste l’un des meilleurs moyens de les découvrir.

C’est avec la reprise de « Framed » de The Robins que les choses commencent et autant vous dire que c’est du sérieux. Oui, c’est un Blues comme on en a entendu dix mille, mais c’est l’interprétation du groupe qui fait la différence. Ted McKenna cogne comme un beau diable et la guitare de Zal Cleminson fait parler la poudre. Quant au chant d’Alex Harvey, il a plus que probablement inspiré un certain Bon Scott. Oui, il est certain que le Sensation Alex Harvey Band a été une influence non négligeable d’AC/DC. Du moins cette facette du groupe, car le SAHB est plus versatile que nos amis Australiens. Ainsi, avec « Hammer Song », c’est plutôt du côté du Folk qu’il faut aller chercher. La voix d’Harvey, semblable à celle d’un animal blessé est accompagné par une guitare acoustique, tel un Bob Dylan qui aurait passé plus de temps dans les usines que dans les cabarets de Greenwich Village. C’est ensuite l’harmonium qui vient prendre le relais avant une explosion dans un final Rock très lourd. Avec « Midnight Moses », le SAHB aurait dû avoir un tube planétaire. Oui, cet excellent mid-tempo Hard Rock aurait mérité la destinée d’un « Whole Lotta Love » ou un « All Right Now ». Oh bien sûr, il a eu son petit succès à l’époque en Angleterre et plusieurs groupes l’on repris par la suite (l’exemple le plus récent étant les Dead Daisies), mais il demeure inconnu du grand public. Comment résister pourtant à ce riff phénoménal (Zal Cleminson était vraiment l’arme secrète du groupe) ou aux « Hey ! Hey ! Hey ! » ?

« Isobel Gowdie », racontant l’histoire vraie d’une écossaise accusée et condamnée pour sorcellerie au XVIIème siècle (charmante époque), voit le groupe aller flirter avec le Rock progressif. Oui, on a droit aux changements de rythmes, d’ambiances et à la constructions en plusieurs parties propre au style. Mais attention, c’est du Rock progressif à la SAHB, c’est à dire avec une bonne dose de Pub Rock dedans qui rend le résultat bien plus rugueux que les cadors du genre. Un expérience inédite et qui a mieux vieillie que bon nombre d’essais contemporains. Changement radicale de style avec « Buff’s Bar Blues », un Boogie extrêmement sympathique qui donne le beau rôle au piano de Hugh McKenna et à la verve d’Alex Harvey. Seconde reprise de l’album et non des moindre puisqu’il s’agit du « I Just Want To Make Love To You » de Willie Dixon. Celle-ci est très différente des versions des Rolling Stones et Foghat. Moins rapide, avec des touches de Soul et Funk très réussies et même des cuivres pour le final. Encore une fois, les quatre musiciens montrent tout leur talent. Et que dire de ce solo de Cleminson gorgé de wah-wah… Du pur bonheur. « Hole In Her Stockings » est un titre Rythm ’n’ Blues sautillant, avec une guitare et une batterie très Hard et un saxophone déluré, qui ne peut que réjouir l’auditeur. « There’s No Lights On The Christmas Tree, Mother They’re Burning Big Louie Tonight » possède une ambiance de Pub anglais ajouté à un petit côté théâtral qui lui donne un charme fou. Enfin, c’est avec le Hard Rock de « St. Anthony » qui voit la guitare de Cleminson lutter au corps à corps avec les claviers de Hugh McKenna que s’achève l’album. La basse de Chris Glen est bien lourde et le jeu de batterie de Ted McKenna est prodigieux. Harvey lui, est toujours aussi parfait en maître de cérémonie.

Ce premier album présente donc un groupe à part sur la scène Rock de l’époque. Un groupe qui possède un véritable capital sympathie du fait de la personnalité chaleureuse d’Alex Harvey ainsi que des qualités musicales indéniable de par ses musiciens.
On ne s’ennuie à aucun moment durant toute la durée de Framed. Une pépite du Rock britannique à (re)découvrir.
The Wicker Man


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Message par alcat01 » ven. 27 janv. 2023 11:25

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Spontaneous Combustion (1971)
Trio originaire de Poole dans le Dorset en Angleterre qui a eu la chance de croiser un certain Greg Lake, anciennement chanteur dans In The Court Of Crimson King et qui va créer un super groupe avec l’organiste Keith Emerson et le batteur Carl Palmer.
Spontaneus Combustion s’articule autour du batteur Tony Brock et des frères Gary et Tristan Margetts respectivement guitariste/chanteur et bassiste. A peine âgé de 15/17 ans, le groupe séduit Greg Lake natif de Poole qui le fait signer avec Harvest sous marque d’EMI, abritant Pink Floyd et Deep Purple. Rapidement les musiciens entrent en studio pour publier un 33-tours éponyme produit par Greg Lake.
Dès les premières notes, le ton est donné : riffs de guitares saturées, pêchus et groove. Composé de six morceaux, ce premier essai offre un hard rock progressif aux virées psychédéliques. Ça semble agréablement hésiter sur la direction à prendre. Curieusement ce disque fait moderne bien en phase avec son époque par sa complexité tout à la fois joliment rétro par ses dérives psyché.
Ça démarre pied au plancher avec « Speed Of Light », plombé, sombre, entêtant avec un moog inquiétant. Ici Tristan Margetts fait un excellent travail à la basse, sûrement bien conseillé par Greg Lake. Justement le titre suivant « Listen To The Wind » par sa lenteur fait très ELP en particulier à la voix. On sent aussi l’influence des Beatles et de l’acid rock californien. Après la balade aux beaux arpèges de guitares dans « Leaving » vient l’interlude désenchanté « 200 Lives ». Arrive « Down With The Moon » au registre plus énigmatique avec refrains sixties quand la grosse caisse et la basse maintiennent la pression durant un break kaléidoscopique.
Débarque le titre final, « Reminder » la pièce la plus longue dépassant les dix minutes. Début faussement médiéval, ça devient rapidement tendu avec chœurs quasi-célestes. S’enchaînent breaks et sur-breaks où alternent les tempos. On passe allégrement du calme trompeur au speed jazzy blues à la Deep Purple avec une six cordes électrique torturée mais également sophistiquée.

Très vite Spontaneous Combustion part en tournée en première partie d’ELP. Ce qui motive les musiciens à écrire pour un second LP.
[media]jeanjacquesperez

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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » ven. 27 janv. 2023 14:04

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1978 - Together Forever
Carolina Dreams, paru en 1977, cartonne au point de devenir album de platine. Le groupe, en pleine euphorie, élabore très vite le projet d’un nouvel album, avec une approche plus commerciale pour définitivement accrocher le public.
Pourtant la maison de disques Capricorn commence sérieusement à battre de l’aile et, proche du dépôt de bilan, a d’autres chats à fouetter.
Stewart Levine est choisi pour produire le disque, pour relever le défi plus exactement, car les productions précédentes, « A New Life », « Where We All Belong » ou « Searchin' For A Rainbow », avaient mis la barre très haut. La structure du groupe est toujours présente : Toy Caldwell et son frère Tommy, Paul Riddle, Goerge McCorckle, Jerry Eubanks, et Doug Gray.

Ce dernier possède toujours une voix extraordinaire et il le démontre dès « I'll Be Loving You », le morceau d’ouverture aux accents cow-boy, assez caractéristique de l’ADN du groupe.
La musique coule, fluide. Les chorus de guitares sont d’une incroyable finesse, bref du bon boulot.
Puis, la flûte introduit « Love Is A Mystery” qui lorgne incontestablement vers les charts et les radios FM avec un son propre et un tempo moyen, même s’il s’étire sur plus de sept minutes et se transforme assez vite en un échange instrumental, le naturel revenant au galop pour notre plus grand plaisir d’autant que le chorus final de Toy prolongé par la flûte est superbe.
“Singing Rhymes”, avec ses chœurs et sa guitare acoustique, introduit des sonorités différentes, pas vraiment convaincantes, est heureusement sauvé par la beauté de la voix de Doug Gray.
On rentre dans le ventre mou de l’album avec « Dream Lover », ballade qui s’oublie très vite, avant de retrouver les riffs de Toy dans « Everybody Needs Somebody » qui n’est pas vraiment convaincant non plus, avant « Change Is Gonna Come », morceau en mid-tempo qui tente de renouer avec les grandes heures du groupe, même si cela ressemble un peu à une jam instrumentale que les musiciens jouent quand ils manquent d’inspiration.

“Asking Too Much Of You” est, une nouvelle fois, sauvé par la voix de Doug Gray qui fait oublier l’aspect assez commun de l’instrumentation.
L’édition CD propose un bonus track, “Bound And Determined”, enregistré en live, et où le groupe retrouve sa magie, ce son de guitare, ce sens de la mélodie qui en font un (sinon le) grand représentant du southern-rock.

Au final, Together and Forever n’est pas un mauvais album, mais il souffre de la comparaison avec ses merveilleux prédécesseurs. Le groupe cherche à explorer de nouvelles directions afin d’élargir son audience et tâtonne un peu.
Sans le savoir à l’époque, cet album signait la fin de la grande époque du groupe, la fin de son contrat avec Capricorn Records, le prestigieux label de Macon déposant son bilan la même année.
BAYOU 


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Message par alcat01 » ven. 27 janv. 2023 15:46

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"Kid's Stuff" est le cinquième album studio du groupe britannique de rock/hard rock Babe Ruth. L'album est sorti sur Capitol Records aux États-Unis et sur EMI Records au Royaume-Uni en 1976.
Un changement majeur dans la composition du groupe a eu lieu avant l'enregistrement de l'album, puisque la chanteuse Jenny Haan a quitté le groupe pour être remplacée par Ellie Hope. En conséquence, il ne reste plus un seul membre sur "Kid's Stuff" de la formation qui a enregistré le premier album "First Base (1972)".

Indépendamment du changement de line-up au niveau de la voix principale, la musique sonne toujours comme celle de Babe Ruth, même si quelques éléments funky ont trouvé leur place dans le son du groupe.
Les compositions ne sont généralement pas très fortes et je ne mentionnerais que le rockant "Oh Dear, What a Shame", le très bon "Welcome To the Show", le court morceau instrumental au synthé "Nickelodeon" qui est le seul morceau de l'album à avoir des liens avec le rock progressif, le hard rockantg "Keep Your Distance" et la power ballade "Living A Lie" comme morceaux décents de l'album. Le reste est soit assez mauvais, soit ne vaut pas la peine d'être mentionné du tout.
Les comparaisons avec Wishbone Ash et Led Zeppelin sont toujours d'actualité, mais pensez au matériel le plus faible publié par ces artistes et ceci est encore un peu plus faible.

La nouvelle chanteuse Ellie Hope a une voix de rock mama brute et fait un travail décent sur l'album, mais elle a du mal à atteindre les sommets de la fantastique Jenny Haan.
La production sonne bien et convient à la musique. Une production des années 70 chaleureuse, organique et agréable.
"Kid's Stuff" n'est pas une catastrophe à mes oreilles mais ce n'est pas vraiment un bon album non plus. Faites-vous une faveur et consultez les quatre albums précédents du groupe avant d'écouter celui-ci. Ce serait une erreur de se faire une opinion sur Babe Ruth sur la base du contenu de cet album.
metalmusicarchives










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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » ven. 27 janv. 2023 17:51

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1975 : Teaser
Tommy Bolin a à peine vingt ans qu’il commençait à devenir un des guitaristes les plus demandés et dans des styles assez divers. Parmi ses participations les plus connues, on retiendra des incartades dans le Jazz Rock avec deux batteurs de renom, Billy Cobham (Spectrum) et Alphonse Mouzon (Mind Transplant), tout comme le remplacement de Domenic Troiano (lui même remplaçant de Joe Walsh) au sein du James Gang pour deux albums sympas mais manquant de titres marquant. À l’âge de 24 ans, Bolin est donc reconnu par la profession et a déjà une solide carrière derrière lui. C’est justement à cet âge qu’il décide d’enregistrer son premier album solo. Poussé et coaché par rien de moins que les Beach Boys, c’est lui qui enregistrera ses parties vocales, se révélant un chanteur plutôt convaincant à défaut d’être exceptionnel.

« The Grind » ouvre l’album par un bon titre de Hard Rock avec des influences Funk, Pop et Blues. On pense tour à tour au James Gang de Joe Walsh, à Elton John et à d’autres artistes de l’époque entre Rock et Hard. Changement de style aussitôt avec « Homeward Strut », un titre de Jazz Rock où la guitare se fait tour à tour Hard Rock et Funk. A mon sens le meilleur de l’album, mais il faut aimer le style évidemment (même si plus abordable que d’autres groupes de Jazz Rock). On continue le voyage dans les styles avec le Pop/Rock « Dreamer » qui aurait pu être une ballade d’Elton John (il faut avouer d’ailleurs une similitude vocale avec l’Anglais qui accentue encore plus cette impression). Si le titre est sympa, il faut admettre qu’il tire un peu en longueur. Avec « Savannah Woman » on part cette fois vers la musique latino (entre Jazz et Rock selon les moments) où Bolin se montre tout aussi convainquant que dans les registres précédents. Un titre qui aurait pu devenir un tube pour l’artiste, mais qui l’aurait alors certainement grillé dans le monde du Rock. A noter un très bon solo qui prouve que Bolin n’a rien à envier à Carlos Santana.
« Teaser » est sans doute le titre le plus connu de Tommy Bolin. A nouveau, on pense au James Gang période Joe Walsh (la slide) ou à Hot Tuna. Il aurait sans doute fallu néanmoins un chanteur avec une voix plus puissante pour permettre au titre de devenir vraiment excellent, car niveau guitare c’est du grand art, tout comme pour le reste des instruments (avec Jeff Porcaro à la batterie, rien d’étonnant). Le titre fut par ailleurs repris très joliment par Mötley Crüe à la fin des années 80. Avec « People, People », on a une ballade typée 80’s avant l’heure, avec un saxophone moelleux et des accords de guitare un peu reggae (mais pas trop heureusement). Un titre très réussi qui encore une fois aurait pu être un tube si il avait été sorti en single. On retrouve le Jazz Rock, encore plus sauvage que sur « Homeward Strut, avec « Marching Powder » où Bolin est épaulé par son vieux complice Jan Hammer (déjà présent sur le titre précédent, mais ça s’entend plus ici). Un titre qui groove bien et qui prouve le redoutable guitariste qu’était Tommy Bolin. Les amateurs adoreront, les allergiques passeront leur chemin. « Wild Dogs », titre qui sera interprété plus tard avec Deep Purple, est un ballade Rock avec la guitare bien craque de Bolin. Avec celle-ci et sa voix qui se fait monocorde et mélancolique, on est pas loin du Lou Reed de Transformer et des derniers Velvet Underground. Moins rugueuse, « Lotus » est une autre ballade (Hard) Rock quelque part entre Glam Rock (les refrains) et Southern Rock (les couplets). Probablement le titre chanté le plus réussi, même si, encore une fois, un chanteur plus chevronné l’aurait amené vers d’autres cieux. Et on ne peut que regretter que le titre se termine sur un solo en fade out alors que ce dernier aurait pu être tiré un peu plus en longueur.

Tommy Bolin nous a offert là un premier album fort réussi. On peut lui reprocher d’aller un peu trop dans tous les sens, mais pourtant, malgré les styles très différents parcourus, on ne peut nier qu’ils sont tous reliés par la personnalité du guitariste. Si la voix de Bolin convient bien aux titres les plus softs, on regretta en revanche son manque de puissance et de personnalité pour les titres les plus Hard Rock. Juste après l’enregistrement, Bolin ira rejoindre Deep Purple et l’album, manquant de promotion, se vendra assez peu.

Depuis, avec la mort précoce de son auteur, il est devenu culte. C’est peut-être un peu abusif car on sent que Bolin manque encore de maturité comme compositeur. En revanche on perçoit son immense potentiel et on ne peut que pousser un soupir de dépit en pensant à ce qu’il aurait pu devenir s’il avait vécu.
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Message par alcat01 » ven. 27 janv. 2023 19:39

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Le premier album de the Neutrons, Black Hole Star était très bon mais son successeur, "Tales from the Blue Cocoons", est légèrement moins inspiré et moins progressif.
Stuart Gordon et son violon sont absents de cet album, et Weathers a également été remplacé par des batteurs moyens. Néanmoins, il s'agit d'un album assez agréable pour un auditeur de classic rock à saveur psych / folk / jazz des années 70.
Le travail de Ryan sur les synthétiseurs, le piano et l'orgue est définitivement la star du spectacle.

Si la couverture du premier album avait été un travail fait à la va-vite, la seconde conçue par Pierre Tubbs fut encore plus malheureuse car son idée initiale était d'avoir tout d'un coup des centaines de personnes dans les sacs de couchage sur le fond de la mer ou sous l'eau.
"Elle a été totalement mal interprétée", se plaint Ryan de l'œuvre de style science-fiction. Son inspiration était "un coup de Woodstock à partir d'un hélicoptère, avec des milliers de personnes dans des sacs de couchage bleu..."

Une fois de plus, les enregistrements ont eu lieu aux studios de Rockfield près de Monmouth au cours de deux sessions en Juin et Novembre 1974 alors que le mixage a eu lieu au Olympic Studios et Advision, à Londres...
Selon Phil Ryan, le nom de l'album était une satire sur les titres dont divers autres groupes progressifs baptisaient leurs albums, et plus particulièrement Yes avec "Tales From Topographic Oceans".

L'album a également apporté avec lui un changement de line up. John "Pugwash" Weathers ne pouvait plus assumer ses fonctions de batteur percussionniste avec le groupe et sa place a été prise (partagée) par Dave Charles, qui avait été également invité sur "Star Black Hole", et Stuart Halliday. Weathers finira par se retrouver à jouer avec Man (ainsi que Will Youatt et Phil Ryan) dans les années 90.
Dave Charles avait alors la contrainte de jouer avec Help Yourself, the Flying Aces avec Martin Ace et Iceberg de Deke Leonard. Aussi Stuart Gordon ne fit plus partie du groupe, sa place fut laissée vide et les effets de corde disparurent de l'album.

"Tales From The Blue Cocoons" contient quelques chansons qui avaient été testées sur la route en live, notamment l'instrumental "Welsh R Blunt" qui date des jours de Piblokto! et avait même été joué par Man dans la courte période Phil / Will.
Malheureusement, l'ère Phil / Will de the Neutrons s'est révélé tout aussi éphémère comme un groupe fatigué et épuisé car tout n'était pas rose chez eux.
Bien que ce ne soit pas évident, Ryan et Youatt avaient des différents personnels, et ils s'affrontaient l'un l'autre pour chaque décision à prendre, particulièrement la direction musicale. Alors que Youatt voulait se déplacer dans une direction plus Rock, Ryan préfèrait explorer plus avant le secteur musical que le premier album avait ébauché.
Pour compliquer encore les choses, Youatt était tombé malade d'épuisement vers la fin des étapes de production et il fut incapable d'assister aux sessions de mixage.

Inévitablement, certaines choses du produit fini n'était pas ce que Youatt avait prévu. Une autre preuve de la friction entre les deux leaders peut être vu dans le crédit de l'écriture des chansons. De manière significative, le duo qui avait collaboré à presque toutes les chansons du premier album n'a pas créé grand chose ensemble sur le second. Martin Wallace a collaboré deux fois avec Phil, en l'absence de Will et contribué à l'étourdissant "Northern Midnight" (avec des guitares mémorables de Will et Taff Williams, qui lui a écrit le court et remarquable "Live Your Lie").

Le morceau d'ouverture 'No More Straight' est un morceau plutôt proche de Man, orienté jam, avec peu de voix, mais les synthés sont délicieusement vivants et comparables au Manfred Mann Earth Band. "Northern Midnight" est une chanson agréable et détendue avec des nuances folkloriques et de fortes contributions des claviers et de la guitare électrique. D'une certaine manière, l'atmosphère de la chanson rappelle " Candle " de Peter Hammill dans son album "Fools Mate" de 1971. "Come into My Cave " reste un peu ennuyeux. C'est une chanson qui résume l'état d'esprit éreintant de l'écriture à l'époque, comme contenant quelques unes des meilleures paroles que Will ait jamais écrites.
La voix folklorique de Caromay Dixon, au charme innocent, n'étaitt apparue qu'en arrière-plan jusqu'à présent, mais il chante le bref morceau acoustique " Live Your Lie " et " L'Hippie Nationale ", qui est musicalement assez dynamique et qui a une légère ressemblance aux premiers Yes. Take You Further" a un bon groove Jazz, plus jazz que Steely Dan, et le piano électrique peut même faire penser à Chick Corea. Entre les parties vocales, magnifiquement soutenues par Caromay, il y a des beaux passages instrumentaux. Le morceau instrumental 'Welsh R. Blunt' est également très jazzy et il a un côté ludique à la Canterbury. La dernière chanson, " Jam Eaters ", met à nouveau en scène Caromay au chant.

Peu de temps après l'enregistrement de "Tales From the Blue Cocoons", le groupe reprend la route, mais presque immédiatement il est frappé par le départ de Taff Williams dont le remplaçant, Richard Treece, était un membre du groupe de Dave Charles, Help Yourself. Cependant, ce fut le début de la fin pour le groupe et à la fin de 1975 le groupe avait été complètement démantelé.

Ce deuxième et dernier album est en fait un peu court, 35 minutes, mais il est chaudement recommandé
.

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Message par alcat01 » sam. 28 janv. 2023 10:21

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1978 Attention Shoppers!
J'ai attendu des années avant d'avoir ce CD. Et c'était en sachant à l'avance qu'il s'agissait de l'offre la plus commerciale de Starz et qu'elle est généralement considérée comme un "flop".
Il ne fait aucun doute que Starz a opté pour un disque rock plus attrayant, plus adapté à la radio et plus léger avec celui-ci. Et à cause de l'échec commercial de ce disque, cela a causé une énorme pression au sein du groupe. Certains membres voulaient poursuivre le matériel plus léger tandis que d'autres voulaient revenir au son hard rock des deux premiers enregistrements studio; deux membres originaux ont été remplacés pour le prochain disque qui était un retour à leur son hard rock.
Le truc avec Starz, c'est qu'ils pouvaient écrire et jouer certains des meilleurs hard rock des années 70 de tous les temps et qu'ils étaient passés maîtres dans l'art de combiner des riffs de guitare mémorables et volumineux avec des crochets tueurs. Michael Lee Smith était un grand chanteur et Richie Ranno était un guitariste de tueur. Ils étaient l'une des équipes d'écriture de chansons les plus méconnues des années 70.
Avec "Attention Shoppers;" vous obtenez le même engagement pour le refrain et les crochets, juste un son de guitare plus léger. Pour moi, il s'agit de certains morceaux comme des demos plutôt que des chansons finies parce que vous vous attendez à ce que les guitares lourdes soient ajoutées aux morceaux. L'essentiel est qu'il s'agit d'un disque Starz de bout en bout. Nul doute que certains de ces morceaux auraient mieux sonné en live avec une guitare plus pétillante. Mais toutes les pistes ici ne sont pas non plus légères. "Good Ale We Seek" est un tueur perdu, tout comme "Johnny All Alone". Même les airs plus légers comme "She" sont vraiment des airs de haut vol.
J'adore Starz, donc je ne peux pas vraiment leur donner trop de fil à retordre pour ce disque parce que c'est un bon disque; tout simplement pas aussi bon que les trois autres disques de studio. Ces gars-là auraient dû s'accrocher parce qu'il leur restait beaucoup de musique. L'industrie du disque a vraiment baisé ces gars...

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Message par alcat01 » sam. 28 janv. 2023 10:23

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Timothy Leary and Ash Ra Tempel
Le second album d’Ash Ra Tempel, Scwingungen pourtant bien réussi était loin du succès du premier Lp certes relatif. En cause peut-être le chant pourri de John L. Le guitariste Manuel Göttsching et le bassiste Hartmut Enke décident de remanier le line-up. En attendant de trouver des musiciens collant aux préoccupations du combo allemand, les deux instrumentistes séjournent en Suisse où ils croisent en chemin le pape de l’acide, Timothy Leary.

Ce chercheur en psychologie à Harvard est surtout connu pour être l’un des apôtres du LSD dont il vantait « l’expansion de la conscience ». Propos qui sera une des influences de la scène psyché californienne mais aussi londonienne. Son slogan, « turn on, tune in, drop out » est une invitation à la libération individuelle et à la rébellion collective. Le gourou est rapidement adopté par les foules contestataires. Rapidement Timothy Leary passe du statut de chercheur universitaire respectable à celui d’ennemi public numéro 1. Avec le FBI aux fesses, il rencontre quelques soucis avec la justice pour possession de deux pieds de marijuana et prend 20 ans de prison. Ayant conçu une partie des tests psychologiques carcéraux destinés à sonder la personnalité des détenus et leur degré de dangerosité, il se retrouve jardinier dans un centre pénitentiaire peu surveillé. Astuce lui permettant de partir en cavale avec un passage par la Suisse où il fait la connaissance des membres restant d’Ash Ra Tempel. Célébrant cette réunion après abus de psychotropes et bien décidé de faire éclater l’espace-temps, vient l’idée de réaliser un album en commun.

Intitulé Seven Up, ce Lp est imprimé en 1973 sur le label Ohr avec l’aide du flûtiste Michael Duwe, de l’organiste Steve Schroyder (ex Tangerine Dream), du claviériste Dieter Dierks, des batteurs Dieter Burmeister et Tommie Engel ainsi que d’un collectif de vocalistes : Brian Barritt, Liz Elliott, Bettina Hohls et Portia Nkomo.

Parolier, Timothy Leary ne fait que prêter sa voix pour y raconter sa philosophie. Musicalement, Ash Ra Tempel reprend les éléments laissés sur Scwingungen, un krautrock à s’envoyer sur la planète Mars mais qui donne l’impression d’un copié collé. En effet, constitué d’une piste par face, cela s’ouvre tranquillement avec les 16 mn de « Space » pour un blues au tempo lent comme dans l’opus précédent. Piste souvent entrecoupée de bruits radiophoniques et chaotiques aux effets par endroits cosmiques mais surtout bordéliques avec des instruments qui s’entrechoquent et un Timothy Leary possédé.

Introduit par un climat tribal et corrosif, « Time » en face B est plus cérébral, nébuleux, fantomatique, planant avec une flûte irréelle, une guitare étrange, des effets électroniques lumineux mais surtout un final pompé sur « A Saucerful Of Secrets » des Floyd version live, copie quasi-conforme à la conclusion de Scwingungen. Pièce élastique dépassant les 21 mn où Timothy Leary se croie un messie intergalactique.

Seven Up a tous les ingrédients d’un disque de Krautrock alors en vogue à l’époque mais peine toutefois à convaincre. Certains fans du genre considèrent cette œuvre comme étant une expérience ratée probablement liée à ce final déjà écouté et la présence de Timothy Leary qui n’a vraisemblablement rien à faire ici. De toute façon, celui-ci quitte la Suisse pour l’Afghanistan afin d’échapper à l’extradition. Mais la fuite se termine à l’aéroport de Kaboul, arrêté par le Bureau of Narcotics and Dangerous Drugs qui le renvoie en Californie.

Quant à Ash Ra Tempel, le retour d’un ancien membre va être l’occasion de retrouver un nouveau souffle.
jeanjacquesperez


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Message par alcat01 » sam. 28 janv. 2023 11:06

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Next (1973)
Bien qu’ayant réalisé un sans faute avec Framed Alex Harvey et son Sensationnel Band ont fait choux blanc sur le plan commercial. L’album ne s’est pas classé dans les charts britanniques. Pas même un tout petit peu. Il en faut cependant plus pour décourager le groupe qui, conscient de ses qualités et s’étant tout de même attiré un public de fidèles, revient un an plus tard avec Next.

Montrant que que nos hurluberlus n’ont rien perdu de leur fougue, l’album commence par un sautillant « Swampsnake » en mode Rhythm ’n’ Blues dominé par le piano de Hugh McKenna et l’harmonica d’Alex. Celui-ci éructe de cette voix grinçante et impertinente rappelant que du timbre à la dégaine Bon Scott d’AC/DC lui a tout piqué. Continuant ce mélange des styles qui a fait leur charme, « Gang Bang » raconte avec désinvolture et humour une histoire graveleuse (un peu comme les textes de… Bon Scott) sur fond de Rhythm ’n’ Blues à la Stones mais mêlé à de la musique de cabaret. Plus Prog, « The Faith Healer » est également plus Hard en laissant à la guitare du talentueux Zal Cleminson le soin d’envoyer des riffs simples et accrocheurs qui s’entremêlent dans une montée en puissance tranquille mais certaine.

Le groupe effectue ensuite un virage à 180° pour sauter à pieds joints dans le Glam Rock avec une reprise joyeuse du Rock ’n’ Roll « Giddy Up A Ding Dong ». Nouveau virage et retour à ce style de cabarets berlinois qui plaisait tant à Alex en reprenant une version du « Au suivant » de Jacques Brel rebaptisée… « Next ». Et il est juste de dire que la performance de l’Ecossais est à la hauteur de celle du Belge. Comme pour la version de « Amesterdam » enregistrée la même année par David Bowie, c’est Mort Shuman qui s’était occupé de la traduction anglaise pour la comédie musicale Jacques Brel Is Alive And Well And Living In Paris. Futur incontournable des concerts très théâtraux du SAHB, « Vambo Marble Eye » est entre Soul Psychédélique et Blues Rock, comme une version durcie de la comédie musicale Hair. A noter un Zal Cleminson qui se fait plaisir à la guitare. « The Last Of The Teenage Idols » est-il une réponse au « I’m Gonna Be A Teenage Idol » d’Elton John sorti en début d’année ? Il est permis de le penser, le côté ballade piano-voix évoquant fortement le chanteur. Alex et Hugh McKenna se montrent à la hauteur de l’exercice, mais nous n’avons encore rien vu. D’abord le reste du groupe débarque pour donner un côté plus ténébreux avant que le tout parte dans un Rock survolté et enjoué (également semblable aux Rock interprétés par Elton John) et s’achève en Doo-Woop. Hommage ou parodie, difficile de trancher. Quoiqu’il en soit le résultat est fabuleux et termine l’album en apothéose.

Next est donc encore un très bon album pour le Sensationnel Alex Harvey Band. Si je le trouve un petit peu en dessous du premier, notamment du fait de l’absence d’un hymne à la « Midnight Moses », l’album se vendit considérablement mieux, entrant dans le top 40.
Désormais l’affaire était lancée pour les Ecossais, promesse des succès commerciaux à venir.
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Message par Punker paname » sam. 28 janv. 2023 11:35

Un de mes Lp' Cultes du Sensational Alex Harvey Band qui fut ne l'oublions pas aussi un des groupes préféré des Jimmy Pursey de Sham 69 et ouais, suffit de voir comment Pursey arrivait parfois sapé sur scène, c'est a dire comme Alex Harvey

Sans oublier le fabuleux morceau The Faith Healer qui sonnait littéralement comme du Proto Killing Joke :love1: :love1: :love1: :love1: :love1:



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Message par ornen » sam. 28 janv. 2023 13:00

alcat01 a écrit :
ven. 27 janv. 2023 10:09
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Schwingungen (1972)
Le premier album d’Ash Ra Tempel en 1971 avait rencontré un certain succès mais n’empêchait pas le départ du batteur Klaus Schulze pour une carrière solo bien prometteuse.

Le guitariste Manuel Göttsching et le bassiste Hartmut Enke recrutent en remplacement le batteur Wolfgang Mueller. Le trio est rejoint par le saxophoniste Matthias Wehler, Uli Popp aux bongos et John L au chant. Ce dernier, un parfait inconnu et qui le restera, fut chanteur en 1968 pour Agitation Free. Mais il fut rapidement viré car il ne savait pas chanter. Il ne le saura jamais !
C’est ce qu’indique l’écoute de Schwingungen second opus d’Ash Ra Tempel publié en 1972 sur le label Ohr. Pour un exercice bien barré il n’est nullement besoin d’exceller au chant. Mieux vaut être mauvais dans le domaine afin d’approfondir l’aspect déjanté qui parcourt une partie de ce 33-tours. De toute façon, le mystérieux John L ne beugle que sur la face A.

Schwingungen est souvent ignoré dans la discographie du groupe allemand, étriqué entre les emblématiques Ash Ra Tempel et le futur Join Inn. La faute peut être à une pochette banale.
Pourtant ce disque est magnifique en particulier sur la face B avec le titre éponyme pour une durée de près de vingt minutes. Loin des folies angoissantes des trips antérieurs, cette pièce est largement inspirée par les Pink Floyd des débuts et post Syd Barrett. C’est un voyage cosmique qui nous plonge lentement dans un coma sans fin. Troublant, irréel, vaporeux, kaléidoscopique c’est comme une fusion de deux titres des Floyd : « Quicksilver » admirablement étiré sur quatorze minutes et le final quasi-céleste de « A Saucerful Of Secret » (version live) en fin de piste.
Mais avant ce plat de résistance, Ash Ra Tempel propose deux mise-en-bouches. À commencer par « Light: Look At Your Sun » un blues planant et déglingué où Manuel Göttesching cisèle avec sa six cordes électrique des soli étirés et acides.
Dans ce climat space rock, suit « Darkness: Flowers Must Die » pour une expérience tribale via les percus et un saxophone qui tire vers le free-jazz. C’est dans ce morceau que John L en pleine démence, montre son talent merdique ô combien utile. Contrairement à la pièce éponyme, ici on atteint la vitesse de la lumière grâce à ces sons magmatiques et ces roulements de tambour convulsifs.

Un disque krautrock dans l’air du temps, hélas boudé à sa sortie. Même aujourd’hui les fans du genre sont timides face à cette œuvre psyché. Allez comprendre ?!!
jeanjacquesperez

D'accord avec cette critique. Le chant de John L (Manfred Peter Brück, mort en 2007) gâche le titre où il chante mais la face 2 est excellente. Cela reste un bon album; quoiqu'inférieur au premier et surtout à Join Inn, leur meilleur à mon avis.

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Message par alcat01 » sam. 28 janv. 2023 14:51

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Sorti en 1972, "Triad" reprend là où "Spontaneous Combustion" s'était arrêté, et il est plus en phase avec la musique de cette époque.
Il reste encore un peu de psychédélisme dans la recette, mais "Triad" est davantage orienté vers le hard rock, tout en mettant en valeur leur sens aigu de la composition progressive.
Il semblerait que le talon d'Achille de Spontaneous Combustion était leur incapacité à se concentrer sur ce qu'ils faisaient de mieux, et leurs albums peuvent être déroutants pour les auditeurs. C'est peut-être ce qu'ils espéraient réaliser, mais l'histoire nous dit qu'ils n'ont pas réussi à gagner un public - et n'ont été découverts que plus tard par de curieux collectionneurs de rock underground britannique du début des années 70.
Beaucoup considèrent "Triad" comme le meilleur des deux albums, et je suis enclin à être d'accord.
Trois ans plus tard, le groupe s'est reformé dans le groupe Time, et c'est là que le groupe a montré ses vraies couleurs d'être un groupe de rock progressif à part entière. Bien qu'il n'ait jamais attiré de public (et étant donné son manque actuel de réédition légitime, il reste malheureusement inconnu).
ashratom


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Message par alcat01 » sam. 28 janv. 2023 15:53

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1968 Bang, Bang You're Terry Reid
Terry Reid est l'une de ces personnes à qui il a toujours manqué d'être un nom familier. Son groupe de lycée a fait la première partie des Rolling Stones , il a tourné avec Cream et Fleetwood Mac , il a été repris par The Hollies and Crosby, Stills, Nash & Young , et il a été le premier choix de Jimmy Page en tant que chanteur principal de Led Zeppelin ( il avait d'autres obligations et les a plutôt liées à Robert Plant , qui a en effet un style vocal remarquablement similaire, sinon aussi énorme et puissant que celui de Reid). Plus important encore, le mec peut sérieusement basculer.

Bang Bang, You'reTerry Reid, titre loufoque mis à part, est un grand classique du hard-rock perdu, ayant à peu près la même force tonitruante et le même son général de blues-rock suralimenté que les débuts de Led Zeppelin qui deviendront méga-célèbre un an plus tard. La production est très chaleureuse et résonnante, avec une chaleur influencée par la soul atlantique au son qui donne un bourdonnement de fond large et profond pour les instruments mais garde la voix expressive de Reid au premier plan.
"Without Expression" est le véritable original remarquable ici, qui a été fréquemment repris au fil des ans par des artistes de The Hollies à John Mellencamp , mais aucun d'entre eux n'a tout à fait la passion de cette première version. Il y a une poignée de versions de reprises de tueur que Reid fait ici, y compris une prise sauvage de Donovan"Season of the Witch" de qui souffle pratiquement tous les autres et la chanson quasi-titre, une version heavy et délirante du premier hit de Cher "Bang Bang" qui lui donne beaucoup plus un piétinement bluesy.
Ajoutez à tout cela un gros orgue psychédélique et une section occasionnelle de cuivre énergique, et cela aurait vraiment dû être beaucoup plus gros qu'il ne l'a été.
jshopa


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Message par alcat01 » sam. 28 janv. 2023 17:58

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1976 : Private Eyes
Deep Purple ayant explosé en plein vol malgré un excellent Come Taste The Band hélas boudé pour cause d’absence de Blackmore, Tommy Bolin reprend sa carrière solo. Private Eyes est donc le deuxième album du guitariste comme leader. Ce sera également le dernier puisqu’il décèdera d’une overdose lors de la tournée à seulement 25 ans.
Quel gâchis ! Que peut-on dire de l’album au delà du fait qu’il offre un testament d’un des guitaristes les plus sous-estimés des années 70 (décennie pourtant riche en la matière) ? Eh bien que, plus encore que le précédent, Bolin diversifie les styles comme s’il cherchait l’identité qui allait être la sienne comme artiste solo. De quoi créer un résultat surprenant, pas désagréable mais tout de même un peu décevant.

« Burstin’ Out For Rosey » commence les choses calmement, puisqu’à la discrète guitare de Bolin se mêlent des influences Jazz, funky et Pop. Bien malin qui découvrirait un ancien guitariste de Deep Purple, on penserait plus à Steely Dan. On plonge ensuite pleinement dans le Soft Rock avec « Sweet Burgundy », un titre agréable mais, avouons-le, pas hyper mémorable. Il faut attendre « Post Toastee » pour que Bolin réveille véritablement sa guitare. On laissera de côté le fait que le riff ressemble très fort à celui de « Cocaine » de J.J. Cale, surtout que les deux titres étant sortis à la même époque (septembre 1976) on parlera surtout de coïncidence. On signalera en revanche que si Bolin a une voix agréable, il lui manque un petit quelque chose pour faire décoller l’ensemble dans la partie chantée (ah, si cela avait été Coverdale ou Glenn Hughes…). Mais à vrai dire, on retiendra surtout la partie instrumentale où tout le talent du guitariste se dévoile lors d’un magnifique solo. Avec son orgue bien en avant et son ton lourd, « Shake The Devil » s’inscrit comme une référence évidente à Deep Purple et sera incontestablement le titre le plus à même de plaire aux fans du Pourpre Profond qui seraient venus ici par curiosité.
On saute ensuite à pieds joint dans la direction opposée avec « Gypsy Soul » une Folk jazzy pas si éloignée de Bill Withers (mais, avouons-le sans l’originalité d’écriture), plutôt agréable et apaisante avec en bonus un très beau solo final. Rock tinté de Soul, « Someday We’ll Bring Our Love Home » n’aurait pas dépareillé sur un album de Rod Stewart et il est même surprenant que l’homme à la voix de papier de verre – pourtant pas avare de reprises – ne l’ait pas ajouté à son répertoire surtout que l’on retrouvait exceptionnellement à la batterie Carmine Appice qui rejoindrait bientôt son groupe. On imagine sans mal que la voix de Stewart aurait aussi dynamisé ce titre, chanté de manière un peu trop monocorde par Bolin. Cette même remarque pourrait s’appliquer à la ballade acoustique « Hello, Again » dont on mentionnera tout de même que les arrangements orchestraux évitent l’écueil du mièvre et du kitsch pourtant si souvent atteints dans de telles circonstances. On termine par un Rock blusey, « You Told Me That You Loved Me », titre qui permet de rappeler que nous écoutons l’album d’un virtuose de la guitare.

On peut se demander au final ce que Tommy Bolin cherchait à accomplir avec Private Eyes. Voulait-il créer un album au style très variés, comme pouvaient le faire les Beatles ? Cherchait-il à trouver son identité d’artiste solo ? Essayait-il de sortir de son image de guitariste de Hard Rock et de Jazz Rock ?
Ce qui est incontestable c’est que peu de morceaux finalement se reposent sur ses talents de guitariste. Si bien sûr il n’y a rien de plus ennuyeux de n’avoir que des morceaux prétextes à des solos de guitare, il est évident qu’en mettant en arrière sa principale force, Tommy Bolin se tire une balle dans le pied. Il n’est pas encore un chanteur suffisamment volontaire pour porter vocalement un morceau vers le haut. Comme compositeur, il réalise des morceaux qui tiennent la route et plutôt agréable à l’écoute mais qui ne se distingue pas vraiment de la masse et ce que l’on en retient finalement le plus sont les solos. Il aurait certainement fallu encore un peu de temps à Bolin pour murir comme compositeur et il aurait certainement dû pour la suite soit s’associer à un chanteur plus performant (genre Glenn Hughes avec qui une collaboration monstrueuse aurait pu se développer s’ils n’étaient pas devenus deux junkies) soit travailler de toutes ses forces pour s’affirmer davantage au chant.

Pour résumer, un album à réserver aux fans du guitariste. Pour les autres, écoutez en priorité « Post Toastee » et « Shake The Devil ».
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Message par alcat01 » sam. 28 janv. 2023 19:50

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Bad English
La fin des années 80 aura vu naître un certain nombre de « supergroupes », et BAD ENGLISH est certainement à retenir comme l’une des plus heureuses unions de musiciens de renom. Avec deux des leaders de JOURNEY (Neal Schon et Jonathan Cain) et deux anciens membres de THE BABYS (trois en comptant une seconde fois Jonathan Cain) dont son formidable chanteur John Waite — qui revenait alors vers les sommets après un quatrième album solo tièdement accueilli sur le marché américain —, Bad English promettait sur le papier de faire de jolies étincelles, tant sur le plan musical que commercial. Le second sera assuré sans difficulté, notamment grâce au succès des ballades « Price Of Love » et « When I See You Smile » (une assez bonne chanson pour un titre signé par la reine de la guimauve Diane Warren) qui atteindront les toutes premières places des classements aux États-Unis, et feront une petite percée en Europe.

Dans un registre AOR servi par la voix singulière de John Waite, des claviers cristallins et quelques superbes envolées de Neal Schon, ce disque est une affaire rondement menée. Tout juste lui reprochera-t-on, histoire de pinailler, quelques longueurs en fin d’album (sur treize titres, deux ou trois un peu plus hard sont presque dispensables : « Ready When You Are », « Lay Down » et « Rocking Horse »). Le reste est travail d’orfèvre, y compris les ballades qui bien qu’assez nombreuses, s’avèrent souvent très inspirées (« Possession » vient compléter d’une manière avantageuse les deux singles cités plus haut ; on pourrait aussi ajouter quelques titres à tempo modéré comme le très doux « Don’t Walk Away » en fin d’album).

Mais le gros point fort de ce disque est encore plus à chercher du côté des brûlots rock « Forget Me Not », « Ghost In Your Heart » et « Though Times Don’t Last », sur lesquels le clavier de Jonathan Cain tire particulièrement son épingle du jeu. Des titres aux atmosphères souvent intenses, des refrains mémorables, une voix immédiatement identifiable, des parties de guitares et de clavier inspirées et une production irréprochable : nous pouvons bel et bien parler de classique.
Pichon


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alcat01
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Message par alcat01 » dim. 29 janv. 2023 10:29

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1978 Coliseum Rock
Bon, ça commence à sentir le pâté pour STARZ. Attention Shoppers!, leur 3ème album, n’a pas eu les résultats escomptés sur le plan commercial et son contenu en a laissé plus d’un sur sa faim. Et pour ne rien arranger, voilà que le guitariste Brendan Harkin et le bassiste Pieter Sweval quittent le navire.
Il en faudrait toutefois plus que ça pour décourager les membres restants de STARZ qui trouvent assez rapidement des remplaçants avec Bobby Messano (ex-STANKY BROWN) à la guitare et Orville Davis à la basse. Le line-up de STARZ ainsi recomposé, la bande du New Jersey ne perd pas de temps et enregistre, sous la houlette du producteur canadien Jack Richardson (connu pour avoir collaboré avec THE GUESS WHO, Bob SEGER, MOXY, ALICE COOPER, Kim MITCHELL), son 4ème album. Celui-ci a pour titre Coliseum Rock et sort quelques mois seulement après son prédécesseur, en 1978 également.

De toute évidence, STARZ a une volonté manifeste de se refaire la cerise, une véritable envie d’en découdre. Et la forme semble être revenue au pas de charge avec, en tête de tracklist « So Young, So Bad », un énorme tube en puissance digne de ce que le Hard Rock à l’américaine a su produire de plus accrocheur dans son Histoire: mélodique à souhait, refrain repris à l’unisson, talk-box qui fait écho au refrain, riff entêtant, ce titre est absolument parfait pour être scandé en choeur en concert, taillé sur mesure pour des arenas ou des stades en folie. Il s’agit là, ladies and gentlemen, d’un des hymnes Hard Rock/Classic Rock des 70’s qu’une partie du public américain a oublié. Ce titre a atteint une modeste 81ème place au Billboard Hot 100 et, franchement, il aurait mérité une bien meilleure destinée dans ces charts. A titre indicatif, c’est la dernière fois, avec ce titre, que STARZ a fait son apparition dans les charts nationaux.
Cet hymne n’est pas l’unique moment de réjouissance de l’album, loin de là. Des titres au potentiel hymnique, tubesque en diable, il y en a un bon paquet, justement. Tout d’abord, il y a le mid-tempo « Last Night I Wrote A Letter », qui positionne le curseur entre Power-Pop et Hard mélodique, se voit transcendé par un refrain contagieux, délicieusement addictif, sans oublier cette guitare qui pleure sur le solo (et arrache une larme aux auditeurs mélomanes les plus sensibles, tant qu’on y est) et fait judicieusement la jonction entre CHEAP TRICK et BOSTON. Il y a aussi « Outfit », un titre d’obédience Classic-Rock bien ancré dans son époque dont les mélodies accrocheuses, envoûtantes ont tout pour faire fondre les sceptiques les plus endurcis et fait penser à un point de rencontre improbable, mais réussi entre CHEAP TRICK, THIN LIZZY et les ROLLING STONES. Avec une autre approche, « It’s A Riot » voit le groupe du New Jersey trouver le parfait équilibre entre énergie Rock n’ Roll et mélodie léchée, comme le démontrent la section rythmique pétaradante, incisive, les guitares incandescentes et le refrain tubesque. Plus travaillé, plus sophistiqué aussi, « Where Will It End » commence comme une ballade acoustique Folk calme, puis après 1’10, le morceau dérive vers un Hard Rock qui dépote , les guitares se faisant plus saignantes et la section rythmique plus offensive. Pas forcément tubesque de prime abord, « M Sweet Child » n’en demeure pas moins une trouvaille astucieuse: avec sa complainte bluesy mélancolique, ce titre donne l’impression d’être une ballade bien troussée, mais le refrain plus piquant, plus Rock vient démentir ce postulat de base de manière surprenante, d’autant plus que des relents Southern Rock s’invitent à la fête et le solo de guitare s’avère particulièrement inspiré.
STARZ n’a, en outre, rien perdu de sa capacité à dynamiter ses compos et exprime la facette la plus brute, la plus carnassière de sa musique sur l’énergique « Take Me », mis en évidence par des guitares aussi incendiaires que lumineuses et sur lequel apparaissent quelques éléments proto-Sleaze qui seront développés plus tard par L.A.GUNS notamment, sur « No Regrets » compo Hard Rock bouillonnante aux riffs féroces et à la rythmique musclée, ou encore sur le punchy « Don’t Stop Now », joué sur le fil du rasoir et donnant l’impression que STARZ s’est imprégné de l’énergie du Punk de l’époque, même si la bande à Michael Lee Smith se fait plus subtile, plus surprenante en temporisant par instants. Enfin, chose inédite chez le groupe du New Jersey, il y a un instrumental sur cet album: « Coliseum Rock » est assez bien construit, plutôt réussi d’autant que les musiciens montrent de quoi ils sont capables en proposant une intro vrombissante aux guitares, particulièrement exubérantes tout au long de ce morceau en étant tantôt jumelles, tantôt en opposition.

Avec Coliseum Rock, STARZ a donc brillamment repris du poil de la bête et délivré avec Violation un de ses 2 meilleurs albums. Ce disque est réussi de bout en bout et laisse des regrets car s’il avait été le successeur de Violation en lieu et place de Attention Shoppers!, peut-être que la destinée de STARZ eut été toute autre. Il est d’ailleurs aberrant que Coliseum Rock ne soit même pas entré dans le Billboard US surtout qu’il avait toutes les qualités pour concurrencer les VAN HALEN, THE CARS, BOSTON, REO SPEEDWAGON, STYX, Gerry RAFFERTY et Billy JOEL dans les charts.
Ce 4ème album de STARZ peut en tout cas être perçu comme un des plus beaux barouds d’honneur de l’Histoire du Hard Rock, du Rock car ce fut le dernier album du groupe, celui-ci ayant ensuite splitté (en 1980), puis s’est brièvement reformé au début des 90’s pour sortir un disque regroupant de vieilles démos.
Si STARZ n’a pas atteint la consécration, il a en revanche été une source d’inspiration pour des groupes tels que BON JOVI, MÖTLEY CRÜE, POISON, CINDERELLA,BLACK N’ BLUE, THE WILDHEARTS qui le citent volontiers parmi leurs influences majeures.
Trendkill


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