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The Nature of the Beast (1981)
Quand je suis revenu d'Allemagne aux États-Unis en 1981, ma façon de gérer le fait d'être seul pendant la phase de "me faire de nouveaux amis" était de passer autant de temps avec mon premier et plus vieil ami - le rock and roll . En tant que morveux de l'armée, il était normal de déménager tous les deux à quatre ans, mais même ainsi, rien ne prépare jamais vraiment un enfant à passer d'une zone de logement d'amis à un nouveau lieu et une nouvelle école. Le rendant encore plus fou, en 1981, papaJe venais juste de prendre ma retraite, donc l'environnement confortable normal des camarades militaires a été remplacé non seulement par un tout autre monde d'enfants civils, mais aussi par une école pleine d'enfants preppie très aisés, me laissant non seulement comme le nouveau gamin, mais ce jean déchiré, rock and roll t-shirt, extraterrestre aux cheveux hirsutes. Heureusement pour moi, j'avais toujours mon plus vieil ami et grâce à la magie de ma boombox et d'un énorme casque d'écoute, la lourdeur du silence a été brisée par les sons de nombreuses cassettes usées et de la station de radio chaude d'Atlanta WKLS 96 Rock.
L'un des rares avantages de mon nouveau point d'atterrissage au-dessus de l'Allemagne était la radio. La radio des Forces armées était à peu près un flux continu de succès du Top 40, mais avec WKLS , j'ai eu l'occasion d'entendre du rock and roll, ancien et nouveau. OK, donc ce n'est pas comme si je n'avais pas accès au rock and roll en Allemagne, c'était juste plus un truc communautaire où moi et mes amis arrivions avec un disque ou une cassette sympa prêt à le partager avec l'équipe. La radio pour nous, les enfants, était juste quelque chose à jouer en arrière-plan pendant les pique-niques et les fonctions de quartier. C'était beaucoup plus amusant d'aller au centre commercial allemand ou au Military Post Exchange et d'être hypnotisé par les couvertures de disques, ce qui en 1981 était beaucoup à regarder et à assimiler. Cependant, à Atlanta, la station de rock a gardé un roulement régulier de tout deAC/DC à Led Zeppelin , et il n'était donc pas rare d'entendre un groupe comme April Wine exploser sur les ondes un jour donné.

Maintenant, je dois admettre qu'auparavant, je n'étais pas un grand fan à part creuser des morceaux comme "Roller" et "I Like to Rock" même si j'avais vu le groupe à un festival de rock allemand toute la journée et que je les avais creusés. Ne pas les connaître à ce moment-là m'a rendu difficile de détourner mon attention des filles, mais si j'avais su ce que j'apprendrais peu de temps après, j'aurais peut-être écouté un peu plus fort ce jour-là. Heureusement pour moi, 96 Rock a eu toute mon attention de 15 ans le jour où mes oreilles ont été exposées à "Sign of The Gypsy Queen" du neuvième album studio d' April Wine , The Nature of The Beast .
Non seulement j'ai été immédiatement poussé à devenir un fan d' April Wine , mais c'est aussi le moment où mon intérêt a été piqué pour le rock and roll canadien. J'étais déjà dans des groupes comme Rush et Triumph mais à ce moment-là, pour moi, c'étaient juste de grands groupes de rock and roll. Étant donné le temps libre et le manque d'amis avec qui sortir, j'ai tourné mon attention vers un nouvel intérêt - les groupes canadiens et en temps voulu (grâce en partie au large spectre musical ouvert de WKLS ), ma collection de cassettes s'est agrandie pour inclure des sorties de Prism , Wrabit , Coney Hatch , Bryan Adams , Headpins , Streetheart ,Trooper , et des tonnes d'autres. Mais à part Triumph , aucun autre groupe de rock canadien n'a attiré mes oreilles comme April Wine , en particulier le disque monstre qui m'a captivé du début à la fin en 1981 - The Nature of The Beast .

Après avoir entendu "Sign of The Gypsy Queen" sur 96 Rock , je suis immédiatement devenu une épine dans le pied de mon père , implorant une chance d'obtenir une copie de l'album entier. Au moment où j'ai tapé nerveusement du pied sur le plancher de la voiture de mes parents sur le chemin du centre commercial Cumberland pour obtenir la cassette, la radio m'avait béni non seulement avec cette première grande écoute, mais aussi avec le morceau cool "All Over Town" et semi -ai frappé la ballade puissante "Just Between You And Me" et j'étais sur le point d'éclater de ma peau pour entendre le reste. Je ne sais pas combien de fois papa m'a ditpour arrêter de secouer mes jambes, mais je suis certain que c'était suffisant pour le conduire près de l'explosion, ce qu'il a remboursé en me faisant rester assis dans l'aire de restauration pendant que nous avalions des friandises qui, normalement, m'exciteraient. Finalement, les choses se sont tues, papa a soupiré et m'a regardé et a dit: "Tu vas être au magasin de disques?" auquel j'ai répondu avec enthousiasme. "Allez" dit-il. "Retrouvez-nous ici dans une heure." Avec cela, j'étais parti et je me suis lancé dans une mission qui n'a été bloquée que par le fait que je me suis d'abord retrouvé face à face avec le disque réel et que j'étais totalement hypnotisé par l'œuvre d'art. Je le voulais tellement, mais étant dans une situation de vie temporaire et seulement au courant d'un lecteur de cassettes, j'ai détourné les yeux et j'ai mis mes mains sur ma première copie de cassette de ce qui allait s'avérer être mon album préféré de tous les temps April Wine .

Dès les premiers indices que j'ai reçus d' April Wine à la fin des années 70, j'ai toujours été attiré par les sons du rock and roll simple et simple du groupe. C'est le genre de rock and roll chargé de mélodies power pop accrocheuses drapées sur des riffs de guitare contagieux avec de temps en temps des bulles de chewing-gum accrocheuses toutes enveloppées et qui se sont avérées dans un ensemble de rock énergique qui peut parfois être sérieux mais le plus souvent amusant. Un combo rare aussi parfait pour emballer avec Bryan Adams que Triumph principalement en ce qui concerne les chansons elles-mêmes qui au fil des ans sont restées April Winec'est le point fort. Ouais, ils peuvent retourner au puits avec un autre morceau "rock" gracieuseté du stomper "Wanna Rock", un autre hommage rock des débuts dans la lignée du futur single "Rock 'N' Roll Is King" d' ELO , mais l'essentiel est qu'en 1981, ils ont livré leur meilleur exemple de ce qu'ils font aussi bien que n'importe quel groupe au monde - sur The Nature of The Beast , ils ont apporté le rock.
En plus du contagieux «Wanna Rock», April Wine prépare une bonne dose d'énergie rock and roll pour les fêtes sur des morceaux comme «One More Time» et «Big City Girls» - deux morceaux rythmés parfaits pour une nuit de rock en sueur dans un bar et rouleau. C'est April Wine à son meilleur au milieu de la route du rock - dur, amusant et sorti pour une nuit en ville avec un pied prêt à faire avancer les choses de quelques crans de plus et l'autre à attendre pour taper un groove plus lent.
« All Over Town » est une histoire rock funky d'amour qui a mal tourné qui, dos à dos, avec tout autant un morceau de boogie « Tellin' Me Lies » fait un excellent one-two shake pour commencer le disque. Les deux morceaux évoluent avec un arrière-plan solide, un excellent riff de guitare et un refrain simple mais efficace. C'est une excellente configuration pour le rock mélodique de "Sign of The Gypsy Queen" et le morceau le plus connu du groupe, l'incroyable ballade puissante "Just Between You And Me", une chanson qui, tout en atteignant les plus hauts sommets de toutes les chansons d' April Wine , reste toujours une bien meilleure chanson que son succès ne l'a montré. Dans une décennie remplie de ballades puissantes, "Just Between You And Me" est une chanson supérieure en termes de construction et de puissance que de nombreuses chansons d'amour désormais considérées comme classiques ou même légendaires par April Wine .contemporains du rock des années 80. Le fait qu'il soit antérieur à de nombreuses ballades de power metal de l'époque ajoute encore plus de crédibilité à ce grand morceau. Au milieu de tout cela, "Caught In The Crossfire" le montre avec des signes d'où April Wine se dirigerait à l'avenir.

À la fin du rock sérieux, "Future Tense" et "Bad Boys" font vibrer des hard rockers qui roulent à la manière classique d' April Wine tandis que "Crash And Burn" est le visage de l'album déchirant dur, lourd et parfois rapide . À ce jour, c'est peut-être mon morceau préféré sur The Nature of The Beast, qui en dit long vu qu'à mes oreilles, il n'y a pas un mauvais morceau sur l'album. Chargé de grands airs mettant en vedette la section rythmique tueuse du batteur Jerry Mercer et du bassiste Steve Lang , la triple attaque de guitare de Gary Moffet , Brian Greenway et Myles Goodwyn , sans oublier de superbes voix, il n'est pas étonnant qu'il devienne April WineLe disque le plus vendu de manque à peine le Top 10 au Canada et entre dans le Top 30 aux États-Unis pour gagner respectueusement le double platine et le statut de platine. C'était le deuxième album consécutif du groupe à bien se comporter dans les deux pays, juste avant la sortie de Power Play l'année suivante .

Alors qu'April Wine atteindra son apogée un peu plus d'une décennie après la sortie de ses débuts, ils continueront à sortir des disques et à tourner régulièrement pendant quelques années de plus avant que Goodwyn ne s'installe dans une croisière rebondissant entre les sorties en solo et en groupe. Cependant, une chose n'a jamais changé - dans l'histoire des 16 albums studio d' April Wine , il n'y a jamais eu de véritable tacot d'un disque. Bien sûr, certains ont été meilleurs que d'autres, mais pour la plupart, chaque album a été rempli de rock and roll défini par l'espace et le temps de sortie, mais chacun clairement April Wine . En commençant par le premier album éponyme en 1971 et jusqu'à ce point culminant avec le rockeur de 2006 Roughly Speaking, Goodwyn et sa compagnie ont toujours livré d'excellents disques de rock and roll après les disques de rock and roll, mais aucun d'entre eux n'est aussi bon que le classique, The Nature of The Beast.

John Stoney Cannon

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Extraterrestrial Live (1982)
En 1982 paraît le –déjà– troisième disque live de BLUE ÖYSTER CULT, soit dix ans après l’avènement du groupe dont on a coutume chez nous de traduire le nom par 'Culte de l’huître bleue', ce qui semble erroné puisqu’il paraît plus juste d’employer le terme secte en lieu et place du premier mot, 'cult' en anglais pouvant tout aussi bien désigner l’une ou l’autre des significations. Religion étant une autre possibilité à ne pas écarter non plus. L’ésotérisme mêlé à une dimension politique émerge de textes souvent basés sur la science-fiction mais également d’une iconographie soigneusement élaborée, comme c’est de nouveau le cas avec Extraterrestrial Live. On se souvient de l’assemblée des moines figurant sur la pochette intérieure du –si j’ose dire– cultissime On Your Feet Or On Your Knees dont se dégageait une impression glaçante à l’unisson des ambiances torves déployées par les chansons du combo dont certains pointeront une fascination malsaine envers le IIIe Reich, ignorant au passage qu’il compte dans ses rangs messieurs Roeser et Bloom, seuls membres originels à encore en brandir l’étendard aujourd’hui.
Autre point relevant de l’aspect visuel, la pochette de On Your Feet étalait ses teintes pastels et précédait le passage du noir et blanc à la couleur, du hard-rock proto-metal froid à une heavy pop déjà plus chatoyante qui trouvait son apogée mise en image et en son à travers l’impeccable –bien qu’un poil frustrant– Some Enchanted Evening. Puis, les albums se sont succédés, Mirrors n’avait pas convaincu : le groupe y partait en capilotade mais voilà qu’il renaissait de ses cendres grâce à la doublette produite par l’incomparable producteur de DEEP PURPLE, RAINBOW, WHITESNAKE, BLACK SABBATH, MSG… IRON MAIDEN, Martin Birch : Cultösaurus Erectus et Fire Of Unknown Origin. Deux sommets. C’est donc au tour de la pochette de Extraterrestrial Live de s’insérer dans les bacs. On retrouve la lumière froide emplissant un décor réfrigérant. Les symboles sont multiples. Le titre du disque fait directement référence à une des chansons les plus emblématiques de B.Ö.C, deux dobermans qu’on n’aimerait pas croiser en pleine nuit se posent en gardiens d’un vaisseau spatial d’où descend une des créatures qui illustrait Fire From Unknown Origin et au verso, stupeur ! Six musiciens sont représentés, le batteur Albert Bouchard désignant un gars jusqu’alors inconnu du public. On ne tardera pas à apprendre qu’il s’agit de Rick Downey, un des roadies, qui devient officiellement son successeur… mauvaise nouvelle des étoiles, car Ledit Albert est également un des principaux compositeurs de la formation en plus d’en être un de ses (quatre) chanteurs réguliers.
Albert s’est donc fait virer par ses désormais ex-camarades (dont son propre frère) qui lui reprochaient son implication de plus en plus minimale en tournée et notamment le fait de ne plus participer aux balances pré-concerts. Dont acte, cependant ce coup du destin ne présageait en rien un avenir haletant et malheureusement le pressentiment allait s’avérer juste, la carrière d’un des groupes majeurs du hard-rock sombrant après cela dans une confidentialité relative. Albert Bouchard se voit ici crédité sur deux titres captés en 1980 lors de la mythique tournée Black and Blue (et pour cause puisque cette tournée réunissait B.Ö.C et BLACK SABBATH période Dio).
Qu’on se le dise, Extraterrestrial Live est considéré par beaucoup comme le dernier véritable album du Cult, à la fois double live, best of et cérémonie d’adieu. "Dominance And Submission" et "Black Blade" devenant les deux derniers titres enregistrés où l’on peut entendre le groupe originel au grand complet jouer ensemble. Comme ses prédécesseurs, E.T.L est une compilation de titres captés à des dates différentes, et pas nécessairement alignés dans l’ordre des set-lists, exposés sans aucun overdubs et dont l’interprétation de haute volée dévoile le potentiel du groupe en concert. Sept de ces titres n’avaient pas encore connu de publication live officielle, dont cinq issus des trois opus studios précédents, ce qui fait peu, alors que toutes ces versions sont d’excellente facture, notamment "Dr. Music", seul extrait de Mirrors, orné d’effets électroniques qui distribuent les pains d’emblée, bien plus pêchu que dans sa décevante version studio. Une seule chanson provient également de l’opus de 1980, la fantastique "Black Blade", époustouflante à nouveau. Restent donc trois plages dédiées à Fire From Unknown Origin 1981. À commencer par l’incroyable "Joan Crawford" à l’ambiance malsaine à souhait, qui donne l’occasion à Allen Lanier de faire prévaloir une jolie technique pianistique. S’ensuit "Burnin’ For You", la ballade imparable chantée par Buck Dharma, mais celle qui parvient à décrocher le pompon de la descente aux enfers reste tout de même "Veteran Of The Psychic Wars", dans une mouture étirée par un long autant qu'héroïque solo de guitare dont seul Mr. Roeser/Dharma possède le secret. On en reste bouche bée, chaviré par tant de feeling et d’intensité, tout en savourant ce voyage dans un au-delà aussi sombre que malfaisant. Sans quoi l’inquiétant "Dominance And Submission" avait ouvert les hostilités, on retrouve le groupe des débuts, qui ne fait aucun quartier. On n’oublie pas non plus la reprise des DOORS, "Roadhouse Blues", qui laisse l’opportunité à Donald Roeser d’échanger les sortilèges en compagnie de Robbie Krieger, à la façon de sorciers se livrant un duel sans répit. On en frissonne encore.
Franchement, rien qu’avec cela, on tenait déjà un album simple tout à fait consistant mais choix a été fait de doubler la dose et donc la durée. Sincèrement, on ne s’en plaint pas. Joe Bouchard nous balance son "Hot Rails To Hell" comme au bon vieux temps où tous étaient unis et Eric Bloom succède au micro à frère Albert sur l’inévitable "Cities On Flame". Évidemment, on est à bonne école niveau riffs, ce groupe en possédait la science occulte puisqu’outre les titres précédents on trouve aussi "The Red And The Black" (une tuerie), "Godzilla" (un classique) et "E.T.I" (irrésistible). De quoi frémir durant de longues nuits de pleine lune. On se quitte, comme de bien entendu avec "(Don’t Fear) The Reaper", incontournable parmi les autres, aussi savoure-t-on ce témoignage en forme de testament car désormais rien ne sera jamais plus comme avant.

LONG JOHN SILVER

[Pachy]

Look At Me Now
Le premier album solo de Bernie Marsden, And About Time Too, a suffisamment bien marché pour justifier une suite et il s'est donc attelé à l'enregistrement de Look at Me Now, un LP qui est paru en 1981, la même année où il a joué sur Come an' Get It de Whitesnake.
De nombreux membres de Whitesnake apparaissent ici aussi - le batteur Ian Paice, le bassiste Neil Murray et le claviériste Jon Lord jouent pratiquement tout au long de l'album - et bien que cet album soit certainement fort et rock, il n'est pas heavy comme l'était Whitesnake en 1981.
Il a à la fois un punch plus vif d'arena rock et un peu de prog rock (l'instrumental "Byblos Shack"), prenant son temps pour se plonger dans des ballades instrumentales lyriques ("After All the Madness"), mais jouant généralement dans le droit chemin. Parfois, cela devient assez stupide - "Can You Do It ? (Rock City Blues)" est à la hauteur de son titre, mais l'album s'ouvre sur une paire de morceaux pop AOR propulsifs, "Look at Me Now" et "So Far Away", des morceaux bien plus mélodiques que ceux de Whitesnake, mais qui ne se distinguent pas vraiment par la voix de Marsden.

Marsden n'est peut-être pas convaincant, mais il semble être un bon gars tout au long de Look at Me Now et, de la même manière, l'album n'est pas grand-chose, mais c'est un artefact assez agréable de l'endroit où le hard rock pré-MTV a rencontré la pop.

Thomas Erlewine

J'ai eu l'album à l'époque !

[alcat01]

Clearlight Symphony
Clearlight est un one man band de rock progressif français, originaire de Paris. Mené par le claviériste Cyrille Verdeaux, le style musical du groupe est qualifié de prog symphonique, parfois psychédélique.
Son premier album studio, Symphony, est publié en 1975, et remarqué par la presse spécialisée française, et internationale.

"Clearlight Symphony", c'est un peu "Tubullar Bells" avec des tripes (restons polis). Et ça tombe bien puisque le site que vous avez pris l'habitude de visiter depuis un petit temps maintenant, rappelons-le, ne porte pas ce nom par pur hasard... Après une intro pseudo romantique qui voit mellotron, synthétiseurs et piano entrer de plein pied dans un chassé croisé où se déchirent les ombres de Tangerine Dream, Gong et Magma réunis, le premier mouvement de cette symphonie progressive glisse tout doucement sur les pentes de la folie. Glissandos pas très justes, dissonances à go-go, avant le retour d'un calme olympien. Tangerine Dream pour son côté incontestablement planant, Gong peut-être tout simplement parce que Tim Blake, Steve Hillage et Didier Malherbe en personne viennent y mettre leur grain de sel, et Magma enfin - aspect plus pondéré tout de même - pour son côté grandiloquent. S'il fallait comparer "Symphony" à une attraction de fête foraine, on parlerait de montagnes russes ; ça monte et ça descend, parfois avec des écarts assez importants, c'est un long voyage qu'il est peut-être encore plus agréable de vivre les yeux clos. Un délire cosmique de plus à l'actif de ces années soixante-dix décidément pleines de ressources même si son titre générique n'est pas usurpé. En effet, même si les touches de claviers sont en chanvre et non pas en ivoire, si les guitares sont franchement acidulées, la trame de ce premier mouvement reste tributaire d'une certaine tradition héritée du symphonisme progressif. Le second mouvement, lui, introduit la batterie de Gilbert Artman, et le saxophone de Bloomdido parvient à se faire une place dans ce déluge de claviers aux propriétés autant cristallines que percussives. Pour de larges pavillons comme les miens qui ont eu l'immense privilège de goûter au calice d'oeuvres tout à fait remarquables, il me semble impératif de recommander ce premier album de Clearlight à toutes celles et tout ceux qui croient mordicus qu'on n'a jamais fait mieux que Mike Oldfield, Pink Floyd et Tangerine Dream.

Progmonster

[alcat01]

Atomic Roooster (1969)
Une formation culte des 70’s. Le batteur Carl Palmer et l’organiste Vincent Crane quittent la Crazy World Of Arthur Brown du déjanté et loufoque Arthur Brown. Ce combo psychédélique se fera connaître en 1968 avec le hit « Fire » (rien à voir avec Hendrix) composé par Vincent Crane. Ce dernier est connu pour son jeu explosif à l’orgue mais surtout pour son état dépressif, instable et bipolaire. Entre deux séjours psychiatriques, il trouve l’énergie de fonder Atomic Rooster avec Carl Palmer en 1969. C’est le bassiste Nick Graham qui complète le line-up après une audition qui verra passer Brian Jones, Jack Bruce, John Paul Jones et même un certain Steve Howe. En février 1970, le trio publie son premier album intitulé Atomic Roooster (avec trois O).
D’emblé, le pesant « Friday 13th » qui débute ce 33tours annonce la couleur mettant en avant le jeu de l’organiste. Loin des guitares électriques qui caractérisent cette époque, c’est l’orgue qui assure les riffs pesants qui traversent ce vinyle. Cette absence de guitare tranche avec la scène pop de ces débuts des seventies. La seule comparaison possible est avec Nice. Mais nous sommes loin de l’extravagance et du style pompeux de Keith Emerson. Vincent Crane se révèle un excellent compositeur et un habile mélomane inspiré par un rythm’ blues par endroit funky. Du coup Atomic Roooster sent bon le heavy soul prog aux racines psyché blues. Outre le premier titre, on trouve le jazzy hypnotique « And So To Bed » et le magnifique « Winter ». Cette ballade automnale avec piano et cordes, dévoile l’influence symphonique qu’apporte Nick Graham où il joue superbement de la flûte. Une influence bien au goût de Carl Palmer, qui à la batterie se révèle très précis se payant le luxe d’un solo dans l’instrumental « Décline And Fall ». Se rajoutent à cela le mélancolique « Banstead », la basse au son fuzz dans l’épique « S.L.Y. » et l’incursion heavy funk renforcée par des cuivres dans « Broken Wing ». Le tout dans une cohérence absolue liée au son caverneux de l’orgue. Mais cet opus dévoile également le talent de vocaliste de Nick Graham. Sa voix se montre légère et émotive dans « Winter » mais surtout nerveuse et sombre dans le reste des chansons.
Atomic Roooster reçu un bon accueil à sa sortie laissant entrevoir de belles choses pour la suite. Mais rapidement Nick Graham quitte le navire et se révèlera être le seul bassiste que connaîtra Atomic Rooster. Quant à Carl Palmer il rejoint très vite Keith Emerson et le chanteur/bassiste de King Crimson, Greg Lake pour fonder un super groupe. Des coups durs pour Vincent Crane qui renforce son état dépressif. Toutefois le claviériste n’a pas dit son dernier mot. Atomic Roooster a vu plusieurs rééditions CD dont celui du label Castel Music en 2004 avec en bonus des morceaux alternatifs dont ceux de la BBC laissant entrevoir les futurs travaux d’Atomic Rooster.

jeanjacquesperez

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Sur In A Different Climate, on entend un autre Mallard. Art Tripp a été remplacé par George Dragotta et le claviériste John Thomas a été ajouté. Ce dernier, avec son côté jazz rock, est un facteur déterminant dans le son altéré de Mallard, tout comme la production quelque peu soignée de Robert John 'Mutt' Lange, connu uniquement comme producteur de City Boy jusque-là.
Avec le Manor Mobile – un studio mobile de 24 pistes – Lange et Mallard enregistrent les huit chansons de In A Different Climate au château de Clearwater au Pays de Galles. L'ouverture ' Green Coyote ' a toujours un groove lâche, à la Little Feat, les chansons suivantes explorent le terrain du jazz rock soulful.
En partie grâce à l'excellente voix de Galpin, les temps forts de l'album sont formés par des chansons douces telles que ' Your Face On Someone Else ', ' Harvest' – avec Clovers John McFee à la pedal steel – et ' Mama Squeeze ', avec le superbe jeu de Thomas sur Clavinet et mini-moog.
Ce trio s'inscrit joliment dans la lignée des autres titres : ' Old Man Grey ', un country blues dans lequel le dobro de Boston est central; le funky honky tonk de ' Texas Weather ' ; l'entraînant, jazzy ' Big Foot ' ; et ' Heartstrings ', un long instrumental avec des nuances de jazz rock, une légère touche de funk blanc et un jeu de guitare fantastique de Harkleroad.
Mais ça ne fait pas grand-chose : le LP est reçu plutôt tièdement, même s'il débouche sur une représentation au célèbre Rockpalast en 1977.
En plus : la génération punk attend dans les coulisses, si bien qu'il ne semble pas y avoir de place en Angleterre pour un club de musiciens de la vieille école expatriés d'Amérique. Bien que A Bunch Of Quacks aurait été un bon nom pour un groupe punk.

GLOEIENDE PLAAT

[andy]

The Nature of the Beast (1981)
Quand je suis revenu d'Allemagne aux États-Unis en 1981, ma façon de gérer le fait d'être seul pendant la phase de "me faire de nouveaux amis" était de passer autant de temps avec mon premier et plus vieil ami - le rock and roll . En tant que morveux de l'armée, il était normal de déménager tous les deux à quatre ans, mais même ainsi, rien ne prépare jamais vraiment un enfant à passer d'une zone de logement d'amis à un nouveau lieu et une nouvelle école. Le rendant encore plus fou, en 1981, papaJe venais juste de prendre ma retraite, donc l'environnement confortable normal des camarades militaires a été remplacé non seulement par un tout autre monde d'enfants civils, mais aussi par une école pleine d'enfants preppie très aisés, me laissant non seulement comme le nouveau gamin, mais ce jean déchiré, rock and roll t-shirt, extraterrestre aux cheveux hirsutes. Heureusement pour moi, j'avais toujours mon plus vieil ami et grâce à la magie de ma boombox et d'un énorme casque d'écoute, la lourdeur du silence a été brisée par les sons de nombreuses cassettes usées et de la station de radio chaude d'Atlanta WKLS 96 Rock.
L'un des rares avantages de mon nouveau point d'atterrissage au-dessus de l'Allemagne était la radio. La radio des Forces armées était à peu près un flux continu de succès du Top 40, mais avec WKLS , j'ai eu l'occasion d'entendre du rock and roll, ancien et nouveau. OK, donc ce n'est pas comme si je n'avais pas accès au rock and roll en Allemagne, c'était juste plus un truc communautaire où moi et mes amis arrivions avec un disque ou une cassette sympa prêt à le partager avec l'équipe. La radio pour nous, les enfants, était juste quelque chose à jouer en arrière-plan pendant les pique-niques et les fonctions de quartier. C'était beaucoup plus amusant d'aller au centre commercial allemand ou au Military Post Exchange et d'être hypnotisé par les couvertures de disques, ce qui en 1981 était beaucoup à regarder et à assimiler. Cependant, à Atlanta, la station de rock a gardé un roulement régulier de tout deAC/DC à Led Zeppelin , et il n'était donc pas rare d'entendre un groupe comme April Wine exploser sur les ondes un jour donné.

Maintenant, je dois admettre qu'auparavant, je n'étais pas un grand fan à part creuser des morceaux comme "Roller" et "I Like to Rock" même si j'avais vu le groupe à un festival de rock allemand toute la journée et que je les avais creusés. Ne pas les connaître à ce moment-là m'a rendu difficile de détourner mon attention des filles, mais si j'avais su ce que j'apprendrais peu de temps après, j'aurais peut-être écouté un peu plus fort ce jour-là. Heureusement pour moi, 96 Rock a eu toute mon attention de 15 ans le jour où mes oreilles ont été exposées à "Sign of The Gypsy Queen" du neuvième album studio d' April Wine , The Nature of The Beast .
Non seulement j'ai été immédiatement poussé à devenir un fan d' April Wine , mais c'est aussi le moment où mon intérêt a été piqué pour le rock and roll canadien. J'étais déjà dans des groupes comme Rush et Triumph mais à ce moment-là, pour moi, c'étaient juste de grands groupes de rock and roll. Étant donné le temps libre et le manque d'amis avec qui sortir, j'ai tourné mon attention vers un nouvel intérêt - les groupes canadiens et en temps voulu (grâce en partie au large spectre musical ouvert de WKLS ), ma collection de cassettes s'est agrandie pour inclure des sorties de Prism , Wrabit , Coney Hatch , Bryan Adams , Headpins , Streetheart ,Trooper , et des tonnes d'autres. Mais à part Triumph , aucun autre groupe de rock canadien n'a attiré mes oreilles comme April Wine , en particulier le disque monstre qui m'a captivé du début à la fin en 1981 - The Nature of The Beast .

Après avoir entendu "Sign of The Gypsy Queen" sur 96 Rock , je suis immédiatement devenu une épine dans le pied de mon père , implorant une chance d'obtenir une copie de l'album entier. Au moment où j'ai tapé nerveusement du pied sur le plancher de la voiture de mes parents sur le chemin du centre commercial Cumberland pour obtenir la cassette, la radio m'avait béni non seulement avec cette première grande écoute, mais aussi avec le morceau cool "All Over Town" et semi -ai frappé la ballade puissante "Just Between You And Me" et j'étais sur le point d'éclater de ma peau pour entendre le reste. Je ne sais pas combien de fois papa m'a ditpour arrêter de secouer mes jambes, mais je suis certain que c'était suffisant pour le conduire près de l'explosion, ce qu'il a remboursé en me faisant rester assis dans l'aire de restauration pendant que nous avalions des friandises qui, normalement, m'exciteraient. Finalement, les choses se sont tues, papa a soupiré et m'a regardé et a dit: "Tu vas être au magasin de disques?" auquel j'ai répondu avec enthousiasme. "Allez" dit-il. "Retrouvez-nous ici dans une heure." Avec cela, j'étais parti et je me suis lancé dans une mission qui n'a été bloquée que par le fait que je me suis d'abord retrouvé face à face avec le disque réel et que j'étais totalement hypnotisé par l'œuvre d'art. Je le voulais tellement, mais étant dans une situation de vie temporaire et seulement au courant d'un lecteur de cassettes, j'ai détourné les yeux et j'ai mis mes mains sur ma première copie de cassette de ce qui allait s'avérer être mon album préféré de tous les temps April Wine .

Dès les premiers indices que j'ai reçus d' April Wine à la fin des années 70, j'ai toujours été attiré par les sons du rock and roll simple et simple du groupe. C'est le genre de rock and roll chargé de mélodies power pop accrocheuses drapées sur des riffs de guitare contagieux avec de temps en temps des bulles de chewing-gum accrocheuses toutes enveloppées et qui se sont avérées dans un ensemble de rock énergique qui peut parfois être sérieux mais le plus souvent amusant. Un combo rare aussi parfait pour emballer avec Bryan Adams que Triumph principalement en ce qui concerne les chansons elles-mêmes qui au fil des ans sont restées April Winec'est le point fort. Ouais, ils peuvent retourner au puits avec un autre morceau "rock" gracieuseté du stomper "Wanna Rock", un autre hommage rock des débuts dans la lignée du futur single "Rock 'N' Roll Is King" d' ELO , mais l'essentiel est qu'en 1981, ils ont livré leur meilleur exemple de ce qu'ils font aussi bien que n'importe quel groupe au monde - sur The Nature of The Beast , ils ont apporté le rock.
En plus du contagieux «Wanna Rock», April Wine prépare une bonne dose d'énergie rock and roll pour les fêtes sur des morceaux comme «One More Time» et «Big City Girls» - deux morceaux rythmés parfaits pour une nuit de rock en sueur dans un bar et rouleau. C'est April Wine à son meilleur au milieu de la route du rock - dur, amusant et sorti pour une nuit en ville avec un pied prêt à faire avancer les choses de quelques crans de plus et l'autre à attendre pour taper un groove plus lent.
« All Over Town » est une histoire rock funky d'amour qui a mal tourné qui, dos à dos, avec tout autant un morceau de boogie « Tellin' Me Lies » fait un excellent one-two shake pour commencer le disque. Les deux morceaux évoluent avec un arrière-plan solide, un excellent riff de guitare et un refrain simple mais efficace. C'est une excellente configuration pour le rock mélodique de "Sign of The Gypsy Queen" et le morceau le plus connu du groupe, l'incroyable ballade puissante "Just Between You And Me", une chanson qui, tout en atteignant les plus hauts sommets de toutes les chansons d' April Wine , reste toujours une bien meilleure chanson que son succès ne l'a montré. Dans une décennie remplie de ballades puissantes, "Just Between You And Me" est une chanson supérieure en termes de construction et de puissance que de nombreuses chansons d'amour désormais considérées comme classiques ou même légendaires par April Wine .contemporains du rock des années 80. Le fait qu'il soit antérieur à de nombreuses ballades de power metal de l'époque ajoute encore plus de crédibilité à ce grand morceau. Au milieu de tout cela, "Caught In The Crossfire" le montre avec des signes d'où April Wine se dirigerait à l'avenir.

À la fin du rock sérieux, "Future Tense" et "Bad Boys" font vibrer des hard rockers qui roulent à la manière classique d' April Wine tandis que "Crash And Burn" est le visage de l'album déchirant dur, lourd et parfois rapide . À ce jour, c'est peut-être mon morceau préféré sur The Nature of The Beast, qui en dit long vu qu'à mes oreilles, il n'y a pas un mauvais morceau sur l'album. Chargé de grands airs mettant en vedette la section rythmique tueuse du batteur Jerry Mercer et du bassiste Steve Lang , la triple attaque de guitare de Gary Moffet , Brian Greenway et Myles Goodwyn , sans oublier de superbes voix, il n'est pas étonnant qu'il devienne April WineLe disque le plus vendu de manque à peine le Top 10 au Canada et entre dans le Top 30 aux États-Unis pour gagner respectueusement le double platine et le statut de platine. C'était le deuxième album consécutif du groupe à bien se comporter dans les deux pays, juste avant la sortie de Power Play l'année suivante .

Alors qu'April Wine atteindra son apogée un peu plus d'une décennie après la sortie de ses débuts, ils continueront à sortir des disques et à tourner régulièrement pendant quelques années de plus avant que Goodwyn ne s'installe dans une croisière rebondissant entre les sorties en solo et en groupe. Cependant, une chose n'a jamais changé - dans l'histoire des 16 albums studio d' April Wine , il n'y a jamais eu de véritable tacot d'un disque. Bien sûr, certains ont été meilleurs que d'autres, mais pour la plupart, chaque album a été rempli de rock and roll défini par l'espace et le temps de sortie, mais chacun clairement April Wine . En commençant par le premier album éponyme en 1971 et jusqu'à ce point culminant avec le rockeur de 2006 Roughly Speaking, Goodwyn et sa compagnie ont toujours livré d'excellents disques de rock and roll après les disques de rock and roll, mais aucun d'entre eux n'est aussi bon que le classique, The Nature of The Beast.

John Stoney Cannon

acheté un peu aprés sa sortie , le seul aibum du groupe que j ai et pas déçu , du hard mélodique comme j aime , je le ressort encore de temps en temps , pas venu en france dommage !

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View from the Ground (1982)
Le titre de gloire de l'album d'America de 1982, View From the Ground, est qu'il a produit le dernier tube du duo de soft rock, "You Can Do Magic", qui s'est classé dans le Top 10.
Le chanteur/guitariste/clavier Gerry Beckley et le chanteur/guitariste Dewey Bunnell ont fait un tabac avec ce single infectieux et plein d'accroches. Il a été écrit et produit par le guitariste d'Argent et artiste solo Russ Ballard, qui est surtout connu pour avoir écrit des chansons qui ont fait mouche auprès des autres.
View From the Ground est un album au son exceptionnellement lisse, mais qui n'a rien d'exceptionnel, malgré - ou à cause de - l'implication de célèbres tueurs à gages et de professionnels anonymes. En plus de Beckley, Bunnell et Ballard, le vétéran de Blood, Sweat & Tears Bobby Colomby a produit quelques titres. Toto est représenté par le guitariste Steve Lukather, le bassiste Mike Porcaro et le batteur Jeff Porcaro. Les choristes sont Carl Wilson des Beach Boys, Christopher Cross et Timothy B. Schmit des Eagles. L'acteur et musicien Bill Mumy joue de la guitare et a coécrit quelques morceaux, dont le très enjoué "Never Be Lonely". "Desperate Love " est frénétiquement mélodique, voire avant-gardiste - pour América, en tout cas ; les éclairs de guitare mordante qui émaillent cette chanson et d'autres parties de View From the Ground émanent probablement tous de Lukather. "Right Before Your Eyes" est une ballade pop qui a manqué de peu le Top 40.
La meilleure façon de découvrir America, c'est à travers ses singles, ce qui signifie que les albums de best-sellers sont la solution.

Bret Adams

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The Nature of the Beast (1981)
Quand je suis revenu d'Allemagne aux États-Unis en 1981, ma façon de gérer le fait d'être seul pendant la phase de "me faire de nouveaux amis" était de passer autant de temps avec mon premier et plus vieil ami - le rock and roll . En tant que morveux de l'armée, il était normal de déménager tous les deux à quatre ans, mais même ainsi, rien ne prépare jamais vraiment un enfant à passer d'une zone de logement d'amis à un nouveau lieu et une nouvelle école. Le rendant encore plus fou, en 1981, papaJe venais juste de prendre ma retraite, donc l'environnement confortable normal des camarades militaires a été remplacé non seulement par un tout autre monde d'enfants civils, mais aussi par une école pleine d'enfants preppie très aisés, me laissant non seulement comme le nouveau gamin, mais ce jean déchiré, rock and roll t-shirt, extraterrestre aux cheveux hirsutes. Heureusement pour moi, j'avais toujours mon plus vieil ami et grâce à la magie de ma boombox et d'un énorme casque d'écoute, la lourdeur du silence a été brisée par les sons de nombreuses cassettes usées et de la station de radio chaude d'Atlanta WKLS 96 Rock.
L'un des rares avantages de mon nouveau point d'atterrissage au-dessus de l'Allemagne était la radio. La radio des Forces armées était à peu près un flux continu de succès du Top 40, mais avec WKLS , j'ai eu l'occasion d'entendre du rock and roll, ancien et nouveau. OK, donc ce n'est pas comme si je n'avais pas accès au rock and roll en Allemagne, c'était juste plus un truc communautaire où moi et mes amis arrivions avec un disque ou une cassette sympa prêt à le partager avec l'équipe. La radio pour nous, les enfants, était juste quelque chose à jouer en arrière-plan pendant les pique-niques et les fonctions de quartier. C'était beaucoup plus amusant d'aller au centre commercial allemand ou au Military Post Exchange et d'être hypnotisé par les couvertures de disques, ce qui en 1981 était beaucoup à regarder et à assimiler. Cependant, à Atlanta, la station de rock a gardé un roulement régulier de tout deAC/DC à Led Zeppelin , et il n'était donc pas rare d'entendre un groupe comme April Wine exploser sur les ondes un jour donné.

Maintenant, je dois admettre qu'auparavant, je n'étais pas un grand fan à part creuser des morceaux comme "Roller" et "I Like to Rock" même si j'avais vu le groupe à un festival de rock allemand toute la journée et que je les avais creusés. Ne pas les connaître à ce moment-là m'a rendu difficile de détourner mon attention des filles, mais si j'avais su ce que j'apprendrais peu de temps après, j'aurais peut-être écouté un peu plus fort ce jour-là. Heureusement pour moi, 96 Rock a eu toute mon attention de 15 ans le jour où mes oreilles ont été exposées à "Sign of The Gypsy Queen" du neuvième album studio d' April Wine , The Nature of The Beast .
Non seulement j'ai été immédiatement poussé à devenir un fan d' April Wine , mais c'est aussi le moment où mon intérêt a été piqué pour le rock and roll canadien. J'étais déjà dans des groupes comme Rush et Triumph mais à ce moment-là, pour moi, c'étaient juste de grands groupes de rock and roll. Étant donné le temps libre et le manque d'amis avec qui sortir, j'ai tourné mon attention vers un nouvel intérêt - les groupes canadiens et en temps voulu (grâce en partie au large spectre musical ouvert de WKLS ), ma collection de cassettes s'est agrandie pour inclure des sorties de Prism , Wrabit , Coney Hatch , Bryan Adams , Headpins , Streetheart ,Trooper , et des tonnes d'autres. Mais à part Triumph , aucun autre groupe de rock canadien n'a attiré mes oreilles comme April Wine , en particulier le disque monstre qui m'a captivé du début à la fin en 1981 - The Nature of The Beast .

Après avoir entendu "Sign of The Gypsy Queen" sur 96 Rock , je suis immédiatement devenu une épine dans le pied de mon père , implorant une chance d'obtenir une copie de l'album entier. Au moment où j'ai tapé nerveusement du pied sur le plancher de la voiture de mes parents sur le chemin du centre commercial Cumberland pour obtenir la cassette, la radio m'avait béni non seulement avec cette première grande écoute, mais aussi avec le morceau cool "All Over Town" et semi -ai frappé la ballade puissante "Just Between You And Me" et j'étais sur le point d'éclater de ma peau pour entendre le reste. Je ne sais pas combien de fois papa m'a ditpour arrêter de secouer mes jambes, mais je suis certain que c'était suffisant pour le conduire près de l'explosion, ce qu'il a remboursé en me faisant rester assis dans l'aire de restauration pendant que nous avalions des friandises qui, normalement, m'exciteraient. Finalement, les choses se sont tues, papa a soupiré et m'a regardé et a dit: "Tu vas être au magasin de disques?" auquel j'ai répondu avec enthousiasme. "Allez" dit-il. "Retrouvez-nous ici dans une heure." Avec cela, j'étais parti et je me suis lancé dans une mission qui n'a été bloquée que par le fait que je me suis d'abord retrouvé face à face avec le disque réel et que j'étais totalement hypnotisé par l'œuvre d'art. Je le voulais tellement, mais étant dans une situation de vie temporaire et seulement au courant d'un lecteur de cassettes, j'ai détourné les yeux et j'ai mis mes mains sur ma première copie de cassette de ce qui allait s'avérer être mon album préféré de tous les temps April Wine .

Dès les premiers indices que j'ai reçus d' April Wine à la fin des années 70, j'ai toujours été attiré par les sons du rock and roll simple et simple du groupe. C'est le genre de rock and roll chargé de mélodies power pop accrocheuses drapées sur des riffs de guitare contagieux avec de temps en temps des bulles de chewing-gum accrocheuses toutes enveloppées et qui se sont avérées dans un ensemble de rock énergique qui peut parfois être sérieux mais le plus souvent amusant. Un combo rare aussi parfait pour emballer avec Bryan Adams que Triumph principalement en ce qui concerne les chansons elles-mêmes qui au fil des ans sont restées April Winec'est le point fort. Ouais, ils peuvent retourner au puits avec un autre morceau "rock" gracieuseté du stomper "Wanna Rock", un autre hommage rock des débuts dans la lignée du futur single "Rock 'N' Roll Is King" d' ELO , mais l'essentiel est qu'en 1981, ils ont livré leur meilleur exemple de ce qu'ils font aussi bien que n'importe quel groupe au monde - sur The Nature of The Beast , ils ont apporté le rock.
En plus du contagieux «Wanna Rock», April Wine prépare une bonne dose d'énergie rock and roll pour les fêtes sur des morceaux comme «One More Time» et «Big City Girls» - deux morceaux rythmés parfaits pour une nuit de rock en sueur dans un bar et rouleau. C'est April Wine à son meilleur au milieu de la route du rock - dur, amusant et sorti pour une nuit en ville avec un pied prêt à faire avancer les choses de quelques crans de plus et l'autre à attendre pour taper un groove plus lent.
« All Over Town » est une histoire rock funky d'amour qui a mal tourné qui, dos à dos, avec tout autant un morceau de boogie « Tellin' Me Lies » fait un excellent one-two shake pour commencer le disque. Les deux morceaux évoluent avec un arrière-plan solide, un excellent riff de guitare et un refrain simple mais efficace. C'est une excellente configuration pour le rock mélodique de "Sign of The Gypsy Queen" et le morceau le plus connu du groupe, l'incroyable ballade puissante "Just Between You And Me", une chanson qui, tout en atteignant les plus hauts sommets de toutes les chansons d' April Wine , reste toujours une bien meilleure chanson que son succès ne l'a montré. Dans une décennie remplie de ballades puissantes, "Just Between You And Me" est une chanson supérieure en termes de construction et de puissance que de nombreuses chansons d'amour désormais considérées comme classiques ou même légendaires par April Wine .contemporains du rock des années 80. Le fait qu'il soit antérieur à de nombreuses ballades de power metal de l'époque ajoute encore plus de crédibilité à ce grand morceau. Au milieu de tout cela, "Caught In The Crossfire" le montre avec des signes d'où April Wine se dirigerait à l'avenir.

À la fin du rock sérieux, "Future Tense" et "Bad Boys" font vibrer des hard rockers qui roulent à la manière classique d' April Wine tandis que "Crash And Burn" est le visage de l'album déchirant dur, lourd et parfois rapide . À ce jour, c'est peut-être mon morceau préféré sur The Nature of The Beast, qui en dit long vu qu'à mes oreilles, il n'y a pas un mauvais morceau sur l'album. Chargé de grands airs mettant en vedette la section rythmique tueuse du batteur Jerry Mercer et du bassiste Steve Lang , la triple attaque de guitare de Gary Moffet , Brian Greenway et Myles Goodwyn , sans oublier de superbes voix, il n'est pas étonnant qu'il devienne April WineLe disque le plus vendu de manque à peine le Top 10 au Canada et entre dans le Top 30 aux États-Unis pour gagner respectueusement le double platine et le statut de platine. C'était le deuxième album consécutif du groupe à bien se comporter dans les deux pays, juste avant la sortie de Power Play l'année suivante .

Alors qu'April Wine atteindra son apogée un peu plus d'une décennie après la sortie de ses débuts, ils continueront à sortir des disques et à tourner régulièrement pendant quelques années de plus avant que Goodwyn ne s'installe dans une croisière rebondissant entre les sorties en solo et en groupe. Cependant, une chose n'a jamais changé - dans l'histoire des 16 albums studio d' April Wine , il n'y a jamais eu de véritable tacot d'un disque. Bien sûr, certains ont été meilleurs que d'autres, mais pour la plupart, chaque album a été rempli de rock and roll défini par l'espace et le temps de sortie, mais chacun clairement April Wine . En commençant par le premier album éponyme en 1971 et jusqu'à ce point culminant avec le rockeur de 2006 Roughly Speaking, Goodwyn et sa compagnie ont toujours livré d'excellents disques de rock and roll après les disques de rock and roll, mais aucun d'entre eux n'est aussi bon que le classique, The Nature of The Beast.

John Stoney Cannon

acheté un peu aprés sa sortie , le seul aibum du groupe que j ai et pas déçu , du hard mélodique comme j aime , je le ressort encore de temps en temps , pas venu en france dommage !

Mon premier album du groupe, acheté aussi à sa sortie après les avoir vu à la télé!

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Chacun connait Martin Circus pour son morceau 'mémorable' "je méclate au Sénégal", mais saviez-vous qu'avant d'être cette parodie de groupe farfelu, Martin Circus fut l'un de nos meilleurs fleurons du Rock Hexagonal! En effet, Martin Circus a débuté une carrière de groupe Prog Rock plus qu'intéressante en 1968.
Le groupe, composé de cinq très bons musiciens, va oser, dès ses débuts, enregistrer son premier LP en live.
"En Direct du Rock'N'Roll Circus" est enregistré dans les vraies conditions du direct. Pari audacieux s'il en est, qui, s'il manque peut-être de véritable précision au niveau de la production, lui confère d'emblée une chaleur qui rend la formation immédiatement et unanimement sympathique.
Un bon début pour Martin Circus, cet album est un savant mélange de Rock progressif, de Jazz, de Bourrée, et autres thèmes standard populaires français revus et corrigés, ce qui pourrait même parfois paraitre un peu frustrant.

Chronologiquement, Ce disque arrive apres la sortie de deux singles, "Tout tremblant de fièvre", avec des paroles évoquant un trip sous narcotic, et une jolie intro avec les cuivres bien trouvée et une mélodie très prenante qui est certainement le morceau le plus fort d'un groupe prog français) et "Le Matin Des Magiciens", tout deux ayant eu un excellent succès d’estime mais pas vraiment une grosse reconnaissance au niveau populaire, le groupe qui écume depuis quelque temps déjà les scènes de notre pays décide, sous l’impulsion des disques Vogue, d’enregistrer un premier album entièrement en public.

D’excellents musiciens, des arrangements et des mélodies travaillés, des chanteurs peut être un peu limités, des ingénieurs du son plus ou moins dans l’incapacité viscérale de capter la substantifique moelle de cette nouvelle musique qu’on appelle la Pop Music et des textes inspirés par les poètes de la Beat Generation, souvent trop pathétiques de prétention, tentent de cohabiter et d’offrir un ensemble cohérent.
Et douze titres sont enregistrés dans la sueur au R’n’R Circus, douze pépites qui ne demanderaient qu’à être écoutées. Les morceaux tiennent bien la route avec des arrangements plutôt recherchés même si la partie vocale est quelque peu forcée.

D’emblée, on ne peut qu'être frappé par l’instrumental d'ouverture ("La 3ème" qui cloture d'ailleurs aussi le concert) et.le son est, malgré tout, excellent.
"Tomahawk" avec sa partie déclamée a plutôt mal vieilli, car le texte paraît complètement décalé et même prétentieux de nos jours.
On découvre aussi tout ce qui pouvait opposer Martin Circus aux productions françaises de l'époque; et l'emprunt à Frank Zappa est flagrant (voir le thème du saxophone soprano sur "La 3ème").
L'esprit iconoclaste du grand compositeur les guidera d'ailleurs tout au long de cette partie de leur carrière, celle qu'il faudrait retenir, celle qui aura finalement encouragée tant de vocations.
La progression d'accords répétitifs engendrés par la basse sur "Tomahawk" confirme largement cette tendance, et l'omniprésence du saxophone sur bien des titres donne cette couleur jusque là inédite dans le paysage français.
Les thèmes et les mélodies, même si elles servent avant tout de décor aux chansons, font preuve d'une certaine mâturité, chacun des musiciens étant de véritables virtuoses.

Cela n'empêchera pourtant pas les deux principaux chanteurs, Paul-Jean Borowski et Patrick Dietsch, ainsi que le batteur Jean-François Leroy de jeter l'éponge et de quitter le navire.
Malgré tout cela (ou grâce à ça), ce qui aurait pu tuer dans l'oeuf le 'projet Martin Circus' lui offrira, contre toutes attentes, une seconde naissance, au résultat encore plus spectaculaire, mais ceci est une autre histoire!

La réédition de l’album original s’accompagne de l’adjonction des deux faces des trois premiers singles : "Tout tremblant de fièvre" (version studio), "Le Matin des magiciens" (inspiré de l’inénarrable bible du réalisme scientifique, portant le même titre, et signé par Louis Pauwels et Jacques Bergier, neuf années auparavant) et "Dis-moi" avec leur face B respectives et avec la reproduction de devant des pochettes d'époque à la dimension d'une jaquette de CD.

Un témoignage musical et sociologique d’une époque où certains pouvaient sentir leurs dents pousser, et une belle photo de pochette, à la typographie inspirée de certains évènements du mois de mai précédent.
À découvrir ou à redécouvrir!

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Power Play (1982)
April Wine commençait à avoir le vent en poupe des deux côtés de la frontière américano-canadienne. Depuis « First Glance » en 1978, le public allait croissant, et le groupe récoltait bien des récompenses pour les bonnes performances commerciales de ses albums. Le dernier en date, « The Nature Of The Beast » avait même littéralement fait exploser le record des Canadiens qui en avaient vu partir plus d’un million de copies sur le seul territoire américain. Pourtant, ce disque ne contenaient pas tant de tubes que cela. On y relevait surtout le très bon « Sign Of The Gypsy Queen », une reprise d’un artiste canadien des années 70 passablement oublié (Lorence Hud), et si le single « Just Between You And Me » avait rencontré le succès, on ne peut pas dire que cette ballade brillait particulièrement par sa singularité.
Pour autant, April Wine ne laissait pas indifférent sur ces albums, aussi perfectibles semblaient-ils. La voix de Myles Goodwyn et l’énergie dégagée par le groupe permettaient d’espérer de jolies choses à l’avenir, et le changement devait intervenir en 1982 avec la sortie de « Power Play » qui, à mon sens, représente de manière assez évidente le meilleur album d’April Wine.
Ce qui démarque « Power Play » des précédents disques, c’est avant tout la qualité à peu près constante de ses mélodies. Le groupe s’appuie sur trois compositions extérieures dont deux reprises, mais Myles Goodwyn – seul compositeur dans April Wine – a également fait de gros progrès depuis « The Nature Of The Beast », et cela s’entend dès « Anything You Want, You Got It », un rock entraînant, taillé pour la scène, une parfaite entrée en matière. Plus AOR, des titres comme « Enough Is Enough », « Waiting On A Miracle » ou la ballade « What If We Fall In Love » reposent également sur des refrains efficaces, et bien souvent de belles harmonies vocales. Sur une rythmique plus lourde, le mid tempo « Ain’t Got Your Love » soigne tout autant ses lignes mélodiques. Plus rugueux, « Blood Money » renoue avec les titres un peu plus hard rock des précédents albums.
Il y a donc sur ce disque trois morceaux que Myles Goodwyn n’a pas composés. Le premier, « If You See Kay », avec son titre polisson (phonétiquement : F.U.C.K.), est une composition d’un certain David Freeland qu’on pourrait croire écrite pour April Wine. Un mid-tempo AOR qui s’appuie encore sur les harmonies vocales et un jeu de guitare teinté de blues. Plus rock’n’roll, « Doin’ It Right » est emprunté au répertoire d’un groupe canadien nommé Powder Blues Band, qui avait d’ailleurs connu un certain succès avec ce titre en 1980 au Canada. Un morceau encore une fois parfaitement intégré au répertoire d’April Wine. Enfin, on trouve « Tell Me Why », que les admirateurs des Beatles connaissent bien, mais qu’il trouveront ici dans une version adaptée en ballade sur fond de guitare « bluesy » qu’on retrouve d’ailleurs sur le titre suivant, le très bon « Runners In The Night », pour finir cet album en beauté.

Ironiquement, malgré toutes ses qualités, « Power Play » ne connaîtra pas le même succès que les deux précédents albums, et la suite, hélas, se révélera nettement moins chatoyante.

Pichon

[alcat01]

The Revölution By Night (1983)
Ah, l’année sans pareille ! Nous sommes en 1983 lorsque le culte de l’huitre bleue sort son neuvième album studio. C’est l’époque bénie où votre chroniqueur découvre sans fin les méandres délicieux du métal lourd. Et le groupe de Brooklyn est à l’honneur en cette année. Revolution By Night est donc l’opus avec lequel je découvre ce groupe unique. Beaucoup de mes collègues considérent cet album comme l’un de leurs plus faibles et il est vrai que les ventes seront modestes. Mais mon opinion n’est pas aussi tranchée, même si l’album marque l’arrêt de l’élan magique du groupe, la fin de son unité en gros, et bien que le groupe tourne encore aujourd’hui, c'est la fin de la période classique, l'emblématique Albert Bouchard est d’ailleurs parti.

Cependant, le skeud est introduit par un titre d’une trempe rare, un véritable Ovni -c’est le cas de le dire, matez donc la vidéo-, où Eric Bloom est confronté à des extraterrestres. C’est Mister Aldo NOVA, Canadien spécialisé en compositions carrées et efficaces qui a fait don de cet hymne à nos New-yorkais. Le plaisir est maximal, Eric y chante comme un dieu et les interventions de Buck Dharma sont à se damner. Un très grand classique. Inoubliable.

Eric Bloom pose sa patte avec talent sur l’album puisque "Feel the Thunder", superbe heavy metal à l’ambiance ésotérique, poursuit un lavage de neurones déjà bien entamé par "Take Me Away". Le piano classique de l’intro de "Eyes On Fire" embraye un titre F.M sympa, mais sans relief particulier. De la bonne musique d’ambiance nantie d’un refrain sympa chanté par Eric. "Let Go" est directe et sans fioritures. On y retrouve une forte influence glam. Enfin, le bassiste Joe Bouchard chante sur sa compo "Light Years of Love", un slow prog médiocre.
Le grand producteur Sandy Pearlman pose sa signature sur le titre "Shadow of California" dans une veine sudiste cyber boogie à la ZZ TOP, très sympa et assez réussi, même si le refrain a pris aujourd’hui quelques rides.

Pour les titres de Donald 'Buck Dharma' Roeser, nous avons le single "Shooting Shark", composition du génial soliste et de sa copine Patti SMITH, qui nous fait entrer dans de nouvelles considérations. On est très loin du heavy. L’ambiance est presque à la new-wave, mâtinée d’une influence gilmourienne, tant le son est proche de celui des œuvres du FLOYD en cette décennie. C’est donc de la pop pour les oreilles d’aujourd’hui, mais cela ne présente qu’un intérêt mineur, car vous oublierez la mélodie aussitôt après l’avoir entendue : un titre de radio, point. Pas à mettre au crédit du groupe, d’autant qu’un sax fait une intervention sinistre en plein milieu, ce qui a le don de me mettre mal à l’aise.
Je lui préfère nettement "Veins" où Donald renoue avec ses trademarks, rythme catchy, refrain AOR de qualité, des solo de dingue. Ou "Dragon Lady", titre musclé qui achève sa contribution à cet album.

Certainement pas le meilleur album du CULT, mais certainement pas le moins bon non plus. Il est pour moi d’assez bonne qualité. L’écoute du légendaire "Take Me Away" est fortement conseillée.

ERWIN

[Suricate]

Fumer sa clope en servant du carburant....une autre époque....

[alcat01]

Fumer sa clope en servant du carburant....une autre époque....

A qui le dis-tu?

[alcat01]

1975 : Drive On
Bien que je n'aie jamais pu lui en vouloir, en grande partie grâce à une série d'excellents albums solos, la décision de Ian Hunter d'abandonner Mott The Hoople en novembre 1974, après avoir été hospitalisé pour épuisement pendant les préparatifs d'une tournée européenne et au milieu de rumeurs persistantes selon lesquelles il avait signé un contrat solo et avait l'intention d'emmener avec lui le dernier guitariste du groupe, l'ex-Spiders From Mars, Mick Ronson, m'a coupé l'herbe sous le pied. Comme les Clash une décennie plus tard, je pensais égoïstement et naïvement que le groupe serait toujours là, comme il l'avait été tout au long du collège et du lycée, comme une caisse d'acné avec guitares, basse, amplis et batterie. Franchement, l'idée de devoir survivre le reste de mon année de collège et toute mon année de lycée sans cette bande de voyous sur les planches et dans le studio m'horrifiait.
Mon propre apitoiement n'était rien comparé à ce que devaient affronter les trois membres restants du groupe (le bassiste Overend Watts, le batteur Dale "Buffin" Griffin et l'extraordinaire claviériste Morgan Fisher) pour tenter de redresser le navire en perdition. L'idée de la direction d'une salutation "have a nice day" se présente sous la forme d'un bilan financier déséquilibré en raison de l'annulation des tournées aux États-Unis et au Royaume-Uni. Faisant preuve d'une loyauté à toute épreuve envers la fille qu'il a amenée au bal, Watts refuse une offre apparemment lucrative de faire partie de Bad Company. Lui, Griffin et Weaver continuent sous le nom de Mott, conservant le nom pour apaiser CBS et recrutant le chanteur Nigel Benjamin et l'ex-guitariste sous-estimé de Hackensack, Ray Major. Watts et Morgan souhaitent que le nouveau groupe prenne une direction plus power pop, délaissant la grandiloquence de Mott The Hoople au profit d'une bonne mélodie, d'harmonies et d'un contenu lyrique plus original, une vision naturellement rejetée par CBS qui voulait quelque chose de Hooplesque. Apparemment, les menaces de Mott selon lesquelles il ne travaillerait "plus jamais dans le métier" ont fait mouche, car les deux albums du groupe ne seront jamais confondus avec The Raspberries ou Badfinger.
Les droits d'édition que Watts perçoit de Mott The Hoople permettent au groupe de rester solvable jusqu'à la sortie de "Drive On" (1975) qui, comme il se doit, porte ses empreintes partout, puisqu'il a écrit ou coécrit la totalité des onze chansons, sauf deux.
Dès le départ, il est évident qu'il ne s'agit pas du Mott The Hoople de votre frère, la nouvelle unité se déchaîne avec plus de puissance et de maniaquerie que l'ancienne, bien que dans certains cas de manière plus maladroite, les voix stridentes et criardes de Benjamin étant un goût définitivement acquis. Néanmoins, le groupe fait du bruit grâce aux riffs chargés de cholestérol de Major et aux claviers qui claquent de Fisher. "By Tonight", le punky et haletant "She Does It", "Stiff Upper Lip", "The Great White Wail" et "It Takes One To Know One" sont tous hérissés de sons électriques déchiquetés, d'un esprit imbibé d'alcool et d'un attrait héroïque à la pelle. J'avais en fait des billets pour voir le groupe au Michigan Palace (aujourd'hui le site d'un parking dans le centre de Detroit), avec Sparks en première partie, mais j'ai été laissé pour compte lorsque le concert a été annulé en raison de mauvaises ventes de billets. J'ai toujours le ticket quelque part chez moi. Allez savoir pourquoi...

OttoLuck

[Punker paname]

Merci Alcat 01 pour toutes tes chronique du B.O.C post Secret Treaties car je n'ai en Cd' que les trois premiers Lp's du groupe et que je ne connait pas ou mal (A Tort du reste) les Albums du groupe après 1975

Connait tu le Lp' Helen Wheels Band produit par Joe Bouchard sur Real American Records 1981 un trés bon mix entre Hard Rock et Punk Rock , cela fait parti de la longue liste des projets parallèles et multiples talents de producteurs des membres du B.O.C



J'aime beaucoup aussi ce Lp' du David Roter Method Find Something Beautiful sur Unknown Tongue Music 1997 produit par Albert Bouchard

Roter fut un grand ami du groupe et sur ce disque Ross The Boss des Dictators et Shakin' Street joue certaines parties de guitaresAlbert Bouchard a sorti 4 Albums de ce projet sur ses labels Unknown Tongue Music et Cellsum Records, et un Cd' d'inédits du Helen Wheels Band qui n'étaient pas sorti en 1981



Pour la petite histoire David Roter a aussi écrit plusieurs paroles de chansons du B.O.C sous divers pseudos

[alcat01]

Merci Alcat 01 pour toutes tes chronique du B.O.C post Secret Treaties car je n'ai en Cd' que les trois premiers Lp's du groupe et que je ne connait pas ou mal (A Tort du reste) les Albums du groupe après 1975

Connait tu le Lp' Helen Wheels Band produit par Joe Bouchard sur Real American Records 1981 un trés bon mix entre Hard Rock et Punk Rock , cela fait parti de la longue liste des projets parallèles et multiples talents de producteurs des membres du B.O.C



J'aime beaucoup aussi ce Lp' du David Roter Method Find Something Beautiful sur Unknown Tongue Music 1997 produit par Albert Bouchard

Roter fut un grand ami du groupe et sur ce disque Ross The Boss des Dictators et Shakin' Street joue certaines parties de guitaresAlbert Bouchard a sorti 4 Albums de ce projet sur ses labels Unknown Tongue Music et Cellsum Records, et un Cd' d'inédits du Helen Wheels Band qui n'étaient pas sorti en 1981



Pour la petite histoire David Roter a aussi écrit plusieurs paroles de chansons du B.O.C sous divers pseudos

Je ne connais ni l'un, ni l'autre, merci pour la découverte!

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Death Walks Behind You (1970)
Le départ précipité du batteur Carl Palmer pour ELP ne pouvait qu’accentuer l’état dépressif du leader d’Atomic Rooster, Vincent Crane. Mais c’est sans compter sur l’acharnement du claviériste qui rapidement recrute à la batterie Paul Hammond au jeu heavy soul et qui n’a rien à envier à son prédécesseur.
Ce qui avait caractérisé Atomic Roooster le premier opus c’était l’absence de guitare compensée par la dualité orgue/basse proche de Nice. Mais sur le second album Death Walks Behind You, il n’est nullement question de basse. Le bassiste Nick Graham étant parti, c’est le guitariste John Du Cann qui prend le relai dans ce power trio. Finalement la basse devient l’affaire des claviers qui n’est pas sans rappeler les Doors.
Ce nouveau line-up réalise donc Death Walks Behind You en septembre 1970 sur le label B&C avec comme illustration le « Nebuchadnezzar » du peintre William Blake. Avec cette combinaison guitare/orgue évoquant Deep Purple, ce second 33tours est une référence dans le genre heavy prog précurseur du métal progressif, un véritable classique hard rock voire heavy metal aux digressions progressives. Pas un moment de faiblesse, même la balade qu’est « Nobody Else » quelque peu nostalgique et montant crescendo est une véritable perle.
Ça débute pied au plancher avec cette intro inquiétante au piano dans la pièce éponyme, sombre et un brin gothique. L’orgue dans « Vug » fait penser à ELP. Pourtant contrairement à Keith Emerson, Vincent Crane ne défile pas les notes à coup de mitraillette mais en fait une bonne distribution. Ce qui évite le genre pompeux et guignolesque où la puissance est la priorité.
Dans cette énergie, John Du Cann tire le combo vers un heavy rock avec riffs lourds et soli saignants. Il se montre très démonstratif dans les fracassants « Seven Lonely Streets » et « Sleeping For Years ».
Dans ce tour de force explosif se croisent exotisme hendrixien et climat quasi-religieux bien en phase avec son époque. L’ensemble se termine par l’instrumental « Gershatzer » entre folies furieuses, ambiances pleines de romantisme et passages effrayants.
Bref, Death Walks Behind You est un brûlot à écouter entre Paranoid de Black Sabbath et In Rock de Deep Purple.
Vincent Crane venait de trouver une certaine stabilité avec Paul Hammond et John Du Cann afin de poursuivre l’aventure d’Atomic Rooster. Mais de ce trio magique, il ne subsiste plus rien aujourd’hui. En effet, chacun disparaîtra. Vincent Crane se suicide par overdose suite à ses problèmes de bipolarité en 1989. Paul Hammond décède en 1992, également d’une overdose. Vient le tour de John Du Cann après un arrêt cardiaque en 2011.

Voilà un album vivement recommandable.

jeanjacquesperez

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Alvin Lee & Mylon LeFevre "On The Road To Freedom"
Peu d'albums rock ont ​​une histoire aussi riche et sans fin que celle de "On The Road To Freedom", la sortie en 1973 du virtuose de la guitare Alvin Lee et du prodige du gospel du sud Mylon LeFevre.
Si l'histoire entourant ce disque de country rock s'était terminée avec ses origines en Jamaïque, il aurait tout de même été légendaire. Mylon avait fait un bref passage en ouverture de la récente tournée Ten Years After de Lee.
À la fin de celle-ci, Lee avait invité Mylon en vacances en Jamaïque où ils avaient commencé à écrire des chansons et à les enregistrer en utilisant un groupe de reggae local comme groupe d'accompagnement. Ces prises initiales ont dû être de la dynamite. Je ne peux pas imaginer un brûleur de tonneau comme "Rockin 'Til The Sun Goes Down" injecté avec un peu d'âme insulaire, peut-être des chansons qui auraient pu inspirer "461 Ocean Boulevard". On ne saura peut-être jamais…
Ces sessions jamaïcaines ont été suffisamment encourageantes pour que l'exercice se déplace dans la maison anglaise de Lee, Hook End Manor à Woodcote. Là, Lee a pu enfin commencer la construction de son home studio, plus tard nommé Space Studios. Les retards créés par la construction ont déplacé les premiers travaux vers le home studio de Roger Daltrey et ont déclenché un défilé de contributions de stars pour commencer. Lorsque Lee et Mylon sont retournés dans la grange nouvellement convertie, George Harrison était arrivé avec son ingénieur du son pour aider à calibrer l'acoustique et finalement aider à mettre la touche finale au disque. Cela a conduit George à contribuer à des chansons et des fonctions de sideman.
La communauté d'enregistrement n'a grandi qu'avec les visites des membres de Traffic Steve Winwood, Jim Capaldi et Rebop. Puis vint Ron Wood. Mick Fleetwood a même ajouté de la batterie. On dit que le nombre de participants réels à la liste et leurs contributions étaient plus importants que ceux publiés (y compris des gens comme Mick Jagger), mais que les référencer sur la pochette de l'album aurait augmenté les coûts bien au-delà du budget déjà gonflé. En bref, avec autant de talent, le disque allait être soit un succès total, soit un gâchis confus. Créditons Lee, qui opérait en tant que producteur, a exploité tout ce talent et a à son tour créé un album qui reste le chouchou des critiques. Il convient qu'il y ait une illustration de lui sur la table d'harmonie à l'intérieur de la couverture.

L'album est une version plus sobre de la musique américaine que ce que nous en sommes venus à associer à The Band, et une version plus resserrée et plus mature de Blind Faith ou Ten Years After. "The World Is Changing" se termine par un mélange de gospel du sud qui canalise les sons axés sur la soul des groupes ancrés de Winwood tandis que la chanson "Lay Me Back" a des éléments de percussion identiques à "Up on Cripple Creek". Ils se séparent de ces groupes plus sensiblement sur la contribution de George Harrison "So Sad", un strummer qui embrasse le sol sonore de l'Amérique en insufflant de la mélodie mais en gardant également le niveau de sensibilité pop. Lee et Mylon donnent à la chanson un son corsé qui l'empêche d'être trop commerciale tout en en faisant la piste la plus accessible du disque. C'était le premier single. Elle est suivie de "Fallen Angel" de Lee, un solide morceau de rock et l'un des rares moments où Alvin est autorisé à s'étirer à la guitare - un défaut familier des fans sur tout l'album. Ses fidèles de Ten Years After étaient avides d'un jeu plus fougueux, que l'on ne trouve vraiment que sur la chanson titre. Franchement, cela n'aurait convenu à aucune des autres chansons. La deuxième chanson, "The World Is Changing", bénéficie d'un mouvement musical qui me rappelle le Clapton de l'ère Backless. C'est plus Bradley Barn que Yasgur's Farm. ET, là où les fans de Clapton ont toujours permis à Eric de se dégourdir les jambes, Lee n'a pu vivre en marge que très peu de temps. Cet album est sans doute le meilleur exemple de ses capacités, en particulier sur la première face, une valse appelée "We Will Shine". Le jeu de guitare ne poignarde pas et ne pique pas. Il s'insère dans la mélodie et s'en détache, avec une confiance qui se construit sous vos yeux. Avec le temps, même le fan le plus fidèle de Lee doit admettre qu'il est exceptionnel ici. Il avait une gamme et elle était étonnamment aussi large que sa retenue était paroissiale.

Ce qui se démarque vraiment sur le disque au-delà du travail de guitare, c'est l'écriture de chansons et la gamme vocale de Mylon. Il passe d'un murmure à un rugissement avec aisance. Ce chat aurait pu représenter n'importe quel groupe de rock des années 70. Au lieu de cela, il s'est rapidement replié sur le gospel - probablement à cause de la dépendance à l'héroïne qui s'est intensifiée pendant l'enregistrement - un outil d'adaptation aux différents types de renommée qu'il construisait rapidement. C'est peut-être le seul contrecoup aux histoires formidables qui entourent cet album. Un «moment bruyant» est ce qu'ils disent tous que l'enregistrement était - devait être!

Le disque devrait être un pilier parmi les collectionneurs. Bien sûr, il a une longue histoire, mais plus important encore, il est composé de très bonnes chansons qui ont été composées à l'époque par certains des meilleurs de l'industrie musicale. Une sorte de randonnée country britannique et au total une tournure délicieuse, un album qui a vraiment tout pour plaire.

Ray Chelstowski

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Your Move (1983)
View From the Ground a ramèné America dans le Top Ten avec l'exquis "You Can Do Magic", l'un des meilleurs hymnes soft rock du début des années 80.
C'était un retour inattendu mais bienvenu pour le groupe, et il semblait qu'il pourrait continuer à enchaîner les succès avec sa suite, Your Move, sorti en 1983.
Cela ne s'est pas avéré être le cas. Your Move est mauvais dès le départ, avec ses rythmes rigides de boîte à rythmes, ses synthétiseurs et sa chanson extrêmement légère, "My Kinda Woman". Les choses s'améliorent un peu avec la douce brise californienne de "She's a Runaway", mais cela s'avère être une anomalie; la majeure partie de Your Move ressemble à "My Kinda Woman" et est tout aussi accrocheuse et mémorable. Il est difficile de dire ce qui est arrivé à Gerry Beckley et Dewey Bunnell, et il ne suffit pas de blâmer Russ Ballard, qui, après tout, livre un disque de soft rock/adult contemporain qui joue avec toutes les règles de la radio de 1983.
Il y a un manque évident d'étincelle dans le matériel, la production et l'interprétation ; seul "The Border", qui est devenu un hit mineur du Top 40, trouve la bonne combinaison, et c'est assez bon pour se classer parmi le meilleur matériel d'América d'aujourd'hui. Malheureusement, il sert aussi à montrer à quel point le reste de l'album est nul.

Stephen Thomas Erlewine