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1963 : Confidentiel
Pas évident de chroniquer le Confidentiel du grand Serge. D’une part, par sa position unique dans la discographie du bonhomme. Après 4 albums couronnés d’insuccès commerciaux, il vit toujours chez ses parents, ayant trop de mal à subsister par lui-même avec les maigres revenus que lui procurent ses disques. S’il a commencé sa mutation vers le commercial en composant un petit succès pour Brigitte Bardot, on ne peut pas vraiment dire qu’il soit un auteur yé-yé. Au contraire, il se complaît dans une musique à contre-courant pour toucher un public intello et rester un artiste en marge, tout en quittant le style rive gauche pour devenir un auteur d’avant-garde. Confidentiel est un album charnière, au style unique mais, comme d’habitude, boudé à sa sortie (mille cinq cents disques vendus). D’autre part, difficile de chroniquer un album qui mérite tous les superlatifs du monde. Ce disque est très certainement l’un des plus réussis de GAINSBOURG : moderne, subtil, intime, intelligent, virtuose.

Lorsque je parlais d’un style unique, voyez par vous-même : un guitariste, un contrebassiste et un auteur interprète. Les deux premiers, Elek Bacsik et Michel Gaudry, sont deux musiciens de jazz extrêmement réputés, virtuoses géniaux par leur technicité et leur swing. Serge GAINSBOURG, lui, modernise encore ses textes, insère sa patte méconnaissable entre mille, mêlant le français aux sonorités anglaises ("talkie-walkie", "Scenic Railway", "No no thanks no"), jouant sur les mots (les doubles mots de "Chez les yé-yé") voire sur les lettres ("Elaeudanla Téitéia"). Soyons donc rassurés : il maintient cette plume virtuose, tantôt mélancolique, tantôt cynique et tranchante.

De cette palette, ne sortent que des perles. "Chez les yé-yé" est une composition majeure où l’auteur attaque cette mode qu’il n’aime pas du tout, et reprend ce thème de manière formidable dans "Le temps des yoyos" (Le temps des yoyos/tourne ses feuillets /Voici au verso/le temps des yé-yés). "La saison des pluies" est un des morceaux les plus beaux (et les plus malheureusement oubliés) que GAINSBOURG ait pu écrire. La guitare de Bacsik sublime cette composition magnifique pour en faire une écoute indispensable à tout amateur de l’auteur, de chanson française ou de jazz. Chaque chanson de ce disque amène son lot de bonnes surprises qu’elles soient dans les mélodies ("Amour sans amour"), dans l’originalité de ses textes ("Elaeudanla Téitéia") ou dans les harmonies ("Scenic Railway").

Avec Confidentiel, Serge GAINSBOURG fait encore un ultime essai d’échapper à la mode yé-yé. Décidé à changer de style, il modernise le jazz de ses premiers disques et compose ainsi un album épuré comme jamais : l’absence de batterie nous permet de nous concentrer sur les trois éléments du disque ; une guitare électro acoustique hors-norme, capable d’enchaîner des rythmiques de jazz et des solos d’une grande complexité, une contrebasse groovy au son chaud et lisse et des textes froids récités d’une voix grave et sombre. On a presque l’impression qu’ils jouent pour nous, qu’ils sont là, à quelques mètres. Cet album est profondément intime, profondément sincère, profondément parfait.

BOMBE_HUMAINE

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Fame and Fortune (1986)
En 1986, Mick Ralphs (guitare) et Simon Kirke (batterie) décident d’enregistrer un disque ensemble et sous la pression de la maison de disque de le sortir sous le nom de BAD COMPANY.
Ils recrutent pour l’occasion Brian Howe au chant (Paul Rodgers n’étant pas libre et ne voulant pas revenir) sur les conseils de la maison de disque avec l’espoir que sa voix plus FM/AOR permette au groupe de retrouver du succès, Steve Price à la basse et Greg Dechert (ex URIAH HEEP) aux claviers. Le groupe rentre au Sol Studio de Jimmy Page avec Keith Olsen (JOURNEY) à la production et Mick Jones (FOREIGNER) va s’occuper du mixage et co-écrire deux titres avec eux.

Quand le disque sort en octobre 1986, la surprise est grande car on est loin du BAD COMPANY d’antan, en effet les claviers de Dechert sont en avant dans le mix et la guitare est quant à elle en retrait. De plus, la voix de Howe rappelle souvent celle de Lou Gramm (FOREIGNER) et même si on se délecte des solos de Ralphs, on reste circonspect devant ce disque. Pourtant l’affaire commence bien avec un très Rock « Burning Up » où l’on découvre la voix de Brian Howe. Puis ça se calme quelque peu avec un bon « This Love » que l’on dirait sorti d’un album de FOREIGNER, avec du sax dans l’intro, joué par Brian Howe lui-même. A noter un superbe solo de Mick Ralphs (une constante sur tout l’album d’ailleurs). Le problème vient de là, on alterne les morceaux Rock (« Burning Up », « Fame And Fortune », « Tell It Like It Is ») et les titres plus FM (« That Girl », « This Love », « Long Walk », « Hold On My Heart », « When We Made Love ») emmenés par la voix de Brian et les claviers de Greg.

Au final, les morceaux ne sont pas mauvais et sont même très bons pour la plupart et nous avons là un très bon disque d’AOR, mais pas un disque de BAD COMPANY. La faute principalement aux claviers envahissant l’album et deux titres qui n’ont vraiment rien à faire sur ce disque (« Hold On My Heart » et « When We Made Love », trop formatés radio). L’album ne marchera pas très fort dans les charts au grand dam d’Atlantic Record. Heureusement, le groupe rectifiera le tir avec l’album suivant.

Petite curiosité, Boz Burrel, bassiste historique de BAD COMPANY rejoindra le groupe à la fin de l’enregistrement ce qui lui vaudra d’être inscrit dans la formation sur la pochette du disque au détriment de Steve Price. Greg Dechert ne fera plus partie de la formation suite à cet album, le groupe décidant qu’il n’a pas besoin d’un clavieriste à plein temps sur scène.

Zepforce

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1983 : All of the Good Ones Are Taken
Au moment de la sortie de All of the Good Ones Are Taken de Ian Hunter en 1983, la carrière de la légende du rock avait survécu à au moins deux tours de vis générationnels. Le premier, alors que Hunter était à la tête des rockers britanniques Mott the Hoople, a eu lieu lorsque la fortune du groupe a été ravivée par la contribution opportune de David Bowie à son hymne de l'ère glam "All the Young Dudes". Après que l'interprétation de la chanson par Mott a connu un succès retentissant en Angleterre et aux États-Unis, le groupe a profité des ventes de disques et de la diffusion à la radio pour connaître un certain succès dans le monde du rock 'n' roll du début des années 70, dominé par le glam. En 1975, cependant, le glam avait disparu et le punk se profilait à l'horizon, tout comme la "New Wave of British Heavy Metal", et Hunter quitta le navire pour se lancer dans une carrière solo.
Le deuxième tournant majeur pour Hunter est venu avec l'acclamation critique et le succès modeste de son quatrième album solo, You're Never Alone With A Schizophrenic, sorti en 1979. Avec le classique "Just Another Night" et le favori des fans "Cleveland Rocks" (qui fut plus tard popularisé par son utilisation comme générique du Drew Carey Show), l'album a atteint le Top 40 aux États-Unis, le meilleur classement de Hunter depuis son premier album éponyme de 1975. Son successeur, Short Back and Sides (1981), a été produit par Mick Jones des Clash et présente un son rock 'n' roll plus agressif, mais n'a pas répondu aux attentes de son prédécesseur ; il a atteint la 62e place du classement des albums du Billboard, mais n'a pas sorti de single à succès et a rapidement disparu de la circulation face à la "nouvelle vague" naissante et à MTV.
All of the Good Ones Are Taken s'est donc avéré être la dernière tentative de Ian Hunter pour décrocher la timbale. Il avait déjà connu le succès auparavant, notamment avec Mott the Hoople, mais la baisse de sa fortune en solo et l'évolution de l'environnement musical ont fait que le musicien a patiné sur une glace mince. Avec un groupe de base comprenant le bassiste Marc Clarke, le guitariste Robbie Alter et le batteur et artiste solo Hilly Michaels, Hunter a enregistré un album qui a souvent été injustement critiqué comme étant en deçà des premiers efforts plus nobles et acclamés de l'artiste. En réalité, si vous appréciez les albums assez cohérents de Hunter dans les années 70 (Overnight Angels mis à part), vous aimerez probablement All of the Good One Are Taken. Mis à part quelques arrangements de chansons maladroits, sans doute conçus pour être diffusés sous l'influence de MTV, et des éléments de production datés et minces dans le style des années 80, les chansons et les performances de l'album tiennent raisonnablement bien la route près de 25 ans plus tard.

Le disque s'ouvre sur la chanson-titre, le genre de rock dylanesque sur lequel Hunter s'est fait les dents, une chanson d'amour érudite qui offre quelques tournures vocales fantaisistes et un refrain contagieux. Elle aurait dû être un grand succès à sa sortie. Taillée dans le même tissu lyrique/musical que des compositions plus connues de Hunter comme "Just Another Night" ou "Once Bitten, Twice Shy", et incluant un solo de saxophone soulful, gracieuseté du E Streeter Clarence Clemons, la chanson devrait être considérée comme faisant partie du canon des grandes chansons de Hunter. Elle prépare aussi parfaitement le terrain pour la majeure partie de l'album à venir.
"Every Step of the Way" est un agréable hard rock à gros sabots, avec un refrain pop et un rythme endiablé, tandis que "Fun" est une chanson plus complexe, avec un horizon musical en perpétuel changement et une identité personnelle quelque peu confuse. Avec des voix de caméléon, des cuivres de big band, des riffs de guitare lourds et un lead strident récurrent qui préfigure les années Miami Vice à venir, s'agit-il d'un rock honnête ou simplement d'une triste relique de l'époque ? Speechless est une autre erreur artistique, avec beaucoup trop de synthétiseurs punchy à la Flock O' Men At Work et le genre d'arrangement à courte durée d'attention qui était de rigueur sur MTV à l'époque. Les voix de Hunter semblent avoir été enregistrées dans une cabine à hélium. À notre époque, la chanson sonne terriblement datée.
Heureusement, All of the Good Ones Are Taken est plus musclé que mou. Commençant par un crescendo de synthétiseurs et de claviers, "Death 'N' Glory Boys" est un grand western spaghetti épique, rempli d'une instrumentation provocante et de l'une des meilleures voix de Hunter. La seule apparition de Mick Ronson sur l'album est la contribution de sa six cordes, qui n'a pas de prix. Sous la voix de Hunter et la grandeur symphonique des claviers, les ponctuations frettées de Ronson ajoutent une dimension éthérée à la chanson. "That Girl Is Rock 'N' Roll" nous trompe avec une intro de synthétiseur à la Huey Lewis & the News avant de s'installer dans un rambler fougueux, teinté de rockabilly, qui aurait parfaitement trouvé sa place sur un des premiers LP de Mott.
La ballade "Seeing Double", influencée par le R&B, bénéficie de l'intro luxuriante au saxophone de Clemons et de quelques chœurs de style Northern Soul, offrant un ensemble de paroles intelligentes et une autre belle performance de Hunter, qui met en lumière la véritable gamme de talents de l'artiste. All of the Good Ones Are Taken se termine par une reprise du titre, renforçant la puissance de l'original tout en prenant une identité propre avec une lecture merveilleusement nostalgique et un arrangement ralenti, presque mélancolique.

Pour quelque raison que ce soit, All of the Good Ones Are Taken n'a pas réussi à capter l'imagination du public qui achetait des disques à l'époque. La faute à MTV, si vous voulez, ou à l'époque étrange du début des années 80 où le punk, la new wave, le rock universitaire et le heavy metal s'affrontaient pour attirer notre attention. Quoi qu'il en soit, après la sortie de l'album et son échec commercial, Hunter a fait une longue pause qui a duré jusqu'à la sortie en 1990 de YUI Orta, une collaboration avec le guitariste Mick Ronson crédité au nom du Hunter Ronson Band.

Rev. Keith A. Gordon

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Buddy Guy & Junior Wells - Play the Blues 1972
"Plays The Blues" est le genre d'album de Blues-Rock qui devrait être plus célèbre - pourtant, même avec des poids lourds comme ERIC CLAPTON, Dr. JOHN et The J. GEILS BAND en tant qu'invités, il a en quelque sorte glissé dans une obscurité injuste. Il est temps de rectifier cela...
Réédité en mai 1992 aux USA sur Rhino R2 70299 (Barcode 081227029920) - le CD est un transfert direct de l'album vinyle 10 titres "Play The Blues" de BUDDY GUY et JUNIOR WELLS sorti pour la première fois en août 1972 des deux côtés de l'étang - Atlantic SD 33-364 (USA) et Atlantic K 40240 (UK) respectivement.
A l'exception de "This Old Fool" et "Honeydripper" qui ont été enregistrés en avril 1972 à Boston - les 8 autres titres ont été enregistrés en octobre 1970 dans les Criteria Studios en Floride (laissés en boîte pendant deux années entières). Coproduit par ERIC CLAPTON, AHMET ERTEGUN, TOM DOWD et MICHAEL CUSCUNA - les sessions ont également vu la participation de J. Geils à la guitare, Magic Dick à l'harmonica et Seth Justman aux claviers - tous des collègues du label Atlantic dans le J. Geils Band.
Eric Clapton joue de la guitare rythmique et du bottleneck avec Dr. John au piano sur 7 des 10 titres - "A Man Of Many Words" (un original de Buddy Guy), "My Baby She Left Me (She Left Me A Mule To Rise)" (une reprise de Sonny Boy Williamson), "Come On In This House/Have Mercy Baby" (deux originaux de Junior Wells), "T-Bone Shuffle" (une reprise de T-Bone Walker), "A Poor Man's Plea" (un original de Junior Wells), "Messin' With The Kid" (une reprise de Mel London), "I Don't Know" (une reprise de Willie Mabon) et "Bad Bad Whiskey" (une reprise de Thomas Davis).

Il s'ouvre en force avec "A Man Of Many Words" et se poursuit ainsi. Rory Gallagher a ouvert son album "Live ! In Europe" LP sur Polydor de 1972 avec "Messin' With The Kid" et une grande partie de "Plays The Blues" a cette même sensation de raucité et de bon temps (malgré ses deux années d'enregistrement torturées). L'excellente combinaison de deux guitaristes différents et l'alternance des voix principales sur chaque morceau donnent à l'ensemble une fraîcheur qui se dégage des morceaux, même aujourd'hui. Ajoutez à cela des musiciens de session complémentaires et vous avez un gagnant.
"Plays The Blues" est un album extrêmement agréable - j'ai usé mon pressage britannique jusqu'à en avoir trop de rayures - et c'est un plaisir de l'entendre sonner de façon si vive sur ce remaster de JOE GASTWIRT.

Mark Barry

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1970 : Barclay James Harvest
Même si BARCLAY JAME HARVEST a souvent été critiqué comme un "Moody Blues du pauvre", ils avaient leur propre style et étaient les meilleurs pour créer de merveilleuses mélodies avec de superbes arrangements ; j'irais même jusqu'à dire qu'à part JUSTIN HAYWARD, BJH avait de meilleurs auteurs-compositeurs que les Moodies.
JOHN LEES et LES HOLROYD avaient également quelques faiblesses dans leur propre écriture qui empêcheront BJH de créer des pièces intemporelles, mais ils en seront souvent très proches. JOHN LEES a essayé trop souvent de prouver tout au long de sa carrière qu'il pouvait écrire des chansons de ''hard rock'' : Soyons honnêtes : il n'a jamais été un "rocker". D'un autre côté, LES HOLROYD n'a jamais essayé d'être plus avant-gardiste, mais malheureusement, en plus d'écrire des chansons merveilleuses, il pouvait aussi écrire des ballades non-descriptives, complètement fades et sans mélodie.

Cependant, avec ce premier album, l'auto titré BARCLAY JAMES HARVEST, l'architecte principal du groupe était alors le claviériste WOOLY WOLSTENHOLME qui se trouvait être le gars le plus prog des 4 membres, malheureusement, son influence au sein du groupe diminuera plus tard lorsque BJH redressera son son.
C'était une décision audacieuse de sortir un premier album aussi ambitieux avec un orchestre complet. Les MOODY BLUES l'ont fait avec succès avec ''DAYS OF FUTURE PASSED'', mais il n'y a qu'UN seul ''Nights in White Satin''.
Pour jouer la carte de la sécurité, chaque face du LP s'ouvre sur un single potentiel avec les rocks psychédéliques aux harmonies beatlesques TALKING SOME TIME ON et GOOD LOVE CHILD. Même si ces deux chansons n'ont pas été classées, elles sont un plaisir à écouter, en particulier TAKING SOME TIME ON avec ses solos de guitare frénétiques et ininterrompus. Des chansons qui sonnent définitivement fin des années 60 mais qui restent remarquablement fraîches à mes oreilles.
Chacun de ces rocks est suivi par deux douces ballades envoûtantes avec mellotron et tout le reste, " MOTHER DEAR " et le magnifique " THE IRON MAIDEN " toujours joué en concert de nos jours par JOHN LEES et WOOLY WOLSTENHOLME dans leur version BJH. Notez que la vierge de fer était un instrument de torture médiéval et n'est pas une référence au groupe de hard rock dont les membres étaient encore à l'école à cette époque (1970).
Le grand orchestre peut être entendu sur ces deux magnifiques morceaux symphoniques THE SUN WILL NEVER SHINE et le meilleur de l'album, le magnifique WHEN THE WORLD WAS CHOSEN, la seule composition de HOLROYD ici, mais quelle chanson ! C'est ce genre de chanson qui me fait aimer la musique prog, et mieux encore, qui me fait aimer la vie, car vous vous demandez comment certains musiciens peuvent créer des joyaux aussi magnifiques qui peuvent transmettre la joie, le bonheur et le bien-être au plus profond de vous. THE WORLD WAS WOKEN est tout simplement une beauté, que seuls quelques artistes peuvent créer et BJH en créera d'autres à l'avenir. Quand BJH est bon, il n'est pas seulement bon, il est génial.
L'album se termine par une épopée de 12 minutes, le majestueux DARK NOW MY SKY, un magnifique mélange musical entre le groupe et l'orchestre, l'un n'écrasant pas l'autre. Il suffit d'écouter la section rythmique hypnotique de HOLROYD et PRITCAHRD accompagnant l'orchestre, c'est tout simplement divin. Malheureusement, ce fut leur première - et dernière - épopée de plus de 10 minutes.

Cet album n'a pas encore le son ''classique'' de BJH car HOLROYD n'a pas encore trouvé sa voix et JOHN LEES ne fait que jouer de la guitare alors que le chant vient de WOLSTEMHOLME. Cela ne devait pas durer car bientôt LEES et HOLROYD se partageront l'écriture et chanteront leurs propres compositions tandis que le rôle du claviériste diminuera peu à peu.
Ce premier album de BJH n'est pas vraiment représentatif de leur carrière, mais c'est un magnifique enregistrement audacieux, un joyau unique que je chéris depuis 35 ans et que je chérirai pour le reste de ma vie. Si vous vous demandez comment la musique peut être si belle parfois, il vous suffit d'écouter cet enregistrement. Un must...

febus

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2003 Areknamés
Areknamés est, comme son nom ne le laisse pas supposer, une formation italienne qui sévit dans le rock progressif sombre. Ce trio italien sort ici un premier album qui force le respect par une maîtrise musicale que l'on attend généralement de musiciens plus aguerris.

Dès les premières notes de claviers de "A day among four walls" l'influence de Van Der Graff Generator est évidente et elle colore la totalité des compositions. Le chant est dans le registre de Peter Hammill, les nappes de clavier vont du murmure planant aux envolée rageuses, soutenues dans les temps forts par une guitare ronflante. Du pur VDGG des 70's !
Autant le dire tout de suite, je ne suis pas du tout fan de la bande à Hammill et Areknamés arrive à me séduire là où VDGG me lassait par des dérives trop subtiles pour mon entendement de progueux orienté Genesis.
Les amateurs de rock progressif psychédélique sombre avec crise de folie ne seront pas déçus pour autant, les titres sont tous plus ou moins marqués par quelques délires; vers le premier tiers pour "Season of death", dès les premiers accords pour "Boredom". Ce qui me plait le plus dans cet album, c'est le son rocailleux de la guitare lorsque la musique part vers des violences teintées d'Atomic Rooster, comme dans la deuxième partie de ce "Boredom" qui se révèle être une composition puissante.

Il n'y pas à mon goût de titre qui ressorte vraiment et pourquoi ne pas prendre le dernier (Grain of sand lost in the sea) pour illustrer mon propos. Démarrant sur une ambiance planante (un peu de King Crimson ?) le morceau s'envole puissamment avec les ronflements de guitare puis dérive sur un motif quasiment néo-prog (notez le petit coup de clavecin en passant) puis retourne vers le sombre et le planant. Toute la créativité débridée des grands précurseurs se retrouve dans la musique d'Areknamés.

Ce disque va peut-être permettre d'approcher le monde de VDGG et je conseille à tous les amateurs de ce genre musical de prêter une oreille attentive à ce trio italien qui devrait sortir bien vite de l'anonymat.

musicwaves

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Floating World (1974)
Floating World est sorti à l'origine en 1976. À l'époque, il y avait très peu d'antécédents, bien que la publication de leurs deux albums perdus en 1998 ait montré que le groupe avait travaillé sur certaines idées auparavant. Il est largement considéré comme l'un des premiers enregistrements de world music. En effet, ses influences et son instrumentation sont très diverses, mais le tout devient une longue pièce fluide qui, malgré les éclats sonores occasionnels, est étonnamment cohérente. Les morceaux individuels sont facilement repérables et titrés, mais l'ensemble fonctionne comme une suite de sections multiples et souvent contrastées.
Duhig et Field jouent tous deux de nombreux instruments différents, et il y a une foule de musiciens invités. Il s'agit véritablement d'un enregistrement en studio, et je n'ai pas connaissance d'une quelconque tentative de recréation sur scène.

L'album s'ouvre sur un morceau qui met de l'ambiance, intitulé Clouds, qui est brisée par l'explosion sonore caractéristique de Jade Warrior. L'auditeur est bercé dans une ambiance calme pendant une brève période, puis réveillé brusquement. JW utilise depuis longtemps ce genre de méthodes, et ceux qui connaissent leur musique ne devraient donc pas être surpris. Je pense qu'il s'agit en fait d'une sorte de zen, d'une interprétation musicale du satori, qui arrive comme un éclair dans un ciel bleu clair.
Nous avons ensuite droit au jam jazzy de Mountain of Fruit and Flowers, un réenregistrement de l'un des morceaux perdus pendant des décennies à la suite de la disparition de Vertigo.
Il est suivi par le doux Waterfall, qui se faufile et se promène. Superbe guitare acoustique de Tony !
Un peu de bruit bizarre mène à Red Lotus, l'un des morceaux les plus puissants de JW. Cette chanson est puissante et majestueuse, elle va crescendo et s'achève sur une section de flûte assez magique. À ne pas manquer !
La deuxième face originale s'ouvre comme la première avec une autre version de Clouds. Ensuite, nous avons deux morceaux calmes, Rainflower et Easty, où Duhig introduit un magnifique son de guitare et un style qu'il utilisera fréquemment dans ses enregistrements ultérieurs. Ce style est déjà présent dans les enregistrements précédents, mais ici il l'a perfectionné. Le son est multicouche, mélodique et évoque les nuages lointains à l'horizon de la mer.
Puis vient Monkey Chant. Vous n'avez rien entendu avant d'avoir entendu Monkey Chant. Ce morceau est basé sur le véritable chant des singes interprété par les villageois balinais. Le chant lui-même est un exercice d'unité et n'est chanté que par des hommes. Le film Baraka le décrit brièvement et je vous recommande vivement de le voir. Outre le chant des singes, c'est un film magnifique. Donc, en plus du chant balinais, qui a ses propres rythmes et tropes uniques, une fois entendu il ne peut être oublié, nous avons une séquence très dynamique d'explosions sonores de JW et une guitare solo incroyablement ardente de David Duhig, ancien élève de JW et frère de Tony Duhig. Tout comme le chant original, ce morceau ne peut être oublié une fois entendu.
Un morceau plus calme, Memories of a Distant Sea, suit, et nous en avons besoin. Le titre est tout à fait approprié.
L'album se termine par Quba, un morceau qui résume une grande partie de ce que nous avons déjà entendu. La fin dramatique et les brèves paroles prononcées par une femme clôturent l'album.

Le voyage musical est terminé. Il n'est pas nécessaire d'en dire plus, mais j'ai encore un petit mot à dire. Mon éloge de Duhig peut donner l'impression qu'il est la force principale de l'album, mais ce ne serait pas le cas. Il y a de nombreuses couches à la musique ici, et pour chaque rôle principal, il y a d'innombrables rôles secondaires. Duhig ne prend pas non plus toutes les initiatives. Jon Field est tout aussi souvent au premier plan. Nous pouvons affirmer sans crainte que cette version de Jade Warrior est le fruit d'une collaboration et qu'aucune des deux personnes ne joue un rôle prépondérant par rapport à l'autre.
Floating World est un véritable chef-d'œuvre, qui transcende les genres et défie toute description. Bien sûr, on peut qualifier telle section de rock, telle autre de jazz, ou telle autre encore, mais appliquer ces descriptions à l'ensemble de l'album serait lui faire subir une énorme injustice. Si le même arrangement guitare-clavier-basse-voix vous ennuie, essayez ceci. Ici, les instruments sont utilisés uniquement pour générer un son et une sensation particuliers. C'est la musique dans ce qu'elle a de meilleur, au-delà de tout type.
Après des décennies d'écoute de cet album, j'y trouve toujours de nouvelles dimensions et caractéristiques. Quel plus bel éloge que celui-là ?

Progosopher

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1964 : Gainsbourg Percussions
Faisons un bref résumé de la carrière du Serge GAINSBOURG de 1964. Après 4 albums de jazz réussis mais sans succès, il tente de survivre en composant des chansons faciles pour la nouvelle génération yé-yé. Succès efficace, surtout grâce à la présence de la jeune France Gall, qui le sauve littéralement. Il devient un compositeur de plus en plus demandé, aux mélodies faciles et accrocheuses mais aux paroles opposées à la légèreté symbolique de l’époque ; Serge GAINSBOURG écrit, comme toujours, des paroles pessimistes et cyniques ("Laisse tomber les filles") qui prennent une autre dimension dans la bouche de la petite blonde. Sa carrière personnelle, elle, est toujours aussi décalée : son album précédent, Confidentiel a été un bide de plus et sur scène, il est toujours aussi seul.

Arrivé à ce stade, Lucien Ginsburg tente, une fois de plus, de changer de style et désire se tourner vers un genre absolument unique. C’est dans cette mentalité qu’il cherche du côté de la musique africaine pour composer Percussions. Si Confidentiel évoquait déjà le minimalisme (guitare, basse, voix), Percussions ramène la musique à son essence-même : la rythmique. Comme le nom l’indique, la plupart des morceaux reposent sur la seule rythmique complexe des percussions auxquelles se greffent la voix de Serge (qui mûrit sans arriver à s’affirmer) et des chœurs faussement africains (il a fallu expliquer à ces françaises comment chanter aussi aigu). Certains morceaux amènent également un instant de fraîcheur, grâce à l’apport du saxo, du clavier ou de la contrebasse qui fournissent quelques chansons de jazz, indispensables pour rafraîchir le disque.
Ce drôle de mélange donne parfois lieu à des morceaux très réussis. Tout d’abord, le culte "Couleur Café" qui ne l’était pas tant à l’époque (ce fut un petit succès d’estime). Le chant de Serge s’avère joueur et agréable, le refrain reste collé au cerveau pendant des heures, les paroles imagées et bourrées de métaphores sont sublimes. Une seule écoute suffit à comprendre qu’un tel niveau de qualité a rarement été égalé dans sa carrière. Au rang des jolies surprises, "Pauvre Lola" au gimmick de guitare efficace, les rires de France GALL, la mélodie enjouée ; le très moderne "New York USA" à la rythmique d’enfer. D’autres morceaux sont également très plaisants mais respectent moins le code naturel de l’album : les "Sambassadeurs" n’est pas africain, mais sud-américain (ce qui ne nous empêche pas de prendre plaisir à l’écouter et à frissonner à la fin de la chanson) ; "Coco & co" à l'introduction sublime est un morceau typique de boîte de jazz, très cool et groovy ; mais aussi la superbe "Ces petits riens" qui sera souvent reprise par la suite, petit trésor de l’album.
Cependant, il arrive que la mayonnaise ne prenne pas comme en témoignent "Joanna", "Là-bas c’est naturel" ou d’autres encore. La faute à un manque cruel d’harmonies (je sais 'c’est le but de l’album' mais ça convient très moyennement aux voix et aux textes de Gainsbourg). La faute aussi à certains arrangements un peu faiblards et à certains manques d’inspiration ("Marabout").

Percussions n’est pas le meilleur GAINSBOURG (il n’est pas le pire non plus). Certains l’adoreront et aduleront son caractère absolument unique dans sa discographie (et très rare dans la chanson française). D’autres le détesteront pour son ambiance décousue et ses faiblesses harmoniques. D’autres encore, comme moi, sauront reconnaître la qualité de certains titres disséminés dans d’autres plus dispensables. Une chose est sûre : Percussions, à l’instar de l’album précédent, est le témoignage direct et pur d’une idée magique et instantanée, d’une ambition musicale, d’une volonté d’enrichir le paysage culturel français. Le symbole d’une curiosité artistique. Il n’a jamais fait, et ne fera jamais, comme les autres.

BOMBE_HUMAINE

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Dangerous Age (1988)
Deux ans après l’échec de Fame And Fortune, BAD COMPANY remet le couvert mais décide cette fois de revenir à un son plus Rock et moins FM. La première surprise de cet album est à mettre au niveau des crédits, car si sur l’album précédent Mick Ralphs avait écrit plus de la moitié de celui ci, ici il participe beaucoup moins (4 titres sur 11 ) laissant les commandes de l’album à Brian Howe et Terry Thomas et le moins que l’on puisse dire c’est que ces deux là se sont bien trouvés. C’ est Terry Thomas qui produit l’album et qui s’occupe aussi des parties de claviers et de quelques parties de guitares également. Un petit mot sur la production, celle-ci est excellente avec un gros son de guitare, une batterie qui claque et très, très peu de clavier,le jour et la nuit avec l’album précédent.

On attaque très fort avec « One Night », gros riff, rythmique lourde, gros son, prestation vocale au top (même si la voix rappelle toujours Lou Gramm de FOREIGNER). Excellent début d’album. Puis on se calme un peu avec un remuant « Shake It Up » emmené par un Brian Howe en grande forme et un refrain qui tue. Ensuite un morceau lourd et envoutant avec « No Smoke Without Fire », un « Bad Man » entrainant, un « Dangerous Age » décapant, un « Dirty Boy » rappelant un chouia « One Night », un excellent « Rock In America », riff à la AC/DC, refrain à chanter à tue-tête sous la douche,le poing levé. Un slow, « Something About You », suis ce déferlement, morceau plutôt réussie avec un solo magique de Mr Ralphs. L’album se termine avec « The Way That It Goes », mid tempo sympa, « Love Attack » gros riff, rythmique de plomb et le plus rapide « Excited » ideal pour terminer l’album. A noter que c’est à nouveau Steve Price à la basse (pas rancunier) qui a repris son poste suite au départ de Boz Burrel.

Au final, tout l’album est du même tonneau, la guitare est reine sur tous les titres, que se soit en rythmique ou en solo (et c’est pas ce qui manque sur ce disque). Le groupe a bien pris en compte les erreurs de l’album précédent, ici pas de clavier envahissant, pas de ballade mièvre. Que du bon gros Hard Rock qui tape, emmené par un Mick Ralphs étincelant de classe et de feeling et un Brian Howe monstrueux vocalement qui amène une touche plus mélodique à l’ensemble.

Zepforce

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1996 : The Artful Dodger
Après être revenu à la musique en tant que "groupe" sur Dirty Laundry suite au décès de son meilleur ami et collaborateur, Mick Ronson, Ian a sorti un album qui n'appartient qu'à lui. Artful Dodger est l'album le plus contemplatif et le plus doux d'Ian depuis All American Alien Boy.

L'album commence par le décontracté Too Much, une chanson sur la douleur de l'amour et le désir non satisfait, réalisant finalement qu'il n'est peut-être pas assez bien pour elle. Il est suivi de Now Is The Time qui contient la première des nombreuses références à Ronson tout au long de l'album. "Mais le tueur va me manquer avec un baiser. C'était un de mes amis." tout en nous rappelant de vivre le présent. La troisième chanson, Something To Believe In, complète la trilogie de la récupération émotionnelle. Il contient l'autodérision classique de Hunter "Je n'étais pas à la hauteur mais j'étais tout ce que j'avais pour continuer." tout en nous rappelant "Vous devez avoir quelque chose en quoi croire."
Le morceau le plus remarquable est l'élégie d'Ian à son ami décédé, Michael Picasso. Cela vous arrache le cœur en écoutant Ian exprimer son chagrin. "Tu adorais notre maison. Tu as dit que c'était relaxant. Maintenant, je marche dans les endroits où tu marches. Je parle dans tous les espaces où tu parles. Je n'ai toujours pas compris."
Il y a quelques rocks qui accélèrent un peu le rythme. 23 A Swan Hill, à propos de la maison d'enfance de Ian, et Artful Dodger rebondit bien.
Aucun album de Hunter n'est complet sans un peu d'humour, et Skeletons (In Your Closet) est à la hauteur. Resurrection Mary est une chanson-histoire sur un fantôme qui hante un cimetière. Seul Ian peut transformer une telle histoire en une ballade captivante.

Avec The Artful Dodger, Ian est encore en train de faire son deuil, tout en livrant un superbe ensemble de chansons qui préparent le terrain pour le reste de sa carrière.

Ian At His Best

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Angra - Fireworks (1998)
Le trait épais, la critique de "Fireworks" se résumerait à l'idée d'un retour en arrière et d'une baisse d'inventivité. Moins riche et moins original dans bien des sens que "Holy Land", le troisième album d'ANGRA a étonné, déçu et conduit au split. Et hop, on fait un petit historique de la situation du groupe en 1998, on évoque brièvement son passé, on raconte le fameux split, on lance trois mots sur SHAAMAN, on parle vite fait de deux, trois titres du disque choisis en partie au hasard, on file 3 étoiles histoire de rester dans une neutralité de bon aloi et on se barre.

Mais si l'on se sent porté par une volonté d'analyse plus féconde, on voit évidemment plus. Et on s'aperçoit finalement assez rapidement que "Fireworks" constitue un ouvrage volontaire, bien plus ambitieux qu'il n'est souvent dit ici et là, peut-être même plus créatif qu'on a pu l'entendre lors de l'arrivée de l'objet dans les bacs.
Comparaisons faciles mais essentielles à la bonne perception de "Fireworks" et au déboulonnement de l'hypothèse du retour en arrière. Le disque ne ressemble guère à son prédécesseur. Ce qui passait pour de l'exotisme, qu'il soit conceptuel ou musical, aux yeux du public européen a été simplement effacé, l'atmosphère s'est alourdie. Quand aux trois notes de clavecin et aux quelques cordes pompeuses, elles ne suffisent absolument pas à rapprocher cette galette de "Angels Cry". Et si le maillage de "Holy Land" se trouvait légèrement moins serré en raison de l'accueil de l'exotisme que je viens d'évoquer, Le canevas speed mélodique reste similaire sur les trois opus. Bien difficile alors de déterminer une quelconque règle dans l'évolution d'ANGRA. Et, pensez-vous donc, un retour en arrière…Rien chez la formation brésilienne ne semble jamais gravé dans le marbre sinon la volonté sans cesse renouvelée d'éviter les lignes droites…et les virages à 180 degrés.

"Fireworks" est finalement tellement différent de tout ce qu'ANGRA a pu proposer auparavant. Il l'est dans la production, plus sombre et heavy. Et quand le succès commercial de "Holy Land" a permis d'embaucher un véritable orchestre, la sagesse le fait s'asseoir au deuxième rang afin qu'il ne vole jamais la vedette au metal, véritable star de l'album. Il l'est dans la voix de matos qui en a fini de ses démonstrations aussi convaincantes techniquement que musicalement épuisantes. Le chanteur se pose et beaucoup apprécieront sa nouvelle maîtrise de soi. Il l'est dans les riffs et dans son speed mélodique, devenu déviant, qui emprunte à tous les styles et qui perd consécutivement en vitesse et en HELLOWEENitude.

On sait les fans d'ANGRA intelligents et ouverts, alors pourquoi sommes-nous ici en présence de l'ouvrage le plus déprécié du combo ? La réponse ne viendrait-elle pas des compositions elles-mêmes, prises une par une en faisant fi de toute appréciation globale de l'opus ? Le solo d'introduction de "Petrified Eyes" ne causerait-il pas un malaise et ne paraîtrait-il pas totalement déplacé ? "Paradise" ne pâtirait-il pas d'un refrain peu enlevé ? "Speed" ne ressemblerait-il pas trop à un simple exercice de style tristement convenu ? Ces questions ne conduisent même pas à une réponse évidente. Car "Fireworks" résiste trop bien à la dialectique, il faut le tacler plus brutalement et de front. "Fireworks" donne un plaisir d'écoute limité, et si l'on peine à démontrer cet état de fait par une analyse purement logique, on ne peut pourtant en conclure qu'une seule chose :
"Fireworks" a déçu, déçoit et décevra. Un peu, jamais trop compte tenu de l'arsenal bien fourni de qualités objectives. D'où cette note médiane, toute en neutralité indulgente.

POSSOPO

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1971 : Once Again
Barclay James Harvest est assez difficile à évaluer en termes de Prog Rock, car bien qu'ils aient indubitablement la "Vibe", et avec Robert Godfrey (plus tard de The Enid) derrière les boutons, le sentiment général de "Once Again" est d'une grâce majestueuse - en réalité, tout ce que BJH a fait était d'écrire beaucoup de très bonnes chansons (et quelques bêtises).

Ce n'est pas un album pour ceux qui souhaitent être défiés par la musique, c'est un album pour ces moments de relaxation profonde et de transport dans un monde d'oreiller de sonorités douces et magnifiquement mélancoliques.
Mettez-vous dans le bon état d'esprit, allongez-vous et profitez de cette musique sublime et riche, empreinte de nostalgie mélancolique. Cet album vous coupera le souffle, car il s'agit de l'une des plus belles réalisations de Barclay James Harvest.

On remarque immédiatement l'aspect nostalgique de la production, avec des lavages de Mellotron, alors que BJH se lance directement dans le très beau et douloureux "She Said". La voix ressemble à s'y méprendre à celle de Justin Haywards et les solos de guitare parfaitement mélodiques accentuent l'aspect dramatique de la musique. En dessous, Mel Pritchard joue avec des motifs de batterie qui parviennent à créer un maelström tourbillonnant de continuité et de construction sensible.
Tout retombe sur un magnifique petit passage de mellotron, faisant écho au thème principal et développant doucement le matériel, dans ce qui pourrait vaguement passer pour une manière symphonique. Je ne vois personne jouer de la flûte à bec, mais il y en a certainement une quelque part... On passe ensuite à ce qui pourrait être considéré comme un deuxième mini pont, avec plus de solo - un peu moins concentré au début, mais il trouve bientôt les notes aiguës et laisse éclater son bébé avant que le chœur ne revienne.
Dans l'ensemble, la construction de ce morceau ressemble beaucoup à "In The Court...", mais BJH n'a pas la musicalité nécessaire pour explorer la musique aussi complètement que KC - et le morceau finit par ressembler plus à une ballade qu'il ne le devrait peut-être. Cependant, il s'agit là d'un élément fondamental du son de BJH, et il est tout à fait magnifique en soi.
"Happy Old World" est curieuse à cause du refrain, qui rompt la mélancolie glaçante des couplets, à l'exception de la voix, ce qui lui enlève toute la sincérité - ou plus probablement l'ironie - qu'elle aurait pu avoir autrement.
Ce point (non négligeable) mis à part, il y a de merveilleuses textures ambiantes à l'œuvre dans les couplets qui valent la peine d'être un peu froissées dans le refrain. Le burn out est particulièrement beau, bien que beaucoup trop court, avec une ligne de piano délicate qui se faufile entre les autres sons de clavier chatoyants et le jeu de batterie quasi-jazzy de Pritchard.
"Song For Dying" est un classique de BJH, avec une puissance et une dramaturgie réelles dans l'écriture du morceau... et quelques flous assez douloureux à la guitare. Les couplets au piano ont une saveur vaguement Beatles, et seul BJH peut faire sonner mélancoliquement une série d'accords majeurs. Les harmonies vocales et le Mellotron, ainsi que les lignes de basse en marche qui alimentent le fondu à la fin, sont d'une dynamique et d'une émotion magistrales.
"Galadriel" complète agréablement la première face du vinyle, avec une intro à la guitare pincée, le Mellotron et les cordes conduisant une mélodie en arc de cercle qui résonne avec l'âme. Je trouve les trompettes dans le soutien orchestral un peu déconcertant au début, mais l'orchestration en général est magistrale, et bien au-delà du désordre sans enthousiasme qui accompagne " A Question of Balance " des Moodies.
La face 2 démarre avec le meilleur morceau de l'album - et l'une des meilleures chansons de tout le catalogue de BJH.
"Mockingbird" est une chanson que vous devez écouter, Proghole !
L'orchestration de Godfrey est hors du commun, Holroyd compose l'une des plus belles mélodies de tous les temps, et ce burn-out est un chef-d'œuvre en soi. Cette chanson est un chef-d'œuvre du Prog Rock, même si l'album dans son ensemble ne l'est pas.
"Vanessa Simmons" est une sorte de point bas en termes de Prog - c'est juste une petite chanson acoustique inoffensive, et certainement pas le point le plus bas de cet album... Elle s'intègre bien - ce n'est certainement pas "No Fool Me", mais elle est agréable, relaxante et fait partie du paysage sonore de BJH.
"Ball and chain" est plus proche de la réalité - elle semble s'inspirer vaguement de la chanson de Janis Joplin et est intéressante pour cette raison, tout en étant une composition très intéressante, avec plus de dynamisme et de ROCK que les morceaux précédents. Le chanteur montre qu'il peut aussi bien jouer du blues que de la mélancolie, il y a de belles lignes de basse qui marchent, beaucoup d'espace dans les arrangements et de belles séances d'entraînement à saveur de blues, avec le son caractéristique de BJH qui ressort fortement.
"Lady loves" conclut l'album, avec une saveur particulière de country et de western... Bien que je ne sois pas un fan de C&W, je suppose que cela montre que BJH expérimente des styles différents...
C'est ici que j'arrête normalement l'album, car " Lady Loves " est assez horrible, à mon avis, et dérivé de plusieurs chansons que je pourrais énumérer, mais je ne le ferai pas, car j'ai radoté trop longtemps comme d'habitude, et cette chanson ne vaut pas la peine qu'on s'y attarde.

En résumé, un grand album de Prog un peu simpliste mais avec une écriture et des arrangements tout à fait magistraux, déçu par un dindon de la farce et quelques défauts dans d'autres chansons.
Ces autres défauts peuvent être considérés comme les défauts d'un diamant, cependant, et vous pouvez toujours appuyer sur "stop", ou programmer la dernière piste...

Certif1ed

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2008 Love Hate Round Trip
De par la nature même de la "scène" du rock progressif, vous rencontrez de nombreux groupes classés comme rétro, et en gros par "rétro" les gens veulent dire "ça sonne comme Genesis". Cette simplification de la description ne rend pas justice à la variété de la musique progressive réelle de l'époque.
Areknamés est un groupe qu'il est juste de qualifier de rétro. Plus que juste. Il s'agit d'un quatuor composé des compositions du claviériste et chanteur Michele Epifani, amoureux de la musique des années 70 et du matériel analogique utilisé pour la fabriquer. Mais c'est un matériau plus sombre; pas un bouffon en vue, et si l'un d'entre eux se montrait, le clip vidéo consisterait en lui à être poursuivi à travers les bois au crépuscule et exécuté à la Blair Witch.
Le livret mentionne de nombreuses inspirations obscures parmi les meilleurs groupes « proto-prog » tels que 2066 and Then, Second Hand, East of Eden, Cornucopia, etc. L'influence la plus apparente, cependant, est Van der Graaf Generator, à la fois parce qu'Epifani ressemble beaucoup à Peter Hammill, et parce que de nombreux riffs ont cette qualité de pulsation impaire qui a fait des morceaux tels que "Lemmings" et "Scorched Earth". ” si unique à ce groupe.
L'absence de saxophone et l'ajout de somptueuses portions de Mellotron et de guitare solo changent légèrement la saveur, au moins suffisamment pour ne pas rendre cela redondant. Gothique, anguleux et juste assez différent, Areknamés vaut la peine d'être exploré.

Sean McFee

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Waves (1975)
Waves est le deuxième album de Island et l'une des principales raisons de la controverse suscitée par l'anthologie Elements. L'album commence par des percussions très calmes, contribuant à créer une atmosphère de pays exotique lointain. Il se termine par le grondement d'une grande vague qui s'amplifie lentement. L'anthologie Elements a supprimé les oiseaux et les percussions pour des raisons d'espace. Le groupe n'était pas satisfait de ce choix, car cette omission modifie toute l'ambiance. Il s'agit néanmoins d'un excellent album dans l'ensemble et toute personne ne connaissant pas l'original ne remarquera probablement rien d'anormal.
Waves diffère de son prédécesseur, Floating World, en ce qu'il est organisé en deux suites étendues, toutes deux d'une durée de plus de 20 minutes sur la version originale, plutôt qu'en une série de morceaux individuels enchaînés l'un à l'autre.
Il s'agit donc d'un album plus cohérent, bien qu'il couvre également toute la gamme des styles de JW. On y trouve du jazz acoustique, des sections ambiantes flottantes, ainsi que des sections plus rock. À première vue, l'album ressemble beaucoup au précédent, mais l'accent mis sur le rythme le différencie. En fait, certaines sections de l'album sont tout simplement groovy, comme on ne l'a jamais vu sur aucun autre album de JW. L'accent est également mis sur la mélodie. Celle-ci, associée aux rythmes forts, rend l'écoute plus mémorable. En d'autres termes, là où Floating World ne faisait que flotter, Waves avance délibérément, tantôt doucement, tantôt avec puissance.
Le groupe se compose à nouveau de Tony Duhig et Jon Field, qui jouent tous deux d'une variété d'instruments en plus de leur guitare habituelle et de leur flûte/percussion, respectivement. La nature rythmique met en avant le talent de musicien de Jon Field. Ses flûtes sont très mélodiques et rehaussent les rythmes. Plus encore, presque toutes les mélodies principales renforcent les rythmes.
L'album est donc un travail très solide. D'autres musiciens apparaissent, et non des moindres, comme le frère de Tony, Dave (encore lui) à la guitare solo dans une section et Steve Winwood au moog et au piano, tout au long de l'album. Graham Morgan apparaît également à la batterie. À part cela, Field et Duhig poursuivent ce qu'ils ont commencé lors de leur premier album sur Island : utiliser des instruments pour générer des sons particuliers et ne pas se reposer sur les mêmes arrangements et orchestrations. Le rôle de Winwood mérite une mention spéciale. Il est devenu un champion pour le groupe et a joué un rôle déterminant dans l'obtention de leur contrat avec Island Records. Bien qu'il ne soit pas mentionné en tant que tel, je pense qu'il a participé à la production.

La première partie commence par le mouvement lent et puissant d'une vague en eau profonde et se termine par un groove léger et délicieux. Entre les deux se trouve l'une des meilleures musiques de JW à ce jour. La vie est belle. La deuxième partie commence par un oiseau et une courte session de tambour très calme, une reprise de l'ouverture éditée de la première partie. Un crescendo montre que la terre lointaine se réveille à nouveau, peut-être après une sieste de l'après-midi. La pièce maîtresse de la deuxième partie est le groove puissant que je décris dans le paragraphe suivant. Mes deux sections préférées sont la partie I, commençant à 15:50, qui dure quelques minutes pour clore la première suite, et la partie II, commençant à 4:50, qui dure plus de six minutes. Chacune de ces sections représente ce que l'album a de mieux à offrir en termes de rythme et de mélodie. La section de la deuxième partie commence par un carillon et une guitare douce avant de passer à des accords inquiétants pour préparer le terrain, puis à un groove puissant avec Dave Duhig et sa féroce guitare solo. La guitare rythmique de Tony Duhig fait vraiment bouger les choses. Lorsque les flûtes rythmiques de Field entrent en scène, la section est en plein groove. Winwood joue un chouette solo de moog. La musique se calme et nous sommes dans des eaux plus douces. La musique passe par un certain nombre de sections positivement charmantes, magnifiquement enchaînées, et se termine sur une note spatiale inattendue. L'atmosphère exotique demeure, mais c'est la tombée de la nuit et non le lever du soleil. C'est comme si nous avions passé une journée sur une île tropicale quelque part. La vie est toujours belle.

Waves porte bien son titre, comme nous l'avons suggéré plus haut. Chacune des deux parties passe d'une section à l'autre assez gracieusement, même si elle est parfois un peu abrupte. Le concept de fluidité rythmique est au cœur de l'enregistrement. En fait, je ne pense pas avoir jamais utilisé ce mot aussi souvent dans une critique. Les explosions sonores de la marque JW sont ici adoucies et fonctionnent comme des crescendos plutôt que comme des éruptions. Avec sa construction en deux longues suites, son accent sur le flux, et la solide cohésion entre le lead et le rythme, Waves est peut-être l'album le plus cohérent et le plus solidement construit de tous les albums de Jade Warrior.
Pour moi, il est à la hauteur de son prédécesseur sur Island (ce qui signifie aussi qu'il est très différent de la première phase du groupe avec Glyn Johns), et signifie que le groupe a atteint un nouveau niveau.
À ne pas manquer.

Progosopher

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1968 : Initials B.B.
Cher lecteur, chère lectrice. Avant de démarrer la chronique proprement dite, je suis dans l’obligation de raconter la petite histoire de Serge GAINSBOURG entre la parution de son dernier album en 1964 et celle de cette fausse compilation datant de 1968. Nous retrouvons notre cher compositeur fatigué de sortir des bides en tant que compositeur-interprète. A côté de ça, lorsqu’il compose pour d’autres artistes, ce sont des succès : Michèle TORR, REGINE, Brigitte BARDOT, Pétula CLARK, même Claude FRANCOIS. Il va jusqu’à écrire huit tubes en un an, le record revenant évidemment à France GALL qui termine première au concours de l'Eurovision avec un "Poupée de cire, poupée de son" en qui personne ne croyait mais qui se fout également un peu la honte avec l’ambiguïté géniale des "sucettes". Gainsbourg, qui constate l’évolution constante des BEATLES, des KINKS ou des STONES, laisse définitivement tomber ses ambitions majeures, retourne sa veste et part en Angleterre en 1965 pour y enregistrer un E.P. Pour la première fois, ses morceaux fonctionnent. Pour cela, il amène les riffs de guitare, l’orgue hammond : avant-gardiste, il invente la pop française et intègre la communauté de Salut les Copains. Il compose un deuxième E.P. en 1967, reprenant sensiblement les mêmes ingrédients. De retour à Paris, il vit une idylle passionnée et passionnante avec Brigitte Bardot, pour qui il compose en une nuit "Bonnie and Clyde" et le sulfureux "Je t’aime moi non plus", bloqué à sa sortie par la sex-symbol suite à une demande de son mari, et qui ne sortira pas avant 1986. La séparation du couple est définitive.

Cet album, Initials BB, est en réalité un recueil des deux E.P. auxquels sont ajoutés "Bonnie and Clyde" et une troisième série d’enregistrements de 1968. C’est donc un album presque mythique, représentatif du début de la période pop de GAINSBOURG qui durera encore quelques années et à laquelle il donne ses titres de noblesse dès 1971.
On sent d’ailleurs une évolution dans ses compositions : le premier E.P. est représenté par des morceaux simples et efficaces, rapides et survoltés, à l’apparence facile et très mélodiques, dans le plus pur style britannique ("Qui est in, qui est out ?", "Docteur Jeckyll & Monsieur Hyde", "Shu ba du ba loo ba" et "Marilu"). Le deuxième E.P. conserve la même fraîcheur tout en sortant progressivement des clichés pour parvenir à des titres plus arrangés et moins urgents. C’est ainsi qu’on découvre l'extrêmement novateur "Comic Strip", presqu’encore ovni en 2014 mais aussi un très bon "Hold up" et "Torrey Canyon" un peu plus dispensable. Enfin, "Bonnie & Clyde", aux longues paroles poétiques et à l'arrangement devenu un classique, fait la transition vers la dernière série d’enregistrements.
Cependant, il ne faut pas plier sous l’apparente simplicité des chansons pop de cette période. "Qui est in qui est out ?" en est le parfait exemple, utilisant les codes de la pop british (guitare fuzz, chœurs, presque un morceau de punk-rock) mêlés à la richesse de la langue de GAINSBOURG qui mélange l’anglais et le français comme jamais dans un texte d’une modernité implacable. Les textes, d’ailleurs, vont du plus futile (mais toujours élégant, je précise) au plus incroyable. Si certaines chansons offrent un renouveau intéressant dans leur écriture – les onomatopées très présentes de "Comic Strip" et "Shu ba du ba loo ba", le flirt constant entre français et anglais de "Torrey Canyon", "Comic Strip", "Hold Up" ou encore "Ford Mustang", la fausse légèreté ("Marilu"), les citations de "Chatterton" – d’autres s’avèrent être de véritables pépites d’écriture. "Docteur Jeckyll & Monsieur Hyde" en ce sens est un autoportrait de ce peintre chanteur, pudique omniprésent, jazzman et auteur pour adolescents. Quant à "Initials BB", c’est sans doute le plus beau titre de l’album voire de la carrière de Serge GAINSBOURG tant pour sa composition sublime inspirée de la Symphonie du Nouveau Monde de DVORAK que pour ses paroles ahurissantes, poétiques, déchirantes. Véritable hommage, ode presque à Brigitte Bardot, cette chanson est l’une des plus grandes de la musique française.

On trouve ici un album phare, vitrine des années 60, symbole des quatre années paradoxales où Serge GAINSBOURG découvre enfin le succès commercial et amoureux. Mais ni le premier ni le deuxième ne seront à la hauteur de ses attentes. Son histoire avec Brigitte Bardot est un rude échec sentimental et les chansons qu’il compose n’atteignent pas son ambition démesurée, celle de faire de la pop un art majeur. Pourtant, même si certains morceaux sont maintenant un peu dépassés et juste sympathiques, on trouve ici des titres pop qui resteront pour la postérité. Sans le savoir, GAINSBOURG avait déjà tout compris, tout révolutionné, tout francisé. Il était passé d’un homme en retard à un homme avant-gardiste.

BOMBE_HUMAINE

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Holy Water (1990)
En 1990, BAD COMPANY sort son 9ème album studio et son 3ème depuis son retour avec Brian Howe au chant. Après un excellent Dangerous Age paru 2 ans plus tôt, Mick Ralphs et Simon Kirke remettent le couvert avec la même recette. En effet, comme pour le précédent, l’album est produit par Therry Thomas qui a co-composé ce dernier avec Brian Howe, Mike Ralphs ne participe pas beaucoup au compos (4 sur 13 ) et tout celà pour le même résultat. Vous avez aimé Dangerous Age ? Vous aimerez celui-ci !

Comme pour le précédent, on attaque très fort avec un percutant « Holy Water » au riff acéré et à la magnifique ligne de chant. Bref ça commence bien. Titre suivi par un plus mélodique « Walk Through Fire ». Tout l’album va reposer sur ce mariage entre morceaux hard (« Holy Water », le très bon « Stranger Stranger », « Fearless » …..) et morceaux plus mélodiques (« Walk Through Fire », « Lay Your Love On Me », « Boys Cry Tough » ou la slide est de sortie….. ) sans oublier une super ballade avec l’excellent « If You Needed Somebody ». L’album se termine avec « 100 Miles », un titre acoustique/folk écrit et chanté par Simon Kirke. J’aurais plutôt mis ce titre 3 ou 4 places avant et terminer par « Never Too Late » par exemple. Encore une fois, les compos sont bien foutues et par rapport au précédent elle sont dans l’ensemble un peu plus mélodiques.

La prod est en béton armé, Mick Ralphs aux guitares est toujours aussi étincelant, Brian Howe assure toujours autant au chant et Simon Kirke (batterie) et Felix Krish (basse) forment une bonne paire rythmique.

Zepforce

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2000 : Once Bitten Twice Shy
Ce coffret tente d'inclure toutes les raretés : faces A des singles, faces B, bandes originales de films, quelques prises et demos ainsi que les grands titres classiques de l'album. Amoureusement assemblé par Campbell Devine, l'apport de Ian a été, d'après ce que l'on m'a dit, minime : enregistrement de voix sur deux ou trois titres autrement inachevés, une poignée de demos, et une demande pour que le set soit divisé en "Rockers" et "Ballads".

Colwater High est un des premiers titres du disque Rockers. Il s'agit d'une reprise du premier album de Ian, très axée sur les claviers puisque Mick Ronson n'a jamais composé de partie de guitare pour ce morceau. En tant que telle, elle n'aurait pas été déplacée sur l'album Hoople. Common Disease est une reprise des sessions d'Alien Boy, et elle est plus tempérée que les autres morceaux de l'album. Sinon, c'est une chanson digne d'intérêt et je suis surpris qu'elle ait mis autant de temps à voir le jour.
Traitor (face B du single Good Ones) n'a jamais fonctionné pour moi. Elle commence fort, avec un jeu de clavier puissant de Tommy Mandel, puis elle change soudainement de tempo et se traîne en quelque sorte. Trois des quatre bandes originales de films que Ian a enregistrées dans les années 80 sont présentes (Wake Up Call étant la seule manquante), le point fort étant pour moi Great Expectations qui a un bon riff et un excellent refrain. J'aimerais bien voir Ian faire ce morceau en concert un jour.
Ain't No Way To Treat A Lady est une reprise des sessions d'Artful Dodger, et il faut quelques écoutes pour l'apprécier. Je l'aurais mis sur le disque "Ballads", mais qu'est-ce que j'en sais ? Le disque "Rockers" se termine par une version live de ATYD par Def Leppard (avec Ian comme invité spécial, bien sûr).

Le disque "Ballads" continue dans la même veine, mélangeant des singles rares avec des versions alternatives et du matériel inédit. Shades Off est une version parlée du titre figurant sur le premier album de Ian, tandis que Advice To A Friend est une version alternative de God (Take One) issue des sessions Alien Boy. Ne me demandez pas de choisir la meilleure version, les deux me conviennent.
Bluebirds est le point culminant de ce disque - une reprise des sessions Good Ones, c'est une ballade puissante - elle commence doucement mais ne cesse de monter en puissance. Du point de vue du style, elle est proche de ce que ferait Meat Loaf (lorsque Jim Steinman produit).
Sunshine Eyes et All Is Forgiven sont des demos, enregistrées dans le home studio de Ian et, en tant que telles, sont de véritables enregistrements en solo. Ils sont certainement intéressants et démontrent l'étendue des styles dont Ian est capable. Mais la qualité de demo est tout ce qu'ils sont, et Ian n'a pas jugé bon de les enregistrer sur l'un de ses albums.

Le coffret est accompagné d'un livret de 32 pages comprenant une courte biographie, des notes de Ian piste par piste et de nombreuses photos rares et inédites.
En tant que compilation du matériel solo de Ian Hunter, c'est certainement la meilleure jusqu'à présent, couvrant à la fois le matériel de CBS et de Chrysalis. Cependant, mon principal reproche concerne l'équilibre du matériel présenté. Nous avons droit à pas moins de six titres de Schizophrenic, mais seulement un de YUI Orta (diable, il y a deux titres d'Overnight Angels, l'album que Ian préfère le moins), et rien du tout de Dirty Laundry ou d'Artful Dodger.
Ian dit (dans les notes de pochette) que cette compilation répondra en grande partie à la question "qu'avez-vous fait depuis 1975 ? Cette compilation répond à la question concernant le travail de Ian dans les années 1970 et 1980, mais la question de la production de Ian dans les années 1990 reste sans réponse ici.

Adrian Perkins

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Mason - Harbour (1971)
Harbour est l’unique album du groupe MASON édité sur le label Eleventh Hour. Ce trio américain originaire de l’état de Virginie (Virginia Beach plus exactement) se créé en 1968 et s’articule autour de l’organiste Steve ARCESE, du batteur Morgan HAMPTON et du bassiste/guitariste Jim GALYON.

Mason avec Harbour publié en 1971 propose un proto-prog de grande qualité qui hésite entre hard rock et pop progressive le tout dans un climat psyché. Hésitation qui, combiné par un manque de cohérence, s’avérera peut-être fatale car le groupe passera complètement inaperçu.

Pourtant ce 33tours contenait un élément qui aurait pu faire la différence : « Golden Sails». A l’écoute de ce titre, à l’apparence d’un hit planétaire, il est difficile de croire que le trio soit tombé aux oubliettes. « Golden Sails » est une magnifique ballade à faire pleurer, jouée à la guitare acoustique élaborant de belles harmonies. La voix de Jim GALYON se fait tendue et émotive, bien appuyée au refrain par la batterie et des envolées vocales. On a l’impression d’avoir déjà entendu cette chanson. En un mot magique !

Pour le reste nous avons droit à « Let It Burn » et le titre éponyme, longues pièces de plus de sept minutes au tempo lent et style acide et heavy. Ces morceaux par l’intervention d’un orgue hammond lourd, caverneux, jazzy-blues, par moment purplien allié à une flûte et la voix soul de Steve ARCESE rappellent le Traffic de Steve WINWOOD.

« Electric Sox And All » par le biais de percus vire dans des délires à la SANTANA mais l’apparition du saxophone évoque le jazz électrique de Miles DAVIS. Le riff épais et gras de « Tell Me » et le côté boogie de « Goin’ Home » nous renvoient à Mountain. « Travellin’ » est un heavy rock à la Cream. Quant à « Charlotte » il termine ce vinyle sympathique et chaleureux dans une ambiance champêtre grâce à la guitare acoustique et une flûte feutrée.

Trois ans plus tard viendra le temps des désillusions et des séparations. Le label Gear Fab a réédité en 1999 Harbour en CD avec deux bonus restés semble-t-il au fond d’un tiroir dont l’ultra pop « Carry Me Home ». Voilà une belle occasion de réhabiliter MASON rien que pour « Golden Sails ».

jeanjacquesperez

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1971 : Barclay James Harvest & other short stories
En juillet 1971, BJH se rend à nouveau à Abbey Road pour enregistrer la suite de l'acclamé Once Again. L'ex-bassiste de Pretty Things, Wally Allen, occupait désormais le poste de producteur [Norman Smith était théoriquement producteur "exécutif" mais ne jouait aucun rôle pratique], ce qui peut expliquer l'amélioration notable de la qualité sonore, avec un son plus riche et plus chaud, plus proche du matériel de BJH. L'orchestre de BJH était toujours en activité, bien que Martyn Ford ait remplacé Robert Godfrey en tant qu'"arrangeur musical" et chef de l'orchestre qui a joué un rôle important sur cet album, intégré avec beaucoup plus de succès que précédemment.

Malgré les signes avant-coureurs, Other Short Stories est un travail un peu bâclé, achevé à la hâte entre deux tournées parce qu'EMI souhaitait capitaliser sur le succès de Once Again. En conséquence, l'album n'est peut-être pas aussi audacieux qu'il aurait pu l'être, et certaines parties ont été publiées dans un état inachevé [par exemple, Harry's Song aurait dû comporter du piano, de la guitare et des chœurs supplémentaires qui n'ont tout simplement pas été enregistrés]. Le sentiment dominant est celui de la douceur et de la décontraction - les guitares acoustiques (dont beaucoup de 12 cordes) abondent sur des ballades au rythme moyen, avec des claviers discrets et une orchestration peu exigeante.
Le meilleur est concentré aux extrémités. Medicine Man ouvre l'album, une chanson classique de John inspirée d'un roman de Ray Bradbury, dans un arrangement que le groupe n'a pas aimé et qu'il a réenregistré pour une face B de single. En concert [voir l'album 'Live' de 1974], Medicine Man est devenu un rock époustouflant basé sur des lignes de basse pulsées et de longs jams de John et Woolly. Ici, il est aussi différent qu'il peut l'être - un arrangement orchestral effrayant qui s'interrompt pour laisser place à un rythme doux après la fin du chant. L'album se termine par l'un des meilleurs morceaux jamais créés par BJH - un jumelage de l'orchestration de The Poet avec un hymne quintessentiel de BJH, l'apocalyptique mais trop court After The Day, mené par des phrases majestueuses de guitare solo [et un véritable solo] et de Mellotron.
La dynamique Someone There You Know [Woolly crache vraiment les mots "I know what it feels to be alone"] et la nostalgique Ursula (The Swansea Song) sont des chansons typiques de Woolly sur un amour perdu ; l'inspiration improbable pour Harry's Song était la mort d'un animal de compagnie [un perroquet] ; Little Lapwing et Song With No Meaning sont des chansons typiques de Les, pleines de pads doux et d'harmonies luxuriantes, et avec la plupart des instruments non orchestraux joués par Les ; le triste commentaire de John sur le business de la musique, Blue John's Blues, aurait pu être un blazer Prog, avec plusieurs sections distinctes, y compris un pastiche des Beatles et un beau jeu d'ensemble, mais il semble inachevé [par exemple, pas d'harmonies].

Personnellement, j'ai toujours eu un faible pour cet album. Il n'y a pas de mauvaises chansons, même les "moyennes" sont bien écrites, impeccablement interprétées et ont leur propre charme. Dans l'ensemble, les arrangements ne sont pas assez forts, et dérivent souvent dans une ambiance rêveuse alors qu'un solo de guitare ou une phrase aurait pu apporter un plus. Ce manque de dynamisme est son principal défaut, mais il lui confère également son caractère essentiel, tout à fait distinct dans la discographie de BJH, et tout à fait séduisant si l'auditeur est dans un état d'esprit réceptif.

En résumé, un "bon" album pour les amateurs de Prog mélodique, rehaussé d'un point à "excellent" par la présence de Medicine Man et The Poet / After The Day. L'édition remastérisée de 2002 contient 6 titres bonus, parmi lesquels des enregistrements de sessions de la BBC de trois titres de cet album qui offrent un aperçu de leur évolution, en particulier Medicine Man.

Joolz

[alcat01]

"Rocket Fuel"
Après avoir quitté TEN YEARS AFTER, ALVIN LEE s'acharnait depuis trois ans à trouver son bonheur musical dans des activités de solo et de session, ce qui ne lui avait pas été accordé jusqu'alors.
Il était devenu un vrai "I‘m Going" mais pas un homme "Home". Toujours à praufiner son style, son quelque chose de spécial qui n'a pas à se soumettre à l'industrie musicale de plus en plus agressive, qui roulait constamment sur le morceau de Woodstock de TEN YEARS AFTER.
Puis enfin retour à la scène musicale londonienne. Deux maîtres du rock à la basse et à la batterie et un nouveau nom qui a ramené plus d'un souvenirs du passé. TEN YEARS LATER a été formé avec Mick Hawksworth et Tom Compton - et leur premier LP portait le nom prometteur de "Rocket Fuel".
Cependant, la musique n'était pas aussi rapide dans les 38 minutes. Encore une fois le blues a joué le rôle le plus important et le rock à la manière d'un JIMI HENDRIX. Mais surtout, la dextérité rapide de Lee, qui a simplement suscité des rythmes et des sonorités incroyables de sa guitare.
Pour que le son ne se limite pas à la guitare, à la basse, à la batterie et au chant, deux claviéristes invités, Bernie Clarke et Mick Weaver, ont été recrutés, donnant à la musique des zones supplémentaires et un peu de volume, mais ont également été autorisés à régler quelques-uns des leurs propres dominances d'orgues et de mellotron. Quand on laisse le diable hurler ("The Devil‘s Creaming") pendant près de dix minutes à la fin de l'album, du moins comme interprétation musicale de TEN YEARS LATER, il y a aussi beaucoup de hard rock et de psychédélisme ajouté au blues, ce qui nous fait comprendre que LATER ne veut absolument pas dire AFTER ! Le point culminant incontesté de "Rocket Fuel", qui est également à la hauteur du titre de l'album.

CONCLUSION : Même si vous écoutez cet album d' ALVIN LEE & TEN YEARS LATER aujourd'hui, il n'a rien perdu de son charme - et sonne absolument frais. Fondamentalement, un son typique sur lequel de nombreux groupes rétro travaillent ces jours-ci (parfois sans succès).