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Message par alcat01 » ven. 5 janv. 2024 16:00

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Fanny (1970)
Paru en 1970 sur le label Reprise Records, "Fanny" est un album conçu en 'gate-fold' qui s'ouvre pour révèler des jolies photos du groupe dans le studio et donne aux fans naissants quelques points supplémentaires à lire.
Produit par Richard Perry, cet album tente seulement d'attraper le groupe dans sa forme la plus brute, avec peu d'overdubbing, pas de cuivre ni de corde, juste Fanny rockant en studio.
A noter leur reprise de "Badge", de Cream: c'est un choix courageux pourtant bien dans l'esprit de l'identité des co-auteurs (Eric Clapton et George Harrison). Pris sur un rythme légèrement plus rapide que la version originale de Cream, l'introduction de la ligne de basse est remplacée par une rafale de feedback et un piano de marque. Cette version présente quelques passages parfaitement maitrisés et un solo de June dans un pur style Clapton.
Alors que la sortie de cet album est révolutionnaire dans le fait que chaque note de l'album est chanté et joué par des femmes, la presse Rock fut généralement moins impressionnée. Fanny a été plus considéré comme un nouveau groupe de plus que comme des musiciennes sérieuses avec quelque chose à dire.
Un critique a écrit que le groupe tentait "d'essayer trop fort". Fanny flambait pourtant de mille feux, mais la plupart des commentateurs n'avaient aucun point de référence, aucune base de comparaison pour juger un groupe de femmes jouant de la musique Rock.
Fanny aurait pu devenir ce point de référence.
Nickey Barclay, plus tard, parla de l'image physique du groupe: "Nous avons ressenti la pression de devoir faire nos preuves. Lorsque nous avons commencé à jouer sur scène, nous montions sur scène, simplement vêtues de ce que nous portions. Cela revenait à nous excuser d'être des femmes, à nous détourner de tout type de glamour ou de l'attractivité sur scène".
Le look du groupe est devenu plus féminin et élégant une fois qu'elles eurent fait leurs preuves à travers le dur rodage des tournées internationales.


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Message par alcat01 » ven. 5 janv. 2024 17:45

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1978: Misfits
Les Kinks sont devenus des rockers d'arène avec "Sleepwalker", et son successeur, "Misfits", a suivi la même veine, mais c'est une amélioration considérable par rapport à son prédécesseur.
Ray Davies a appris à écrire dans les limites de la formule du rock d'arène, et "Misfits" est l'un des grands albums de la crise de la quarantaine du Rock, dans lequel Davies se demande s'il devrait même continuer à se produire.
"Misfits", un cri de ralliement classique, et "Rock and Roll Fantasy" sont les deux pierres de touche de l'album - Davies admet que lui et les Kinks ne seront jamais adoptés par le courant Rock & roll, mais après la mort d'Elvis, il n'est même pas sûr que le Rock soit quelque chose à faire pour des adultes mûrs.
Au cours de l'album, il trouve des réponses à cette question, à la fois dans ses textes et dans la musique musclée du groupe. Il finit par découvrir que cela vaut la peine qu'il y consacre du temps.
"Misfits" est un disque émouvant qui parvient à transmettre des émotions profondes tout en rockant fort. Les Kinks n'avaient pas fait un aussi bon disque depuis longtemps.


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Message par alcat01 » ven. 5 janv. 2024 20:06

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1979 Live! Go For What You Know
Pat Travers n'a jamais semblé aussi concentré et inspiré que sur "Live ! Go for What You Know", enregistré lors de sa tournée Américaine au début de l'année 1979.
Travers peut vraiment brûler sur scène, et cet album le reflète. Soutenu par le guitariste Pat Thrall, le bassiste Mars Gowling et le batteur Tommy Aldridge, le guitariste chanteur est en pleine forme sur des versions explosives et définitives d'originaux funky tels que "Heat in the Street", "Gettin' Betta" et "Makes No Difference".
Mais l'élément le plus connu de l'album est l'interprétation courageuse de Travers du classique du Blues de Stan Lewis "Boom Boom (Out Go the Lights)", qu'il ne faut pas confondre avec le morceau favori de John Lee Hooker "Boom Boom".
Pour Travers, "Boom Boom (Out Go the Lights)" a été un grand plaisir pour le public, et la version entendue sur cet album est un incontournable des radios Rock en 1979 et au début des années 80.


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Message par alcat01 » sam. 6 janv. 2024 10:03

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Stretch Lifeblood (1977)
Les deux premiers albums de Stretch étaient de superbes exemples de Boogie Rock Britannique. Avec un Hit single à leur actif, l'avenir s'annonçait prometteur pour ce groupe, mais malheureusement, leur promesse initiale ne s'est jamais réellement tenue.
Cet album est assez agréable, avec des reprises entraînantes de "Rock and Roll, Hoochie Koo" et "Let's Spend the Night Together", mais, par ailleurs, il y a un manque flagrant d'idées nouvelles proposées, les morceaux originaux semblant plus minces cette fois-ci.
Cependant, avec la voix décapante d'Elmer Gantry et l'excellent Kirby à la guitare, cela reste un disque très intéressant.


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Message par Elie Köpter » sam. 6 janv. 2024 10:13

alcat01 a écrit :
ven. 5 janv. 2024 16:00
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Fanny (1970)
Paru en 1970 sur le label Reprise Records, "Fanny" est un album conçu en 'gate-fold' qui s'ouvre pour révèler des jolies photos du groupe dans le studio et donne aux fans naissants quelques points supplémentaires à lire.
Leurs deux albums suivants, Charity Ball en 1971 et Fanny Hill en 1972 sont excellents. Leurs prestations live incroyables. Quatre musiciennes de talent :amen:

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Message par alcat01 » sam. 6 janv. 2024 10:18

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Wigwam The Lucky Golden Stripes and Starpose (1976)
"Lucky Golden Stripes And Starpose" a bien résisté à l'épreuve du temps et il sonne encore aussi frais qu'à l'époque.
C'est un album avec de très bons moments mais, suivant l'humeur du moment, il n'y a que quelques morceaux, comme "Eddie And The Boys" qui peuvent valoir vraiment le coup.
"Lucky Golden Stripes and Starpose" a reçu des critiques très mitigées: L'album précédent avait fixé un tel niveau que le groupe était incapable de reproduire.
Les chansons de cet album sont plus complexes que celles de son prédécesseur, mais en même temps elles laissent une sensation plutôt modeste à leur sujet.
Il semble évident que Wigwam voulait éviter le piège de devenir un groupe 'commercial', à la grande consternation de Love Records et de Virgin. Par exemple, le groupe avait rejeté l'idée d'inclure le single "Tramdriver" / "Wardance" sur le LP, mais il faut dire que cette inclusion aurait probablement pu rafraîchir un peu le disque.
Dans l'ensemble, il manque de couleur, de charisme et de grands solos.
Heikki Hietanen remplit très bien son rôle mais on ne lui laisse pas d'espace pour les solos.
Encore plus étrange est le rôle plutôt limité que Rechardt joue sur l'album: Il n'y a que quelques solos de guitare, et même ceux qui sont inclus ont tendance à être bien faibles.
Décrire "Lucky Golden Stripes And Starpose" comme un album médiocre, pourrait, pourtant, être un tantinet trop sévère.
D'autre part on ne peut que sentir que le groupe n'est tout simplement pas à la hauteur des attentes, alors qu'ils avaient tant à offrir.
En outre, la musique est moins complexe que beaucoup de ce que Wigwam avait déjà sorti auparavant dans un fort courant de Soul qui coule sous ces titres, en particulier sur le morceau d'ouverture "Sane Again", dominé par un sentiment de folie toute modérée.
Jim Pembroke n'a jamais été plus qu'un bon interprète de chansons, certainement pas un grand chanteur, et sur ​​cet album, il a tendance à aller très loin avec ses manières un peu curieuses.
Le court "Timedance" est la seule collaboration de groupe sur l'album et semble être un extrait de ce qui était à l'origine une chanson plus longue. Comme on peut s'y attendre, c'est une sorte de jam session qui avait été enregistrée et dont une partie a été utilisée pour l'album.
"Colossus" résume très soigneusement les ingrédients stylistiques de Wigwam à l'époque.
"Eddie and the Boys" possède le premier solo de guitare pouvant être entendu sur l'album, et c'est le morceau de clôture de la première face. Il pourrait être considéré comme le point culminant album, si l'on devait regarder l'album sous un angle commercial. Ce titre est un des moments les plus vifs sur ce qui est un album plutôt décevant et peut-être ce qui est plus surprenant, c'est que cette fois-ci, l'aspect plus Pop de l'album ne vient pas de la plume de Pembroke, mais plutôt de celle de Rechardt.
La face 2 commence avec "Lucky Golden Stripes And Starpose", qui a tendance à durer trop longtemps. Même le solo de guitare apparaît comme sans inspiration. Cependant, Rechardt montre que ses compositions, en dehors de posséder un côté plus Rock, ont aussi leur juste part des arrangements complexes en particulier pendant le court solo de guitare abstrait.
Comme dans "Nuclear Nightclub", il semble que les meilleurs morceaux soient le fruit de la collaboration entre Pembroke et Rechardt, quelque chose qui, malheureusement, ne se produit que sur "Never Turn You In", en particulier sur cet album.
Toutefois, à la fois cette chanson et "'In A Nutshell", pour qui Rechardt a écrit les paroles et la musique et qui complète l'album, semblent rater le coup de poing tueur qui était si nécessaire sur cet album pour permettre au groupe à s'imposer au-delà des rives de la Finlande. C'est pourtant probablement un titre qui aurait mieux fonctionné sans le chant ringard de Pembroke.
"Lucky Golden Stripes and Starpose" n'est pas un album spectaculaire ou significatif de nature à interpeler les fans de Rock Progressif, et d'autre part, il y a peut-être trop de riffs complexes pour faire appel aux fans de 'Mainstream Rock'.
Pourtant, il faut dire que si le LP n'atteint pas le même niveau que les meilleurs albums de Wigwam, c'est pourtant encore un bon album de Rock!
Ce ne fut pas un succès commercial du tout; en fait, il ne s'est vendu qu'à quelques milliers d'exemplaires en Finlande et en Angleterre, même moins.


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Message par alcat01 » sam. 6 janv. 2024 13:16

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1974: Queen Of The Night
Le producteur Jerry Wexler a mis merveilleusement en scène la voix de Maggie Bell dans un cadre magnifique.
Elle fait littéralement vivre ses interprétations. Son identité vocale est unique sur la plupart des titres, mais quelques morceaux lui permettent de rendre certains hommages.
Elle étire au maximum la chanson "Souvenirs" de John Prine, avec l'aide de Steve Gadd à la batterie.
Sa version uptempo de "After Midnight" de J.J. Cale est plus captivante que celle d'Eric Clapton; elle respire la sexualité tandis que Reggie Young ajoute quelques guitares savoureuses au groove semi-calypso.
Le titre "Queen of the Night" est imprégné des magnifiques harmonies des Sweet Inspirations et c'est du pur Genya Ravan, mais à l'inverse, la reprise de "A Woman Left Lonely", totalement embrassée par Janis Joplin sur "Pearl", est une voix douce et totalement étrangère à la façon dont Joplin a si merveilleusement déchiré la chanson en lambeaux.
La voix de Bell est un instrument qui se glisse dans différents styles en un instant. Elle prend l'amusant mais stupide "Oh My My" de Ringo Starr / Vini Poncia et lui donne du style, puis se retourne avec "As the Years Go Passing By" de Deadric Malone et délivre une autre chanson de qualité.
Les fabuleux lead guitares de Cornell Dupree à la guitare se font entendre en arrière-plan; la cerise sur le gâteau pour "As the Years Go Passing By". Intense et magnifique, c'est certainement la véritable révélation de cet album.
Maggie Bell a brisé son image de Stone the Crows pour couvrir un large éventail d'idées, donnant même à David Clayton Thomas une certaine respectabilité, amenant son original "Yesterday's Music" à de nouveaux sommets avec une touche de Gospel à la Bonnie Bramlett.
De Will Jennings à Carole Bayer Sager et Peter Allen, "Queen of the Night" est un mélange étonnamment merveilleux de Blues, de Pop, de Soul et de Southern Rock. "We Had It All" se construit avec une tension brûlante qui donne à Bell une plate-forme pour ses phrasés inspirés. Sager a dû être bouleversée lorsqu'elle a entendu pour la première fois cette version de "The Other Side". C'est une musique qui vient du cœur et qui se termine par "Trade Winds", avec le piano, la batterie et la voix de Bell, comme à la fin d'un grand concert dans une boîte de nuit intime.
Il s'agit d'une création extraordinaire qui mérite d'être ressortie lorsque l'on veut apprécier un grand vin comme Queen of the Night.


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Message par alcat01 » sam. 6 janv. 2024 14:00

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Inside 1973
En 1973, Eloy n'était encore qu'un groupe Ouest Allemand qui avait gagné un public régional en mélangeant du Hard Rock psychédélique avec un peu de Krautrock.
Eloy était entré au studio Wind-Rose-Dumont de Hambourg pour mettre en boîte son deuxième album. Ayant rompu avec Phillips pour cause de soutien insuffisant, Eloy finança sur ses fonds propres les séances d'enregistrement de son deuxième opus, intitulé "Inside", et il bénéficie pour l'un des morceaux ("Future City") d'un enregistrement 16 pistes.
Divers labels seront contactés et finalement, l'album sortira chez Harvest, sous-label progressif d'EMI. Le grand saut est donc franchi quand cette importante compagnie de disques s'intéresse au groupe, et un contrat est conclu avec EMI.
"Inside" est le premier disque du groupe à présenter une bonne dose d'ambition de Rock Progressif. C'est sans doute l’album le plus archétypique du groupe 'à consonance allemande'.
Il s'agit du premier disque du groupe avec Frank Bornemann au chant principal, et son style distinctif en ressort pleinement formé (y compris sa prononciation anglaise fortement accentuée). Les compositions qui en résultent ne sont pas assez raffinées pour être qualifiées de prog symphonique, mais sont néanmoins immédiatement identifiables comme du pur Eloy des années 70.
"lnside" obtient un succès limité un peu partout, mais réellement pour le moins inattendu, aux Etats-Unis.


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Message par alcat01 » sam. 6 janv. 2024 15:23

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Charity Ball (1971)
À l'Automne de l'année 1971, l'album et la chanson "Charity Ball" de Fanny sont diffusés par les radios à travers le pays.
Fanny fait pat ailleurs une apparition sur la tristement célèbre première saison du Sonny & Cher Show et la couverture de l'album avec un portrait de Fanny a été prise par Candice Bergen, célébrité de "Murphy Brown".
Cet album met Fanny en scène et commence à faire croire aux fans que les femmes pouvaient faire du Rock.
Le single "Charity Ball" atteint le numéro 40 dans le Billboard Hot 100 en Novembre. L'album restera à la 150ième place des Charts pendant sept semaines à la fin de 1971.
"Charity Ball" recoit un accueil beaucoup plus chaleureux de la presse Rock, avec le LP suscitant même quelques prédictions de futures superstars. Des milliers de parieurs sur plusieurs continents venaient rire de ce qui était attendu comme un 'freak show' et repartaient entièrement convertis.
Le groupe se donne plus de crédibilité en devenant le groupe d'ouverture d'un certain nombre des plus grands groupes de l'époque, mais en même temps elles deviennent des vedettes à part entière dans ces concerts.

Avant l'arrivée de Fanny, aucun groupe entièrement féminin dans tous les genres de la musique moderne, jouant de leurs propres instruments et écrivant la plupart de tout leur propre matériel, n'avait jamais connu autant de véritable succès, Fanny a été le premier.
Et dans le business de la musique, le succès engendre souvent l'imitation. D'autres labels ont vu un nouveau créneau à exploiter et ont commencé à promouvoir des groupes féminins.
Mais si on veut savoir quand les portes furent vraiment ouvertes à coups de pied pour les groupes de Rock féminin, il suffit de ne pas chercher plus loin que la sortie de "Fanny Hill", le troisième LP de Fanny en 1972.


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Message par alcat01 » sam. 6 janv. 2024 18:16

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The Kinks 1979: Low Budget
Jim Rodford, ancien membre d'Argent, prend la basse pour l'enregistrement de l'album "Low Budget", sur lequel Davies assure lui-même toutes les parties de claviers.
Ian Gibbons, ex claviériste de Life, est engagé pour la tournée subséquente, et ne tarde pas à devenir membre à part entière.
Malgré une formation en mouvement constant, la popularité des disques et des concerts du groupe ne cesse de croître.
À partir de la fin des années 1970, des groupes New Wave enregistrent des reprises appréciées de chansons des Kinks ("David Watts" par The Jam, "Stop Your Sobbing" par The Pretenders, "The Hard Way" par The Knack), offrant une promotion supplémentaire aux nouveaux albums du groupe.

Sorti en 1979, "Low Budget", aux sonorités très Hard Rock, devient le deuxième Disque d'Or du groupe aux États-Unis, où il se classe 11e, la meilleure performance de l'histoire des Kinks, en dehors des compilations.


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Message par alcat01 » sam. 6 janv. 2024 18:17

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Pat Travers 1980 Crash and Bur
En 1980, la parution de "Crash and Burn" se révèle être une extension des compétences de son déjà excellent compositeur, en entrant dans le Top 20.
Les chansons sont plus complexes et utilisent une méthode plus diverse pour la délivrance de chaque chanson.
Claviers et chant sont le véritable point fort de cet album alors que Pat fléchit sa musicalité plus musculairement.
Et afin de ne pas décevoir ses fans, il joue encore de la guitare avec génie sur un brûlot comme "Snortin' Whiskey ".


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Message par alcat01 » dim. 7 janv. 2024 10:29

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1970: An Evening with Dando Shaft
Sur leur premier album, Dando Shaft se présente comme une sorte de Pentangle plus folklorique, mais aussi plus hippie.
La pulsation percussive de la basse de Roger Bullen, en particulier, confére à la plupart des morceaux un swing rythmique qui leur permet de se démarquer du Folk traditionnel, tout comme les morceaux originaux basés sur des images de la nature: la pluie, le vent, les feuilles, l'aube, les fleurs, la campagne, et ainsi de suite.
Le chant et l'écriture trahissent une dette notable à l'égard de Bert Jansch, bien qu'avec un penchant plus fantaisiste que Jansch ne le permettait habituellement. Leur plus grand atout, certainement pour ce qui est de mettre leur propre empreinte sur un son qui ressemblait beaucoup à certains aspects de Pentangle, était les couleurs ajoutées par la mandoline, la flûte et le violon du multi-instrumentiste Martin Jenkins.
En tant que Folk progressif d'humeur pastorale et pas tout à fait Folk Rock, c'était agréable mais finalement pas aussi distingué ou intéressant que leur point de référence inévitable, Pentangle. Les comparaisons avec Pentangle se multiplieront lorsqu'ils ajouteront une chanteuse, Polly Bolton, pour leurs deux albums suivants.


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Message par alcat01 » dim. 7 janv. 2024 10:30

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Dark Album (1977)
Le dernier album que Wigwam a enregistré à la fin de sa longue association avec Love Records devait être "the Dark Album", un album qui a été impliqué dans une série de bouleversements pour le groupe se terminant par leur disparition ultime.
Le titre original de l'album était destiné à être "Daemon Duncans' Request", mais les dirigeants de Virgin Records à l'audition du produit fini refusa sa sortie sous prétexte qu'il était trop "discret et non-commercial".
Le line-up était le même que sur "Nuclear Nightclub", avec Hietanen crédité seulement comme invité. D'autres musiciens qui ont aidé en studio étaient les choristes Paavo Maijanen et Timo Kojo, et Jukka Gustavson a joué de l'orgue sur deux pistes.
Il faut se souvenir qu'en 1977 la musique Punk était à son zénith et la plupart des grandes maisons de disques, dont Virgin, étaient plus disposées à soutenir un groupe de Punk plutôt qu'un groupe de Classic / Progressive Rock.
Ainsi Wigwam a été renvoyé au studio et l'album, ré-intitulé "Dark Album" est finalement sorti à la fin de 1977.
A cette époque, le groupe avait déjà éclaté pour la deuxième fois. Étonnamment, compte tenu des circonstances, l'album est solide et nettement plus cohérent que le précédent.
La pression de Virgin Records sur le groupe pour venir avec plus de matériel commercial semble avoir eu un effet sur la production créative, ce qui est également visible lorsque l'on regarde les crédits de songwriting où Jim Pembroke, compositeur plus commercial du groupe a mis la main à la pâte dans pratiquement tous les titres de l'album, sauf "The Item Is The Totem"...
Malgré cette pression, le groupe a réussi à venir avec un morceau de travail qui semble avoir surpasse largement "Lucky Golden Stripes And Starpose" en termes de qualité.
Dans l'ensemble, le Wigwam de "Dark Album" ressemble à un groupe très différent de celui qui apparaissait sur chacun de leurs albums précédents.
Quelque chose avait changé dans les membres, en particulier Pembroke et Rechardt, qui affectait leur approche musicale.
La fin du Rock Progressif comme format populaire semble avoir frappé durement Wigwam sans leur laisser la chance de récupérer.
En définitive, le rejet par Virgin Records et la faillite de Love Records ont donc jeté les bases pour que le groupe se sépare.
Dès "Oh Marlene!", le morceau d'ouverture décontracté signé Pembroke dont les paroles remontent à l'époque de "Nuclear Nightclub", on peut immédiatement sentir que l'album comportera moins d'arrangements complexes que le groupe avait normalement inclus dans son répertoire depuis le début, et au lieu de cela, on obtient un album beaucoup plus édulcoré de Wigwam .
Les deux autres compositions de Pembroke, "The Silver Jubilee" et "Helsinki Nights", n'atteignent pas le niveau de ce premier morceau.
Rechardt participe à quelques contributions importantes, à la fois comme compositeur et guitariste. Une fois de plus son travail à la guitare se distingue sur différentes chansons.
Un morceau de choix évident et le favori de bien des fans, le joli "Cheap Evening Return", écrit par Rechardt, pourrait être l'une des plus belles chansons jamais écrites par Wigwam. L'arrangement intelligent (légèrement modifié au cours des phases de remixage) la transforme en un véritable morceau classique du groupe. Son refrain est très émouvant et il est considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de l'album. "
Mats Huldén a écrit les paroles de "The Item is Totem", un autre bel exemple des compétences de Rechardt. Son riff presque Hard rock est un signe certain que les temps dans le monde de la musique changent.
La chanson "Silver Jubilee", avec des mots du poète anglais Gerard Manley Hopkins, est clairement le morceau le plus populaire de l'album; cela pouvant, peut-être, être dû au retour de nul autre que Jukka Gustavson, de retour brièvement comme artiste invité sur l'album et en concert, en remplacement de Pedro qui fut le premier de quitter le groupe.
La face 2 commence par "Horace’s Aborted Rip-Off Scheme" de Rechardt, qui, avec "The Vegetable Rumble" montre une nouvelle facette du groupe. Les riffs complexes du dernier album sont remplacés par un style plus Rock.
Alors que des titres comme "Horace's Aborted Rip-Off Scheme" montrent que Pembroke n'a rien perdu de son humour anglais qu'il convertit si bien en musique, le groupe devait avoir senti que la fin était proche.
Peut-être que "The Big Farewell" est la meilleure chanson de l'album, une très belle ballade avec Pembroke et Rechardt à leur meilleur. "The Big Farewell" sonne comme si le groupe chantait sa propre disparition
"The Vegetable Rumble" qui étale un riff assez comparable à du Thin Lizzy montre encore une fois que les temps étaient en train de changer.
Alors que le morceau de cloture "Helsinki Nights", une autre chanson inhabituelle de Wigwam qui est très bien si les paroles se lisent comme si elles avaient été prises directement à partir d'un guide touristique de la ville, permet au groupe de dire un adieu définitif à ses fidèles.
Enfin, juste avant Noël 1977, l'album a été publié sous le titre de "Dark Album". D'autres suggestions pour le titre avaient été "Punk Freud, Wish you were Beer and Beat the Meatles".
Le disque a peu fait de ventes pour Noël et Love Records n'a pas fait de publicité du tout.
Il est bien dommage que cet album a été presque entièrement ignoré, parce qu'il était bien meilleur que son prédécesseur.
Commercialement, "Dark Album" a fait pourtant comme son prédécesseur car les ventes ont été très lentes. De même, pas un single n'a été tiré du LP.
En fait, le disque fut presque complètement ignoré au moment de sa sortie.
Il est sans aucun doute le plus sous-estimé de tous les disques de Wigwam.
Chez eux, "Dark Album" ("Daemon Duncetan" révisé) est finalement sorti à la fin de 1977, mais à ce stade, le groupe s'était déjà séparé pour la deuxième fois.
Dans ces circonstances, l'album s'est avéré être étonnamment un bon disque.
Même encore de nos jours, il semble très solide et il est considéré, presque à l'unanimité, comme une amélioration considérable par rapport à son prédécesseur.


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Message par alcat01 » dim. 7 janv. 2024 11:18

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1975: Suicide Sal
Après la disparition du groupe Stone The Crows en 1973, Maggie Bell s'était lancée en solo et elle avait sorti l'excellent album "Queen of the Night", acclamé par la critique, suivi de "Suicide Sal" en 1975.
Plus dur et plus énergique que son prédécesseur, l'électrisant "Suicide Sal" reflète les spectacles incendiaires que Maggie et son nouveau backing band avaient donnés entre les deux enregistrements.
Curieusement, le titre funky et enflammé, hommage à la tante de Bell, une star du music-hall, est l'un des deux seuls titres originaux de ce coffret. La seconde, "If You Don't Know", richement bluesy, a été écrite par le claviériste du groupe, Pete Wingfield, et bénéficie de la participation de Jimmy Page à la guitare. La tempête "Coming on Strong" est également liée à Bell, puisqu'elle a été coécrite par l'ex-Crow Colin Allen et Zoot Money.
Le reste de l'album est constitué de reprises astucieusement choisies parmi une sélection éclectique d'artistes. L'un des morceaux phares est "It's Been So Long", un Gospel puissant écrit par Phil May (Pretty Things), qui a non seulement réécrit certaines paroles pour Bell, mais a également ajouté ses propres chœurs à la chanson. Le classique "Wishing Well" de Free fait l'objet d'un bon travail, tandis que "Hold On" de Kossoff, Kirke, Tetsu & Rabbit atteint de nouveaux sommets d'émotion.
De la Pop des Beatles à l'ode gaélique poignante des Sutherland Beothers, des ballades au rock'n'roll, Bell traverse cette série avec style et une telle assurance que même la Tante Sal a dû en être impressionnée.
"Suicide Sal" présente l'une des plus grandes chanteuses Soul de Grande-Bretagne, présentée sous son meilleur jour.
Un album à, absolument, écouter!


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Message par alcat01 » dim. 7 janv. 2024 13:44

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Floating 1974
Avec "Floating", Eloy a atteint son tout premier sommet artistique. Le Hard Rock et le Prog Rock du groupe Allemand s'accordent à merveille sur cette série de cinq chansons.
Les défauts structurels du morceau le plus long de l'album précédent appartiennent désormais au passé: "The Light From Deep Darkness" est une montagne russe de 15 minutes. Le morceau-titre qui ouvre l'album se rapproche des débuts de Santana, grâce à une batterie endiablée et au travail d'orgue de Manfred Wieczorke, plus proche cette fois de Gregg Rollie que de Jon Lord.
Mais le point culminant de l'album réside dans le riff lourd et contagieux de "Castle in the Air", peut-être le morceau le plus reconnaissable des trois premiers albums d'Eloy. Le nouveau bassiste Luitjen Janssen donne à la chanson un élan formidable. Les paroles de "Plastic Girl" sont plus terre à terre (et se réfèrent à "Plastic People" de Frank Zappa) que l'intérêt croissant du groupe pour la métaphysique et les références à l'ère spatiale.
L'album est couronné par "Madhouse", un Rock frénétique qui montre comment Bornemann a intégré l'influence de Jethro Tull dans sa musique. Les fans des albums conceptuels d'Eloy ("Dawn", "Ocean", "Planets") ont tendance à regarder avec snobisme les trois premiers albums, mais "Floating" reste une grande réussite Rock, quel que soit le prochain album du groupe.
La musique n'a pas eu à s'adapter à une intrigue et n'est pas imbibée de synthétiseurs. Par conséquent, elle semble plus honnête et plus directe...


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Message par alcat01 » dim. 7 janv. 2024 15:41

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Fanny Fanny Hill (1972)
Enregistré dans les Apple Studios, à Londres, fin 1971, l'album "Fanny Hill" comprend le meilleur travail du producteur Richard Perry, même si Fanny n'était pas très heureux avec certains de ses ajouts ( comme les cuivres et les cordes sur quelques-unes des chansons).
L'album dispose d'un large éventail de styles de chanson, du Rock à la ballade, plus son contenu lyrique qui aborde des sujets qui ne serait pas devenue une place centrale dans le monde pour les décennies à suivre.
Le single "Ain't That Peculiar" sera au numéro 85 sur le Billboard Hot 100 et l'album sera au numéro 135 pendant six semaines.
L'album contient quelques-uns des plus jolis moments du groupe en studio et montre la maturité musicale de ce qui faisait maintenant plusieurs années d'enregistrements et de tournées de Fanny.
Avec leur reprise de "Hey Bulldog", version à l'assaut de l'une des chansons les plus atypiques de John Lennon, la basse grondante de Jean met en scène la frappe de Alice à la batterie et June améliore sensiblement le solo original d'Harrison avec brio, et en plus des paroles de Nickey font que c'est peut-être (certainement) leur meilleure reprise.
"Fanny Hill" a été salué par la presse Rock de premier plan de la journée comme étant leur meilleur à ce moment-là.
Quand Rhino Records décida de sortir un CD rétrospective de Fanny en 2002, ils lui donne le titre de "First Time In A Long Time", d'après l'un des morceaux les plus mémorables de Fanny Hill.


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Message par alcat01 » dim. 7 janv. 2024 17:39

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The Kinks 1980: One For The Road
En 1980, est paru le troisième album live du groupe, "One for the Road", accompagné d'une vidéo du même nom.
Tous les morceaux ont été enregistrés lors de leur tournée Américaine dans trois endroits différents:
le premier soir, le 4 Mars 1980 à la Syracuse Arena Landmark Theatre Syracuse, à Syracuse, dand l'état de New York, le deuxième soir, le 6 Mars 1980 au Fine Arts Center, University of Massachusetts Amherst, à Amherst, dans le Massachusetts, et enfin le troisième soir, le 7 Mars 1980 à la Southeastern Massachusetts University, North Dartmouth, toujours dans le Massachusetts.
Cet album est à classer parmi les bons Live.
On y trouve la plupart des grands classiques du groupe, et le groupe les depoussière, à grands coups de guitares saturées. Dave Davis est un guitariste trop injustement méconnu car il nous prouve, sur cet album, qu'il est l'équivalent des meilleurs.
Un album qui, plusieurs decennies après sa parution, n'a pas pris une ride.


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Message par alcat01 » dim. 7 janv. 2024 18:50

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Pat Travers 1981 Radio Active
Pour ne pas s'endormiir sur ses lauriers, Pat Travers est de retour en studio pour enregistrer "Radio Active" en 1981, avec un nouveau batteur appelé Sandy Gennaro.
Cet album, avec plus de claviers, marque un léger retour à ses racines en utilisant la puissance du format classique du trio qui fait de lui une étoile montante au Royaume Uni.
Pat Travers s'est trouvé à la croisée des chemins pour développer un nouveau son. Il en a résulté cette collection de Hard Rock bluesy dans laquelle Travers concentre enfin sa virtuosité considérable sur un ensemble de morceaux concis.


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Message par alcat01 » lun. 8 janv. 2024 07:18

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Dando Shaft 1971 : Dando Shaft
Le principal changement sur le deuxième album de Dando Shaft est l'arrivée de la chanteuse Polly Bolton, dont le chant principal et les harmonies ajoutent une couleur et un attrait considérables au mélange vocal du groupe.
Le groupe s'est peut-être aussi rapproché un peu plus du Folk Rock, avec une base rythmique et mélodique plus standard sur certains morceaux.
En général, cependant, ils sont restés dans le même état d'esprit que lors de leurs débuts en 1970: un Folk à peine influencé par le Rock, similaire à Pentangle mais plus folklorique, et mettant davantage l'accent sur la mandoline, le violon et des tempos inhabituels.
Alors qu'un morceau comme "Whispering Ned" sonnait aussi traditionnel que le Folk Rock Britannique, d'autres chansons se rapprochaient un peu de la tradition des chansons Pop romantiques plus nostalgiques, comme "Sometimes", "'Til the Morning Comes" et "Waves Upon the Ether".
L'imagerie de la nature du premier album est toujours présente, même si elle n'est pas aussi importante, dans des chansons comme "Riverboat", l'un des moments forts avec la belle voix de Polly Bolton...


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Message par alcat01 » lun. 8 janv. 2024 07:19

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Light Ages (1993)
En 1993, Wigwam a sorti un album baptisé "Light Ages" sur le petit label Polarvox avec un single "Borders To Be Crossed" / "Planetstar".
De retour après 16 ans, avec ce nouvel opus, Wigwam continue dans la même direction musicale que ses tout derniers albums.
De toute évidence, sans Ronnie Österberg mais avec Jan Noponen à la batterie et avec Mikko Rintanen en remplacement de Hessu Hietanen aux claviers, il n'y a pas beaucoup de changements à leur son d'ensemble.
Le line-up sur ce disque inclut donc Pembroke, Rechardt, Groundstroem et les deux nouveaux, Noponen et Rintanen.
"Light Ages" continue l'évolution "moins artistique" du groupe, et le résultat est un son quasi Pop Rock.
Vu son titre, l'album est très probablement le plus 'léger' de Wigwam à bien des égards, et le groupe semble beaucoup plus détendu.
C'est un album très relaxant où l'atmosphère est tout à fait détendue et positive, et les vieux jours sont représentés par de nouvelles versions de "Tombstone Valentine" et "Friend from The Fields" qui n'apportent pas grand chose de nouveau au contenu de ces chansons.
Rekku est dans une très bonne forme et il y a quelques chansons comme "Talking Brought Me Here", "Friend From the Fields" et "No New Games" où il brille à la guitare: Son jeu s'inscrit dans la tradition Blues électrique issu des années 1960. Son choix de notes est similaire à Eric Clapton, mais son ton est plus proche de celui de Jimmy Page.
La voix de Pembroke a un peu changé au fil des ans: Son chant est plus profond et plus rauque, avec un registre de meilleure qualité que dans les années 1970 à l'apogée de Wigwam. Sur "Talking Brought Me Here" et en partie sur "Absalom", il se contente de réciter les paroles au lieu de les chanter.
La production est entièrement modernisée, avec une clarté digitale remplaçant la lueur analogique qui avait été la marque des premiers albums. Le son est plus fort et plus propre et il contient quelques touches subtiles qui se révèlent par une écoute attentive. Le son de l'enregistrement est cependant assez faible sur la basse avec un sentiment bizarre musicalement parlant, et l'album qui en résulte a un son global qu'on pourrait presque qualifier d'amateur.
"Light Ages" comporte quatre vieilles chansons (trois sont des remakes de classiques de l'ancien Wigwam dans de nouvelles versions et la dernière est de Pembroke en solo) et neuf totalement nouvelles. Bien que les nouvelles versions ne soient pas complètement dénuées d'intérêt, était-il nécessaire de les réenregistrer?
Certaines des nouvelles compositions ont un léger côté AOR et le claviériste Mikko Rintanen correspond parfaitement à ce style, et il offre quelques très savoureux solos de claviers alors que Rekku Rechardt est toujours égal à lui-même!
Les compositions sont toutes réalisées par Pembroke et les meilleurs morceaux ont tendance à être ceux que Pembroke et Rechardt ont écrit ensemble.
Quelques chansons, pourtant, semblent un peu plus banales, par exemple "False Alarm", et, à un degré moindre, "Pleasure Street", mais c'est juste un petit reproche.
En fait, c'est une bien triste indication de l'état des choses lorsque les vieilles chansons rabâchées sont les meilleures qu'un album peut offrir: Toutes les autres sont peut-être un peu trop lisses, malgré quelques bonnes nouvelles chansons comme "Borders to be grossed", "Absalom" et "Skyscraper".
La musicalité de l'album est pourtant parfaite, rien à redire:
Rekku donne quelques bons solos, et Mikko Rintanen gère bien son travail. Jimbo et Måsse font exactement ce que l'on attend d'eux.
La seule véritable déception vient de Jan Noponen avec sa batterie générique: Österberg n'était certainement pas un batteur très technique, mais son style était reconnaissable, et il donnait une certaine touche à la musique. Noponen n'a évidemment pas cette qualité.
Pour résumer: il y a quelques bonnes nouvelles chansons dont "Absalom", et les remakes sont plutôt gentillets.
Dans l'ensemble, "Light Age" est bon même s'il n'atteint pas le niveau de leurs chefs-d'œuvre précédents et c'est seulement la production lisse et anonyme qui, globalement, font que ce disque est quelque peu banal.
Heureusement que cet album de Wigwam est particulièrement très difficile à trouver parce que le label d'origine, Polarvox, semble avoir interrompu sa production et si c'est un album au son agréable, c'est finalement un style bien différent de la musique du Wigwam original.
Ce disque sera probablement une déception pour quiconque s'attendra à du Rock Progressif: Pour Wigwam, les jeux étaient faits.


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