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Moby Grape '69 (1969)
Après la surproduction de "Wow" et les improvisations sinueuses et sans but de "Grape Jam", Moby Grape semblait retrouver le rythme avec cet album, simplement intitulé "Moby Grape '69". Les notes de pochette du producteur David Rubinson font référence au battage promotionnel qui a déçu de nombreux fans des vertus de Moby Grape et aux excès qui ont poursuivi le groupe depuis, et bien que son mea culpa aille beaucoup plus loin que nécessaire, il accompagne un album qui a clairement trouvé Moby Grape désireux de revenir à l'activité de jouer du Rock direct et sincère.
"Moby Grape '69" est assez concis, la plupart des chansons durent moins de trois minutes et l'ensemble dure un peu moins d'une demi-heure, et les points forts sont proches de retrouver la magie électrique des débuts presque parfaits du groupe, en particulier le groove de "Hoochie", le Boogie influencé par le Doo Wop de "Ooh Mama Ooh", la joie béatifique de "It's a Beautiful Day Today", la célébration rauque d'un "Trucking Man" et la sagesse folklorique de "If You Can't Learn from My Mistakes".
Cependant, même si ces sessions ont permis aux guitaristes Peter Lewis et Jerry Miller, au bassiste Bob Mosley et au batteur Don Stevenson de jouer et de chanter au sommet de leur art et d'écrire de belles chansons, l'absence de Skip Spence, qui a quitté le groupe après "Wow", prive l'album d'une part importante de l'énergie et du dynamisme qui étaient la marque de fabrique de leurs meilleurs travaux en studio.
Il est significatif que le morceau le plus marquant de l'album, le final "Seeing", ait été écrit par Spence pendant les sessions de "Wow"; c'est une méditation poignante sur la folie qui pourrait bien être la plus grande chanson de Spence. Malgré les obstacles posés par l'absence de Spence, "Moby Grape '69" a été un véritable pas dans la bonne direction pour le groupe, et il est dommage qu'ils n'aient pas eu la chance de profiter davantage de leur nouvelle clarté.

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2022 The Art Of Time Travel
Avec "The Art Of Time Travel", le guitariste Pat Travers revient à son apogée des années 70, tout en restant d'actualité.
Qu'il s'agisse du titre d'ouverture avec son refrain proche de Styx, des doux "ooh" de "Ronnie", un hommage à Ronnie Montrose, ou de l'envolée sexy de "Move on", les chœurs solides et de haut vol contrebalancent parfaitement le grognement de Travers.
Bien sûr, la présence d'Alex Petrosky à la batterie et de David Pastorius (neveu de Jaco Pastorius) à la basse ne fait pas de mal non plus. Cette section rythmique laisse beaucoup d'espace à Travers pour déchirer quand il le faut, ce qu'il fait souvent, rappelant le Travers d'antan, ainsi que lorsqu'ils soutiennent de merveilleux moments de cuivres jazzy tissés dans l'instrumental "Full Spectrum", ou leur prise métrique sur l'instrumental spatial "Natalie" qui clôt l'album.
Dans un monde parfait (ou dans un monde où les rockers vintage auraient leur place sur les radios actuelles), il y aurait ici de nombreux morceaux qui feraient d'excellents singles, ainsi que des morceaux sur lesquels on pourrait s'asseoir, fermer les yeux et se perdre. The Art Of Time Travel vous emmènera certainement dans n'importe quel voyage musical.

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The Moody Blues 1969 : To Our Children's Children's Children
Travaillant dans le studio avec le procédé de doublage (overdubbing), ils créent des albums qui sont essentiellement l'équivalent d'un travail de vingt ou trente membres du groupe.
Leur musique continue à devenir plus complexe et symphonique, avec d'importantes quantités de réverbération sur les pistes vocales, ce qui nous amène à "To Our Children's Children's Children" de 1969, un concept album basé sur la célébration du premier alunissage.
À l'époque de l'album, le groupe se trouve, en quelque sorte, catalogué.
Inspiré par George Harrison, Justin Hayward commence à jouer du sitar et il l'incorpore petit à petit dans la musique des Moody Blues.
Graeme Edge trouve un rôle secondaire important dans le groupe comme auteur de poésie, et presque tous leurs premiers albums de la fin des années soixante commence par Mike Pinder récitant des poèmes de Edge qui sont conceptuellement liés aux paroles des chansons qui suivent.

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David Bowie 1971 : Hunky Dory
Après le Hard Rock effrayant de "The Man Who Sold the World", David Bowie revient sur le terrain de l'écriture et de la chanson avec "Hunky Dory". Non seulement l'album comporte des chansons plus Folk ("Song for Bob Dylan", "The Bewlay Brothers"), mais il flirte à nouveau avec la musique dancehall à la Anthony Newley ("Kooks", "Fill Your Heart"), laissant apparemment le Heavy Metal derrière lui.
"Hunky Dory" est donc un éventail kaléidoscopique de styles Pop, uni uniquement par le sens de la vision de Bowie: un vaste mélange cinématographique de grand et de petit art, de sexualité ambiguë, de kitsch et de classe.
La guitare de Mick Ronson est reléguée au second plan, laissant le piano cabaret de Rick Wakeman dominer le son de l'album. Ce soutien discret accentue la profondeur des compositions de Bowie, qu'il s'agisse du 'Tin Pan Alley revisité' de "Changes", de l'hommage à Neil Young "Quicksand", de l'envolée de "Life on Mars?", de l'hymne roulant vaguement homosexuel "Oh! You Pretty Things" ou du sombre Rock acoustique "Andy Warhol".
À première vue, un tel éventail de styles et de sons rendrait l'album incohérent, mais l'écriture améliorée de Bowie et son sens déterminé du style ont fait de "Hunky Dory" une pierre de touche pour la réinterprétation des traditions en une musique Pop fraîche.

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1982 Flat Out
Le chanteur et lead guitariste de Blue Öyster Cult, Donald "Buck Dharma" Roeser, a sorti un album solo, "Flat Out", sous le nom de Buck Dharma en 1982.
C'était l'année qui suivait le succès commercial et artistique de "Fire of Unknown Origin" de BÖC.
Dharma ne semble pas savoir quelle direction "Flat Out devrait prendre. C'est un mélange schizophrénique sur le plan musical et lyrique. Il joue pratiquement de tous les instruments, mais les invités spéciaux comprennent des magiciens de session comme le bassiste Will Lee et le batteur Steve Jordan, le nouveau batteur de BÖC Rick Downey et le bassiste classique d'Alice Cooper Dennis Dunaway, ainsi que le batteur Neal Smith.
La femme de Dharma, Sandy Roeser, a coécrit quelques chansons et contribue aux choeurs. La production est soignée et la guitare de Dharma conserve sa capacité à piquer gentiment les tympans, mais les chansons sont plutôt molles.
"Born to Rock" a un côté punk, quelques paroles intelligentes et un solo de guitare déchirant. La décontractée "That Summer Night" s'appuie sur une mélodie pop. Le meilleur aspect de "Cold Wind" est l'arrangement de la guitare: un riff de guitare électrique lent, digne des années 1950, surmonté d'une guitare acoustique légèrement grattée. "Your Loving Heart" est tout simplement bizarre... et embarrassant. Les paroles tentent des chocs morbides à la BOC (la chanson parle littéralement d'une transplantation cardiaque), mais elles sont risibles. Le pont bizarre où le "personnel hospitalier" hurle du jargon médical provoque également des ricanements. "Five Thirty-Five" est un Hard Rock mélodique et plein d'entrain, avec une jam dansante à la fin. La meilleure chanson est l'instrumentale sombre et planante "Anwar's Theme".
"Flat Out" n'est même pas entré dans les Charts albums du Billboard.

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1974: Twin Peaks
Enregistré à Osaka, au Japon, en 1973, "Twin Peaks" est le deuxième album live consécutif de Mountain, bien qu'il présente la version reformée et quelque peu reconfigurée du groupe, composée de Leslie West (guitare, chant), Felix Pappalardi (basse, chant), Bob Mann (guitare, claviers), et Allan Schwartzberg (batterie).
Il ne chevauche son prédécesseur, "The Road Goes Ever On", que sur deux morceaux, "Crossroader" et "Nantucket Sleighride", et ce dernier est encore plus long que sur l'album précédent, puisqu'il dure 32 minutes. Le contenu finit par montrer les incontournables comme "Theme from an Imaginary Western", "Mississippi Queen", "Never in My Life" et "Roll Over Beethoven", mais aussi "Nantucket Sleighride". Ce dernier, d'une durée de plus d'une demi-heure, était précisément ce que les spectateurs de l'époque payaient pour voir et entendre, et capture la musique du groupe dans toute sa gloire excessive. En outre, "Nantucket Sleighride" ne semble pas si long à l'écoute, principalement parce qu'il est difficile de ne pas être impressionné par le jeu, en particulier par le dialogue à la guitare entre West et Mann.
"Twin Peaks" est un document digne d'un concert de Mountain à son sommet.

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1973 - Wintrup
L'album "Wintrup" de 1972 de Kraan a montré un certain mouvement vers un son plus Jazz-Funk.
C'est certainement le plus faible des premiers albums du quatuor original. D'ailleurs, aucun des morceaux n'a été intégré à leur répertoire en concert, comme en témoigne leur fantastique album Live de 1975.
L'album est plus axé sur les guitares, plus Rock. Il vaut la peine d'être écouté, mais ne satisfait pas pleinement ceux qui recherchent le "son Kraan' très spécifique.

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Truly Fine Citizen (1969)
Le dernier album de Moby Grape pour Columbia, "Truly Fine Citizen" est sorti à la fin de 1969.
Après le départ de Bob Mosley, le trio restant s'installa à Nashville où ils firent cet album en seulement trois jours avec le légendaire producteur Bob Johnston de Columbia Records. Cet album clôturait, en fait, le contrat du groupe avec ce label.
À l'époque, au milieu de différends juridiques, certaines chansons écrites par les membres du groupe étaient plutôt portées au crédit à leur road manager, Tom dell'Ara. En particulier, les chansons écrites par Jerry Miller et Don Stevenson devenaient des chansons de Tom dell'Ara, pour lutter contre les redevances que Matthew Katz avait retenue à la source sur les enregistrements précédents.
Le remplacement de Bob Mosley à la basse avait été fait par le célèbre musicien de session de Nashville, Bob Moore, qui avait joué de la basse sur plusieurs sessions d'Elvis Presley et avait été l'un des fondateurs de Monument Records, la maison d'enregistrement de Roy Orbison depuis de nombreuses années.

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1969 - Magick Brother
En 1970, le monde découvre le Gong original de Daevid Allen, lorsque "Magick Brother" est sorti en France sur le label BYG.
La femme d'Allen, Gilli Smyth, a écrit toutes les chansons de l'album, et le dessin désormais classique d'Allen, "Ph.P.", orne l'intérieur de la pochette.
Penchant un peu vers l'extrémité Pop du spectre, "Magick Brother" est un album assez léger, dépourvu des qualités psychédéliques / hippies flagrantes qui transparaissent si brillamment par la suite. Le "space whispering" de Smyth fait son apparition sur le morceau d'ouverture, bien que l'album ne soit pas aussi épicé qu'il est éthéré. "Gong Song" est un point fort, avec des paroles décrivant un lutin drogué qui est descendu de la planète Gong pour chanter sa chanson verte - les racines du mythe Gong.
Le son de la guitare d'Allen est un peu plat et creux tout au long du projet, la dynamique prenant le pas sur la plupart de ces enregistrements. Il a recours à la distorsion et à diverses augmentations de la guitare, mais tout cela fonctionne assez bien dans le contexte du son collectif. La plupart des harmonisations vocales de l'album sont typiques des troupes pop des années 60 et sonnent assez désuètes aujourd'hui. Le saxophone et la flûte de Didier Malherbe donnent du piquant à cet album de prog rock principalement orienté vers la pop, ce qui contribue à le placer au-dessus de la norme radiophonique. Bien qu'il s'agisse d'un disque intéressant, surtout parce qu'il s'agit du premier projet de Gong, il n'est pas typique de Gong et n'est pas recommandé comme point de départ pour un échantillonnage des enregistrements du groupe.

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The Moody Blues 1970 : A Question of Balance
Dès l'album "A Question of Balance" en 1970, le groupe prend la décision d'enregistrer des albums qu'ils pourraient jouer en concert, en réduisant leur dépendance à l'égard de l'overdubbing et le durcissement de leur son. Le nouveau son plus dépouillé est encore plus populaire auprès des fans, et l'album atteint le numéro 1 en Grande-Bretagne et le numéro 3 en Amérique.
Cet album, atteignant le numéro 3 dans les charts américains et le numéro 1 des charts britanniques, est un signe de succès croissant en Amérique.
N.B.: Justin Hayward commence une exploration artistique de la tonalité de sa guitare grâce à l'utilisation de nombreuses pédales d'effets, et développe pour lui-même un son bourdonnant très mélodique de la lead guitare.

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1972: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
Empruntant fortement au Glam Rock et au choc futuriste de "A Clockwork Orange", David Bowie est revenu au Heavy Rock de "The Man Who Sold the World" pour "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars".
Construit comme un concept album libre sur une Rock Star extraterrestre androgyne nommée Ziggy Stardust, l'histoire s'effondre rapidement, mais les paroles fracturées et paranoïaques de Bowie évoquent un avenir décadent et la musique fait écho à une apocalypse et à une peur nucléaire.
En étoffant le mélange métallique décalé avec des guitares plus grasses, de véritables chansons Pop, des sections de cordes, des claviers et une touche cinématographique, Ziggy Stardust est un ensemble clinquant de riffs, d'accroches, de mélodrame et de style, et l'aboutissement logique du Glam.
Mick Ronson joue avec un flair de franc-tireur qui revigore des Rocks comme "Suffragette City", "Moonage Daydream" et "Hang Onto Yourself", tandis que "Lady Stardust", "Five Years" et "Rock 'n' Roll Suicide" ont un sens grandiose de la mise en scène dramatique jamais vu dans le Rock. Et ce sens du théâtre conscient de lui-même explique en partie pourquoi Ziggy Stardust sonne si étranger.
Bowie réussit non pas en dépit de ses prétentions, mais grâce à elles, et Ziggy Stardust - familier dans sa structure, mais étranger dans son interprétation - est la première fois que sa vision et son exécution se rencontrent d'une manière aussi grandiose et étendue.

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Rare Earth 1968 Dreams / Answers
En 1968, le groupe the Sunliners enregiste un album intitulé "Dreams /Answers" sur le label Verve, mais celui-ci, sous-estimé, ne rentre pas dans les Charts.
Plus psyché que Soul, avec une bonne utilisation de l'orgue et des lignes de guitares et de basses qui tuent. Les lignes de basse lourdes et la batterie solide en font l'un des meilleurs albums Soul aux yeux bleus.
On se retrouve avec beaucoup de jams up beat et de bons grooves, parfois même les deux dans la même chanson. Un peu d'humour, un peu d'humour, un peu d'humour. Il n'y a pas d'autre choix que de s'en remettre à la musique pour se faire plaisir.
N.B.: Cet album sera réédité plus tard sous le nom de groupe de Rare Earth...

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Mountain 1974 : Avalanche
Le travail en studio sur "Avalanche", paru en 1974, avec l'aide du guitariste rythmique David Perry et Corky Laing, une fois de plus à la batterie à la demande express de Leslie West, a été le dernier du groupe pendant plus d'une décennie.
Faisant suite au live "Twin Peaks", cet album présente un son plus orienté vers la guitare que les précédents. Parmi les points forts, citons la reprise de "Whole Lotta Shakin' Goin' On" de Jerry Lee Lewis et "You Better Believe It", cette dernière sonnant comme un retour à l'époque de "Climbing".

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Kraan 1974 Andy Nogger
Tous les rythmes exotiques et l'interaction complexe entre la basse agile de Hattler et la guitare de Wolbrandt, avec l'alto électronique modifié de Pappert sonnant comme presque rien, mais surtout comme un saxophone sur certains morceaux. La gamme dynamique de Pappert est très large et il est devant sur certains tons et presque invisible sur les autres.
Chaque album du groupe contient quelques étranges vocalises de Wolbrandt, qui présentent des paroles impressionnistes qui sont autant bizarement chantées que parlées. Heureusement, les passages vocaux sont peu nombreux et relativement brefs, alors, ceux qui n'ont jamais aimé la voix de Wolbrandt n'ont pas à l'écouter bien longtemps.

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Moby Grape 20 Granite Creek (1971)
Les cinq membres originaux se réunissent en 1971 et sortent "20 Granite Creek" pour le label Reprise Records.
À la fin des années 60, Moby Grape était pratiquement fini, du moins c'est ce que tout le monde pensait. Après une tentative avortée d'album solo de Peter Lewis, le producteur David Rubinson a pu aider à mettre au point cette reformation des cinq membres d'origine, ainsi que du membre supplémentaire Gordon Stevens, qui joue de divers instruments à cordes.
Ecrit et enregistré dans la maison commune du groupe dans les montagnes de Santa Cruz, le résultat de l'expérience a donné "20 Granite Creek", un album qui est à juste titre le successeur du premier album, éponyme, de Moby Grape de 1967.
L'un des exemples les plus brillants est le funky et rapide "Goin' Down to Texas" de Peter Lewis, qui illustre clairement la puissance de Moby Grape dans cette formation originale à trois guitares. Skip Spence, qui était l'un des auteurs les plus intéressants du groupe, contribue à une chanson, la délicate et magnifique "Chinese Song" aux sonorités orientales. L'ensemble de l'album ressemble beaucoup à "L.A. Woman" des Doors, un autre grand album de retour fait maison.
Bien sûr, les ventes n'ont, comme toujours, pas marché..

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Gong 1971: Camembert électrique

C'est un classique, la quintessence de la première phase de Daevid Allen en pleine gloire.
À ses débuts, Gong était un groupe de Rock Progressif unique qui s'orientait dans toutes les directions à la fois, alors que la plupart des autres groupes de prog choisissaient simplement une voie ou une autre.
"Camembert Electrique" en est la preuve. Le rock éclectique 'fromage électrique' du groupe est un mélange de Rock Psychédélique, d'atmosphères et de paroles épicées, et de doses de Jazz souvent présentées avec une sensibilité Pop, mais toujours intenses.
Dès le premier morceau, on est transporté sur la planète Gong par la voix d'un "gnome radio" qui intervient par intermittence pour rappeler que l'on n'est plus au Kansas. Daevid Allen dirige le groupe à travers plusieurs compositions qui rappellent musicalement (mais pas au niveau des paroles), et sont peut-être influencées par les débuts de King Crimson - un son dur et brut propulsé par un combo guitare-saxe-percussion puissant.
Le batteur Pip Pyle n'a participé qu'à quelques sessions de Gong; il est une figure majeure, tout comme le saxophoniste Didier Malherbe. Tous deux sont au premier plan sur le Rock Progressif gémissant "You Can't Kill Me", qui met également en scène le guitariste Allen en pleine forme. Le déclaratif "I've Bin Stone Before" d'Allen, première partie d'un medley inventif de trois chansons, est particulièrement intéressant; l'orgue d'église introductif et le saxophone d'avant-garde font de ce morceau une autre expérience unique de Gong. Mais le véritable joyau de Camembert est "Tropical Fish: Selene". Cette composition jazzy est la pièce la plus impliquée et la plus complexe de l'enregistrement. Le groupe évolue étroitement à travers plusieurs mouvements progressifs et Gilli Smyth marque des points avec son "murmure de l'espace" caractéristique.
"Camembert Electrique" n'est toujours pas daté après plus de 50 ans et il survole encore la plupart du catalogue de Gong.

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The Moody Blues 1971 : Every Good Boy Deserves Favour
"Every Good Boy Deserves Favour", un album de 1972 nommé d'après une théorie de la musique mnémonique, inverse la tendance aux arrangements (légèrement) plus simples commencés avec "Question of Balance", réintroduisant des éléments symphoniques intéressants tout en présentant un ensemble de mélodies bien plus fortes que l'album précédent.
Comme plusieurs autres de leurs albums, 'Every Boy Deserves Favour" contient un morceau d'ouverture 'conceptuel' avec "Procession".
Bref, une acquisition quasi indispensable pour tout fan de Moody Blues.

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1973: Aladdin Sane
"Ziggy Stardust" a tracé les grandes lignes du Glam Hard Rock de David Bowie, et "Aladdin Sane" suit essentiellement le modèle, pour le meilleur et pour le pire.
Plus léger que "Ziggy Stardust", "Aladdin Sane" est, en fait, un album plus étrange que son prédécesseur, porté par les bizarreries lounge-jazz du pianiste Mick Garson et par une poignée de chansons sinueuses et vaguement expérimentales.
Malgré tous les plaisirs qu'offre "Aladdin Sane", il n'y a pas véritablement de son ou de thème distinctif pour rendre l'album plus cohérent; c'est Bowie qui suit le sillage de Ziggy Stardust, ce qui signifie qu'il y a une richesse de matériel classique, mais, peut-être pas assez de concentration pour faire de l'album lui-même un classique.

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Rare Earth 1969 Get Ready
Le premier véritable album de Rare Earth est publié en Août 1969 et il s'intitule "Get Ready", une suite de 21 minutes d'une reprise d'un vieux single des Temptations qui occupe toute une face du LP.
Afin de passer à la radio, le single "Get Ready" est édité avec une longueur plus raisonnable et il grimpe plus rapidement au numéro 4 dans le Billboard singles Charts.
Le succès du single pousse également l'album "Get Ready" vers les Charts. Il se révèlera être le plus élevé des singles et des albums de la carrière de Rare Earth. Cette reprise a donc eu plus de succès que l'original.
Ce disque s'est vendu à plus d'un million d'exemplaires, et a reçu un Disque d'Or décerné par the Recording Industry Association of America.

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1985: Go For Your Life
Leslie West est enfin autorisé à reformer Mountain avec Corky Laing et le bassiste Mark Clarke (ancien membre de Colosseum / Uriah Heep / Billy Squier) pour faire l'album "Go for Your Life" en Mars 1985, mais le groupe se sépare de nouveau rapidement.
C'était le premier album de Mountain sans Felix Pappalardi, qui avait été tué par balle par sa femme Gail Collins en 1983. Le morceau de clôture, "Little Bit of Insanity", est dédié à la mémoire de Pappalardi, et le la pochette de l'album a également été conçue en pensant au bassiste / producteur déchu.
L'album présente le bassiste Mark Clarke, qui avait été membre d'Uriah Heep et Colosseum, et il a été produit par Pete Solley, qui a travaillé avec un large éventail d'artistes, dont les Rolling Stones et The Allman Brothers Band.
La rythmique, telle qu'elle est jouée est décevante, surtout pour le duo Laing / Clarke, énorme sur le papier!
"Go For Your Life" ne figura qu'à la 166e place des Charts Américains lors de sa sortie en Mars 1985.