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Message par alcat01 » sam. 2 mars 2024 09:19

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Jubilation (1998)
L'album "Jubilation" du Band, publié en 1998, a été enregistré avec l'aide de guest stars comme Eric Clapton et John Hiatt,
Ce disque a été enregistré dans la grange de Levon Helm à Woodstock, au Printemps de 1998.
Musicalement, C'est un album bien moyen qui semble avoir perdu son âme en route...


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Message par alcat01 » sam. 2 mars 2024 09:51

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1978 - Snake, Rattle & Roll
Crawler s'est concentré sur le marché Américain et en travaillant avec le producteur Gary Lyons, ils ont sorti un deuxième LP, "Snake, Rattle & Roll" en 1978, un album un peu plus commercial ciblant principalement le marché Américain.
L'album a reçu une bonne presse, mais ses ventes furent limitées.
Les contributions du guitariste Geoff Whitehorn ont été "How Will You Break My Heart" et "Where Is The Money?": Cœur brisé et argent, ou son absence, se sont trouvés dans de nombreux thèmes de chansons de Crawler, qui étaient pour la plupart écrits par Rabbit (et le reste par Terry Wilson).


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Message par alcat01 » sam. 2 mars 2024 13:32

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1990 - The Rest of the Dream
C'était l'un bon album que le Nitty Gritty Dirt Band a sortis en 1990, lorsque John McEuen n'était pas dans le groupe. Mais un bon choix de chansons et une musicalité exceptionnelle ont plus que compensé sa perte.
Le premier morceau est une version entraînante de "From Small Things (Big Things Some Day Come)" de Bruce Springsteen, un choix brillant de chanson à reprendre! Deux chansons écrites par John Hiatt sont également des moments forts, tout comme "Blow Out the Stars, Turn Off the Moon" de Bobby Braddock.
Un groupe de musiciens d'accompagnement, dont les puissants Jerry Douglas et Randy Scruggs, contribue également à donner plus de punch à la fête.
Cet agréable album n'est peut-être pas leur meilleur, mais un ajout solide à leur production d'enregistrement.
On y trouve notamment "Wishing Well", "Hillbilly Hollywood", "Waitin' on a Dark-Eyed Gal", "From Small Things (Big Things One Day Come)".


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Message par alcat01 » sam. 2 mars 2024 15:53

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1978: Seven Worlds
Entre 1976 et 1978, Eric Johnson et son groupe ont enregistré un album complet intitulé "Seven Worlds".
Johnson avait auparavant signé un contrat d'exclusivité avec la société d'agent artistique Lone Wolf Produtions qui est chargée d'obtenir un contrat avec une maison de disque pour publier l'album. Espérant parvenir avec un accord avec une major, Lone Wolf refuse plusieurs offres de labels moins importants; finalement, l'album ne peut sortir. Ce n'est que bien plus tard, en 1998, que "Seven Worlds" pourra être enfin publié.
En fait, en raison de divers différends, la sortie générale a été différée jusqu'à ce que Johnson n'ait enfin obtenu les droits sur les masters d'enregistrement, vingt ans plus tard.
Johnson avait, entre temps ré-enregistré les titres "Zap" et "Emerald Eyes" pour son premier album général paru en 1986, "Tones".
"Seven Worlds" est une véritable perle rare pour les fans de ce guitariste-compositeur acclamé.
Cet album est bien plus qu'une collection prometteuse de demos; c'est un album complet, entièrement produit, qui met en valeur tout le talent déjà impressionnant de Johnson, non seulement en tant que virtuose de la guitare, mais aussi en tant que compositeur de Pop Rock. Un seul petit bémol, les vocaux sont un peu faiblards.
Encore une fois, Eric était vraiment en avance sur son temps. La production sur la plupart des chansons parait peut-être quelque peu datée et certaines des paroles sont aussi un peu 'ringardes', mais le travail et le jeu d'Eric est tout simplement exceptionnel! Le solo de "By Your Side" est même incroyable.
Des morceaux tels que "Showdown" montrent clairement son talent, même à un stade encore assez précoce.
Un faux départ chic pour une grande carrière, et un must pour les fans d'Eric Johnson. Et il ne faut pas oublier une super section rythmique, avec surtout un énorme batteur, Bill Maddox.
Bien qu'il s'agisse d'enregistrements qui datent, certains sont inédits et d'autres sont des versions originales des meilleurs morceaux de l'album de 1986, "Tones"; le jeu est toujours exceptionnel, et le fait qu'il s'agisse d'un enregistrement beaucoup plus 'brut' que les précédents incite vraiment à l'écouter plus encore.
Bien que cet album n'offre pas le paysage sonore écrasant de l'album de 1996, "Venus Isle", sa production dépouillée laisse grandement éclater le jeu d'Eric.
C'est surtout un disque qui comporte certaines des meilleures chansons d'Eric. "Emerald Eyes" et "A Song for Life" ont été inspirés par un vieil 'ami'.
Les deux premières chansons, "Zap" et "Emerald Eyes" apparaissent également sur les albums suivants. Cependant, ils sont présentés ici dans un état moins mature.
"Zap" est un morceau de guitare bouillante. C'est un grand morceau, tous ses fans vont adorer ajouter cela à leur collection.
La troisième piste, "Dry Ice", donne une pépite de style 'Beck' avec les harmoniques et la brillance pure de l'improvisation.
"Showdown", apparemment une chanson sur un duel au pistolets dans l'ouest Américain, comporte des guitares et des vocaux presque poppy. C'est un peu court et pas très varié, mais la mélodie est jolie, tout comme la guitare.
L'intrumental "A Song for Life" est tout aussi merveilleux.
Il est cependant difficile de croire à quel point cette musique sonne encore fraîche à l'heure d'aujourd'hui!


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Message par alcat01 » sam. 2 mars 2024 17:48

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B.B. King Sings Spirituals (1960)
Pendant une bonne partie des années 1950, B.B. King a enregistré pour les labels RPM et Kent des frères Bihari, qui avaient publié des collections de singles sur LP dans le cadre de leur série Crown Records à prix réduit.
"B.B. King Sings Spirituals" est apparu à l'origine sur un LP de Crown en 1959, mais il s'agissait moins d'une collection de singles que d'un véritable travail d'amour pour King, qui y voyait l'occasion de revenir à la musique d'église baptiste et pentecôtiste de son enfance. Cette réédition de Diablo Records reproduit le disque Crown dans l'ordre original.
Il est facile d'oublier que King n'est pas seulement un joueur de Blues avec un style de guitare particulièrement distinctif; c'est aussi un chanteur, et dans les années 1950, il travaillait vraiment plus du côté du R&B que de la moitié du Blues, et, comme le montrent ces morceaux, ses racines ont toujours été profondes dans le Gospel.
L'instrumentation est clairsemée et adaptée au matériau spirituel: orgue, piano, basse et batterie, avec des tonnes de claquements de mains et de soutien choral, et absolument aucune guitare. Le chant de King est une révélation pour ceux qui ne le connaissent que pour son travail sur le Blues, car il se libère et chante vigoureusement sur des morceaux comme le très entraînant "Ole Time Religion" et le très rythmé "Army of the Lord".
C'est B.B. King, on le suppose, avant que l'excitation ne disparaisse. Il a l'air absolument jubilatoire.


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Message par alcat01 » sam. 2 mars 2024 19:39

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Rocking The World (1975)
"Rocking The World" est leur premier album de Earth Quake pour un nouveau label qui est mixé à partir de concerts du groupe capturés en live, avec parfois un cinquième membre avec l'addition du guitariste chanteur Gary Phillips (ex Copperhead) dans certains moments très inspirés, et qui les fait rester plus longtemps qu'avec A & M.
Composé de concerts live à partir de 1975, ce premier album de Earth Quake révèle un quintuor qui sonne comme un orchestre habitué à jouer dans les cafés de quartier.
Dès 1975 Earth Quake jouaient des reprises de "Route 66" de Bobby Troup, "Ma Ma Ma Belle" de The Electric Light Orchestra, ou encore le "Friday on My Mind" des Easybeats, une version de "Tin Soldier" de Nice ou des Small Faces ainsi que du matériel original comme "Mr Security" et "Sittin in the Middle of Madness".
Groupe de bar, évidemment, Earth Quake sonne comme un groupe qui ne manque cependant pas d'inspiration.




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Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 10:20

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1974: Burn
Le groupe que l'on a communément baptisé Deep Purple Mark III a sorti son premier album, "Burn", produit par le groupe, en Février 1974 sur le label Purple (EMI) en Europe et Warner Bros. Records aux États-Unis et au Japon et c'est le premier opus à mettre en vedette Coverdale, alors inconnu, au chant et Hughes, ancien membre de Trapeze, à la basse et au chant.
Ce disque fut enregistré à Montreux, en Suisse, en Novembre 1973, avec l'aide du Mobile Studio des Rolling Stones.
Avec l'arrivée de Coverdale et Hughes, le changement de direction musicale est parfaitement radical, le groupe incorporant des sonorités Soul (la voix de Hughes), funky (la basse du même Hughes) et Blues (la voix de Coverdale) à son Hard Rock. Coverdale et Hughes se partagent le chant sur tous les titres à l'exception de "Mistreated" que Coverdale chante seul et "A 200" qui est un titre instrumental. Lord délaisse par moment son orgue Hammond pour le piano électrique sur "What's Goin' On Here" ou le synthétiseur sur "A 200".
Hughes a participé à l'écriture des chansons, mais n'a pas été crédité en raison d'obligations contractuelles non expirées. Cependant, l'édition du 30ième anniversaire de l'album inclut Hughes dans les crédits pour tous les titres, à l'exception de "Sail Away", "Mistreated", "'A' 200" et le titre bonus "Coronarias Redig".
L'album se classe dans le Top 10 de nombreux pays (États-Unis, Royaume-Uni, Canada, Australie...), il atteint la troisième place du UK Albums Chart, la neuvième place du US Billboard 200, et même la première place en Allemagne, Autriche et Norvège. En France il se hisse à la 4ième place et il a été certifié Disque d'Or en 1977 pour plus de 100 000 exemplaires vendus.
Le premier single "Might Just Take Your Life", sorti le 4 Mars, a été le premier single Britannique de Deep Purple depuis deux ans.


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Message par Harvest » dim. 3 mars 2024 10:39

Dernier album acheté du groupe. Jamais aimé le jeu du bassiste et le côté funky donné à quelques compos. Restent le grandiose Paice, le jeu flamboyant de Blackmore et la grande classe de Lord.

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Message par Jitoma » dim. 3 mars 2024 10:45

Harvest a écrit :
dim. 3 mars 2024 10:39
Dernier album acheté du groupe. Jamais aimé le jeu du bassiste et le côté funky donné à quelques compos. Restent le grandiose Paice, le jeu flamboyant de Blackmore et la grande classe de Lord.
Je partage ton avis sur le jeu du bassiste, dont je n'aime également pas la voix dans le contexte de Purple. Le feeling soul, s'il surprend de prime abord chez eux, est bien plus pertinent à mon sens sur Come Taste The Band, les morceaux s'y prêtent davantage.

Je n'ai jamais entendu l'album en temps réel mais je peux imaginer qu'à l'époque cela a dû déconcerter le public, à plus forte raison qu'avec son MkII, Purple avait trouvé sa forme véritablement classique et emblématique. Ce qui est intéressant néanmoins, à titre rétrospectif tout du moins, c'est le coup de fouet que certains morceaux (Lay Down Stay Down, Burn, Might Just Take Your Life) viennent coller sur une formule qui semblait un peu s'assoupir sur Who Do We Think We Are (que j'aime pourtant beaucoup pour son côté contre-temps à l'image de Fireball, qui testait d'autres ambiances et une autre écriture). Il y en a un qui me semble bien tirer son épingle du jeu avec cet album et ce renouvellement, c'est Blackmore, qui balance des riffs et des parties lead du meilleur cru.

Après, qu'elle est moche cette pochette, tiens.

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Message par Harvest » dim. 3 mars 2024 11:07

D’accord avec toi. Quant à Fireball, c’est un album que j’aime de plus en plus, après 52 ans d’écoute ça me semble être une belle performance. :ange:

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Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 11:10

Il est vrai qu'à l'époque, celà déconcertait un peu, mais il faut toujours avoir une bonne ouverture d'esprit sur la musique et ça changeait surtout, du tout au tout, et ce n'était pas si mal, car le groupe commençait à tourner en rond et du sang frais ne pouvaut pas faire de mal, du moins, à mon humble avis!
Il est vrai qu'il fallait s'habituer à de nouvelles voix et à une musique plus funky, mais, après le premier instant de surprise passé, je trouve que cet album tient très bien la route!

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Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 11:13

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Airconditioning (1970)
L'album, "Airconditioning" de Curved Air, paru en 1970, comprend le single "It Happened Today" et le morceau live préféré de beaucoup, "Vivaldi".
Un mélange fascinant d'électronique, de Rock Progressif, de Folk acoustique, de classique et un peu de Jazz Fusion, l'album atteint le numéro 8 dans les British Charts.
Un rôle de premier plan est donné au chant et au violon.
L'un des meilleurs moments de l'album est, sans contestation, le morceau "Vivaldi", une réinterprétation de sept minutes de "The Four Seasons" par Darryl Way, qui comprend de superbes envolées de violon.
Cet album est sorti, à l'époque, avec l'aide d'un énorme battage et d'un grand budget promotionnel.


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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par Cooltrane » dim. 3 mars 2024 12:57

Jitoma a écrit :
dim. 3 mars 2024 10:45
Harvest a écrit :
dim. 3 mars 2024 10:39
Dernier album acheté du groupe. Jamais aimé le jeu du bassiste et le côté funky donné à quelques compos. Restent le grandiose Paice, le jeu flamboyant de Blackmore et la grande classe de Lord.
Je partage ton avis sur le jeu du bassiste, dont je n'aime également pas la voix dans le contexte de Purple. Le feeling soul, s'il surprend de prime abord chez eux, est bien plus pertinent à mon sens sur Come Taste The Band, les morceaux s'y prêtent davantage.
Bon bassiste, mais qui n'avait pas sa place dans le pourpre foncé (du moins du temps de Blackmood), aussi bien pour le jeu de basse (parfois très efficace, comme dans You Fool No One), mais surtout pour sa voix. Accessoirement GH est un trouduc de première (tout comme Ritchie), qui s'y croit un peu trop - pas que Coverdale était en reste, plus tard.

J'ai été jusqu'à l'excellent Made In Europe (mais j'avais sauté Taste the Band >> Trapeze avait aussi des nom débiles pour leurs albums), puis vite revendu Perfect Stranger après avoir vu la tournée (Stormbringer n'avait pas fait long feu chez moi non plus >> deux morceaux à sauver).

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Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 13:30

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1997 - Pastime Dreamer
L'album "Pastime Dreamer" de Crawler, paru en 1997, est un excellent album de bonnes / excellentes chansons bien interprétées.
La sensation live des morceaux les rend en fait meilleurs que les versions studio des deux albums de Crawler. C'est aussi bien d'avoir une version live de la chanson Blue Soul de Back Street Crawler.

Je recommande!!!

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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 14:36

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Nitty Gritty Dirt Band 1991 Live Two Five
Enregistré lors de trois concerts au Red Deer Fine Arts Center en Alberta, au Canada, en 1991, "Live Two Five" contient une bonne partie des grands succès du groupe.
Constitué principalement de versions fidèles et légèrement allongées de leurs classiques Country Rock décontractés, seuls un méandreux "Ripplin' Waters" de 11 minutes et un instrumental à l'harmonica sur "Harpo" constituent des points faibles significatifs.
Bien sûr, la plupart des chansons finissent par se résumer à des applaudissements et des chants de foule de la part des membres du groupe, ce qui fait que cet album s'adresse aux fans les plus assidus. Néanmoins, il y en a assez pour maintenir l'intérêt du fan occasionnel.


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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 16:18

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1986: Tones
Tones", le premier album d'Eric Johnson sur une major, Reprise Records, sort en 1986.
A cette époque, deux géants de la guitare plus ou moins connus représentaient la scène locale d'Austin et il y avait, bien sûr, une rivalité très amicale entre les deux. Bien que très différent l'un de l'autre, il ne fait aucun doute qu'Eric a été inspiré par Stevie Ray Vaughn, et il ne fait aucun doute que Stevie Ray était motivé pour continuer à élever la barre plus haute - car il ne pouvait s'empêcher d'entendre parler de la façon dont Eric était reçu dans les cercles de musique d'Austin et au-delà.
Ce fut un moment vraiment spécial, et avoir ces deux là, en tant que pairs, jouant et évoluant à Austin ensemble, a créé un genre de creuset qui a fait que tous ceux qui aspiraient à être musiciens à Austin étaient beaucoup mieux, parce qu'ils savaient qu'ils n'avaient aucune chance avec le public ou la critique, ou même l'obtention de réservations dans les bars là-bas, s'ils ne pouvaient pas tout d'abord être à la hauteur.
Les poseurs étaient systématiquement rejetés. Tous les musiciens de l'époque ont bénéficié de cet environnement que Stevie, puis Eric, ont contribué à créer et à légitimer.
Stevie Ray Vaughn et Eric Johnson ont d'ailleurs joué ensemble plusieurs fois: Ils ouvraient et / ou étaient tête d'affiche l'un pour l'autre dans certaines occasions. Ils ont ainsi joué ensemble, par exemple, à la Austin Opry House.
Les chansons qui composent "Tones" avaient été écrites et enregistrées quelques années avant sa sortie. Il présente certains des meilleurs travaux qu'Eric ait jamais écrits.
Johnson n'est peut-être pas le guitariste le plus connu mais il est par contre l'un des plus doués. Son travail est toujours nouveau, frais et agréable à entendre. Il y a beaucoup de chansons qui ne peuvent que piquer la curiosité de tout auditeur, notamment "Soulful Terrain", "Friends", "Emerald Eyes", "Off My Mind" ou encore "Zap".
Les ponts, les sons et l'atmosphère de "Tones" qui ne manque pas d'énergie ne sont pas du Hard Rock ou du Heavy Metal, mais c'est assez génial toutefois et c'est encore de l'Art musical à l'état pur!
Au cours des années de carrière d'Eric, son style de jeu et de chant a quelque peu changé. Beaucoup de gens critiquent sa voix mais, après tout, on n'achète pas un disque d'Eric Johnson pour son chant. Et les paroles ne sont pas géniales, mais elles s'adaptent à la musique, et Johnson n'a jamais prétendu être un chanteur...
Par contre, il peut faire chanter, crier, parler, et même chuchoter sa guitare.
Il a été nominé pour la meilleure performance instrumentale Rock aux 1987 Grammy Awards.
Il faut aussi se rappeler, à toutes fins utiles, qu'en 1986, la majorité de la musique était de l'ère de la New Wave et des 'Hair Bands'.
Eric ne se réclame ni l'un ni l'autre, et "Tones" se distingue parmi ses constituants comme une forme de musique vraiment nouvelle qui a sa place parmi les artistes talentueux qui ne seront probablement pas égalés par d'autres.
Avec "Tones", Eric a des années d'avance sur ses contemporains, en ce qui concerne les qualités esthétiques agréables, et la structure de la chanson.
De la Fusion de Jazz ardente à une belle pièce acoustique, "Tones" est un chef-d'œuvre de bon goût intemporel et cet album renversant tient encore bien la route aujourd'hui...
Malgré les marques d'intérêt et de bonnes critiques dans la presse, l'album ne se vend qu'à 50 000 exemplaires. Warner Bros qui juge ce résultat insuffisant laisse expirer le contrat d'Eric.
Celui-ci rejoint alors le label indépendant Cinema Records qui lui laissera une liberté totale pour son prochain album...


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Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 19:31

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The Great B.B. King (1960)
Sorti au début de l'année 1960, l'album "The Great B.B. King" est, en fait, une compilation à prix réduit des chansons qu'il avait enregistrées pour le label Modern au cours des cinq années précédentes.
Cette réédition en CD double presque la longueur de l'album original en y ajoutant huit morceaux bonus, pour la plupart inédits, ainsi que des notes de pochette historiques. Sur les dix chansons de l'album original, quatre ("Sweet Sixteen", "Ten Long Years", "Sneakin' Around" et "Whole Lotta' Love") ont été de grands succès R&B, "Sweet Sixteen" se hissant jusqu'à la deuxième place; une cinquième chanson, "Be Careful with a Fool", s'est retrouvée au bas des listes Pop sans figurer du tout dans les palmarès R&B. La ballade émouvante "Sweet Sixteen" est une des chansons les plus populaires de l'album. "Sweet Sixteen", en fait une reprise d'une chanson de Big Joe Turner, est présentée dans toute sa gloire, avec ses six minutes et ses deux parties. Bien que le reste de l'album n'atteigne pas les mêmes sommets, c'est un mélange respectable de shuffles cuivrés et de morceaux lents avec plus qu'une touche de Doo Wop, le travail de King à la guitare sur "Whole Lotta' Love" étant l'un de ses plus percutants.
Parmi les huit titres bonus, seuls "Bim Bam" (un single anormal de 1956 de Rock & Roll Novelty) et le morceau de Lightnin' Hopkins, "Shotgun Blues" (qui a figuré sur une compilation de 1969) avaient été publiés auparavant.
Les six autres titres ne sont pas toujours typiques du style le plus célèbre de King, avec notamment "Young Dreamers", imprégné de violon, et la ballade très reprise "Trouble in Mind", bien que le reste soit dans son approche plus standard du Blues électrique.

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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par vox populi » dim. 3 mars 2024 20:20

alcat01 a écrit :
sam. 2 mars 2024 17:48
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B.B. King Sings Spirituals (1960)
Pendant une bonne partie des années 1950, B.B. King a enregistré pour les labels RPM et Kent des frères Bihari, qui avaient publié des collections de singles sur LP dans le cadre de leur série Crown Records à prix réduit.
"B.B. King Sings Spirituals" est apparu à l'origine sur un LP de Crown en 1959, mais il s'agissait moins d'une collection de singles que d'un véritable travail d'amour pour King, qui y voyait l'occasion de revenir à la musique d'église baptiste et pentecôtiste de son enfance. Cette réédition de Diablo Records reproduit le disque Crown dans l'ordre original.
Il est facile d'oublier que King n'est pas seulement un joueur de Blues avec un style de guitare particulièrement distinctif; c'est aussi un chanteur, et dans les années 1950, il travaillait vraiment plus du côté du R&B que de la moitié du Blues, et, comme le montrent ces morceaux, ses racines ont toujours été profondes dans le Gospel.
L'instrumentation est clairsemée et adaptée au matériau spirituel: orgue, piano, basse et batterie, avec des tonnes de claquements de mains et de soutien choral, et absolument aucune guitare. Le chant de King est une révélation pour ceux qui ne le connaissent que pour son travail sur le Blues, car il se libère et chante vigoureusement sur des morceaux comme le très entraînant "Ole Time Religion" et le très rythmé "Army of the Lord".
C'est B.B. King, on le suppose, avant que l'excitation ne disparaisse. Il a l'air absolument jubilatoire.

Je ne connaissais pas du tout, je vais écouter cela avec beaucoup d'intérêt. On oublie toujours que le blues et le negro spiritual sont cousins ..et que le negro spiritual est le fils des chants baptistes dans les églises.
La grande différence entre le négro spiritual et le blues c'est que les chants d'église Afro Américain étaient des chant collectifs qui exprimaient l'espoir collectif de la libération (écoutez les paroles et vous verrez que la plupart reprennent des éléments de l'ancien testament et de la fuite du peuple élu vers la terre promise) ..le blues au contraire c'est un chant du présent qui affirme une singularité. On y emploi le mot "je" ..tout le temps..'I got the blues .." Ce "je" là c'est clairement une réappropriation par le joueur de blues de sa propre identité. Il faut savoir que durant l'esclavage la singularité était complètement effacé au point que les esclaves n'avaient pas de nom, pas de passé..il étaient complètement renié en tant qu'individu. Après la fin de la guerre de secession le blues est née et avec lui le "je" des afro américains. Quand vous entendez "i got the blues " ce I est réellement révolutionnaire et il était d'ailleurs pris comme tel par ceux qui regrettaient la fin de l'esclavage.
"Quoi ? tu ose dire "je "?? "
Ca choquait réellement à l'époque une partie des habitants du sud (pas tous bien sûr car tous les sudistes n'étaient pas des racistes, loin s'en faut)

Il y a tout un langage codé dans le blues qui est très important ..comme le mot man par exemple
Lorsque Muddy Waters a enregistré " i'm a man" s'était un vrai message politique car à l'époque de l'esclavage on appelait tous les esclaves "boy" ..il y a aussi l'histoire du "mojo" un terme sexuel codé qui fait référence au fait que durant l'esclavage les noirs n'étaient pas libres de coucher avec qui ils voulaient ..
Bref étudier le blues c'est vraiment étudier un chant révolutionnaire ..un vrai chant révolutionnaire..a mon avis beaucoup plus révolutionnaire que le rock..mais bon je ne veux pas faire s'écrouler les légendes :langue1:

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Re: à l'écoute chez Alcat01 en ce moment

Message par alcat01 » dim. 3 mars 2024 20:40

vox populi a écrit :
dim. 3 mars 2024 20:20
alcat01 a écrit :
sam. 2 mars 2024 17:48
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B.B. King Sings Spirituals (1960)
Pendant une bonne partie des années 1950, B.B. King a enregistré pour les labels RPM et Kent des frères Bihari, qui avaient publié des collections de singles sur LP dans le cadre de leur série Crown Records à prix réduit.
"B.B. King Sings Spirituals" est apparu à l'origine sur un LP de Crown en 1959, mais il s'agissait moins d'une collection de singles que d'un véritable travail d'amour pour King, qui y voyait l'occasion de revenir à la musique d'église baptiste et pentecôtiste de son enfance. Cette réédition de Diablo Records reproduit le disque Crown dans l'ordre original.
Il est facile d'oublier que King n'est pas seulement un joueur de Blues avec un style de guitare particulièrement distinctif; c'est aussi un chanteur, et dans les années 1950, il travaillait vraiment plus du côté du R&B que de la moitié du Blues, et, comme le montrent ces morceaux, ses racines ont toujours été profondes dans le Gospel.
L'instrumentation est clairsemée et adaptée au matériau spirituel: orgue, piano, basse et batterie, avec des tonnes de claquements de mains et de soutien choral, et absolument aucune guitare. Le chant de King est une révélation pour ceux qui ne le connaissent que pour son travail sur le Blues, car il se libère et chante vigoureusement sur des morceaux comme le très entraînant "Ole Time Religion" et le très rythmé "Army of the Lord".
C'est B.B. King, on le suppose, avant que l'excitation ne disparaisse. Il a l'air absolument jubilatoire.

Je ne connaissais pas du tout, je vais écouter cela avec beaucoup d'intérêt. On oublie toujours que le blues et le negro spiritual sont cousins ..et que le negro spiritual est le fils des chants baptistes dans les églises.
La grande différence entre le négro spiritual et le blues c'est que les chants d'église Afro Américain étaient des chant collectifs qui exprimaient l'espoir collectif de la libération (écoutez les paroles et vous verrez que la plupart reprennent des éléments de l'ancien testament et de la fuite du peuple élu vers la terre promise) ..le blues au contraire c'est un chant du présent qui affirme une singularité. On y emploi le mot "je" ..tout le temps..'I got the blues .." Ce "je" là c'est clairement une réappropriation par le joueur de blues de sa propre identité. Il faut savoir que durant l'esclavage la singularité était complètement effacé au point que les esclaves n'avaient pas de nom, pas de passé..il étaient complètement renié en tant qu'individu. Après la fin de la guerre de secession le blues est née et avec lui le "je" des afro américains. Quand vous entendez "i got the blues " ce I est réellement révolutionnaire et il était d'ailleurs pris comme tel par ceux qui regrettaient la fin de l'esclavage.
"Quoi ? tu ose dire "je "?? "
Ca choquait réellement à l'époque une partie des habitants du sud (pas tous bien sûr car tous les sudistes n'étaient pas des racistes, loin s'en faut)

Il y a tout un langage codé dans le blues qui est très important ..comme le mot man par exemple
Lorsque Muddy Waters a enregistré " i'm a man" s'était un vrai message politique car à l'époque de l'esclavage on appelait tous les esclaves "boy" ..il y a aussi l'histoire du "mojo" un terme sexuel codé qui fait référence au fait que durant l'esclavage les noirs n'étaient pas libres de coucher avec qui ils voulaient ..
Bref étudier le blues c'est vraiment étudier un chant révolutionnaire ..un vrai chant révolutionnaire..a mon avis beaucoup plus révolutionnaire que le rock..mais bon je ne veux pas faire s'écrouler les légendes :langue1:
Merci pour toutes ces précisions, vox! :super:

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alcat01
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Message par alcat01 » lun. 4 mars 2024 07:01

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Earth Quake - 8.5 ( 1976)
"8,5" est le deuxième album de Earth Quake pour le label Beserkley.
Le disque fait un début éclatant avec un morceau fracassant de Heavy Metal, "Finders Keepers". Malheureusement, des titres comme "Little Cindy" n'offrent qu'un ensemble plus conventionnel de Rocks.
Propulsé par la voix de Doukas, la plupart des morceaux de tempo bien placé sont effectivement très bons, mais il y a un certain manque d'originalité ou d'une étincelle. Quant aux ballades telles que "And he like to Hurt You" et "Girl Named Jesse James", elles sont, tout simplement, parfaites.






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