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1990: Without a Net
Ce coffret de trois LP est le dernier titre live à avoir été publié par le Grateful Dead au cours de sa vie active. Le contenu a été compilé à partir d'une période de six mois comprenant certains des concerts les plus uniformément forts du Dead entre l'automne 1989 et le printemps 1990.
"Without a Net" est le premier à bénéficier du temps de jeu supplémentaire disponible sur disque compact. Plus que la plupart des autres groupes en tournée, le Grateful Dead a pu profiter pleinement de cette avancée technologique, puisque leurs jams instrumentales élargies et leurs suites sinueuses duraient souvent plus que les 25 minutes standard disponibles sur une seule face d'un album vinyle.
Sans aucun doute, ce coffret est la représentation la plus forte et la plus précise du son du Grateful Dead depuis l'album épique "Live / Dead", paru vingt ans plus tôt.
"Victim or the Crime", le sombre récit de survie de Bob Weir, est la composition la plus récente, apparue à l'origine sur le dernier album studio du groupe, "Built to Last" de 1989. Les deux reprises, "Walkin' Blues" de Robert Johnson et "Dear Mr. Fantasy" de Traffic, sont les seules chansons qui apparaissent pour la première fois sur un album du Dead. La douzaine d'interprétations restantes sont des pépites extraites du formidable catalogue du Dead.
Il y a quelques versions définitives des morceaux favoris des fans dont "Althea", "Bird Song" et "Cassidy", ainsi que le medley "Help On the Way" / "Slipknot !" / "Franklin's Tower".
N.B.: En plus du double disque standard, "Without a Net" a été disponible pendant une période limitée dans une "édition grand chapiteau" comprenant des CD illustrés, un poster exclusif dépliable et des illustrations supplémentaires sur le thème du cirque réalisées par Rick Griffin, collaborateur visuel de longue date du Grateful Dead.

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1994 - One More Mile
"One More Mile" de Muddy Water, paru en 1994, est un double CD de 41 titres, dont aucun ne figure sur "The Chess Box'. À trois exceptions près, aucun d'entre eux n'a jamais été disponible sur un album américain auparavant, et plusieurs n'ont même jamais été publiés.
Pendant la majeure partie de son séjour chez Chess, la production de Muddy a été remarquablement prolifique et cohérente.
Cette collection correspond pratiquement aux standards de ses meilleures œuvres. Beaucoup de raretés allant de la fin des années 40 au début des années 70, avec quelques points d'intérêt particuliers la version originale de 1955 de "I Want to Be Loved" fait enfin sa première apparition sur un album américain, et les 11 dernières chansons sont tirées d'une émission de radio suisse inédite de 1972, montrant Muddy dans un trio sans batteur.

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1980 Borderline
Avec "Borderline" paru en 1980, Ry Cooder poursuit l'incursion dans le R&B et la Soul de son précédent album, "Bop Till You Drop", mais cette fois avec une petite dose de Sud-Ouest. En même temps, il poursuit le son principalement électrique de ce disque.
En ce qui concerne le choix du matériel, "Borderline" n'a pas toujours le charme surprenant et ésotérique de ses premiers enregistrements, mais il y a tout de même quelques trouvailles formidables, dont "The Girls from Texas", aux accents Tex Mex, qui est peut-être le meilleur moment de l'album. Parmi les autres moments forts, on trouve l'un des meilleurs morceaux de John Hiatt, "The Way We Make a Broken Heart", ainsi que "Crazy 'Bout an Automobile" de Billy "The Kid" Emerson, que Cooder interprétait en concert depuis plusieurs années, et le trésor de Maurice & Mac "Why Don't You Try Me", empreint de Soul.
Et si ce sont des moments comme ceux-ci qui contribuent à rendre les disques de Cooder spéciaux, il s'attaque également à des morceaux plus connus des années 50 et 60 avec un succès modéré. Son enregistrement de "634-5789", le tube de Wilson Pickett de 1966, ne fera oublier à personne l'original, mais il est capable de l'interpréter comme un rocker, tandis que "Speedo" et "Down in the Boondocks" sont des reprises respectables.
"Borderline" n'a peut-être pas la personnalité singulière de ses meilleures œuvres des années 70, mais il s'agit néanmoins d'un album solide.

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Diamond Jack and the Queen of Pain 1983
L'album "Diamond Jack and the Queen of Pain" de Kevin Ayers, paru en 1983, n"est certainement pas du Rock Progressif, mais plutôt de la New Wave.
C'est l'un de ses albums les plus étranges car il a été commandé par quelqu'un d'autre et Kevin a dû céder le contrôle au producteur (ses musiciens, sa production, ses méthodes, ses idées). La plus grande infraction est l'utilisation d'une boîte à rythmes, d'un clavier de basse et parfois d'une batterie électronique à la place de vrais instruments et d'une vraie section rythmique. Ils sonnent parfois de manière assez ringarde et ressemblent à Devo par endroits, ce qui n'est pas du tout le cas de Kevin Ayers. C'est presque à 180 degrés de ce qu'il était.
Il y a quelques chansons pas trop mauvaises, dont le morceau "Madame Butterfly" avec un côté Heavy, sa version probablement la meilleure de la chanson "Steppin' Out" d'Ollie Halsall, et "Lay Lady Lay". La chanson la plus étrange est probablement "Who's Still Crazy?". Il s'agit d'une version synthétisée de la musique de Kevin, qui divague dans la cabine vocale, manifestement sous l'emprise de l'alcool et de la drogue, ce qui est probablement la seule façon de faire face à une situation difficile.
Malgré les critiques, il y a peut-être encore un peu d'énergie et de vie, même si elle se cache sous un fatras de synthétiseurs.

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The Animals 1967: Eric Is Here
Dans les mois qui ont suivi la séparation d'Eric Burdon et des membres restants des Animals originaux, le chanteur a enregistré cet album avec un orchestre, en reprenant des chansons de Randy Newman, Barry Mann et Cynthia Weil, et d'autres figures de proue de la musique Pop, un véritable revirement pour le puriste du Blues qu'était Burdon, et qui s'est avéré très efficace en tant que musique Pop grand public, avec notamment le Hit américain "Help Me Girl".
Pour ajouter à la confusion générale qui entoure ce matériel, une partie semble avoir été enregistrée avec les Animals originaux, ou lors de sessions menées alors qu'ils étaient encore ensemble. Plusieurs chansons, dont "Help Me Girl", figurent sur l'album "Inside Looking Out" de Sequel Records.

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1979 : Slow Train Coming
A la fin des années 70, Bob Dylan s'est tourné vers le christianisme sur "Slow Train Coming", embrassant avec enthousiasme une philosophie de renaissance. Il n'a aucun problème à croire en un dieu vengeur et c'est du pur soufre et du feu tout au long de l'album, même sur des témoignages aussi charmants que "I Believe in You".
L'effet secondaire inattendu de sa conversion est qu'elle lui a donné une concentration qu'il n'avait pas eue depuis "Blood on the Tracks", et sa concentration se répercute sur la musique, qui est maigre et directe d'une manière qu'il n'avait pas eue depuis "Blood on the Tracks".
Or, la concentration n'est pas nécessairement synonyme de cohérence, et cet album souffre d'être un peu trop dogmatique, non seulement dans sa religion, mais aussi dans son approche musicale.
Cependant, il est difficile de nier la revitalisation du son de Dylan et le résultat est un succès modeste qui fonctionne au moins selon ses propres termes.

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Grateful Dead 1991: Infrared Roses
L'interaction instrumentale de près d'une heure sur "Infrared Roses", paru en 1991, provient d'une variété d'extraits de concerts donnés en 1989 et 1990. L'audio a été reconfiguré et combiné en quatre suites distinctes de mouvements multiples, toutes nommées par Robert Hunter, parolier du Grateful Dead.
Le disque est conçu comme un vrai concert du groupe. Tout s'enchaine parfaitement:
L'album s'ouvre sur la "Crowd Sculpture", qui fait participer le public et plante le décor de l'avant-spectacle avec un mélange d'expériences sonores mettant en scène les habitants typiques du parking du Grateful Dead en train de faire leurs activités respectives. Le rugissement du public en attente conduit ensuite à "Parallelogram", la première de plusieurs sélections à forte intensité rythmique avec les percussionnistes Mickey Hart et Bill Kreutzmann à la barre. Ces excursions se produisaient généralement au cours du deuxième set et étaient suivies de quelques minutes d'échanges libres entre les cofondateurs du groupe, Jerry Garcia, Phil Lesh et Bob Weir.
La suite est tout aussi bonne même si "Infrared Roses" n'est pas un enregistrement live typique de Grateful Dead et les consommateurs potentiels ne doivent pas s'attendre à un tel résultat.
Cependant, l'auditeur aventureux, les fans du Dead en quête d'un bon vieux "Drums / Space", et même les personnes curieuses de découvrir la remarquable diversité stylistique qui est devenue un motif des concerts du Grateful Dead pendant trois décennies, y trouveront leur compte.

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Deuces Wild (1997)
En théorie, cet album de B.B. King comprenant des duos avec une variété d'artistes différents pourrait être spectaculaire, mais "Deuces Wild" donne surtout l'impression d'avoir été conçu dans un véritable souci de rentabilité.
Au lieu de choisir des artistes qui complèteraient B.B., les producteurs ont rassemblé une sélection qui plairait à un plus large public, des vieux fans de Blues et des rockers aux fans de Country contemporaine, de R&B urbain et de hip-hop.
Comme on peut s'y attendre, le résultat final est assez inégal, allant du sublime au terriblement maladroit. Van Morrison, Bonnie Raitt, Dr. John, Joe Cocker et Willie Nelson sonnent tous très bien, tandis que le soutien des Rolling Stones sur "Paying the Cost to Be the Boss" est positif, que Tracy Chapman sonne étonnamment Soul sur "The Thrill Is Gone". Cependant, les combinaisons avec Mick Hucknall de Simply Red, D'Angelo, Marty Stuart et le rappeur Heavy D sont tout simplement maladroites, aucune des parties ne semblant particulièrement à l'aise.
Il y a pourtant suffisamment de bons moments sur "Deuces Wild" pour que les fans inconditionnels de B.B. y trouvent leur compte, mais lorsqu'ils sont mis en perspective avec les mauvais morceaux, l'impression dominante est que l'album est une occasion malheureusement gâchée.

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Muddy Waters 1997 - Goin' Way Back
Le côté acoustique de "Goin' Way Back" rappelle l'album "Folksinger" de Muddy, construit de manière similaire.
"Goin' Way Back" n'a pas l'inquiétude profonde de "Folksinger", mais l'intimité et la chaleur sont comparables à cet enregistrement légendaire. Cet album avait été enregistré en un seul après-midi lors d'une tournée Canadienne en 1967.
Entre deux concerts, Muddy et son groupe s'étaient réunis dans un salon, armés de leurs seules guitares acoustiques, pour une promenade pleine d'entrain dans leur mémoire collective du Blues. Fait intéressant, le légendaire pianiste Otis Spann était cantonné lui aussi exclusivement à la guitare, tout comme les autres membres du groupe.
Comme toujours, la voix de Muddy est à la fois autoritaire et détendue, et sa profondeur et sa chaleur trouvent une résonance unique dans cette compagnie acoustique. Datant d'une époque où Muddy était poussé à entrer dans des domaines musicaux incongrus au nom du succès, "Goin' Way Back" est un instantané unique et attrayant des racines acoustiques du Delta que le parrain du Blues de Chicago n'a jamais abandonnées.

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1982 The Slide Area
L'album "The Slide Area" de Ry Cooder, paru en 1982, s'ouvre sur un "UFO Has Landed in the Ghetto" outrancier et excessivement funky, qui ne semble pas du tout à sa place dans le reste de l'album car il s'agit d'un album de Rhythm & Blues, parfois à la limite du Funk, et le rap est l'une des directions prises par le R&B, mais.. A l'écoute du groove de "Which Came First", il est difficile de résister au rythme puissant imprimé par Jim Keltner, Tim Drummond et les choeurs en arrière-plan.
"The Slide Area" est l'un des meilleurs disques de Ry Cooder, et ses choristes essentiels méritent une reconnaissance toute particulière: Bobby King, John Hiatt, Willie Greene et Herman Johnson pour la majeure partie de l'album. Les deux morceaux de ce disque sont les traitements phénoménaux de "Blue Suede Shoes" et de "I Need a Woman" de Bob Dylan. Ces deux chansons aussi différentes dans leur forme originale contiennent un travail de guitare slide des plus mémorables.
L'album est très bon, mais ces deux chansons en font un joyau.

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1967: Winds of Change
"Winds of Change" ouvre l'ère psychédélique dans l'histoire d'Eric Burdon & the Animals.
Le disque est plus ou moins divisé en deux parties distinctes, la première étant plus conceptuelle et ambitieuse, avec des morceaux d'ambiance psychédéliques, et la seconde étant composée de chansons plus conventionnelles, bien que même celles-ci soient du Hard Rock, principalement bluesy et basé sur le Blues, leur point de départ étant plus proche de Jimi Hendrix que de Sonny Boy Williamson.
La nouvelle ère du groupe s'ouvre sur des vagues qui déferlent sur le morceau-titre, avec sitar et violon électrique, tandis que la voix de Burdon, inondée de réverbération, récite calmement un texte qui cite de nombreux grands noms du Blues, du Jazz et du Rock. "Poem by the Sea" est une récitation de Burdon, au milieu d'un tourbillon d'instruments à échos, et cela mène à l'une des rares reprises mémorables du groupe de cette période, "Paint It Black". emmenée par le violon électrique de John Weider et la guitare de Vic Briggs, avec une longue improvisation vocale de Burdon, leur approche de la chanson est suffisamment bonne pour qu'elle fasse partie du set du groupe au Monterey International Pop Festival en Juin, et pour qu'elle apparaisse dans le film documentaire qui suivit. "The Black Plague" s'ouvre sur une structure de chant grégorien qui rappelle "Still I'm Sad" des Yardbirds, et constitue un autre véhicule pour les contributions orales surréalistes de Burdon. Il y a aussi quelques titres facilement accessibles qui pourraient faire de bons singles, en l'occurrence "Good Times" et "San Franciscan Nights", un disque classé dans le Top 10 dans divers pays du monde au cours du dernier trimestre de 1967, bien que cette dernière chanson ait été négligée en Angleterre pendant près de 12 mois après sa sortie ailleurs, et est ensuite apparue en face B du Rock relativement simple, sombre et maussade "Anywhere".
Burdon est tellement inspiré par la musique de Jimi Hendrix qu'il a écrit l'une des rares chansons "réponse" de l'ère psychédélique, "Yes I Am Experienced", en hommage au guitariste; l'influence de ce dernier peut également être entendue dans "It's All Meat", le dernier morceau de l'album, et une chanson qui rappelle un aspect de ce groupe que beaucoup de spécialistes des années précédentes ont négligé, à savoir le fait que Briggs, Weider, et autres avaient les capacités de faire de la musique dans ce style qui était convaincante et qui fonctionnait sur disque, selon leurs conditions.

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Bob Dylan 1980 : Saved
"Saved" prouve que le christianisme de "Slow Train Coming" n'était pas simplement une mode passagère, et qu'il signifiait en fait quelque chose d'important pour Dylan.
Quant à savoir si cela signifiait quelque chose d'important pour son public, c'est une toute autre affaire, car c'est là que sa religion éclipse sa musique, transformant l'album en un sermon pour un public qui n'est certainement pas converti, et qui ne le sera jamais non plus. Dylan lui-même fait peut-être partie de ce public, puisqu'il s'est éloigné d'un tel point de vue dogmatique peu de temps après, mais cela ne change pas le statut de "Saved" comme étant un testament assez plat, pour Dylan, de sa foi.
Et, si "Slow Train Coming" l'a trouvé à un sommet créatif de l'écriture de chansons et soutenu par un groupe souple, sur "Saved", il produit des chansons routinières, et le soutien suit le même chemin, résultant en son disque le plus plat jusqu'à présent.

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Crosby & Nash 1972: Graham Nash / David Crosby
Cet album éponyme est l'un des projets les plus impressionnants de Graham Nash / David Crosby. C'est un reflet direct, voire une extension, de la relation musicale et personnelle entre ses co-créateurs, améliorant plutôt que détournant les styles très individualistes de Crosby et de Nash.
À la suite des énormes succès remportés par les albums "Crosby Stills & Nash", "Déjà Vu" et "Four Way Street", les principaux membres du groupe avaient reçu carte blanche pour poursuivre leurs projets en solo. Musicalement, il s'inscrit dans la même veine que leurs premiers albums solo respectifs, "If I Could Only Remember My Name" et "Songs for Beginners".
Les contributions de Nash comprennent "Girl to Be on My Mind", "Stranger's Room" et "Southbound Train", un morceau d'Americana avec un solo de steel guitare de Jerry Garcia qui rappelle ""American Beauty du Grateful Dead ou "Music From Big Pink" du Band. Ces titres coexistent avec les contributions plus cérébrales et incisives de Crosby, telles que "Whole Cloth", "Games" et "The Wall Song". Ce dernier bénéficie du soutien instrumental exceptionnel de Jerry Garcia (guitare), Phil Lesh (basse) et Billy Kreutzman (batterie) du Grateful Dead.
Le duo tourne autour d'un autre groupe de stars: Russell Kunkel (batterie), Leland Skylar (basse), Craig Doerge (claviers) et Danny "Kootch" Kortchmar (guitare). Ce même groupe continuera plus ou moins à soutenir les efforts du duo de Crosby et Nash pendant le reste des années 70.
"Graham Nash / David Crosby" offrent en grande partie le même style personnel et unique d'écriture de chansons qui a informé leurs meilleures contributions non seulement aux efforts liés à Crosby, Stills and Nash, mais aussi jusqu'à leurs offres avec les Hollies et les Byrds.

[Harvest]

Oh, qu’il est beau ce disque ! Pochette die.cut rare à l’époque et des chansons superbes. Surtout celles de Crosby. Quand je le mets sur la platine et que mes enfants sont là, soudainement un temps d’arrêt dans l’agitation ou le bavardage. Un signe

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Blues on the Bayou (1998)
B.B. King a fait ses débuts en tant que producteur avec "Blues on the Bayou", sorti en Octobre 1998. Il utilise l'idée la plus élémentaire pour ce projet: enregistrer un album de morceaux de B.B. King, avec le groupe habituel de B.B. King, sous la supervision de B.B. King. En restant décontracté, détendu et concentré, King a enregistré ce disque en quatre jours dans un studio isolé de Louisiane et a produit l'un de ses albums modernes les plus solides depuis de nombreuses années.
Pas de duos, pas d'invités spéciaux, juste King et son groupe de musiciens, jouant ses chansons avec lui, produisant les résultats; pas d'overdubs, juste du Blues simple comme il le ferait sur scène.
Le résultat est une session sans fioritures, directe, qui montre que King avait peut-être 73 ans au moment de cette date, mais qu'il avait encore beaucoup d'essence dans le réservoir. Des morceaux comme "I'll Survive" et le sautillant "Shake It Up and Go", "Darlin' What Happened", la tonalité mineure "Blues Boy Tune", l'instrumental "Blues We Like" et le final "If That's It I Quit" montrent qu'il s'est étiré comme il l'a rarement fait en studio, et le résultat est l'un de ses meilleurs albums.

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Put It in Your Ear (1976)
Paul Butterfield est l'une des cinq meilleures voix parmi les hommes et les femmes qui crient le Blues. Muddy Waters l'appelait la meilleure voix pour chanter le Blues et John Lee Hooker et Waters ont déclaré que son jeu d'harmonica était inégalé.
Il s’agit d’une collection particulière de chansons écrites ou co-écrites par Butterfield.
Bref, c'est du Blues, du vrai, celui que l'on aime!

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1987 Get Rhythm
Ry Cooder défie toute forme de catégorisation; c'est sa plus grande force et, pour certains, sa faiblesse. Le thème de ces neuf morceaux est le rythme sous toutes ses formes.
Sa version de "All Shook Up" contient plus de bop et de rythme qu'Elvis Presley n'aurait pu en mettre dans quatre de ses chansons. Il semble que les musiciens fassent la queue pour jouer avec lui et qu'ils pensent qu'il leur a fait une faveur en les laissant jouer sur ses albums. Il leur laisse toujours beaucoup d'espace pour jouer.
Encore un excellent disque!

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1996: Tidal
Fiona Apple fait preuve d'un talent considérable sur son premier album, "Tidal", mais il s'agit d'un talent encore non formé et non ciblé.
Sa voix est étonnamment riche et souple pour une adolescente, et son jeu de piano jazzy et sophistiqué dément son âge. Avec le bon matériel, ces talents auraient pu mieux s'épanouir, mais elle s'est concentrée sur ses propres compositions, qui sont loin d'être aussi impressionnantes que son talent de musicienne.
La majeure partie de "Tidal" est composée de textes confessionnels d'auteurs-compositeurs-interprètes, et bien qu'ils s'efforcent de dire quelque chose de profond et d'important, la plupart des paroles se contentent de clichés.
Fiona a pourtant quelques chansons impressionnantes comme les envoûtantes "Shadowboxer" et "Sullen Girl", mais l'écart entre ses talents d'interprète et de compositrice est trop important pour faire de l'album autre chose qu'un premier album prometteur et intrigant...

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The Animals 1968: The Twain Shall Meet
Le mélange de chansons d'actualité, d'hymnes anti-guerre surréalistes et de morceaux d'ambiance psychédéliques diffus sur "The Twain Shall Meet" est extrêmement ambitieux, et bien que la portée du groupe dépasse largement sa compréhension, tout cela vaut la peine d'être parcouru en tant que fascinant morceau d'époque.
En fait, ce sont les morceaux d'ambiance qui prédominent, la plupart du temps sous-écrits et insuffisamment répétés, et enregistrés sans le temps de studio nécessaire pour les faire fonctionner. "Just the Thought" et "Closer to the Truth" sont ternes et peu concentrés, même en tant que psychédélisme, tandis que "No Self Pity" et "We Love You Lil" sont des représentations musicales au-dessus de la moyenne d'états altérés de l'esprit. "We Love You Lil" s'ouvre sur un jeu astucieux de l'ancienne chanson populaire "Lili Marlene" qui mène à une jam de guitare prolongé et à un accompagnement éthéré qui rappelle plutôt les premiers travaux de Focus, entre autres groupes de Rock Progressif. "All Is One" est probablement un morceau psychédélique unique dans l'histoire de la musique Pop, mêlant cornemuse, sitar, hautbois, cors, flûtes, et des paroles assez idiotes, le tout dans le cadre d'un morceau qui accélère son tempo comme la musique de danse de Zorba le Grec tout en imitant le "Gimme Some Lovin'" du Spencer Davis Group.
Du côté plus accessible, on trouve "Monterey", lointain précurseur de l'hymne post-festival de Joni Mitchell "Woodstock", plus largement entendu, avec quelques allusions musicales astucieuses et un bon rythme, ainsi que beaucoup d'enthousiasme ; et le bouleversant "Sky Pilot", l'une des chansons anti-guerre les plus sombres et les plus surprenantes de la fin des années 60, avec un break de guitare mortel de Vic Briggs qui n'est entaché que par le bruit de l'accident d'avion au milieu.

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1981: Shot of Love
"Shot of Love" est en quelque sorte, un album du renouveau pour Bob Dylan qui commence à revivre, ce qui n'est pas tant un jugement de valeur qu'une observation sur le fait qu'il ne semble plus redevable de répéter des dogmes, se détendant et créant à nouveau des chansons.
Et ce n'est pas seulement que son écriture est plus libre, la musique l'est aussi, puisqu'il se laisse aller avec son groupe de soutien à un Rock un peu plus dur, un peu plus convaincant. "Shot of Love" n'est pas un grand album, mais il a une fois de plus des éclairs de génie, comme "Every Grain of Sand", qui montrent la voie de la renaissance d'"Infidels".