1972: Three Friends
Le troisième album de Gentle Giant, "Three Friends, paru en 1972, leur premier disque autoproduit, Tony Visconti ayant dirigé les sessions des deux albums précédents, est une avancée dans la direction d'un son Rock plus dur: tout sonne plus fort, en particulier les guitares, la basse, et les claviers électroniques.
"Three Friends" n'a pas sacrifié les intentions progressives du groupe, cependant, et il y a quelques moments plus doux, comme la première moitié enjouée et vive de "Schooldays"; les harmonies et les arrangements ont toujours un sens médiéval distinct, et les mélodies, bien qu'un peu plus difficiles à discerner, sont tout à fait engageantes.
Cet album est censé être un concept, sur la relation entre trois amis au cours d'une vie, et les notes et paroles originales ont été réimprimées, mais rien de tout cela n'est nécessaire pour apprécier les chansons de cet album.
2005 - Messiah of Confusion
Avec son album "Messiah of Confusion", paru en 2005, le groupe de Doom Metal Suédois Count Raven a réussi à créer un album qui reste fidèle à ses principes. Les riffs ne sont pas frais, mais ils sont bons.
La nature expérimentale du groupe atteint des sommets."Messiah of Confusion" a beaucoup de défauts, comme la batterie monochrome et quelques tentatives plutôt douloureuses de Dan Fondelius pour porter des notes qui semblent lui échapper.
Les grooves sont assez bons pour emporter l'auditeur, mais il ne faut pas espérer quelque chose de trop captivant. Le contenu des paroles est assez agréable à écouter parfois, et reste cohérent.
Fondelius ne manque pas de capacité à faire exploser un riff lourd et à nous emmener dans une spirale de solos satisfaisants, ce qui enrichit énormément l'album.
1992 Hans Olson
Le chanteur, guitariste et harmoniciste Hans Olson est originaire de l'Arizona. Sur son album éponyme sorti en 1992, il rend hommage au Blues. Et plus précisément à une version épurée de ce genre musical.
Sur les treize chansons du disque, six sont enregistrées en solo et expriment particulièrement bien l'art de son Blues. Parmi le matériel, on trouve six reprises. Le reste des morceaux, qu'il a composés lui-même, montre qu'Olson est un véritable auteur-compositeur. Le musicien possède une voix grinçante et Il se présente comme un guitariste (acoustique) chevronné et un excellent harmoniciste.
Sur près de la moitié des morceaux, il est accompagné par un groupe qui agit avec sensibilité et dans différentes configurations. Parmi les points forts figure le "Statesboro Blues" de Blind Willie McTell. L'intensité avec laquelle Olson interprète cette chanson en solo, uniquement à la guitare et au chant, est incroyable. Il interprète de manière tout aussi convaincante ses deux titres de Blues presque archaïques "50 Ups & 50 Downs" et "Cold Outside" qu'il a composés lui-même, ainsi que la chanson de Muddy Waters "I Feel Like Going Home".
Les morceaux enregistrés avec l'accompagnement d'un groupe ne sont pas tout à fait à la hauteur de ces prouesses. "You Wish", "The Next Car" et surtout le monotone "Radiation blues" offrent bien peu de variété. On trouve quand même avec "Western Winds" et "Golden Rule" deux titres qui égayent le matériel de Blues par des sonorités Folk.
Enfin, "Come On (If You're Coming)", interprété en duo avec la star invitée Brownie McGee, ne laisse étrangement aucune véritable impression durable.
On peut regretter l'absence d'une chanson vraiment rapide cae Sseul le Shuffle "Who's Trying to Run my Life?", pulsant mais plutôt discret, augmente légèrement le rythme.
Les sons de Blues de Hans Olson sont destinés aux amateurs de sons puristes...
1983 - Travels
Le Pat Metheny Group était désormais bien installé et il prenait la route, comme en témoigne le double album "Travels", paru en 1983, qui présente le groupe en concert à Dallas, Philadelphie, Hartford, Sacramento et Nacogdoches, au Texas.
Le percussionniste Naná Vasconcelos est toujours mentionné comme "invité spécial", mais depuis Wichita Falls, il ne faisait pas seulement partie du groupe, il était l'élément transformateur du "son" Metheny, ajoutant ses divers shakers, effets et voix éthérées. Lyle Mays s'enfonce davantage dans les textures flottantes et scintillantes des synthétiseurs, mais il est toujours capable de prendre des solos formidables et émouvants au piano à queue acoustique.
Toujours en train d'expérimenter de nouveaux matériels, le travail de Metheny sur un synthétiseur de guitare désaccordé donne au live "As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls" un son exotique de type balinais. D'autres points forts sont les grooves brésiliens de "Straight On Red" et "Song for Bilbao", ainsi que la slide caractéristique de Metheny sur "Are You Going With Me?", et le bref morceau-titre a une simplicité gagnante et sans artifice qui ressemble beaucoup à celle de Keith Jarrett dans un état d'esprit de prière.
Lrs amateurs du populaire "Offramp" tomberont forcément également sous le charme de "Travels"...
1996: Black Moon Pyramid
Sur "Black Moon Pyramid", pau en 1996, Axel Rudi Pell a clairement décidé de rendre hommage à l'une de ses principales influences, Rainbow. Le titre se dresse comme un phare au sommet de la pyramide, les échos de 'Stargazer' résonnent haut et fort. Et pour ne rien gâcher, il nous offre le son Rock classique de 'Touch the Rainbow'.
En dehors de celà, il y a quelques bons morceaux comme "Fool Fool", "Visions in the Night" et le grammaticalement incorrect "You and I" sont tout à fait corrects. Il convient également de mentionner la ballade "Silent Angel" sur laquelle Pell n'hésite pas à s'essayer à la douceur et cet effort est plutôt bon. Il y a aussi quelques chansons où la voix de Jeff Scott Soto ne semble pas convenir. Curieusement, deux d'entre elles sont des chansons que Soto a coécrites.
"Black Moon Pyramid" suscite des sentiments mitigés et parfois contradictoires: le deuxième morceau rapide 'Gettin' Dangerous' est juste quelque chose sans couleur, alors que le suivant 'Fool Fool' est un excellent morceau mid-tempo. De même, 'Hole in the Sky' est un Rock trippant et plutôt inintéressant, alors que 'Touch the Rainbow' est beaucoup plus touchant...
1968: A Saucerful of Secrets
"A Saucerful of Secrets" de Pink Floyd, paru en 1968, est un album de transition sur lequel le groupe est passé des chansons relativement concises et vivantes de Syd Barrett à des morceaux éthérés et épicés avec de longs passages instrumentaux.
L'influence de Barrett se fait toujours sentir (il a même réussi à contribuer à un titre, le jovial "Jugband Blues", et la plupart des morceaux conservent une ambiance douce et féerique. "Remember a Day" et "See Saw" sont des titres phares; sur "Set the Controls for the Heart of the Sun", "Let There Be More Light" et le long morceau instrumental qui donne son titre à l'album, le groupe commence à tracer les contours des pulsations sombres et répétitives qui caractériseront tous ses prochains disques.
JT (1977)
"JT", paru en 1977, est le premier album de James Taylor pour Columbia. Revenant à son autobiographie, Taylor déclare son amour pour Carly Simon ("There We Are"), mais il s'étonne de son bonheur domestique. "N'est-il pas étonnant qu'un homme comme moi puisse ressentir cela?" chante-t-il dans la première chanson, "Your Smiling Face" (un Hit au Top 40). En même temps, la domesticité peut avoir ses dépressions temporaires ("Another Grey Morning"). Le morceau clé est "Secret O' Life", que Taylor décrit comme "apprécier le passage du temps".
En travaillant avec son groupe d'accompagnement de longue date, Danny Kortchmar, Leland Sklar et Russell Kunkel, et avec Peter Asher comme producteur, Taylor a également pris plaisir à mélanger son son Folk breveté, basé sur la guitare acoustique, avec des éléments de Rock, de Blues et de Country. Il est même entré brièvement dans les Charts Country avec "Bartender's Blues", un exercice de genre avec de la steel guitar et des références aux "honky tonk angels" qu'il réenregistrera plus tard avec George Jones. Le Hit du Top 10 de l'album fut la reprise gagnante par Taylor de "Handy Man" de Jimmy Jones, qui remplaça la dureté de l'original par sa chaleur caractéristique.
"JT" est certainement le meilleur album de James Taylor depuis "Mud Slide Slim & the Blue Horizon" parce qu'il reconnaît la noirceur de ses travaux antérieurs tout en expliquant la légèreté délibérée de son point de vue actuel, et parce qu'il s'agit de sa collection la plus cohérente depuis bien des années.
Les fans ont réagi et "JT" s'est mieux vendu que n'importe quel album de Taylor depuis "Sweet Baby James".
1972: Octopus
Après une longue absence, Gentle Giant revient en 1972 et il est étonnant de constater à quel point l'album "Octopus" n'a pas prls une ride.
Souvent considéré à l'époque comme un pâle reflet de Jethro Tull ou de Barclay James Harvest, les plus proches parents du groupe dans l'écheveau enchevêtré du Prog de l'époque, Gentle Giant a souvent semblé plus remarquable pour sa pochette que pour sa musique.
Pourtant, ""Octopus" marie les deux de manière transparente, avec une pochette qui parle d'elle-même, bien sûr. Et l'ambiance se maintient à l'intérieur, l'ouverture délicieusement alambiquée "The Advent of Panurge" chevauchant elle-même des vagues de tentacules sonores, la guitare de Gary Green hurlant des rafales courtes mais si efficaces autour de la basse tonitruante et, à l'occasion, de l'orgue ecclésiastique.
Contre le volume palpitant des morceaux les plus Heavy de l'album, "Panurge" est rejoint par "A Cry for Everyone", les excursions du groupe dans des territoires moins excitants ne sont jamais moins que captivantes. Bien qu'ils soient bizarres, le parfois a cappella "Knots", le chantant "Dog's Life" et "Raconteur Troubadour" ont tous des moments de douceur sublime, tandis que l'instrumental "The Boys in the Band" est une succession de vitrines excentriques pour, en effet, tous les garçons.
Parfois, les arrangements deviennent trop encombrés, chacun des six membres du groupe jouant au moins trois instruments différents, il y a une nette impression d'overdubs pour le plaisir de l'overdubbing. Cependant, si l'on suit les instruments clés seuls, les paysages sonores prennent tout leur sens, tout comme les fioritures et les intrusions qui se bousculent autour d'eux.
Le résultat final est un album qui a résisté à l'épreuve du temps bien mieux que ce à quoi on aurait pu s'attendre.
With A Little Help From My Friends 1968
Sur son album "With A Little Help From My Friends", paru en 1968, Larry Carlton laisse sa guitare parler pour lui. Il a été désigné comme le soliste le plus remarquable lors du Southern California Big Band Contest qui s'est tenu à San Diego en 1968.
Larry s'est souvent produit avec the Bill Elliot Orchestra à Disneyland et a voyagé avec divers groupes, dont the Fifth Dimension.
Dans son premier album, Larry démontre sa polyvalence et son acuité en tant que guitariste soliste. Le morceau "MacArthur Park" est sans aucun doute un splendide exemple de la musicalité de Larry Carlton. Il y joue à la fois de la guitare électrique et de la guitare acoustique.
Bien que l'album contienne des airs qui ont été des Hits, Larry confère à chaque sélection sa propre individualité, produisant ainsi une approche fraîche et rendant chaque sélection plus attrayante pour l'auditeur...
A découvrir absolument!
2015 Hollywood Vampires
Dans les années 70, un groupe de rockers se faisait appeler the Hollywood Vampires et il écumait les bars de Los Angeles au cœur de la nuit. Alice Cooper était au premier rang, rejoint par Harry Nilsson, John Lennon, Ringo Starr, Keith Moon et Micky Dolenz; une équipe tellement enivrée que leurs histoires sont devenues légendaires, même si les détails de la débauche ont été oubliés depuis longtemps.
Quarante ans plus tard, Alice Cooper a ressuscité le nom Hollywood Vampires en formant un supergroupe avec Joe Perry et Johnny Depp. Ces trois-là sont les piliers d'une fête à portes ouvertes où tout le monde est invité, à condition d'être déjà un rocker classique de renom.
Toutes les chansons, sauf deux originales qui sont des efforts conjoints de Depp et de son compère Bruce Witkin, d'Alice Cooper et de son ancien producteur Bob Ezrin, ainsi que de son nouveau guitariste Tommy Henriksen, sont des reprises de chansons standards de Rock classique qui fonctionnent toujours.
Ce n'est qu'une fête maison, une célébration bruyante du Rock d'antan du Sunset Strip qui ne laisse s'envoler les bons moments sordides que lorsque Paul McCartney passe pour chanter "Come and Get It". C'est tout de même un plaisir, car il est clair que Paul aime jouer avec ces voyous autant qu'ils aiment jouer avec lui et, malgré tous les grands noms entassés dans le studio, la clé de tout le bazar est Alice Cooper lui-même. Il est le meneur, poussant les gens au micro, transformant "Itchycoo Park" en vaudeville métallique et rendant justice à T. Rex.
Bien sûr, Hollywood Vampires n'est qu'une farce, mais c'est une farce amusante, et ce qui compte dans une fête, c'est de s'amuser.
1984 First Circle
"First Circle" du Pat Metheny Group, paru en 1984, est un excellent disque de Jazz urbain moderne, souvent relaxant, avec quelques éléments rythmiques latins.
Il commence par "Forward March", un arrangement orchestral enfantin et dissonant, qui semble plutôt charmant. L'accessible "Yolanda, you learn" a des rythmes très latins, comme le révèle par exemple le chant typique de Pedro Aznar. L'époustouflant morceau "First Circle" est un mélange charmant, grandiose et gracieux de délicates guitares acoustiques et de percussions, suivi de la voix typique d'Aznar synchronisée avec les claviers mélodiques de May. "If I Could" est un magnifique morceau doux, fait de cymbales et de guitares acoustiques délicates et de claviers flottants éthérés. Lyle Mays joue un sublime solo de piano sur le morceau rythmique "Tell It All", qui contient des percussions ressemblant à des boîtes de conserve. Les claviers de Lyle Mays sur "End of the Game" sonnent très subtils, ambiants, urbains et raffinés; Metheny joue une guitare électrique-synthé en forme de trompette. "Mas Alla" est une chanson relaxante avec Pedro Aznar au chant; Lyle Mays y crée toujours des ambiances éthérées avec ses claviers modernes, soutenus par de délicats arrangements de cymbales et de guitares. Le dernier morceau "Praise" est légèrement différent: il contient un orgue ambiant en arrière-plan, l'excellente voix de Pedro et quelques notes de flûte au début: le morceau est assez rythmé et accessible.
Un album agréable à écouter!
1997: Magic
Le guitariste allemand Axel Rudi Pell est une sorte de croisement entre Yngwie Malmsteen et Uli Jon Roth, d'autant plus que son groupe produit de la musique dans une veine comparable à celle des autres guitaristes estimés. Sur cet album, où l'on retrouve également le chanteur Jeff Scott Soto (Malmsteem / Talisman / W.E.T.), les comparaisons entre Malmsteen et Pell semblent encore plus appropriées.
Quoi qu'il en soit, "Magic", paru en 1997, est encore un très bon album de sa période la plus créative et la plus excitante, à savoir la seconde moitié des années 90 et le début du nouveau siècle.
Avec des excellentes chansons comme le titre épique et "The Clown is Dead", ainsi que des morceaux de Power Metal entraînants comme "Light in the Sky", "Nightmare", "Turned to Stone" et "Prisoners of the Sea", qui démontrent tous les prouesses du groupe en matière d'énergie, "Magic" est facilement l'un des meulleurs albums studio de Pell depuis 1989.
1969: More
Commandé pour servir de bande originale au film hippie français du même nom, rarement vu, "More", paru en 1969, est un album à part entière de Pink Floyd, qui a atteint le Top 10 en Grande-Bretagne.
La musique atmosphérique du groupe était naturelle pour les films, mais lorsqu'ils ont été assemblés pour l'enregistrement, ces morceaux étaient inévitablement un peu disparates, allant de ballades Folk à des instrumentaux électroniques féroces, en passant par des musiques d'ambiance accessoires.
Plusieurs morceaux sont agréablement sans conséquence, mais ce disque comprend quelques compositions fortes, en particulier "Cymbaline", "Green Is the Colour" et "The Nile Song".
N.B.: Tous ces morceaux sont devenus plus forts en concert, et des versions de meilleure qualité sont disponibles sur de nombreux bootlegs.
Flag (1979)
James Taylor a sorti l'album "Flag" en 1979 sur le label Columbia Records.
On y trouve des reprises de "Day Tripper" des Beatles et de "Up on the Roof" des Drifters, un remake de "Rainy Day Man" de Taylor, des chansons écrites pour la comédie musicale "Working", qui a échoué à Broadway, et quelques nouvelles compositions plutôt inconséquentes de Taylor.
C'est le brain trust habituel, le producteur Peter Asher et le groupe de soutien habituel (Danny "Kootch" Kortchmar, Dan Grolnick, Leland Sklar, Russ Kunkel), mais ce disque est pratiquement un fiasco!...
1973: In a Glass House
Gentle Giant a été réduit à un quintuor sur "In a Glass House", paru en 1973 , mais son son n'a pas changé, et le groupe est peut-être même encore plus soudé sans la présence de ses saxophones.
Les signatures temporelles sont toujours aussi étranges, et les changements de tempo sont parfois dérangeants, tout comme le large éventail de dynamiques, mais c'est aussi certainement l'un des disques les plus agréables du groupe, ils font du Rock à divers endroits, et ailleurs réalisent toutes sortes de petites expériences avec des instruments à percussion ("An Inmate's Lullaby"), ou créent une sorte de musique médiévale moderne, étrange et d'un autre monde ("Way of Life").
Rien de tout cela, à l'exception peut-être de "A Reunion", n'est vraiment facile à écouter, mais le défi permet d'obtenir des sons gratifiants.
Singing / Playing 1973
"Singing / Playing", paru en 1973, est le deuxième enregistrement indépendant de Larry Carlton.
Le son de guitare caractéristique de Carlton est évident tout au long de l'album, tout comme son chant sans tonalité. Les morceaux ont un aspect plus terreux, par opposition aux styles surproduits qu'il utilisera plus tard ; cependant, les résultats globaux sont décevants. Le jeu de guitare est certes impressionnant (en particulier sur "Free Way", plein de distorsion), mais il n'est tout simplement pas suffisant.
Quoi qu'il en soit, il s'agit d'une partie intéressante des débuts de Carlton et il y a suffisamment de moments qui préfigurent son évolution vers l'une des voix les plus distinctives de l'histoire de la guitare électrique.
2019 Rise
The Hollywood Vampires est une bande de vieux rockers du XXIe siècle qui s'accrochent aux idéaux sordides d'antan. Les Vampires parcouraient les bars de L.A. dans les années 70 et le groupe, ancré par Alice Cooper, Joe Perry et Johnny Depp, avait cherché à ressusciter ce même sens de l'anarchie hédoniste sur leur album de 2015. Une partie de l'astuce de ce disque résidait dans le fait qu'ils s'appuyaient sur des morceaux de l'époque, ce qui avait donné à l'album l'impression d'une jam session haut de gamme lorsqu'une bande de stars avait décidé de se rendre en studio.
Sur "Rise", paru en 2019, le groupe inverse l'équation en s'appuyant sur du matériel original de Cooper, Perry et Depp. Les reprises sont toujours là, généralement chantées par Depp comme s'il passait un mercredi soir dans un karaoké du Sunset Strip : il divague sur "Heroes" de David Bowie et récite "People Who Died" de Jim Carroll avec un regard vitreux. Perry s'avance devant le micro pour une version très classique de "You Can't Put Your Arms Around a Memory" de Johnny Thunders, ce qui laisse beaucoup d'espace à Alice Cooper pour s'amuser et camper. "We Gotta Rise", le néo-titre de l'album, est un appel à la révolte, et "Welcome to the Bushwackers" est un shuffle absurde qui laisse la place à un solo de Jeff Beck. C'est le seul véritable invité, John Waters est bien crédité sur "Bushwackers", mais il est impossible de l'entendre, et cette liste réduite d'invités indique à quel point "Rise" n'a pas vraiment l'air d'une fête.
Non seulement il n'y a pas beaucoup de musiciens en studio cette fois-ci, mais tout "Rise" semble avoir été assemblé sur ordinateur, chacun des trois membres principaux faisant sa part lorsqu'il avait du temps libre dans son emploi du temps.
Le résultat est un album plutôt bâclé avec un son de fêtards qui n'ont vraiment aucune idée qu'il est plus que temps pour eux de rentrer chez eux...
1987 Still Life (Talking)
Si la musique brésilienne a attiré l'attention de Pat Metheny depuis les années 70, c'est à la fin des années 80 qu'il a mis l'accent sur les éléments brésiliens.
Maître dans l'art de réunir des éléments apparemment disparates en un tout cohérent, le guitariste imaginatif combine efficacement des harmonies et des rythmes d'influence brésilienne avec des éléments de Jazz, de Folk et de Pop sur "So May It Secretly Begin", "Third Wind", "Minuano (Six Eight)" et d'autres joyaux inclus dans l'album "Still Life (Talking)", paru en 1987.
Les penchants brésiliens sont mis de côté sur l'une des œuvres les plus uniques de Metheny, "Last Train Home", qui s'enorgueillit d'un charmant thème western évoquant un voyage paisible à travers le désert de l'Arizona. Ce n'est peut-être pas la description d'un morceau de Jazz, mais Metheny a de nombreuses qualités admirables qui lui permettent souvent de faire de l'improbable une réalité.
1998: Oceans of Time
Pendant une période de 5 à 6 albums, Axel Rudi Pell et son groupe ont sorti une série d'excellents albums avec un line-up pratiquement inchangé et l'inspiration du guitariste ne sombrait pas dans l'ennui ou dans une (trop) grande répétition.
Sur "Oceans of Time", sorti en 1998, l'intro classique, "Slaves of Twilight', suivie du duo de chansons le plus Rock et le plus Hard, "Pay the Price" et "Carousel", l'épopée au rythme moyen au milieu de l'album, "The Gates of Seven Seals", le chant de grande classe de Johnny Gioeli, le petit instrumental inutile sont des éléments présents sur tous les albums de cette période et sont de la même qualité dans chaque album. La constance est l'une des vertus du groupe, donc celui-ci ne déroge pas à la régle..
La production n'est pas terrible, quand on constate la façon dont la batterie est produite sur la plupart des albums d'Axel Rudi Pell, le son est horrible, mais le ton chaud des guitares et des claviers est un élément très appréciable, tout comme le mixage des voix.
1969: Ummagumma
Pendant de nombreuses années, le double album "Ummagumma, paru en 1969, contenant un LP live et un LP studio pour le prix d'un, a été l'un des albums les plus populaires de la production de Pink Floyd.
Le live, enregistré à Birmingham et Manchester en Juin 1969, est limité à quatre morceaux, tous tirés des deux premiers LP du groupe ou de leurs singles récents. Avec la deuxième formation du groupe (sans Syd Barrett), le set montre un groupe très puissant, dont le son est maintenu sur scène par le jeu de batterie affirmé de Nick Mason et le travail de basse puissant de Roger Waters, qui maintiennent le rythme, même si la musique est plus ou moins espacée.
Ils sonnent également comme s'ils avaient les amplificateurs nécessaires pour faire entendre leur musique, ce qui est bien plus que ce dont disposait le premier groupe. "Astronomy Domine", "Careful with That Axe Eugene", "Set the Controls for the Heart of the Sun" et "A Saucerful of Secrets" sont tous supérieurs à leurs originaux de studio, plus longs, plus forts et plus durs, avec un vrai tranchant dans le jeu.
L'album studio est plus expérimental, chaque membre disposant d'un certain espace sur le disque pour faire sa propre musique, "Sysyphus" de Richard Wright est un pur travail de clavier, utilisant divers synthétiseurs, orgues et pianos, "The Narrow Way" de David Gilmour est un instrumental en trois parties pour guitares acoustiques et électriques et claviers électroniques, et "The Grand Vizier's Garden Party" de Nick Mason utilise une vaste gamme d'instruments de percussion acoustiques et électriques. "Grantchester Meadows" de Roger Waters est un morceau lyrique et folklorique qui ne ressemble à rien de ce que le groupe avait fait jusqu'à présent.
