To Be Continued (1981)
L'album "To Be Continued", paru en 1981, est essentiellement une continuation du trio Terje Rypdal / Miroslav Vitous / Jack DeJohnette, et cet album manque quelque peu de claviers atmosphériques.
Il n'en est pas moins fascinant, en particulier dans le jeu de batterie propulsif de DeJohnette sur la chanson titre, et dans son piano et sa voix fantasmagoriques sur "Uncomposed Appendix".
Cet album contient également l'une des œuvres les plus appréciées de Rypdal, la magnifique, austère et majestueuse "Topplue, Votter & Skjerf", qui signifie, en Norvégien, "Chapeau, gants et écharpe", une expression idiomatique évoquant l'arrivée de leur long et froid Hiver.
2001 – Anoraknophobia
Pour "Anoraknophobia", sorti en 2001, après avoir géré sa propre maison de disques pendant un certain temps, Marillion a lancé un appel à commandes anticipées, payables directement au groupe, évitant ainsi tout besoin d'une avance de la part d'une société plus importante et permettant au groupe de conserver tous les droits sur l'œuvre finie. 12 674 fans dans le monde entier ont répondu à cet appel; ils ont reçu en récompense un coffret de luxe avec un titre bonus, remerciant tous ceux qui avaient payé avant une certaine date.
Le quintuor a brouillé les pistes avec le 'prix' élevé de son projet. Un communiqué de presse du groupe n'a pas aidé, avec une citation du chanteur Steve Hogarth, "You're all wrong about Marillion", suivie d'un "défi" impérieux du publiciste de faire une critique de l'album sans utiliser un certain nombre de termes, "parce que si vous le faites, nous saurons que vous ne l'avez pas écouté". Cet étrange équilibre se retrouve dans le disque à plusieurs niveaux. Hogarth pose la question "Qu'est-ce qui se trouve entre les deux" à plusieurs reprises dans le joyeux "Between You and Me". Pendant les neuf minutes que dure "Quartz", le groupe se contente d'un rythme délibérément endiablé tandis que le protagoniste soupçonne d'abord, puis se persuade lui-même, que lui et sa moitié sont incompatibles.
A "Map of the World", co-écrit avec Nick VanEede de Cutting Crew, célèbre l'envol d'une jeune fille vers le monde et les aventures des adultes, même s'il n'est pas évident que "Paris, Londres et New York" diffèrent des lumières de sa ville, "qui chantent toutes 'achetez un peu de ça, allez'". Et "Separated Out" siffle et hurle la douleur du 'freakdom'; l'auditeur ne sait peut-être pas que les fans dévoués de Marillion s'appellent eux-mêmes "freaks", d'après une face B de l'époque des Fish qui semblait célébrer le fait que les freaks se retrouvent entre eux. Cette dernière chanson est-elle un appel à l'acceptation de la part du groupe, ou une répudiation de ce qui a précédé? Si Marillion ne peut ou ne veut résoudre aucun de ces dilemmes, il maintient au moins sa tradition de paroles pleines de texte et de sous-entendus et de musique en constante évolution qui incorpore des influences modernes avec autorité et sans aucune trace de servilité à l'égard des tendances...
2014 Illuminations
Ce qui ressort de l'album d'Anúna, "Illuminations", publié en 2014 à l'occasion du 25e anniversaire du groupe, est la diversité de la musique.
Les auditeurs seront peut-être surpris d'entendre un bon échantillon de chansons issues des traditions Cajun, Ffrançaise, Anglaise et Ecossaise. En fait, l'album s'ouvre sur une interprétation idiomatique et très énergique d'une chanson Cajun, "La Chanson de Mardi Gras", pour solo, voix d'hommes et percussions.
La diversité des styles musicaux présents sur l'album témoigne de la polyvalence de Michael McGlynn, le fondateur du groupe, dont les compositions originales figurent sur sept titres et qui est responsable des arrangements des autres chansons. Les pièces originales de McGlynn, généralement basées sur des textes traditionnels, vont du style direct d'une chanson folklorique dans "Summer Song" à un style tout à fait moderne mais émotionnellement expressif, avec l'utilisation de techniques vocales étendues et d'harmonies richement complexes dans "Fégaidh úaihb". On peut raisonnablement éprouver le sentiment qu'un commentateur a décrit un jour comme "un frisson d'inquiétude" en voyant que l'album comprend des arrangements choraux de "Danny Boy", "Greensleeves" et "Scarborough Fair", des chansons qui ont été jouées à mort, souvent dans des arrangements et des interprétations médiocres. Les arrangements de McGlynn parviennent à être à la fois sophistiqués et d'une simplicité désarmante et, grâce aux interprétations discrètes des chanteurs, rendent les chansons fraîches et tout à fait engageantes.
Stacie Lee Rossow, qui dirige le groupe pour la première fois, fait preuve d'une compréhension approfondie des différents styles musicaux et obtient des chanteurs des interprétations sensibles. Plusieurs chansons sont interprétées par des solistes de premier plan, qui chantent tous avec pureté et franchise. Le solo de John McGlynn dans "Fionnghuala" est différent, il est tout sauf simple, et il le chante avec une virtuosité éblouissante.
L'ingénierie, avec les solistes mis en avant, sonne plus proche d'un enregistrement Pop que d'un album classique traditionnel. Ce n'est pas excessif, cependant, et le son est propre, détaillé et chaleureux.
Descendre (1979)
Sur l'album "Descendre" enregistré en Mars 1979 au Talent Studio, Oslo et sorti en 1980, on y trouve Terje Rypdal à la guitare, synthétiseurs, flûte, Palle Mikkelborg à la trompette, bugle, synthétiseurs, et Jon Christensen à la batterie;
Cet album est tout simplement incroyable. Il est très beau, texturé et ne perd jamais de vue l'essentiel.
Le jeu de guitare de Rypdal est toujours aussi distinctif. Il utilise les effets tels que la réverbération, la distorsion et le relay pour façonner son son caractéristique, mais il utilise également la barre de whammy de ses Statocasters pour créer un vibrato impressionnant.
"Descendre" est l'un de ses plus Free Jazz de son travail, avec des compositions aux formes libres et une batterie très free-jazzy. Le trompettiste Palle Mikkelborg construit des figures aériennes à la trompette dans l'espace musical, qui rappellent parfois les moments les plus doux de Miles Davis. Les claviers sont très importants dans ce mélange, et donnent un parfum mélancolique à un son assez expérimental.
L4une des capacités uniques de Terje soit de mélanger dans sa musique des éléments assez complexes avec des éléments faciles d'accès, ce qui fait que le produit complet est facile à écouter mais avec des complexités profondément enfouies.
Quoi qu'il en soit, tous les musiciens ont créé quelque chose de vraiment spécial avec la session. Pour tous les fans de Terje, cet album est à acheter absolument.
Frais, clair comme l'air nordique, la musique avec un brassage aussi complexe, mais jamais agressif, est un excellent travail de Rypdal et de ses collaborateurs, l'un des meilleurs entre ses albums des années 70.
Merci de tes critiques de Rypdal, mon musicien préféré. Cet album est l'un de ses plus beaux, grâce à la présence de Mikkelborg. J'espère lire ta critique des 2 albums avec Vitous et DeJohnette, surtout Sunrise, ainsi que des albums avec les Chasers, différents mais si beaux. Le titre Ornen est magnifique, un vrai blues scandinave...
Descendre (1979)
Sur l'album "Descendre" enregistré en Mars 1979 au Talent Studio, Oslo et sorti en 1980, on y trouve Terje Rypdal à la guitare, synthétiseurs, flûte, Palle Mikkelborg à la trompette, bugle, synthétiseurs, et Jon Christensen à la batterie;
Cet album est tout simplement incroyable. Il est très beau, texturé et ne perd jamais de vue l'essentiel.
Le jeu de guitare de Rypdal est toujours aussi distinctif. Il utilise les effets tels que la réverbération, la distorsion et le relay pour façonner son son caractéristique, mais il utilise également la barre de whammy de ses Statocasters pour créer un vibrato impressionnant.
"Descendre" est l'un de ses plus Free Jazz de son travail, avec des compositions aux formes libres et une batterie très free-jazzy. Le trompettiste Palle Mikkelborg construit des figures aériennes à la trompette dans l'espace musical, qui rappellent parfois les moments les plus doux de Miles Davis. Les claviers sont très importants dans ce mélange, et donnent un parfum mélancolique à un son assez expérimental.
L4une des capacités uniques de Terje soit de mélanger dans sa musique des éléments assez complexes avec des éléments faciles d'accès, ce qui fait que le produit complet est facile à écouter mais avec des complexités profondément enfouies.
Quoi qu'il en soit, tous les musiciens ont créé quelque chose de vraiment spécial avec la session. Pour tous les fans de Terje, cet album est à acheter absolument.
Frais, clair comme l'air nordique, la musique avec un brassage aussi complexe, mais jamais agressif, est un excellent travail de Rypdal et de ses collaborateurs, l'un des meilleurs entre ses albums des années 70.
Merci de tes critiques de Rypdal, mon musicien préféré. Cet album est l'un de ses plus beaux, grâce à la présence de Mikkelborg. J'espère lire ta critique des 2 albums avec Vitous et DeJohnette, surtout Sunrise, ainsi que des albums avec les Chasers, différents mais si beaux. Le titre Ornen est magnifique, un vrai blues scandinave...
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)
Avec Revolver, les Beatles avaient fait un grand pas en avant, atteignant un niveau de sophistication et d'expérimentation sans précédent. "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" affine cette percée, car le groupe a consciemment synthétisé des influences aussi disparates que le Psychédélisme, l'Art-song, la musique classique, le Rock & Roll et le music-hall, souvent au cours d'une seule et même chanson.
La diversité ne semble jamais forcée: le génie du disque réside dans la façon dont le vaudevillesque "When I'm 64" semble être une extension logique de "Within You Without You" et comment il fournit une passerelle vers les guitares carillonnantes de "Lovely Rita". Il ne s'agit pas de minimiser les contributions individuelles de chaque membre ou de leur producteur, George Martin, mais la prépondérance de la fantaisie et de l'art conscient donne l'impression que Paul McCartney est le leader du Lonely Hearts Club Band. Il domine l'album en termes de compositions, donnant le ton de l'album avec son mélodisme sans complexe et ses arrangements sournoisement astucieux.
En comparaison, les contributions de Lennon semblent moins nombreuses, et certaines d'entre elles sont un peu légères, mais ses principales déclarations sont stupéfiantes. "With a Little Help From My Friends" est la chanson idéale pour Ringo, une chanson Pop roulante et amicale qui cache une véritable angoisse de Lennon, à la "Help!"; "Lucy in the Sky With Diamonds" reste l'une des pierres de touche du Psychédélisme Britannique; et il est le maître d'œuvre de la majeure partie de "A Day in the Life", un morceau obsédant qui mêle habilement le couplet et le refrain de Lennon avec le pont de McCartney.
Il est possible d'affirmer qu'il existe de meilleurs albums des Beatles, mais aucun n'est aussi important historiquement que celui-ci. Après "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", il n'y avait plus de véritables règles à suivre: les groupes de Rock et de Pop pouvaient tout essayer, pour le meilleur ou pour le pire.
Ironiquement, peu d'entre eux ont essayé d'embrasser la musique d'une manière aussi large et globale que les Beatles l'ont fait sur ce disque!.
2006 You & Me
L'album "You & Me" du jeune guitariste Joe Bonamassa, sorti en 2006, n'a rien de surprenant ni de risqué. La plupart de ses précédents albums mêlaient des reprises de Blues à ses propres compositions, le tout joué avec l'attitude, le volume et l'approche moins subtile d'un rocker.
Il voulait faire un album de Blues, pas un album de Rock avec du Blues comme par le passé, mais il est impossible d'affirmer qu'il y soit parvenu avec "You & Me". C'est surtout un solide album de Blues Rock et sans doute son meilleur travail à ce jour.
Dès le deuxième morceau, un Rock original intitulé "Bridge to Better Days", Bonamassa s'envole sur un stomper à la Free / Savoy Brown. Les choses se calment et deviennent plus roots sur les deux morceaux de Blues lents suivants, bien qu'un charmant original de Bonamassa, "Asking Around for You", ajoute des cordes, ce qui n'est pas exactement une touche que l'on associerait à du Blues pur. Néanmoins, c'est extrêmement efficace et lorsque les cordes reviennent sur une reprise de neuf minutes et demie de "Tea for One" de Led Zeppelin, c'est peut-être le meilleur moment de l'album. Le batteur Jason Bonham apporte une authenticité supplémentaire à la chanson sur laquelle son père a joué pour la première fois.
Bonamassa se débranche pour quelques morceaux en milieu de disque, dont une reprise de "Tamp 'Em Up Solid". L.D. Miller, un jeune harmoniciste de 12 ans, fait sa meilleure imitation de John Popper sur une version hyperactive de "Your Funeral and My Trial" de Sonny Boy Williamson, et l'instrumental intitulé "Django" montre que Bonamassa a écouté "Parisienne Walkways" de Gary Moore.
"You & Me" est un disque de qualité qui plait aux fans existants et qui peut en attirer de nouveaux, mais qui ne prend pas les risques qui, selon lui, pourraient pousser le guitariste vers des territoires inexplorés...
1978: Live Herald
Sorti à l'origine en 1979, le double album "Live Herald" de Hillage, se qualifie lui-même de 'musique tsigane éléctrique'.
Cet album est l'une des musiques les plus stoned, spaced out et gratifiante pour l'esprit jamais entendue. Il y a deux ingrédients principaux: des vagues de synthétiseurs qui volent autour des haut-parleurs et les solos de guitare psychédéliques les plus paradisiaques jamais enregistrés.
La philosophie de Hillage en matière de guitare n'est pas de jouer des accords complexes, de ne jamais se répéter et d'essayer d'impressionner tout le monde en montrant à quel point il est un joueur expérimenté, mais ce qui l'intéresse, c'est d'accumuler des quantités ridicules d'échos, de phasers et de flangers, puis de mettre son manche en pièces, encore et encore et encore!
La qualité de l'enregistrement est excellente, chaque morceau est également incroyable, il suffit d'écouter "Hurdy Gurdy Man" et "Searching for the Spark" pour se faire une idée.
Ce disque live est tout simplement énorme!
Descendre (1979)
Sur l'album "Descendre" enregistré en Mars 1979 au Talent Studio, Oslo et sorti en 1980, on y trouve Terje Rypdal à la guitare, synthétiseurs, flûte, Palle Mikkelborg à la trompette, bugle, synthétiseurs, et Jon Christensen à la batterie;
Cet album est tout simplement incroyable. Il est très beau, texturé et ne perd jamais de vue l'essentiel.
Le jeu de guitare de Rypdal est toujours aussi distinctif. Il utilise les effets tels que la réverbération, la distorsion et le relay pour façonner son son caractéristique, mais il utilise également la barre de whammy de ses Statocasters pour créer un vibrato impressionnant.
"Descendre" est l'un de ses plus Free Jazz de son travail, avec des compositions aux formes libres et une batterie très free-jazzy. Le trompettiste Palle Mikkelborg construit des figures aériennes à la trompette dans l'espace musical, qui rappellent parfois les moments les plus doux de Miles Davis. Les claviers sont très importants dans ce mélange, et donnent un parfum mélancolique à un son assez expérimental.
L4une des capacités uniques de Terje soit de mélanger dans sa musique des éléments assez complexes avec des éléments faciles d'accès, ce qui fait que le produit complet est facile à écouter mais avec des complexités profondément enfouies.
Quoi qu'il en soit, tous les musiciens ont créé quelque chose de vraiment spécial avec la session. Pour tous les fans de Terje, cet album est à acheter absolument.
Frais, clair comme l'air nordique, la musique avec un brassage aussi complexe, mais jamais agressif, est un excellent travail de Rypdal et de ses collaborateurs, l'un des meilleurs entre ses albums des années 70.
Merci de tes critiques de Rypdal, mon musicien préféré. Cet album est l'un de ses plus beaux, grâce à la présence de Mikkelborg. J'espère lire ta critique des 2 albums avec Vitous et DeJohnette, surtout Sunrise, ainsi que des albums avec les Chasers, différents mais si beaux. Le titre Ornen est magnifique, un vrai blues scandinave...
Cela va venir!
"Tes critiques"
A partir d'un certain âge, si on vous donne 10 ans de moins, un conseil : prenez-les !.
2004 : Beat Cafe
"Beat Cafe" de Donovan, surti en 2004, est produit par John Chelew, qui a travaillé avec beaucoup de monde, comme Richard Thompson, the Blind Boys of Alabama et John Hiatt.
Le titre de cet album est significatif. L'instrumentation est sobre, avec la batterie de Jim Keltner, la basse acoustique du légendaire Danny Thompson, et les claviers de Chelew.
Les chansons sont intimes, rythmiques, mélodiques et lyriques. Elles sont inspirées par cette génération éternellement présente et romantiquement panégyrique de poètes, de drogués, de voyageurs de minuit et de sages des cafés, les Beats.
Le set comprend 12 chansons, dont dix sont des compositions originales de Donovan. Les reprises comprennent une lecture convaincante du mystérieux et traditionnel "The Cuckoo", et un spoken word jazzy sur "Do Not Go Gentle" de Dylan Thomas.
Avec ce groupe soudé, profondément dans le groove à tout moment, les morceaux s'ouvrent et se déploient comme si le groupe était sur la scène d'un bar et étendait la piste de danse en sautant et en dansant dans la rue lors d'une nuit délirante et humide au clair de lune, d'une joie incontrôlable.
Si des albums sont encore nécessaires, c'est bien l'esprit de celui-ci qui l'est. Donovan rappelle aux auditeurs que la possibilité et l'espoir ne sont pas dépassés, mais qu'ils sont plus que jamais pleins de chance et de grâce sauvage. Bon retour, Donovan, tu nous as manqué.
Terje Rypdal / Miroslav Vitous / Jack DeJohnette (1978)
L'album "Terje Rypdal / Miroslav Vitous / Jack DeJohnette", sorti en 1978, est un must pour les aficionados de n'importe quel membre de ce trio avec un paysage sonore d'un autre monde, d'une beauté douloureuse.
La guitare de Rypdal est obsédante, réverbérée et distante tout au long de l'album, bien qu'à l'occasion, sur "Seasons", il devienne trop friand de synthétiseurs de guitare.
Mais il s'agit véritablement d'un effort de Fusion en trio, avec des morceaux ineffables comme "Den Forste Sne" ("La première neige") qui apparaissent et disparaissent sans solos ni structure tangibles. Dès les premiers coups de cymbales de "Sunrise", cet album est marqué par le meilleur jeu de batterie jamais enregistré par DeJohnette; le son de ses cymbales, poussé vers l'avant et enregistré avec des micros au-dessus et au-dessous de la cloche de la cymbale n'est rien de moins que révélateur. La basse de Vitous soutient les envolées de Rypdal, tandis que ses subtiles lignes de piano électrique flottent au-dessus.
Ces éléments se combinent de la manière la plus puissante dans "Believer", qui se construit à partir de scintillements atmosphériques de piano électrique dans un tourbillon de basse et de guitare plaintive sur fond de râpement sec de cymbales résonnantes.
Cet album est un petit chef d'oeuvre!
2002 – Anorak in the UK
"Anorak in the UK", sorti en 2002, est un album live de très grande qualité qui montre que Marillion est aussi bruyant et énergique en concert qu'il ne l'a jamais été depuis le départ de Fish.
Les interprétations des morceaux de "Radiation", "Marillion.com" et "Anoraknophobia" donnent une nouvelle vie à ces compositions, surmontant les valeurs de production parfois inégales qui ont parfois causé des problèmes aux deux premiers albums de cette trilogie, en particulier "Radiation", tandis que les extraits occasionnels de "Brave", "Afraid of Sunlight" ou "This Strange Engine" aident à mettre les récentes expérimentations du groupe dans leur contexte.
2015 Revelation
Sur "Revelation" d'Anúna, sorti en 2015, on retrouve la chanteuse Eabha McMahon. Son solo sur la chanson "Fill Fill A Run", chantée en Gaélique avec le chœur d'Anúna est de toute beauté. Sa voix possède une telle beauté angélique et obsédante qu'elle semble être d'un autre monde.
La version d'Anúna de la chanson "Mononoke Hime" tirée du célèbre film de Hayao Miyazaki 'Princesse Mononoké' est excellente.
"Revelation" est un véritable chef-d'œuvre! Chaque chanson et chaque chanteur est spécial, beau et incroyable. Il y a beaucoup de chansons et d'histoires géniales et merveilleuses.
Michael McGlynn, le directeur artistique et compositeur, est un génie et il a une voix d'ange.
Il a un style irrésistiblement obsédant et enveloppant avec des chansons et des chants qui semblent si purs, spirituels, beaux, romantiques et saints. C'est de la musique précieuse / sacrée et c'est toujours aussi beau!
Magical Mystery Tour (1967)
La version Américaine de la bande originale de l'émission télévisée Bitannique malheureuse des Beatles est composée des six chansons figurant sur le double EP Britannique "Magical Mystery Tour' et de cinq autres morceaux tirés de leurs singles de 1967.
Le son psychédélique est très proche de celui de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", et même plus spacieux par endroits, en particulier les collages sonores de "I Am the Walrus". Contrairement à Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", il n'y a pas de vague unité conceptuelle / thématique globale dans le matériel, ce qui a fait souffrir "Magical Mystery Tour" en comparaison.
Néanmoins, la musique est généralement excellente, et "Penny Lane", "Strawberry Fields Forever", "All You Need Is Love" et "Hello Goodbye" sont tous des singles énormes, glorieux et novateurs. La ballade "The Fool on the Hill", bien qu'elle ne fasse partie que de la bande originale de "Magical Mystery Tour", est également l'une des chansons les plus populaires des Beatles de l'époque.
2007 - Sloe Gin
Le guitariste Joe Bonamassa a choisi de travailler à nouveau avec le producteur Kevin Shirley, qui avait produit l'album "You & Me" en 2006.
"Sloe Gin", sorti en 2007, est cependant loin d'être une séance de répétition, avec une ambiance beaucoup plus acoustique et une plus grande attention portée au chant de Bonamassa, qui a malheureusement été généralement éclipsé par son jeu de guitare. Bonamassa a également amélioré son écriture (quatre des onze titres sont des compositions originales, le reste étant des reprises de Blues et de Hard Rock) et il réduit considérablement ses clichés, livrant ainsi son album le plus varié et le plus impressionnant à ce jour.
Le premier titre, une version de "Ball Peen Hammer" de Chris Whitley, est un bijou d'atmosphère, tout comme la chanson titre, une reprise d'une chanson écrite par Bob Ezrin et Michael Kamen qui est apparue pour la première fois sur le premier album solo de Tim Curry en 1978. Le chant de Bonamassa sur ces deux titres est merveilleusement nuancé et montre qu'il peut faire bien plus que simplement hurler des Blues Rocks.
A noter également son travail au dobro sur une belle reprise de "Jelly Roll" de John Martyn, ainsi que les quatre compositions originales, "Dirt in My Pocket", "Richmond", "Around the Bend" et la saisissante "India", qui témoignent de l'évolution et de la confiance de Bonamassa en tant qu'auteur-compositeur.
Il y a moins de leads de guitare tape-à-l'œil sur "Sloe Gin", ce qui est plutôt une bonne chose, car cela permet à sa maturité croissante en tant qu'auteur et chanteur de briller. C'est un excellent album, et on a la nette impression qu'un album encore meilleur se cache juste au coin de la rue...
1978: Green
Sur "Green" de Steve Hillage, sorti en 1978 , celui-ci propose une nouvelle fois sa musique de penseur. Les fans du Pink Floyd du milieu et de la fin des années 70 ne manqueront pas de jeter un coup d'œil à cet album, car il possède un grand nombre des mêmes qualités musicales, du fait qu'il a été produit par Nick Mason, le batteur du Floyd, en même temps que Hillage.
Bien qu'il ne soit pas aussi cohérent que certains de ses autres albums, il a ses bons moments. L'influence récurrente de Hillage sur la science-fiction se fait toujours sentir dans sa musique, en particulier sur des titres comme "Sea Nature", "UFO Over Paris" et "Unidentified (Flying Being)".
Hillage fait appel au même groupe que sur son album "Motivation Radio", ce qui contribue à rendre les chansons tordues de Hillage encore meilleures car la musicalité est de premier ordre). Outre les comparaisons avec Pink Floyd, la musique de l'album s'apparente également à la phase électronique expérimentale de David Bowie à la fin des années 70: sur le titre "Crystal City", le chant est presque identique à celui de Bowie.
Les fans de Hillage ne seront certainement pas déçus par "Green".
801 Live 1976
801 a fourni au guitariste de Roxy Music Phil Manzanera l'un de ses projets secondaires les plus intrigants. Bien que le groupe n'ait donné que trois concerts en Août et Septembre 1976, l'album "801 Live" a été enregistré une nuit où tout s'était mis en place musicalement. Il fallait s'y attendre avec des noms comme Eno et Simon Phillips dans le groupe. Les musiciens moins connus, le bassiste Bill MacCormick, le claviériste Francis Monkman et le guitariste Lloyd Watson, sont également dans une forme exemplaire.
Le répertoire est audacieusement diversifié, s'ouvrant sur "Lagrima", un solo de guitare croustillant de Manzanera. Puis le groupe entreprend une version spatiale mais brûlante de "Tomorrow Never Knows" ; c'est certainement l'une des reprises les plus intelligentes des Beatles. On passe ensuite à un Jazz Rock vif ("East of Asteroid"), à une psychopop atmosphérique ("Rongwrong"), et à la vitrine de manipulation de bandes d'Eno, "Sombre Reptiles". Et il ne s'agit là que des cinq premières chansons. Le reste du concert n'est pas moins audacieux, avec pas moins de trois chansons d'Eno dont un frénétique "Baby's on Fire", "Third Uncle", et la gymnastique verbale dense et pleine de syllabes de "Miss Shapiro". Il y a une autre reprise improbable de "You Really Got Me" des Kinks, tandis que Manzanera réalise une autre performance instrumentale typiquement hardie sur "Diamond Head".
Cet album marque probablement l'une des dernières fois où Eno s'est amusé de manière aussi inconsciente: "801 Live" est un document cohérent d'une équipe improbable qui s'est amusée et a pris des risques.
Les auditeurs ne sauront jamais ce qu'ils auraient pu faire d'autre si leurs emplois du temps avaient été moins chargés, mais cet album est un bon rappel.
Blue (1987)
The Chasers est un groupe qui joue comme un trio de Jazz qui a toujours repoussé les limites pour atteindre le punch viscéral du Rock.
En 1987, Terje Rypdal s'est associé avec ce groupe de Rock trop éphémère pour enregistrer l'album "Blue".
Ils pouvaient être funky à souhait (le slow groove de "Kompet Gär"), terriblement expérimentaux ("Og Hva Synes Vi Om Det"), cinématographiquement audacieux ("Om Bare"), ou merveilleusement méditatifs et tendres ("Blue").
Le fait qu'ils aient pu faire tout cela sur disque tout en franchissant le mur du son en tant que groupe est une prouesse que peu de groupes ont égalée. L'un des principaux attributs de "Blue" est son séquençage; l'ensemble de l'enregistrement semble se dérouler sans fin et sans interruption.
Rien n'est précipité, et toutes les parties et tous les musiciens contribuent économiquement. Le groupe établit un point de vue textural à partir duquel il peut improviser dans chaque sélection, et ne semble pas gêné par la limitation guitare-basse-batterie. Chaque morceau semble se révéler comme un monde sonore, plein de possibilités et d'espaces illimités, donnant au groupe une chance de s'offrir à ces compositions plutôt que de simplement les jouer.
Encore une fois, comme le prouve "Blue", il est dommage que ce groupe ne soit pas resté plus longtemps ensemble afin d'explorer tout le potentiel de ses possibilités et de ses palettes sonores.
2004 – Marbles
Marillion avait surpris le marché Européen en se classant dans le Top 10 au Royaume-Uni et aux Pays-Bas pour son single "You're Gone" au Printemps 2004 en imitant U2.
L'album "Marbles", sorti en 2004, rappelle pourtant une influence plus ancienne, Pink Floyd. De la pochette de l'album et des graphiques du livret du CD, qui révèlent l'influence d'Hipgnosis au long morceau de clôture, "Neverland", avec ses voix en écho, Marillion démontre qu'il n'avait aucun mal à perpétuer la tradition.
En commençant par les 13 minutes et plus de "The Invisible Man", Hogarth a montré un intérêt pour l'introspection mélancolique qui n'a rien à envier à "Wish You Were Here" de Pink Floyd. La chanson donne le ton de l'album, Hogarth se lamentant sur sa détérioration, non pas tant en un homme invisible qu'en un fantôme dont l'ancienne partenaire romantique ne peut ni l'entendre ni le sentir. "You're Gone, malgré un bon travail de guitare, continue à se morfondre sur les déceptions amoureuses, tandis qu'avec "Angelina", Hogarth fait l'éloge d'un disc-jockey de fin de soirée ou d'une travailleuse du téléphone rose, difficile de dire lequel des deux. A l'époque de "Fantastic Place", il semble cependant avoir surmonté sa dépression, et dans l'enjoué "Drilling Holes", il raconte même des blagues. "Neverland" suggère que l'ancien amour est revenu ou a été remplacé.
Pendant ce temps, le groupe produit une musique Rock à motifs qui montE et descend en force, avec seulement une légère considération pour les hauts et les bas émotionnels du chanteur.
Si le résultat ne semble pas être à la hauteur du sérieux évident avec lequel il est présenté, il s'agit néanmoins d'un groupe qui sait jouer ensemble de manière cohérente et atteindre certains sommets...
1970 - Ladies Of The Canyon
"Ladies Of The Canyon" de Joni Mitchell, paru de 1970, un album merveilleusement varié montre un certain nombre de tendances dans le travail de Joni Mitchell, dont certaines se concrétiseront sur des albums ultérieurs. "The Arrangement", "Rainy Night House" et "Woodstock" contiennent de longues sections instrumentales, qui annoncent les longues plages non vocales de sélections ultérieures telles que "Down to You de Court and Spark".
Des éléments de Jazz sont perceptibles dans les solos d'instruments à vent de "For Free" et "Conversation", témoignant d'une influence importante qui s'étendra jusqu'à Mingus. La désolation exceptionnellement poignante de "The Arrangement" apparaîtra plus fortement dans "Blue".
Un certain nombre de morceaux ("Willy" et "Blue Boy") sont accompagnées au piano plutôt qu'à la guitare; les arrangements sont souvent colorés et complexes, faisant appel au violoncelle, à la clarinette, à la flûte, au saxophone et à la percussion. Joni chante de manière claire et expressive, notamment sur "Woodstock", sa célébration du festival. Ce morceau, accompagné d'un piano électrique obsédant, est chanté avec cran, de manière brute et soulful; la sélection prouve amplement que les hymnes de la musique Pop ne doivent pas tous être des morceaux de production bruyants.
Les chansons sont d'humeur variée, allant de "Morning Morgantown" (un charmant portrait d'une petite ville) à "Conversation", nerveusement énergique (sur un triangle amoureux en gestation), en passant par "The Priest", mystérieusement effrayant (présentant l'amour de la chanteuse pour un spartiate), le classique "The Circle Game", gentiment sentimental (évoquant le passage du temps en termes touchants), le single rebondissant et vibrant "Big Yellow Taxi" (avec des paroles humoristiques sur les questions écologiques) et le somptueux morceau-titre (célébration de l'amour de l'homme, de la femme et de l'enfant), somptueux (une célébration de la créativité dans toutes ses manifestations).
Cet album est un album incontournable de l'œuvre de Joni Mitchell.
