1979 - What the Hell Is This?
"What the Hell Is This?" de Johnny "Guitar" Watson, sorti en 1979, est un album honorable pour le label anglais DJM où Johnny comme à son habitude joue de presque tous les instruments (sauf la batterie tenue par le fidèle Emry Thomas).
On trouve une tracklist inégale dont les meilleurs moments semblent être "What the hell is this", "In the world", et "I don't want to be president".
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1996 - (Still Alive In) Texas
Le chanteur compositeur Texan, Rich Minus, originaire d'Austin et décédé en 2016, mériterait d'être plus connu qu'il ne l'est. C'est, en quelque sorte, un survivant, un musicien aux mille vies, avec santiags, blouson de cuir, stetson, voix macérée au whisky attestant de l'authenticité du personnage. Au niveau musical, sa musique penche beaucoup du côté Country même si on peut découvrir des morceaux à cataloguer dans le rayon Blues.
En fait, il joue du Country Blues et des titres comme "Texas Bill", "The lady's gentleman" et "Texas 1995" transportent l'auditeur au beau milieu des grandes étendues arides du Texas, sous une chaleur insoutenable, mais aussi dans l'ambiance des soirées qu'offrent les bars Texans.
Au final, c'est un album à ranger quelque part entre Steve Earle, Dwight Yoakam, Merle Haggard et Johnny Cash.
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One Piece at a Time 1976
Sur "One Piece at a Time", sorti en 1976, on constate que le choix des sujets d'inspiration de Johnny Cash a renforcé l'impression qu'il était quelqu'un tout ce qu'il y a de plus Américain qui s'était retrouvé du côté des hippies et avait fréquenté Bob Dylan.
Son Hit radiophonique "One Piece at a Time" décrit une petite victoire dans la bataille de l'homme ordinaire contre la cupidité des entreprises, et ce n'est certainement pas la seule grande chanson de cet album négligé. "Committed to Parkview" appartient au genre malheureusement minuscule des chansons Country sur les institutions psychiatriques, et pourrait bien être la meilleure de toutes, rivalisant sérieusement avec "Rubber Room" de Porter Wagoner. "Love Has Lost Again" est l'une de ses ballades douces-amères dans la lignée de "I Still Miss Someone", tandis que des titres sans prétention comme "Go on Blues" représentent le type de musique qui se glisse sournoisement dans la conscience de l'auditeur et y reste pendant des jours.
Il y a des ratés inconfortables, certes, mais parfois des touches instrumentales parviennent à donner vie à une chanson, qu'il s'agisse de la guimbarde bruyante sur "Sold Out of Flagpoles" ou de l'harmonica sur "Let There Be Country".
"One Piece at a Time" est l'œuvre de l'excellent auteur-compositeur de Country Wayne Kemp, mais la plupart des autres bons morceaux de cet enregistrement proviennent de Cash lui-même.
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1993 - Let’s Talk It Over
Les sessions de 1977 pour Ralph Bass initialement prévues pour TK Records, ont été finalement éditées sur un LP rarissime par Second City, puis proposéesz en CD par Delmark en 1993.
Enregistrées en deux heures, elles débouchent sur un album spontané et inspiré dans lequel Lonnie Brooks est brillamment supporté par une formation dense et compacte (Bob Levis, Rob Waters, Harlan Terson, Robert Taylor Layton).
Excellent chanteur et superbe guitariste, il délivre un set remarquable ponctué de ses propres compositions. Parmi celles-ci, les meilleures sont incontestablement "Let's talk it over", "Hard gamblin' woman", "Crash head on into love" et "Greasy man".
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My Own Peculiar Way (1969)
Lorsque Willie Nelson se lance dans une chanson, il a une façon de jouer avec les sons et le rythme des mots pour en tirer tout ce qu'il peut.
C'est le cas de presque toutes les chansons de son album "My Own Peculiar Way", sorti en 1969, qu'il s'agisse d'une de ses compositions ou d'une reprise comme "Natural to Be Gone" de John Hartford.
La seule chanson de cet album qui ne fonctionne pas vraiment est "That's All", mais le reste est pratiquement parfait...
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1968 - Astral Weeks
"Astral Weeks" de Van Morrison, sorti en 1968, est considéré comme l'un des meilleurs albums de l'histoire de la musique Pop, mais il n'est pas un archétype d'album de Rock.
Morrison joue de la guitare acoustique et de sa voix bluesy et soulful, accompagné par un groupe de jazzistes de studio: le guitariste Jay Berliner, le contrebassiste Richard Davis, le batteur Connie Kay du Modern Jazz Quartet, le vibraphoniste Warren Smith et le saxophoniste soprano John Payne, également crédité à la flûte.
Le producteur Lewis Merenstein a ajouté plus tard des orchestrations de chambre et divisé l'album en deux parties: "In The Beginning" et "Afterwards", avec quatre chansons dans chaque catégorie.
Les chansons de Morrison sont un mélange instinctif et organique de Folk Celtique, de Blues et de Jazz. Il entre pleinement dans le mystique, plus dans l'instant qu'il ne le sera jamais plus dans un studio d'enregistrement. La sensation de liberté et de décontraction ajoute à l'intimité et à l'immédiateté des chansons.
Ce sont, pour la plupart, de longues ruminations incantatoires, vaguement narratives et poétiques sur son éducation à Belfast: ses personnages, ses magasins, ses rues, ses allées et ses trottoirs, tous encadrés par l'innocence et le passage de cette époque. Morrison semble hypnotisé par ses sujets; ils réconfortent et hantent un présent rempli d'un désir et d'une solitude inépuisables.
Morrison va au plus profond de lui-même pour creuser et explorer. La pièce maîtresse de l'album est "Madame George", un récit de conscience sur les archétypes psychologiques et spirituels personnels, profondément influencé par les romans de route de Jack Kerouac. L'épiphanie culminante vécue sur "Cyprus Avenue" dresse un portrait du lieu et du temps si vivant qu'il trompe les auditeurs dans l'expérience d'une mémoire partagée. "The Way Young Lovers Do" est le morceau le plus abouti. Ses couplets jazz et ses refrains rythmiques soulignent l'érotisme passionné et frémissant des paroles et de la voix de Morrison.
"Astral Weeks" est une entrée justifiée dans le panthéon de la musique Pop. Il ne ressemble à aucun autre disque antérieur ou postérieur; il réunit le meilleur de la musique populaire de l'après-guerre dans une effusion émotionnelle, coulée dans des structures musicales délicates et subtiles.
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Stormbringer! (1970)
Pour l'album "Stormbringer!, sorti en 1970, John et Beverley Martyn se sont rendus à Woodstock, dans l'État de New York, et ont enregistré avec plusieurs musiciens locaux, dont Paul Harris et Harvey Brooks, ainsi que Levon Helm du Band.
Très proche du Fairport Convention électrique de l'époque, "Stormbringer!'"grésille d'interactions acoustiques et d'une ambiance presque jazzy.
Parmi les morceaux phares, on peut citéer "Woodstock" (pas la chanson de Joni Mitchell) et la chanson-titre.
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1980 - Love Jones
Comme d'habitude, Johnny "Guitar" Watson joue tous les instruments sauf la batterie et les cuivres sur son album "Love Jones", paru en 1980.
La tracklist est percutante avec des compositions personnelles remarquables comme "Booty ooty", "Going up in smoke", "Telephone Bill", "Jet plane" sans oublier la ballade nostalgique et autobiographique "Children of the universe".
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Boat to Bolivia (1986)
"Boat to Bolivia", sorti en 1986, est un excellent premier album de Martin Stephenson and the Daintees.
Stephenson y apparait comme un très bon songwriter, délivrant un Folk roots mais toujours grand public, délivrant des compositions dignes et inspirées. C'est un artiste à réhabiliter au plus vite. Son Folk peut s'irriser de Jazz, de Country, voire de Reggae, sans oublier de la Pop de grande classe, il reste indubitablement empreint de la même douceureuse nostalgie, les morceaux tels des tranches de vie idéales mises en musique, avec un coeur et une humanité débordants.
A l"époque, l'abum semblait déjà intemporel, car il évitait les valeurs de production de nombreux albums de l'époque. Au lieu des synthétiseurs et de la batterie, the Daintees et leur producteur Gil Norton ont opté pour des guitares acoustiques, de la pedal steel, de l'harmonica et de la contrebasse.
Mais ce qui rend cet album si spécial, ce sont les chansons. Aujourd'hui encore, les mélodies sublimes et les paroles austères, souvent provocantes, de "Crocodile Cryer", "Little Red Bottle", "Coleen and Running Water" et de toutes les autres, continuent de capturer des sentiments que la plupart des musiques Pop sont tout simplement incapables d'exprimer.
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Silver 1979
Avec "Silver", paru en 1979, Johnny Cash a tenté d'actualiser son son avec des techniques de production plus modernes, sans grands résultats.
Pourtant, Brian Ahern, qui a produit Emmylou Harris, était à la tête d'un ensemble qui a souvent donné un éclat plus contemporain au son avec des filtres et des déphaseurs.
De nombreux musiciens de session étaient également présents, parfois à la trompette et au cor, et ce n'est généralement pas un bon signe lorsque la liste des musiciens présents sur certains morceaux dépasse la douzaine. L'idée était de faire sonner Cash moins démodé; le résultat ironique a été de le faire sonner plus daté et plat que la plupart du reste de son catalogue, sans pour autant se comparer à ses meilleurs enregistrements en termes de qualité du contenu.
Cependant, une production erratique ne peut étouffer les forces de Cash, et le disque est juste peu inspiré. Parmi les meilleures chansons, on peut citer sa relecture de "The L&N Don't Stop Here Anymore" de Tom T. Hall, une reprise de "(Ghost) Riders in the Sky" avec des contributions de Ricky Skaggs, Wayne Jackson et de the Carter Family, et le titre mémorable de Jack Clement, "West Canterbury Subdivision Blues". Enfin, George Jones ajoute une voix harmonieuse à "I'll Say It's True".
C'est un album décevant de la part de Cash!
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1996 Roadhouse Rules
Produit par Jim Gaines dans un style électrique nettement Rock, et enregistré entre Memphis et Chicago, ce "Roadhouse Rules" de Lonnie Brooks, sorti en 1996, propose un Blues puissant et vigoureux de facture assez classique.
On retient particulièrement "Backbone man", "Roll of the tumbling dice" (avec Sugar Blue à l'harmonica), "Too little too late" (avec les Memphis Horns), "Rockin' red rooster" et "Treat me like your dog".
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Both Sides Now (1970)
Le titre mis à part, "Both Sides Now" de Willie Nelson, paru en 1970, est un très bon album. Bien qu'il n'y ait pas autant d'originaux sur ce disque que sur certains de ses albums sortis à la même époque, il parvient à tirer quelque chose de nouveau de plusieurs de ses reprises.
En écoutant "Everybody's Talkin'", on ne se prend pas à regretter la version de Nilsson. De même, après que Jerry Lee a déchiré "One Has My Name", Nelson lui donne encore un air frais.
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1970 - Moondance
Le brillant "Moondance" de Van Morrison, sorti en 1970, est un classique au même titre que son prédécesseur, "Astral Weeks".
C'est le premier album solo de Van Morrison à connaître un succès commercial, il conserve l'élan profondément spirituel de l'album précédent, mais transcende son intensité sombre et cathartique pour explorer plutôt les thèmes du renouveau et de la rédemption.
Léger, Soul et jazzy, "Moondance" s'ouvre sur la douce et nostalgique "And It Stoned Me", l'imagerie pastorale de la chanson établissant le motif lyrique dominant récurrent tout au long de l'album car pratiquement chaque morceau exulte dans l'émerveillement naturel, qu'il s'agisse de la magie nocturne célébrée par la chanson-titre ou de la promesse illimitée offerte dans "Brand New Day".
Au cœur de l'album se trouve "Caravan", une ode incantatoire au pouvoir de la radio; tout aussi émouvante est la majestueuse "Into the Mystic", une chanson d'une beauté et d'une grâce si élémentaires qu'elle constitue sans doute la quintessence du moment de Morrison.
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The Road to Ruin (1970)
Avec "The Road to Ruin", sorti en 1970, John et Beverley Martyn poursuivent leur chemin dans le Folk Jazz Britannique des années 70 en collaborant davantage que sur leur précédent album.
Avec une improvisation subtile qui incorpore un plus grand sentiment ethnique, "Road to Ruin" est très agréable à écouter. La qualité du chant et du jeu font de cet album un excellent moment de détente et de réflexion.
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1981 - Johnny "Guitar" Watson and the Family Clone
"Johnny "Guitar" Watson and the Family Clone", paru en 1981, est le dernier album de la collaboration de Watson avec le label Anglais DJM.
Johnny expérimente plus que d'habitude et se place seul aux commandes, produisant l'enregistrement et jouant tous les instruments sans exception (sauf sur un titre).
C'est un programme trop inégal avec pourtant de bons moments comme "Forget the Joneses", "Ain't movin'" ou "Come and dance with me".
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Gladsome, Humour & Blue (1988)
'Gladsome, Humour & Blue" de Martin Stephenson and the Daintees est un album d'une subtilité envoûtante qui n'est pas le genre de disque qui révèle tous ses charmes dès sa premièr écoute.
Au début, l'album semble simplement joli, avec la voix délicate de Stephenson et les mélodies Folk essentiellement acoustiques qui tendent parfois à être simplement plutôt ringardes.
Mais après quelques écoutes, les paroles magistrales deviennent plus évidentes. Stephenson n'a pas peur d'aborder de grands thèmes comme l'honneur, la mort, ou encore la fidélité, mais il le fait avec grâce, en utilisant des métaphores savamment choisies qui n'explicitent que rarement leur signification profonde. De même, les chansons tendent vers des accents musicaux presque subliminaux qui sont ressentis plutôt qu'entendus.
La chanteuse Virginia Astley est invitée sur quelques chansons, tout comme Neil Conti des Prefab Sprout, et "Gladsome, Humour & Blue" permet à Martin Stephenson and the Daintees de se situer astucieusement entre ces deux artistes, tout en forgeant leur propre direction musicale.
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1968 - Black and White
Grâce à "Polk Salad Annie", Tony Joe White a connu un succès mérité avec son Swamp Rock provenant directement de la région des bayous de Louisiane, alors que le Bayou Country de John Fogerty avait été créé à Berkeley, en Californie.
Sur l'album "Black and White", sorti en 1968, dont a été tirée cette chanson, White a une voix de baryton moelleuse qui semblait avoir été ramenée du fond du Delta. Outre "Polk Salad Annie", la première face de cet album comprend plusieurs autres chansons originales de White.
Les meilleures sont "Willie and Laura Mae Jones", une chanson sur les relations raciales avec un arrangement similaire à "Ballad of Billie Joe", et "Soul Francisco", un court morceau de fluff funky qui avait été un grand succès en Europe en 1968. "Aspen, Colorado" préfigure le futur "Rainy Night in Georgia", une composition de White popularisée par Brook Benton. La deuxième face consiste en des reprises de succès contemporains, les plus funky "Who's Making Love" et "Scratch My Back" s'en tirant mieux que les morceaux plus lents.
Dusty Springfield a eu un petit succès avec "Willie and Laura Mae Jones", et les chansons de White ont été enregistrées par d'autres artistes au fil des ans, mais "Polk Salad Annie" et les alligators qui ont eu sa grand-mère ont constitué sa seule marche dans les Charts Américains.
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1981 – Fiddle Tunes For Banjo
Ce qui unit les trois banjoistes, Tony Trischka, Bill Keith et Béla Fleck, c'est leur statut commun d'innovateurs stylistiques sur un instrument qui incarne un strict traditionalisme.
La question de savoir qui de Trischka ou de Keith est à l'origine du style "mélodique" du banjo Bluegrass, qui tend à suivre exactement la mélodie et à remplir les espaces avec des embellissements scalaires, plutôt que de frapper des notes mélodiques occasionnelles au sein de cascades d'arpèges, comme c'est le cas dans le picking traditionnel à la Scruggs, fait encore l'objet de débats.
Ni Trischka ni Keith ne se sont montrés disposés à revendiquer la suprématie de l'un sur l'autre, de sorte que le débat ne sera peut-être jamais tranché.
A l'époque de l'enregistrement de "Fiddle Tunes For Banjo", sorti en 1981, Fleck était un jeune musicien qui repoussait les limites de l'école Trischka / Keith. Les banjoïstes se succèdent à la tête de groupes distincts pour interpréter des standards du Bluegrass tels que "Black Mountain Rag" et "Fiddler's Dream", ainsi que des morceaux inhabituels comme la gigue Irlandaise "Paddy Kelly's Jig".
Pour les amteurs du genre!
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Yesterday's Wine (1971)
"Yesterday's Wine" de Willie Nelson, sorti en 1971, doit prendre la place qui lui revient parmi ses œuvres les plus appréciées de Nelson. Série de méditations sur Dieu, l'amour et le vieillissement, ces chansons sont des réflexions fragmentées sur la vie de "l'homme imparfait" de Nelson à l'approche de la mort.
Au cœur de l'album se trouvent "Summer of Roses", "December Day" et la chanson titre, des chansons qui détaillent un sentiment de nostalgie et de perte avec les saisons changeantes qui reflètent la propre vie du narrateur.
Tout au long de l'album, la foi religieuse de Nelson est sous-jacente. De nombreux morceaux se suffisent à eux-mêmes, en dehors du contexte de l'album. "Family Bible", "Me and Paul" et la chanson-titre sont des exemples particulièrement réussis de l'art de la chanson de Nelson.
Dans son ensemble, "Yesterday's Wine" permet de mieux comprendre l'évolution de l'art de Nelson au cours de cette période prolifique.
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1970 - His Band and the Street Choir
Sorti en 1970, "Moondance" de Van Morrison a été un succès commercial et critique. Encouragé par son manager, Morrison et un sextuor sont entrés en studio et ont livré "His Band & the Street Choir" à temps pour les fêtes de fin d'année.
L'ambiance est décontractée, souvent festive. Morrison puise son inspiration dans sa fascination de longue date pour la tradition R&B de la Nouvelle-Orléans. "Domino" est son single le plus populaire. La ballade "Crazy Face", écrite en 1968, mêle guitare acoustique, mandoline et piano. "Give Me a Kiss" a un air de Zigaboo Modeliste dans les cuivres; Fats Domino est mentionné dans la promenade au piano d'Alan Hand, et le tag punchy et doo-wopping du refrain fait un clin d'œil à Frankie Ford. "I've Been Working" (qui date d'"Astral Weeks") est le meilleur de Morrison en matière de Funk. "Call Me Up in Dreamland" met en scène le 'chœur de rue' (musiciens, femmes, petites amies, etc.). L'intime "I'll Be Your Lover Too", orné seulement d'une guitare acoustique et d'une batterie chuchotante, est hanté par la passion à combustion lente qui allait couler si facilement sur "Saint Dominic's Preview" en 1972. Le deuxième single "Blue Money" est un Blues à base de rhodes et de cuivres. Le poétique "Virgo Clowns" est peint dans un charmant mélange de guitares acoustiques à 12 cordes et de clarinette basse. "Gypsy Queen" est une chanson d'amour glissante, où Morrison offre un magnifique falsetto. L'âme celtique de "If I Ever Needed Someone" est mise en valeur par le même trio de choristes que sur "Crazy Love" de "Moondance". Le morceau de clôture s'inspire du Gospel fanfaron qui a inspiré "Caravan" sur cet album. Le soutien de la chorale de rue est plus doux, équilibré par des breaks éloquents de saxo et d'harmonica.
En tant qu'album, "His Band & the Street Choir" n'égale peut-être pas "Astral Weeks" ou "Moondance", mais l'objectif n'a jamais été aussi élevé. Le fait que la plupart de ces chansons soient devenues les préférées des fans est un témoignage suffisant de leur qualité.
Modifié en dernier par alcat01 le dim. 10 mai 2026 15:32, modifié 1 fois.
