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Le Orme 2019 – Sulle Ali Di Un Sogno

Genre: Prog Rock

Guitare acoustique à 12 cordes – Simone Chivilò
Guitare acoustique, guitare électrique, guitare acoustique 12 cordes, guitare classique – Ivan Geronazzo
Batterie, Percussions – Michi Dei Rossi
Claviers – Michele Bon
Chant principal – Eero Lasorla, Francesca Michielin
Chant principal, basse acoustique, basse électrique – Alessio Trapella
Violon – David Cross

"Sulle Ali Di Un Sogno" de Le Orme, sorti en 2019, ne contient que deux titres inédits. Les neuf autres morceaux sont des reprises de titres issus du vaste répertoire du groupe, depuis l'album "Collage" de 1971 jusqu'à "ClassicOrme" de 2017.
Le célèbre violoniste David Cross apparait sur six titres en tant qu'artiste invité.
Le lyrisme et la mélancolie typiquement italiens, incarnés par des mélodies sublimes et des harmonies délicates, sont bouleversants et imprègnent l'album du début à la fin.
Bien que le disque comprenne des titres couvrant près de cinquante ans, il offre des arrangements cohérents, résolument classiques, qui, associés aux paroles italiennes, sont tout simplement bouleversants.
Dans l'ensemble, il s'agit d'un superbe recueil de morceaux mélodiques, plus proches de la Fusion Pop Classique que du Prog, mais qui offrent néanmoins une expérience d'écoute agréable...

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Sky Dancer 1977 - Alive

Genre: Hard Rock

Producteur – Steve Monroe
Basse – Zeke Zirbel
Batterie – Daniel Nissly
Guitare – Dickie Dykmann
Claviers – Doc Lawson
Chant principal : Dickie Dykmann, Zeke Zirbel

Sky Dancer n'a sorti qu'un seul album, enregistré en public devant une foule enthousiaste à Lincoln, dans le Nebraska, par une belle soirée de 1977.
L'album, "Alive", sorti en 1977, propose un Hard Rock solide, teinté de progressif, avec une utilisation judicieuse de l'orgue Hammond et de superbes guitares.
Il s'ouvre de façon assez banale avec le titre Rock direct et entraînant "Rock and Roll Sweetheart", sur lequel le guitariste Dickie Dykmann commence à faire des étincelles, ce qui ne peut que plaire au public. Dès les premières notes de "Get Down", on comprend que le groupe a un talent indéniable et une multitude d'idées à exploiter. On n'entendait plus guère d'orgue aussi puissant et de guitares aussi déchaînées à la fin des années 70, surtout en Angleterre. "Fear No Evil" possède l'une des secondes parties les plus intenses et superbes jamais entendues depuis bien longtemps. "Hang on To Your Life" et "Hot Rocks" sont taillés dans le même moule. C'est le genre de Hard Rock qu'on recherche constamment, et qu'on trouve rarement. Et "Never Want to Be Tied Down" est un morceau de clôture mélancolique et introspectif.
Ces cinq titres sont longs et proposent de nombreux solos de guitare et d'orgue Hammond. "Rock and Roll Circus" est également un solide morceau de Hard Rock, même s'il est un peu plus conventionnel.
Le seul titre quelque peu dispensable est le Boogie Rock "Goody Two Shoes" qui contient néanmoins de jolis solos de guitare.
Bref, c'est du Hard Rock quasiment incontournable...

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Laura Nyro 2001 – Angel In The Dark

Genre: Jazz, Blues, Pop

Chant, Pianos, Harmonie vocale, Productrice – Laura Nyro
Guitare acoustique – John Tropea
Basse – Freddie Washington, Will Lee
Batterie – Bernard Purdie, Chris Parker
Guitare électrique – John Tropea
Guitare – Jeff Pevar
Percussions – Bashiri Johnson, Carole Steele
Saxophone ténor – Michael Brecker
Trompette – Randy Brecker

"Angel In The Dark" de Laura Nyro, paru en 2001, est composé pour moitié de titres originaux et pour moitié de reprises, et le tout est vraiment excellent.
Les reprises sont réussies; le point culminant est une interprétation magistrale de "Will You Still Love Me Tomorrow" de Goffin / King.
Les titres originaux sont beaucoup plus inégaux; "Gardenia Talk" est intéressant, mais aussi visiblement inachevé, mais on y trouve de véritables pépites, comme on n'en avait plus entendu de Laura depuis les années 70.
Elle puise force et inspiration dans sa famille et la continuité de la vie qu'elle y trouve. Ainsi, l'éloge funèbre de sa mère dans "Triple Goddess Twilight" se transforme en un amour farouche pour son fils dans "Don't Hurt Child"...
N.B.: Laura a réussi à écrire une chanson sur les droits des animaux qui n'est pas du tout exaspérante! Elle s'appelle "Animal Grace", et son principal atout est sa durée, seulement 87 secondes...

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Creepy Layne 1983 - Let the Rebels Rock

Genre:Southern Rock

Basse – Bernhard Huebl
Batterie, percussions – Stephan Goetz
Guitare solo, chant, guitare acoustique – Robert M. Stragalinos
Guitare solo, guitare slide, guitare acoustique – Mario "Bull" Fandango
Piano, orgue – Ludwig Seuss

A la fin des années 70, un petit groupe de Munich, Creepy Layne, s'est mis à jouer quasiment le même son que sur les deux premiers albums de Molly Hatchet. Et ce groupe avait ses propres chansons,avec un assaut constant de deux guitares, un piano discret et un chanteur qui ressemble trait pour trait au regretté Danny Joe Brown.
L'album, intitulé "Let the Rebels Rock", est sorti en 1983 sur le label Zyx Records, et il a même été mixé à Jacksonville (Floride).
Il contient d'excellents duoels de guitares et de très bons morceaux de Boogie et Rock sudiste classique, tous les morceaux étant joués avec la même énergie que les plus grands succès de leurs idoles Américaines.
Des morceaux comme "Black Friend", "Dixie Talkin'" ou "Round Up" n'ont trouvé aucun équivalent en Allemagne, ni ailleurs.
Même le plagiat inévitable de "Free Bird", comme dans la chanson "The Dirty Deal", paraît étonnamment dénué de sentimentalisme grâce à ses riffs et solos de guitare Hard Rock d'une beauté à couper le souffle, dont on ne voudrait jamais voir la fin.
"Let the Rebels Rock" est un bon disque, mais évidemment, il n'y a rien de nouveau sous le soleil...

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Drivin N Cryin 2009 – Whatever Happened To The Great American Bubble Factory

Genre: Alternative Rock, Blues Rock, Folk Rock

Producteurs -- Anton Fier, Kevin Kinney, Tim Nielsen
Banjo – Jeff Mosier
Basse, mandoline, chœurs – Tim Nielsen
Batterie, percussions, chœurs -- Dave V. Johnson
Guitare – Mac Carter
Guitare, chant – Kevn Kinney
Piano, orgue – Joey Huffman
Saxophone – Erik Lawrence
Trompette – Steven Bernstein

Après plus de dix ans d'absence et alors que le chanteur et compositeur Kevin Kinney se consacrait principalement à sa carrière solo, l'album "The Great American Bubble Factory" de Drivin N Cryin, sorti en 2009, révèle un groupe non seulement étonnamment énergique, mais aussi animé d'un profond engagement.
La plupart des chansons abordent le malaise économique et émotionnel qui a frappé l'Amérique durant la dernière année de la présidence de George W. Bush. Kinney et Tim Nielsen laissent transparaître une facette plus intimiste sur des titres comme "Don't You Know That I Know That You Know?" et "Midwestern Blues".
C'est un album Rock puissant, mêlant fanfaronnade et colère populiste, alors que les travailleurs luttent pour survivre dans un pays où les emplois sont rares, où les dettes de cartes de crédit menacent d'engloutir tout sur leur passage, et où presque tout ce qui était autrefois fabriqué en Amérique porte désormais la marque "Fabriqué en Chine".
Kinney sait rendre ces problèmes aussi concrets que la maison saisie du quartier. Avec Mac Carter, il déploie un mur de guitares qui confère aux morceaux l'ampleur qu'ils méritent.
La voix de Kinney commence à accuser le poids des ans et la reprise de "I Stand Tall" des Dictators laisse penser qu'il n'en saisit pas tout à fait la subtilité.
Pourtant, Drivin' n' Cryin' sonne étonnamment dynamique et engagé sur "The Great American Bubble Factory", et cet album laisse entrevoir une suite prometteuse...

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Jess And The Ancient Ones 2012 – Jess And The Ancient Ones

Genre: Psychedelic Rock

Producteur – Jess And The Ancient Ones, Tore Stjerna
Basse – Fast Jake
Batterie, percussions – Yussuf
Claviers – Abraham
Lap Steel Guitare – Tonto
Guitare solo – Thomas Corpse
Guitare solo, chœurs – Thomas Fiend
Guitare rythmique – Par Stroh
Chant – Jess

Le groupe de Hard Rock occulte Jess and the Ancient Ones propose, sur son album éponyme, paru en 2012, une sélection plaisante de morceaux aux accents psychédéliques et à l'énergie rétro-stoner.
Le son, principalement ancré dans le Hard Rock des années 70 avec quelques emprunts aux décennies suivantes, repose avant tout sur Jess elle-même: une chanteuse plutôt douée, agréable à écouter même si elle n'innove pas vraiment.
Cet album est vraiment excellent. Les parties instrumentales et le chant s'accordent parfaitement, tout en conservant un certain niveau de qualité et d'originalité.
Le meilleur morceau semble être "Twilight Witchcraft", tandis que le point faible est "Come Crimson Death", qui n'est pas mauvais, mais un peu trop long.
Le reste de l'album est également très réussi. Les sonorités mystérieuses et envoûtantes de l'album sont parfaitement rendues. C'est vraiment excellent.
Les parties instrumentales et le chant sont excellents, et l'ensemble est harmonieux et original.
C'est un album qu'il faut absolument écouter!...

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Alan Jackson 2015 – Angels And Alcohol

Genre: Country

Producteur – Keith Stegall
Accordéon, Harmonica – Jim Hoke
Guitare acoustique, banjo – Bobby Terry
Chœurs – John Wesley Ryles, Tania Hancheroff
Basse – Jimmie Lee Sloas
Dobro – Michael Severs
Batterie – Tommy Harden
Guitare électrique, guitare acoustique – Brent Mason, JT Corenflos
Violon – Hoot Hester, Larry Franklin
Mandoline, violon – Andy Leftwich, Stuart Duncan
Piano, guitare acoustique, batterie – Greenwood Hart
Piano, orgue – Gary Prim
Slide Guitare – Robbie Flint
Steel Guitare – Jim Vest, Paul Franklin

Après avoir exploré ses racines pendant quelques années, avec un deuxième album de Gospel et un album de Bluegrass, Alan Jackson revient à la Country pure et dure avec "Angels and Alcohol" en 2015.
Retrouvant son partenaire de longue date, Keith Stegall à la production, Jackson ne tente rien de nouveau, mais il ne vit pas non plus dans le passé. Il glisse des allusions aux téléphones portables dans la douce et romantique "The One You're Waiting On" et se comporte généralement comme un homme de son âge, heureux d'être fidèle, engagé et serein.
Il parvient à ne jamais paraître complaisant sur "Angels and Alcohol", car, comme tous les grands chanteurs Country, il excelle dans les petits détails révélateurs, qu'ils se trouvent dans les paroles ou dans la réinterprétation d'une mélodie familière à trois accords.
Son talent d'écriture est indéniable: il a composé 7 des dix titres, privilégiant souvent des ballades douces et lentes, mais se déchaînant aussi sur le swing western entraînant de "Flaws", le dynamique "Mexico, Tequila and Me" et le premier single "Jim and Jack and Hank".
Mais le véritable attrait de l'album réside dans le chanteur, plus que dans la chanson elle-même. Au fil de l'album, on se laisse facilement emporter par son phrasé éloquent et la maîtrise de son groupe. Il n'innove peut-être pas, mais quel plaisir d'entendre un maître prendre autant de plaisir à son art!...

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Darkstar 1978 - Into The Heartland

Genre: Psychedelic Rock, Prog Rock

Producteur – Darkstar
Basse, chant – James Paul Cassar
Batterie, chant – Peter Cassar
Guitare, claviers, chant -- Timothy Chipman

En 1976, les ambitions du trio Canadien, originaire de Toronto, le menèrent au-delà de la scène locale.
Lors d'un voyage à New York, ils rencontrèrent l'auteur-compositeur Al Munson. Impressionné par les prestations de Darkstar, Munson les encouragea à enregistrer deux de ses chansons.
Cela donna naissance à deux singles sur le label Lifeson: "Holy Roller / (You Can Have The) Best of Everything" et "Sweet Delight". Aucun des deux ne rencontra le succès commercial escompté, et le groupe rentra chez lui avec une détermination renouvelée.
Souhaitant davantage de liberté créative, Darkstar fonda alors son propre label, Ariel Records, en 1978.
Sous cette bannière, il sortit son album, "Into the Heartland", avec des singles tels que "Hit & Run Lover" et "nto the Heartland / One More Time".
Leur style du groupe s'inscrit pleinement dans la lignée du Rock Progressif avec des morceaux ambitieux, des rythmes puissants et une interaction subtile entre guitares et claviers.
Malgré son talent indéniable, le succès commercial lui échappa...

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Manic Street Preachers 1993 - Gold Against the Soul

Genre: Alternative Rock

Producteur, piano, orgue – Dave Eringa
Basse, chœurs -- Nicky Wire
Batterie, percussions, chœurs -- Sean Moore
Chant principal, guitare solo, guitare rythmique, guitare acoustique, chœurs --James Dean Bradfield
Percussion – Pelle
Piano, orgue – Ian Kewley
Guitare rythmique, chœurs – Richey James

"Gold Against The Soul", paru en 1993, est l'album le plus typique de Manic Street Preachers.
L'albums déborde d'énergie et il possède le son caractéristique de ce groupe si particulier.
Il a beaucoup à offrir. Les structures solides sont bonnes, les mélodies sont présentes et les guitares sont mises en avant.
Le titre phare est certainement "La Tristesse Durera (Scream to a Sigh)", également sorti en single, mais "SleepFlower" et "Roses in the Hospital" sont également excellents.
Il est malheureusement desservi par quelques titres sans relief et d'autres très commerciaux, qui semblent viser le grand public Américain. Bon, mais sans plus.
il reste un excellent recueil de chansons. Et peu importe la qualité de la production ou le côté "Arena Rock", car si les chansons sont bonnes, c'est le plus important!...

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Dean Allen Foyd 2012 -- The Sounds Can Be So Cruel

Genre: Garage Rock, Acid Rock, Psychedelic Rock, Prog Rock

Dean Allen Foyd est un groupe originaire de Stockholm, en Suède. "The Sounds Can Be So Cruel", son premier album, est sorti en 2012 chez Crusher Records, un label synonyme de qualité.
La première chose qui frappe, c'est l'authenticité absolue dur son. On croirait que cet album date de 1968. On a vraiment l'impression que ces musiciens ont remonté le temps pour l'enregistrer. Heureusement, l'expérience a été couronnée de succès, car c'est un album remarquable.
Cela tient à la variété des neuf titres, mais aussi au talent d'écriture du groupe qui possède un don naturel pour les arrangements soignés, laissant suffisamment d'espace à d'autres instruments comme la flûte, l'orgue ou le violon.
Cependant, Dean Allen Foyd est avant tout un groupe de Rock dont le potentiel est évident, ouvert à différentes influences, allant du Garage Rock au Psyché, en passant par le Blues et le Folk.
Le titre d'ouverture, "Please Pleaze Me", affiche indéniablement une affinité avec les premiers Pink Floyd, tandis que "Revolution Blues" semble être un croisement improbable entre The Doors et Captain Beefheart.
Mais cela pourrait donner l'impression trompeuse que le groupe n'a d'autre choix que de suivre ses idoles, ce qui est loin d'être le cas. En réalité, il a plutôt créé son propre son, ce qui est remarquable pour un groupe aussi jeune.
De plus, son énergie naturelle transparaît dans la pureté et la profondeur de leurs mélodies. "She's So Blue" est tout simplement magnifique. Ceci est dû en partie à la voix du guitariste Francis Rencoret, dont le style naturel s'accorde parfaitement à la musique du groupe.
En résumé, un premier album exceptionnel, à se procurer absolument pour les amateurs de Rock de la fin des années 60...

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The Lovin' Spoonful 1966 – Hums of the Lovin' Spoonful

Genre: Pop Rock

L'album "Hums of the Lovin' Spoonful" est sorti en 1966.
Il contient le single numéro un de juin précédent, "Summer in the City", ainsi que le Hit du Top 10 de septembre, "Rain on the Roof', curieusement intitulé "You and Me and Rain on the Roof" sur l'album.
Sortis simultanément avec l'album, on y retrouve également les deux titres du single suivant "Nashville Cats", qui devint le septième titre consécutif du groupe à se classer dans le Top 10, et "Full Measure", une face B interprétée par le batteur Joe Butler, qui parvint difficilement à se hisser dans les Charts.
Ce furent des chansons à succès, bien que Bobby Darin ait découvert le premier titre, "Lovin' You", et l'ait rapidement repris pour en faire un Hit du Top 40, et que la mélancolique "Coconut Grove", un hommage à Fred Neil, soit devenue un élément permanent du répertoire de John Sebastian, leader de the Lovin' Spoonful, dans sa carrière solo.
"Hums of the Lovin' Spoonful" est plus un recueil disparate de morceaux qu'un ensemble cohérent. C'était une nécessité, mais aussi un choix délibéré, car Sebastian et ses musiciens entraient en studio avec l'ambition d'obtenir un son complètement différent à chaque fois.
Ils y parvenaient souvent, car mis à part la similitude vocale, le groupe qui joue "Summer in the City" et le titre autobiographique et incisif "4 Eyes" est bien loin du groupe Country qui revisite "Lovin' You" et "Nashville Cats".
N.B.: La réédition de l'album, "Sundazed", parue en 2003 a ajouté quatre demos, des morceaux instrumentaux et des versions alternatives de titres de l'album...

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Drivin' N' Cryin' 2019 – Live The Love Beautiful

Genre: Rock

Guitare acoustique, piano, orgue, producteur -- Aaron Lee Tasjan
Guitare acoustique, guitare électrique, guitare acoustique 12 cordes, chant, harmonica – Kevin Kinney
Chœurs -- Aaron Lee Tasjan, Dan Baird, Elizabeth Cook, Robert Kearns, the McCrary sisters
Basse, mandoline, chœurs – Tim Nielsen
Batterie, percussions, chœurs -- Dave V. Johnson
Guitare électrique, guitare acoustique, slideguitare – Laur Joamets
Synthétiseur – Matt Rowlands

Absent depuis 2009, Drivin N Cryin est de retour avec un album puissant et abouti, produit par Aaron Lee Tasjan. "Live the Love Beautiful", sorti en 2019, est un excellent album Rock, incisif avec des accents Punk par endroits, imprégné de mélodies envoûtantes et de textes profonds.
C'est un disque qui a été conçu pour être écouté en concert. D'ailleurs, il donne l'impression d'avoir été enregistré en live: De nombreux morceaux ont été enregistrés en live au studio Welcome to 1979 à Nashville, dans le Tennessee.
L'album ne s'attarde pas sur les problèmes; il invite l'auditeur à un voyage introspectif personnel. Des premiers amours à la lutte contre la dépendance, les souvenirs sont abordés avec respect, donnant naissance à de délicieuses ballades du Sud et à des récits folk empreints de poésie.
Pour un groupe formé il y a des décennies et dont le dernier album s'est fait attendre, "Live the Love Beautiful " sonne déjà comme un classique. Frais et vibrant, il trace surtout une nouvelle voie prometteuse pour le groupe!...

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Missouri 1977 - Missouri

Genre: Southern Rock

Producteur – Chris Fritz, Ron West
Basse, chant – Alan Cohen
Batterie – Bill Larson
Guitare solo – Lane Turner
Chant principal, guitare, claviers, harmonica – Ron West

Missouri est un groupe de Blues Rock originaire de Kansas City. Son premier album,éponyme, est sorti en 1977 sur le label indépendant Panama Records et il a été produit par Ron West et Chris Fritz.
Le premier single, "Movin' On", a été largement diffusé sur les ondes du Midwest.
Parmi les autres titres populaires figuraient "Really Love You" et "Mystic Lady".
Après sa sortie, l'album a figuré dans la liste des albums recommandés du Billboard et le groupe est parti en tournée.
Ils ont joué en première partie de plusieurs artistes de renommée nationale tels que Ted Nugent, Golden Earring, Scorpions, Blackfoot, Sammy Hagar, Nazareth, Molly Hatchet, REO Speedwagon, Rush, Blue Oyster Cult, Van Halen, Jefferson Starship et tellement d'autres.
"Missouri" est un album typique de ce qu'est le Blues Rock, Southern Rock Américain!...

[andy]

Missouri j ai le suivant que j ai en vinyle, pas mal

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Missouri j ai le suivant que j ai en vinyle, pas mal

Les deux sont bons!

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Alan Jackson 2021 – Where Have You Gone

Genre: Country

Producteur – Robert Keith Stegall
Guitare acoustique – Bruce Watkins
Chœurs – Alecia Nugent, John Wesley Ryles, Tania Hancheroff
Banjo – Sammy Shelor
Basse – Dave Pomeroy, Glenn Worf, John Kelton
Dobro, guitare steel – Scotty Sanders
Batterie, guitare acoustique, piano, orgue – Robert Keith Stegall
Batterie – Eddie Bayers
Guitare électrique – JT Corenflos, Rob McNelley
Guitare électrique, guitares acoustiques – Brent Mason
Violon, mandoline – Stuart Duncan
Piano, claviers, orgue, piano électrique – Gary Prim
Saxophone – Brad Guin
Steel Guitare – Paul Franklin
Trombone – Roy Agee
Trompette – Vinnie Ciesielski
Chœurs – Brad Guin, John Kelton, John Wesley Ryles, Robert Keith Stegall, Roy Agee, Tania Hancheroff, Travis Humbert, Vinnie Ciesielski

L'album studio d'Alan Jackson, "Where Have You Gone", sorti en 2021, lui offre l'occasion de se recentrer, de définir ses priorités et de tirer des leçons de vie, de vivre avec sens et lucidité.
Si la plupart des morceaux sont un peu lents et doux, c'est que, pour Jackson, la réflexion profonde sonne comme ça ces temps-ci. Mais cela ne veut pas dire que l'album est dépourvu de titres entraînants.
Jackson a écrit 15 des 21 chansons et la production est assurée par Keith Stegall, collaborateur de longue date de Jackson.
"Where Have You Gone" est un bon mélange de chansons lentes et rythmées.
Le meilleur morceau semble être "The Older I Get".
En 2021, Alan Jackson est toujours fidèle à lui-même...

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Sweetwater 1968 - Sweetwater

Genre: Folk Rock, Psychedelic Rock

Producteur – Dave Hassinger
Basse, chant – Fred Herrera
Violoncelle – August Burns
Congas, Percussions – Elpidio (Pete) Cobian
Batterie – Alan Malarowitz
Flûte, chant – Albert Moore
Guitare, bongos, chant – RG Carlyle
Claviers, chant – Alex Del Zoppo
Chant principal – Nansi Nevins

Sweetwater est surtout connu pour avoir été le tout premier groupe à jouer à Woodstock après Richie Havens et Swami Satchidananda.
Ce groupe,, originaire de Los Angeles, était atypique pour un groupe de folk rock psychédélique: il comptait huit membres et utilisait des instruments comme le violoncelle et une section de congas / bongos, avant même que Santana ne popularise les percussions latines dans le Rock.
Proche de Jefferson Airplane, il a suivi les traces de ce groupe en intégrant le Jazz et le Rock Psyché à son style folk.
L'album, éponyme, est un recueil chaleureux de chansons pop psychédéliques, d'un style plus sophistiqué que celui de la plupart des groupes de Sunshine Pop des années 60. Le violoncelle et la flûte lui confèrent une saveur Folk intimiste, tandis que la voix, qui rappelle étrangement celle de Grace Slick, évoque un Jefferson Airplane ayant exploré une direction musicale totalement différente.
Le groupe se distingue également par l'absence totale de guitare électrique : la plupart des parties de cordes électriques étaient jouées à la basse, même si l'utilisation de la guitare acoustique est acceptée.
Cet album est un incontournable pour les amateurs de Pop / Folk mélodique et chaleureuse des années 60. Il regorge de mélodies sublimes, et la richesse de l'instrumentation lui confère une dimension orchestrale qui donne vie à une véritable tapisserie de contrepoints mélodiques.
Les morceaux sont variés, puisant dans un large éventail d'influences, des titres Rock entraînants aux ballades émouvantes.
A &couter absolument!...

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John G. Perry 1976 - Sunset Wading

Genre: Fusion, Prog Rock

Producteur, piano, piano électrique, célesta, chœurs – Rupert Hine
Basse, chant -- John G. Perry
Violoncelle – Helen Liebmann
Batterie – Michael Giles
Guitare – Carrado Rusticci
Marimba, vibraphone, percussions diverses – Morris Pert
Saxophone soprano, saxophone alto – Elio D'Anna
Alto – Geoffrey Richardson, Levine Andradi
Violon [1er] – Gavyn Wright
Violon [2e] – Steve Rowlinson

"Sunset Wading", paru en 1976, est un album paisible, enregistré à Canterbury par John G. Perry après son bref passage comme bassiste de Caravan.
Thématiquement parlant, cet opus cède un peu trop facilement à la même idéalisation de la campagne que celle dont Mike Oldfield se rendait coupable à l'époque.
On ne retrouve pas beaucoup le son de Caravan dans les compositions; l'atmosphère semble plus mélancolique, grave et introspective que le style enjoué habituel du groupe.
C"est un album principalement instrumental très fluide, à l'ambiance lounge impressionnante, influencé par le Jazz Rock, le Prog de Canterbury, le Psyché, le classique et même les musiques du monde. Il propose des arrangements hypnotiques, basés sur la combinaison de rythmes réguliers et de solos variés de guitares, violons, flûtes et claviers.
Quelques morceaux comportent du chant, mais celui-ci n'est pas prédominant.
En conclusion, "Sunset Wading" est un album de Rock expérimental qui recèle d'excellents moments, mais aussi quelques morceaux et passages assez quelconques...