J A Z Z et musiques improvisées - C'est ici qu'on en parle

[vox populi]

Hamid Drake, Jemeel Moondoc, William Parker, Steve Swell – Fire Into Music.jpg

Hamid Drake, Jemeel Moondoc, William Parker, Steve Swell – Fire Into Music - (2004)

L’histoire de cet album est assez révélatrice de ce qui peut se passer dans le monde du jazz tel qu’il fonctionne dans la réalité. C’est d’autant plus révélateur que cet album est une « tuerie », enfin c’est ce genre de mot qu’on utilise parfois pour indiquer qu’il est traversé par la passion !

Déjà le support est un indice, c’est en effet un Cdr de chez Cdr, pas ce qui semble le mieux indiqué pour évoquer une longévité hors normes. C’est la restitution d’une captation d’un concert qui s’est déroulé au Ballroom Marfa, au Texas, le huit octobre deux mille quatre. Un très bon concert !

Concernant la formation elle est conforme aux musiciens présents, Hamid Drake à la batterie, Jemeel Moondoc au saxophone alto, William Parker à la contrebasse et Steve Swell au trombone, mais ces renseignements ne sont pas fournis sur le Cd.

Par contre le véritable nom de la formation n’est pas indiqué, il s’agit du « Steve Swell’s Fire Into Music », cette dernière partie deviendra le titre de l’album, alors qu’elle appartient au nom du groupe, mais rien de grave.

Ça devient un peu plus cocasse lorsqu’un jour Steve Swell reçoit dans sa boîte aux lettres un exemplaire vinyle de cet album, dont il ignorait tout, y compris son existence. Il est gravé sur le label « Ballroom Marfa » avec la cote « BM-001 », des Cds suivront contenant deux titres également, « Junka Nu » et « Space Cowboys ». Il y aura même un autre Cd avec quatre titres différents, contenant des extraits du même concert…

Comme tout finit par s’arranger, l’album devint officiel, il faut dire que c’est un pur joyau de l’ambiance « club » qui plaît tant aux amateurs de jazz, c’est un peu approximatif côté prise de son, mais l’énergie est là, l’ambiance et la sueur avec le fond sonore qui va bien, constitué par les bruits des conversations et la réaction chaude du public face à la proximité quasi familiale qui s’exprime ici.

Oui, il y a aussi des bons côtés, mais l’affaire n’est pas tout à fait terminée. C’est que l’album est vraiment bon, dans son jus, brut de décoffrage et organique, chaque musicien est à son top niveau, totalement investi dans sa mission, sur la fin c’est tout bouillonnant !

L’enregistrement connaîtra une autre vie sur le label français « RogueArt », il bénéficiera d’une réédition en trois cds, très chics, de la totalité de la musique présente ici et jouée ce soir-là.

Le titre deviendra « For Jemeel Fire From The Road » en hommage au saxophoniste alto parti à l’âge de soixante-quinze ans.

Junka Nu (CD-2)

Space Cowboys (CD-2)

Je ne connaissais pas et j'aime beaucoup l'ambiance club qui se dégage de ce disque
Merci pour la découverte

[Douglas]

Je ne connaissais pas et j'aime beaucoup l'ambiance club qui se dégage de ce disque
Merci pour la découverte

Ravi que ça t'ait plu !

[Douglas]

James Brandon Lewis Trio – Apple Cores.jpg (125.32 Kio) Vu 1312 fois

James Brandon Lewis Trio – Apple Cores – (2025)

Un Brandon Lewis de l’année dernière, je le suis pourtant assidûment, mais avec paresse, semble-t-il. Pourtant cet album est bien bon, très jazz, avec Ornette Coleman et Don Cherry qui se promènent en fond, l’esprit est bien là, qui bruisse…

Rien ne saurait me faire plus plaisir, mais encore faudrait-il préciser qu’il s’agit de l’Ornette funk qui se réveille ici, avec cette basse puissante de Josh Werner. Ce n’est pas précisé sur les notes de l’album, mais il s’agit certainement d’une basse électrique et non pas de la contrebasse acoustique qui règne habituellement au pays du jazz. Le son est rond, droit et immédiat, ce qui ne laisse planer aucun doute.

James Brandon est un musicien particulièrement ouvert aux styles et aux influences, rien donc de surprenant, n’a-t-il pas joué avec les Messthetics aux accents punks ? Ou rendu hommage à la tradition sur « For Mahalia, With Love » avec le Red Lily Quintet ? Nous voilà avertis, rien n’est interdit ici, les fenêtres sont ouvertes, et ça tombe bien car Brandon Lewis est bien inspiré…

Le troisième du trio, et pas le moindre, est Chad Taylor, qui joue de la batterie mais aussi du m’bira sur « Prince Eugene », est-ce de celui qui devint commandant en chef des armées du Saint-Empire romain germanique au service de la monarchie autrichienne dont-on parle ?

Je ne sais, mais quand il évoque « Five Spots To caravan », c’est un peu plus clair, c’est le nom du célèbre club de New York où jouait Ornette Coleman, avant qu’il ne s’installe au « Caravan of Dreams », où il avait des contrats de résident. Il y a également « « Remember Brooklyn & Moki » qui cite le nom de l’épouse de Don Cherry, ainsi que celui de l’album légendaire « Where Is Brooklyn ? » …

On ne saurait être plus clair, tout comme pour « Broken Shadows », nom de l’album d’Ornette enregistré en même temps que le cultissime « Science-Fiction » mais paru onze années plus tard… Quant au titre final, il reprend dans sa seconde partie le nom de l’album d’Ornette « Exactly, Our Music » paru en mille neuf cent soixante et un, « This Is Our Music ».

Tous ces signes adressés aux jeunes générations indiquent un chemin à suivre, une culture à rencontrer, comme des petits cailloux semés derrière soi, lors du long cheminement de la vie…

Grandiose album…

Apple Cores #1

Prince Eugene

Five Spots to Caravan

Remember Brooklyn & Moki

Exactly, Our Music

[Douglas]

Jemeel Moondoc Connie Crothers – Two.jpg (114.82 Kio) Vu 1252 fois

Jemeel Moondoc / Connie Crothers – Two – (2012)

Ce que l’on remarque dans la vie de Jemeel Moondoc, avec étonnement voire effarement, ce sont les longues années de pause qui s’installèrent dans sa vie de musicien, comme si le silence le sanctionnait d’une insuffisance ou d’un manquement, il y a quelque chose de terrible quand on y pense, à lui et à tant d’autres également, éclipsés par un système auquel ils n’ont pas su s’adapter, ou peut-être n’ont-ils pas fait les compromissions nécessaires pour simplement durer…

Cet album est celui d’une remise en lumière, après le « Live At The Vision Festival » sur Ayler Records en deux mille trois, avec le Jus Grew Orchestra, un nouvel oubli se fit, un passage dans l’obscurité, avant que ne paraisse, pour la première fois depuis quinze années dans un studio, sur le label « Relative Pitch Records », ce duo en compagnie de la pianiste Connie Crothers.

Cette dernière est née en mai quarante et un, à Palo Alto en Californie, elle devint une étudiante de Lennie Tristano, celui-ci déclara à son propos, « Connie Crothers est la musicienne la plus originale que j’ai eu le privilège de rencontrer et avec qui j’ai travaillé. »

Jemeel, qui était un poil plus jeune, garde également un souvenir émouvant de cette rencontre avec Connie, il écrivit en deux mille dix-sept, un an après le décès de la pianiste, une bafouille que l’on retrouve sur le net. Il écrit :
« Elle avait une expression fétiche : « C'est dimensionnel ! Tout est dimensionnel ! » Elle parlait de la façon dont les choses et les situations — même lorsqu'elles ne sont pas physiques — acquièrent de la longueur et de la largeur, et revêtent une dimension à la fois intérieure et extérieure. Ainsi, n'importe quelle situation avec elle devenait « dimensionnelle ! » Être dimensionnel était une chose positive. »

Cette anecdote en dit long, la relation entre les deux était centrée autour de la musique, elle devint aussi extrêmement amicale, les deux s’entendaient bien. Il se souvient de son dernier concert, avec elle, Chad Taylor et Steve Swell, au Stone, à New York : « Tout chez elle respirait la paix ; elle possédait une paix intérieure tout simplement magnifique. Même lorsque la musique devenait très intense, elle dégageait un calme incroyable. C'est à cela que je pense. »

Cet album, simplement nommé « Deux » reflète bien ce que l’on pressent à la lecture de ces quelques mots, la complicité des deux qui se soutiennent, se cherchent et construisent, la sensibilité à fleur de peau de l’un et de l’autre, et du jeu fascinant de Connie au piano, qui propose énormément, des bouquets de notes qui forment des structures solides et alternatives.

Les deux se partagent en gros la responsabilité des compos, de façon équitable et fréquemment à deux, comme on entend ici. Comme souvent chez Jemeel la sonorité du sax alto, simple, brute et directe va au cœur et touche à la passion, Connie reçoit le message et converse, soutient et console, ouvrant des perspectives tout en interrogeant…

Improvisation 1

You Let Me Into Your Life

Deep Friendship

Improvisation 4

Improvisation 5

[Douglas]

Man.jpg (17.54 Kio) Vu 1206 fois

Man – Man – (1999)

Man est un duo français composé par François Biyiki aux différents claviers, guitares, mélodica, rythmes et bruitages, Charles-Éric Charrier à la basse acoustique, mélodica, rythmes et bruitages, ils composent à deux également, sauf la pièce « Kirkjubaejarklaustur » signé du seul Biyiki.

Il y a également deux invités, Lara Moulny au violoncelle et Pierrick Coheleach aux voix extérieures, à Singapour. L’album est sorti sur le label français « Les Disques du Soleil et de l'Acier », qui ont un catalogue plutôt sympa, à cheval sur les genres et les musiques, ici c’est plutôt le rock-folk qui domine, mais on sent la formation classique et l’influence jazzy qui pointe un peu, mais faut dresser l’oreille…

Dans l’ordre des pièces « Daniel » arrive un peu vite et taule l’ambiance, bien que ce ne soit pas une mauvaise compo. Idem pour « Kirkjubaejarklaustur », un solo de violoncelle microscopiquement accompagné qui est interprété par l’invitée violoncelliste du jour.

La formation a sorti quelques albums, quatre qui ne lui ont pas permis de vraiment durer, malgré la qualité et la force de l’identité musicale. L’idée est d’envoyer des vignettes assez courtes, enfin pas vraiment longues, à l’exception de « Lambda » qui approche les onze minutes, chacune d’elle semble autonome et capable de suffire à elle-même bien qu’une identité se forme à l’écoute de l’ensemble.

« International Kangaroo » et son « field recording » urbain va bien et balade. Le titre contredit l’ambiance un peu morne parfois, mais rêveuse également, contradiction apparente… Nous ne sommes pourtant pas au bord de l’ennui car il y a des idées un peu partout et si rien n’est fignolé, sauf l’improbable « Petite valse » très parfaite, l’ensemble semble un peu inachevé, mais c’est cet apparent relâchement qui va bien et sauve l’ensemble !

« Daday » est également magnifique, sur un air répétitif qui va, c’est un peu le truc ici, les mélodies qui font mouche, en évoquant Satie par exemple ou Pascal Comelade dont le nom arrive vite en tête, et qui font place à la suivante.

Un groupe vraiment intéressant qui n’a certainement pas tout dit ici, mais qui donne globalement envie, même si on peut y trouver un poil de remplissage, mais je suis sûrement mauvaise langue…

Man - Man

Man - La grande debalatrice

[Douglas]

Biréli Lagrène, André Ceccarelli, Chris Minh Doky – Live In Marciac.jpg (149.23 Kio) Vu 1135 fois

Biréli Lagrène, André Ceccarelli, Chris Minh Doky – Live In Marciac – (1994)

Ce concert de quatre-vingt-quatorze au chaleureux festival de Marciac, est resté par bonheur gravé sur Cd, ce qui le met facilement à disposition, témoignage d’un temps béni où il jouait aux côtés du fameux batteur André Ceccarelli, dit Dédé, et de l’excellent contrebassiste danois Chris Minh Doky, d’origine danoise et vietnamienne.

C’est un parfait concert de jazz avec un peu de tout, des standards, une pièce personnelle, un répertoire exploratoire qui se partage entre références françaises et américaines. Dédé est assez fabuleux, il apporte une touche très colorée avec une grande maîtrise, et se met au niveau des plus grands en commentant tout en restant force de proposition et de relance.

Je ne connaissais pas Chris Minh Doky, visiblement il s’entend bien avec les deux ici, doué d’une grande technicité, il se met facilement au niveau, ce qui n’est pas si aisé quand on écoute le jeu foisonnant de ses partenaires. Il y a bien quelques moments de pure virtuosité, comme sur « Donna Lee », mais le titre a été construit pour ça, à l’époque des grands bopeurs, dont Charlie Parker, le meilleur d’entre eux…

Le concert s’ouvre de façon brillante avec « Softly as in The Morning Sunrise », une version de très haut niveau qui conserve l’esprit et la magie de ce titre, né pour être un standard. Plateforme idéale pour que l’interprète puisse y déposer sa signature, s’en emparer et le tirer Jusqu’à lui…

Le jeu de basse de Chris est très profond, il groove et travaille en sous-marin, permettant à Dédé de s’extraire du simple accompagnement et de dialoguer en toute liberté avec Biréli. Cet équilibre à trois fonctionne tout du long et permet à chacun de briller.

Il y a également une reprise du « Nuage » de Django, son titre le plus connu avec « avec Minor Swing »… Il le joue depuis tellement de temps, son enfance certainement, qu’il le maîtrise avec une telle mesure qu’il peut y grimper avec son propre langage, comme on l’entend à la fin de la pièce.

Le titre le plus étonnant est « C’est si bon » quasiment un standard de la variété française offert au monde, un peu comme « Les feuilles mortes » jouée un peu plus tôt. C’est Yves Montand qui le fit connaître, et Louis Armstrong en fit une référence mondiale.

Biréli continue une belle carrière dans les milieux du jazz et son innocence et sa joie suffisent à le rendre assez incontournable. Les trois se régalent, la basse centrale, la batterie au commentaire et Biréli qui tricote. Quand arrive le solo de basse chacun se met au service du soliste pour le supporter et le soutenir…

Après la détente voici la pièce composée par Biréli, « Blues Walk », comme s’il se mettait en avant, dévoilant un nouveau visage, celui du compositeur. La virtuosité encore, dans la perfection comme à l’habitude, mais en conservant la simplicité du blues et des racines essentielles.

Vraiment un bel album à déguster, salué par les spectateurs qui en redemandent !

Softly as in a Morning Sunrise (Live)

Donna Lee (Live)

Autumn Leaves (Live)

Nuages (Live)

C'est si bon (Live)

[Douglas]

Érik Truffaz – Revisité.jpg (120.11 Kio) Vu 1060 fois

Érik Truffaz – Revisité – (2001)

Truffaz, ça mange pas de pain, ça glisse facilement et ça plaît aux pékins qui passent, kelke soit l’âge ou la culture, c’est du prédigéré, avec classe siouplaît, souvent on en redemande et ça se vend bien, et même très, tant à l’Est qu’à l’Ouest. Blue Note, y sont pas cons, c’est pour ça qu’ils le gardent si longtemps, Érik, c’est inusable avec un rapport qualité/prix, investissement/bénéfice, imbattable sur la durée…

Ici c’est le Truffaz Quartet, avec Truff à la trompette au moins, Marcello Giuliani à la basse, Patrick Muller au piano au moins et Marc Erberetta à la batterie au moins. Et puis il y a les invités, ce sont les vedettes, les nouveautés, c’est sur leur prestation que tout va se jouer, ils sont soigneusement sélectionnés, tous Truffaz-compatibles, c’est là que sont pipés les dés pour un retour gagnant assuré.

Le projet ici c’est de revisiter le matériel déjà existant, et de le faire réinterpréter à la sauce électro. Les invités se succèdent et proposent une nouvelle lecture. La première pièce proposée, « The Dawn part I », est interprétée avec la participation de « Mobile In Motion », c’est-à-dire Christophe Calpini, une connaissance personnelle de Truff qu’il propulse ainsi.

La seconde pièce est toute Davisienne, tellement que c’en est quasi trop, Pierre Audétat est l’invité, et « Less » leur terrain de jeu, on est content de ré-entendre Miles si longtemps après, Audétat est également un vieil ami de Truffaz et, comme on dit dans certains milieux, « tout va quand l’électro va » …

On grimpe un peu en notoriété avec Alex Gopher qui joue sur « Bending New Corners », un titre un peu plus long avec une voix rap qui groove bien, du coup la pièce s’envole et séduit davantage.

L’invité qui suit est une sorte de montagne de la préhistoire, imaginez, Pierre Henry lui-même, cette « Pierre » pourrait être de Rosette, pour ce qui concerne l’électro, vestige de la musique concrète qui joue là son tout premier « remix », pas de sampler mais une belle leçon d’électroacoustique. Il joue sur « More » en trois parties, pour une durée de près de douze minutes.

DJ Goo nous offre une belle version de « Siegfried », ambiance cool toujours, on apprécie, particulièrement Miles qui est caché derrière un rideau, avec le temps, une partie des effets qui sont là ont sans doute pris un petit coup de vieux...

Puis l’excellent Bugge Wesseltoft arrive et met sa « patte » sur « Sweet Mercy », avec personnalité il s’impose pour le meilleur, on est content. Pour finir « Mobile In Motion » revient pour présenter la seconde moitié de « The Dawn Part II », possiblement aussi bonne que la première…

Erik Truffaz - 2001 - Revisité - 01 The Dawn Part 1

Erik Truffaz - 2001 - Revisité - 02 Less

Erik Truffaz - 2001 - Revisité - 04 More

Erik Truffaz - 2001 - Revisité - 06 Sweet Mercy

Erik Truffaz - 2001 - Revisité - 07 The Dawn Part 2

[Douglas]

Michael Formanek – Low Profile.jpg (80.97 Kio) Vu 996 fois

Michael Formanek – Low Profile – (1994)

Voici le septième album de Formanek sous son nom, et le voici à la tête d’un merveilleux septet. Le contrebassiste est entouré par Marty Ehrlich à la clarinette, à la clarinette basse, aux saxs alto et soprano, Tim Berne est aux saxs alto et baryton, Dave Douglas à la trompette, Ku-Umba Frank Lacy au trombone, Salvatore Bonafede au piano et Marvin « Smitty » Smith à la batterie.

Alors on pense fort à Mingus, bien sûr, mais le travail sur les arrangements est bien personnel, tout comme les compos, toutes signées par Formanek, qui nous a préparé un album aux petits oignons, à la fois accessible et complexe, le juste équilibre pour séduire…

Il faut dire que Formanek a joué au sein du Mingus Big Band et s’est largement familiarisé avec ce format exigeant, où il a été à bonne école. C’est également un musicien très ouvert qui s’est frotté à toutes sortes d’expériences et de format, on peut affirmer que rien ne lui fait peur en termes de risques, vu sa grande expérience.

Côté solistes c’est également superlatif, que des grands noms, Douglas est souvent mis en vedette et brille quasi naturellement, Tim Berne et Marty Erlich complètent les francs-tireurs auxquels se joint Frank Lacy, somptueux, grand tromboniste s’il en est…

Côtés compos il n’y a aucune faiblesse, on peut taper dans le tas au hasard sans risquer d’être déçu. La pièce « Rivers » a pu séduire davantage, probablement, mais « Great Plains » qui suit est également magnifique, « Shuddawuddacudda » également, pour son énergie et son développement central…

Un album enthousiasmant et réjouissant, avec un Tim Berne très à l’avant et un ensemble au top !

Groogly

Rivers

Great Plains

Shuddawuddacudda

The Storytellers_The Black Rose

[Douglas]

John Zorn – The Mysteries.jpg (29.23 Kio) Vu 921 fois

John Zorn – The Mysteries – (2013)

Cet album est une sorte de suite au merveilleux « The Gnostic Preludes » qui impressionna tant. On retrouve les mêmes musiciens, ou magiciens, si l’on préfère, Bill Frisell à la guitare, Carol Emanuel à la harpe et Kenny Wollesen au vibraphone et aux cloches.

John Zorn compose, arrange et produit, comme à l’habitude. Ces albums siègent dans la Mystic Série, elle-même sous-groupe de « l’Archival Série », car tout est ordré, dans le monde complexe de John Zorn. Pourtant dans ce monde si régulier, se nichent la plus belle des poésies, la délicatesse jusqu’au plus infime, pour que s’installe une pure sérénité, comme ici, sur cet album…

Tout comme son précédent, duquel il diffère pourtant, il émane de cet album une pure splendeur qui saisit et subjugue, le temps d’un morceau serait déjà merveilleux, mais Zorn n’est pas un ingrat, et nous gratifie d’une longue série de titres qui s’enchaînent sans que rien ne faillisse, comme si un sort avait été lancé…

« Ode to the Cathars » rompt ce charme, il semble un peu plus sombre et plus trouble, la beauté ici s’accommode d’une sorte de noirceur, est-ce la guitare de Bill qui s’affronte à la torpeur béate de Carol Emanuel ?

Quelques effets de larsen s’invitent également sur « Apollo », ainsi « Mysteries » glisse vers l’incertitude et l’inconnu, s’éloignant de la grâce lumineuse qui régnait jusqu’alors…

Le retour de la musique sacrée s’effectue avec « Yaldabaoth » qui renoue avec le cycle des pièces contemplatives qui semblait s’estomper après « Consolamentum » … La dernière pièce « The Nymphes » est également la plus longue, près de onze minutes qui s’écoulent sans même s’en apercevoir.

Ainsi s’achève un très bel album qui se tient haut au milieu d’une chouette série, toute en beauté et délicatesse …

Sacred Oracle

Hymn of the Naassenes

John Zorn: The Mysteries - Dance of Sappho

The Bacchanalia

Consolamentum

Ode to the Cathars

The Nymphs

[Douglas]

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Ornette Coleman – The Art Of The Improvisers – (1970)

« The Art Of The Improvisers » est arrivé un peu tard dans la discographie d’Ornette Coleman. En effet il regroupe des enregistrements inédits de la période « Atlantic » d’Ornette, entre cinquante-neuf et soixante et un.

Ce qui représente, très précisément, une ponction de sept à neuf titres inédits, sur une durée de cinq séances d’enregistrements distinctes. Deux titres sont des bonus parus sur certaines éditions, ils s’appellent « Music Always » et « Brings Goodness ».

Côté personnel on retrouve Ornette à l’alto, mais aussi au ténor, en provenance de l’excellent « Ornette On Tenor », il s’agit du très bon titre « Harlem's Manhattan » où l’on entend en outre Jimmy Garrison à la contrebasse et Ed Blackwell à la batterie.

Don Cherry est bien là, au cornet, à la trompette ou à la trompette de poche, dont il jouait alors. Charlie Haden est le contrebassiste le plus présent, aux côtés de d’Ed Blackwell à la batterie, ce qui constitue le quartet le plus régulier de cette période, Billy Higgins est néanmoins présent sur les deux premières pièces ainsi que « Music Always ». A noter que le contrebassiste Scott LaFaro joue également sur la pièce « The Alchemy Of Scott La Faro ».

Mais ce qui compte avant tout ce sont les pièces rassemblées qui semblent faire une belle unité, ce qui peut sembler assez incroyable vu l’origine de chacune d’elles, dispersée dans le temps. C’est qu’Ornette est unique et sa musique immédiatement typée et identifiable.

Chacune possède l’empreinte du maître, dans laquelle on retrouve l’énergie brûlante du be bop, en même temps que l’éclat du free naissant, rien n’échappe à cette identité remarquable, même pas les ballades si reconnaissables avec ce blues traînant qui colle au pied, comme sur le magnifique « Just For You » …

Peut-être que certains auraient hâte de renvoyer ces pièces, issues des titres oubliés et abandonnés, au rang des seconds choix, mais ce serait une erreur, songeons à « Moon Inhabitants » où Ornette surperforme, « The Legend of Bebop » si évocateur, ou « The Circle with a Hole In The Middle » qui fait référence à la pochette, une création picturale d’Ornette…

Disons-le tout net, cet album certes arrivé bien tard est une pure merveille digne du meilleur Coleman des années soixante, je le dis d’autant plus aisément qu’il y avait quelques décennies que je ne m’étais passé cet album entre les oreilles…

The Circle with a Hole in the Middle

Just for You

The Alchemy of Scott Lafaro

Moon Inhabitants

The Legend of Bebop

Harlem's Manhattan

[bushi]

Superbe le John Zorn – The Mysteries
Merci de la découverte.

[Douglas]

Superbe le John Zorn – The Mysteries
Merci de la découverte.

C'est une série qu'il me reste encore à découvrir pour partie, elle contient treize références...
"The Gnostic Preludes" est du même tonneau !

[Douglas]

Baikida Carroll – Door Of The Cage.jpg (189.59 Kio) Vu 732 fois

Baikida Carroll – Door Of The Cage – (1995)

Baikida Carroll est arrivé à Paris en soixante-huit, où il s’est installé jusqu'en soixante-quinze, il y a joué et enregistré avec Jef Gilson et l’entourage de ce dernier. Il est ensuite retourné aux Etats-Unis où il a côtoyé Oliver Lake, Julius Hemphill, Frank Lowe et Michael Gregory Jackson.

Il est également connu pour être un des membres du « Black Artist Group of St. Louis », qui était alors un pôle important du free jazz. Mais cela c’était bien avant ce très beau « Door of The Cage » qu’il enregistra en compagnie de Steve Adegoke Colson au piano, Erica Lindsay au sax ténor, Santi Debriano à la contrebasse et Pheeroan ak Laff à la batterie, pour Soul Note, à Milan en Italie, en cette année quatre-vingt-quinze.

Baikida est un trompettiste parmi les plus doués, on le situe généralement dans la lignée de Booker Little dont il distribue les mêmes traits acérés, mais il a également écouté les discours de Don Cherry, notamment quand celui-ci jouait aux côtés d’Ornette Coleman.

Cet album-ci est souvent tendre, il utilise même la sourdine sur « Against your Warmth », ainsi il se pose avec délicatesse et tendresse. Mais les tempi et les ambiances défilent sans se ressembler, avec contraste, mais ne glissent jamais vraiment côté free, pour autant Carroll se montre brillantissime dans des solos souvent époustouflants.

Toutes les pièces sont signées du trompettiste et sont souvent chouettes et faciles à écouter, bien que parfois usinées dans la complexité. « Legacies », « King » ou « Door The cage » régalent, mais il n’y a que de belles choses sur cet album très réussi…

Door Of The Cage

King

Against Your Warmth

Legacies

Hannah Pearl

[Douglas]

Sunny Murray, Odean Pope, Wayne Dockery – 13 Steps On Glass.jpg (135.32 Kio) Vu 640 fois

Sunny Murray, Odean Pope, Wayne Dockery – 13# Steps On Glass – (1995)

Quoiqu’il fasse Sunny Murray restera pour toujours dans la légende du free jazz, pour avoir révolutionné le jeu de la batterie, et su donner des couleurs inédites à son instrument, alors qu’il jouait tant avec Cecil Taylor qu’avec Albert Ayler.

Son jeu très appuyé sur les cymbales jusqu’à l’excès, son refus de battre la mesure conventionnelle et son énergie tonitruante resteront dans les mémoires de ses admirateurs les plus fervents. Sunny Murray a signé sous son nom quelques albums qui resteront, particulièrement en début de carrière, mais sa façon de jouer, plus qu’innovante et carrément révolutionnaire, n’a pu se disséminer et est restée assez marginale.

Avec le temps son jeu s’est standardisé, un peu comme sur cet album où il fait tout bien comme le veut la règle. Il avait comme particularité de ne jamais refuser un contrat ou une occasion de jouer, si bien qu’il joue avec tout le monde, célèbre ou inconnu, peu avare de ses conseils qu’il donnait généreusement. Il est décédé à Paris en deux mille dix-sept.

Cet album a été enregistré le treize novembre quatre-vingt-quatorze avec l’excellent Odean Pope au saxophone ténor et Wayne Dockery à la contrebasse. Le répertoire est assez conventionnel et pioche pour partie dans les standards et les succès. « Blues for PC » de Coltrane, « Well You Needn’t » de Thelonious Monk, « I want to Talk About You », « Moose The Mooche » de Charlie Parker qui deviendra « Ornithology », et « « Sunny Moon For Two » de Sonny Rollins », dix pièces au total.

Il convient de souligner l’invitation du saxophoniste alto, Michael Hornstein, pour « Constant Blue » qu’il a lui-même composé, une belle pièce très sympa. Odean Pope est venu lui aussi avec une compo « Out for a Walk » et Sunny Murray en a apporté deux, « Emoi » et une version personnelle de « Lonely Woman ».

Comme indiqué précédemment l’album est vraiment sans surprise ni sommet très remarquable, mais les ballades sont chouettes, comme « I want to talk about you » par exemple, ainsi que le chouette « Sunny Moon For Two ».

Lover

Constant Blue

I Want to Talk About You

Lonely Man

Out for a Walk

Sunny Moon for Two

[Douglas]

Jean-Marc Foussat & Ramón López – Ça Barbare, Là !.jpg (67.5 Kio) Vu 541 fois

Jean-Marc Foussat & Ramón López – Ça Barbare, Là ! – (2013)

C’est le numéro quatre du label « Fou Records », rien qu’en regardant la pochette on voit bien qu’ils sont complètement fous, risquent pas d’exploser les charts avec des gueules pareilles, z’ont pas dû en vendre beaucoup, ces barbares- là !

Le gars à gauche c’est Ramón López, il est batteur, né à Alicante, l’autre c’est Jean-Marc Foussat qui joue du Synthi AKS et de la voix, c’est l’aîné du duo. Devant les machines, c’est l’un des meilleurs, mais je devrais dire la machine, car il s’est spécialisé et la connaît comme pas deux, c’est peut-être là un de ses secrets d’ailleurs, allez savoir !

Si vous possédez quelques appréhensions devant ces albums où règnent les machines, il est impératif d’essayer Foussat, il est unique et c’est un géant du truc, tentez « Surface Calme » avec Bao Luo, ça pourrait le faire, ou « Entrée des Puys de Grêle » avec Quentin Rollet, vous pourriez être surpris, comprendre « séduits » hein !

Ici on est plus tôt dans la vie de Foussat, en deux mille douze à La Garenne-Colombes, où nichent les lapins, les tourterelles et autres volatiles, sous les toits et dans les champs. Là se trouve le studio Pyjama où les deux officient, Ramón et sa batterie et Jean-Marc et son AKS…

Ils improvisent en totalité, c’est comme ça, c’est leur truc et, disons-le tout net, c’est génial…

C’est souvent ça avec ces gars-là, on avance avec des questions ou même des appréhensions, mais quelques minutes plus tard, on est dedans, conquis, saisis, sujets de ces deux entités barbares qui nous sonnent à coup de sons, des tambours, des cymbales, des toms, Ramón est vraiment un expert, il régale et ne vous lâche pas jusqu’à la dernière seconde, où vibre encore la baguette…

Idem pour le barbare rouge à chapeau, il ne vous fera pas grâce non plus et saura vous subjuguer fissa, pour vous mener dans les arcanes de sa mystérieuse musique addictive et prégnante …

5 extraits de l'album par ici:
https://www.fourecords.com/FR-CD04.htm

[Douglas]

Paul Dunmall, Tony Bianco – Homage To John Coltrane.jpg (29.11 Kio) Vu 433 fois

Paul Dunmall, Tony Bianco – Homage To John Coltrane – (2015)

Après « Thank You To John Coltrane » daté de deux mille douze, « Tribute To Coltrane » paru l’année suivante, voici « Homage To John Coltrane » double Cd bien plein sorti en deux mille quinze, pour que la célébration soit complète et totale.

Paul Dunmall joue du sax ténor, du saxello et de la flûte, quant à Tony Bianco il joue de sa batterie, configuration minimale idéale pour un hommage vibrant et total envers le musicien qui a laissé probablement la plus grande empreinte sur la musique de jazz.

La totalité de ces sessions représente une sorte de bonheur immense, quelque chose d’énorme et grandiose qui dépasse l’espérance. Les deux ont réussi formidablement à embrasser la musique de Coltrane dans sa totalité, la restituant non pas comme elle a été jouée alors, mais comme elle pourrait être jouée par Coltrane lui-même s’il revenait…

A ceci près que Dunmall joue comme Dunmall, et non pas comme Coltrane, bien qu’il en épouse toute la technique, ce qui est déjà phénoménal, mais aussi l’esprit, tout en conservant son timbre propre, sa manière, son idée de la musique, il tente même d’outrepasser le maître, d’aller encore plus loin, là où Coltrane a indiqué la route à suivre, lui qui l’a défrichée…

Tony Bianco est un atout maître dans cet effort incroyable, il joue avec une puissance énorme, qu’il tempère avec finesse et adresse si nécessaire, Dunmall peut compter sur un partenaire habité qui pousse loin les limites, autant que possible, offrant une assise incroyable au saxophoniste qui se trouve constamment propulsé vers l’avant.

Le premier album a été enregistré à Delbury Hall, dans le Shropshire britannique. C’est une demeure de campagne du XVIIIe siècle située au cœur d'un domaine d’une beauté époustouflante, entouré de lacs et de collines. Ce lieu de paix et de confort est en effet idéal pour se concentrer sur une telle musique, exigeante et totale.

Le second Cd est capté live au Café Oto de Londres, ce qui est également une excellente idée pour terminer ce périple de deux albums, autorisant une visite des grands thèmes de Coltrane, deux heures et quart au total sont gravées, qui se terminent par une interprétation de « My Favourite Things » …

Ascension

Resolution

Psalm

Ogunde/Ascent

Sunship

Giant Steps

My Favourite Things

[Douglas]

Tomeka Reid Quartet – Old New.jpg (157.56 Kio) Vu 360 fois

Tomeka Reid Quartet – Old New – (2019)

Voici à nouveau un bel album de la part de la violoncelliste, elle se trouve ici en fort belle compagnie, avec Mary Halvorson à la guitare, Jason Roebke à la contrebasse et Tomas Fujiwara à la batterie, une formation électro-acoustique de haut vol.

Le titre « Old New » semble suggérer une sorte de mélange entre le vieux et le neuf, aujourd’hui et avant, le classique et le moderne… Les trois photos sur la pochette dévoilent également un passé heureux qui se déplie dans le temps.

Neuf compos sont interprétées et toutes sont signées de Tomeka, ce jazz plein de cordes renvoie jusqu’au vieux Django qui remonte de loin vers moi, alors que j’écoute « Sadie », portant le jeu de Mary Halvorson qui y applique ses glissements hardis, de ceux qui jettent le trouble, mais reconnaissons-le c’est bien ce qu’on attend…

L’album est frais, plutôt joyeux et optimiste, les deux solistes à l’avant se régalent et innovent tandis que les deux rythmiciens, contrebasse/batterie, déploient un panorama actif et mouvant, qui se renouvelle dans la continuité, dessinant des lignes solides impeccables, toutes en rebondissement chez Roebke et en finesse rythmique pour Fujiwara, qui fait preuve d’une grande verve créatrice.

Les pièces sont plutôt solides et structurées, exceptée « Edelin - Peripatetic » qui semble se nourrir davantage de l’improvisation, dévoilant la longue pratique du quartet qui transforme l’opération en moment fort, ce qui ne saurait surprendre.

Superbe album sans défaut, une prestation rien moins qu’éblouissante, en même temps que nostalgique et heureuse, avec quatre musiciens au sommet. A noter que c’est la période où Tomeka a intégré l’Art Ensemble of Chicago aux côtés de Roscoe Mitchell et d’autres, pour deux enregistrements…

Old New

Wabash Blues

Niki's Bop

Aug. 6

[Douglas]

Mette Rasmussen & Chris Corsano – A View Of The Moon (From The Sun).jpg (104.08 Kio) Vu 247 fois

Mette Rasmussen & Chris Corsano – A View Of The Moon (From The Sun) – (2018)

J’ai déjà évoqué, au moins une fois, Mette Rasmussen pour l’album paru en deux mille dix-neuf, mais captés en deux mille seize, « The Hatch » où elle joue en duo avec Julien Desprez, un guitariste français. Très free, viscéral et très beau.

Cette fois-ci elle est toujours en duo, mais avec le batteur Chris Corsano, qui joue également sur cet album de sa clarinette à coulisse. Mette reste toujours fidèle à son saxophone alto qu’elle visite et revisite, pour en tirer des sons les plus expressifs possibles, de façon à accéder au monde de l’émotion…

L’album s’étale un peu, échouant de quelques minutes pour arriver à l’heure, mais on ne s’ennuie pas, particulièrement les amateurs de ce genre, un poil exigeant, car il traverse les frontières du free et de l’improvisation, sans tabou ni limites. Ce qui s’exprime dès le titre d’ouverture « Many People Were Scandalized – Some Still Are » !

Mais il y a également la piste cool et reposée, à visée un poil expérimental, avec « Today’s white Blood Cell » où le sax avance tout doux, accompagné par le frottement d’une cymbale avec un archet, le silence lui-même se laisse entendre…

A l’époque de cet enregistrement Mette Rasmussen côtoyait Chris Corsano depuis environ cinq années déjà, elle le retrouvera en vingt-trois, vingt-quatre, pour deux autres albums, on peut facilement en déduire une grande complicité, née de cette longue pratique commune, elle s’entend particulièrement bien sur cet album où les deux se complètent et se devinent avec facilité, ils anticipent même ce que fera l’autre. Ce « liant » est un atout certain dans cette musique qui puise sa source essentiellement dans l’improvisation.

« A Detail » est une autre pièce un peu particulière où Mette part en exploration sur son propre instrument dont elle sort des sonorités assez inhabituelles, à la recherche de nouvelles textures. Corsano utilise sa clarinette à coulisse d’où il extrait des sonorités nouvelles.

L’album s’achève sur « Another Détail », une belle pièce conclusive.

Many People Were Scandalized - Some Still Are

Folding in on Itself

Today´s White Blood Cell

Another Detail

[Douglas]

Made To Break – Provoke.jpg (88.45 Kio) Vu 136 fois

Made To Break – Provoke – (2013)

Je vous ai déjà parlé une fois d’un album de la formation « Made To Break », il se nommait « Lacerba » et c’était début mai deux mille vingt-deux, j’avais bien aimé, la preuve : j’ai remis le couvert avec ce « Provoke » qui était son précédent, en même temps que le premier album de la formation…

Les composants de cette dernière n’ont pas changé, les mêmes quatre excellents musiciens, Tim Daisy à la batterie, Devin Hoff à la basse électrique, Christof Kurzmann au « lloopp » et Ken Vandermark aux différents vents… Ils signent conjointement les trois compos de cet album…

Des dédicaces sont associées à chacun des trois titres, le premier « Further » est associé à John Cage, la pièce, comme les deux suivantes est assez longue, vingt-trois minutes trente-cinq au compteur. Une nouvelle fois c’est l’improvisation qui est motrice ici, chacune des pièces est construite à partir de structures modulaires évolutive que chacun peut modifier ou enrichir à loisir.

On pourrait dire que les structures rythmiques sont assez rock, le duo basse/batterie fonctionne fort dans ce sens, ce qui est plutôt jouissif et très agréable. Ken Vandermark s’envole aisément avec un tel groove, bien mené, poussé par une saine énergie bienfaisante… On pourrait se sentir au sein d’un groupe de rock d’aujourd’hui, qui choisirait, l’espace d’un moment de s’encanailler avec un moment « jazz » …

La seconde pièce « presentation » est dédié à Buckminster Fuller, c’est un architecte, designer, inventeur, écrivain et futuriste américain. La première partie est dominée par l’électro de Christoph Kurzmann qui tapisse une structure de sons un poil inquiétants et surréalistes. La pièce se perpétue dans le « bizarre » avec l’arrivée des autres qui se greffent sur ce monde étrange. Une partie très écrite se joue à deux, entre Ken et David qui jouent ensemble, agréable moment et fin remarquable, après une montée comme on les aime…

La troisième pièce « of the facts » dévoile le pot aux roses : les trois titres groupés forment une phrase : « Further presentation of the facts », c’est-à-dire « Exposé complémentaire des faits. » Cette troisième et dernière partie qui est un peu plus courte, puisqu’elle frôle les vingt minutes, sans les atteindre tout à fait, est également superbe.

Elle est dédicacée à McLuhan qui opère dans les milieux de la philosophie et de la théorie des médias. On retrouve ce même jeu avec les composants modulaires qui opèrent de façon plus douce, avec un certain lyrisme et des accents mélodiques rassurants.

On n’échappe pas, au fur et à mesure de l’avancée de la pièce, à un traitement savamment arrangé entre rythmique rock, ténor jazzy et curiosités électros, qui se mélangent savamment pour créer un cocktail du genre délicieux…

Magnifique !

Further (for John Cage)

[Douglas]

Chet Baker Quartet Great American music hall San Francisco 1982.jpg (300.47 Kio) Vu 51 fois

Chet Baker Quartet - Great American Music Hall, San francisco, 1982

J’ai rajouté les virgules, mais voici comment se présente cet album, avec un Chet moustachu en couverture, presqu’un album clandestin, mais on le trouve facilement chez les marchands je pense, une heure de Chet quand même, c’est pas rien se diront les gars comme moi, qui se procureront le Cd, en espérant le grand frisson…

Quatre-vingt-deux, c’est encore la bonne période, il tenait encore bon s’il était bien chargé, je sais, je suis cynique, mais la vérité oblige à dire… Nous sommes le neuf septembre quatre-vingt-deux, Chet sur son territoire joue en boîte au Great American Music Hall de San Francisco, et c’est diffusé en direct sur les ondes radio, via la station « KCSM-FM ».

Le son est plutôt bon, et le concert plutôt long, autour de l’heure… il est accompagné par Al Plank au piano, Frank Tusa à la basse et Vince Lateano à la batterie, que des bons, les meilleurs dispos, comme à l’habitude.

Le répertoire est concis, presque mince, « Night Bird » en ouverture, « The Touch of Your Lips » enregistré en quatre-vingts, le standard « Just Friends », « Leaving You », qui est présenté comme une « ballade inconnue » dans les notes du livret, à un moment, vers la dixième, il y a sans doute une pub qui a dû être diffusée, et « Down/Outro » pour conclure.

Ce sont des années où tout va mieux pour Chet, qui semble pouvoir raccrocher les bons wagons et sortir une bonne fois de l’ornière, mais on sait bien que ce ne sera pas le cas et qu’il se rapproche inéluctablement de son chant du cygne…

Je suis plutôt épaté par le son que je n’aurais pas imaginé aussi bon, nous sommes quasi au milieu de la scène et on entend tout, les applaudissements qui émanent du public se dirigent à mon intention, j’en suis sûr !

Quand Chet chante, sur « The Touch Of Your Lips » ou « Just Friends » il semble être à quelques mètres, et quand il joue de la trompette doucement, pendant le solo de basse de Frank Tusa, on entend chaque note parfaitement bien. Les autres notes, celles de pochette, évoquent une prestation « intimiste », et bien ce n’est pas faux, le qualificatif n’est pas usurpé.

Ça semble paru sur un label allemand « off beat », et fabriqué au Royaume-Uni en deux mille vingt-cinq, pourtant ce label semble mort depuis fort longtemps, du coup je reste dubitatif d’autant que l’album n’est pas listé sur Discogs…

Certainement un beau concert de Chet, bien maîtrisé…

Chet Baker Live at the Great American Music Hall, San Francisco - 1982 (audio only)