Dans le milieu des années 70, le groupe Grec Socrates Drank the Conium a connu plusieurs changements de formation.
L"album "Waiting for Something", sorti en 1980 fut une agréable surprise.
Le son avait changé, plus mature, avec des influences Jazz et Blues. Le groupe jouait avec assurance, sans chercher à impressionner, simplement en s'exprimant.
C'est un de ses albums les plus atmosphériques et les plus 'calmes', moins 'révolutionnaire' mais, surtout profondément expressif...
Producteur – Eli Ball
Chœurs – Greg Upton
Basse – Phil Swisher
Batterie – Jon McClain
Guitare solo – Graham Fry
Chant principal – Karl Agell
Guitare rythmique – Graham Fry, Ryan Culp Barringer
Slide guitare – Graham Fry
La fin des années 90 fut une période sombre pour de nombreux groupes de Metal, mais les 'muscle cars' et les gros camions s'affichaient en grand sur les pochettes d'albums, devenant le nouveau facteur visuel incontournable.
Avec Karl Agell et Phil Swisher, le premier album de Leadfoot, "Bring It On", sorti en 1997, fut l'un des plus marquants de cette nouvelle ère de musique diabolique, idéale pour le headbanging traditionnel et les danses endiablées.
Dès le morceau titre, débordant d'assurance, l'album décolle, Agell déchaînant sa puissance vocale avec des refrains percutants sur des riffs bruts et des solos magistraux. Des titres comme "Naked Light", un véritable festival de wah-wah, et "Ripe", un hymne ensoleillé, regorgent de guitares grandioses signées Graham Fry et Ryan Barringer.
Seul "Young Dumb Snake" construit sur un riff lancinant et déformé, une complainte plaintive ponctuée des diatribes d'Agell sur les pentagrammes et les mains ensanglantées.
Certes, il y a bien deux ou trois morceaux un peu ratés, mais ils passent à toute vitesse, tant ce monstre de Stoner Rock de 36 tonnes est puissant...
Producteur – Al Kooper
Chœurs [Tous féminins] – Albertine, Eileen Gilbert, Linda November, Maretha Stewart, Patti Austin , Tasha Thomas
Chœurs [Tous masculins] – Mike Gately, Robert John
"Naked Songs", paru en 1973, représente une autre facette des débuts d'Al Kooper par rapport à "I Stand Alone". Alors que le premier album avait été enregistré progressivement au début de sa carrière solo, peu après son départ de Blood, Sweat & Tears, "Naked Songs" est une œuvre beaucoup plus cohérente (enregistrée à New York et en Georgie) à la fin de son contrat avec Columbia Records.
Il s'agit d'un album contractuel, mais Kooper, a exploré la Soul, le Gospel, le Blues, la Pop et même la Country. Jouant de sa panoplie habituelle d'instruments, notamment une guitare Blues puissante et virtuose et un orgue aux accents gospel sur "As the Years Go Passing By", il passe sans effort au son Pop Soul plus doux de "Jolie", puis à la Country teintée de Blues sur "Blind Baby".
L'interprétation magistrale et sans concession du "Sam Stone" de John Prine est extraordinaire, mais la véritable surprise réside dans la présence du Gospel classique "Touch the Hem of His Garment" du Sam Cooke. Kooper leur rend un vibrant hommage.
"Naked Songs" avait pour principal objectif de le libérer de son contrat avec Columbia, mais il s'est révélé être un moment fort de sa carrière, ainsi que son dernier enregistrement pendant quatre ans...
Producteur – Butch Parker, Chartmaker Productions
Basse – J. Scheff
Guitare – B. Benay
Percussions – T. French
Goldenrod est un groupe de musiciens de studio originaite de Los Angeles, en Californie et son unique album, éponyme, est sorti en 1969.
Il s'aventure dans un univers improvisé qui lui est propre en jouant un Heavy Psyché puissant, entraînant et bluesy, avec des riffs de guitare fuzz / acide et une batterie percutante. On y retrouve des influences de Jimi Hendrix, mais avec un style bien à lui.
il brise les barrières conventionnelles en explorant une voie instrumentale résolument puissante. Divisé en quatre longs segments, sa musique propose même une réinterprétation de "Karmic Dream Sequence" de The Millennium.
Certains passages rappellent les jams du Grateful Dead de 1970 à 1974. En fait, avec seulement quatre longs morceaux ponctués de solos, tous improvisés et purement instrumentaux, sa structure se rapproche davantage de celle d'un album de Jazz que d'un album de Hard Rock conventionnel.
"Goldenrod" est un pur délice pour les amateurs de Rock planant. Du Power Rock Psyché acide et puissant, difficile de faire mieux, un incontournable pour tous les fans de Rock Psyché...
Producteur – John Anthony
Guitare acoustique – Al Stewart
Guitare acoustique [2e] – Isaac Guillory , Peter Berryman
Chœurs - John Donelly, Kevin Powers, Krysia Kocjan, Mick Welton
Basse – Brian Odgers, Bruce Thomas
Guitare classique espagnole – Isaac Guillory
Concertina – Alistair Anderson
Batterie – John Wilson
Guitare électrique – Tim Renwick
Claviers – Bob Andrews, Bob Sargeant, Peter Woods, Rick Wakeman, Tim Hinkley
Mandoline – Dave Swarbrick, Haim Romano
Percussions – Frank Ricott , Roger Meddows Taylor
Piano, accordéon – Peter Woods
Steel Drums – Lennox James, Luciano Bravo, Michael Oliver
Steel guitare – BJ Cole
Synthétiseur [Moog] – Francis Monkman
L'album "Past, Present and Future", sorti en 1973 et produit par John Anthony, est le dernier album d'Ai Stewart avant sa collaboration avec le producteur et ingénieur du son Alan Parsons.
Enregistré aux studios Trident de Londres et produit par John Anthony, le disque marque un tournant pour Stewart, qui s'éloigne des sonorités folk plus affirmées de ses précédents albums pour adopter une thématique historique.
Inspiré par sa chanson "Manuscript" qui relate le début de la Seconde Guerre mondiale et l'assassinat de l'archiduc Ferdinand, Stewart a conçu un album entier de chansons historiques explorant divers aspects du XXe siècle.
Presque chaque morceau représente une décennie différente du XXe siècle, à l'exception du dernier titre, "Nostradamus", dont le sujet est aussi évident qu'on pourrait le penser. Il se trouve que c'est ce morceau que la maison de disques Américaine de Stewart a choisi comme premier single, tandis que sa maison de disques Britannique a opté pour "Terminal Eyes". Au final, aucun des deux n'a figuré dans les classements.
Finalement, "Past, Present and Future" a atteint la 133e place du Billboard 200, et il est resté l'un des albums préférés des fans de Stewart...
Relax est un groupe de Rock Argentin obscur mais excellent.
Du hard rock psychédélique/progressif avec d'excellents solos de guitare de Daniel Grasso et une utilisation occasionnelle de la flûte.
Ils ont enregistré leur unique album, "Padre", sorti en 1975, un petit bijou méconnu du Heavy / Psyché Prog, d'une durée d'environ 30 minutes seulement, avec une face A fantastique et une face B plus faible.
Tous les morceaux de la première face rappellent quelque peu des groupes de Hard Prog Italiens, avec une profusion de riffs complexes et saturés, des rythmiques frénétiques, des solos fulgurants et des breaks inattendus.
L'un des titres, "Padre un amigo que se fue", dure 11 minutes et débute dans un style Psyché Rock plus mélodique, avant de basculer dans une ambiance plus incisive, avec deux guitares électriques et une atmosphère générale assez mélancolique. Bien interprété, même si le morceau se répète un peu.
La seconde face est nettement plus faible. C'est du Hard / Psyché Rock plus direct, avec des mélodies entraînantes et une section rythmique solide, puisant son inspiration dans le Folk grâce à l'utilisation de la flûte sur "Ganar el sol". « Esencia real » est le morceau le plus réussi, porté par une variation de tempo et les interprétations toujours efficaces à la guitare de Daniel Grasso et Ruben Campas. Le chant est typique d'un groupe de hard prog, plutôt aigu avec une tessiture limitée.
"Padre" est, en définitive, un excellent album pour les amateurs de Hard Prog puissant, où la guitare électrique est l'instrument dominant. Recommandé...
Giant Step est un groupe Indonésien. Sa musique est un Rock Progressif Psychédélique solide, avec une utilisation importante de l'orgue Hammond et de la flûte. Un son typiquement Britannique du début des années 70.
Giant Step était le projet de Benny Soebardja, l'une des figures les plus influentes de la scène musicale Indonésienne. Soebardja avait fait ses débuts avec Shark Move, avant de rejoindre Giant Step, puis de se lancer en solo avec Lizard comme groupe d'accompagnement.
Chaque groupe Indonésien possède une certaine dose de romantisme, fruit de sa culture club locale. L'enregistrement est assez brut, mais il reste tout à fait écoutable et il sonne davantage comme une demo sur cassette américaine. Tout cela est parfaitement compréhensible compte tenu de l'époque et du contexte.
"Giant on the Move", sorti en 1976, est l'un des rares albums de Rock Progressif Indonésien des années 1970. L'album comprend neuf titres dont la plupart explorent des directions inattendues. On y retrouve la créativité débordante d'un amateur ambitieux.
La beauté de cette musique créé dans des pays sans marché comme l'Indonésie résidait dans la liberté créative quasi totale dont jouissaient les musiciens.
"Giant on the Move" est un excellent document historique, et un exemple de Rock Progressif qui gagne en profondeur à chaque écoute...
Basse, chant - Javier Saldías
Batterie, percussions – Alvaro Córdova
Guitare, claviers, chant – José A. Eguino
Climax est un groupe puissant et percutant de Heavy Psyché / Rock Progressif Bolivien aux accents jazz et progressifs originaire de La Paz. Chanté en Espagnol, sa musique est principalement instrumentale et d'une grande qualité technique. Ses sonorités incluent parfois des influences blues / folk et de l'orgue. Il est influencé par Jimi Hendrix, ainsi que par les groupes Péruviens Tarkus et Totem.
"Gusano Mecánico", paru en 1974, est un album très énergique d'une grande richesse, avec des guitares particulièrement stridentes qui se déchaînent. Il est intéressant d'écouter comment les morceaux évoluent et se transforment à partir de leurs sonorités initiales. Aucun son n'est véritablement original, mais le groupe excelle dans le mélange de différentes influences pour proposer une interprétation très réussie du Rock Progressif.
Les morceaux sont d'une richesse sonore remarquable. Les jams sont d'une précision chirurgicale et offrent un son vraiment agréable, une véritable aventure musicale.
Le groupe évoque un Cream plus énergique, croisé avec Santana. Si la musique est principalement instrumentale, les rares interventions vocales rappellent un peu Sting de The Police, chantées en spagnol.
L'album est un petit bijou qui mérite d'être davantage découvert, que ce soit pour son exploration passionnante des textures et de l'éthique du Rock, ou pour sa capture quasi parfaite d'une nouvelle ère, des années 60 hippies au son beaucoup plus froid et calculé des années 70. Il n'est peut-être pas parfait, mais le son est tout simplement fantastique...
Producteur – Leadfoot
Basse, chœurs, piano, spoken word – Phil Swisher Jr.
Batterie, percussions, chœurs - Tim Haisman
Chant principal, chœurs, sifflements, récitation – Karl Agell
Guitare rythmique, guitare solo, chœurs – Scott Little
Guitare rythmique, guitare solo, slide guitare, chœurs, piano, sifflet à coulisse – Graham Fry
Sur "Take a Look", le deuxième album de Leadfoot sorti en 1999, l'auditeur découvre des riffs de Hard Rock lents et puissants, teintés de sonorités sudistes.
Certains titres témoignent de l'influence de ZZ Top et de Lynyrd Skynyrd sur Leadfoot, et le site internet du groupe célébre d'ailleurs cette influence sudiste en qualifiant son précédent album, "Bring It On", de "chef-d'œuvre redneck".
Bien qu'utiliser un mot aussi fort que "chef-d'œuvre" pour décrire le travail de Leadfoot soit exagéré, "Take a Look" est un album parfaitement solide, agréable et assurément Rock.
Un disque que l'amateur de ce genre de musique aime réécouter souvent!...
*Act Like Nothing's Wrong* d'Al Kooper, est sorti initialement en 1976. Il s'agissait de son unique album pour le label United Artists. À cette époque, le monde de la musique commençait à évoluer; même si le Punk et la New Wave allaient bientôt déferler sur les États-Unis, l'industrie musicale Américaine commençait à accuser le poids des années.
Ce disque s'ouvre avec audace sur une version funky de « This Diamond Ring », qu'il métamorphose complètement par rapport à ses origines inspirées par les Drifters.
La majeure partie de l'album s'inscrit dans la veine soul-funk du milieu des années 70, avec des influences de Tower of Power.
L'interprétation est excellente de bout en bout, avec des guitares jouées par Kooper lui-même (qui joue également du sitar, du Mellotron, de l'orgue et du synthétiseur et il s'entoure d'amis comme les incontournables cuivres de Tower of Power, les guitaristes Little Beaver et Reggie Young pour apporter leur contribution ici et là, et le résultat est assuré et maîtrisé. Joe Walsh participe à un morceau, et les arrangements de cuivres sont signés Kooper et le compositeur de bandes originales chevronné Dominic Frontiere.
Le morceau phare est sans conteste l'épique "Hollywood Vampire", dont la durée de sept minutes est malheureusement un peu courte. Si les titres les plus funky fonctionnent bien, d'autres, comme "In My Own Sweet Way", sont moins convaincants. Il s'agit des deux tiers d'un album plutôt correct, qui ne manque que de cohérence.
"Act Like Nothing's Wrong" s'annonce comme un ajout réussi, sûr de lui et précieux à la discographie de Kooper et à toute collection sérieuse...
Basse, chant - Javier Saldías
Batterie, percussions – Alvaro Córdova
Guitare, claviers, chant – José A. Eguino
Climax est un groupe puissant et percutant de Heavy Psyché / Rock Progressif Bolivien aux accents jazz et progressifs originaire de La Paz. Chanté en Espagnol, sa musique est principalement instrumentale et d'une grande qualité technique. Ses sonorités incluent parfois des influences blues / folk et de l'orgue. Il est influencé par Jimi Hendrix, ainsi que par les groupes Péruviens Tarkus et Totem.
"Gusano Mecánico", paru en 1974, est un album très énergique d'une grande richesse, avec des guitares particulièrement stridentes qui se déchaînent. Il est intéressant d'écouter comment les morceaux évoluent et se transforment à partir de leurs sonorités initiales. Aucun son n'est véritablement original, mais le groupe excelle dans le mélange de différentes influences pour proposer une interprétation très réussie du Rock Progressif.
Les morceaux sont d'une richesse sonore remarquable. Les jams sont d'une précision chirurgicale et offrent un son vraiment agréable, une véritable aventure musicale.
Le groupe évoque un Cream plus énergique, croisé avec Santana. Si la musique est principalement instrumentale, les rares interventions vocales rappellent un peu Sting de The Police, chantées en spagnol.
L'album est un petit bijou qui mérite d'être davantage découvert, que ce soit pour son exploration passionnante des textures et de l'éthique du Rock, ou pour sa capture quasi parfaite d'une nouvelle ère, des années 60 hippies au son beaucoup plus froid et calculé des années 70. Il n'est peut-être pas parfait, mais le son est tout simplement fantastique...
Cet album est énorme, splendide : pratiquement tout ce que j'apprécie musicalement se retrouve dans leurs références musicales,
j'ai écouté d'une traite cet opus ! Jimi Hendrix, Cream... Gracias Alcalt01 pour ce retour de plus 50 ans en arrière !
Le Grand Bazar Vinylique : pleins de 45 tours EP & SP avec de vrais morceaux de vinyles dedans !
Citation : "Elle est pas électrique ta guitare... c'est une vieille, elle est encore à vapeur" Dupont et Pondu (1964) C.V. (archives2) : ICI
Basse, chant - Javier Saldías
Batterie, percussions – Alvaro Córdova
Guitare, claviers, chant – José A. Eguino
Climax est un groupe puissant et percutant de Heavy Psyché / Rock Progressif Bolivien aux accents jazz et progressifs originaire de La Paz. Chanté en Espagnol, sa musique est principalement instrumentale et d'une grande qualité technique. Ses sonorités incluent parfois des influences blues / folk et de l'orgue. Il est influencé par Jimi Hendrix, ainsi que par les groupes Péruviens Tarkus et Totem.
"Gusano Mecánico", paru en 1974, est un album très énergique d'une grande richesse, avec des guitares particulièrement stridentes qui se déchaînent. Il est intéressant d'écouter comment les morceaux évoluent et se transforment à partir de leurs sonorités initiales. Aucun son n'est véritablement original, mais le groupe excelle dans le mélange de différentes influences pour proposer une interprétation très réussie du Rock Progressif.
Les morceaux sont d'une richesse sonore remarquable. Les jams sont d'une précision chirurgicale et offrent un son vraiment agréable, une véritable aventure musicale.
Le groupe évoque un Cream plus énergique, croisé avec Santana. Si la musique est principalement instrumentale, les rares interventions vocales rappellent un peu Sting de The Police, chantées en spagnol.
L'album est un petit bijou qui mérite d'être davantage découvert, que ce soit pour son exploration passionnante des textures et de l'éthique du Rock, ou pour sa capture quasi parfaite d'une nouvelle ère, des années 60 hippies au son beaucoup plus froid et calculé des années 70. Il n'est peut-être pas parfait, mais le son est tout simplement fantastique...
Cet album est énorme, splendide : pratiquement tout ce que j'apprécie musicalement se retrouve dans leurs références musicales,
j'ai écouté d'une traite cet opus ! Jimi Hendrix, Cream... Gracias Alcalt01 pour ce retour de plus 50 ans en arrière !
Demo est un trio Argentin mettant en vedette des musiciens renommés dans leur pays. "Lumpen", sorti en 1981, mêle des sonorités Rock classique à des rythmes Funk incisifs, Reggae et Proto Post-Punk.
L'album est principalement classé dans le genre Post-Punk, bien qu'il intègre pourtant fortement des éléments de Rock classique, de Funk et de Funk Rock.
Une curiosité à découvrir!...
Producteur – Alan Parsons
Guitare acoustique – Al Stewart, Dave Ellis, Simon Nicol
Chœurs - Brian Bennett, Chas Mills, Neil Lancaster
Basse – George Ford
Basse, Basse électrique – Peter Moss
Dobro – Stuart Cowell
Batterie – Barry De Souza, Gerry Conway
Guitare électrique – Stuart Cowell, Tim Renwick
Guitares additionnelles – Isaac Guillory
Harmonica – Graham Smith
Claviers – Peter Wingfield
Claviers, accordéon – Peter Woods
Percussions – Tony Carr
"Modern Times" d'Al Stewart, paru en 1975, semble être un album concept, car il se concentre sur plusieurs personnages.
On y trouve des morceaux Folk / Rock percutants, avec beaucoup de guitare acoustique, dépouillés et authentiques, et un brin de morceaux plus Rock avec de nombreux solos de guitare électrique subtils et maîtrisés de Tim Renwick.
Ce qui est formidable avec Stewart, c'est la constance de sa qualité et de son style. Son jeu de guitare, en particulier, est impressionnant.
L'écriture est brillante, l'accompagnement instrumental est remarquable et le thème général d'incertitude et de changement, tant dans l'époque que dans les relations personnelles et amicales en font un excellent album.
Celui-ci s'ouvre sur le single "Carol", une chanson entraînante et agréable. "Sirens of Titans" se caractérise par un jeu de guitare en picking vers la fin, tandis que "What's Going on" propose un beau solo de guitare au milieu et s'achève sur une véritable joute verbale.
L'album se termine en beauté, avec deux des titres les plus marquants: "Apple Cider Re-Constitution" et la chanson titre épique qui raconte l'histoire de deux amis qui se retrouvent après une longue séparation.
"Modern Times" est certainement un des meilleurs albums de Stewart...
Basse – João Alberto
Batterie, Percussions, Synthétiseur – Netinho
Batterie, percussions, chant – Marinho Thomas
Guitare électrique, basse, guitare 12 cordes, synthétiseur – Pisca
Chant principal – Netinho, Simbas
Orgue, Piano, Piano Électrique, Synthétiseur, Cordes – Marinho Testoni
Le groupe Brésilien Casa Das Máquinas était composé de cinq musiciens sur l'album "Casa De Rock", sorti en 1976, avec une formation comprenant guitares, basse, batterie, percussions, minimoog, piano et chant masculin en Portugais.
"Casa De Rock" est un album de Heavy Metal pur et dur. Il est aussi un peu cynique.
Au milieu de ce Heavy Metal, on trouve aussi des morceaux Psychédéliques très doux.
C'était, en quelque sorte, le dernier coup de poker du groupe... et Casa Das Máquinas s'est séparé peu après...
Du début à la fin, "Roots & Echoes", paru en 2007, est l'œuvre majeure de The Coral et un excellent album Indie. L'écriture y est solide et le jeu est absolument époustouflant.
Le rythme est implacable et les morceaux s'enchaînent à un rythme effréné.
Le thème et le ton de l'ensemble prend l'auditeur aux tripes, l'imprègne de son étrange mélancolie nocturne et de sa belle délicatesse. La simplicité de ces morceaux est un atout car elle en fait un disque chaleureux et agréable.
Les textes sombres sont présents par endroits et The Coral a créé un album concis et accessible, mettant en valeur ses points forts.
Il faut absolument écouter "Roots & Echoes", ne serait-ce que par simple curiosité!...
Ah, tu t'attaques à The Coral ? Pour faire simple c'est juste Le groupe pop de la décennie 2000.
Tu trouves que c'est leur oeuvre majeure ?
Pourquoi pas. Mais aux fans de psyché, je conseillerais plutôt le 1er.
Et aux fans d'expérimental dark psyché le second.
Pop lèchée ? Peut-être Butterfly House
Etc
ça fait un bout de temps que je ne me les suis pas réécouté mais au souvenir, ce Roots & Echo me laisse une impression de solidité. peut-être leur plus sombre, à moins que ce ne soit la pochette qui m'influence mais en tous cas, une "machine" à tubes indie des années 2000, sous influences sixties.
Et n'est pas par "curiosité" qu'il faut l'écouter mais juste parce que ce groupe est incontournable si on aime la Très bonne pop, comme de dit, avec influences 60's ( 66-67 pour être précis), à condition de supporter cette pointe de mélancolie qui a émergée à partir du milieu des années 90, dans le style, et durée....un bon bout de temps.
Gracias Alcalt01 pour ce retour de plus 50 ans en arrière ! 
