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Question: Est-ce déjà fini à propos de McKendree Spring ??

Tout à fait, je n'en ai pas d'autres!

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1033

1983 : Once a Rocker, Always a Rocker
J'adore les deux premiers albums de Joe Project, même si je les ai trouvés très inégaux. Des choses comme "Rockin Train" et "Buzz Buzz" ne correspondaient tout simplement pas à d'autres trucs.
Au moins, vous obtenez un album cohérent ici. Prenons d'abord Mach Bell. Je ne sais pas où vous voulez en venir en disant que ce type n'est pas un chanteur de rock and roll. Cela peut sembler trop brut pour vous, mais c'est la vraie chose! David Johansen rencontre Bon Scott ! Rien de mal à ça !
La chanson titre est un rouleau compresseur d'une chanson avec un vrai riff funky de Joe Perry qu'il est presque impossible de ne pas garder coincé dans la tête. "Black Velvet Pants" est un crochet country de type Perry qui ne fait que vous appeler. La vidéo a même été diffusée sur MTV. ! Une autre vedette est "Walk with me Sally". Après avoir vu les trois formations du Project en live, aucune d'entre elles n'a battu cette version. Danny le bassiste est un monstre et si vous ne me croyez pas, allez voir quelques-uns des enregistrements live sur YouTube. Son jeu de basse sur Toys in the Attic est spectaculaire. Stuart le dernier batteur nous manque cruellement. Joe Pet n'est plus le batteur qu'il était. Mais Joe est toujours assez compétent pour porter cet album et c'est du groove hard rock funky. "King of the Kings" doit être mentionné non seulement pour sa basse, mais aussi pour la façon dont il vous frappe sans cesse sur la tête. "Crossfire" est une vraie Jam épique avec un groove épais comme "Never going to Stop".
Écoutez cet album si vous ne l'avez pas fait depuis 3 à 5 ans ! Je trouve qu'il 'botte toutes sortes de culs' et qu'il a particulièrement bien vieilli ! Comme Joe avait toujours l'habitude de le dire, "dites-lui simplement que nous nous souvenons des New York Dolls !"

ldorr1

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Living in the Past (1972), un festin pour les fans composé de friandises, de restes et d'une performance en live au Carnegie Hall.
Une collection de faces B hors album, de faces A différentes de leurs homologues LPs, de morceaux live et de joyaux inédits. Loin de tout hasard, Living In The Past est revenu sur ce que certains considéraient comme les jours de gloire du groupe, avant que Ian ne commence à poser les choses sur un peu Thick. Moi, j'aurais pu vivre sans le live "By Kind Permission Of", mais les chansons restantes en font un achat plus gratifiant que les trois premiers disques de Jethro Tull (qui n'étaient eux-mêmes pas en reste). Seul hic sur cette compilation, le sens de la découverte, que chaque nouvel album de Tull semblait promettre, est ici remplacé par un sens de la redécouverte.
Avec Aqualung, Ian et le groupe avaient vanté les réalisations techniques présentes ici, et une certaine mesure de recyclage («Wond'ring Again», «Up The 'Pool») tempère l'émerveillement que ces chansons auraient pu avoir à l'origine. inspiré. Je ne vais pas vous donner un documentaire chanson par chanson (où serait le plaisir là-dedans ?), Mais je vais sortir quelques diamants pour les inspecter. Il y a, d'abord, les classiques que vous auriez pu manquer : “Living in the Past,” “Life Is a Long Song,” “Witches Promise” et “Sweet Dream". Plus faciles à obtenir mais toujours les bienvenus sont « Teacher » (l'un des deux morceaux supprimés de la réédition du CD unique), « Hymn 43 » et « Inside » (qui n'apparaissaient pas sur le double LP Reprise original, allez comprendre). Viennent ensuite ce qui, pour beaucoup, sera de nouvelles découvertes : cet antidote sobre à l'esprit de Noël, "Christmas Song", "Love Story" (le dernier single avec Mick Abrahams) et un traitement live radical de "Dharma for One" qui comprenait désormais des paroles. Les morceaux restants sont souvent d'agréables jetons acoustiques, un peu comme les petits morceaux que Ian a glissés dans Aqualung.

Bien qu'il comble la plupart des lacunes entre This Was et Aqualung, Living In The Past est à juste titre un repas en soi. Si vous ne l'avez pas entendu, je vous envie les découvertes qui vous attendent dans ce tome d'émerveillement.

Dave Connolly

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Un niveau de succès similaire à l'album "Dance" a accueilli l'enregistrement du double LP "Live!! Takin' the Stage" de Pure Prairie League sorti à l'Eté 1977.
Ces enregistrements en public proviennent de certains spectacles effectués lors d'une tournée du Midwest Américain (Cincinnati, Minneapolis, Saint-Louis) en 1977, pour promouvoir l'album "Two Lane Highway".
Dans l'ensemble, c'est un très bon enregistrement live qui ne peut que sûrement plaire aux fans du groupe. Ce n'est pourtant pas l'un des plus grands albums live de tous les temps, quel que soit le genre. Mais c'est bien joué, la foule est vraiment présente, et c'est juste génial d'entendre quelques-unes de ces excellentes chansons dans un cadre live.

Cet album est, en tout cas, bien meilleur que leurs derniers albums studio. Certains groupes sont super en live et c'est le cas pour eux.
Et c'est, sans aucun doute, le meilleur album que Pure Prairie League ait jamais sorti et c'est un must pour tous les fans de Pure Prairie League. La qualité sonore est absolument fantastique tout comme la musicalité et le chant.
C' est même certainement, tout simplement, l'un des meilleurs disques Rock / Country Rock en live jamais réalisés!
La qualité de la musicalité brille à travers cet enregistrement pas comme les autres. C'est la quasi perfection, la meilleure qualité sonore live jamais entendue. Larry Goshorn ouvre chaque morceau avec précision et subtilité, et George Ed Powell donne une présence puissante avec sa voix et sa guitare. Le jeu de pédale steel de John David Call est toujours au sommet. Niveau rythmique, la batterie de Billy Hinds offre un excellent son.
C'est un véritable joyau perdu, les chansons sont toutes solides et la performance est de tout premier ordre.

Après la sortie de cet album, Call a de nouveau quitté le groupe en raison de problèmes croissants de dos et il a été remplacé par le frère de Larry Goshorn, Tim, qui s'est joint à eux à temps d'enregistrer l'album suivant, "Just Fly".

[Cooltrane]

Je n'avais jamais ce 3è album solo de Joe Perry (jamais su, non plus)

De toute façon, j'arrête Aerosmith avec le Live Bootleg de 78.

Une véritable mine d'or cette compile, remplies de pépites. La seule compile que j'aie jamais eu à casa (et que j'ai tjs)... au point que j'ai poussé le bouchon plus loin et l'ai aussi acheté en CD version cartonnée.

Bon c'est vrai que la 3è face au Carnegie est un peu moins bonne surtout le Dharma est trop long - fuck les solos de batterie, surtout sur disque *) et que les titres de 71 moins éclatants que les pépites du premier disque pas dispo en 33t.

Le plus triste (façon de parler), c'est que depuis le début du XXIèS, LITP est devenue à peu près inutile (sauf la face Carnegie), parce que tous les autres morceaux sont maintenant devenu des morceaux quasi indissociables des albums sur lesquels on les a plaqué. Pour This Was, Stand Up et Benefit, cela leur va très bien, mais pour Aqualung, cette rallonge (un peu forcée) fait un peu tache, car les morceaux ajoutés ne font pas vraiment justice à l'album.



* : pourtant le solo de Bunker sur le film de L'Ile de Wight est vraiment divertissant. (voir le DVD Nothing Is Easy)

[alcat01]

Je n'avais jamais ce 3è album solo de Joe Perry (jamais su, non plus)

De toute façon, j'arrête Aerosmith avec le Live Bootleg de 78.

Une véritable mine d'or cette compile, remplies de pépites. La seule compile que j'aie jamais eu à casa (et que j'ai tjs)... au point que j'ai poussé le bouchon plus loin et l'ai aussi acheté en CD version cartonnée.

Bon c'est vrai que la 3è face au Carnegie est un peu moins bonne surtout le Dharma est trop long - fuck les solos de batterie, surtout sur disque *) et que les titres de 71 moins éclatants que les pépites du premier disque pas dispo en 33t.

Le plus triste (façon de parler), c'est que depuis le début du XXIèS, LITP est devenue à peu près inutile (sauf la face Carnegie), parce que tous les autres morceaux sont maintenant devenu des morceaux quasi indissociables des albums sur lesquels on les a plaqué. Pour This Was, Stand Up et Benefit, cela leur va très bien, mais pour Aqualung, cette rallonge (un peu forcée) fait un peu tache, car les morceaux ajoutés ne font pas vraiment justice à l'album.



* : pourtant le solo de Bunker sur le film de L'Ile de Wight est vraiment divertissant. (voir le DVD Nothing Is Easy)

La face Carnegie était là pour montrer le groupe en live, ce qui était une première!
D'accord pour dire que "Dharma For One" est beaucoup trop long et que le solo de batterie plombe la performance...

[alcat01]

1036

So Far
Cochise a publié son troisième et dernier album intitulé "So Far" en 1972, poussant sa musique dans un style plus Funk et Heavy.
Mais en dépit de "So Far", qui est un album des plus satisfaisants, cet opus a malheureusement également été leur chant du cygne, le groupe se séparant avant même que l'enregistrement be soit publié.
Ce disque possède certains des morceaux les plus Heavy du groupe, comme ""Cajun Girl", "Midnight Moonshine" et tout pariculièrement "Diamonds".

Certainement un album à (re)découvrir!

[alcat01]

1037

Here She Comes Again - 1995
En 1995, cela devait sonner comme un anachronisme, le Hard Rock des années 70 !, creusant ce vieux sillon, probablement une quinzaine d'années avant qu'il ne redevienne à la mode. Ray Owen ressuscite Juicy Lucy, il n'était apparu que sur le premier album et sort le premier album sous ce nom pendant vingt-trois ans.
Juicy Lucy a toujours semblé chercher l'inspiration outre-Atlantique, ce n'est pas une exception mais toutes les influences blues antérieures qui existaient dans les incarnations précédentes ont disparu et le Hard Rock est à l'ordre du jour, bien que vocalement Ray Owen en particulier sur Here She Comes Again involontairement, je suppose, sonne un peu comme Dick Van Dyke dans Mary Poppins.

L'album démarre avec une nouvelle version de leur ancien top 20 single, la reprise de Who Do You Love de Bo Diddleys, ils reprennent également une vieille chanson de Juicy Lucy Pretty Woman tirée de Lie Back and Enjoy it. Ray Owen fait également ressortir son Jimi Hendrix intérieur avec une reprise de Voodoo Chile et l'instrumental Drug Squad de plus de sept minutes. Instrumentalizationalized est aussi une instrumentale (avec des congas en plus), les allusions dans le titre. Le reste est une sélection de morceaux parfaitement écoutables, pas besoin d'appuyer sur le bouton d'eject.
L'album a cependant un inconvénient, la qualité du son nuit au plaisir général, c'est peut-être la production, c'était peut-être le budget, les sons semblent atténués, quand j'entends un album comme celui-ci, je m'attends à ce qu'il m'épingle contre le mur, cela ressemble plus à de l'écoute radio.

Pas un grand album dans le sens accepté, rien de spécial, plus une performance professionnelle, les chansons obtiennent toutes un laissez-passer et nous obtenons de belles interprétations théâtrales à la guitare de la part de M. Owen.
Avec deux anciens morceaux de JL, une reprise de JH et deux instrumentaux, il semble qu'ils aient manqué de nouveau matériel. Pour ceux d'entre nous qui aiment le hard rock des années 70, nous le décririons probablement comme "Ça va."

oldrock

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1038

Tout avait vraiment commencé pour Blind Faith dans les mois d'Hiver de 1969. La création du groupe s'était faite en improvisant et en travaillant sur de nouvelles idées musicales dans la propriété de Hurtwood Edge que venait de s'acheter Clapton à Surrey.

Eric Clapton et Stevie Winwood s'y étaient réunis pour se changer les idées. Ils étaient tous deux en congé sabbatique de leurs plus récents engagements, et ils voulaient juste se reposer tranquilement, en essayant de décider ce qui serait possible de faire dans une parfaite collaboration de leurs talents musicaux. Il avait été dit que, selon la rumeur dans la presse Britannique, que Clapton et Winwood enregistreraient un album avec la section rythmique royale de chez Stax, Donald "Duck" Dunn et Al Jackson (tout deux membres de Booker T & the MG).
Il est vrai que former un groupe de Soul / Blues était un rêve que Winwood souhaitait, mais cela ne s'est pas fait.
Des sessions informelles s'étaient succèdées chez Clapton, et plusieurs musiciens s'étaient joints à eux entre Janvier et Février et lorsque Ginger Baker avait appris ce que Clapton et Winwood faisaient, il voulut absolument y participer.
Dès l'arrivée de Baker, les choses commencent à changer. Winwood trouve le jeu de Ginger fantastique, même si le batteur est soupçonné d'être perpétuellement shooté aux substances dites 'interdites'. Quand Winwood propose, avec l'accord de Baker, qu'ils forment un trio, Clapton n'est pas en mesure de refuser, car l'impromptu de la musique qu'ils créent est trop intrigante pour s'arrêter si tôt.
C'est alors les véritables débuts de Blind Faith ensemble. Ensuite, les musiciens, dans le cadre du management conjoint de Chris Blackwell et de Robert Stigwood, se réservent quelques temps d'enregistrement aux Morgan Studios à Londres.
C'est là qu'ont lieu les fameuses obscures répètitions dites 'Morgan Rehearsals'. Plusieurs sessions sont effectuées et enregistrées au cours de Février et Mars 1969. Le producteur Jimmy Miller s'étant joint à eux pour encadrer les enregistrements.
Et la forme embryonnaire de plusieurs classiques de Blind Faith sont forgés au cours de cette période. Si on écoute attentivement les morceaux de la répétition bootleg dont les enregistrements sont disponibles, des traces de "Well All Right", "Do What You Like", et "Change Of Address" peuvent être facilement détectés.
En Avril 1969, le trio se pose la question de savoir si le groupe a besoin, ou non, d'un bassiste: Winwood pouvant jouer la partie de basse sur son clavier Hammond, ou il peut jouer de la basse, mais comme il a déjà la responsabilité du chant, il est présumé qu'un autre bassiste est essentiel au nouveau son en cours d'élaboration. Bien sûr, les gars sont partout pendant cette période, faisant la fête et jammant dans les clubs autour de Londres, parlant encore et toujours de leur projet.
Évidemment, dans une ou plusieurs de ces périodes de loisirs hors des studios, Clapton est surpris avec Ric Grech, de Family partageant aussi un concert impromptu au Speakeasy Pub dans le centre de Londres.
En un mois, Grech commence à s'afficher avec avec Baker, Clapton et Winwood, sentant la chimie qui les lie entre eux tout en jouant leur musique.
Le 3 Mai, Grech rejoint officiellement ce groupe encore sans nom, en laissant le groupe Family en plein milieu d'une tournée Américaine. Et comme Clapton le fait remarquer à l'époque, "...nous n'avons même pas inviter Ric dans le groupe, il est devenu l'un de nous...".
Ils commencent à sérieusement travailler sur la musique qui va devenir l'album de Blind Faith. Une grande partie des préparatifs préliminaires entre le quatuor est conduite une fois de plus chez Clapton, et c'est là que sont prises beaucoup des célèbres photos des garçons avec leurs instruments de musique d'origine.
Ensuite, Stigwood enmène le groupe aux Olympic Studios à Londres, pour commencer le découpage des morceaux pour l'album qui sera produit, et leur mettre la pression pour obtenir l'idée d'une tournée du "super-groupe", peut-être mondiale.
C'est alors que le mécontentement commence, Baker et Grech voyant le potentiel de l'activité lucrative de l'entreprise, mais Clapton ayant clairement reconnu les dangers du vedétariat, du battage commercial, et évidemment de la mouture de la tournée. Lui et Winwood voient les choses de façon similaire.
Clapton, par désinvolture, surnomme le groupe "Blind Faith", probablement en raison de la façon dont ils sont tous tomber dans la vision de Stigwood de la façon dont ce grand groupe sera adoré par les jeunes impressionnables et les millions en argent qui seraient tirés d'un album et l'impressionnante promotion du groupe de fantastiques musiciens collaborant à la pointe du mouvement de la contre-culture en Europe et en Amérique du Nord.
Le 22 Juin, le seul et unique album du groupe, "Blind Faith", comportant six titres, sort sur le label Polydor au Royaume-Uni et sur Atco aux États-Unis.
Au Royaume-Uni, la pochette d'origine améne une profonde controverse puisquelle présente l'image d'une jeune fille de 11 ans dénudée tenant une maquette d'avion (objet phallique pour certains) dans ses mains et elle est remplacée par une photo du groupe prise aux États-Unis.
Malgré cela, Blind Faith reçoit un disque d'or dès le 19 Septembre.
La réaction du public aux États-Unis fut similaire à celle reçue au Royaume-Uni et le groupe se met alors à rejouer quelques titres de Cream et de Traffic pour apaiser l'auditoire.
Blind Faith termine sa tournée Américaine par Hawaï où le groupe fait son tout dernier concert le 29 Septembre car le combo, qui ne veut absolument pas devenir un pastiche de Cream, se sépare immédiatement après cette tournée.

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Fog on the Tyne (1971)
Nous nous concentrons sur Lindisfarne et leur album fondateur Fog On The Tyne, un album qui garantissait que nous ne verrions plus jamais la ville de Newcastle Upon Tyne, ses habitants, ses coutumes et ses traditions de la même manière, plus jamais.
J'avais entendu parler de Lindisfarne. Leur premier album, Nicely Out Of Tune , est sorti à la fin des années 1970 et a recueilli des critiques positives dans la presse musicale.
Il est maintenant considéré comme un album classique à part entière – certains le considèrent comme le meilleur de Lindisfarne – et, avec des morceaux comme Lady Eleanor , Clear White Light, Turn A Deaf Ear , We Can Swing Together et, peut-être le meilleur de tous, le majestueux Winter Song (décrit par l'associé de longue date de Lindisfarne Rab Noakes comme "La meilleure chanson jamais écrite" ), ils ont peut-être raison, mais, à À l'époque, la sortie de l'album s'est déroulée sans préavis et il n'a certainement pas réussi à capturer l'air du temps comme l'a fait son successeur.
En Alan Hull en particulier, Lindisfarne avait un auteur-compositeur d'une capacité suprême. Avant même de rejoindre Lindisfarne, Hull avait accumulé de vastes archives de compositions, dont beaucoup figurèrent sur les trois premiers albums de Lindisfarne et sur son premier album solo de 1973, Pipedream.
Quand Fog On The Tyne est sorti, je l'ai adoré dès le début. Il va presque sans dire que la musique a été une révélation - et j'y reviendrai sous peu - mais j'ai tout aimé dans l'emballage. J'ai adoré cette illustration de couverture - une gravure d'une scène au bord de la rivière Tyne du, j'aimerais devinez, milieu du XIXe siècle; J'ai adoré les photographies à l'intérieur de la pochette qui montraient le groupe se prélassant sur une île brumeuse de Lindisfarne et profitant d'une session de musique dans un pub dont on m'a dit un jour qu'il se trouvait dans le village de Seahouses.
Nous avons tous connu la surfamiliarité que peuvent causer les écoutes répétées d'un album bien-aimé, et je dois admettre que je m'attendais à ce que Fog On The Tyne soit victime d'un tel syndrome "Dark Side Of The Moon" et, comme je me suis installé à le revoir, je me suis demandé s'il était nécessaire que je réécoute l'album un jour. Eh bien, heureusement, les chansons de Fog on the Tyne sonnent toujours bien aujourd'hui et, maintenant qu'une grande partie des progrès politiques et sociétaux des 50 dernières années a été inversée avec succès par ceux qui connaissent le mieux, le sujet de la plupart des chansons - les différences de classe, la futilité de la guerre, la solitude, le désespoir et le plaisir dans l'adversité résonnent encore fortement.

Fog On The Tyne, la chanson-titre de l'album est une excellente chanson qui exprime, avec humour et camaraderie, la pure fierté d'appartenir à une grande ville. Cela nous a tous donné envie d'être des Geordies, et chaque fois que nous assistions à un spectacle de Lindisfarne et que nous chantions, pendant ces quelques minutes éphémères, nous étions - en quelque sorte un substitut. Il ne fait aucun doute que la chanson est devenue un hymne national non officiel de Geordie.
Meet Me On The Corner lance Fog On The Tyne. Une chanson merveilleuse, sautillante et vivifiante de Rod Clements, avec une voix brillante et une partie d'harmonica de Ray Jackson. C'est une chanson que tout le monde aime malgré les paroles énigmatiques qui font peut -être allusion à un trafic de drogue au coin de la rue. Je n'oublierai jamais la première apparition de Lindisfarne dans Top Of The Pops lorsque Ray Laidlaw a mimé la partie de batterie en faisant semblant de frapper une énorme grosse caisse avec un poisson en caoutchouc. Alright On The Night est un autre favori, avec des paroles qui ont donné au jeune moi la confiance nécessaire pour être moi-même, m'habiller comme je le voulais et ignorer toute expression de dégoût que les personnes plus âgées et moins tolérantes pourraient exprimer.
Uncle Sam de Simon Cowe est la chanson anti-guerre obligatoire de l'album, exprimant les insécurités ressenties par une jeune génération confrontée à la probabilité d'une conscription militaire avant d'arriver à la chanson la plus heureuse de l'album - et peut-être l'une des chansons les plus insouciantes jamais écrites - celle de Rab Noakes Together Forever. C'est une chanson que je continue d'aimer, et je me suis souvent mis à la place du couple insouciant, assis à l'avant du bus, assis sur un banc de parc, ou essayant de faire du stop, et juste regarder le monde défile sous leurs yeux, sans se sentir obligé de se précipiter avec lui. C'est juste intemporel et tellement joyeux.
January Song d'Alan Hull était le morceau de clôture de la première face de l'album vinyle original. Tout un contrepoint à la pure joie de Together Forever, Alan exprime un désespoir sombre alors qu'il se regarde dans un miroir et contemple la direction dans laquelle sa vie se dirige. C'est triste, mais c'est aussi une chanson qui offre de l'espoir car l'auteur se rend compte que l'aide des autres est une main – comme l'exprime le refrain « Tu as besoin de moi, besoin de toi, besoin de lui, besoin de tout le monde ».
La deuxième face démarre avec le majestueux Peter Brophy Don't Care, une pièce énigmatique d'autoréflexion d'Alan. Les paroles de la chanson sont très illustratives, à commencer par la vision de l'homme avec son nez dans sa pipe qu'Alan, bien sûr, a adopté comme illustration de la pochette de son premier album solo, Pipe Dream. J'ai toujours pensé qu'Alan Hull était à son meilleur lorsqu'il écrivait de manière réfléchie et dans City Song et Passing Ghosts, les chansons suivantes de l'album, c'est exactement ce qu'il fait. Apparemment, Alan avait un énorme stock de chansons qu'il avait écrites avant de rejoindre Lindisfarne et ce sont deux classiques de cette réserve particulière.
Le bluesy Train In G Major de Rod Clements exprime un sentiment similaire à Alright On The Night - une acceptation qu'il est normal d'être un étranger - avant d'en arriver à cette chanson titre rafraîchissante, amusante, quoique maintenant controversée. Comment cela m'a donné envie de visiter un snack-bar sordide et de sucer un rouleau de saucisse maladif, et comment nous avons ri de la cochonnerie d'écolier d'avoir un pipi sur le mur… Mais tout est arrivé à la fin alors que nous, encore une fois, ignorions les attitudes de ceux qui n'étaient pas comme nous et "Avions pris une pinte ou deux ensemble et avions fait notre truc." Mon moi de seize ans en a pris note et l'a utilisé pour façonner un style de vie et une vision que je suis à ce jour.

Fog On The Tyne a connu un succès phénoménal. il s'est classé numéro un dans le classement des albums britanniques et, bien que sorti à la fin de 1971, il est devenu l'album le plus vendu au Royaume-Uni en 1972. Pendant un court moment, Lindisfarne était la plus grande chose en cours et Fog On The Tyne était populaire dans un large groupe démographique, pas seulement avec ceux d'entre nous qui aspiraient à être hippies. Ça ne pouvait pas durer, et ça n'a pas duré.

John Barlass

[alcat01]

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Tractor 1972, gemme cachée.
La première chose sur laquelle vous vous penchez est le son des guitares. Je suis bloqué et je n'arrive pas à descendre. Le son psychédélique est sale et lourd.
La tracklist est du progrock (mais ce que j'aime le plus dans ce programme, c'est que les parties changent d'elles-mêmes non pas brusquement, mais progressivement), qui semble être enfilée sur du britfolk, et tout cela avec un son psychédélique et une pincée de son de garage.

All Ends Up est un morceau étrange par rapport à sa propre époque. Je ne suis pas dans le métal, donc je ne peux pas dire un style similaire. Mais quelle puissant et quel groove.
Little Girl In Yellow est la première apparition de folk sur l'album, qui plonge peu à peu dans le psyché.
The Watcher est une courte chanson folklorique, je la trouve extrêmement douce et belle.
Ravenscroft's 13 Bar Boogie est un boogie standard, mais à cause de ce son de guitare, la piste a quelque chose de plus pour moi.
Shubunkin est puissant à nouveau. Lent, visqueux (dans le bon sens), qui à la fin vous récompensera d'une mélodie épique fantastique.
Hope in Favor est une courte composition, certains l'appelleraient un remplissage, mais je l'apprécie.
Everytime It Happens est similaire à la deuxième composition, folk coulant dans le psychédélique.
Make the Journey; Je ne sais pas ce qui se passe à la fin du morceau, probablement du noise rock. Ça sonne bien et cool à nouveau.

Comment j'ai trouvé ce diamant?... c'est du très bon travail. C'est même dommage que le groupe n'ait pas trouvé son auditoire à l'époque.

lle4eHka

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1041

Thick as a Brick (1972)
Thick as a Brick est peut-être l'album qui a amené le rock progressif à sa fin ultime, étant une longue chanson qui couvrait les deux faces de ce cinquième album studio de Jethro Tull. Il a été délibérément conçu comme un album concept «exagéré», au point où toutes les paroles ont été attribuées à un enfant prodige fictif nommé «Gerald Bostick». Ces paroles et cette musique ont en fait été écrites par le leader du groupe, Ian Anderson , et il se peut qu'elles aient en fait été conçues comme une parodie de la direction que prenait le prog-rock en 1972, ainsi qu'une réponse aux critiques de rock qui qualifiaient à tort le l'album précédent du groupe, Aqualung , en tant qu'album « concept ».
Qu'il s'agisse ou non d'une parodie, Thick As a Brick était la première offre légitime de rock progressif profond de Jethro Tull, remarquable pour ses nombreux thèmes musicaux, ses changements de signature rythmique et l'utilisation de vastes instruments tels que le clavecin, le xylophone, le saxophone, le violon et un section de cordes. Anderson a joué lui-même la plupart de ces instruments exotiques, y compris sa flûte emblématique. Il était soutenu par une équipe rock solide dirigée par le guitariste Martin Barre qui a donné au groupe un contraste puissant et un son unique et intéressant. Le groupe a interprété la majeure partie de l'album en tournée pendant près d'un an.
L'album original contenait un journal anglais fictif de plusieurs pages appelé The St. Cleve Chronicle . Daté du 7 janvier 1972, ce «journal» comprend l'intégralité des paroles de «Thick as a Brick», qui est présenté comme un poème écrit par un prodige littéraire de 8 ans, Gerald «Little Milton» Bostock, dont la disqualification d'un concours de poésie est au centre de l'histoire de la première page.
L'année dernière, avec la sortie de l'édition du 40 e anniversaire, le site Web de support a divisé l'album (et la chanson) en sections ou parties numériques. L'ouverture "Really Don't Mind" (répertoriée comme "Thick As a Brick (Edit 1)" sur certaines compilations) est la partie la plus populaire de l'album. Une chanson folk principalement acoustique avec une partie de flûte complémentaire, cette partie d'ouverture contient les paroles les plus brillantes de l'album et la version éditée de trois minutes est considérée comme l'un des classiques de tous les temps par le groupe, ayant été jouée sur de nombreuses stations de radio de rock classique dans plusieurs nations.
"See There a Son Is Born" a une partie de chant vocal avant d'entrer dans la première véritable jam de la chanson, dirigée par l'orgue joué par John Evan. "The Poet and the Painter" commence par une marche dramatique tenue avec le batteur Barriemore Barlow avant de se lancer dans une chanson rock progressive plus traditionnelle. Cela comprend également les premières véritables fioritures de flûte d'Anderson et une longue section de jam funk sur la basse animée de Jeffrey Hammond-Hammond. Evan revient en force avec la section intitulée "From the Upper Class" (répertoriée comme "Thick As a Brick (Edit 4)" sur certaines compilations), qui semble commencer de façon incertaine mais tombe plus tard en droite ligne pour former un joyeux et accrocheur riff qui ressort comme l'une des sections les plus accessibles de ce morceau prolongé. Tous les musiciens s'impliquent étroitement dans cette jam avec le riff principal semblant monter à l'infini.
La séquence suivante est peut-être la plus belle de l'album. "You Curl Your Toes in Fun" revient sur le même riff acoustique d'ouverture sous une mélodie différente avant de passer gentiment dans la progression au piano et la basse entraînante de "Childhood Heroes", qui contient également les meilleurs vocaux de l'album d'Anderson, clôturant le première face et première moitié de l'album.
La deuxième face fait irruption dans "See There a Man Is Born", une suite de la deuxième progression de la première face, avec quelques solos de batterie courts mais sauvages de Barlow et quelques fausses fins avec des reprises étranges. "Clear White Circles" est la troisième section à utiliser le riff acoustique principal compensé par quelques sections rudimentaires orientées prog. Le folk sombre de "Legends and Believe in the Day" mène aux riffs théâtraux de slow rock de Barre et aux schémas vocaux prolongés d'Anderson. Vers la fin de cette section, les musiciens semblent à nouveau un peu incertains de leur prochaine destination avant de finalement s'enflammer avec la certitude de "Tales of Your Life" qui contient un solo de type vol de bourdon avec flûte, clavecin et guitare se rejoignant avec plaisir. L'album devient un peu répétitif pendant cette dernière séquence avant d'atteindre finalement le couplet de conclusion qui reprend le refrain du tout premier thème de "Thick As a Brick", bouclant ainsi la boucle de l'album.

En avril de cette année (2012), Ian Anderson a sorti un album suite intitulé Thick As a Brick 2 : What Happened to Gerald Bostock ?, qui se concentre sur l'auteur fictif de génie de l'album original quarante ans plus tard. Cet album de suivi présente cinq histoires de vie divergentes et hypothétiques pour Bostock et suit le style du faux journal (The St Cleve Chronicle) de l'album original Thick As a Brick , qui est maintenant en ligne sur StCleve.com .

Classic Rock Review

[alcat01]

1042

"Just Fly", paru en Mars 1978 sera l'avant-dernier album de Pure Prairie League chez RCA et une autre déception au niveau des ventes.
La photo sur la pochette recto montre les membres du groupe pilotant un vieux coucou et au verso se tenant à côté de l'avion. Au début, on peut se demander où est passé le vieux cow-boy Luke, mais si l'on regarde de plus près, on constate qu'il est bien là: son visage apparaît comme affiche sur le côté de l'avion.

Sur ce disque, Call a pris ses distances et il a été remplacé par Tim Goshorn et le manque de steel guitare, de dobro et de banjo se fait ressentir automatiquement, mais cela est compensé par plus de guitares de toutes sortes.

Ce ne sont pas seulement de bons musiciens qui composent alors le groupe, ils sont également créatifs. On peut même dire qu'il y a de bons moments à savourer, tels que le style acoustique de "Slim Pickin's" et l'ambiance easy-listening de "You Don't Have To Be Alone". Il y a aussi une reprise de "Working In The Coal Mine" de Lee Dorsey, qui est une version toute personnelle.

"Just Fly" est, qu'on le veuille ou non, un excellent album avec un certain renouveau dû au départ de Call. La musique n'est plus tout à fait la même, mais malgré tout, Pure Prairie League joue toujours et encore du Country Rock, et ils le font très bien.

[alcat01]

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You & Me in the Jungle (2006)
Rien de nouveau n'est arrivé pour Wild Turkey jusqu'à 2005, date à laquelle il a été décidé d'envisager la possibilité de reformer le groupe pour faire un nouvel album et peut-être même de faire une tournée.
Avec l'aide de Roy Evans, le financement a été organisé et en Avril 2006, l'album "You and Me in the Jungle" a été enregistré aux Bridgerow Studios à Glanammon, Sud du Pays de Galles, par Glenn Cornick (Basse) Gary Pickford-Hopkins (chant), Mick Dyche (guitare) et Steve Gurl (claviers), qui avait paru sur tous les premiers albums.
Ils ont été rejoints par le guitariste Graham Williams (Ex Racing Cars), le percussionniste John "Pugwash" Weathers (ex Gentle Giant & Man) et le batteur Clive Bunker (ex-Jethro Tull) qui avaient tous déjà joué avec Glenn dans le passé.
Cette reformation du Wild Turkey de Glenn Cornick réunit ni plus, ni moins que la célèbre section rythmique originale de Jethro Tull avec Clive Bunker et Glenn Cornick après 35 ans!
Celui-ci n'a aucune ressemblance avec le classique et excellent premier album "Battle Hymn". C'est du Boogie Rock plus proche de l'album "Stealer Of Years" paru en 1996.

Il faut pas le comparer aux autres disque du groupe et c'est un album qui s'écoute sans déplaisir; ce n'est pas un classique, mais c'est un bon album!...

[alcat01]

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1969 Audience
Les quinze minutes de gloire du public sont venues quand ils ont sorti leur album chef-d'œuvre, "House on the hill" sur Charisma Records. Ils existaient cependant depuis un certain temps avant cela, et cet album éponyme, initialement publié par Polydor Records, remonte là où tout a commencé.
Décidant d'adopter le nom d'Audience, plutôt que de persister avec le laborieux Lloyd Alexander Blues Band dont ils sont issus, le groupe enregistre cet album au début de 1969. "Audience" est un album typique d'un groupe tenté désespérément de trouver sa voie. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a rien de valeur ici, il y en a très certainement. La voix unique d'Howard Werth n'est pas utilisée, mais des chansons comme l'ouverture "Banquet" auraient bien sonné sur "House on the hill".

Suivent ensuite la soft pop anonyme de "Poet", le folk blues optimiste de "Waverley stage coach" et le Stackridge (que Keith Gemmell rejoindra plus tard) comme la parodie folk de "River boat queen". Le dernier d'entre eux est le plus intéressant, l'arrangement ayant des nuances de prog bien définies.
"Heaven was an island" contient soi-disant des paroles politiques incisives de Trevor Williams, mais la prestation vocale brouillée et semi-criée de Werth les rend presque indéchiffrables. Le morceau sonne en fait plutôt Family, avec du saxo jazzy improvisé comme break instrumental. Il y a d'autres premières allusions au jazz rock qui viendront au premier plan sur les albums ultérieurs, notamment à travers les instruments à vent de Keith Gemmell.
"Maidens cry" aurait inspiré une partie de "Stairway to Heaven" de Led Zeppelin, Audience ayant soutenu les Zepsters en 1969. La chanson est une belle pièce de mauvaise humeur avec des harmonies notables et un saxo confiant. Le dernier morceau de l'album original est une première version de " House on the hill ", une chanson que le groupe retravaillerait considérablement lors de l'enregistrement de son troisième album (" House on the Hill "). La version ici est cependant totalement reconnaissable et l'un des points forts de l'ensemble.

La sortie CD récente et quelque peu tardive de l'album (appelée "Audience, le premier album") contient quelques pistes supplémentaires de la période. "Paper round" est un léger morceau de Traffic qui présente un joli changement de rythme à mi-chemin. "Troubles" a été la première chanson écrite par Werth, quand il avait 15 ans. Seule la piste d'accompagnement a été enregistrée à l'époque de cet album, donc Werth a enregistré les voix au milieu des années 1990 pour cette réédition.
 "The going song" est un morceau de la musique accessoire enregistré par le groupe pour un film intitulé "Bronco bullfrog", la musique n'ayant jamais été publiée précédemment.
Incidemment, la version de "Too late, I'm gone" incluse ici n'est pas celle qui figurait sur l'album original, mais celle qui mettait en vedette Mike D'Abo au piano. L'inclusion de cette version était à la demande de Howard Werth, qui nous assure que les différences sont par ailleurs minimes.

Au total, un premier album plutôt pop, mais qui contient des indications régulières et transparentes sur la suite. La qualité des chansons, des performances et des arrangements se combinent pour confirmer qu'il s'agit d'un groupe ambitieux avec le talent de transformer ces ambitions en succès.

Nelwizard

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Hair "Piece"
Ce groupe danois a sorti son seul LP en 1970 et l'album est sorti au Danemark et au Royaume-Uni. Les deux pressages originaux sont des objets de collection très rares de nos jours. Musicalement, le groupe joue un mélange de rock progressif à la guitare, de hard rock et de psychédélisme. L'album comprend également de très beaux claviers et je peux dire que j'aime vraiment leur son.
À mon avis, la face A est définitivement la plus forte ici. Toutes les chansons sont de haute qualité. La face B est plutôt correcte également, mais l'ouverture "Everything's Under Control" et cette longue reprise "Piece (Of My Heart)" sont deux des chansons les plus faibles du disque. Celles-ci sont également correctes, mais les autres pistes sont toujours plus intéressantes.
Dans l'ensemble, ce classique du rock progressif danois fait plutôt bien son travail et si vous êtes un fan de ce genre de musique, vous devriez jeter un coup d'œil à cet album, en particulier à cause de la forte face A.

CooperBolan

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Chick Churchill 1973 : You and me
En tant que membre fondateur de Ten Years After, le claviériste Chick Churchill a joué un rôle imminent dans ce groupe, du premier au dernier album.
Quand Alvin Lee a quitté le groupe, il a continué avec les deux derniers membres et un nouveau guitariste. Dans les derniers jours de la première période du groupe, il a publié cette sortie en solo, sur laquelle il joue des claviers, a écrit toutes les chansons, produit l'album et chanté sur quelques pistes, les autres ont été chantées par Gary Pickford-Hopkins du groupe de Rick Wakemans.
Avec l'aide de plusieurs musiciens invités, il a enregistré cet album solo en 1973. Il faut dire que son rôle dans Ten Years After est quelque peu éclipsé par le jeu de guitare d'Alvin Lee, qui a également écrit tout le matériel. Je ne sais pas si c'était une décision démocratique des membres de la bande, ou le processus naturel, comment les choses se passaient à ce moment-là, ou autrement. Alvin Lee pouvait facilement écrire de nombreuses chansons fortes en peu de temps avec la signature typique de TYA, et dominait le son avec son style si particulier.
Mais Churchill était plus qu'un simple bon claviériste. Écoutez par exemple son jeu de piano classique sur des morceaux de TYA comme "I Can't Live without Lydia" de Stonedhenge, son jeu d'orgue sur "Boogie On", son jeu d'orgue et de synthétiseur sur "Standing At the Station" où il brille vraiment.
Sur cet album, l'accent est mis sur les claviers bien sûr. Il y a quelques parties avec des guitares mais dans l'ensemble les morceaux sont faits autour du piano, de l'orgue, du mellotron et du Moog. Sa musique n'est pas comparable à celle de TYA et s'il avait été autorisé à composer ses chansons pour le groupe, les albums auraient été différents, peut-être trop différents du son de TYA.
Cet album est plus facile à écouter, en arrière plan, il fait référence entre autres à Wishbone Ash mais ce n'est pas la réalité, car ce groupe avait deux guitaristes principaux à l'avant et n'utilisait pas du tout de claviers. Ne le comparez à personne d'autre, je dirais, écoutez-le comme quelque chose de différent et appréciez. Il est fait avec amour pour faire de la musique par un musicien exceptionnel.

J. Talsma

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Zarathustra - Zarathustra 1972
L'unique album de Zarathustra est une totalité très solide. Il ne comprend que six pistes et, à mon avis, les chansons les plus longues et les plus courtes sont dans un bel équilibre. J'aime vraiment le son de ce groupe et ils ont réussi avec l'écriture des chansons. Même si les pistes les plus courtes sont toutes bonnes, les plus gros moments forts sont les morceaux les plus longs.
J'apprécie assez cet album. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un chef-d'œuvre de la scène prog/psych/krautrock allemande, il s'agit tout de même d'un LP très solide du début à la fin. Cela vaut la peine de vérifier si vous êtes un fan de krautrock ou si vous aimez un peu le rock progressif.

CooperBolan

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A Passion Play (1973)
Acte 1 : 1971. La chronique salue "Aqualung" comme un album conceptuel et progressif de qualité, ce qui a tendance à énerver passablement Ian Anderson qui se défend d'avoir donné dans le conceptuel ou le progressif.
Acte 2 : 1972. Avec beaucoup d'humour Ian Anderson livre "Thick As A Brick", un gros pavé parodiant les canons progressifs, de nouveau encensé par la critique qui ne décèle pas l'ironie qui se cache derrière ce disque.
Acte 3 : 1973. Se piquant au jeu, Ian Anderson revient avec un nouvel opus qui cette fois se réclame résolument de la mouvance progressive. La critique descend en flamme le disque, jugé pompeux et ennuyeux.

Il faut dire que "A Passion Play" n'est pas le seul à subir les foudres de la critique. La même année, des albums comme "Tales From Topographic Oceans" de Yes ou "Brain Salad Surgery" d'ELP sont étrillés par une critique haineuse, celle-là même qui encensait ces groupes l'année précédente. Après avoir vécu un trop court âge d'or, le rock progressif commence une rapide descente aux enfers pour sombrer dans un oubli médiatique dont il ne ressortira pas, ses figures de proue étant qualifiées de stars mégalomanes délivrant une musique prétentieuse et sans intérêt. "A Passion Play" fait à ce titre partie des dégâts collatéraux infligés à un style musical voués aux gémonies après avoir été porté aux nues.
Sorti du contexte passionnel de l'époque, qu'en est-il plus de quarante ans plus tard ? "A Passion Play" peut-elle revendiquer l'étiquette progressive ? Dans l'affirmative, est-elle aussi hermétique et ennuyeuse que ce que l'on en a dit ?
A la première question, la réponse est indubitablement oui : "A Passion Play" utilise tous les codes chers au rock progressif, sans que l'on puisse soupçonner Jethro Tull de les détourner à des fins mercantiles (ils auraient été mal inspirés) ou parodiques. La longueur (un seul titre dépassant les quarante minutes) ne suffit pas à le classer dans cette catégorie. Le découpage en seize chapitres explorant divers univers musicaux, l'utilisation tantôt de transitions amenées par de courts instrumentaux, tantôt de ruptures abruptes et inattendues, le recours à un thème récurrent que l'on retrouve dans 'The Silver Chord', 'Forest Dance #1' et 'Epilogue', l'alternance de douceur et de violence, d'harmonie et de chaos, de passages instrumentaux, chantés ou parlés, autant de procédés classiques aux longues suites progressives.

Concernant la qualité du disque, la réponse est plus nuancée. Jethro Tull sort de son terrain de jeux pour s'aventurer vers des espaces musicaux qui ne lui sont pas familiers. Il est étonnant de voir à quel point il converge par moments avec d'autres groupes phares de l'époque : ainsi la batterie simulant sur 'Lifebeats', le battement d'un cœur ne peut que rappeler l'introduction de "Dark Side Of The Moon" paru la même année, la prestation de Pink Floyd s'avérant cependant plus convaincante que celle de Jethro Tull. Les incessants changements couplés à une expression théâtrale parfois narrative renvoient l'écho du 'Supper's Ready' de Genesis. Plus étranges encore, sur 'Critique Oblique' et 'Overseer Overture', avec leur orgue menaçant et leur sax strident (joué par Ian Anderson), l'aspect chaotique et la noirceur de la musique, font immédiatement penser au diamant maudit du rock progressif, Van der Graaf Generator. Tout en gardant sa personnalité, Jethro Tull brouille les pistes. Ceux qui aimaient son rock dynamique et original, mais assez direct, risquent fort d'être perplexes devant ce morceau complexe et sombre nécessitant de nombreuses écoutes avant d'en découvrir le charme.
Par ailleurs, si la maestria de Ian Anderson à manier des styles différents, à marier avec subtilité les divers instruments de son groupe, à composer une musique innovante et riche, est indéniable, l'album manque de souffle épique, de l'étincelle de folie qui fait basculer un disque d'agréable à indispensable. Enfin, on peut regretter le curieux 'The Story Of The Hare Who Lost His Spectacles' au beau milieu du titre (sur le vinyle, il ouvrait la deuxième face), dont le trop long monologue exagérément théâtral sur fond de thèmes légers soulignant l'histoire, à la manière parodique d'un "Pierre et Le Loup" ou d'un dessin animé de Walt Disney, paraît quelque peu incongru.

Il n'en demeure pas moins que "A Passion Play" reste globalement un bon album et que la courte incursion de Jethro Tull dans le monde du progressif est plus qu'honorable et mérite de lui accorder une attention bienveillante.

CORTO1809

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Pure Prairie League, en quintuor, sort un nouvel album intitulé "Can't Hold Back" publié par RCA Records au Printemps 1979.
Ce fut le premier album à présenter la future star de la Country Music, Vince Gill, qui avait auditionné pour remplacer l'un des frères Goslin.
Il avait jammé avec le groupe et ils lui avaient immédiatement offert le poste de chanteur et de guitariste. Ils ne connaissaient pas Gill mais, selon Michael Reilly, "...Nous l'avions vu jouer en 1976 lorsque le groupe avec lequel il jouait avait ouvert pour nous à Oklahoma City...", remarque Reilly. "...Nous lui avons alors proposé le concert, mais il a dit:"...Oh non, je joue du Bluegrass...". Deux ans plus tard, il est venu à Los Angeles avec Byron Berline et Sundance, et après que nous avons encore jammé pendant quelques heures, nous lui avons offert le travail sur place et il a accepté...".

La plupart des morceaux sont des compositions originales des membres du groupe.
Le morceau "Jerene" est une belle mélodie instrumentale qui dure moins d'une minute: Jerene est le nom de la mère de Vince Gill et ce doit être l'un des morceaux les plus courts enregistrés dans la musique populaire.

Sur cet album, Pure Prairie League passe carrément du Country à la Pop, peut-être parce que le line-up du groupe avait beaucoup changé. Il y a bien une certaine saveur Country sur "Jerene", mais cette piste est tellement courte que ça ne compte pas vraiment.
La musique n'est pas mauvaise du tout; par contre ce n'est pas super non plus. "Can't Hold Back" n'est pas leur meilleur album, mais il se laisse écouter.

A noter que cet album s'avérera être leur dernier disque pour RCA. Ses ventes furent décevantes et le groupe quitta RCA et signa chez Casablanca Records, un label alors plus connu pour le Disco que le Country Rock.
Casablanca Records qui, à cette époque, essayait de minimiser sa réputation de label disco , avait signé Pure Prairie League et d'autres groupes non-dance sur sa liste en 1980.