Je dédie tout particulièrement cette Biographie à Fenyxx...Adieu CLAUDE
Colosseum est un groupe Britannique pionnier dans le Progressive Jazz Rock, mélangeant le Rock Progressif et un Jazz basé sur l'improvisation formé en Septembre 1968 par un trio de musiciens composé de Jon Hiseman, batteur de session avec Arthur Brown, remplaçant de luxe de Ginger Baker dans the Graham Bond Organisation, de Dick Heckstall-Smith
ancien saxophoniste du Blues Incorporated d'Alexis Korner, puis de The Graham Bond Organisation, et de Tony Reeves, ancien guitariste de The New Jazz Orchestra.
Après l'enregistrement et la sortie de l'album "Bare Wires" de John Mayall and The Bluesbreakers sur lequel ils jouaient tous les trois, Hiseman (né Philip John Hiseman, le 21 juin 1944 à Woolwich, Londres), Heckstall-Smith (né Richard Malden Heckstall-Smith le 16 septembre 1934, et mort le 17 décembre 2004) et Tony Reeves ( né Anthony Reeves le 18 Avril 1943 à New Eltham, Londres) décident de quitter Mayall et de voler de leurs propres ailes.
Dave Greenslade (né le 18 Janvier 1943), à l'orgue, est immédiatement recruté, et le line up est rapidement complété par Jim Roche à la guitare, bien que Roche n'ait enregistré qu'un seul morceau avant d'être remplacé par le guitariste chanteur James Litherland qui, grâce à sa tonalité vocale particulière, donnera une certaine ampleur aux compositions du groupe. Hiseman et Heckstall-Smith ayant tout deux joué ensemble dans le groupe de Graham Bond, Colosseum utilisera plusieurs des chansons de cette période.
Quant à Jim Roche, il rejoindra plus tard le violoniste Dave Arbus et son groupe très original, East of Eden avec lequel il apparait sur l'album "New Leaf".
Colosseum est un des groupes progressifs pivots qui ont émergé dans la deuxième partie des années soixante. Malheureusement pour eux, le monde progressif a été plus impressionné par The Nice et King Crimson, et c'est un peu le groupe le plus mésestimé du Rock Progressif.
Il est cependant acclamé par le public lors de ses débuts en live à Newcastle et il a été rapidement enregistré par l'influent DJ de BBC Radio 1, John Peel pour son programme Radio 'Top Gear'.
Cette apparition lui donne ainsi une opportunité précieuse à se faire connaitre et elle est acclamé par la critique auasiment unanime par le son impressionnant du groupe.
Brilliant et intemporel, leur premier album, "Those Who Are About to Die Salute You", sorti sur le label Fontana en 1969 est un merveilleux exemple de Jazz Rock intégré dans le Blues et il reste toujours aussi efficace et agréable aujourd'hui qu'il ne l'était à sa sortie.
Le titre 'Those Who Are About to Die Salute You' est la traduction anglaise de l'expression latine "morituri te salutant" que les gladiateurs adressaient à l'empereur avant le début des combats de gladiateurs.
"Those Who Are About To Die Salute You" est l'un des albums les plus intéressants et passionnants de son époque. Il est soutenu magnifiquement par les jeux des musiciens vraiment superbes, dont celui de Dick Heckstall-Smith merveilleusement punchy, exécutant brillamment des breaks de sax, et une série de fortes mélodies inoubliables qui, elles-mêmes, en font un disque hors du commun.
Mais ce qui le rend encore plus surprenant, c'est la manière dont il prend le British Blues 'standard' pour le transformer en quelque chose de très différent en incorporant des éléments importants du Modern Jazz et de la scène Rock Progressive émergente dans sa conception.
Bien sûr, certains morceaux sont peut-être un peu plus moyens que d'autres, en particulier "Beware the Ides of March", une sorte de ballade Progressive où chaque musicien démontre sa technique dans une cohésion quasi parfaite, mais même celui-ci ne dénature pas ce disque incroyablement puissant qui ne cesse jamais de pulser.
Quelques morceaux sont, somme toute, assez étonnants comme le magnifique "Debut", "Walking in the Park", "Plenty Hard Luck", "Backwater Blues" et "The Road She Walked Before".
Dans ce premier opus, Colosseum crée une fusion du Blues, du Rock et du Jazz qui a été souvent copié mais rarement égalé. Du morceau d'ouverture "Walking in the park" de Graham Bond jusqu'à "Those about to die" qui ferme cet album original, tout fournit un ensemble de qualité supérieure qui permet aux musiciens de s'exprimer pleinement. Le chant n'est jamais une priorité pour le groupe et on trouve quatre instrumentaux sur cet album qui sont: "Mandarin", "Beware the ides of march" and "The road she walked before" et "Those about to die".
"Debut" est la toute première chanson que Colosseum ait jamais joué en tant que groupe. Tony Reeves se souviendra plus tard que "[«Debut»] était en fait une phrase que je me souvenais de Mick Taylor jouant avec John Mayall, et je l'ai changé un peu en une ligne de basse...Et puis tout le groupe s'est joint. - c'est ce qui arrive pendant les répétitions - donc techniquement, vous devriez avoir le nom de tout le monde dans le crédit par écrit, y compris, je suppose, Mick Taylor"...
"Mandarin" a commencé à partir d'une série de sketches de Dave Greenslade basé sur une graduation japonaise douce. Tony Reeves a compilé ces sketches dans le thème principal et il a arrangé la chanson.
3Those Who Are About to Die Salute You" est apparu rapidement dans les Charts et un single, "Walking in the Park", en a été tiré pour promouvoir l'album. L'album a atteint le numéro 15 dans les UK Albums Charts.
Tout au long de ses deux premières années d'existence, le groupe a fait des nouvelles conquêtes et des victoires.
En Mars 1969, Colosseum joue au 'Supershow', une jam session de deux jours enregistrée, avec Modern Jazz Quartet, Led Zeppelin, Jack Bruce, Roland Kirk Quartet, Eric Clapton, Stephen Stills, et Juicy Lucy.
Ils se sont imposés comme des favoris fermes sur le continent avec un grand nombre de passages à la télévision et de concerts, dont le Festival de Prague, en Novembre 1969.
A noter: Il faut savoir que cet album est sorti aux Etats Unis avec une pochette différente:
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Et une 'tracklist' un peu différente:
1-The Kettle
2-Plenty Hard Luck
3-Debut
4-Those Who Are About to Die Salute You
5-The Valentyne Suite
6-Walking in the Park
Seulement quelques mois après ce premier opus, après une tournée Américaine en Août / Septembre 1969, sort le deuxième album du groupe, "Valentyne Suite" en Novembre 1969, lançant par la même occasion le nouveau label progressif de Philips, Vertigo qui sera le premier label à signer les pionniers du Heavy Metal, Black Sabbath.
"Valentyne Suite" est considéré comme leur meilleur. Il semble mature et varié avec un titre "Valentyne Suite" épique comme le point culminant: Il est mis en place autour d'un solo époustouflant de l'orgue Hammond par Dave Greenslade et un grand travail à la guitare par James Litherland. Et Dick Heckstall-Smith offre un superbe travail de saxo ténor.
C'est un véritable chef d’œuvre où le groupe explore tous les styles, du Rock de "The Kettle", qui ouvre l’album en passant par un Jazz Rock innovant puisant ses racines dans le Blues.
Colosseum est alors à l'apogée de sa créativité artistique et contrairement au premier album, il privilégie plus la mélodie au détriment de la virtuosité de chacun des musiciens.
Ce qui fait tout le charme du morceau "Valentyne Suite" qui s'étale sur une face entière du disque.
Mouvement en trois thèmes, c'est une construction progressive ambitieuse et tout particulièrement réussie. La technicité de chaque musicien est mise au service d’une recherche collective mélodique particulièrement inspirée.
Dans ce disque, le groupe dépasse toutes les frontières et les codes du Rock, puisant aussi bien dans le Blues que dans le classicisme, et entrouvrant une porte vers de nouveaux horizons musicaux.
Bien que la chanson "The Kettle" soit officiellement considérée comme ayant été écrite par Dick Heckstall-Smith et Jon Hiseman, crédit confirmé sur le livret d'Hiseman pour l'album, le bassiste producteur Tony Reeves prétendra plus tard qu'elle a été écrite par le guitariste chanteur James Litherland.
"The Valentyne Suite" a été écrit avec "Beware the Ides of March" comme le dernier mouvement, mais depuis; "Beware the Ides of March" ayant déjà été publié au Royaume Uni sur "Those Who Are About to Die Salute You", "The Grass is Always Greener" a été remplacé par le dernier mouvement dans le disque du Royaume Uni.
Encore une fois comme pour ke premier album, ce nouveau disque bondit dans les charts et"Valentyne Suite" atteint le numéro 15 dans le UK Albums Chart.
En Janvier 1970, Colosseum, complété par the New Jazz Orchestra composé de dix membres, fait ce qui était sans doute la 'performance hors concours' du Lanchester Arts Festival.
Cela conduit à une série de concerts couronnés de succès en Mai.
Pendant ce temps un autre album, sorti en Avril 1970 spécialement pour les États Unis, "The Grass is Greener" a été reçu avec des critiques extatiques.
Contrairement aux autres albums, il n'est sorti qu'aux États Unis, sur le label Dunhill / ABC. Il a été conçu comme une alternative de "Valentyne Suite" aux États Unis en Novembre 1969, avec une variante de couleur bleu-vert de la pochette de celle-ci et avec un nouveau guitariste chanteur Dave "Clem" Clempson en remplacement de James Litherland. Sur le verso de cette pochette, à noter que Hiseman a son prénom mal orthographié transformé en "John".
Il dispose de quatre morceaux enregistrés avec Clempson à l'Hiver 1969 ("Jumping Off The Sun", "Lost Angeles", "Rope Ladder To The Moon," "Bolero"), trois autres à partir de "Valentyne Suite" mais avec des parties vocales et la guitare de Clempson ("Butty's Blues," "The Machine Demands A Sacrifice", "The Grass Is Greener") à la place de James Litherland, et une chanson, "Elegy", qui semble être la même que l'originale de "Valentyne suite", avec le chant de Litherland.
"Jumping Off The Sun" est une chanson très intéressante chargée d'ambiance électrique et de cloches, mais la voix Clempson ne peut malheureusement pas rivaliser avec celle de Litherland.
"Lost Angeles" est encore une autre idée très intéressante mais pas très bien exploitée, car en comparaison de la version étendue qui se trouve sur "Colosseum Live", elle parait un peu pâle, mais c'est quand même une bonne version.
"Butty’s Blues" est une autre chanson de "Valentyne Suite", mais différente de la version précédente, car le chant de Clempson ne vaut toujours pas celui de Litherland et l'orchestration est plus restrainte.
L'instrumentation de "Rope Ladder To The Moon" signée Jack Bruce / Pete Brown est superbe, mais la version live avec Chris Farlowe est beaucoup plus impressionnante. A noter que c'est la seule chanson où Dave Greenslade joue du Mellotron.
"Bolero" pourrait bien être le premier exemple de la pièce de Ravel avec instrumentation Rock, quelques mois avant King Crimson et deux années complètes avant Emerson, Lake and Palmer. C'est probablement la meilleure version des trois, car c'est la plus éloignée de la monotonie de l'original de Ravel.
"The Machine Demands A Sacrifice" est une version plus courte que la version de "Valentyne Suite".
La dernière chanson "The Grass Is Greener" est le troisième mouvement de "Valentyne Suite" qui était sorti en Amérique du Nord comme "The Ides Of Mars" sur le première version du Royaume Uni.
Le disque a été remasterisé et il est sorti comme un disque bonus en 2003 en édition CD deluxe de "Valentyne Suite" sur le label Sanctuary Records.
Comme ils ont continué à faire des apparitions en tête d'affiche dans toute l'Europe, ils ont été nommés "Groupe de l'année" en Allemagne. En mai 1970, Tony Reeves quitte le groupe pour poursuivre sa carrière de producteur de disques, et après une longue recherche, Colosseum trouve un nouveau bassiste extraordinaire appelé Mark Clarke, originaire de Liverpool.
Mark Clarke arrive alors que les sessions pour le prochain album ont déjà commensées et un grand pas est franchi en Septembre 1970, quand Jon décide d'ajouter un chanteur au line up, afin de compléter le côté instrumental du groupe, et après bien des essais exhaustifs avec des chanteurs très différents, la capacité inattendue est trouvée avec un homme avec lequel Dave Greenslade avait déjà joué, quelqu'un dont la voix s'adapte exactement à Colosseum, Chris Farlowe. Il se joint au groupe juste à temps pour permettre à Clempson de se concentrer sur la guitare.
"Daughter ot Time", sorti sur le label Vertigo en Novembre 1970, s'oriente vers un style Rock plus Progressif et en ajoutant des influences de Jazz classique et de musique de chambre.
Il a été enregistré au cours de l'Eté 1970 aux Lansdowne Studios, à Londres.
Le line up a changé avec le début du nouveau chanteur Chris Farlowe, Dave "Clem" Clempson à la guitare, et Mark Clarke à la basse, bien qu'il ne joue que dans trois chansons ("Three Score and Ten, Amen", "Theme for an Imaginary Western"et "Downhill and Shadows"; le reste étant joué par Louis Cennamo, membre de Renaissance qui prend la basse sur certains morceaux avec une main plutôt Heavy).
Les autres membres sont les mêmes que sur les enregistrements précédents: le batteur et leader du groupe, Jon Hiseman; le saxophoniste Dick Heckstall-Smith, et Dave Greenslade aux claviers.
Un concept album librement inspiré de la fascination de l'homme et de l'attrait pour la guerre à travers les âges, "Daughter of Time" contient tous les éléments nécessaires pour créer un album de Prog Rock pur.
Le disque se veut plus Rock que les précèdents, mais il garde cependant toute sa dimension lyrique. Si la structure Jazz Rock est toujours présente, elle est moins ambitieuse, et de fait, peut-être moins passionnante.
Une multitude d'instruments se combinent parfaitement pour créer un mélange brillant de la musique sur chacune des huit chansons. Des accélèrations dynamiques de trombone, de trompette, et de flûte sont amenées au niveau de chaque chanson, qui cède alors la place à certains instruments de Jazz Fusion.
Un chant grégorien ouvre le premier titre de prog Rock lyrique."Three Score And Ten, Amen" où se font entendre les excellents et profonds bocaux de Farlowe, un grand solo de wah-wah de Clempson, Greenslade et son vibraphone et un passage où le saxophoniste Heckstall-Smith parle "Run swiftly down the tunnel of time.." Un passage de travaux oraux de Dick qui crée une aura mystérieuse car sa voix se fait l'écho sur la venue de l'apocalypse. Il est possible que le titre de la chanson puisse avoir été inspiré par une phrase biblique dans le livre des Psaumes ou peut-être à partir du "Macbeth" de Shakespeare.
"Time Lament" écrite par le duo Greenslade / Hiseman possède une intro étendue où la combinaison du piano, de saxophone et s'une section de cordes se marient parfaitement. Après le deuxième couplet, le tempo se ramasse, et ce qui suit est un grand ensemble de mélodies dans la jazz-fusion!
Greenslade montre son jeu de piano d'inspiration classique au début de la chanson suivante intitulée "Take Me Back To Doomsday". Le guitariste Clempson se met à chanter de façon très différente de la voix profonde de Farlowe et ensuite apparait quelques travaux de flûte de la femme de Hiseman , Barbara Thompson. Le jeu de batterie de Hiseman est un régal à écouter.
"Theme For An Imaginary Western", une autre chanson du tandem Jack Bruce / Pete Brown est la seule reprise de l'album avec le jeu de basse caractéristique de Clarke. Sur "Theme For An Imaginary Western", la voix de Chris Farlowe prend toute son ampleur, amenant le morceau dans les plus hautes sphères du Blues.
"Bring Out Your Dead" est un instrumental qui montre l'influence classique du groupe. La mélodie principale est jouée par le saxophone, l'orgue, et la guitare à l'unisson. Un peu de vibraphone se fait entendre quand le passage est calme. Hiseman frappe sur un gong à la conclusion du morceau.
"Downhill And Shadows" est un de ces airs de blues standard de l'époque. Le saxophone de Heckstall-Smith rend cette chanson unique avec sa superbe intro et Clempson est en pleine forme à la guitare. La guitare passe au premier plan comme sur "Downhill and Shadows", Blues Rock fertile en divagation guitaristique,
A propos de la super technique de la batterie, Hiseman arrive pour clore l'album avec "Time Machine", un solo de batterie incroyable en quelques huit minutes enregistré en Juillet '70 au Royal Albert Hall.
Un orgue riche et du vibraphone peuvent être entendu derrière "Three Score and Ten Amen" et "Take Me Back to Doomsday", ajoutant au thème mélancolique. Pour contrer celà, des arrangements de cordes magnifiques composés de violon, d'alto, et de violoncelle sont utilisés efficacement pour évoquer l'humeur, et c'est un excellent travail. Même un bugle se met à retentir de temps à autre au dessus des tambours accentués.
"Daughter of Time" atteint le numéro 23 dans le UK Albums Chart.
En Juin, Colosseum revient d'une tourbée en Italie, en Suisse et sa troisième tournée de l'Allemagne pour la sortie de "Colosseum Live", un double album sur le label Bronze, qui avait été enregistré au cours d'une tournée de collège en Février.
En Mars 1971, le groupe a enregistré ses concerts au Big Apple Club à Brighton et à l'Université de Manchester. Hiseman a été impressionné par l'atmosphère du show de Manchester, et le groupe y est retourné cinq jours plus tard pour un concert gratuit qui a également été enregistrée.
Les enregistrements ont donc été publiés dans un double album "Colosseum Live" en 1971, peu de temps avant que le groupe ne se sépare, permettant de garder un témoignage réussi de Colosseum. Les morceaux enregistrés à l'Union des étudiants de l'Université de Bristol ont également été utilisés sur l'album.
Colosseum est, avant tout, un groupe de scène et cet album rocke!
Du glorieux "Rope Ladder to the Moon" au magnifique "Lost Angeles", avec un superbe travail à la guitare de Clemson, on ne s'ennuit pas une seule seconde. C'est l'un des grands albums live des années 70.
Une excellente musicalité et des chansons quasiment fabuleuses font de cet album un must pour tout fan de Rock. Étonnamment bien enregistré, il met en valeur la musicalité de ce groupe bien rôdé pour jouer incroyablement bien ensemble.
Dick Heckstall-Smith est incroyable avec ses nombreux saxophones et il joue parfois de deux sax à la fois, Dave Clempson est un brillant guitariste, Dave Greenslade est un organiste hors pair, Jon Hiseman à la batterie est la pièce centrale, il semble avoir quatre bras, Mark Clarke joue d'énormes lignes de basse, sans oublier la voix énorme de Chris Farlowe, la 'VOIX', qui est absolument parfaite dans ce contexte, avec un profond sens du Blues: n'importe lequel de ces musiciens aurait probablement pu entré dans n'importe quel groupe à l'époque sans aucun problème.
L'éclat individuel de chacun des musiciens ressort dans l'unification d'un son puissant et intelligent.
C'est vraiment un chef-d'œuvre. Les six titres du double album original sont sans aucun doute une expérience musicale intense.
Les morceaux sont un mélange de chansons d'autres personnes brillamment interprétées comme "Rope Ladder to the Moon", de Colosseum, comme "Skelington", "Tanglewood" et "Lost Angeles" et quelque Blues tonitruant comme "Stormy Monday".
"Rope Ladder to the Moon" qui est meilleure que l'original est une version ingénieuse de la chanson de Jack Bruce. Le jeu de batterie d'Hiseman est la classe pure et tout ce que joue Jon est un support indispensable pour le reste du groupe. Cette chanson possède dans sa partie centrale un long passage du saxophone de Dick Heckstall-Smith et des solos de Hammond de Dave Greenslade,
Elle est suivie par leur version du classique de Graham Bond "Walking in the Park", tandis que le bluesy "Skelington" est dominé par le solo fantastique à la guitare de Clem Clempson.
"Tanglewood '63" est un morceau multi-imbriqué avec beaucoup de changements de mélodie et long solo de saxophone.
"Encore... "Stormy Monday Blues" est une super version du Blues de T-Bone Walker...
Le travail à la basse de Marc Clarke a toujours été largement sous évalué et, pourtant, son jeu est plus qu'à la hauteur sur, par exemple, ce grand moment qu'est "Lost Angeles". La grande classe! Les entrelacements des claviers de Dave Greenslade, le travail étonnant de Dick Heckstall Smith au saxophone et la voix puissante de Chris Farlowe, appuyés par la superbe section rythmique irréprochable est menée par la basse pour le solo de guitare le plus magnifiquement construit.
Bref, un album live à possèder absolument!
Après cela, ce fut la séparation du groupe!
-Jon Hiseman forma Tempest avec le bassiste Mark Clarke,
http://rock6070.com/forum/viewtopic.php?t=1670
Jon Hiseman à gauche, Ollie Halsall et Allan Holdsworth au centre -Dave Greenslade forma Greenslade avec Tony Reeves,
viewtopic.php?t=3530&highlight=bio
-Clem Clempson rejoignit Humble Pie,
http://rock6070.com/forum/viewtopic.php?t=3001
Steve Marriott, Jerry Shirley, Greg Ridley, Clem Clempson-Chris Farlowe rejoignit Atomic Rooster,
viewtopic.php?t=5445&highlight=bio
-et Dick Heckstall-Smith entreprit une carrière solo.
Transition: COLOSSEUM II 1975 / 1977A la disparition de Tempest, Hiseman reforme un groupe sous le nom de Colosseum II en 1975, avec une forte orientation vers le Jazz Rock Fusion et un nouveau line up, mettant en vedette le guitariste Gary Moore, et Don Airey aux claviers.
Ils ont sorti trois albums avant de se séparer en 1978.
Hiseman a annoncé qu'il formait ce groupe, par la suite appelé Colosseum II, en Novembre 1974, mais seul Gary Moore était nommé.
Les répétitions devaient commencer le 1er Janvier 1975, mais une unité permanente n'a pas été finalisé avant le mois de Mai 1975.
Parmi les musiciens qui ont presque fait le groupe se trouvaient Graham-Bell, Duncan Mackay et Mark Clarke. Le line up a été complété par Don Airey, Neil Murray et Mike Starrs.
Le groupe était orienté vers le Jazz Fusion, dont une grande partie était basée autour du travail de guitare de Moore, conduisant à un son beaucoup plus Heavy que Colosseum, premier du nom.
Le premier line up de la nouvelle version de Colosseum comprend le chef d'orchestre et virtuose Jon Hiseman (batterie et percussions), Gary Moore (guitares électriques et acoustiques, voix), Don Airey (Fender Rhodes, piano acoustique, ARP Odyssey, ARP Solina string synthesizer, mini-moog, orgue Hammond et clavinet), Mike Starrs (lead vocal) et Neil Murray (basse).
Ces gars-là sont tout simplement de fantastiques musiciens, avec Jon Hiseman en leader incontesté.
Ce nouveau groupe, Colosseum II met tout d'abord en vedette son batteur, Jon Hiseman, toujours aussi bon, et toujours aussi mestimé, les talents incroyables du Maestro es claviers Don Airey (actuellement avec Deep Purple, où il remplaça un certain Jon Lord) et, surtout, le guitariste virtuose sur manche de feu: Gary Moore, âgé de 22 ans. Aujourd'hui mieux connu pour avoir joué avec Whitesnake et Black Sabbath, le bassiste Neil Murray a tendance à se voir accorder moins de crédit que les autres, mais pourtant, avant de rejoindre Colosseum II, Murray avait joué de la basse avec un groupe de Canterbury appelé Gilgamesh, et plus tard il se joindra à National Health, pour prendre la place qui aurait dû être occupé par Richard Sinclair. La compétence musicale de quelqu'un qui peut tenir à la fois avec Jon Hiseman et Pip Pyle ne peut pas être si facilement ignorée.
Gary Moore est un très bon guitariste et, bien qu'il favorise la distorsion qui rend un ton déformé sur la guitare électrique, il utilise aussi des sons clairs et il travaille les textures d'une guitare classique. Don Airey contribue de manière significative aux moments les plus complexes sur l'album et son utilisation des synthétiseurs prête à la musique une sensation assez prog-rock, avec des moments forts sur l'orgue Hammond et les solos sur le piano acoustique.
En Avril 1976, le premier LP intitulé "Strange New Flesh" sort sur le label Bronze Records; il a de beaux moments, mais il semble un peu précaire. Bien sûr celà ne vaut peut-être pas les meilleurs travaux faits par un petit bouquet de groupes de Fusion très intéressants dans les années 70 comme Mahavishnu Orchestra, Return to Forever ou encore Weather Report, par exemple, mais cet album vaut tout à fait la peine d'être écouté pleinement!
Afin de souligner les connections avec le Hard Rock, les notes de pochette indiquent que Neil Murray avait déjà jamé à la fois avec Whitesnake et Black Sabbath, tandis que Don Airey va jouer avec Rainbow. A L'écoute de la musique de cet album, tout cela parait parfaitement logique.
Tout d'abord en ce qui concerne le style de guitare électrique souvent inspiré des guitaristes importants, tels que Jeff Beck, par exemple, mais aussi des lignes mélodiques, il est très importantes pour quelques groupes de Hard Rock Britanniques dans la veine de Rainbow et Blackmore, en général, de parler de leur phrasée.
Même si le présent album n'est pas défini du tout, c'est une sorte de 'travail hybride', et après toutes les petites perles faites par Colosseum, Colosseum II se doit d'avoir une certaine unité musicale.
Néanmoins, ce premier line up, avec Jon Hiseman, Gary Moore et Don Airey, est en mesure de donner au Hard Rock Britannique une importance majeure, ou plutôt, une sorte d'amélioration et c'est assez pour évaluer leur effort comme un ensemble intéressant à écouter.
Contrairement à d'autres groupes de Jazz Rock, si Colosseum II n'a pas commencé comme une formation purement instrumentale, il a enrôlé les talents vocaux de l'ancien chanteur de Cozy Powell's Hammer, Mike Starrs. Pour beaucoup de gens, la présence parfois écrasante de la voix pourtant excellente de Starrs porte atteinte à l'éclat d'ensemble instrumental de l'album.
Leurs influences prédominantes de style Blues / Hard Rock, ressemblent parfois à des lieux communs des années soixante-dix, mais surtout leur utilisation intelligente du synthé Solina et aussi les solos au piano acoustique, connectés à quelques textures classiques, parfois remplacés par des tons déformés, est devenu une "marque de fabrique" de Gary Moore, avec un certain sentiment affectif dans les parties vocales.
En fait, musicalement, cet album est à cheval sur le Rock Progressif, le Jazz Rock et le Hard Rock bluesy. Enfin, alors que l'accent est mis sur des riffs rapides joués sur des rempos à tombeau ouvert, le groupe réalise de belles choses avec l'utilisation de contrastes dynamiques (guitare acoustique et piano), les passages vocaux et les belles couleurs sonores du synthétiseur.
En effet, avec "Strange New Flesh", nous sommes plongés dans un bouillant Jazz Rock Fusion qui est relativement typique de la fin des années mi-70, où les virtuoses montrent leurs talents, par opposition au début de la décennie plus axé uniquement sur le Jazz Rock.
Ce magnifique album est un chef-d'œuvre. Il possède des compositions solides, des mélodies bien structurées, un équilibre optimal entre la mélodie et l'improvisation, une grande musicalité, d'excellentes performances et une superbe production.
Pour tout dire, ce disque est plus varié que les deux albums ultérieurs de Colosseum II avec plusieurs morceaux vocaux. Le groupe se permet d'être plus subtile et doux sur quelques titres donnant aux parties les plus chargées de bien meilleurs effets.
Les influences ne sont pas seulement du Jazz, il y a plusieurs moments funky géniaux et d'autes plus émouvants plein de Soul.
Les vocaux sont Soul et assez bon aussi, quoique peut-être un peu trop typés.
Don Airey est énorme aux claviers et Gary Moore brille à la guitare, mais le grand chef, le leader incontesté reste le maestro es batterie, Jon Hiseman.
L'ouverture de cet album rend, en quelque sorte, un hommage humoristique à Pink Floyd avec leur bien conçu "Dark Side Of The Moog", dévoilant prouesse musicale et sophistication instrumentale. Emblématique et instrumental, c'est probablement le meilleur morceau des trois albums de Colosseum II: il commence comme du Emerson, Lake and Palmer, et se développe comme du Mahavishnu Oechestra, amors que Return To Forever n'est également pas loin. Plein d'énergie avec de fréquentes tempos changeants, c'est une piste instrumentale puissante et euphorisante.
Il possède un éblouissant et puissant travail de clavier / moog conjugué avec une guitare magnifique. Le solo de clavier est vraiment fascinant quand il est joué à toute vitesse et combiné avec une grande guitare électrique et cette collaboration Don Airey / Gary Moore domine pleinement ce morceau.
Moore a écrit la plupart des titres de l'album, à l'exception d'une reprise de Joni Mitchell, "Down to You", apparemment un choix étrange, mais plutôt réussi, en particulier avec la performance vocale passionnée de Mike Starrs et la guitare mélodique de Moore.
C'est un morceau agréable, une chanson douce, qui comporte un passage d'improvisation énorme aux claviers par un éblouissant Don Airey.
Après la voix dramatique servie par Starrs dans la première strophe, contrastant fortement avec les suivantes, il est clair que Starrs n'était pas dans le groupe qu'il lui fallait. La musique est fortement influencée par un mélange de Rock classique, de Jazz et de musique Classique.
La musique se déplace ensuite vers un optimiste "Gemini and Leo" qui est surtout une affaire de cloche funky jouée par un super Hiseman. C'est une chanson intéressante dans laquelle la musique est fortement influencée par le Jazz, le Rock funky avec beaucoup d"énergie.
Le style de chant de Mike Starr dans cette chanson est vraiment superbe. Il sonne un peu comme Glenn Hughes dans ses années historiques de Trapeze.
La ligne de basse faite par Neil Murray est également excellente et la section rythmique propulsive, Hiseman et Murray, est magistrale, mais c'est encore Moore et Airey qui volent vraiment la vedette.
"Secret places" est aussi réalisée dans la même veine que le morceau précédent sur un tempo relativement modéré.
Le solo de guitare électrique est plus dans une veine de la musique Rock classique, mais le style de chant est dans un style jazzy et funky surtout quand il est accentué par les sons du clavier.
Suit "On second thoughts", qui est une chanson douce avec un agréable toucher à la guitare électrique dès son intro. Encore une fois, le style de chant de Starrs est excellent, accompagné qu'il est par une musique jouée par un clavier.
Le solo de guitare électrique pendant l'intermède est complètement fascinant.
La chanson qui conclut l'album, "Winds" est une épopée de plus de dix minutes haut en couleur qui centralise tout ce qui est formidable à propos de ce disque, en même temps un côté jazzy et un autre Hard, avec des changements de rythme complexes et un magnifique son de guitare.
C'est un morceau très énergique et émouvant vraiment fabuleux qui s'ouvre avec un solo de percussions fantastique de Jon Hiseman. La ligne de basse est dynamique, accompagnée d'un travail au clavier et d'une guitare électrique qui ont du punch. Le travail à la batterie par Jon Hiseman est toujours aussi éblouissant et la voix de Mike Starrs est très puissante...
C'est l'une des meilleures chanson du disque!
Colosseum II a toujours été un peu sous-estimé. Après des ventes décevantes du premier album, Murray et Starrs sont limogés sans ménagement par le label Bronze en Juillet 1976.
Le groupe continue avec un nouveau label et un nouveau bassiste appelé John Mole, et il enregistre deux autres albums largement instrumentaux qui ont été autant d'échecs commerciaux... Et pourtant!...
La chimie est là: une fusion instrumentale de Jazz, de Rock, de symphonique et de classique, se trouve sur les excellents albums "Electric Savage" (1977) et "Wardance" (1978).
Ces deux disques contiennent huit compositions captivantes en alternance avec une batterie puissante et inventive, un jeu de basse solide et propulsive et une coloration de claviers de bon goût (orgue Hammond, piano Fender Rhodes, Solina string-ensemble).
Mais l'accent est mis sur le jeu de guitare de Gary Moore: une guitare espagnole et de nombreux solos ardents et mordants de guitare électrique et de passionnantes interactions avec des envols éblouissants du Minimoog de Don Airey. Gary Moore sonne beaucoup plus créatif et plus subtile qu'il ne l'a jamais été avec Thin Lizzy ou plus tard, sa "période de Blues".
"Electric Savage" parait en Juin 1977 sur le label MCA Records.
Sur ce disque, Colosseum II apporte l'agression du Rock métallique avec la précision de la 'symphonic Jazz Fusion' comme aucun autre, pas même Mahavishnu, et le résultat est l'une des sessions les plus électrisantes jamais entendues. De la dynamite absolue.
Et surtout, le plus important, c'est que le groupe est devenu une bête quasi-instrumentale, ce qui, pour son genre de musique, lui convient le mieux.
Presque instrumentale parce que Gary Moore chante sur un morceau, sonnant un peu comme Steve Winwood, mais Colosseum II n'a pas besoin de chanteur!
Si la plupart de la musique est toujours écrite par Gary Moore, il y a une tendance vers plus de démocratie avec deux co-écritures de Airey, tandis que Hiseman en co-écrit quatre.
L'album a été enregistré en sept jours, pratiquement sur une base 'live in the studio'. Eh bien cet enregistrement ne déçoit en aucun cas, de l'introduction du frivole Rock funky de "Put It This Way" à la fin céleste "Strut Intergalactique", la musique est électrique et sauvage, comme indiqué dans le titre de l'album.
C'est du Jazz Rock de haute puissance avec l'accent sur le Rock!
Une des grandes caractéristiques de l'album se trouvent être les joutes entre les claviers d'Airey et la guitare de Moore en particulier sur "The Scorch" et "Desperado". La musicalité est exceptionnelle avec un John Mole qui sait garder le tout ensemble avec sa Fender Jazz Bass et le maestro Jon Hiseman."All Skin and Bone" en est la preuve flagrante.
Toutefois, c'est finalement Gary Moore, qui obtient la meilleure note. Sa vitesse et sa précision sont incroyables et alors que "Lament" et "Intergalctic Strut" présentent ses lettres de créance de Dieu guitare, des morceaux comme "Put It This Way" et "Desperarado" affichent son talent tout azimut.
Ouvrant sur des lignes de guitare façon Steve Hackett, "Put It This Way" plonge la tête première dans le Hard Fusion rempli de riffs électriques. Le morceau n'a pas de nom vraiment convaincant mais la musique démontre le genre de calibre des musiciens impliqués. Gary Moore joue de façon inattendue un rôle pivot dans la composition entière de ce morceau, ainsi d'ailleurs que l'album entier.
Les pistes sont relativement courtes, mais concises et mortelles, même parfois lourdes et brumeuses, comme la délicieuse "All Skin and Bone" qui est un morceau de percussion fantastiquei utilisant le même style de guitare que le titre précèdant et c'est probablement le moment fort de l'album. Il commence comme de la musique d'ambiance avec l'exploration d'un gong par Jon Hiseman. La musique comporte un solo de guitare avec une section rythmique stable, mais avec un travail à la batterie énergique et inventif de la part d'Hiseman. Mole garde les choses terre à terre et Airey décore joliment le tout.
"Rivers" est la seule chanson chantée de l'album, et elle ressemble à du Steve Winwood. C'est une bonne chanson de Garry Moore, sa voix fine donnant un démenti à l'idée que c'est un album totalement instrumental. Ce morceau fait penser à ses ballades merveilleuses telles que "Empty Rooms" ou "Still Got the Blues" même si l'orchestration est différente.
Airey prend enfin le rôle principal de "The scorch", une sorte de "Abadon's bolero" comme entraînement au synthé. Le groupe montre une orientation plus progressive et cette chanson en est le premier exemple; le groupe se déplace à travers une série de motif rythmique et d'arrangements mais surtout il le fait en fureur, comme indique son titre. Sortie très classique de ce morceau et d'un quatuor brillant, surtout Hiseman.
"Lament" est plus proche des influences bluesy de Moore, sa guitare rendant en écho le son de la cornemuse sur ce joli morceau de réflexion. Cela semble juste une facette un peu pompeuse de leurs arrangements prog, un peu la suite logique de "The Scorch". C'est un morceau traditionnel arrangé par le groupe et ça marche, les cloches tubulaires et le reste vehiculant une émotion pure, dans toute la splendeur de l'électronique moderne avec un super solo de guitare.
La prochaine étape, "Desperado" revient à l'improvisation des deux premières chansons. C'est un retour à la fusion du départ. Elle mélange la vitesse de Jazz Rock Fusion et des styles de musique brusque mettant en vedette un grand soliste: l'étourdissement solo de guitare électrique de Gary Moore et la rapidité sur les claviers de Don Airey. La virtuosité de Jon Hiseman ne se dément pas sur cette chanson. Son travail n'est pas seulement d'augmenter le bon déroulement de la musique et de garder le rythme, mais il inclut également de donner de la texture de la musique. "Desperado" est le meilleur morceau prog de l'album.
L'album se termine sur deux compositions d'Airey, la première "Am I" est un grand morceau qui va crescendo, où Don et Gary échangent des solos sauvages emmenés sur un mid-tempo et des couches de synthés de fond, tandis que son alter ego "Intergalactic Strut" brille parmi un millier de galaxies:
"Am I" fournit une sorte de pause musicale parce que la chanson commence par une tempo lent, avec de simples claviers et de la guitare. Quand la guitare entre en scène, elle emporte la musique dans des notes plus élevées dans un style un peu bluesy. Le solo de guitare électrique est vraiment superbe, complété par des accords de clavier dans un style de rythmes jazzy.
L'album se termine avec "Intergalactic strut", où le groupe fonce de manière efficace pour atteindre la ligne d'arrivée à une vitesse vertigineuse. Ce morceau commence merveilleusement avec un travail éblouissant par Hiseman sur sa batterie. Son style est vraiment dynamique et énergique. Cette chanson offre un tempo de Jazz Rock Fusion relativement rapide avec une partie intermèdiaire avec un solo de guitare en tempo moyen. Mais la musique devient alors plus complexe et rapide lorsque les claviers jouent en solistes dans le style tempo rapide. C'est un des grands changements de tempo qui combinent différents styles.
En conclusion, "Electric Savage" est certainement le meilleur album de Colosseum II musicalement parlant et c'est un Must!
Troisième et dernier album avec le même line-up que sur l'album précèdant, sorti la même année et sur le même label (Novembre), "Wardance" cloture les incursions d'Hiseman en territoire Rock, car il se concentrera sur le Jazz à l'avenir.
Cet album est de la même qualité musicale que "Electric Savage", mais, alors que la production est légèrement en avance sur ce disque, au niveau composition, il est un pas en arrière.
Le court laps de temps entre les deux derniers albums n'a pas permis la pleine réalisation de toutes les chansons, et ça se voit.
Dans l'ensemble, cet album est important historiquement parlant car on peut le considèrer comme l'un des exemples du début du proto metal fusion.
"Wardance" semble plus mature que les deux albums précèdants. La section rythmique est toujours aussi étonnante, avec un son dynamique et propulsif.
Don Airey joue beaucoup de grands solos (Minimoog, Fender Rhodes, orgue Hammond) et Gary Moore offre son meilleur travail, son jeu de guitare est plus varié et subtile que lors de ses jours blues et heavy metal (un solo piquant trempé de wah-wah dans "Star Maiden / Mysterioso / Quasar" et un duo époustouflant de guitare en overdub entre une guitare espagnole et une fougueuse guitare électrique). Mais l'élément le plus passionnant sur cet album est l'interaction entre les envols spectaculaires de Don Airey au Minimoog et Gary Moore à la guitare électrique mordante.
Un album de pures virtuoses et une partie de démonstration la plus impressionnante que quatre mucisiens puissent faire pour prouver que la musique n'a pas de limites en termes de créativité et d'imagination. C'est le dernier album de Colosseum II: Jon Hiseman, l'instigateur de ce projet avait fini par trouver dans les trois autres gars le parfait line up pour prouver que des musiciens Britanniques pouvaient produire de la Fusion Music de haute qualité avec un plus de racines Rock à la base;
Le nouveau territoire que Colosseum II avait commencé à explorer à l'époque était tout à fait stimulant et en particulier le rocker Gary Moore était une vraie révèlation: Il pourrait être appelé le caméléon de la guitare car cet album prouve sa polyvalence et Moore n'a jamais été plus aventureux dans son expression musicale que dans l'aventure Colosseum II.
Don Airey est, quant à lui, tout simplement magnifique et les sons de ses touches sont hors de ce monde. Très moderne, il joue avec fureur et agressivité parfois, mais dans le bon sens du terme.
John Mole à la basse est efficace et parfois même incroyablement spectaculaire.
Les nouveaux paysages sonores musicaux explorés ont été très difficiles à défricher! Il suffit d'écouter le furieux "Star Maiden / Mysterioso / Quasar" et Mahavishnu ou Return To Forever ne sont pas loin!
Du pur Jazz Rock Fusion fait par quatre virtuoses au sommet de leur inspiration! Il faut juste réaliser le fait que cet album a été fait en 1977 et quelle une approche étonnante et moderne pour ces musiciens tellement qualifiés!
C'était la période des recherches permanentes et le désir d'aller toujours de l'avant en permanence avec les compétences techniques et instrumentales pour les musiciens qui faisaient de la musique pour l'amour de cet art unique appelé la musique...
La première chanson "Wardance" est magnifiquement composée en utilisant la combinaison d'une guitare tempo rapide et le travail au clavier accompagné par le jeu rythmé de la batterie.
"Major Keys" est une bonne séance d'entraînement Funky qui aurait irès bien pu être un outtake de l'album de Jeff Beck "Blow By Blow" !
Les choses passent vraiment très vite sur "Put It That Way" avec une bonne interaction harmonique entre Airey et Moore. Le solo de guitare de Moore est particulièrement plaisant, comme d'ailleurs celui d'Airey sur le Hammond.
Ensuite, "Castles", la seule chanson chantée avec la voix de Gary Moore, est une ballade agréable à consonance R & B. Elle raconte un amour malheureux
Une caractéristique intéressante se trouve être le duel entre les claviers et la guitare que l'on peut entendre sur "Fighting Talk" où Airey assène quelques passages au Minimoog vraiment formidables et des harmonies au clavier.et que Moore ressort sa Gibson avec certains bons riffs.
La pièce maîtresse de l'album, "The Inquisition" propose des envols imprenables de guitare répondant aux claviers planants. Elle dégage un certain goût pour le Metal, le Dungeon Doom et les 'Arabian Nights' quand Yngwie était encore un apprenti guitariste qui jouait dans sa chambre. Moore y brille vraiment, emmenant le tout main dans la main avec Hiseman et montrant la plus grande confiance, ayant conscience de ne plus jamais sonner tout aussi crue, puissant et gracieux. On y trouve un mélange de travail à la guitare et au clavier compliquée réalisé dans le style tempo rapide, toujours renforcé par la batterie inventive de Jon Hiseman. Gary Moore joue savamment de deux types de guitare sur ce morceau: électrique et acoustique. L'insertion de la guitare acoustique est vraiment une excellente idée.
A noter également que la science-fiction est à l'honneur dans le morceau épique composé de plusieurs parties "Star Maiden / Mysterioso / Quasar" qui est une sorte de pot-pourri apporte une variété de styles à travers trois principaux changements de tempo. Cela commence d'abord lentement dans la première partie et cela augmente progressivement dans la deuxième partie pour fournir une étoffe un peu pluscomplexe à la fin (Quasar). Mole joue un solo de basse très cool dans la première partie qu'il a également écrit. Certainement une des meilleures chansons de l'album!
La grande jam "Star Maiden" est suivie par le peu commercial "Last Exit "et c'est du bon Heavy Progressive Fusion qui clôt l'album avec un solo torride du guitariste Moore.
Les musiciens ont également joué sur "Variations" avec Andrew Lloyd Webber, qui comportait aussi Julian Lloyd Webber au violoncelle, Rod Argent aux claviers et la femme d'Hiseman, Barbara Thompson, à la flûte et au sax. Cet album a atteint le numéro 2 dans les charts Britanniques.
En Août 1978, Moore les quitte pour rejoindre Thin Lizzy, et le frère d'Airey, Keith remplace Moore à la guitare. Les plans pour un quatrième album capote définitivement quand Don Airey décide de rejoindre Rainbow en Décembre 1978.
Fin de la transition: COLOSSEUM II Le vrai Colosseum se réunit de nouveau le 24 Juin 1994 au Freiburg Zelt Musik Festival, joue leur second concert de réunion à Cologne le 28 Octobre à E-Werk, qui est suivi par une tournée en 1995.
Le concert à Cologne a été enregistré pour un 'TV Special' et publié en 1995 sous forme de CD et de vidéo.
"LiveS The Reunion Concerts 1994" comprend deux morceaux de leur concert de réunion au Zelt-Musik-Festival à Freiburg et six morceaux de la seconde réunion du concert à l'E-Werk à Cologne.
En 2003, "Live Cologne 1994" est publié; il contient le reste des titres joués en concerts de Réunion 1994 à Cologne.
Dans la même année, un DVD avec le concert complet de Cologne a été publié sous le titre "The Complete Reunion Concert Cologne 1994" (dans lequel se trouve un documentaire de 90 minutes "The Story Of Colosseum").
Colosseum fait une seconde tournée, après la réunion de 1997 afin de soutenir son nouveau CD studio "Bread and Circuses".
C'est le line up de 1970 composé de Mark Clarke, Clem Clempson, Chris Farlowe, Dave Greenslade, Dick Heckstall-Smith et Jon Hiseman que l'on retrouve sur cet enregistrement.
C'est un excellent CD et Chris Farlowe a toujours sa voix, Jon "Time Machine" Hiseman est parfait comme toujours, Clem Clempson et Dave Greenslade sont tout simplement géniaux et Dick Heckstall-Smith est plus brillant que jamais, ah, ses glorieux breaks de sax...
Evidemment, "Bread and Circuses" est différent, très différent de tout ce que le groupe a pu faire avant. Colosseum a tout bonnement vieilli, tout comme ses fans, d'ailleurs. Il est plus mature, plus sage, plus organisé et plus accompli.
Il s'agit d'un digne retour d'un grand groupe. Ses membres sont plus âgés et plus sages qu'ils ne l'étaient, et un peu de l'exubérance et de l'expérimentalisme de leurs enregistrements de l'âge d'or est manquant.
En conséquence, on ne retrouve plus aucune improvisation sauvage au point de presque détruire une chanson comme "Beware the Ides of March" et certaines parties de la fameuse "Valentyne Suite", ni non plus l'image.de 'Jeunes hommes en colère'.
Mais, ce CD contient un mélange parfaitement sain de chansons bien pensées, bien construites et bien organisées, présentées presque au point de la perfection absolue.
Si vous avez vraiment aimé Colosseum et ses albums dans le passé, et si vous avez grandi avec eux, alors vous comprendrez et aimerez ce CD.
Jon Hiseman écrit dans le livret: "Si vous recherchez 'Le Fils de Valentyne Suite' vous pouvez l'oublier ... ces jours sont révolus depuis longtemps, pour nous, aussi bien que vous ..."
Dans les faits, "Bread and Circuses", c'est surtout onze nouvelles chansons qui semblent toutes être quelque peu des petites ballades plus ou moins ternes et, en dehors de cela, quelques solos de Saxophone et de guitare toujours aussi merveilleux, comme autrefois.
Mais ... c'est surtout encore et toujours le son Colosseum, et si ce n'est que cette musique qu'ils aiment jouer, c'est très bien comme cela, mais ils semblent avoir perdu un peu de l'énergie et le côté que Colosseum avait dans les années 1970 et qui avait fait leur renommée .. .
Au lieu d'une série de longs morceaux de Proto Rock Progressif plus ou moins improvisés, on ne trouve qu'une série de courtes chansons, chacune avec un teinte unique jazzy, Soul et Rhythm 'n' Blues que seul ce groupe peut et sait produire.
La nature plus courte de ces morceaux renie les longues séances de répètition entendues dans les années 70. Les musiciens jouent des choses plus carrées et produisent des chansons magnifiquement bien construites, l'une après l'autre, ce qui laisse évidemment beaucoup de passion derrière eux.
Dans tous les cas c'est un retour bienvenu pour le groupe et un disque que l'on ne peut que recommender chaudement!
Après cela, Colosseum apparait dans les grands festivals en 1998, fait également quelques apparitions en 1999 et 2000.
Tout comme l'album studio qui est sorti après le concert-retrouvailles de 1994, Tomorrow's Blues" est tout aussi surprenant que son prédécesseur. Tout d'abord, il restera probablement le dernier (en studio du moins) avec le décès récent de Dick Hecktall Smith.
Ensuite, bien que le sextet ait été tranquillement en tournée régulièrement à travers le monde depuis leurs retrouvailles et cela pendant les 12 dernières années, ces gars-là se sont concentrés principalement sur leurs morceaux historiques en concert, et ils rockaient encore solidement.
Sorti en 2003, c'est, comme son nom l'indique, principalement un album de Blues. Il ne faut donc pas s'attendre à quelque chose de sauvage ou de progressif sur celui-ci comme sur leur précédent opus. Il s'agit d'un travail plus mature, un album qui porte les années d'expérience que les musiciens ont accumulé depuis les premiers jours. C'est un disque bien ficelé et assez original. Il s'agit d'une excursion tout à fait originale dans le Rock / Blues.
"Tomorrow's Blues" montre Colosseum dans son côté le plus jazzy. Avec des morceaux de bravoure de Rock et de Blues épars, cet album très varié est parvenu à un haut niveau musical. Le son et la production sont de qualité supérieure tout comme le reste de leur discographie.
Bien sûr, avec un groupe de ce calibre, la musique est exécutée avec brio et il y a de bons moments et les deux instrumentaux écrits par Greenslade sont les faits saillants de l'album, mais en aucun cas sont-ils tout prog, même si "Arena In The Sun" a un certain côté jazzy.
Un fait amusant et surprenant, c'est que Colosseum a encore besoin des textes d'un poète Beat comme Pete Brown sur quelques quatre titres, mais ses paroles ne sont pas tout à fait aussi impressionnistes que dans son âge d'or.
Cet album n'est pas mauvais, bien au contraire, mais les compositions en studio et l'énergie de leurs chansons ne sont plus rien qu'un fan de Prog pourrait vouloir considèrer comme indispensable.
Quoi qu'il en soit, le fan de base trouvera toujours de nombreuses qualités à ce disque et plus le temps passera avec une écoute répétée, plus il devrait pouvoir même avoir une place dans son cœur pour un tel album, mais le fan plus exigeant se sentira probablement obligé d'éviter de l'écouter plus que quelques fois, car trop différent.
Le CD démarre avec brio avec la chanson-titre, "Tomorrow's Blues" qui est tout sauf un blues classique. Rythmiquement inventive, une belle guitare en arpèges et en solo de Clempson, et au chant agréable de la merveilleuse voix de Farlowe. Elle a, plutôt, un démarrage très jazzy. Superbement groovy avec une forte dose de swing très classique, la guitare de Clempson sonne toujours aussi subtile. En fait, le groupe au complet fait sentir sa présence sur cette excellente chanson.
"Come Right Back" est peut être le morceau qui sonne le plus comme le Colosseum d'autrefois.
Seul la reprise de l'historique "In The Heat Of The Night" de Quincy Jones et "No Demons" sont du Blues dans sa forme la plus pure avec une guitare geignarde et le Hammond de Greenslade bien graisseux.
Jusque là, la meilleure version de "In The Heat Of The Night" était celle de Ray Charles La reprise dramatique de Colosseum n'est pas loin de la valoir!
La guitare de Clempson sonne tout à fait différent sur le Rock Soul "Hard Times Rising". D'ailleurs, tel un caméléon, il utilise à plusieurs reprises sur cet album ses variations de guitare. "Hard Times Rising" est joué avec un simple groove et on y trouve un joli solo de Sax de Dick Heckstall-Smith
Les deux instrumentaux, "Arena in the Sun" et "The Net Man" sont assez intéressants, le dernier étant le meilleur des deux.
"Arena in the Sun" regorge de Hardbop dans la meilleure manière de Wayne Shorter. Le solo de piano solo de Dave Greenslade swingue comme jamais.
"Thief In The Night" montre ce qu'a fait Colosseum pendant des décennies: un magnifique morceau de Rock. Le fascinant solo de guitare de Clempson sonne toujours très dynamique
Dans le même registre que "Hard Times Rising", "Take the Dark Times With the Sun" est agréable à écouter. Il rappelle un peu le "Theme From An Imaginary Western" de la fin des années 60. Il est agréable d'entendre des cuivres supplémentaires avec Steve Sidwell, Simon Gardner et Chris White sur cette chanson très mélodique. La voix de Chris Farlowe sonne fraiche et volumineuse, comme si le temps s'était complètement arrêté. Et Pete Brown est de retour pour le texte de ce morceau.
"The Net Man" est un retour à une approche plus jazzy. Cet instrumental signé Greenslade est bien écrit et convaincant avec de jolis sons de Hammond, de guitare et de saxophone.
Dans "Leisure Complex Blues" Dick Hecktall Smith joue probablement à nouveau de deux saxophones en même temps dans ce mélange réussi. Du Rock'n Roll avec du Blues emballé dans les années 60. Cependant, cette chanson est bien loin des normes habituelles de la musique de "Tomorrow's Blues" et elle démontre la grande polyvalence de ce groupe avec un Jon Hiseman au top comme d'habitude.
Ce disque n'est pas un chef-d'œuvre comme "Valentyne Suite", mais il est évident que Colosseum a repris son envol et qu'il était prêt à aller beaucoup plus loin!
En 2003, le groupe fait une tournée pour promouvoir "Tomorrow`s Blues", suivie également par des concerts en Angleterre en 2004.
En 2005, ont eu lieu trois concerts commémoratifs pour Dick Heckstall-Smith, l'un en Allemagne, à Hambourg et deux en Angleterre.
En Septembre 2005, ils jouent à Moscou et certains concerts ont lieu en 2006.
Sans en faire trop, ce double CD live est remarquable par son excellente qualité du son, comme toujours, et il retrace tres bien l'historique du groupe.
La saxophoniste Barbara Thompson, épouse de Jon Hiseman, a rejoint le groupe en 2004 à la mort de Dick Heckstall-Smith.
Le premier set a été enregistré le 11 Juin 2005 à Stuttgart, en Allemagne et le second le 23 Avril 2005 à Worpswede, toujours en Allemagne.
Les papys font de la résistance: malgré leur soixantaine révolue, ces musiciens semblent ne pas avoir pris une ride.
Dans l'ensemble, ce double album vraiment bon est absolument incroyable.
Les chansons originales et les reprises se succèdent sans jamais créer l'ennui: Chaque morceau embellit et sublime quelque peu le morceau original.
Encore un live à possèder absolument!
A SUIVRE UN PEU PLUS BAS.
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