CRACK THE SKY (Bio)

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Crack The Sky est un groupe de Rock plus ou moins progressif Américain qui a été créé en 1975 dans la région de la vallée de la rivière Ohio, à Weirton, en Virginie Occidentale, par le chanteur John Palumbo, les guitaristes Jim Griffiths et Rick Witkowski, le bassiste Joe Macre et le batteur Joey D'Amico.
Dans l'ensemble, c'est un groupe de rock étonnant, et cette année-là, le magazine Rolling Stone a qualifié leur premier album de "premier album de l'année", et en 1978, le 'Rolling Stone Record Guide' les a comparé à Steely Dan; leurs trois premiers albums ont atteint le Billboard 200.
Le groupe n'a cependant jamais atteint un grand succès en dehors de la région de Baltimore; mais malgré cela, il continue à sortir des albums et jouer pour une petite mais dévouée base de fans à ce jour.

Crack the Sky avait pourtant tous les ingrédients pour être un groupe monstrueux, mais pour les raisons habituelles (manque de temps de passage à la radio et plus particulièrement, un label qui ne distribuait pas les albums correctement), le succès n'a jamais réellement été au rendez-vous.



Fondé à l'origine sous le nom de ArcAngel, il s'est construit un public fidèle dans les circuits de clubs à Cleveland et Baltimore.
Il a trouvé ses racines dans des groupes des années soixante-dix appelés Uncle Louie et Sugar.
Uncle Louie comprenait John Palumbo au chant et Rick Witkowski à la guitare, tandis que Sugar comprenait Joe Macre à la basse et Jim Griffiths à la guitare.
Witkowski et Palumbo avaient auditionné pour Terry Minogue, un neveu de Terry Cashman de CashWest Productions.
Minogue avait convaincu CashWest de leur donner un contrat de développement afin qu'ils puissent réunir un groupe et enregistrer des demos.

Minogue dira plus tard, "...Ils ont joué une partie de la plus belle musique que je n'ai jamais entendu dans ma vie...".
Words, comme le groupe était alors connu, initialement un groupe de dix musiciens, dont cinq membres de base.
La première incarnation de Crack The Sky incluait le batteur Joey D'Amico, le bassiste Joe Macre, John Palumbo, Rick Witkowski et Jim Griffiths à la guitare.

Pendant ce temps, CashWest Productions commençait un nouveau label appelé Lifesong Records, et Crack the Sky devint le premier groupe à sortir un album sur celui-ci.



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Dans un style très sage, le premier album intitulé "Crack the Sky", paru en 1975, sonne à posteriori comme une sorte de mélange de Queen, Bowie époque Stardust, Yes, et beaucoup de groupes de Jazz Funk.
Cependant, bien que des similitudes apparaissent entre eux et d'autres groupes, ils ne sonnent pas vraiment comme tout autre groupe.
On pourrait qualifié le style de Art Rock très fin et inventif.

Car, à l'origine, Crack the Sky fut une bizarrerie bluffante dans le genre Prog Rock dans un style farouchement unique.
C'est probablement le meilleur groupe dont personne n'a jamais entendu parler.
Il s'est spécialisé dans les épopées exagérées à base de guitare, de paroles amusantes et la voix de Palumbo était et reste hypnotique!

"Crack the Sky" est l'un de ces albums où chaque chanson vaut la peine d'être écouté, encore et encore.
Le songwriting est assez fort, mais ce disque est un raz de marée du son et est peut-être l'un des meilleurs albums de Rock jamais enregistrés. A noter le timing complexe et les changements de rythme.
Leurs influences vont des Beatles, Yes, ELP, Weather Report, Billy Cobham; ils ont pris tout cela pour former leurs propres sons alternativement Rock, funky et intelligemment réfléchis.
Bien que certains des morceaux sonnent plutôt daté, une grande partie du matériel sur ce premier album est assez classique et ces chansons valent cependant toujours la peine d'être écoutées, même encore aujourd'hui.
Des grandes chansons, des paroles accrocheuses et une incroyable musicalité jouée par de véritables virtuoses.
Car la musicalité crépite sur cet album, et les vocaux émotifs du chanteur John Palumbo adaptent ses paroles souvent humoristiques sur des sujets aussi divers que le racisme, la religion, les travestis, le narcissisme, les inadaptés, et une multitude d'autres sujets rarement entendus dans le Rock à cette époque, et jamais avec la perspicacité et la compassion que cet homme a de toute évidence.
"Crack the Sky" a un son distinctif, une combinaison de Rock Progressif et de Rock pur saupoudré d'un peu de Jazz.
Musicalement, c'est un album en avance sur son temps, paroles impressionnantes, musiciens phénoménaux, unique, drôle. Le travail de la guitare est incroyable et sera apprécié par les fans de Jazz, Hard Rock, Funk, et même Metal.
La production est absolument parfaite, la batterie sonne chaud, les guitares sont heavy, la basse est en plein milieu, et chaque élément tactile d'orchestre, bit de clavier ou de percussion se fait entendre avec brio...
Mais rien n'est trop propre ou 'poli'.

Les chansons originales sont pleines de parties complexes de guitare, d'harmonies Beatlessiennes, et les paroles délicieusement spirituelles.
Il y a généralement beaucoup de choses dans chacune d'elles.
Crack the Sky a déjà tous les éléments de son son en place, avec une approche très non-linéaire pour l'écriture de chansons, entendus à bon escient sur "A Sea Epic" et "Ice".
Une bonne partie du matériel se trouve totalement en dehors des limites du Hard Rock, en particulier le plutôt étrange "Robots For Ronnie", mais "Hold On" et "Mind Baby" sont plus typiques.
Un peu de mellotron est entendu avec un excellent petit passage de cordes sur "She's A Dancer".
Ce groupe a incorporé des sections Rock, Funk et des cordes dans un album en dents de scie avec une "diversité stylistique éblouissante" reflétant parfaitement les paroles du chanteur John Palumbo au sujet de la schizophrénie induite par les médias.

Pour ouvrir cet album, "Hold On" est une véritable explosion de guitare Rock énergique...
"Surf City" est un Rock avec une concoction totalement contôlée et puissante de la langue Anglaise dans les paroles hilarantes, des riffs incroyables et beaucoup de changements de tempo... Et c'est technique et rockant.
Il y a cependant plus prog comme "Sea Epic" où le groupe injecte un pont guitare / vocal très mémorable dans sa partie centrale.
L'intro rappelle un peu "The Stranger" de Billy Joel avec les lignes de piano, mais qui se finissent rapidement, et une mélodie vocale arrive, pleine de passion et de beauté, et quand la seconde mélodie vocale fait une apparition, le rythme reprend et devient encore plus émotionnellement agréable.
Il y a d'autres aspects impressionnants avec une atmosphère toute majestueuse.
Le chant est probablement influencé par Kansas ou peut-être Peter Gabriel époque Genesis.
"She's A Dancer" est un Rock (au sens large) avec beaucoup de rythmes nerveux et une section finale avec des cuivres et une guitare grinçante jusqu'à ce que la chanson explose dans un riff de Metal brûlant.
C'est une combinaison parfaite de Jazz et de Pop. Et c'est une chanson unique car elle allie de nombreux styles ensemble et les mélange parfaitement, et la mélodie vocale est excellente.
"Robots pour Ronnie" a une mélodie vocale significative... mais les paroles semblent très drôles et intéressantes.
Premier, ou deuxième degré?... Humour ou histoire réaliste d'une personne très triste qui est un peu déprimée et solitaire?!!!
Le morceau qui suit, "Ice", est un changement radical par rapport au reste de l'album.
Il ne ressemble à rien d'autre... Bonne intro avec une batterie jouant avec les lignes de guitare mélodiques... Le style Space Rock de la lead guitare est vraiment sophistiqué.
"Mind Baby" a un bon travail d'harmonie et montre un talent éblouissant pour combiner le jeu progressif avec des riffs Heavy, mais toujours mélodiques.
"I Don't Have A Tie" est une belle chanson mi-tempo groovante avec des rythmes de guitare vraiment swinguants.
Le morceau final, "Sleep", a une mélodie vocale qui n'est pas très différente de Crosby, Stills & Nash, mais la partie instrumentale est ce qui permet de se démarquer dans une catégorie différente de tout type de comparaisons.
Peut-être même que l'intro acoustique a été influencée par UFO, ou peut-être encore par Rush.
Quoi qu'il en soit, le verset mélodique de cette chanson rappelle Wishbone Ash.
Ce qui rend "Sleep" si extraordinaire est la mélodie vocale accrocheuse, et la capacité de faire toute la chanson imprévisible avec les talents instrumentaux. Toujours est-il que ce groupe ne fait pas tout à fait la même chose que tout autre groupe populaire du milieu 70...

Les critiques et le public furent ravis des paroles, intelligentes, tordues, du complexe et puissant Rock Progressif, et des harmonies soigneusement élaborées.
Les programmateurs de radio étaient plus ambivalents. Des chansons comme "Ice", "She's a Dancer," et "Surf City" passèrent toutes à la radio nationale, mais aucune n'est devenue un véritable Hit.
Chacune d'entre elles méritait plus d'attention, mais le label ne concentra jamais ses efforts de promotion sur une seule d'entre elles, et en conséquence il n'y eut aucun single.
La désignation de Rolling Stone de "Crack the Sky" comme "Album de l'année" pour 1975 a aidé autant que la maison de disques l'a fait, et rétrospectivement leur attribution a été bien méritée.

Ce que Stephen Holden en a dit dans Rolling Stone 203 du 1er Janvier 1976: "...Comme les premiers albums de Steely Dan, 10cc et the Tubes, le début de Crack the Sky introduit un groupe dont la vision de l'ennui du milieu des années 70 est originale, humoristique et polie sans avoir l'air trop arty... Si les paroles de Palumbo sont les dernières dans le cynisme des 70, leur obscurité est contrée par le brio lumineux de la plupart de la musique. Palumbo évite les mélodies classiques, préférant répéter une phrase mélodique, puis casser brusquement l'humeur qu'il a établi avec quelque chose presque à l'opposé dans l'esprit...".

Mais, bien que salué par le New York Times et déclaré le "premier album de l'année" par le magazine Rolling Stone, la promotion et les problèmes de distribution avec Lifesong Records ont empêché son large succès.
Selon Terry Minogue, "...Les disques ont été promis mais ne sont jamais arrivés aux centres de distribution. Le disque devait être à la radio, mais il n'y avait pas de produit sur les présentoirs des magasins ou vice versa [sic]. Quand les gens le voulaient, il n'était jamais disponible...".

Par ce que certains qualifiaient de chance aveugle, la commercialisation avait marché à Baltimore, seulement parce qu'un surplus de disques y avait été expédié et affiché dans les magasins quand l'album passait à la radio.
Par la suite, l'album est devenu très populaire à Baltimore.
Laidback Larry Allen, le directeur de la musique à WYDD de Pittsburgh, professait l'amour pour l'enregistrement et a joué le premier album en rotation lourde, mais nulle part ailleurs.

En dépit de tout cela, le label Lifesong décida de ne pas sortir de singles et, par conséquent, il a donc vraiment condamné l'album à ne jamais réussir comme il aurait du.

Et pourtant, malgré tout cela, "Crack The Sky" atteint le numéro 161 dans le Billboard et en 2015, l'album a été classé numéro 47 dans la liste de Rolling Stone des 50 Greatest Prog Rock Albums de tous les temps.
Ce fantastique album sonne encore frais et dynamique, même trois décennies plus tard.
Il tient toujours la route, en particulier le délirant "A Sea Epic", l'un des rares exemples d'une chanson de Rock Progressif complexe et entrainante avec un très bon sens de l'humour.

Trois ans et deux albums plus tard, quand Crack the Sky fit un album live, la plupart des chansons étaient tirées de cet album.
Ils savaient évidemment où leur meilleur matériel était et ont joué sur leurs points forts. Hautement recommandé.



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Venant après un premier album très acclamé par la critique, le plus sombre, plus cynique "Animal Notes", paru en 1976, est un nouveau choc.
C'est du même tonneau que le précédent opus et il continue d'afficher un grand sens de l'humour grinçant: les paroles sombres sont toujours exprimées avec une pointe d'humour, mais sur les quatre premières chansons, les rires se font les dents serrées.
Les chansons sont toutes encore composées par le chanteur Palumbo et le songwriting est tout aussi bon que sur le premier disque.
Mais, contrairement à "Crack The Sky", "Animal Notes" explore un côté légèrement plus doux et plus acoustique du son sans s"égarer trop loin de leur signature sonore.
Les points forts sont toujours les superbes harmonies vocales et le travail de guitare de Rick Witkowski.

"Animal Notes" a été conçu à l'origine comme un opéra Rock sur la Royal Canadian Mounted Police, mais la production du concept a été réduite à une seule chanson, "Rangers at Midnight".
Crack The Sky atteint alors les sommets de l'expression Art Rock.
Bien que produit à la fin des années 70, cet album est, comme le premier, en avance sur son temps. Une myriade de styles se croisent sans effort, les paroles sont intelligentes et livrées avec des mesures égales d'humour et de gravité, et les performances sont confiantes mais pas surmenées.
C'est encore une collection très équilibrée, en fin de compte, de chansons très prog, mais aussi conviviales de ce groupe très sous-estimé.

Alors que le premier album portait des influences Lennon / McCartney sur sa pochette, celui-ci tire plus vers un Rock Progressif Pop avec guitare comme Utopia ou Kansas.
Sur cet album, le son est même pratiquement similaire à un Kansas dans le sens du jeu sur plus d'un morceau, mais, évidemment, sans violon.
Les influences (Beatles, Yes, ELP, James Brown, Weather Report et autres), ils les ont toutes forgées dans leur propre son et cela marque bien leur Hard et Soft Rock funky avec quelques saveurs Rock Jazz Fusion, particulièrement appréciées par les musiciens qui peuvent mieux apprécier les changements de timing, la virtuosité de la guitare, des paroles intelligentes et en avance sur son son temps et les valeurs de la production.
On peut trouver quelques fioritures imaginatives de sons Beatlessiens et des effets sonores intéressants sur les airs lents, toutes avec des paroles intéressantes et bien écrites.
Bien que seulement la moitié des chansons de cet album soient vraiment d'identification prog, c'est encore un très bel album dans son ensemble.

Après la sortie du premier album original mais relativement conservateur, Palumbo conduit Crack The Sky à travers huit morceaux engageants sur "Animal Notes".
Les quatre pistes sur la première face de l'album sont des Pop Rock assez standards dont la ballade obligatoire "Maybe I can fool everybody tonight".
La musicalité est d'une qualité élevée et constante:
"We Want Mine" et "Wet Teenager" se démarquent grâce à un jeu agile et de brillants jeux de mots de Palumbo. La guitare est bien présente sur cet album et ça dépote sacrément dur. "Wet Teenager" et "Virgin ... No" en sont deux bons exemples...
"Invaders from Mars" et "Rangers At Midnight" sont à la fois des chansons amusantes et du Rock.

Un des morceaux les plus populaires du groupe ouvre l'album, "We Want Mine" qui a quelque chose d'un Rag Time un peu étrange offrant un message un peu Rock and Roll dans son lyrisme ainsi que dans son ensemble.
Le riff de guitare est énergique et un bon rythme régulier porte la mélodie. Les paroles décrivent un exemple de démunis prêts à défier les nantis:
Palumbo répète "...We don't want your money....we want mine..." ("...Nous ne voulons pas de ton argent .... nous voulons le mien...") qui est un pied de nez aux sociétés, aux nantis et, artistiquement, aux cadres dépourvus de toutes allégeances. C'est la demande d'un natif du tiers-monde pour une part de la richesse du monde, une demande qui, il le sait, sera ignoré.
Par contraste, dans la chanson suivante, l'atmosphère de couvaison de "Animal Skins", change complètement le tempo et le style.
Quelques mots ne peuvent tout simplement pas lui rendre justice. Il délivre un lyrisme quasi cantique ou même hypnotique au sommet d'un rythme principal de sitar heavy plutôt occidental.
La chanson se caractérise par le jeu virtuose pendant le refrain se terminant en une symphonie de cordes qui finit le reste de la chanson.
Son thème est à propos des masses manipulées par des leaders religieux et la religion organisée avec un esprit amer.
Le hard rockant "Wet Teenager" est un superbe morceau qui contient quelques excellentes paroles sur la croissance et comment faire face aux luttes de la vie ("...Prends une certaine responsabilté, gamin!...").
C'est un pur Rock avec une batterie très cool et une manipulation assez originale des instruments mélodiques avec, en prime, l'un des meilleurs solos de guitare de l'époque. Il semble assez épique parfois, mais toujours terre à terre comme l'est son sujet, l'angoisse de la jeunesse avec une résolution profondément mûre...
La mélancolie ambitieuse avec une ligne de basse staccato très cool et un arrangement de cordes bizarre, une sorte de ballade avec quelques changements de temps, se transformant en une section solo du milieu de Hard Rock, de "Maybe I Can Fool Everybody (Tonight)", morceau de près de six minutes, est essentiellement une sorte de drone épique lent à la guitare électrique qui va progressivement vers des vocaux qui bordent le cantique ou le chant, mais en conservant une attitude très rythmique.
Il commence avec un bon duo de guitares jouant en harmonie. Les thèmes musicaux sont très affectifs, tirant des émotions distinctes de l'auditeur: la tristesse, la solitude, le désir.
Aidé par écriture lyrique quasi-géniale de Palumbo, cela reste un moment fort de leur catalogue général.
La chanson est racontée du point de vue de quelqu'un qui est sûr que son succès est immérité. Elle est traversé par un solo de guitare incroyablement doux et une longue pause qui fait croire que le morceau est terminé, mais il reprend de plus belle.
La seconde face de l'album est plus prog:
Elle s'ouvre avec la piste la plus ambitieuse, le morceau le plus progressif, "Rangers At Midnight" (Including 'Night Patrol' and featuring 'Let's Lift Our Hearts Up') qui sonne comme une chanson de Genesis ére Gabriel.
Il contient plus de sept minutes d'idées musicales en constante évolution et d'humour théâtral. Cette mini-suite en trois parties de sept minutes, ressemble aussi un peu au Rock Sudiste de groupes tels que The Band et Little Feat.
Le travail de la guitare prend la place des claviers avec des fils et des thèmes conducteurs, un peu comme la façon dont Brian May travaillait à l'intérieur des chansons les plus ambitieuses de Queen.
Les musiciens impressionnent subtilement, ce qui permet au songwriting de Palumbo d'être l'objectif principal.
"Rangers at Midnight" est une pseudo-bande son maladroit sur la Police Montée Canadienne.
La transition vers la Section 2 ("Night Patrol") offre une section instrumentale intrigante qui aurait pu être un peu plus développée. Cette section pourrait facilement être une bonne chanson à elle toute seule et peut-être, à un moment donné, a-t'elle été destinée à l'être.
La dernière section, "Let's lift our hearts up", devient une chanson de bar graveleuse.
"Rangers At Midnight" a tout pour plaire: une histoire bien écrite, une variation dynamique impressionnante, un jeu excellent, des idées d'arrangement uniques.
Initialement Palumbo voulait faire un concept album avec elle en pièce centrale, mais le groupe n'a pas accepté.
Le sentiment est pur, la prestation presque sans faille et même le refrain un peu répétitif semble approprié.
La piste suivante "Virgin...No" apporte des choses sur un tout autre plan, un Hard Rock avec de curieux changements de tempo et de temps. Elle semble fantastique avec toutes ces harmonies stellaires et ces crochets de guitare, et les versets vagues semblent n'avoir aucun rapport avec le chœur.
On découvre le sens impressionnant de l'humour de Palumbo couplé avec une harmonie guitare / batterie vraiment rockante, car il se lamente à propos de la désillusion de l'expérience des adolescents et les jeunes adultes d'une manière épique et mature.
Suit "Invaders From Mars" qui montre que Palumbo est un excellent auteur-compositeur avec des paroles intelligentes et des passages instrumentaux uniques, sonnant comme le groupe Genesis époque Peter Gabriel, et la musique n'est pas si loin du matériel plus linéaire de "The Lamb Lies Down On Broadway".
Il y a beaucoup de claviers, un trait qui définit le Art Rock, mise à part la fin symphonique du genre. C'est la piste la plus ancienne, lyriquement au moins. La chanson semble être une sorte d'hommage à Bowie (ou peut-être même une parodie), à la fois lyriquement et en termes de son et de style.
Palumbo joue une merveilleuse introduction solo de piano baignée de classique qui mène à des vocaux qui fonctionnent d'une manière très comique.
Ce morceau est lunatique au point d'en être presque maladroit, mais d'une manière profondément originale et réellement rafraîchissante. Il parle d'une éventuelle invasion de Mars, mais nous ne le savons pas parce que le chanteur "n'a pas eu la chance de regarder les nouvelles aujourd'hui".
En tout cas, cela commence de façon plutôt classique, mais on continue à expliquer que l'auteur ne se soucie pas de savoir si nous sommes envahis.
Il poursuit en disant que les envahisseurs lui disent "tu viens avec nous" et il dit "bien allons-y" et, près de la fin, il se lamente que "ça doit être mieux que cela!".
Plus d'apathie et de désillusion, mais la manière dont la chanson est construite est très intéressante et gère tout pour vous garder à bord en dépit de la sensation de 'matinée des années 50' qui l'entoure.
Ses fioritures finales plutôt écrasantes mènent au sobre "Play On", une sorte de power ballad édifiante...classique?...plutôt unique, avec une fin introspective intelligente qui se termine par un beau morceau de style E.L.O. joué par une section de violon.
C'est un peu une chanson de thérapie pour âme auto apaisante avec toute la chaleur et la sincérité qu'un tel sujet pourrait rendre illicite.
Cela semble un air simple, mais on en redemande.

Cet album est recommandé à tous ceux qui apprécient le songwriting de qualité et les belles mélodies. Il fut autant acclamé par la critique que leur premier, mais plus performant en atteignant le numéro 142 au Billboard.
Cette fois, le concept élevé et le manque de 'radio singles', en raison de dédain du groupe pour la musique commerciale, a contribué à l'absence de ventes. La chanson "We Want Mine" fut un déclic à Lifesong Records pour les retenues de royalty.

A cette époque, Crack The Sky avait terminé deux tournées à travers le pays et ouvert pour Styx, Supertramp, Rush, Foreigner, Electric Light Orchestra, Yes, ZZ Top, Kansas, Edgar Winter, Frank Zappa, et Boston.
Néanmoins, la réponse commerciale était minime...





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La même année est paru un album intitulé "Live On WBAB", leur premier album en concert.
Le disque a été publié par Lifesong en 1976, mais seulement pour les stations de radio à des fins promotionnelles.
Il a été édité dans une pochette blanche ordinaire avec seulement une étiquette identifiant le disque, et des inserts photocopiés à propos du groupe.
Il fut enfin plus largement disponible sur CD en 1998, avec des morceaux supplémentaires tirés de "Live Sky".



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En 1977, le groupe prépare un nouveau LP, mais, à la suite de la rupture des communications avec leur maison de disques, et d'une divergence des approches créatives de la musique, Palumbo quitte Crack the Sky pour poursuivre une carrière solo alors qu'il avait contribué à l'écriture de la moitié du disque.
Il ne chante et ne joue finalement pas sur l'album, mais il fournit, par exemple, des paroles pour syntoniser "Nuclear Apathy".

C'est généralement mauvais signe lorsqu'un chanteur quitte son groupe au milieu de l'enregistrement d'un album, surtout quand ce chanteur a écrit toutes les chansons sur les deux précédents albums.
Bien que John Palumbo ait contribué à quelques vocaux avant de quitter le groupe, les membres du groupe restants ont comblé joliment un mélange de chansons de Palumbo et de nouvelles chansons écrites par le guitariste Rick Witkowski et divers partenaires.

Le producteur Rob Stevens jouant des claviers, les autres membres du groupe, avec un nouveau chanteur nommé Gary Lee Chappell, le guitariste Barry Philadelphie Siegfried et le claviériste de Pittsburgh Vincent De Paul, publient ce disque intitulé "Safety in Numbers" en 1978 sur le label Lifesong Records.
Toutefois, seuls les membres originaux (Joey D'Amico, Joe Macre, Jim Griffiths, Rick Witkowski) sont représentés sur le verso de la pochette de l'album, avec Chappell et Stevens relégué à une petite photo chacun sur le manchon intérieur.

Dans l'ensemble, "Safety in Numbers" est un peu moins bon que les précédents car certaines des chansons manquent peut-être d'idées musicales intéressantes pouvant justifier leur longueur, ou plutôt, le songwriting de qualité est parfois remplacé par un style commercial un peu plus faible...

C'est pourtant cet album qui va atteindre la meilleure place dans le Billboard album Chart, culminant au numéro 126.
Car, malgré tout, la musicalité est impressionnante et "Safety in Numbers" est un bon album qui n'a jamais été acclamé comme il l'aurait mérité. "Safety In Numbers" est l'album qui a mélangé les origines de Rock Progressif du groupe avec un son grand public accessible et, pris dans son ensemble, il montre qu'avec ou sans Palumbo, Crack the Sky était prêt à continuer dans un style élevé.

En fait, cet opus est nettement différent des deux albums précédents, étant largement écrits par Rick Witkowski en collaboration avec Joe Macre et Rob Stevens.
Palumbo n'est évidemment pas crédité en tant que membre sur l'album fini, bien que le groupe réorganisé ait fini par utiliser trois de ses chansons (une co-écriture avec plusieurs autres membres de Crack The Sky); les deux chansons écrites par Palumbo n'étant, de plus, même pas les meilleures car cette distinction revient à "A Night on the Town (With Snow White)".

L'album est percutant et il dispose principalement de deux longs et excellents morceaux: "Nuclear Apathy", et "Safety in Numbers". Mais il y a d'autres joyaux lyriques comme le sombre morceau titre et le concert sarcastique "Lighten Up McGraw".
Le jeu des musiciens avec leurs instruments sur ces deux chansons est sublime; on peut considérer alors que Crack The Sky est aussi bon que Yes dans les mouvements, les arrangements et compositions pompeuses...

"Lighten Up McGraw" et "Flashlight" sont des plaisanteries à propos des relations, de la vie et du sexe, et les deux sont vraiment du Rock.

"Nuclear Apathy", signée Palumbo, est une bonne chanson de cinq minutes étirée jusqu'à huit minutes, bien que le splendide travail de guitare et l'arrangement inspiré fassent beaucoup pour racheter l'erreur.
Recommandée à tous les fans de Rush, ou les fans de Rock Progressif en général, c'est le point culminant épique de l'album entier. C'est un tour-de-force musical, qui commence en acoustique, devient électrique, et Hard!, et se termine en acoustique de nouveau.
Cela rappelle en effet un peu Rush avec le style agressif et le Prog Rock des riffs de guitare Heavy. Quoi qu'il en soit, il se transforme finalement en plusieurs différentes sections toutes plus mémorables les unes que les autres.
Le morceau suivant, "Long Nights", est la jolie ballade de l'album et le morceau le plus commercial du disque. Il aurait pu sortir en single sans problème!...
Quant à "Flashlight", il rappelle absolument le classique "Lonesome Loser" de Little River Band, avec un solo de guitare flamboyant vers la fin.
La chanson "Lighten Up McGraw" a un riff de guitare semblable à du Budgie classique, et ça sonne vraiment cool. Certainement l'un des plus jolis sons d'un groupe de Hard Rock. Le riff est mémorable, le solo de guitare est bref, mais vraiment extraordinaire.
Le morceau "Give Myself to You" est décevant. Peut-être le plus mauvais de l'album!...
Suit "A Night on the Town (With Snow White)", un morceau délicieux qui mélange les styles des années 1920 et le Rock Progressif d'une manière qui est probablement unique...
L'album finit par la chanson titre, "Safety in Numbers", qui est à la fois puissante et délicate dans le sens musical, avec une intro qui est brillamment atmosphérique et en mouvement, créant toutes sortes de sentiments aventureux profonds de la capacité de rêver... mais c'est alors qu'arrive la mélodie vocale et la chanson perd, malheureusement, rapidement de sa magie.
Mais c'est finalement encore une bonne chanson grâce à un refrain assez excitant.

A noter que le disque atteint le numéro 126 au Billboard, leur album le mieux classé.

Pour la promotion du disque, Crack The Sky a ouvert pour la tournée de Heart de 1978, "Dog and Butterfly"...
On en retrouve des morceaux sur les albums "Live Sky" et "Alive and Kickin 'Ass", après quoi le groupe se sépare.



Il y a quelques années, en 2007, Rob Stevens, le producteur original de "Safety in Numbers" et Palumbo ont collaboré pour mettre la voix de John à la place de celle de Gary Lee Chappell, rajouter la guitare rythmique et les claviers de Palumbo et même les choeurs sur les enregistrements originaux, plus quelques autres destinés à l'album original mais pas inclus alors.
Tout est là, à part "Prelude to Safety in Numbers", mais avec trois autres titres inédits, remixé avec l'approche technique du 21e siècle.
Les chansons sont réorganisées comme Palumbo l'aurait envisagé. La guitare de Palumbo et les paroles modifiées créent un son légèrement plus Heavy et un ton plus sombre...
Son titre, "Safety In Numbers-21st Century Redux by Crack The Sky".

Bien que ce concept soit intéressant, le résultat est au final quelque peu décevant. L'album donne un bon aperçu de la façon dont Palumbo aurait initialement structuré l'album, ce qui, en soi, est intéressant comme un exercice intellectuel, mais il fournit à peine une bonne audition.
La faute à la voix de Palumbo qui, clairement, ne peut plus atteindre le niveau qu'elle avait autrefois. Ceci dit, c'est quand même un ajout toujours bienvenu dans la collection 'Crack the Sky'.



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Plus tard dans l'année 1978, le groupe, toujours avec Gary Lee Chappell au chant, a sorti un album de performances en concerts, "Live Sky".
Ce disque est un véritable must pour tout fan de Prog Rock agressif, ne serait-ce que pour le solo de guitare de l'Ouverture de Guillaume Tell qui termine "Surf City".
Crack the Sky était célèbre comme groupe de scène, et sur le "Live Sky", ils ont littéralement mis le paquet.
Bien que le groupe avait les moyens, la capacité et la précision pour faire des répliques parfaites des morceaux de leurs albums, les versions de ce disque sont étendues et comprennent toutes sortes d'excursions musicales possibles et imaginables.
Chacune des chanson est sublimée...
Etendre "Ice" sur plus de douze minutes est peut-être un peu exagéré, mais dans l'ensemble de l'album est un gros succès.
Plusieurs morceaux de "Live Sky" sont passés à la radio dans diverses parties des États-Unis, et ont élargi le public du groupe tout en encourageant les fidèles de la première heure.
A noter une excellente version de "I Am the Walrus" des Beatles en morceau de clôture!

Mais, malheureusement, en raison de difficultés contractuelles en cours avec le label Lifesong, les membres de Crack The Sky ont convenu qu'ils n'avaient pas d'autre choix que de se dissoudre.



Suite à cette dissolution, "Classic Crack", une compilation Greatest Hits, a été publiée par Lifesong en 1980.



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Mais en 1980, Palumbo se réunit avec Witkowski et le claviériste Vince DePaul, membre du groupe à part entière, pour reformer rapidement le groupe pour enregistrer un nouvel album, "White Music" qui sort un peu plus tard la même année avant que le groupe ne soit dissout à nouveau.

Cet album, bien ancré dans les années 80, n'est pas aussi bon que les deux premiers albums, mais il a quand même sa part de chansons interessantes telles que "Pop Town", "Techni Generation" ou "White Music".
Il présente, d'autre part, un certain nombre de morceaux que l'on peut qualifié de 'qualité singles' comme "The Radio Cries", "All American Boy", "Skin Deep", ou encore "Hot Razors in My Heart".
"White Music" est un bon disque mais à un niveau totalement différent. Cet enregistrement a un son plus simple et il est plus proche des débuts de la New Wave et de la Power Pop de l'époque.

Crack The Sky fonctionnait grâce à l'interaction entre le bassiste et le batteur, et les deux guitaristes. Mais sans l'un des guitaristes, plus aucune interaction n'existe sur cet album.
John Palumbo est un compositeur doué...mais les compositions manquent alors d'un peu de conviction.

"White Music" est un disque de New Wave, une sorte de fusion de The Cars et The Knack. Les chansons plus courtes sont nettement plus simples stylistiquement, comme avec la plupart des groupes à l'époque virant près de la New Wave.
C'est beaucoup plus une tentative désespérée de succès commercial que la créativité enthousiaste de leur beau début.
C'est, surtout, une tentative de retour assez décevante car l'album n'est pas à la hauteur des précédents opus, loin s'en faut. La batterie en particulier fait datés et cela porte atteinte à la qualité sonore globale.

Ce disque est donc leur plus faible album, mais il est toujours assez bon, bien que différent pour le grand public. Il n'y a pas autant d'expérimentation que dans les efforts antérieurs, mais, en dépit de la longueur des morceaux (quatre minutes en moyenne), ils sont encore un peu dans le moule Crack The Sky, et "Hot Razors", "Techni Generation" et "Poptown" sont de très bonne qualité technique.

Chaque piste semble destinée à passer à la radio, d'une manière ou d'une autre:
"White Music", "Living With The Lights On" ou "Techni-Generation." sont de la New Wave à la Devo..."The Radio Cries" est de la Power Pop façon Byrds, et "Poptown" de la Power Pop Beatlessienne..."Razors Hot In My Heart" est la Power Ballad..."Skin Deep" est un peu funky sur les bords...Et "Songs Of Soviet Sons" qui commence en sonnant un peu comme "I Stand Tall" de The Dictators ravira les fans de prog de la première heure...

Le morceau d'ouverture, "Poptown", a un riff à la Beatles du début qui serait joué par un groupe comme the Knack. Cela peut en surprendre plus d'un!
La chanson suivante, "Living With the Lights On", le groupe Devo aurait pu la jouer sans aucun problème!
"The Radio Cries (It's Singles Time)" est le morceau fait pour la radio, le single 'FM' par excellence. Il fait penser à the Knack!
Suit un morceau intitulé "Skin Deep" qui rappelle indéniablement the Talking Heads
La chanson titre, "White Music", ressemble aussi à the Talking Heads.
Quant à "All American Boy", c'est un morceau que the Knack n'aurait certainement pas renié!
Le Rock FM "Hot Razors in My Heart" possède une excellente petite mélodie de cordes répétée tout au long de la piste.
"Suspicion" a un riff hypnotique qui se répète à l'infini avec un superbe solo de guitare dans son milieu.
Palumbo semble voir l'avènement de notre ère de l'informatique moderne à la manière de Nostradamus dans la chanson "Techni Generation" qui semble inspiré par Devo ou the Talking Heads. Cela sonne un peu comme "Pop Music" de M.
Elle est un peu passée à la radio dans la région de Pittsburgh durant cette période.
Sur "Flying", le groupe sonne un peu comme John Lennon.
Pour finir, "Songs of Soviet Sons" est le morceau le plus prog de l'album, c'est le seul qui aurait pu se trouver sur l'un des albums précédents sans problème!

Finalement et rétrospectivement, "White Music" est un album agréable à écouter, même s'il sonne vraiment daté. Palumbo a créé des ponts musicaux, bizarres parfois, mais ce sont des ponts...Et quelques-uns des vocaux sont directement inspirés de Devo et ce disque est un produit de son temps, et, en tant que tel, c'est amusant à écouter.
Il est à classer avec les débuts de The Cars et The Knack et se situe quelque part entre les deux stylistiquement.

Après la sortie de l'album, le groupe a été mis en pause, car Witkowski, Macrae et D'Amico sont retournés dans la région de Pittsburgh pour travailler avec le chanteur / compositeur Bill Taylor et former le B.E. Taylor Group.





Ils ont sorti un EP indépendant et finalement signé avec MCA pour deux LPs: "Innermission" en 1982 et "Love Won the Fight" en 1983.
La sortie du single "Vitamine L", écrit par Witkowski, produit par Macre et Witkowski, et chanté par d'Amico, tiré de ce dernier album, a trouvé sa place dans le Top 100 du Billboard en 1984.



Le succès de ce single a ensuite conduit le groupe à signer avec CBS records, et ils enregistrent et sortent un troisième album, "Our World" en 1986.



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Pendant ce temps-là, Palumbo reforme encore une fois Crack The Sky en 1981 avec DePaul, le bassiste Carey Ziegler, le guitariste Bobby Hird et le batteur John Tracey, et produit un nouveau disque intitulé "Photoflamingo".

L'album, paru en 1981, est dans la même veine que le précédent, même si quelques morceaux comme "A Girl Like You" ou l'excellent "Last Time" renvoient à leur son d'origine, et que d'autres sont interessants à écouter comme l'angulaire "The Other Guy" et le triomphal "Photoflamingo".
On y trouve aussi plus de Mellotron joué par DePaul, avec des cordes et des flûtes partout sur "Last Time", des accords de flûte, des choeurs et de l'orgue d'église sur "Only Lonely" et un grand passage de cordes et violoncelle sur "The Other Guy".

Contre toute attente, cet album est supérieur à son prédécesseur, mais ce n'est pas un grand disque.
Il y a toujours un peu de l'humour de Palumbo dans le songwriting, mais le groupe ne correspond plus du tout au groupe d'origine...

"Photoflamingo" semble être l'album que the Knack n'a jamais eu le temps de faire et Crack The Sky avait certainement mieux à faire, mais...

Le morceau d'ouverture "Flamingo Prelude / Too Nice for That" commence par l'air principal du morceau "Photoflamingo", puis vient une intro à la guitare et un morceau à la the Knack, comme sur le précédent disque.
Suit "A Girl Like You" qui est encore une chanson qui sonne comme the Knack!...
"Last Time" semble désespérément essayer de trouver le son du groupe initial, mais n'y arrive pas vraiment, on dirait presque du Toto...
La chanson suivante, "Hide Away", est un bon Rock joué dans un esprit un peu New Wave, mais avec un joli solo de guitare dans son milieu!
"Only the Lonely" est encore un bon morceau avec un joli solo de guitare où curieusement le chant ne devient intéressant que vers l'outro...
Quant à "Is All We Know", c'est une chanson funky avec un travail de basse très agréable...
La basse ouvre "Good Child Gone Wild", un morceau de style the Knack, puis vient la voix puis la guitare, et un excellent solo de guitare...
"The Other Guy" est une chanson avec un interlude qui fait un meilleur travail que toute chanson sur l'album pour capturer le son du groupe original, mais cela reste par trop éphémère...
Le morceau suivant, "With the Morons", est une autre chanson qu'aurait pu composer the Knack!
La chanson de clôture "Photoflamingo", jouée de façon grandiloquente, est le meilleur morceau du disque.

Bref, en conclusion, cet album n'est réellement conseillé qu'aux véritables inconditionnels et collectionneurs du groupe.



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Au début des années 80, Crack the Sky est clairement à la dérive et le nouveau disque intitulé "World In Motion 1"a contribué à ce que Crack The Sky disparaisse pendant quelques années dans le milieu des années quatre-vingt.
Et si vous l'avez écouté, vous comprendrez pourquoi: Il est difficile de croire que le même lineup a créé un très bon album de retour de ce groupe, "Cut", en 1998.

Pourtant, cet album injustement décrié mérite un peu plus de considération.
Chargé avec des ponts et crochets, "World In Motion 1" est un peu comme les deux albums précédents et les jours de gloire du groupe sont lointains.

Ce disque est composé d'un peu de Power Pop avec une légère approche du Art Rock: De la Power Pop, mais filtré par le côté asymétrique de la mélodie, le commentaire social et le sens de l'humour de Palumbo.
En réalité, "World in Motion 1" est un peu plus consciemment ancré dans la veine contemporaine du moment.
Aveugle et sans grande imagination, l'album offre bien peu d'intérêt...
Nous avons droit à du bon, du moins bon et même pratiquement de l'insipide; et tout cela sur ce même disque!

Vince DePaul joue du Mellotron pour des arrangements de cordes sur le morceau d'ouverture, "Breakdown".
On trouve même des traces du Led Zeppelin des années 80 dans ce morceau...
Le morceau qui suit, "Skindiver", est de la synth-pop heavy typique des années 80...Joli solo de guitare!
Leur reprise New wave de "Needles and Pins", morceau écrit par Jack Nitzsche et Sonny Bono, et connu par l'interprétation de Jackie DeShannon ou de The Searchers est assez intéressante à écouter, sans être transcendante...
Ceci dit, écoutez plutôt la version originale!
"All Fly Away" est tout simplement l'un des meilleurs morceaux! Pas révolutionnaire, mais un bon morceau qui n'a strictement rien à voir avec le reste de l'album! Une chanson remarquable de cette époque sur les craintes d'un holocauste nucléaire.
Vient ensuite "Too Cold to Be Cool", une bien jolie ballade poétique au piano...
Quant à "Talking to Napoleon", c'est un morceau insipide où l'on cherche désespérément quelque chose sur laquelle se raccrocher, à part, peut-être les paroles!
"Stealer" est un morceau banal typique de l'époque; vraiment pas grand chose à retenir!...
La chanson suivante, "This Time", est une jolie ballade avec piano / guitare ...et un peu de saxe.
On peut retenir un solo de guitare déchirant sur le médiocre et daté "Mr. DJ".
Digne des premiers albums, "Telephone Lady" est un bon morceau de Hard Rock mid tempo avec beaucoup de guitare...
Une sorte de retour en arrière, en quelque sorte!
"Lose That Girl" possède un riff et un rythme de Hard Rock; bien moyen musicalement...
Puis vient un Rock intitulé "Working Boys"! bien moyen!...
La chanson de clôture, "When I Grow Up", est le morceau de remplissage par excellence... Avec des gosses poussant la chansonnette!

Disque inégal et construit de bric et de broc, cet album semble être une sorte d'étalage des capacités de ses musiciens...
Aucune unité et peu de points communs entre les morceaux...
Un anarchisme musical, en quelque sorte!...

Crack the Sky ne recueillant pas le succès critique et public, c'est une nouvelle dissolution en 1983.



"The End" est un album live enregistré pendant l'année 1983 et sorti uniquement en LP en 1984...
En lisant les notes de pochette de Palumbo sur ce disque en public, sans parler de son titre, on a l'impression que John était dans une procédure de liquidation.

L'album débute avec une nouvelle chanson, le plutôt ordinaire "Monkey Time", renforcé par la section des cuivres étrangement non créditée, de même pour "Skin Deep" tiré de "White Music".
Le reste de ce disque bien court se compose d'un autre nouveau morceau, "Astro Boy", deux autres chansons de "White Music" et quelques vieilleries, les longues "Ice" et "Nuclear Apathy", bien que celle-ci semble être moins la vraie chanson qu'un medley de morceaux plus connus, rien moins que des parties de "Surf City" et "Hold On".
Vince DePaul joue du Mellotron avec choeur occasionnel sur "Skin Deep", une partie de flûte solo, des chœurs d'arrière-plan et les arrangements de cordes sur "Ice", plus des chœurs d'arrière-plan sur "All American Boy" et des cordes occasionnelles sur "Nuclear Apathy", mais où donc est la principale partie de cordes sur le superbe "Hot Razors (In My Heart)"?... Remplacée par du synthé?...



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John Palumbo sort l'album studio "Raw" sous le nom de Crack the Sky en 1986.
Mais, bien que l'album ait la signature Crack the Sky, qu'il sonne et lui ressemble, il ne comporte aucun membre passé du groupe: alors que Jamie LaRitz fait le travail qu'on lui demande, c'est à dire jouer de la lead guitare, tout le reste étant joué par Palumbo.
En fait, "Raw" est un album solo de Palumbo sous la bannière Crack the Sky.

"Raw" est plus 'Rock' que les différents efforts en solo de Palumbo, mais le son et les compositions sont absolument horribles.
Bien que la capacité lyrique de Palumbo soit bien supérieure à la moyenne, ses compositions musicales ont tendance à souffrir quand il veut tout faire.

Il est tout à fait clair que l'intention première de Crack The Sky se trouve sur "Raw" à la lecture de ce message sur le verso de la pochette: "No synthesizers, no digital processing, no keyboards" ("Pas de synthétiseur, sans traitement numérique, pas de claviers")...
On aurait pu croire que c'était un défi pour Palumbo et qu'il avait produit un album entièrement différent encore tout à fait digne de Crack The Sky.

Ce disque est certainement assez différent du reste de leur catalogue, mais peu importe le nom donné à ce genre de musique, c'est inécoutable; Le son de la batterie est mécanique, froid, artificiel, et ne semble pas tout à fait naturel; n'importe quel vrai batteur ferait mieux! Le travail de guitare de Jamie LaRitz déborde d'effets plus ou moins maitrisés pas aidés par un ton mince et fluet, comme tous les trucs pop radio rock des années 80.
L'écriture est bien légère, il est assez clair que l'héritage de Crack The Sky est en plus ternie par une faible production et une approche qui semble pressée et vraiment pas sincère du tout.

Cet amalgame improbable de New Wave, Heavy Metal, Prog, et Pop est déjà apparu sur d'autres albums de Crack The Sky, mais pas à ce niveau et cela ne donne pas envie de le réécouter.

D'abord et avant tout, c'est Palumbo qui fait presque tout le travail alors qu'une des meilleures choses à propos des albums classiques du groupe d'origine était l'interaction entre les membres du groupe.
Cela a souvent donné lieu à la performance d'une chanson portée à des hauteurs bien au-delà de la relative simplicité de l'écriture. Avec Palumbo jouant de tout, sauf de la guitare lead, cette interaction est donc inexistante.
Ensuite, le mixage est plus que glauque. Il y a tellement de reverb sur la voix, un jeu de batterie plus que nul et tant d'insignifiance dans le reste des instruments qu'il devient difficile d'écouter l'album en entier!
Le seul côté positif reste les paroles de Palumbo qui ne sont pas mauvaises. Son humour est toujours là, mais c'est un peu juste pour n'importe quel disque.
Et les arrangements tentent de restituer une partie du fun des trois premiers albums, avec un grand nombre des remplissages et de changements de tempo qui émaillaient les chansons classiques. Mais cela paraît vraiment trop forcé.
Les chansons par elles-mêmes sont du Palumbo typique avec son humour décalé et avant-gardiste.

"Raw" est cependant marqué par l'écriture de chansons de qualité inférieure, datée, une production trop brillante de style années 80 et, en plus, les performances vocales de Palumbo sont souvent indifférentes. Les chansons sont, la plupart du temps, sans inspiration. Toute cette affaire est un réel gâchis.
L'album déclenche l'hilarité avec par exemple "Elvis is My Daddy", la plus triste, la plus maladroite, la plus amateur tentative de satire sociale à être excrété de la plume nonchalante de Palumbo.
Ou le minaudant et geignard "Song For Another Year", qui est conceptuellement fait comme "We Want Mine", ne saura certainement pas le faire oublier non plus. C'est du Hard Rock très générique à consonance milieu des années 80 essayant d'être lyriquement intelligent et ne réussissant seulement qu'à être tout à fait générique.
La seule chanson vraiment originale et quelque peu progressive est la chanson de clôture, "The Samaritan", avec les signatures de temps variées.

En conclusion, Cet album est une insulte à la mémoire de ce grand groupe.
En fait, tout cela sonne comme une demo de compositeur de chambre. les chansons sont tout simplement stupides...

Palumbo réunit Crack The Sky avec Witkowski, Hird, DePaul, Ziegler et D'Amico pour une série de spectacles en 1986 au club Hammerjack de Baltimore.
Entre cette date et 1989, ce groupe a joué un certain nombre de spectacles en 1988, dans le club Hammerjacks à Baltimore et dans la région de Baltimore, dont 'Painters Mill Music Fair'.



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Ensemble, ils ont produit un nouveau LP en 1989, intitulé "From the Greenhouse", à bien des égards un retour au son classique du groupe, avec des efforts assez solides, y compris la chanson titre et "Lost In America".
Quoi qu'il en soit, c'est le grand retour du guitariste Rick Witkowski, rejoignant le groupe pour la première fois depuis l'album "White Music" de 1980.

Le résultat n'est pas mauvais, pas génial non plus d'ailleurs, mais plus écoutable.
Les paroles sont toujours du pur Palumbo: sarcasme socio-politique, avec beaucoup d'humour. Par moment très émouvant et parfois très drôle. Cependant, la musique est tirée à partir d'une variété de sources.

Les chansons sont assez basiques: c'est un Rock mélodique un peu Pop, une sorte de croisement entre le Pink Floyd de l'époque "the Wall" et le Rush des années 80, mais, et c'est bien dommage, avec l'utilisation de la drum machine et autres boites à rythmes, et la production est très typée années 80.

Dans "The Frozen Rain", "All The Things We Do", et "Can I Play For You (Ian's Song)", l'influence Beatles est évidente, sinon flagrante.
Le groupe rabâche même le 'Crack The Sky secret rock Rhythm', utilisé depuis leur premier album, notamment sur "Hold On", "Lighten Up McGraw" et bien d'autres tout au long des années précédentes.

L'album commence avec la chanson titre "From The Greenhouse", à propos des enfants à naître dans le ventre de leur mère, qui est très réminiscente de Pink Floyd en particulier dans la guitare, non seulement dans le pont, mais il y a aussi un passage de guitare sonne comme "Brain Damage". Le pont sonne comme si il avait été tiré directement à partir de "Have A Cigar".
Le refrain de "after all we've been through..." est très obsédant... Quand l'album est sorti, la chanson a obtenu une bonne quantité de temps d'antenne sur la station de Rock local.
Ensuite vient "Under Red Skies" qui est une sorte de chanson décontractée avec une belle sensation presque bluesy ou même folky.
La troisième chanson, "Big Money", est un peu un Rock genre Arena Rock de bonne qualité.
"The Frozen Rain" qui suit contient une très belle mélodie qui sera reprise un peu plus tard dans l'album.
"Monkey Boy" sonne comme David Bowie et Palumbo tente de sonner comme Bowie. Ce morceau pourrait rebuter certaines personnes au début à cause de l'imagerie raciale, mais c'est en fait une sorte de chanson anti raciste qui semble critiquer les opinions racistes et intolérantes que les gens ont et gardent. Peut-être le maillon le plus faible de l'album...
Ensuite, il y a "All the Things We Do", qui est un beau Rock, mais de qualité moyenne.
C'est là où le commentaire social semble être le plus fort sur l'album. La chanson se termine même avec le son d'une fausse bombe atomique.
Le morceau suivant "Lost in America" est un autre exercice dans le commentaire social. Les paroles sont presque humoristiques parfois, mais jamais loin de la réalité, elles essaient de traiter des questions graves souvent négligées.
Cette chanson contient une très belle partie de guitare solo Floydienne sonnant bluesy.
La dernière piste, "Can I Play for You (Ian's Song)" qui dure près de 8 minutes contient une belle mélodie. Les cordes donnent un très gros son. Quelque part au milieu la chanson fait une pause dans le thème de "Frozen Rain" et le refrain de cette chanson est répétée.

A noter que cet album a culminé au numéro 186 dans le Billboard, mais qu'il a reçu un avis mitigé de People Magazine.



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L'album "Dog City" paru en 1989 se poursuit dans la veine du précédent.
Il semble en effet la suite directe de "From The Greenhouse", car les deux albums disposent du même personnel et du même son Floydien des années 80; ces albums sont certainement un produit de leur temps, en particulier en termes de production.
...Et Rick Witkowski joue toujours superbement de la guitare.

Mais, encore une fois, ce groupe aurait pu (du?) utiliser un batteur: Alors que le batteur d'origine du groupe, Joey D'Amico est membre de ce line up, il est seulement utilisé en tant que choriste tandis que John Palumbo prend le rôle du batteur. Complètement incompréhensible!

C'est encore un album bien moyen avec des réminiscences du Pink Floyd de Gilmour des derniers albums.

"Dog City" est pourtant un effort bien pensé qui relate le mécontentement et la décadence urbaine de manière souvent mélodique.
Palumbo est un solide sinon spectaculaire chanteur, et ses paroles sont toujours travaillées.

L'album s'ouvre avec un drone de claviers sonnant sinistrement et diverses percussions électroniques, des bruits de machines comme Pink Floyd le faisait à cette époque, et c'est le morceau d'ouverture, "Dog City" qui sonne d'ailleurs pratiquement comme un pastiche du Pink Floyd de Gilmour des années 80, une suite de "The Division Bell" en quelque sorte, avec quelques bons travaux de guitare.
Le morceau suivant intitulé "Love Me Like A Terrorist", une étude relationnelle originale de la part de Palumbo, intrigue et transforme son son Hard Rock générique grâce à quelques rebondissements de composition intelligents. Cette chanson commence aussi en sonnant comme Pink Floyd, mais elle se transforme rapidement en Hard Rock.
C'est une chanson mélodique au sujet d'un jeu de rôle sexuel enveloppé dans un éclat Pop / Metal, qui ne dépareillerait pas sur un disque de Def Leppard.
Par ailleurs, "Lost Boys" où Palumbo détaille la vie de gang de rue sur une mélodie emprunte généreusement à nouveau dans l'oeuvre du Floyd, avec les riffs d'ouverture et l'atmosphère de "Wish You Were Here" avant les superchorus, la caisse claire et la grosse caisse caverneuse des années 80 venant tout écraser pour ruiner le plaisir.
Bien qu'il y ait un plongeon notable dans la qualité juste autour du ringard "Mr President", il y a une certaine confiance dans le songwriting, la voix et la performance de Palumbo.
"Mr President" a une piste rythmique avec harmonica qui sonne comme "When The Levee Breaks" de Led Zeppelin, et exactement le même pont du Floyd volé et utilisé dans la chanson "From The Greenhouse".
Cependant, au milieu de l'album, sur le titre approprié "Quicksand", les choses commencent à devenir plus Hard avec de bonnes interventions de la guitare en solo.
Et "Waiting For The New World" sonne comme une version ralentie de "From The Greenhouse", mais sans le pont mentionné plus haut.
Le prometteur, sombre et arty "Don't Call Me Brother" est malheureusement irrémédiablement enterré dans une avalanche de méchante batterie synthé et des tons de claviers archi datés.
La chanson suivante, "I'll Be There", est une jolie ballade avec mellotron et de jolies parties de guitare, mais cette batterie détruit toujours un peu le morceau! dommage!...
Pour finir l'album, "Dog Redux" n'est juste que quelques riffs sur des effets sonores de style "Welcome To The Machine".

Et John Palumbo a produit l'album lui-même; Ce n'est vraiment pas ce qu'il a fait de mieux.
La brillance de cette production datée se fait souvent au détriment de cette musique, qui par endroits avait assez d'étincelle pour avoir plus de succès véritable, surtout à cause de cette batterie.
Les instruments sonnent un peu confus et les vocaux sonnent tous comme s'ils avaient été enregistrés dans un placard.



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La période entre 1989 et 1996 a vu peu d'activité pour le groupe, sauf pour la sortie du disque de compilation, "Rare!", en 1994.
C'est une compilation de morceaux tirés des quatre albums de 1983 à 1990, de deux albums solo de Palumbo, et d'enregistrements live et de demos inédits.

Pendant ce temps, Witkowski a composé la musique pour un certain nombre de jeux télévisés sur le réseau de télévision pour enfants Nickelodeon, dont "Guts" et "Figure It Out".

Palumbo réunit le groupe à nouveau en 1996 pour lancer une série de spectacles dans de petites salles dans la région de Baltimore.
Le groupe à cette époque est composé des mêmes musiciens que fin de 1983, mais avec l'ajout de Nat Kerr aux claviers.



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Après une absence de plus de huit ans, John Palumbo a donc regroupé le line up du début des années 80, à savoir John Palumbo (guitare, vocaux), Rick Witkowski (guitare), Bobby Hird (guitare), Ron Zebron (guitare) Carey Ziegler (basse), John Tracey (batterie), et Glenn Workman (claviers) et le groupe sort un nouvel album intitulé "Cut" en 1998.

"Cut" est une parution tout à fait éclectique qui montre le groupe ayant encore une voix pertinente dans la scène musicale d'alors.
Cet album n'est pas un mauvais disque: cela sonne comme s'ils tentaient ardemment de capturer le son de leurs premiers enregistrements. Quelques vraies bonnes chansons, mais, par contre, cela ne sonne pas très cohérent ou énergétique dans l'ensemble.

Mais maintenant, avec quatre guitaristes, ces gars-là peuvent vraiment jouer le Rock!...
...Et, ce qui ne gâche rien, le groupe a enfin un batteur, un vrai!...

Cet album montre qu'il y a encore un peu de vie dans ce groupe: Palumbo et son équipage ont un côté un peu plus Hard cette fois-ci et, tandis que John ne quitte jamais complètement ses influences 'Pink Floyd rencontre Steely Dan', l'attaque à quatre guitares rend un certain nombre de ces chansons plus saignantes que les précédents opus.

A noter une chose intéressante, le bassiste Cary Ziegler joue des rythmes funky à souhait qui sont parfaitement complétés par le jeu de batterie de John Tracey. Et la chanson titre "Cut" et "Why Me" rappellent indéniablement la puissance de "Hold On" et de "Surf City".

Il y a en ouverture de cet album un morceau intutilé "Why Me?", qui sonne un peu comme "Flashlight" de "Safety In Numbers", avec un retour aux changements de rythme, de tempo et autres qui était la marque de fabrique du groupe à son origine. Le Rock joué est un bon Hard prog.
"Cut (the sequel)” qui sonne un peu comme un cousin proche de "Hot Razors dans My Heart" de 1980, aurait très bien pu figurer sur l'album "White Music". C'est une petite balade Rock avec une bonne rythmique et une excellente basse. jolis solos de guitare!
Quant à "Oh, Madonna", il sonne comme "Lighten Up McGraw" de l'album "Safety In Numbers", un Hard Rock de belle facture de leur part...
"God" et une ballade réfléchissante au piano de style John Lennon en solo. L'orchestration, toute en retenue, est quasiment parfaite.
L'écriture acerbe de Palumbo est encore une fois démontrée sur "Eye To Eye" en ce qui concerne les relations interpersonnelles avec le sexe opposé. C'est un Hard Rock tout ce qu'il y a de plus basique...
La chanson suivante, "The Art Of Wondering", avec son influence Heavy Jazz est l'une des meilleures chansons de l'album et probablement la plus prog. Avec son introduction forte et une section du milieu à l'unisson, et une basse lentement funky derrière les sections vocales, ce morceau touche à tous les éléments qui ont fait découvrir Crack the Sky.
"We Want Mine (Still)" est un remake, avec un ton tranchant beaucoup plus Hard, de "We Want Mine", à l'origine sur l'album "Animal Notes".
Au niveau éclectique, on trouve une chanson de Rap intitulé Hey Earl", avec sa ligne de basse infectieuse, chantée par le rappeur H-1.
"I'm Gonna Kill Myself" est un Hard Rock de facture tout à fait classique avec un riff entêtant et un joli solo de guitare...
Le morceau final de l'album, "Little Stinky", n'est qu'un morceau de 'Bar-Room Delta Blues'...

En conclusion, cet album est un excellent retour du groupe Crack The Sky aux affaires courantes, et enfin un album digne de ce nom!
On finissait par ne plus y croire, mais ils l'ont fait!...



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Et, en 1999, ils enregistrent un double album live le 19 Juin au Recher Teatre à Towson, dans le Maryland.
En effet, le passage annuel de Crack The Sky au Recher Teatre est devenu une tradition dans le Maryland pendant les 15 dernières années.

Ce set de deux heure et demie les capture devant une salle comble avec leur 'Crack Pack Horns' composés de Dave Fairall au saxophone et de J.J. Gunning, Jr au trombone.

Les enregistrements live de Crack The Sky sont en général impressionnants et John Palumbo et son gang mettent toujours le feu sur scène.
Les chansons sont joués avec une intensité qui les rend toutes beaucoup mieux que leurs versions originales; la plupart sont étendues bien au-delà des versions originales de studio. "Surf City" se transforme même un peu en "Low Rider" de War.

Grand groupe ... grand spectacle ...

Les performances ne sont pas mauvaises, même si elles sont un peu bâclées, mais le chant est devenu le point faible, car la voix de Palumbo n'est plus ce qu'elle était autrefois, et les choeurs sont souvent un peu limite.
Le son est agréable, un peu rude, mais c'est un bon disque...Malheureusement, le bruit de la foule interfère avec quelques-uns des grands moments les plus doux du concert.

Un moment anecdotique particulièrement drôle se passe quand la foule pense que le concert est fini et que Palumbo leur dit qu'il n'est fini qu'à moitié et que "...Party II is next...", alors le groupe reprend de plus belle.

Ce double CD "Live Recher Theatre 06.19.99" parait en 2000.

Crack The Sky continue d'effectuer des spectacles occasionnels et de collaborer sur de nouvelles chansons sous la direction de Palumbo.



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L'album "Ghost", paru en 2001, qui a été acclamé par la critique, est tout simplement un renouveau du groupe avec des arrangements qui tiennent la route, un bon jeu de basse et un bon tandem de lead guitaristes!
Seul le chant pourrait être un problème parfois, mais il n'empêche pas de savourer le retour de Crack The Sky!...
Les chansons ne sont pas pourtant pas spécialement spectaculaires, et seulement légèrement prog, mais un bon feeling imprègne tout l'album.

Il y a aussi beaucoup moins de ressemblance à tout autre groupe sur cet album que les précédents, bien que John Lennon soit toujours l'une des plus grandes inspirations de Palumbo.
Et une fois encore, les paroles sont le point focal.

L'album commence sur une bonne note avec "Coconuts", qui joue avec le livre d'Hillary Clinton "It Takes A Village".
La guitare agressive de Witkowski et les paroles mordantes de Palumbo rappellent les premiers albums de Crack the Sky. Il y a un vrai sens du Free Jazz dans une grande partie de la musique de fond, ainsi que certaines percussions phénoménales...
Suit "Ghost" qui une chanson beaucoup plus modérée, avec une voix éthérée, en particulier avec quelques passages de guitare qui accentuent la voix très filtrée de Palumbo.
Musicalement, c'est assez minime jusqu'à environ deux minutes, quand arrive un peu de lead guitare, bien que cela ne dure que peu de temps avant le retour subtile de la voix.
Avec "I", le groupe utilise à nouveau un support répétitif avec des accents intéressants pour compléter la mise au point de la voix de Palumbo.
Le changement de clé à travers le pont à environ trois minutes est efficace, avec le support d'un piano jazzy qui s'éteint avec la guitare Heavy et la batterie.
Avec des paroles assez courtes, la chanson intitulée "Go" est en grande partie instrumentale, et c'est en effet un excellent travail du duo de guitariste et ce morceau plus lent fonctionne bien entre le chant mélancolique de Palumbo et le reste du groupe.
Chanson calme et somnolente, "Fly" est un morceau doux et agréable qui construit un panorama sonore subtil avec un peu de guitare espagnole accentuée en son milieu.
Parlant des incertitudes de la vie, les paroles acerbes de Palumbo sur "Tomorrow" sont perspicaces et se trouvent sur un lit de musique qui rappelle vraiment les tout premiers albums du groupe.
Une basse énorme, une batterie jazzy, et des solos de guitare agréables rendent cette piste vivifiante et intéressante.
Principalement instrumentale, "Zoom" est certainement la meilleure chanson de l'album. Elle commence comme un morceau de Rock assez simple, puis se brise en un morceau jazzy subtil après les trois premières minutes. Avec près de neuf minutes, elle est suffisamment longue pour permettre une pleine exploration sonore.
Tous les éléments du groupe s'intègrent très bien et la voix de Palumbo n'est rien d'autre qu'un autre instrument dans le mix.
"USA" est une vision plutôt sarcastique des États-Unis du point de vue d'un centraliste, les paroles ne rendant pourtant pas comme avec les chansons similaires sur les albums précédents, comme "City Dog" ou "Lost in America" et lorsqu'elles sont combinées avec la voix de Palumbo en Rap, cela ne fonctionne tout simplement pas.
Certains passages musicaux peuvent cependant être intéressants, mais dans l'ensemble, ce n'est pas une bonne chanson.
Comme "Fly", "Zazen" est joué de façon down tempo pour un effet somnolent. A noter une jolie partie de flûte vers la fin, bien que ce ne soit pas crédité sur les notes de pochette, de sorte que cela pourrait être tout simplement un sample.
Mettant fin à l'album sur une note un peu bizarre, "Husband" est un morceau de Blues pur.
Alors que la sensation curieusement minimaliste de ce genre de chanson est bien réelle, cela fonctionne étonnamment bien, et ceci importe peu quant à la polyvalence du groupe ou à la simplicité de la duplication du son du blues du Mississippi.

S'étant fixé, en quelque sorte, un objectif de retour à leurs racines avec cet album, Crack the Sky n'a pas tout à fait réussi, mais ils s'en sont largement approché.
C'est cependant un album de bonne qualité qui va certainement plaire aux fans de longue date, en particulier ceux qui avaient perdu l'espoir de les retrouver depuis tant d'années.



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Le nouvel album du groupe, paru en 2003, s'intitule "Dogs From Japan”, et il prend les fans du groupe à contre courant.
Il est plus Hard Rock qu'autre chose. La musique, quoi que pas mauvaise, n'est pourtant pas très imaginative. Et, de temps en temps, par-ci, par-là, on découvre de légères tentatives pour reconquérir le son des premiers albums, mais c'est très faible, et même à peine perceptible.

A l'origine, cet album avait été intitulé en plaisantant "Whiter Music".
Il faut noter le retour du bassiste original du groupe, Joe Macre, qui joue sur les trois premières chansons.
Les paroles de John Palumbo sont toujours mordantes, sarcastiques et drôles. Particulièrement sur "Betty And The Jets", "Suburban Subhuman" et surtout "I'm A Doctor", où Palumbo dépeint un médecin quelque peu lubrique.

Ce CD rocke... Cette collection comprend la plupart du temps des morceaux up tempo accessibles avec quelques surprises et des rebondissements.
En fait, "Dogs From Japan" est constitué de rock plus traditionnel dans le mixage.
Les éléments progressistes sont infimes, mais présents et il y a assez de chansons simples pour donner un équilibre à l'album.
Ceci dit, la production est un peu mince et il y a des endroits où les chansons penchent un peu trop vers le répétitif.

Pour ouvrir l'album, "Little Jesus" est un Hard Rock de facture tout à fait classique avec de jolis solos de guitare pour l'agrémenter.
Vient ensuite un autre Hard Rock intitulé "Betty and the Jets".
Le titre est un hommage à Elton John, d'ailleurs, la toute première note est la même corde de piano qui commence "Bennie and the Jets". Cependant, cette chanson ne ressemble à aucune chanson d'Elton John.
Comme son titre l'indique, "I Want to Be John Lennon" est un Rock des années 60 avec influences Lennon en solo où la seule personne vivante référencée dans cette chanson s'appelle Paul McCartney (alias Sir Mc Mushy).
Le morceau qui suit, "Fat Man", sonne comme une chanson d'Aerosmith, sauf que Steven Tyler ne sera certainement jamais capagne de chanter ces paroles...
"Die With You" est un autre Hard Rock, mid tempo celui-là, avec parfois des passages plus calmes. Toujours de belles parties de guitare!
Quant à "Suburban Subhuman", c'est pratiquement un morceau Punk Rock avec des paroles hilares impressionantes!
"Dancing at the White House" est un Hard Rock au riff itératif et de bons solos de guitare qui complètent le tout.
Suit "Dogs from Japan" qui est un simple Rock peut-être même un peu trop simpliste...En tout cas très léger!
La chanson suivante, "I'm a Doctor", est un clin d'œil évident à David Bowie, sonnant un peu comme un croisement entre "Fame" et "Let's Dance".
"Boys" est un Hard Rock de facture tout à fait classique dans sa conception.
Surprise ensuite, "White Girl Dance" sonne comme un bon vieux Southern Rock avec des guitares omniprésentes.
"The Cool" est un joli petit Rock sans aucune fioriture avec un pont central très calme avant que le Rock reprenne...
Avec "My Brain Is Mush", nous avons affaire à une sorte de Southern Blues Rock; les guitares et le piano sont en interactivité parfaite!
Pour finir ce disque, "Message #10" est un morceau bizarre qui semble être plus du remplissage qu'autre chose: aucune mélodie, juste des sons un peu comme le "Revolution N° 9" des Beatles sur leur double album blanc...

En conclusion, "Dogs from Japan" n'est pas un mauvais album, mais après "Ghost", on attendait certainement autre chose de la part de Crack The Sky...



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"Alive and Kicking" paru en 2006 est un album live excellent, avec la plupart du line up du groupe original: John Palumbo (guitare / chant), Rick Witkowski (guitare plomb / chant), Joey D'Amico (batterie / chant), Joe Macre ( basse / chant), et Jim Griffiths (guitare / chant).

Le show est composé de la plupart du matériel le plus reconnaissable de Crack the Sky et capture leur énergie en public et leur jeu quasi-virtuose.
L'album a été enregistré en live au Tower Theater de Philadelphie, en Pennsylvanie et à l'Agora de Cleveland, dans l'Ohio en 1978 - les mêmes shows qui avaient été utilisés pour l'album "Live Sky".
Quatre de ces performances étaient inédites et six étaient sur "Live Sky" (l'une de ces six, "She's a Dancer", avait été modifiée pour la longueur sur le "Live Sky' mais apparaît ici dans son intégralité); les bandes ont été produites, remixées et remasterisées par le bassiste Joe Macre pour cette version.

A noter que ces gars sont bien meilleurs en live que dans un studio et ce CD le confirme.



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Le groupe a réalisé un nouveau concept album en 2007, "The Sale”, qui présente le bassiste originale Joe Macre, qui joue et produit l'album.
Et cet album est la meilleure chose que le groupe ait fait depuis leur réunion en 1997. Le sujet est en temps opportun, le message est puissant, les performances sont strictes et la voix de Palumbo est expressive.

C'est, en effet, un bon retour en forme pour Crack The Sky, peut-être justement en raison du retour de Macre. On peut pratiquement entendre des notes du groupe original, et parfois ils sonnent comme s'ils essayaient absolument de retrouver ce son.
Il y a, par exemple, beaucoup de chansons utilisant la basse et la batterie syncopée qui ramènent à la formation initiale.
Joe Macre rapporte la sensation d'origine au groupe dans son jeu. Il suffit d'écouter la ligne de basse à la fois sur "Immigration' et "the Voice of Corporation'. Son jeu est très original, que très peu de bassistes peuvent égaler.
Il y a des chansons qui rappellent "Flashlight", "Lighten Up McGraw", et même le son de "Animal Skins".
Il y a des chansons qui auraient pu être sur "From The Greenhouse", et quelques-unes qui ont le son plus moderne de "Cut".

Le seul reproche est que le mixage, en particulier le chant, est un peu mou dans l'utilisation d'effets. Et puisque le disque ne fournit pas les paroles et parfois il est difficile de comprendre ce que Palumbo chante et il est aussi parfois difficile d'entendre même la voix de Palumbo. Comme il vieillit, il semble qu'il aime apporter un son éthéré à sa voix. Mais, principalement, ces paroles sont politiquement de gauche.
Ce nouvel album ramène donc Crack The Sky à ses fans originaux. Ceux des trois premiers albums l'apprécieront.

Le thème de "The Sale" est intelligent et il tient le disque en un ensemble cohérent car les chansons coulent simplement de l'une à l'autre.
Similaire lyriquement aux premières parutions, Palumbo aiguise son esprit de rasoir et son humour acerbe sur toutes les problèmes de ce jour. Sur la perte de vie privée ("L'Acte de Patriote"), Big Business ("The Voice of Corporation") et l'immigration ("Immigration pt. 1 & 2").

On peut affirmer que cet album est un véritable must! Chaque morceau est bien écrit, produit superbement et ça jamme franchement!
Soulignant leur côté Prog Rock, celui-ci rocke assez Hard sans sacrifier leur musicalité ou leur cohérence.
Le songwriting de Palumbo brille à travers ce disque. Ce groupe ne cesse de se bonifie avec l'âge.
Ce disque est l'un de leurs meilleurs travaux à ce jour.

"The Sale: Introduction" est une jolie introduction musicale pour ce disque.
La chanson qui suit, "Prelude", en est un (prélude) joué au piano et avec des vocaux tempo lent et l'intervention d'une guitare en cours de route est vraiment cool.
Quant à "American Refugee", c'est un morceau funky avec une superbe ligne de basse et une excellente intervention des guitares.
La seconde partie, "American Refugee - Movement 2", a une intro plus Heavy et la guitare est omniprésente.
De nouveau, une intro Heavy avec "The Voice of Revolution" avec des vocaux en arrière plan pratiquement inaudibles et ce morceau est, au final, bien moyen.
Pour la seconde partie de ce morceau, "The Voice of Revolution - Movement 2", le côté Crack the Sky des origines prend le dessus avec une intro plus prog et même l'intervention d'un Moog.
Palumbo prend une tournure plus sérieuse sur "A Letter Home", chanson à propos de la guerre en Irak, et le rappel sinistre de ce soldat pour faire face au champ de bataille.
La chanson est dépouillée avec des guitares acoustiques et une mandoline, mais très poignante et très émouvante.
Le morceau suivant, "Immigration", a une bonne introduction, mais peut être un peu trop répétitive, et le morceau par lui-même est agréable à écouter, mais sans plus!
Son second développement, "Immigration - Movement 2", est plus intéressant avec son intro plutôt jazzy et une bonne guitare bavarde, puis retour au thème principal avant un passage Jazz Rock Latino sur les bords dans un style assez proche de Santana
Suit "A Prayer for the Children" qui a une intro à la King Crimson période 'Lark's Tongues' ou "Red", le morceau venant ensuite avec un riff Heavy Metal, puis une sorte de mélange entre King Crimson et Heavy Rock qui en font un morceau très intéressant à écouter.
Comme l'objectif principal de Palumbo était son songwriting, Rick Witkowski n'est pas en reste avec son travail de guitare au point d'être l'un des meilleurs guitaristes de Progressive Rock.
"The Voice of Corporation" a exactement la même sensation que "Animal Skins" de l'album "Animal Notes".
Pour "L'Acte de Patriote", l'intro et le morceau sont aussi très krimsonniens, avec, parfois, un côté quelque peu beatlessien.
Quant à "The Kingdom Grows", c'est un Blues Rock sans prétention.
"The Face of God" montre encore quelques similitudes avec "Lark's Tonges in aspic" de King Crimson.
Pour fermer l'album, "The Sale: Closin' Time" est une petite ballade calme avec intro piano, chant et arrangement de cordes qui finit en s'accélérant petit à petit avec la rythmique et des solos de guitare in fine.

En conclusion, dans l'ensemble, ce disque est un bon effort quasi stellaire, mais c'est surtout, tout simplement, un bon album de Rock.
Mais, bien qu'il soit bon, il n'est pas leur meilleur, loin de là.
"The Sale" peut cependant peut-être se classer dans le top 5 de leur discographie.

En 2008, Joey D'Amico et Joe Macre reviennent en tournées comme batteur et bassiste, respectivement.



En outre, le groupe est tête d'affiche du festival de musique progressive, "ROSfest" et lance en 2009, un DVD avec leurs concerts, avec l'ingénierie et la production de Joe Macre. Le DVD a été tourné sur six caméras hi def en son surround 5.1 et inclut des images et des interviews avec les membres du groupe.



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En 2010, est publié "Machine", un concept album varié, de nouveau avec 4/5 du groupe original: John Palumbo, Rick Witkowski, Joe Macre et Joey D'Amico, pour la première fois depuis le départ de Palumbo pendant l'enregistrement de "Safety In Numbers".

Il y a quelques constantes avec chaque CD du groupe: production sûre, instrumentation hors pair, songwriting intelligent et provocateur de John Palumbo.
Leur discographie, en général, exige plus que de l'écoute passive, et il y a même quelques albums qui nécessitent des auditions multiples et carrément un certain travail de la part de l'auditeur, car ils peuvent être denses, multicouches, complexes et même stimulants.
Néanmoins, ils sont souvent assez gratifiants.

Ceci dit, c'est un album correct mais moins satisfaisant que "The Sale".
En effet, "Machine" est sombre et morose, mélangeant des éléments de "Ghosts" et de "From The Greenhouse", deux des disques d'auto-conscience du groupe.
C'est un disque principalement ambiant et sombre, bien que l'esprit de rasoir de Palumbo brille à travers les chansons "Hyphen-American" et "We're All Dead".
Considérant que leurs efforts précédents regorgent de musique, cet effort voit des arrangements plus spacieux et étirés.
Et, dans les faits, il y a très peu de prog sur cet album: "Heaven", "Come Out", "Hero" et "We're All Dead" ont tous quelques traces de "the Wall" du Floyd, sans plus.

C'est un bon disque du début à la fin, peut-être encore l'un de leurs meilleurs efforts.
Le travail de guitare est très largement bluesy et surtout pas particulièrement prog du tout. Cela ressemble encore plus à Pink Floyd.
"Machine" continue "The Sale" avec un mélange de son Pink Floyd / Steely Dan.

D'Amico revient derrière la batterie après une absence de quelques albums et la section rythmique dynamique originale Macre / D'Amico est mise en sourdine malgré un peu de l'incendie d'origine du groupe.
Le matériel semble plus que la plupart des autres parutions du groupe sous la direction de Palumbo (avec un tas de sideman en location), au point d'être pratiquement un effort solo de Palumbo.

Peut-être que trop de temps a passé à attendre quelque chose de semblable au matériel d'origine, mais les chansons sont convaincantes et la musicalité est rigoureuse et rockante avec des arrangements luxuriants et épiques.
Lyriquement, "Machine" est un album concept sur les machines prenant le contrôle à la fin du calendrier Maya (12/21/12) et le lent glissement de l'humanité à sa perte inévitable.
Les paroles, comme d'habitude avec Palumbo, sont intelligentes. Elles ont même tout le cynisme et la morsure d'une chanson de Steely Dan.
Les thèmes récurrents de Palumbo, de la cupidité des entreprises à la dévastation des ressources naturelles de la Terre, en passant par l'impuissance de l'homme contre diverses 'machines', l'intolérance, etc, etc, sont tous exposés ici dans des ballades mélodiques magnifiques et des véritables Rocks.
L'album est, en fait, à propos de la fin du calendrier Maya, le 21 Décembre 2012, après la mort de l'humanité et le travail de production de Joe Macre est encore absolument sûre et impeccable.

Les deux minutes de "Overture" du disque pourraient tout aussi bien venir d'un album de Tangerine Dream.
Une guitare acoustique calme semble former l'intro de la ballade mid tempo "Heaven" avec le chant délicat de Palumbo.
Peu à peu, Witkowski parsème le morceau d'un peu de son jeu de guitare bluesy.
Le morceau suivant, "Come Out", trempe un peu dans la même ambiance conviviale.
Le groupe a rarement semblé si mélodieux comme dans le refrain de cette chanson, pendant que Witkoski crée encore un bon son de guitare.
Après celà vient "Here It Comes Again". Une guitare pure, un orgue swingant, le chant et le refrain encore assez poli révèlent le son familier du groupe.
La chanson se termine sur deux minutes de jam de la guitare de Witkowski avec l'orgue de Glenn Workman.
Dans le mid tempo "Goodbye Mrs Nature", les influences du Pink Floyd sont évidentes grâce à la guitare et lorsque John Palumbo se met à chanter comme Roger Waters.
Quant à "Join Up", c'est une chanson magnifique avec un joli clin d'œil musical plutôt audacieux pour le Blues et le Rock de ZZ Top.
Dans "Hyphen-American", la société Américaine multiculturelle est de plus en plus ridiculisée en se demandant 'où tous les Américains des États Unis sont partis'.
Musicalement les influences viennent de Steely Dan.
La chanson "Go Johnny" montre le groupe avec une introduction à la guitare acoustique et une bonne guitare Rock accrocheuse et la voix modelée de Palumbo.
"Hero" a aussi une intro acoustique pour une ballade mid tempo avec des choeurs à la "Hey Joe" et de bons solos de la guitare de Witkowski.
Mais c'est dans "We’re All Dead" que se déroule l'intrigue de l'album après une longue introduction où nous ne savons pas que nous sommes morts depuis longtemps et que les machines ont pris la relève.
C'est sans doute pourquoi la dernière minute est pleinement joué par Witkowski maniaquement comme si sa vie en dépendait.

Encore une fois, Crack the Sky offre un disque incroyable que peu de gens sont susceptibles d'écouter et "Machine" est vraiment bon pour tout fan de Prog Rock qui se respecte.
Surtout, c'est un album qui prouve que le groupe, même après 35 ans d'existence, est toujours en vie.
Les paroles sont toujours aussi vives et pleines d'humour et le groupe rocke toujours et encore bien, malgré tout ce temps passé.



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Le groupe essaie de nouvelles choses, avec "Ostrich" paru en 2012, et le nouveau bassiste, Dave DeMarco, va à ce groupe comme un gant; ses lignes de basse autoritaires rappellent un peu les trois premiers albums, mais avec une mise à niveau de funk ajoutée.
Bravo à Palumbo et Co pour avoir donné sa chance à ce petit nouveau car la basse débute trois ou quatre chansons.

Mais cet album ne fonctionne pas vraiment...
Bien sûr, il est funky et groovy, mais la plupart des chansons sont très répétitives et il y a d'étranges choeurs sur une bonne partie de ces morceaux, ce qui rend très difficile d'apprécier ces chansons.
Crack The Sky a toujours été bizarre mais cela semble un peu trop. Ce disque rappelle beaucoup un côté plus énergique de l'album original, "Ghost", qui était aussi bien faible.

Pourtant, avec “Ostrich”, le groupe marque un certain retour à ses débuts.
Crack The Sky montre une fois de plus sa capacité à changer de vitesse, en gardant intact son intégrité artistique. C'est leur enregistrement le plus funk à ce jour et il y a beaucoup de groove.
Palumbo posséde toujours un esprit acide et une multi-approche très polie au solid Rock and Roll, mais là, c'est peut-être un peu trop.
Il y a maintenant trois guitares (Palumbo, Witkowski, et Bobby Hird), et le son est solide. Puis il y a aussi la section de cuivres céleste, Crack Pack ré-affirmant les vieilles magnificences de Palumbo comme arrangeur.

Chaque morceau est strict, alambiqué, structuré, et poli à un degré que Donald Fagen pourrait revendiquer...John parle de chaque artefact culturel imaginable, les heurte avec sa vision singulière.

"Ostrich" s'ouvre avec "The Box", qui rappelle King Crimson époque "Vrooom" avec des guitares angulaires et des effets Floydiens intéressants. Et d'ailleurs, c'est un concept album! "I live in a box...the size of my head". ("Je vis dans une boîte ... la taille de ma tête"). Et là, on voit tout de suite la connexion avec l'autruche. Le sujet est un isolationniste moderne actuel qui sait ce qu'il sait et pas grand-chose d'autre.
La chanson suivante "Happy Happy Happy" montre notre sujet marchant tranquillement, parfaitement ignorant de ce qui se passe dans le monde, sachant que tout ce qu'il peut faire est insignifiant.
Musicalement celui-ci démarre avec une mega basse, introduisant le nouveau bassiste Dave DeMarco, qui a certainement dû être un membre de P-Funk dans une autre vie.
Profond, dopant et funky au maximum! Les cuivres rendent cette chanson si vive et optimiste, mais c'est seulement en lisant les paroles que l'on peut comprendre l'ironie; c'est une chanson très sombre qui peut décrire plusieurs de nos amis ou connaissances.
Suit "Your House is on Fire" qui aurait pu être une métaphore sur une personne dont la vie serait dans un désordre le plus total ...Mais, pas du tout!
La maison est bien littéralement en feu. C'est un tour de force où King Crimson est encore à l'honneur. Peut-être un peu Tower of Power, mais par surprise, le solo de guitare de Rick Witkowski est du vintage pur
Le groupe se met à faire de la Country, avec une pedal steel guitar et un chant de chien de prairie. C'est "King of the Rodeo", une chanson sur un cow-boy qui se déplace au Japon pour trouver du travail parce que son travail n'existe plus sur place. Mais où Palumbo est-il aller chercher ce genre de choses?
"Big Elephant" est une sorte de traité politique écrit sur place. De grands claviers prospères rappellent Rush de la fin des années 80, tambours tribaux et encore une fois quelle basse. De la basse slapée dans ce groupe, c'est vraiment une première.
"Holding My Breath" dispose d'un brevet de Crack The Sky pour la marque de fabrique du duel de guitare à la fin. Quelques traces de Rush par-ci, par-là.
Ensuite vient "Pole Dancing at the Hollywood" qui est un autre morceau funky avec quelques bons passages de cuivres jazzy. C'est vraiment du sérieux. Il suffit d'un bassiste différent et tout peut changer bien qu'il ne figure pas en tant que compositeur.
Avec "Under The Hood", il y a beaucoup de groove profond et de guitares. On pourrait croire que le sujet soit l'introspection et la découverte de soi... Mais, c'est sur une poupée qui gonfle...Du Crack classique, quoi, venant du gars qui avait traité du cannibalisme dans "Sea Epic".
Le morceau "Don't Ask" révèlent des influences Nine Inch Nails et King Crimson époque "Three of a Perfect Pair". Et un jeu de guitares de style Beatles époque "Revolver". Lyriquement, c'est un morceau d'actualité et très controversé.
"Ostrich" se" clôture sur une ballade très touchante, "Ali's Song".
Il y a un peu de belle mandoline et de l'accordéon et le groupe semble très détendu et confiant. Il est bien possible qu'ils aient enregistré cela en live et en une seule prise.

Cet essai est donc loin d'être concluant, Palumbo et son groupe semblant beaucoup trop vouloir en faire. Les compositions sont, d'autre part, assez moyennes...
Disque écoutable, mais sans plus, "Ostrich" étant cependant un album correct avec un Rick Witkowski toujours aussi bon.



Que ce passe-t'il quand il n'y a plus rien du tout?
Rien que la vraie beauté de la musique.

Cette parution apporte des rythmes syncopés, des guitares déchirantes, un certain sarcasme, et la simplicité dans chaque mélodie.
Cette nouvelle collection montre qu'il y a encore beaucoup de gaz dans leur réservoir.
Créatif, pertinent et toujours musicalement exceptionnel, Crack The Sky invite les auditeurs à embrasser la 'beauté de rien'.

L'album "The Beauty of Nothing", paru en 2015, est une nette amélioration par rapport à "Ostrich" mais celui-ci ressemble à une continuation de "Machine".
Beaucoup d'ambiance, bien que beaucoup de ces chansons soient en proie à une répétition plutôt excessive.
L'écriture est la plupart du temps assez fine et les performances sont rigoureuses, il est juste que certaines de ces pistes aient tendance à s'égarer. Cela étant dit, il est bon d'entendre ce groupe créant encore de la musique à l'heure actuelle.
Les textes sont habiles et intelligents, ils portent la marque classique John Palumbo, c'est-à-dire par exemple prendre une expression courante de la langue anglaise et l'utiliser dans un autre sens comme une métaphore, "Lemonade" en est un bon exemple.

Il n'y a pas de chansons épiques comme "ICE" ou "Nuclear Apathy", mais chaque chanson est mémorable en elle-même. Tout simplement!
Le morceau "Beauty of Nothing" deviendra un Crack classique, et "Rachel" aussi.

L'album ne semble pas aussi funky que "Ostrich" ou Metal que "The Sale"....
Au lieu de cela, il y a bien certaines de ces choses, mais surtout cela sonne comme un groupe qui sait ce qu'il fait le mieux et qui le fait.

En conclusion, il est surprenant à ce jour de constater que Crack the Sky n'a pourtant jamais dépassé ce qui équivaut à un énorme groupe régional. En tout cas, Crack the Sky est un groupe trop longtemps oublié et négligé.

A vous de juger!

Discographie:

Crack the Sky (1975)
Animal Notes (1976)
Live On WBAB (1976)
Safety In Numbers (1978)
Live Sky (1978)
White Music (1980)
Photoflamingo (1981)
World In Motion 1 (1983)
The End (1984)
Raw (1986)
From The Greenhouse (1989)
Dog City (1989)
Cut (1998)
Live Recher Theatre 06.19.99 (2000)
Ghost (2001)
Dogs From Japan (2003)
Alive And Kickin' Ass (2006)
Safety In Numbers-21st Century Redux by Crack The Sky (2007)
The Sale (2007)
Machine (2010)
Ostrich (2012)
The Beauty Of Nothing (2015)

Sources: wikipedia, Francisco Eduardo, Terry Jackson, Richard Foss, progarchives, planetmellotron.com