AREA CODE 615 / BAREFOOT JERRY (Bio)

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Area Code 615 fut le nom d'un groupe de Country Rock de Nashville actif à la fin des années 1960 et au début des années 1970, tirant leur nom de l'indicatif régional de téléphone, qui à l'époque couvrait tout le Centre et l'Est du Tennessee.
Ce groupe était composé de musiciens de studio - Mac Gayden, lead guitar, Charlie McCoy, Harmonica, Wayne Moss, guitare et basse, Buddy Spicher, violon, David Briggs, claviers, Norbert Putnam, basse et violon, et Kenny Buttrey, batterie - qui enregistreront seulement deux albums avant de reprendre des travaux de session normale.

Plusieurs des membres du groupe avaient servi de musiciens d'accompagnement pour les albums "Blonde on Blonde" et "Nashville Skyline" de Bob Dylan et sur les enregistrements de Billy Swan.
Mac Gayden avait également joué la première wah wah slide guitar sur "Crazy Mama" de JJ Cale.

Area Code 615 sortit deux albums entre 1969 et 1970, "Area Code 615″ et “Trip In The Country”, tout deux entièrement instrumentaux.
Et "Trip In The Country" atteignit le top 5 en 1970.

Leur chanson "Stone Fox Chase", connue pour son harmonica en soliste, a été utilisé comme thème au programme de la BBC "The Old Grey Whistle Test" de la British Broadcasting Corporation. La chanson a également été remixée par quelques DJs à la fin des années 80 et encore dans la fin des années 90.
Leur reprise de "Classical Gas", tiré de leur album éponyme de 1969, a été samplée et elle apparait dans des publicités télévisées Guinness Irlandaise et Britannique.

Mais, saviez-vous que Area Code 615 est le groupe qui deviendra ensuite Barefoot Jerry?
En effet, Wayne Moss, Mac Gayden et Kenny Buttrey allèrent ensuite jouer avec Barefoot Jerry de Nashville, tandis que David Briggs travaillera ensuite avec Elvis Presley et Joan Baez.

Mais, commençons tout d'abord par le commencement de leur histoire...



Tout commença avec un certain Bradley Wayne Moss.
Moss est né à Charleston, West Virginia, le 9 Février 1938, où son amour de la musique avait commencé à l'âge tendre de huit ans quand il avait emprunté une guitare à ami de la famille et se trouva fasciné pour apprendre à en jouer.
Un an plus tard, il avait acheté son propre instrument pour 6 $ à un prêteur sur gages local et commença à écouter les disques de Flatt and Scruggs.
Il avait un ami qui jouait du banjo et ensemble, ils apprirent à jouer des chansons comme "Foggy Mountain Breakdown" et d'autres morceaux de Flatt and Scruggs.
Chet Atkins était une autre influence précoce et un véritable héros pour la jeune guitariste en herbe.
En 1956, il écrivit sa première chanson intitulée "Starry Eyes" qui fut enregistrée par le groupe harmonique The Hilltopers et il joua de la guitare avec the Echo Valley Boys.

Il fut d'abord crédité comme jouant de la guitare et faisant l'ingénierie d'une collection de 1959 de hoe-downs pour cow-boy pour Leon Payne.
À l'âge de 21 ans, il déménagea à Nashville où il joua de la guitare dans des groupes de R & B avant de rejoindre le groupe d'accompagnement de Brenda Lee nouvellement baptisé Young Casuals (à l'origine The Casuals) pour les deux années qui suivirent.
Dans les douze mois après son arrivée à Nashville, Moss ouvrit son propre petit studio, Cinderella Sound, dans un garage de deux voitures transformé, à Madison dans la banlieue de Nashville perché entre deux lacs, qu'il continue, d'ailleurs, à posséder et à exploiter encore à ce jour.
C'est, par exemple, à Cinderella Sound que tous les albums de Barefoot Jerry furent enregistrés et c'est l'un des éléments clé du son presque incroyable de ce groupe.
C'est dans ce studio que quelques-uns des membres du futur groupe joueront derrière des artistes comme Elvis Presley, Roy Orbison, Linda Ronstadt et autre George Harrison.

Moss obtint sa première chance en tant que musicien de session lorsque le pianiste du A Team, Hargus "Pig" Robbins qui aima ce qu'il avait entendu du jeune et talentueux guitariste, commença à l'embaucher pour les sessions.
The A Team fut la première équipe de session de Nashville de l'époque qui comprenait le père de R.Stevie Moore, et propriétaire de Monument Records, avec Fred Foster, Bob Moore.
À l'une de ces sessions, un autre musicien dit à Moss que si jamais il obtenait un contrat d'enregistrement, il voudrait Moss pour jouer de la lead guitare sur l'enregistrement.
Ce type s'appelait Tommy Roe et, fidèle à sa parole, il l'amena à enregistrer son premier single "Sheila" qui s'avéra être le premier de nombreux singles numéro un sur lesquels Moss jouerait au cours des années qui suivirent. Il nomma sa fille Sheila en hommage à ce premier succès.

Au début des années soixante, Moss enregistra un album solo à la douze cordes, sortit un single instrumental et joua sur d'innombrables sessions.
Il est aussi, par exemple, responsable du riff de guitare emblématique sur "Pretty Woman" de Roy Orbison et sur lequel son compatriote de West Virginia et futur membre multi-instrumentiste de Area Code et Barefoot Jerry, Charlie McCoy, jouait du sax.



McCoy, parmi beaucoup d'autres choses, avait été responsable de l'introduction de 'The Nashville Number System'.
En substituant des numéros pour les lettres des accords, les musiciens pouvaient travailler sur une chanson entière sur une seule feuille de papier, tout en écoutant une demo de chaque air pour la première fois.
Cette méthode innovante se répandit rapidement parmi les autres musiciens de session à Nashville et elle est rapidement devenue la méthode standard de notation de la musique à Nashville jusqu'à ce jour.

Mais comme les années passaient et que le travail en studio continuait, Moss commença à penser à faire sa propre musique.

Pendant ce temps, en Alabama, le claviériste David Briggs, le bassiste, Norbert Putnam, et le batteur, Jerry Carrigan travaillaient dans un nouveau studio appelé Muscle Shoals.
Le producteur d'Elvis Presley, Felton Jarvis les avait rapidement amené dans les studios RCA à Nashville à l'occasion pendant l'année 1965 parce qu'il voulait des jeunes musiciens avec plus de capacités que la A Team de Nashville.
Ces trois musiciens étaient aussi fatigués des concerts de sideman vivaces et au court des deux années suivantes, ils se dirigèrent vers Nashville où ils se réunirent bientôt avec Wayne Moss pour discuter de former un groupe.
Mais Moss et le batteur local de Nashville, Kenneth Buttrey avaient des engagements avec Pat Campbell And Her Escorts, jouant dans les clubs, bien que ce n'était encore que de la simple Country Music, les plans se mirent en place.

McCoy descendit pour voir the Escorts une nuit, aima ce qu'il avait vu et il les rejoignit.
Alors que le groupe devenait plus aventureux, Pat Campbell décida de passer à autre chose et ils devinrent le groupe de McCoy, enregistrant un single "Will You Still Love Me Tomorrow" sorti sur Monument en 1964.

Puis Moss les laissa pour se concentrer sur son travail de session et son studio, et à sa place, un adolescent nommé Mac Gayden les rejoignit.
Gayden avec Moss, Briggs, Buttery et McCoy étaient parmi les nombreux musiciens qui enregistrèrent des sessions pour Spar, un label à budget local qui se spécialisait dans les reprises de Nashville et autres hits.
Souvent, ces reprises de Nashville pouvaient avoir les mêmes musiciens que les originaux.
Gayden était ami avec Buzz Cason, qui avait fait partie de The Casuals dans les années cinquante et qui venait de se créer un petit label Soul and R N’B à Nashville, Rising Sons, distribué par Monument.

Gayden, un grand fan de ce genre de musique, entendit Robert Knight chanter avec son groupe vocal The Fairlanes une nuit à l'Université Vanderbilt et il fut soufflé, alors il le proposa a à l'attention de Cason qu'il savait rechercher des talents pour son nouveau label.
Cason fut tout aussi impressionné et il amena Gayden à l'aider à écrire du matériel pour Knight et jouer sur les sessions (avec Kenny Buttrey et Norbert Putnam).
Ensemble, ils en vinrent au single "Everlasting Love", qui passa 11 semaines dans les Charts à l'Automne 1967, et au Royaume-Uni, il continuA à être un numéro un pour The Love Affair.
Gayden et Cason écrivirent énormément de singles Soul et R n'B au cours des deux années suivantes.
Plus ces jeunes sessionsmen de Nashville progressaient en dextérité, mieux ils jouaient.



Tout allait changer au Printemps de 1966, lorsque Bob Dylan décida de quitter New York et de s'installer à la campagne.
Ses complices choisis pour l'album "Blonde On Blonde" comprenaient Wayne Moss, McCoy et Buttrey.
Entre les sessions avec Dylan, ces trois-là s'asseyaient et jouaient ensemble, le germe de Area Code 615 commençait à se développer.
Plus important encore, comme il l'avait fait avec les Beatles quelques années avant, Dylan leur ouvrit des avantages tout à fait créatifs.

La présence de Dylan changea bien des attitudes qui prévalaient dans les studios de Nashville à l'époque.
Moss déclara d'ailleurs, à propos de l'expérience:
"...J'ai remarqué que l'enregistrement avec Dylan était plus relaxant et plus agréable que les choses Country habituels que nous faisions. Quand il est venu en ville, nous étions vert dans la mesure où la culture de la drogue circulait. Pour chacun, Dylan avait l'air très étrange pour nous, nous étions encore ce que vous appelleriez rednecks et il a changé beaucoup de têtes. Il a également modifié un grand nombre de techniques de studio avec lesquelles nous étions familiarisées, les nouveaux projets qui commençaient à surgir à Nashville n'étaient pas et ne pouvaient pas arrivé avant. Dylan aimait notre son, je suppose. Il a retenu Buttrey et McCoy pour ses prochains albums avec des overdubs pour toutes les petites choses mignonnes qu'ils pouvaient faire. Tout d'un coup il semblait que Nashville était à la mode. Une des choses dont je tiens à remercier Dylan est de mettre les noms des musiciens sur les albums, ce qui n'était pas arrivé avant qu'il ne soit ici...".

Moss joua surtout de la guitare et un peu d'orgue sur "Blonde On Blonde" et, toutes les prises étaient aussi directes que possible bien qu'ils travaillèrent "Sad Eyed Lady" pendant dix-huit heures pour obtenir l'assentiment nécessaire de Dylan.
Pour "Rainy Day Women # 12" avec son fameux "Everybody Must Get Stoned", Dylan voulait que les joueurs soient un peu ivre avant de l'enregistrer.
"Cest pas faux..." selon Moss, "...Nous étions tous chargés".

Moss considère la période Dylan comme éminemment fructueuse artistiquement, mais de très peu d'usage commercial ultérieur, ils étaient encore simplement des sidemen glorifiés jouant la musique de quelqu'un d'autre.
McCoy et Buttrey joueront également plus tard sur "Nashville Skyline" et "John Wesley Harding".

En Mai 1968, après l'achèvement sur le tournage pour le film 'Head' de the Monkees, Mike Nesmith descendit dans le Sud pour enregistrer quelques chansons du prochain album des Monkees, (un double album avec chaque face consacrée à chacun des quatre membres).
Il dût travailler avec le producteur d'Elvis, Felton Jarvis dans les RCA Victor studios à Nashville et ils utilisèrent la crème des jeunes musiciens de session de Nashville.
Neuf chansons ont été enregistrées dans l'ensemble, mais l'idée du double album fut abandonnée et seulement trois des pistes apparurent sur les albums plus tard, le reste apparaissant sur les albums "the Monkees Missing Links".
Tout un tas des meilleurs musiciens de Nashville, Wayne Moss, Charlie McCoy, Mac Gayden, David Briggs, Nobert Putnam, Kenny Buttrey, et Weldon Myrick, furent embauchés et ensuite laissés promptement seuls en studio pour se distraire alors que Nesmith allait écrire des paroles.

D'après Moss: "...Entre les prises, nous nous asseyions tous et jammions, jouant des trucs comme "Lady Madonna", ajoutant des paroles sales, il suffisait simplement de les couper instrumentalement. Finalement, nous avons eu quelques bandes grossières que nous avons jouées au producteur Elliot Mazer. Il a creusé et il a suggéré qu'une partie de nous se serre les coudes. Pendant un moment, nous avons accompagné d'autres chanteurs encore, Joan Baez, Jake Holmes, Ken Lauber et Al Kooper".
Ils jouèrent au Fillmore à quelques reprises, accompagnant Linda Ronstadt et elle reviendra plus tard à Nashville pour enregistrer son album "Silk Purse" à Cinderella et Barefoot Jerry jouera quelques sets de soutien locaux pour elle.

Moss: "Finalement, une partie d'entre nous a décidé de former notre propre groupe. Nous avons ajouté Buddy Spicher au violon du groupe de Ray Price et Bobby Thompson au banjo et à toutes sortes d'instruments à cordes. Bobby est l'un des rares musiciens de Country qui peut vraiment s'adapter à tous les styles.
Son expérience est purement Country, les concerts avec Jim et Jesse et the Virginia Boys, du pur Bluegrass, mais il est devenu une partie de Area Code 615 et il est resté avec nous jusqu'à "Watchin' T.V.". Certains groupes de Nashville comme Slewfoot Five, Grady Martin and the Bradley Brothers, Owen and Harold, avaient une saveur instrumentale, mais Area Code pourrait faire mieux...Mazer porta les bandes à Polydor et ils dirent, "Allons-y avec eux." Ils pensaient que nous pourrions être énormes...".

Mazer était un producteur plein d'avenir à l'époque et il se rappelle:
"...J'ai fait quelques projets à Cendrillon Sound de Wayne Moss. Wayne me laissa l'ingénierie et je lai laissé jouer de la basse. Cette pièce était un garage pour deux voitures et elle avait l'air super. Les projets d'Area Code 615 y avaient été effectués. Ils avaient une grande cage pour la batterie que Kenny Buttrey et Wayne avaient construit. Kenny était le genre de batteur qui mangeait les ingénieurs vivants si ils n'obtenaient pas un bon son de batterie et un bon mixage à l'écouteur. cette expérience m'a beaucoup appris sur l'enregistrement...".

Quelques mois avant, le flûtiste Edwin Hubbard avait fait un projet aux Woodland Sound Studios en utilisant les différents musiciens qui allaient bientôt être appelés Area Code 615.
C'était un album de reprises instrumentales susceptibles d'être sorti sous le nom de Captain Milk.
Un single était sorti sur Tetragrammaton à partir du projet, "Hey Jude" avec "The Impossible Dream".
Si l'album lui-même fut abandonné et resta inédit, l'idée d'une collection de reprises instrumentales mélangeant des chansons anciennes et des plus modernes devint le modèle que le nouveau combo cherchait.
Musicalement le groupe voulait combiner le meilleur Country jouant avec un section rythmique R & B, quelque chose de jamais essayé auparavant. Lorsque Mazer revint de chez le label avec de l'argent, ils entrèrent à Cinderella Sound avec lui et au cours des cinq jours suivants, ils enregistrèrent le premier album, "Area Code 615" publié en 1969.



Le set du groupe réalisé avec le mixage du plus vieux matériel traditionnel s'est fait dans un style de Country progressiste innovant avec quelques originaux et divers reprises de Dylan et des Beatles, mais cette fois sans les contraintes strictes fixées sur eux au cours du projet 'Captain Milk'.

Ceci est donc un disque quasi mythique enregistré par un groupe composé de musiciens légendaires; Ces musiciens ont fait des miracles sur des centaines de disques, y compris ceux de Johnny Cash, Bob Dylan, the Beau Brummels, Ian & Sylvia, et tellement d'innombrables autres.
Celui-ci, leur premier album en tant que "groupe", est une excursion hors du temps dans toutes les formes de musique.
Le disque contient de reprises de chansons contemporaines, comme une version grandiose de "Hey Jude" qui, à certains égards, est construite en intensité autant que la version des Beatles.
C'est Soul, Rock, et Country à son meilleur, et ironiquement, cela sonnerait presque comme si c'était un modèle possible pour le projet de Joe Cocker et Leon Russell, Mad Dogs & Englishmen.
A part la puissance générale et le groove, tous les solos sont spectaculaires, en particulier les performances de Charlie McCoy et de Mac Gayden sur "Nashville 9 - NY 1". Gayden est particulièrement impressionnant, tellement bon qu'il ressemble souvent à un Eric Clapton en 1969.
La section rythmique Buttrey et Putnam, cependant, sont les véritables stars ici, instaurant un les plus solides des Funk et Soul jamais entendus.

Le jeu de tous les musiciens est un tour de force à couper le souffle et l'album rencontra beaucoup d'éloges de la critique mais très peu de réussite commerciale.





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Musicalement, leur second album, “Trip In the Country”, est probablement un peu trop éclectique pour qu'il n'obtienne jamais un seul passage à la radio, car les onze titres servent de merveilleuse vitrine pour les talents individuels de chaque membre.
Les yeux fermés, on se croirait un moment parfois dans les Highlands Ecossais, puis l'instant d'après,en Amérique dans un Bluegrass ou un solide Country Rock.
L'instrumentation est dominée par le banjo et la pedalsteel de Weldon Myrick, l'harmonica de Charlie McCoy et le violon de Buddy Spicher, mais le son toujours aussi surprenant contient clairement des influences de Rock, de Soul et de Blues, avec notamment toujours le rôle quasiment le plus important tenu par le guitariste Mac Gayden.
C'est un classique tout autant oublié que le premier album du groupe.

Area Code joua dans le spectacle de Johnny Cash et aussi, au Fillmore West à San Francisco où ils soutinrent Country Joe and the Fish et The Sons of Champlin et ils reçurent des critiques dithyrambiques après ces prestations.

Moss raconte: "...Si vous regardez la couverture de "Trip In The Country", vous nous voyez tous en dehors du Fillmore. Nous accompagnions Herbert Hunter, un bon chanteur noir de Nashville, et nous avions joué un set instrumental. Graham avait vraiment eu l'audience prête pour nous aussi, ce qui était peu élégant, parce que visuellement les gens ne savaient pas quoi faire de nous. Je suppose que nous avions tous les cheveux courts. McCoy portait un pantalon de ville et un coupe-vent et j'avais une paire de baskets blanches, nous avions tous des chemises de cow-boy. Je pense que c'était rafraîchissant pour eux parce qu'ils nous donnèrent une réception fantastique et nous avons été ravis, non d'avoir trop joué en dehors de chez nous et certainement pas en face de tant de gens. Ensuite Bill Champlin est venu vers nous et nous a dit, "Hey man, Graham ne travaille pas toujours les auditoires comme ça, il n'a généralement pas un bon mot à dire pour les groupes qui jouent ici...".
Dans les deux années de leur existence ce fut le seul véritable concert qu'Area Code aura joué.

Selon Moss:
"...Nous n'étions pas assez dévoués pour consacrer nos vies à jouer en live. Cela ne me dérangeait pas trop à l'époque, bien que le manque de dévouement pour la route sera la perte d'un grand nombre de nos set-ups de Barefoot plus tard. Au moment où nous avons édité "Trip In The Country" un an plus tard, leur attitude avait changé. Nous avions été nominé pour un Grammy sur le premier, mais Blood, Sweat And Tears l'avait eu, ce qui était juste parce qu'ils avaient vendu énormément d'exemplaires de "Spinning Wheel" et personne n'avaient même entendu parler de nous. Si nous avions gagné, je pense que beaucoup de gens auraient été choqué mais c'était un grand honneur de s'en rapprocher. Le deuxième album est entièrement fait d'originaux sauf le Bluegrass "Katy Hill", que nous nous avons adapté à notre son. La plupart des autres choses se passe d'explication, comme "The Devil Weed And Me".
À la fin de cela, nous avions 'Ding Dong The Code Is Dead' (Ding Dong le Code est mort) parce que Polydor avait été déçu par notre manque de succès et nous avons dit au revoir. Je pense que nous aurions pu sans doute faire beaucoup de choses que nous n'avons pas faites et fait notre chemin vers le haut très vite. Il faut un engagement de la part de tous les participants et nous n'avions pas eu vraiment cela. Nous l'avions d'un point de vue musical pour faire des disques mais pas pour consacrer la vie à quelque chose. Ce fut une décision difficile à faire pour un grand nombre de gars, aussi cela, juste une sorte de décontraction et rien de plus n'en est venu...".

Comme tous les musiciens impliqués avaient continué à être beaucoup plus que de simples musiciens de session, mais sans véritable succès pour leurs propres albums, c'était inévitable qu'ils seraient assez vite dépassés.
Area Code laissa pourtant deux albums influents principalement de musique instrumentale impressionnante et pour les fans de musique Britanniques d'un certain âge, le souvenir de "StoneFox Chase", qui fut le thème emblématique pour "the Old Grey Whistle Test".

En 1969, Moss, Buttrey et Gayden devinrent le noyau du groupe maison pour le label Sound Stage 7 de Nashville (la branche R'N'B de Monument, en quelque sorte) avec comme chef de session Bob Wilson, prenant le nom de The Music City Four.
Fred Foster de Monument fut d'abord sceptiques quant à cette idée, mais ce fut la ligne de basse innovante de Wayne Moss sur "The Chokin’ Kind" de Joe Simon qui le fit changer d'avis.
Quand il entendit le master, il dit au label "...Je pense que vous avez besoin de le remixer, la basse est beaucoup trop chaude...".
Ils lui demandèrent de leur faire confiance sur ce point et il publia le disque tel que.
Le single atteignit le numéro un des charts R n'B et c'est devenu le plus gros succès du label...



Au début de 1970, Steve Miller avait le vent en poupe avec le succès de son album "Brave New World", mais avec son groupe se désagrégeant, il se dirigea jusqu'à Nashville avec des bandes à moitié terminées.
Il réserva Cinderella où, entre les dates de concert avec Jimi Hendrix et the Grateful Dead, il termina l'album avec Charlie McCoy, Buddy Spicher et Wayne Moss. "Number 5", publié en Juillet 1970, fut son plus grand succès à ce jour.



Pendant trois jours en Mars de 1970, Tom Rapp avec sa femme Elizabeth enregistrèrent le merveilleux "Use Of Ashes" considéré par la plupart des gens par la suite comme le meilleur album de Pearls Before Swine, au Woodland Studios à Nashville.
Le groupe utilisé se composait de McCoy, Putnam, Gayden, Spicher, Buttrey et Briggs et les résultats sont tout simplement magnifiques.
Le mélange de Bluegrass et de Rock auquel ces musiciens furent relativement confrontés dans ces séances servit un filtre pour la musique qu'ils allaient bientôt créer.

Comme la poussière était un peu retombée, un trio de base composé de Moss, Gayden, Buttrey et un médecin local et claviériste John Harris se mirent à jammer ensemble dans la cabane de Gayden dans les montagnes.
Quand ils commencèrent à avoir faim, ils descendirent la colline pour l'épicerie de Barefoot Jerry, qui est le magasin local dirigé par un grand vieux monsieur, violoniste hoe-down et conteur auprès d'un bon feu de camp. Barefoot Jerry était en fait cet ancien violoniste de style Country; Mac nomma le groupe ainsi pour lui rendre hommage.

John Harris avait un ami à Capitol, Michael Sunday, pour qui il avait fait beaucoup de travail de session en Californie.
Il ne faisait pas partie de la direction, mais il était en mesure d'exprimer une certaine influence.
Sunday écouta un enregistrement de 46 minutes que le quatuor avait fait et il aima ce qu'il entendit.
Sur cette bande, ils avaient travaillé les modèles d'accords pour quatre chansons: "That's O.K. He'll Be Your Brother Some Day", "The Minstrel Is Free At Last", "Hospitality Song" et "Blood Is Not The Answer".
Une nouvelle légende commençait.

D'après Moss:
"...Nous nous étions assis en rond et avions jammé pendant un certain temps et avions fini avec cette bande de 46 minutes pleine de choses. Nous avions juste commencé à jouer, en essayant difficilement d'écouter les uns les autres sur les écouteurs, nous n'avions aucun ingénieur, nous avions juste fait tourner la bande. Nous avions joué pour une heure et demi, mais la bande manquait après 46 minutes. Il avait beaucoup de plaisir à le faire, nous étions complètement libres et sans entrave. Cela n'avait pas d'importance, il n'y avait pas un producteur ici nous disant de changer cela ou de raccourcir ceci ou faire quelque chose, nous étions totalement libre. Il n'y avait pas de frontières, nous avions dû rester à l'intérieur comme s'il y avait des séances de Country standards, ce que nous avions l'habitude de faire. Je pense que nous avons créé beaucoup de belles choses. Il restait à voir si quelqu'un était intéressé à nous prendre. Et Michael Sunday avait dit 'laissez-moi jouer cette bande à un de mes patrons au Capitole et voyons ce qu'il pense'. Et ce gars aima assez pour qu'il vienne à Nashville et s'assoir avec nous et écouter la bande à nouveau, avec "Hospitality Song" et quelques autres, que nous avions travaillé depuis lors et il était réellement impressionné et dit. "Hey cela semble bon pour moi, mec et quand vous aurez terminé l'album, juste veuillez nous l'envoyer". Il semblait un peu comme une relation sans attache, ce qui était vraiment bon. Nous sommes devenus fous à couper le plus grand album dont le monde n'avait jamais entendu parler, donnant très peu de réflexion à tous d'avoir à le jouer en live avec seulement quatre gars. La plus petite quantité de pièces sur une des chansons était de dix-huit et certaines d'entre elles ont atteint jusqu'à quarante-deux. Cela se fit avec une machine de huit piste donc nous avions doublé beaucoup de choses...".

Entre 1970 et 1977, Barefoot Jerry enregistrera et sortira six albums, dont les trois premiers sont de véritables chefs-d'œuvre méconnus de Country Rock Prog. De grandes chansons, de belles voix, un jeu incroyable et des productions épiques détaillées, le tout est d'une telle majesté et profondeur.
Retour à leur début où le groupe a souffert de préjugés des deux côtés. Le public Rock les catalogua comme un groupe de country, tandis que le public Country les trouva trop bizarre et aventureux pour leurs goûts.
Le public n'a pas aidé le groupe qui a à peine joué en live dans les premiers jours, les membres étaient soit trop occupés avec le travail de session ou facilement attirés au loin pour des missions plus lucratives.

La seule constante à travers de nombreux changements de line up du groupe était Wayne Moss.
Il produit tous les albums avec brio, joue une musique innovante et il se distingue comme l'un des meilleurs musiciens de Barefoot Jerry.
Il a écrit plusieurs de leurs meilleures chansons car même sur leur plus faible album comme "Keys To The Country", ses contributions sont toujours superbes.
Sans lui, il n'y aurait pas de Barefoot Jerry, il est à la fois la tête et le cœur du groupe, pas comme leader, mais plutôt comme rassembleur de la douzaine de joueurs qui ont joué avec lui pendant ces quelques années-là.



Le 19 Janvier 1971, les quatre entrèrent aux Cinderella Studios avec Moss comme producteur et au cours des mois qui suivirent, ils enregistrèrent leur premier chef-d'œuvre intitulé "Southern Delight".
C'est une œuvre étonnante, un tour de force de jeu et de production.

Sur les dix chansons, la part du lion des vocaux et des crédits d'écriture de chanson va à Mac Gayden.
Trois sont co écrites avec John Harris: le morceau d'ouverture Country "The Hospitality Song", sur lequel Charlie McCoy et Bobby Thompson ont leur rôle à jouer, puis l'hymne imparable, "Blood Is Not The Answer" qui ferme la face de façon spectaculaire. Ensuite, un joyau multicouche épique qui s'appelle "The Minstrel is Free At Last", qui sera refait plus tard pour le deuxième album "Skyboat".
Deux sont écrites avec son frère Joe, qui a également aidé à l'ingénieur de l'album, "Proud To Be A Red Neck" et la chanson d'amour exquise "Come To Me Tonight".
Cette dernière s'ouvre avec un magnifique et chatoyant piano solo de Harris et le tissage frissonnant des harmonies vocales, résultat de la superposition minutieuse au niveau épique qui allait devenir l'une de la marque de fabrique du son du groupe sur le prochain album.
"Finishing Touches", avec quelques travaux remarquables de Buttrey, est cependant l'unique chanson qu'il a écrit tout seul.
Mais, outre ces contributions, Gayden apporte autre chose de magique et d'unique à la procédure quand il présente le son unique et pionnier de sa guitare slide wah wah.
Moss contribue à deux charmantes chansons, le divin "Smokies" et le premier de ses airs caractéristiques liés à la dope "Quit While You’re Ahead (A Song Of Sensible Compromise)".
L'album se termine avec une chanson traditionnelle "Nobody Knows" avant la seule piste créditée des quatre membres "That’s Okay He’ll Be Your Brother Someday", Country Rock Progressif de classe sans effort et une dextérité que seuls ces musiciens pouvaient tenter et réaliser si parfaitement.

De tous leurs albums, "Southern Delight" est celui qui leur aurait permis de faire irruption dans la scène de la Rock Music, si seulement ils avaient fait des tournées et joué directement dans des sites nationaux, mais ils ne jouèrent qu'une poignée de concerts locaux ou à peine plus.

Barefoot Jerry joua son premier concert à l'Université du Tennessee à Knoxville et il fit un véritable triomphe même si Moss admet qu'ils furent tout à fait terrifiés par l'expérience:
"...Les premières fois que nous ayons jamais joué en live, c'était tout simplement de la pure terreur de notre part. Le public semblait nous recevoir vraiment bien, il y avait quinze cents personnes là à Knoxville dans un endroit où vous pouviez seulement tenir environ neuf cent normalement. Ce n'était que mur à mur et nous, bien que peut-être nous ne sommes pas fous après tout, peut-être que ce truc est vraiment bon...".

A cette époque-là, Elliot Mazer, Norbert Putnam et David Briggs (qui n'est pas le même David Briggs qui a produit Neil Young et Spirit entre autres) d'Area Code se réunirent et construisirent the Quadrafonic Studios dans une maison d'époque victorienne de deux étages.
Selon Mazer: "...Nous voulions construire une pièce un peu plus grande, ce qui nous donna beaucoup de contrôle, mais qui résonnait encore compact et gras comme Cinderella...".
Il entendit que Neil Young était à Nashville pour apparaître au Johnny Cash Show, alors il l'invita à un dîner au nouveau studio.
Young avait du nouveau matériel à enregistrer et bien conscient de son travail sur les albums de Area Code, il demanda à Mazer s'il pouvait les faire entrer au studio le lendemain pour le soutenir sur certaines sessions.
Buttrey était le seul à ne pas être occupé et il apporta avec lui John Harris, tandis que Mazer faisait des arrangements pour d'autres musiciens locaux.
La plupart des pistes enregistrées au cours des journées qui suivirent aboutirent sur "Harvest"; Buttrey finit également comme nouveau batteur de Young, mais il ne dura pas longtemps avant de retourner au travail de session.
Moss raconte:
"...Buttrey partit le jour où Capitol nous avait donné tout un tas de nouveaux équipements. Il fut suivi par Mac et le label n'avait donc pas eu le groupe qu'il avait signé. Nous fûment aussi déçus par leurs capacités de vendre le disque, mais le groupe ne voulait tout simplement pas faire de tournée. C'est non seulement une question d'unité musicale, vous devez avoir les mêmes objectifs et trop de gars voulais rester à la maison avec leurs familles...".







Gayden signa ensuite avec Polydor et en 1973, il enregistra "Macgavok Gayden" une collection sonnant très introspective et obscure avec Kenny Buttrey à la batterie, lequel a rapidement été lâché par le label, avant de mettre sur pied son nouveau groupe Skyboat et peaufiner deux excellents albums, "Skyboat" et "Hymn To The Seeker" sur ABC tout en faisant du travail de session pour JJ Cale, Pearls Before Swine ou encore Loudon Wainwright III.

Le point de vue de Wayne Moss sur Gayden quelques années plus tard est respectueuse mais plutôt amusée:
"...Mac est aussi changeant que la météo. Il est vraiment conscient de suivre un régime, une minute il sera sur une routine de famine, la fois d'après quand je le vois, il redevient gras. Il est dans la méditation transcendantale à l'heure actuelle et je suis un monstre de yoga de sorte que nous avons des choses bizarres en commun mais il ne semble jamais certain de ce qu'il faut faire. Il peut être un grand guitariste de R'n'B ou un fin joueur de slide et de la même manière qu'il ne se pose jamais, il doit renvoyer ses groupes deux fois par an. Une fois, il vous dira que ce doit être le Bluegrass ou bien il dit que le Jazz est la seule façon. Il est difficile d'apprécier à quel point est son talent parce qu'il est confus, et pourtant il est fondamentalement terre à terre. En ce moment, il expérimente une machine à ions qui est censé changer les vibrations dans l'atmosphère de sorte que vous pouvez obtenir que le groupe et le public soit sur la même longueur d'onde; il dit que cet engin garantit une bonne humeur pour tous. Peut-être que nous devrions investir dedans...".

La perte de la moitié de leurs membres ne les a pas décourager pour longtemps, Moss prit la place de lead guitariste laissé vacante par Gayden tout en jouant toutes les basses et ils ajoutèrent Russ Hicks à la steel guitare et Kenny Malone à la batterie.
Ils se mirent à l'enregistrement leur deuxième album en Mai 1972, de nouveau à Cinderella, cette fois avec Harris se joignant à Moss dans le rôle de producteur.
Hicks devait rester une constante longtemps à côté de Moss, son incroyable jeu de steel guitare devenant l'un des éléments déterminants à ce son classique de Barefoot Jerry.



Originaire de West Virginia, Russ Hicks passa de la lead guitare à la steel guitare après avoir entendu la légende Nashville, Buddy Emmons au début des années soixante.
Quand sa Gibson ElectraHarp a été détruite dans un incendie dans un club local, Hicks naturellement se décida pour une Emmons steel guitar tant désirée en remplacement.
Une rencontre fortuite avec Weldon Myrick à l'usine Emmons le jour où il alla chercher son nouvel instrument fut de l'envoyer dans la direction de Nashville.
Myrick venait de quitter le groupe de tournée de Connie Smith et il dit à Hicks de descendre à Nashville et d'auditionner pour Smith et il obtint le poste.
Hicks plus tard remplacera Buddy Emmons lui-même dans le groupe de Ray Price, qui comportait également Buddy Spicher.
Au moment où il quitta le groupe, un an plus tard, il y avait assez de travail de session à venir pour justifier de rester à Nashville.
Charlie McCoy fut son contact après avoir fait une session de Kitty Wells avec lui et McCoy découvrit qu'il était originaire de West Virginia et il commença à lui donner du travail.

Malone avait vécu à Denver et il avait servi dans le Navy Band à Washington DC avant de devenir chef du département de percussion à the Armed Forces School Of Music.
Il arriva à Nashville en 1970 et leva les yeux sur un étudiant âgé, Ron Oats qui lui fit découvrir des gens comme Bobby Thompson, Jim Colvard et Bobby Dyson.
Ils firent beaucoup de petites demos de sessions ensemble pour divers artistes au cours des mois suivants et puis il fit sa première master session avec Carl Perkins. Après cela, les travaux de session s'enchaînèrent.



On aurait pu penser que la perte de leur principal compositeur et chanteur les aurait perturbé. Mais l'absence d'un chanteur véritable et la moitié du line up partie suivant un tel brillant album de début aurait été assez dur de toute façon, cependant l'arrivée du deuxième album, simplement appelé "Barefoot Jerry", publié sur Warner Brothers démontre le contraire.

"Barefoot Jerry", sorti chez Warner Bros Records en 1972, est un album qui joue, en premier lieu, grâce à ses propres règles, impossibles à classer, mais c'est un ensemble éclectique à savourer du début à la fin où chaque musicien brille de virtuosité.
Si la perte d'un batteur aussi brillant que Buttrey semblait tragique, l'arrivée de Malone a permis d'atteindre un tout autre niveau. Son jeu est étonnant, mélodique et inventif, bref du jamais vu auparavant. L'écoute de son travail sur "Message" est toujours complètement renversant.
John Harris contribue à deux instrumentaux magnifiques, le majestueux "Castle Rock" et "Ebenezer" qui ouvre et clôture l'album magnifiquement.
Le jeu de Russ Hicks y est magistral et inventif et son morceau punchy "Snuff Queen" est joué par tous avec un tel aplomb amical qu'il frappe juste à chaque fois.
Mais, c'est surtout Wayne Moss qui est au cœur de la matière musicale:
Son jeu de guitare est tellement trop sous-estimé, avec les multi-couches et parfois méchamment complexe, et avec son jeu de basse intelligent, il sert la substance même de l'album, car même après toutes ces années, on arrive toujours à découvrir toujours quelque chose de nouveau et merveilleusement surprenant de son travail.

C'est comme si tous ces musiciens tellement 'incroyablement talentueux' n'avaient aucune raison d'être pressés ou de monter sur une grande scène ou de donner des concerts.
A l'instar de sa musicalité pure dépouillée de l'ego ou même du souci de jouer pour jouer, chaque note est là pour servir l'esprit de créativité au plus profond.
La production semble trop parfaite à cet effet et c'est une aventure sans fin et joyeuse dans le son; c'est, de loin, le meilleur travail de production qu'ils aient jamais fait.
Non seulement le disque est débordant de détail, de profondeurs infinies et d'instruments de musique enregistrés avec une telle clarté frappante, mais aussi honoré avec une chaleur incomparable et beaucoup d'humanité.

Le groupe se donne à fond pour une interprétation créative étonnante de "In God We Trust" de Bobby et Eileen Thompson et la seule reprise traditionnelle "Little Maggie", déjà jouée en instrumentale par Area Code, est rendue parfaitement avec quelques vocaux superbes et concis et on sent une grande confiance dans leur jeu.

Moss intensifie son songwriting et offre un échantillon de certaines de ses plus belles chansons.
De l'arrogance sardonique mais humble de "One Woman", le décontracté et plein d'esprit "Message", la majesté de "Friends", co-écrite avec Harris, avec ses coups de foudre en acier brûlant, au cool et intelligent instrumental "Fish N’ Tits", Moss fait très fort.
"Warm", co-écrit avec Hicks et Malone, est un morceau décontracté de toute beauté, tout comme l'est sa dernière chanson, la tendre "Ain’t It Nice In Here".
Mais l'aspect le plus frappant de l'album se trouvent être les voix de Moss et Hicks produites si merveilleusement, si claires et chaleureuses à la fois.
La courte notice sur la couverture le dit parfaitement: 'Le niveau d'enregistrement de ce LP était élevé et il peut être mieux apprécié de la même manière'.

Pour Moss: "...Vous pouvez entendre le Goodlettsville String Sextet, notre ensemble à cordes de simulation et les Hendersonville Horns sur celui-ci (guitare fuzz, violon émoussé, harmonica, steel, le tout re-baptisé mélodica). Nous avions toujours le problème du live. Il y avait encore beaucoup d'intérêt de la part d'anciens membres du Code dans ce que nous faisions, sauf dans la partie qui dit que vous aviez à prendre la route et jouer pour les gens. Tel était le problème, pourquoi aller sur la route quand il y avait soixante, quatre-vingt mille par an qui pourraient le faire sans avoir à quitter Davison County. Mais ils aimaient ce que nous faisions, pouvaient s'asseoir et l'écouter et alors que nous nous dirigions dans la bonne direction, ce genre d'encouragement gardait le groupe vivant. Mais c'était encore impossible pour le public de savoir qui ils voyaient quand ils se présentaient pour un de nos concerts. Bien que la saveur fut le même, les visages avaient changé si vite que cela trompait tout le monde. Lorsque nous nous présentons à Nashville, c'est toujours de la bonne musique, mais vous ne savez jamais qui vous allez voir. Jusqu'à "You Can't Get Off With Your Shoes On", le plus d'emplois avec lequel nous avons joué fut une unité était sept et cela ne suffit pas. Vous devez jouer beaucoup pour sonner vraiment rigoureux et rester libre en même temps...".



Au moment où ils se mirent à l'enregistrement pour le troisième album "Watching TV", leur premier pour Monument, le groupe est encore passé par de nouveaux changements. Alors que Moss et Hicks sont restés constants, John Harris trouvant son engagement à la fois pour le groupe et sa profession réelle en tant que médecin problématique les quitta lors de l'enregistrement et Kenny Malone allait suivre peu de temps après.

Selon Moss: "...Le problème est que nous perdons les gars parce qu'on leur a offerts des sommes énormes pour partir. Voilà pourquoi Buttrey nous laisse pour Neil Young et Jimmy Buffett. Avec John Harris, c'était différent. Il est médecin et ne joue des sessions qu'entre des interventions dans sa clinique. Nous avons essayé toute une série de batteurs parce que nous avions toujours eu de vrais mecs forts et posés. Lorsque nous avons auditionné Si Edwards, qui n'était qu'un jeune homme, nous avons été surpris. Il connaissait tous les vitesses, les bonnes dynamiques, quand il faut être fort, quand être doux. Il a dit, '...Où voulez-vous commencer?'... alors nous avons pris à partir de "Hospitality Song" et il avait le truc. Tout ce que nous pouvions dire était "Bienvenue dans le groupe....". Lorsque vous fermiez vos yeux et écoutiez, Si était Buttrey, Malone et lui tout en un...".

Avec l'idée de mettre sur pied un groupe live fonctionnel, Fred Newell a été engagé à la basse.
Newell, originaire de l'Illinois et récemment arrivé à Nashville, a été remarqué par Charlie McCoy assez tôt et c'était McCoy qui le recommanda à Moss et Hicks avec un autre nouvel arrivant à Nashville, Buddy Skipper aux claviers.
Dave Doran fut également ajouté comme guitariste, bien que sur les sessions, les trois nouveaux Barefoots jouaient de divers instruments comme cela était nécessaire.
Pour Moss: "...Dave était un peu impatient bien qu'il soit un formidable guitariste et un drôlement bon chanteur et il nous a donné une immense inspiration. Ensuite, il est allé en tournée avec Melanie, ce qui est l'histoire d'un grand nombre de nos groupes - ils peuvent gagner tant d'argent comme accompagnateurs, plus qu'avec le groupe. Pendant ce temps, nous sommes allés de quatre à cinq, à six, à sept membres avant de redescendre à six...".



Ce line up fut capturé en 1973 pour la postérité dans une émission de radio en direct de l'époque enregistrée à the Exit Inn et publié sur le site du groupe en 2007 sous le titre "Barefoot Jerry Live".
Moss, Hicks et Doran se partagent toutes les tâches vocales et c'est un document unique et merveilleux du groupe en concert.
Mais quand il en est venu à l'album, Moss recherchait le sens réel de son niveau vocal.
Selon Moss: "...Beaucoup de ce changement était dû à Terry Dearmore, notre nouveau chanteur. Nous avions décidé que nous avions besoin d'un chanteur, même s'il ne pouvait pas jouer. Nous étions connus pour nos capacités musicales, mais pas pour nos talents de chanteur. Je ne fantasme pas du tout d'être un chanteur - peut-être un auteur-compositeur -et nous avions beaucoup d'insécurités sur notre chant en live parce que nous étions habitués à la sauvegarde. Terry résolut ce problème et il prit la basse après le départ de Fred Newell...".

Originaire d'Oklahoma City, Dearmore avait fait partie d'un groupe appelé Jubal aux côtés de Dennis Linde.
Ce groupe n'avait enregistré qu'un seul album en 1972 et venait d'être abandonné par Atlantic et il de sépara peu de temps après.
Moss avait aidé à l'enregistrement de cet album.
Le compositeur Texan Linde était revenu à Nashville en 1969 et il écrivit bientôt des Hits pour des gens comme Roger Miller et Roy Drusky. Grâce à ce succès, il put enregistrer son premier album "Linde Manor" en 1970, si son deuxième album enregistré un an plus tard "Surface Noise" reste encore inédit.
Après l'épisode Jubal de courte durée, sa chanson "Burnin' Love" devint le tout dernier Hit numéro 1 d'Elvis et à partir de là, il signa chez Elektra.
Son troisième album, éponyme, sorti en 1973 a été enregistré avec ses anciens acolytes de Jubal sur la moitié de celui-ci.
L'autre moitié, dont sa propre version de "Burnin' Love", a été enregistrée à Cinderella avec le deuxième line up de Barefoot Jerry.
Dearmore passa par Cinderella un jour pendant les sessions de "Watchin’ TV" à l'instigation de Moss et finalement, il finit par chanter les lead vocaux sur quatre morceaux et il se joignit au groupe.
Bobby Thompson a également été impliqué non seulement pour jouer, mais il a co-écrit trois chansons avec Moss, "Funny Looking Eyes", "Violets and Daffodils" et "Mother’s Nature’s Way Of Saying High".

"Watchin' TV", même avec un line up en transition est un autre album parfait du groupe.
La première face s'ouvre dans le style classique de Barefoot, avec une première tranche de philosophie facile de Wayne Moss, "Watchin' TV (With The Radio On)" et une autre de ses chansons de dopé désabusé, "Funny Looking Eyes".
La contribution des petits nouveaux Newell et Skipper est l'instrumental "Pig Snoots And Nehi Red" avec Bobby Thompson au banjo, et le reste du groupe autour.

Une ligne de basse classique mène au joyau "Hay Queen" de Russ Hick avant que "Two Mile Pike" de Hicks et Skipper ne clôture la première face.
Un travail instrumental monumental se développe, mis en lumière par un solo de guitare flamboyant de Doran; on peut le voir l'exécuter en direct dans le studio dans le film documentaire 'Heartworn Highway'.
La face 1 est le Country Prog du groupe à son meilleur, mais c'est la face 2 où ils atteignent, une fois de plus, des hauteurs les plus glorieuses.
Ouvrant avec une chatoyante version 'laid back' du Western Swing standard "Faded Love" donnant le rythme à Moss qui livre alors encore quatre de ses plus belles chansons: Il y a le doux commentaire social de "There Must Be A Better Way", co-écrit avec Dave Doran, le calme romantique de "If There Was Only Time For Love" et l'élégant "Violets And Daffodils" écrit avec Bobby Thompson avant que la face ne s'achève avec le classique épique "Mother Nature’s Way Of Saying High".
C'est de la musique d'une profonde beauté dans les mélodies de la grâce éthérée et de la puissance subtile.
La production est, elle aussi, toujours aussi magnifique et le jeu et le chant passionnés et mesurés à la perfection.

Au moment où "Watchin’ TV" est sorti en 1974 Doran avait déjà été remplacé par Jim Colvard.
Colvard, originaire du Minnesota, avait jouer de la guitare dans un show de talent local dès l'âge de six ans.
Après avoir déménagé à Nashville, il était devenu un membre régulier du 'Ralph Emery TV show' et il avait enregistré quatre albums comme membre de the Nashville Guitar Group pour Monument.
C'était un pro de session chevronné jouant pour les gens comme Dolly Parton, Kris Kristofferson et Charlie McCoy et c'était, surtout, un guitariste magnifique.
Dearmore avait repris la basse de Newell et Warren Hartman, natif de St. Louis, qui était arrivé à Nashville l'année précédente remplaça Skipper aux claviers.
Et le groupe entra de nouveau à Cinderella avec Moss dans le fauteuil de producteur et il se mit à l'enregistrement de leur quatrième album "You Can’t Get off With Your Shoes On".



D'après Moss: "...Notre Homonyme est un vieux monsieur qui vit dans les contreforts des Smokie Mountains et il a une vieille épicerie délabrée, je suppose qu'il l'avait depuis beaucoup d'années. Il avait un petit bloc sténo sur lequel il conserve la trace de toutes les ventes qu'il fait. Vous demandez un paquet de gomme et il va droit vers le bas, "un paquet de gommes à cinq cents". Il cultive des tomates à l'extérieur derrière et il les vend dans le magasin. Sa femme vit avec lui, dans le même bâtiment. Il joue un violon, joue beaucoup de 'hoe-downs' et autres, raconte beaucoup d'histoires drôles et des poèmes humoristiques]...[La chanson titre du quatrième album résume la philosophie de Barefoot Jerry, l'homme et le groupe. La plupart des chansons que nous créons nous-mêmes sont sur une note positive, nous essayons d'être édifiants et d'avoir quelque chose de rafraîchissant à dire, plein d'espoirs. Nous essayons d'écrire sur des questions d'actualité, sur un plan social plutôt que d'un point de vue politique. Nous essayons de montrer à tous nos capacités instrumentales, et nous aimons un instrumental ou deux ou trois sur chaque album. Avec chaque line up, nous gardons un grand nombre des mêmes racines. Comme avec des chansons telles que "Boogie Woogie" de Tommy Dorsey (également présente sur "The Nashville Hit Man" de McCoy) qui fut dans les charts Country pendant vingt deux semaines. Je suppose que la chanson est du début des années quarante. Nous essayons de couvrir une gamme d'années dans ce que nous faisons, quelques-unes des choses anciennes de Bluegrass que nous faisons comme "Faded Love" sont si vieilles, mais nous essayons de les rendre identifiables comme du Barefoot Jerry. Nous essayons de mixer et avons encore un sens pour elle et une saveur transparente pour les anciennes et les nouvelles chansons. J'espère que nous réussissons...".

Ce line up de Barefoot Jerry a également enregistré un single tardif "Makin' It Better", écrit par Marc Phillips et Tim Townley, et il a fait aussi des sessions comme une unité avec l'artiste de Capricorne, Johnny Wright.

Pour Moss: "...Chaque fois que nous avons atterri pour ce genre de travail, nous étions un peu plus strict mais vous n'avez pas la satisfaction en studio que vous trouvez à jouer pour les personnes dans un club ou pour vingt mille à un pique-nique hurlant pour vous. Non pas que faire les disques soit fatiguant, car ils ne sont pas, ils sont amusants à faire. Mais vous vous demandez parfois à la conclusion d'une chanson que vous venez d'enregistrer si c'est la façon dont elle devrait être ou si vous êtes le seul qui l'aimez de cette façon et ainsi de suite. Et vous découvrez ces choses quand vous les jouez en direct. La réaction que vous obtenez à cela vous inspire pour écrire d'autres chansons. Une nuit à the Vanderbilt, nous avons eu deux grosses poubelles pleines des fleurs de soie que nous avons utilisé sur la couverture de "Can’t Get Off" devant de la scène. Nous avons demandé au public si ils voulaient un souvenir de l'album à venir et s'aider eux-mêmes et ils l'ont fait. Puis un peu plus tard, nous avons fait "Only Time For Love" et toutes ces fleurs revenaient sur la scène et tout le monde chantait. Cela vous fait vouloir partir et écrire une autre chanson pour eux.Tous les membres de ce line up aiment vraiment jouer en live, ils appréciaient les vibrations qu'ils obtenaient de l'auditoire et réagissaient en conséquence sur leurs instruments individuels. Cela les inspirait et les a fait jouer mieux. Nous ne disposons pas beaucoup de messages lourds des personnes; au contraire, nous essayons et nous indiquons ce qu'ils pourraient être manquants. Beaucoup de gens oublient la nature. Les progrès énormes que nous avons faits sont en train de tuer la campagne. Le transport en commun des autoroutes est en train d'éliminer les champs avec les gens prenant les limites de vitesse au niveau où vous ne pourriez pas profiter du paysage si votre vie en dépendait. "Slowin' Down" est à ce sujet..."

L'album débute avec "Ali Baba" de Terry Dearmore, une chanson écrite dans un style Barefoot parfaitement progressif et jouée avec un réel panache.
Suit le choix étrange de l'inclusion de l'enregistrement de "Boogie Woogie" de Charlie McCoy (les différents membres de Jerry avaient une constante fixation sur divers albums solo instrumentaux de l'harmonica du maestro ces quelques dernières années). Non seulement c'est joué par le line up antérieur à "Watchin’ TV", mais, parce que ça vient de l'album de McCoy, le groupe support est mélangé quelque peu et en conséquence ne semble pas tout à fait en harmonie avec le reste de l'album.
Les choses se précisent avec deux chansons de Moss "Slowin' Down" et "You Can’t Get Off With Your Shoes On", toutes deux du Barefoot Jerry classique jouées magnifiquement.
Comme l'est "West Side Of Mississippi" de Russ Hick bien que la chanson elle-même ne soit pas sa meilleure.
La face deux s'ouvre sur quelques superbes chansons; "The Measure Of You Worth", écrite par Dearemore et Hartman, qui est une autre jolie tranche de country progressiste qui est suivie par une reprise étonnament jouée mais un peu hors du contexte du Hit "Lucille" de Little Richard et "Hero Frodo" de Hick, un beau morceau mélodique mais les paroles du 'Seigneur Des Anneaux' ne font pas vraiment bon ménage ici.
"Sinkin’ In The Sea" de Hartman ressemble plus à une chanson de Little Feat et Bill Payne que quelque chose adaptée pour Jerry.
Mais l'album se termine en beauté avec un instrumental "Cades Cove", doux et rêveur, écrit par Moss et Hicks.

L'album est excellent à la fois dans le jeu et dans la production mais un peu trop fragmenté globalement, certaines chansons ne sont pas tout à fait du vrai Barefoot Jerry.
C'était certainement leur effort le plus populaire à ce jour, mais avec Monument ne sachant pas comment le promouvoir correctement, il a été voué à l'échec.
Pour Moss: "...De nombreux groupes jouent de la Country music, mais avec nous, c'est différent de la musique Country, nous le savons parce que nous avons tous travaillé à Nashville pendant des années mais nous venons à l'origine de partout et nous avions apporté avec nous nos influences Rock et Blues. Ce que nous jouons est ... ce que nous aimons le plus...".



En 1975, Eddy Mitchell, notre bon vieux rocker national, a pris l'avion pour Nashville et pour rencontrer Charlie McCoy.
En une seule journée, ils ont enregistré un album à Cinderella avec la crème des musiciens de Nashville, y compris Moss, Colvard, Buttrey, Spicher, Thompson et Hicks.
"Rocking In Nashville" est devenu numéro un en France et Eddy a fait venir le line up de Barefoot Jerry, Moss, Hicks, Colvard, Buttrey Spicher, David Briggs et le guitariste Dale Sellers pour accompagner Charlie McCoy et Billy Swan à Paris en 1975 pour jouer à l'Olympia pour un total de 31 dates.
Barefoot Jerry apparait même à la télévision française en direct pour jouer "You Can’t Get Off With Your Shoes On", avant de jouer une chanson avec Charlie McCoy et deux autres pour accompagner notre Eddy lui-même.

Cette même année voit la sortie de l'incroyablement rare double album Radio promo "Anthology Vol. 1" lequel mélange des morceaux avec une interview de Wayne Moss.



De retour aux Etats Unis où leur réputation est restée à peu près un phénomène local, Colvard, qui se suicidera un peu plus tard, retourne aux sessions pour des gens comme Pearls Before Swine, Dennis Linde et John Hartford et il est remplacé par Barry Chance.
Chance était le fils de Floyd "Lightin'" Chance, un des fondateurs de l'original A Team et à vingt ans, le bassiste du staff au Grand Ole Opry de Nashville et la musique était dans le sang du guitariste.
Steve Davis remplace ensuite Hartman.
Chance est une véritable trouvaille, Davis pas tellement.

"Keys To The Country", leur cinquième album, a été réalisé en seize jours à Cinderella avec Moss à la production et c'est leur album le plus Country et de loin.
Selon la norme Barefoot Jerry, c'est faiblard avec beaucoup de reprises évidentes et la chanson "My God (Is Alright By Me)" teintée de gospel de Davis est le morceau le plus mauvais.
Il y a pourtant quelques véritables points forts cependant:
Le charmant "Tonite's The Nite I Do" de Dearmore étant l'un d'eux et les reprises "Appalacian Fever" de Mac Gayden et "Uncle Penn" de Bill Monroe fonctionnent particulièrement bien.
"Woes Of The Road" de Moss est excellente tandis que son autre contribution, la belle "You Can’t Say It All" est le joyau de l'album.

Selon les propres normes de Barefoot Jerry, "Keys To The Country" est bien loin de ses prédécesseurs, ce que Moss admets volontiers.
Barefoot Jerry était un groupe qui semblait suivre la trajectoire familière de la plupart de leurs contemporains, livrant leurs albums les plus beaux et les plus expérimentaux au début de la décennie, puis progressivement moins vitaux dès le milieu de la décennie.

Mais si cet album semblait comme le début de la fin, la fin elle-même s'avérera être une chose glorieuse un peu par hasard.
Dearmore trouva que son loyer a été mieux payé en faisant des jingles nationaux et en gardant son travail de nuit comme DJ à Nashville et il partit, remplacé par l'ancien roadie Michael McBride à la basse et Davis les quitta également.



Le joueur de banjo Buddy Blackmon, qui était seulement arrivé à Nashville depuis quelques années était un bon ami à eux encadré par Bobby Thompson et Charlie McCoy; McCoy a finalement rejoint Barefoot.
Le nouveau line-up semble revitaliser totalement le groupe et en Février 1977, le groupe est convoqué à Cendrillon avec Moss une fois de plus à la production pour enregistrer "Barefootin'" leur sixième et album final avéré.

Les défauts des deux albums précédents sont absents ici et chaque cible visée est atteinte.
L'esprit de groupe brille à travers chaque moment tout à fait jubilatoire.

L'album débute avec une reprise de "Barefootin'" de Robert Parker chantée avec le style de Charlie McCoy et sublimée par un solo de guitare de Chance qui assure maximum, tout comme les autres membres du groupe.
Là où "Keys To The Country" sonnait souvent comme des reprises que Barefoot Jerry jouait, les quelques reprises sur cet album une fois de plus sonnent comme du Barefoot Jerry pur et simple.
Deux superbes chansons de Hicks suivent, "I Ain’t Getting No Touching" est du classique Hicks sardonique, alors que "Keep On Funkin'" chantée par Chance est du country progressif brillamment délivré.
La chanson "Sentimental Man" de l'ancien membre Warren Harman est, contrairement à son "Sinkin’ In The Sea" de "You Can't Get Off With Your Shoes On", du parfait matériel de Barefoot Jerry.
La première face se finit avec Charlie McCoy chantant une autre reprise chic de "Dixie Dancer".
Si cette face une possède le son commercial des deux albums précédents, la face deux est d'un tout autre acabit renouant avec les jours de génie des trois premiers albums:
"Hiroshima Hole" de Moss est du bon vieux style Jerry classique et son œuvre la plus épique et passionnée. La Tennessee Valley Authority avait commencé en 1975 la construction de la centrale nucléaire de Hartville (même si elle n'a jamais été achevée et qu'elle a fermé en 1984) Moss cracha son indignation face à ce fléau monstrueux sur la nature dans une chanson.
Moss, dans une interview à l'époque faite avec Max Bell pour le petit magazine de musique britannique Darkstar, disait à l'époque:
"...Je voudrais faire "Hiroshima Hole" en public. La centrale nucléaire de Hartsville est la plus grande au monde. Ils refroidissent les réacteurs en utilisant mon eau potable; si elle fuit, nous recevons tous le cancer et si les terroristes l'ont saisi, ils pourraient niveler le tiers du Tennessee. J'ai pris beaucoup de soins avec cette chanson, quarante pièces pour guitare acoustique et six électriques, voilà pourquoi nous ne pouvons pas le faire en live...".
"Diana" écrite et chantée par McBride est une charmante chanson d'amour empreinte d'une intimité tranquille qui trouve sa place ici.
La steel guitar sans équivoque de Hick nous conduit dans la dernière et la plus directe chanson de drogue sociale de Moss "Tokin' Ticket "(co-écrite avec Chance). Moss avait participé activement à la bataille juridique pour empêcher les autorités mexicaines de pulvériser les cultures de graminées avec le produit chimique toxique, le Paraquat.
Moss avait dit à l'époque:
"Voilà un poison mortel, il vous tue assez rapidement. Il y a plusieurs procès visant à réformer les lois sur la marijuana. La principale pierre d'achoppement est qu'il n'y a pas d'unité ou de sens pour eux. Si vous habitez dans le bon état, vous êtes très bien mais avec quelques lois fédérales vous pouvez obtenir quinze ans pour la même infraction. Depuis nous avons finalisé cette chanson, Mississippi et New York en sont venus à changer les lois. Nous jouons bien sûr "Tokin' Ticket" en live. Nous n'offrions pas beaucoup de concerts en dehors de l'état ou de Davidson County, parfois une date pour le Buddy Spicher Fourth of July à sa ferme. Mais les compagnies se mordent les doigts sur nos chansons de dope et elles veulent juste que nous nous en tenions à des ballades ou le commentaire social, ce dont je refuse de prendre connaissance. Je pense qu'ils devraient exploiter tous les aspects du groupe, mais Monument étaient jamais dans la publicité. Ils ne pourraient pas vendre Roy Orbison ou Billy Swan s'il devait se rendre en France pour recueillir ses disques d'or pour "I Can Help". Ensuite, les journaux ne nous donnent jamais une couverture. Rolling Stone ne nous touchera pas, et nous n'avons pas fait de télévision en deux ans. Il y a trop d'affaires et pas assez de musique dans les compagnies de rock américain. A moins que vous avez une image agressive ou un label agressif, vous rester sur place. Cela ne nous rend que plus déterminés à rester avec le groupe aujourd'hui. Je ne vais pas faire plus de travail de session, mais je dois faire une production et une ingénierie vivante bien que je préfère travailler uniquement avec le groupe...".
Le délicieux "Heading for the Hills" de Moss est une chanson d'amour sur les joies de la nature, puis l'album se termine avec l'instrumental "Highland Grass highlighting" de Hicks et Blackmon.

En conclusion, "Barefootin'" est un album tout à fait merveilleux et un chant du cygne approprié pour ce groupe le plus unique et spécial...
Mais, comme Wayne le disait, "c'est juste de la musique pour le corps et l'âme."...

Quant à la fin de Barefoot Jerry, les choses deviennent un peu vague.
Ils ont joué encore trente spectacles avec Eddie Mitchell à Paris dans le courant de l'annér 1979, mais après cela est une énigme.

Wayne Moss apparaît comme "Barefoot Jerry" avec Charlie Daniels, Guy Clark et David Allan Coe dans le documentaire musical 1981, 'Heartworn Highways'.
Moss, en outre, continue à posséder Cinderella Sounds où il opère toujours, sans jamais de publicité, tout se faisant de bouche à oreille et il continue aussi à jouer et à produire le matériel de McCoy.
Il y a quelques années, Moss a même mis en place un site Barefoot Jerry.

Charlie McCoy fut le directeur musical de la série télévisée 'Hee Haw' pendant vingt ans et il enregistre des disques et tourne encore parfois.

En 2001 Moss, McCoy et Hicks ont été invités au Japon pour faire partie d'un groupe Japonais tribute d'Area Code 615 composé de neuf personnes en tournée.
Les morceaux "Fish N’ Tits", If There Were Only Time For Love", "You Can’t Get Off with Your Shoes On" et "Two Mile Pike" de Barefoot Jerry furent jouées parmi les trucs d'Area Code.
Un CD live de cette tournée est disponible via le site de Barefoot Jerry.

Kenny Buttrey était devenu l'un des musiciens d'après session les plus recherchés de Nashville. Il a joué sur trois des albums de Neil Young, et il a fait aussi une tournée avec lui.
Il est décédé à l'âge de 59 ans en Septembre de 2004.

Le 8 Juin 2008, Barefoot Jerry a joué un set d'enfer au 'Goose On The Lake Festival Festival' avec Moss et ils y sont retournés pour le Festival 2009 aussi, avec Russ Hicks et Terry Dearmore.

A noter que Barefoot Jerry est mentionné dans la chanson de Charlie Daniel "The South is Gonna Do It Again"...

Discographie:

Area Code 615:

1969: Area Code 615
1970: Trip In The Country

Barefoot Jerry:

1971: Southern Delight
1972: Barefoot Jerry
1974: Watchin' TV
1975: You Can't Get Off with Your Shoes On
1976: Keys to the Country
1977: Barefootin'
2007: Barefoot Jerry Live (enregistré à the Exit Inn en 1973 - disponible uniquement avec le site web officiel du groupe)

Sources: Matthew Greenwald, jay strange

[andy]

ce matin a champerret je me suis dégote le 4e album du groupe en vinyle pour 5 euros ! je découvre et c est sympa comme tout , merci pour ta bio alcat

[alcat01]

Ravi que cela t'ai permis d'en acheter un!