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1975: Blues for Allah
Le Grateful Dead a enregistré "Blues for Allah" aux Ace Studios du guitariste / chanteur Bob Weir. Le disque est le troisième à être publié sur le label Grateful Dead Records.
Lorsque l'album est sorti en Septembre 1975, le Dead n'avait pas encore repris la route et, de toute évidence, le temps de repos avait fait le plus grand bien au groupe, car le disque capture le Dead dans son état le plus naturel et le plus inspiré.
L'ouverture, composée de "Help on the Way", "Slipknot !" et "Franklin's Tower", est une suite aux multiples facettes, qui doit autant à Miles Davis qu'à tout ce à quoi le Grateful Dead a été associé. "Slipknot !" contient des changements d'accords, des progressions et des signatures temporelles qui deviennent des énigmes musicales que le groupe doit résoudre, ce qu'il fait sous la forme de "Franklin's Tower". Un autre morceau très évolué est le rarement joué "King Solomon's Marbles", un instrumental qui met en évidence, entre autres, le travail au Fender Rhodes de Keith Godchaux, sans retenue affichant plus qu'un soupçon d'inspiration de Herbie Hancock. Ces œuvres plus agressives contrastent avec les délicats passages musicaux et lyriques de "Crazy Fingers", qui contiennent certaines des images verbales les plus belles et les mieux arrangées du parolier Robert Hunter. Le solo de guitare de Weir sur "Sage & Spirit" est basé sur l'un de ses exercices d'échauffement. La mélodie acoustique légère est teintée d'un arrangement tout aussi magnifique. Bien que la suite de "Blues for Allah" ait un mérite certain, la voix chantante et la mélodie sinueuse semblent incongrues par rapport au reste de cet opus en tout point solide.

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Midnight Believer (1978)
Une autre collaboration qui a fonctionné bien mieux que ce à quoi on aurait pu s'attendre. King et the Crusaders se sont mélangés dans un style légèrement funky et contemporain pour l'entraînant "Never Make Your Move Too Soon" et l'exaltant "When It All Comes Down".
L'album "Midnight Believer" de B.B. King, paru en 1978, l'a amené à travailler avec Joe Sample, Wilton Felder et Stix Hooper des Crusaders, et Stewart Levine ont produit l'album. Toute l'écriture des chansons a été gérée par Will Jennings & Sample, à l'exception de "Never Make A Moon To Soon" qui était de Hooper & Jennings. Jennings était un auteur-compositeur qui collaborait avec les Crusaders, et Levine avait été le producteur du matériel précédent des Crusaders.
C'était l'idée du label de faire travailler B.B. et les Crusaders ensemble car ils étaient tous les deux sur ABC Records, et c'était une bonne idée.
L'album propose des chansons mid-tempo irrésistiblement entraînantes et funky comme la chanson titre, "A World Full of Strangers", et le sournois et contagieux "Never Make A Moon Too Soon". "I Just Can't Your Love Alone" est un peu surproduit et a un fondu excessif et trop long, mais il reste très accrocheur. Il y a une ballade forte et maussade avec "Hold On (I Feel Our Love Is Changing)", et une belle mélodie de bien-être avec "When It All Comes Down (I'll Still Be Around)". Le lent "Let Me Make You Cry A Little Longer" est frustrant, manquant d'accroche, mais c'est le seul raté de l'album.

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1972 - The London Muddy Waters Sessions
L'album "The London Muddy Waters Sessions" de Muddy Waters, sorti en 1972 sur Chess Records, fait suite aux "London Howlin' Wolf Sessions" de Howlin' Wolf de 1971, le concept était de combiner des bluesmen Américains avec des stars du Blues Rock Britanniques et Irlandaises.
L'album est une tentative de capitaliser sur la popularité croissante du Blues traditionnel et des artistes de Blues en Grande-Bretagne.
Il présente Waters à la slide et à la guitare acoustique, soutenu par Sammy Lawhorn et l'Irlandais Rory Gallagher à la guitare, Carey Bell Harrington à l'harmonica, Rick Grech à la basse, Georgie Fame (crédité sous le nom de "George Fortune") et Steve Winwood au piano et à l'orgue, Mitch Mitchell de Jimi Hendrix Experience et Herbie Lovelle à la batterie et Rosetta Hightower au chant, Ernie Royal et Joe Newman à la trompette, Garnett Brown au trombone et Seldon Powell au saxophone ténor.
Rory Gallagher joue sur trois titres, fournissant des solos sur "Young Fashion Ways" et deux autres. Winwood a repris son rôle de claviériste comme lors des Howlin' Wolf Sessions, faisant des apparitions sur trois titres. Georgie Fame, un musicien de Swing Jazz Blues qui a ensuite collaboré avec Van Morrison, a joué sur les morceaux restants. Mitch Mitchell joue sur la majeure partie de l'album. Sur des shuffles comme "I'm Ready" et "Blind Man Blues", le batteur est le vétéran des sessions New-Yorkaises, Herbie Lovelle. Rick Grech, surtout connu pour avoir joué dans Blind Faith et Traffic, joue sur tout l'album. Carey Bell, harmoniciste de Blues, était essentiel car il était membre de longue date du groupe de Muddy Waters, après avoir travaillé avec John Lee Hooker, Eddie Taylor et Earl Hooker.
"The London Muddy Waters Sessions" ont remporté le Grammy Award 1972 du meilleur enregistrement folk ethnique ou traditionnel; c'était la deuxième des six fois où Muddy Waters remportait ce prix.

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2020 : Whoosh!
"Whoosh!" devait sortir initialement le 12 Juin 2020, mais cette sortie a été repoussée au 7 Août 2020 en raison du Coronavirus. Comme leurs deux précédents albums de Deep Purple , il est produit par Bob Ezrin.
L'instrumental "And the Address", réenregistré pour l'album, était la pièce d'ouverture du premier album du groupe "Shades of Deep Purple" paru en 1968. Paice est le seul musicien qui figure sur les deux enregistrements..
"Whoosh!" est un disque toujours produit et mixé par le talentueux Bob Ezrin pour la troisième fois consécutive. Continuant sur la dynamique impulsée depuis "Now What?", le quintuor semble avoir retrouvé une nouvelle jeunesse.
Malgré leur âge avancée, les compositions sont d'une fraîcheur et d'une vitalité dont nombre de formations bien plus jeunes devraient s'inspirer. Pour s'en persuader, il suffit d'écouter le titre d'ouverture, "Throw My Bones", une petite bombe très efficace avec son riff de guitare accrocheur, son rythme groovy et l'assurance décontractée d'un Gillan un rien gouailleur. Certes, ses montées dans les aigus sont désormais un lointain souvenir, mais Gillan compense cette perte due à l'âge par une prestation impeccable jamais prise en défaut.
Jusqu'à "The Long Way Round", les titres s’enchaînent parfaitement, gardant une vivacité et un groove extrêmement agréables, sans jamais se ressembler. On passe avec le même bonheur d'un pur Hard Rock ('"The Weapon", "We're All the Same in the Dark", "No Need to Shout") à du presque prog ("Nothing at All" et son pont instrumental semblant inspiré d'une fugue de Bach, le caractère mélodramatique et parfois grandiloquent de l'inquiétant "Step by Step") ou à du Rock'n'Roll dansant dans la grande tradition des années 60 ("What the What").
"The Long Way Round" est la charnière de l'album, annoncée par une curieuse dernière minute atmosphérique. Si tout ce qui précédait, bien que varié, semblait pourtant homogène, les derniers titres sont plus disparates et dispersent l'attention de l'auditeur entre deux instrumentaux, un hymne sans attrait particulier ("The Power of the Moon") et un titre très old school avec son procédé narratif usé jusqu'à la trame ("Man Alive"). Fort heureusement, l'album se conclut avec le très purpleien "Dancing in my Sleep" retrouvant le groove de "Throw my Bones".
En conclusion, malgré une fin un peu plus hétéroclite et moins enthousiasmante, "Whoosh!", moins noir, plus direct et groovy que "Infinite", n'en demeure pas moins un bon album où le plaisir évident de jouer des musiciens transpire et se communique à l'auditeur.
N.B.: Certains CD sont accompagnés d'un DVD qui comprend l'histoire de l'enregistrement de l'album et le concert de Deep Purple au Hellfest 2017.

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Mon dernier achat Deep Purplesque .. pour l'instant ..

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Je l'aime bien!

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1970 The Answer
Avant ce début en solo, Pete Bardens, futur membre fondateur du groupe de Rock Progressif Camel, était présent sur la scène R&B et Rock Psychédélique Britannique depuis une demi-douzaine d'années, jouant avec Mick Fleetwood et Peter Green, ainsi que dans Them avec Van Morrison.
"The Answer" est l'occasion pour Peter Bardens de sortir de l'ombre, et ses talents de claviériste sont formidables, son écriture rend album intéressant.
Composé d'une demi-douzaine de titres longs variant de cinq à treize minutes, l'album offre une collection de Blues Progressif.
Les musiciens très talentueux qui l'accompagnent sont le chanteur de Love Affair Steve Ellis, la chanteuse de session Linda Lewis, Bruce Thomas (qui a plus tard a soutenu Elvis Costello dans the Attractions), et surtout son vieil ami Peter Green qui offre quelques-unes de ses meilleures prestations en tant que sideman, ce qui rend le disque meilleur qu'il n'aurait pu l'être, et le rend intéressant pour les fans sérieux du guitariste.
C'est un disque sinueux, avec des idées prometteuses qui tourbillonnent avant d'être transformées en quelque chose de convaincant. Contre toute attente, les 13 minutes de "Homage to the God of Light" constituent le point culminant de l'album, avec son mélange de rythmes latins, d'orgue brûlant et de guitare bluesy rappelant certains des grooves les plus jammy des premiers Santana.
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1998: Always Never the Same
"Always Never the Same..." est le premier album fort du retour de Kansas dans les années 90. Enregistré en grande partie à Abbey Road, avec de larges portions de l'album comportant des cordes de l'Orchestre Symphonique de Londres, l'album consiste principalement en des morceaux plus anciens traités de manière symphonique.
Les trois nouvelles chansons du groupe, à savoir "The Sky is Falling", "In Your Eyes" et "Need to Know", s'intègrent bien dans le répertoire du groupe, tout comme leur interprétation démesurée d'"Eleanor Rigby".
La fusion de l'orchestre et du Rock fonctionne plutôt bien, même s'il est un peu exagéré de qualifier cet album de symphonique. C'est un album pour les fans hardcore, mais c'est tout ce qu'il reste en 1998, et ils seront très satisfaits de ce disque.

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1970 New Morning
Bob Dylan a sorti "New Morning" dans la foulée du désastre commercial et critique "Self Portrait", et la différence entre les deux albums suggère que l'échec légendaire de son prédécesseur était intentionnellement défectueux.
"New Morning" développe le Country Rock décontracté de "John Wesley Harding" et "Nashville Skyline" en y ajoutant une touche de Rock plus prononcée.
Bien qu'il n'y ait que quelques véritables classiques sur le disque ("If Not for You", "One More Weekend"), la qualité générale est assez élevée, et de nombreuses chansons explorent des voies très particulières que Dylan n'avait pas abordées auparavant, qu'il s'agisse des expérimentations jazzy de "Sign on the Window" et "Winterlude", du morceau de spoken word décousu "If Dogs Run Free" ou de la parabole d'Elvis "Went to See the Gypsy". Ces chansons décalées font de "New Morning" un disque charmant et attachant.

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1976: Steal Your Face
Ce double album live du Grateful Dead sonne mal et il n'est, en aucun cas, représentatif d'un concert typique du Grateful Dead vers 1974. La question de savoir pourquoi le Dead contribue à un travail de si mauvaise qualité a longtemps alimenté les rumeurs. L'évidence, cependant, parle dans la sélection de chansons indescriptiblement pauvres et le manque total de cohésion de l'ensemble.
"Steal Your Face" a été compilé à partir du même concert de quatre nuits (du 16 au 20 Octobre 1974) au Winterland Arena que le Dead a filmé pour le Grateful Dead Movie (1976). Le groupe ayant annoncé sa décision de cesser ses tournées incessantes et de prendre un congé sabbatique, ces concerts ont été présentés à l'époque comme les "quatre derniers".
De l'avis général, il y a eu beaucoup d'interactions musicales inspirées au cours de la tournée. Alors, pourquoi n'a-t-on pas eu accès à ces morceaux pour cette sortie? En fait, cela se résume à deux facteurs: l'absence de contrôle de qualité au moment où les enregistrements ont été réalisés, et une conduite résolument peu recommandable et contraire à l'éthique de la part de la direction du groupe.
Ce qui reste aux auditeurs, c'est un assortiment de morceaux plus courts et de performances autonomes. Le groupe a expliqué qu'il s'agissait d'une tentative de ne pas reproduire le style de leurs précédents albums "Live / Dead" (1969), "Grateful Dead" (1971), et "Europe '72" (1972), tous infiniment plus réalistes et chaleureusement accueillis.
Il y a quelques morceaux sans grand intérêt, comme les reprises de Chuck Berry "Promised Land" et "Around and Around", ainsi que les airs de cow-boy de Bob Weir "Big River" et "El Paso". Il convient pourtant de noter que ces morceaux ne sont pas si mauvais que cela. Cependant, aucune de ces chansons ne laisse de place à un travail d'ensemble ou à une improvisation prolongée, des éléments clés pour capturer l'essence du Grateful Dead en live.
A l'inverse, les nouveaux originaux tels que les ballades de Jerry Garcia / Robert Hunter "Ship of Fools", "It Must Have Been the Roses", et le joyau de l'album, "Stella Blue", comptent parmi les moments les plus réfléchis et les plus lyriques de l'ensemble.

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Take It Home (1979)
Sur cet album de 1979, B.B. King interprète un certain nombre de morceaux Pop Blues, dont la plupart ont été coécrits par Will Jennings et le coproducteur Joe Sample, tandis que King a coécrit deux des chansons.
Même avec une vaste toile de fond contemporaine (comprenant une section de cuivres de sept musiciens et des choristes féminines), il reste encore beaucoup de place pour la guitare piquante et la voix de stentor de B.B. dans le muxage. Parmi les titres phares, citons "Better Not Look Down", teinté de gospel, "Same Old Story (Same Old Song)", "Happy Birthday Blues", "The Beginning of the End" et le titre de l'album.
"Take It Home" est l'un des albums les plus Pop de B.B. et il réussit admirablement bien...

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1973 - Can't Get No Grindin'
L'album de Muddy Waters, "Can't Get No Grindin'", marque le retour de Muddy au sein de son propre groupe après plusieurs formations et enregistrements expérimentaux: Pinetop Perkins reprend le piano de feu Otis Spann, avec l'harmoniciste vétéran de Chess, James Cotton, PeeWee Madison et Sammy Lawhorn s'occupant des guitares (en dehors de celle de Muddy, bien sûr).
La musique est brute, dure et tranchante, plus comme un successeur des faces classiques des années 1950 de Muddy (il repense un certain nombre de morceaux des années 1950) que des "London Sessions", "Super Blues", et des explosions de cuivres et des albums psychédéliques qu'il avait réalisés.
Le titre, "Sad Letter" et "Mother's Bad Luck Child" sont tous des morceaux d'anthologie, et la plupart du reste n'est pas loin derrière, bien que "Garbage Man" soit le plus connu des nouveaux morceaux, grâce à des reprises ultérieures.

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2021: Turning to Crime
Deep Purple a sorti son album de reprises, "Turning to Crime" le 26 Novembre 2021. Il est composé pour la première fois uniquement de reprises d'autres artistes, dont le single "7 And Is" de Love.
Ils l'ont qualifié de raillerie contre les critiques cyniques du Rock qui désapprouvent généralement ces sorties 'infâmes'. Mais tout dépend des reprises, ou plutôt de quelle reprise. Ce disque est, en quelque sorte, une véritable explosion, malgré quelques petites 'ratées'.
Pour la première fois, le groupe a collaboré à distance, par nécessité en raison de la covid (une interprétation de "Rockin' Pneumonia And The Boogie Woogie Flu" de Huey 'Piano' Smith doit avoir été en tête de leur agenda ironique).
L'amour de Gillan pour les premiers jours du Rock'n'Roll a été bien documenté avec les choix de chansons telles que "Jenny Take A Ride!" (de Little Richard, version Mitch Ryder & The Detroit Wheels), "Let The Good Times Roll" (de Ray Charles et Quincy Jones et le traitement complet de big band) et le 'skiffleux' "The Battle Of New Orleans" de Lonnie Donegan.
Mais il y a pourtant quelques faux pas. Le morceau d'ouverture "7 And 7 Is", du Love d'Arthur Lee est peut-être trop 'Purple' et manque du charme sardonique de l'original. Et sur "Oh Well" de Fleetwood Mac, il est surprenant d'entendre Paice éviter la signature 'tippety-tap bit' juste avant que Gillan entonne les mots "...Can't help about the shape I'm in…"; La fin triste de l'original est cependant recréée avec précision.
Mais les points forts l'emportent massivement sur les points faibles. Un délicieux "Dixie Chicken" simule la tendance venteuse de Little Feat; Le "Lucifer' de Bob Seger vaut à lui seul le prix d'entrée pour entendre Gillan s'exclamer les mots immortels 'holy mackerel' et, en effet, 'moley'; le "White Room" de Cream est convenablement sinistre; "Watching The River Flow" de Bob Dylan transporte l'auditeur dans un bar de saloon du Far West, Airey au piano cabossée, fumant une grande cigarillo.
Le meilleur est gardé pour la fin. "Caught In The Act" (Medley: Going Down / Green Onions /Hot ‘Lanta /Dazed and Confused / Gimme Some Lovin’) est un mélange de morceaux de Freddie King, Booker T. & the MG's, the Allman Brothers et the Spencer Davis Group, et ça résonne comme "Cannonball Express" de Casey Jones sous stéroïdes. Et il y a un soupçon de "Dazed And Confused". Deep Purple jouant du Led Zeppelin? Qui l'aurait cru?!...

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Joy of a Toy 1969
En tant que premier bassiste et principal auteur-compositeur de Soft Machine, Kevin Ayers a été une force méconnue derrière les enregistrements révolutionnaires du groupe en 1967 et 1968.
Ce premier album solo est tellement décousu et nonchalant qu'on a l'impression qu'il voulait se détendre après avoir contribué à piloter les innovations maniaques de Soft Machine. La paresse du laisser-faire a toujours fait partie de la personnalité d'Ayers, et le charme paresseux intermittent de ce disque a contribué à l'établir.
La maîtrise par Ayers d'un assortiment d'instruments est impressionnante, sa voix de basse profonde et ses esquisses de chansons enjouées, presque goguenardes, sont touchantes.
Ce n'est pas un hasard si certains morceaux rappellent les premiers Soft Machine : Robert Wyatt joue de la batterie sur la plupart des chansons, et "Song for Insane Times" est pratiquement une véritable performance de Soft Machine, avec le soutien du groupe lui-même.
Un album bien sympathique qui est à son meilleur quand Ayers est plus folklorique.

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2000: Somewhere to Elsewhere
L'album "Somewhere to Elsewhere" de Kansas, sorti en 2000, se distingue par le fait qu'il s'agit du premier enregistrement des six membres originaux depuis près de 20 ans.
Le chanteur Steve Walsh, le guitariste Richard Williams, le chanteur et violoniste Robby Steinhardt, le bassiste de longue date Billy Greer et le batteur Phil Ehart sont rejoints par le guitariste et claviériste d'origine Kerry Livgren et le bassiste d'origine Dave Hope. Livgren a écrit les dix chansons.
"Somewhere to Elsewhere" présente la dynamique innovante et les longues chansons des premiers travaux de Kansas, tout en conservant un son de production moderne et précis. "Icarus II" est une épopée merveilleusement complexe sur les pilotes de bombardiers; les lignes lumineuses du piano et du violon cèdent la place à une guitare heavy metal foudroyante symbolisant un bombardement. "When the World Was Young" est un rock groovy auquel Walsh apporte une large palette de tons vocaux. Le très émouvant "The Coming Dawn (Thanatopsis)" alterne entre passages feutrés et grandiloquents, le violon de Steinhardt ouvrant la voie. Le complexe "Myriad", d'une durée de neuf minutes, est sans doute le moment le plus "rock progressif" de l'album. Greer obtient sa toute première voix principale au Kansas sur le facile "Look at the Time". Steinhardt chante sur "Disappearing Skin Tight Blues", une chanson inhabituelle avec des rimes intelligentes mais peu caractéristiques et des harmonies de groupes vocaux dignes des années 50.

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1973: Pat Garrett and Billy the Kid
La bande originale du film Pat Garrett et Billy the Kid de Sam Peckinpah de 1973 n'est pas une sortie essentielle de Bob Dylan, mais c'est une écoute charmante et discrète. C'est une première entreprise de ce genre pour Dylan.
Il est intéressant de noter que l'album a réuni l'artiste avec un musicien / collaborateur important de son passé respectif: Dylan avec le guitariste Bruce Langhorne, qui avait joué avec lui sur ses premiers albums jusqu'à Bringing It All Back Home, avant d'être remplacé par Mike Bloomfield, etc.
Le travail de Dylan comprend un LP entier, et l'album qui en résulte est un set magnifiquement simple, parfois brutal et parfois délicatement raffiné de Rock influencé par la Country et le Folk, conçu pour mettre en valeur un film historique très sérieux réalisé par l'un des plus grands stylistes de la mise en scène.
L'album est solide avec non seulement Langhorne mais aussi des sommités telles que Booker T. Jones, Roger McGuinn et Byron Berline.
Il présente la chanson certainement la plus universelle de Dylan, "Knockin' On Heaven's Door" qui est un Hit évident qui a contribué à augmenter les ventes, mais "Billy 1", "Billy 4", et "Billy 7" sont aussi de bonnes chansons.
Prenant pour la plupart un angle Country détendu, "Turkey Chase" est un moment fort dans lequel le banjo occupe une place importante et les enjeux montent un peu et le thème final qui suit immédiatement la chanson célèbre a une saveur richement épique, presque andine avec un bon soupir de des harmonies de fond et un jeu de flûte à bec remarquable et émouvant qui ressemble beaucoup à une flûte de pan paisible.
Les instrumentaux qui les entourent valent la peine d'être entendus en tant que manifestations de la création musicale de Dylan; "Bunkhouse Theme" est carrément magnifique.
Ce disque prouve, s'il en étant besoin, que Dylan peut adapter sa musique aux exigences d'une musique de film sans en compromettre le contenu ou la qualité.
L'album a par la suite été quelque peu négligé dans le sillage de la tournée qui a suivi et des attributs musicaux imposants de, par exemple, Blood on the Tracks et Desire, mais écouté en tant que tel, il tient toujours la route...

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1977: Terrapin Station
L'album "Terrapin Station"du Grateful Dead, sorti en 1977, marque son retour sur un grand label, en l'occurrence Arista Records.
Mais le plus important est l'utilisation d'un producteur extérieur. Ce n'est que la deuxième fois que le groupe ne prend pas le contrôle total de l'album. Et c'est la première fois en dix ans qu'ils abandonnent les rênes de la production. Ils ont choisi Keith Olsen, un ancien membre du groupe de Garage Rock des années 60 Music Machine, dont la liste de production comprenait également d'autres personnalités de la Bay Area, dont les Sons of Champlin et Santana.
Musicalement, "Terrapin Station" offre quelques aperçus du groupe dans ce qu'il fait de mieux. L'exemple le plus marquant est la suite du titre de l'album, mais il y en a d'autres, comme la reprise du Gospel Blues du Reverend Gary Davis "Samson and Delilah" et la résurrection du Hit de Martha & the Vandellas "Dancin' in the Streets".
Ce dernier morceau était à l'origine interprété par le Dead dans leur répertoire du milieu des années 60. Ce qui était autrefois une lecture Garage Rock et psychédélique a évolué vers un arrangement funky disco avec beaucoup de cuivres.
Heureusement, leurs versions étendues lors des concerts étaient infiniment plus tolérables. Les personnes intéressées par le contraste entre les versions studio et live des morceaux de "Terrapin Station" devraient se procurer l'album d'archives "Dick's Picks, Vol. 3". Ce coffret de deux disques ne se contente pas de capturer le groupe exactement deux mois et deux jours avant la sortie de "Terrapin Station", mais il propose également des interprétations exceptionnelles de tous les morceaux de l'album, à l'exception du Rock up-tempo "Passenger".

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B.B. King There Must Be a Better World Somewhere (1981)
Au cours de sa décennie d'enregistrement pour MCA, B.B. King était généralement accompagné d'une formation pléthorique plutôt que de son groupe de voyage habituel parfaitement complémentaire.
Dans l'album "There Must Be a Better World Somewhere", il est accompagné par un groupe plus logique que d'habitude comprenant l'altiste Hank Crawford, le saxophoniste ténor David "Fathead" Newman et le barytoniste Ronnie Cuber.
Les deux morceaux les plus basiques, "There Must Be a Better World Somewhere" et "The Victim", sont facilement les plus réussies, tandis que les quatre autres sont funky, plus orientées R&B sont plus commerciales; on dirait que B.B. essayait consciemment d'obtenir un disque à succès.
Malgré quelques beaux solos de Newman et Crawford, cette enregistrement est plutôt erratique, court (moins de 36 minutes) et loin d'être essentiel.

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1974 - London Revisted with Howlin' Wolf
Cet album contient quelques restes intéressants des sessions d'enregistrement londoniennes de Muddy Waters et de Howlin' Wolf, respectivement en 1971 et 1970.
À l'époque où les CD et les bonus tracks n'existaient pas encore, les labels lançaient souvent des albums composés d'inédits qui avaient été jugés impropres à la consommation publique. Ce type d'album est généralement un succès, mais les maisons de disques se sont souvent trompées sur le travail de leurs artistes, si bien qu'il est encore possible de trouver des perles cachées sur ce type de disque.
Bien que 'The London Muddy Waters Sessions" soit le moins bon de ces deux LPs, ce sont les outtakes de cet album qui sont, étrangement, les plus intéressants. Les musiciens qui apportent leur soutien sont Carey Bell à l'harmonica, Steve Winwood ou Georgie Fame aux claviers, Sam Lawhorn et Rory Gallagher aux guitares, Rick Grech à la basse et Mitch Mitchell à la batterie.
"Hard Days" ressuscite l'un des premiers enregistrements de Muddy, datant de 1946 et précédant les Chess, tandis que "Highway 41", sans batterie, permet au vieux bluesman de Chicago de s'étendre à la slide guitare pendant les sept minutes que dure l'enregistrement. Il ne semble pas tout à fait à l'aise lorsqu'il interprète "I Almost Lost My Mind" d'Ivory Joe Hunter, mais on peut tout de même l'apprécier en tant que nouveauté. "Lovin' Man" est une belle mise à jour d'une chanson que Waters avait enregistrée à l'origine en 1953.
Bref, ce disque est tout à fait digne d'intérêt!

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2009 A place in the Queue
La sortie de l'album "A place in the Queue" de The Tangent, paru en 2009, a été précédée d'un fort buzz: le label était probablement désespéré de détourner l'attention du fait que l'une des figures de proue du groupe, Roine Stolt, avait quitté le groupe.
Si la stratégie a fonctionné, tant mieux, car "A Place in the Queue" est certainement le meilleur opus du groupe à ce jour et un sérieux candidat au titre de meilleur album de Rock Progressif de 2006, même s'il est sorti au début du mois de Février.
Après le départ du guitariste des Flower Kings qui avait toujours eu une forte présence musicale, le saxophoniste et flûtiste Theo Travis fut libre de prendre plus de place, ce qui eut un impact très positif sur l'écriture de Tillison.
"A Place in the Queue" révèle un Rock Progressif fort, rempli d'arrangements intelligents, de musicalité solide, de signatures temporelles complexes, de petites touches d'humour, d'une touche de complaisance obligatoire, et même de l'épisode de mauvais goût pour lequel tant de disques légendaires de rock progressif sont connus.
L'épopée de 20 minutes, "In Earnest", place la barre très haut: elle contient à peu près tout ce qu'un fan de Prog Rock peut espérer d'une épopée car aucun autre morceau de l'album ne peut rivaliser avec sa beauté et son intensité. Néanmoins, "Lost in London" est un morceau humoristique très agréable qui rappelle Caravan. "The Sun in My Eyes" semble beaucoup plus long, à moins d'aimer le son saturé de cordes de l'Electric Light Orchestra d'antan. Le morceau-titre de 25 minutes est une épopée satisfaisante, mais il accumule les thèmes et les sections de manière encombrante, alors que "In Earnest" atteint un niveau de cohésion plus élevé.
Tout au long de l'album, les saxos et les flûtes de Travis apportent la touche Ian McDonald / Mel Collins qui est devenue un trait caractéristique du son du groupe...