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Shooting at the Moon 1970
Après la sortie de son premier album, "Joy of a Toy", Kevin Ayers a créé lthe Whole World. Rétrospectivement, ce groupe était une sorte de supergroupe Britannique, composé du jeune Mike Oldfield (basse / guitare), de Lol Coxhill (saxophone), de Mick Fincher (batterie, parfois remplacé par Robert Wyatt) et de David Bedford (claviers / arrangements).
En Octobre 1970, Ayers présente son Whole World avec la sortie de son nouvel album, "Shooting at the Moon". L'album est saturé d'idées originales, d'expérimentations et de folie, toutes alimentées par le raisin en bouteille. C'est cette même ivresse qui propulse et simultanément entrave le travail, résultant en un projet débordant de potentiel, dont une grande partie est restée sous-développée.
"Shooting at the Moon" est un album Pop solide et unique, mais Ayers et le producteur Peter Jenner ont présenté le matériel sous la forme d'un Rock Progressif et Arty.
C'est facilement l'un des meilleurs disques d'Ayers. En l'état, l'album sert davantage de curiosité avec quelques-uns des meilleurs morceaux Pop d'Ayers à ses débuts, pas encore modelés par les collaborations ultérieures et les concerts. La musique d'Ayers est à son zénith lorsqu'il croone.
Les chansons Pop sont intégrées dans des structures plus longues, submergées et obscurcies par le cadre de l'album. Les excursions prog du groupe, "Rheinhardt and Geraldine", "Pisser Dans un Violon", et l'atmosphérique "Underwater", sont intéressantes.
Les chansons "Pisser Dans un Violon" et "Shooting at the Moon" , qui est une reprise de "Jet Propelled Photograph" de Soft Machine, sont très proches de la tradition de la Fusion avant-gardiste Britannique; ils sont mûrs pour des structures libres ou relâchées, fournissant un terrain fertile pour l'improvisation débridée...

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2016 - The Prelude Implicit
Le son classique du Kansas est de retour avec une attitude et une éthique de travail bien améliorées. Les membres originaux, le batteur Phil Ehart et le guitariste Richard Williams, sont rejoints par le bassiste / chanteur de longue date Billy Greer, le nouveau claviériste David Manion, le nouveau chanteur / claviériste Ronnie Platt, le violoniste / guitariste de longue date David Ragsdale et le guitariste Zak Rizvi.
Kansas est un groupe avec un passé, un présent et, plus excitant encore, un avenir. Personne n’a pu voir cela venir, mais c’est un spectacle et un son merveilleux à contempler.
Tous les membres du groupe étaient mis au défi de créer un album qui rivaliserait avec les compositions classiques de Walsh et Livgren. C'est le meilleur des opus 'sans Walsh et Livgren'.
Le son le plus 'Kansas' de l'album est le morceau épique "Voyage of 8:18". Celui-ci est tellement progressif et tellement "Song for America" que les fans inconditionnels jureront qu'il doit être resté dans le coffre-fort depuis 30 ans. Cependant, il y a des moments où l’auditeur est surpris par ce que propose le groupe. "The Unsung Heroes" commence avec le son classique, mais se transforme en un couplet où le groupe sonne comme s'il jouait dans un bar enfumé au milieu de nulle part. La section instrumentale comprend un solo de guitare qui fera sourire de plaisir tous les fans de Kansas. "Rhythm in the Spirit" s’ouvre sur l’un des riffs les plus méchants de l’histoire de Kansas. C'est l'un des morceaux les plus marquants de l'album. "Summer" est une chanson très 'Kansas'. La guitare et le violon d'ouverture cèdent la place à un rythme galopant qui se transforme en un énorme pré-refrain et refrain.
Les sept personnes du Kansas d'aujourd'hui montrent qu'elles veulent non seulement faire partie du groupe, mais qu'elles ont la passion de perpétuer la tradition du passé et de créer une nouvelle musique pour aujourd'hui.

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1973: Dylan
Généralement considéré comme le pire album du catalogue de Bob Dylan, 'Dylan" est une collection de neuf chutes de l'album "Self Portrait" que Columbia a assemblé après que le chanteur ait brièvement quitté le navire pour le tout jeune label Asylum Records de David Geffen.
Dylan ne voulait pas que l'album soit publié, et il est facile de comprendre pourquoi: c'est une collection de reprises qui sont mal interprétées à dessein. S'attaquant à la fois à des auteurs contemporains (Big Yellow Taxi de Joni Mitchell, Mr. Bojangles de Jerry Jeff Walker), à des chansons pop ("Can't Help Falling in Love", "A Fool Such as I") et à des morceaux traditionnels ("The Ballad of Ira Hayes", "Spanish Is the Loving Tongue"), Dylan tente de saboter chaque morceaux, mais aucun des résultats n'est aussi choquant, ou drôle, que les déconstructions de "Self Portrait".
Pourtant, "Dylan" n'est pas inécoutable: il a un reflet Pop / Rock agréable et Dylan chante avec son croon de "Nashville Skyline".
Seuls les fans inconditionnels dotés d'un sens de l'humour pervers trouveront que ce disque vaut la peine d'être écouté.

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1978: Shakedown Street
Le Grateful Dead a cherché le bon producteur qui pourrait l'aider à enregistrer un album studio qui soit aussi bon que ce qu'il fait en public. Le leader de Little Feat, Lowell George a été désigné.
Il faut savoir que le Dead était à la dérive dans ses tentatives d'obtenir un succès crossover pour Arista Records de Clive Davis, tandis que George poussait Little Feat vers la dissolution.
Avec la fascination soudaine et inexplicable du Dead pour le Disco, le désir de voir Donna Jean Godchaux faire partie intégrante du disque, ainsi que l'absence de nouvelles chansons prêtes à l'emploi au début des sessions, il n'est guère surprenant que "Shakedown Street" ait fini par être un gâchis.
Il divague et s'égare alors que le Dead reprend "Good Lovin'" des Rascals avant de ressusciter "New Minglewood Blues" qu'ils avaient à l'origine enregistré pour leurs débuts, que Jerry Garcia et Robert Hunter écrivent leur propre "Stagger Lee" tandis que Mickey Hart et Bill Kreutzmann s'exercent aux percussions sur le bref instrumental "Serengetti" et que Bob Weir affecte un grognement bluesy sur "I Need a Miracle".
Entre les mains de George, tout cela reçoit un brillant lisse qui n'est pas si éloigné de "The Last Record Album" de Little Feat, mais "Shakedown Street" serpente sans pitié, et ses indulgences finissent par submerger l'album dans son ensemble, comme la pulsation disco de la chanson-titre et le flou des deux chansons interprétées par Donna Jean.
Cela rend "Shakedown" Street un peu difficile à écouter, car même les bonnes chansons ont de mauvais arrangements ("Shakedown Street" et "Fire on the Mountain" ont été plus tard retravaillées et revitalisées en concert), mais il ne s'agit pas d'un véritable désastre, en partie parce qu'il est fascinant à écouter en raison des choses mêmes qui en font un disque gravement défectueux.
A vous de juger!

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Love Me Tender (1982)
"Love Me Tender" est un album de B.B. King sorti via MCA Records en 1982. King a soutenu l'album en apparaissant sur Austin City Limits.
Produit par Stewart Levine, l'album a été enregistré à Nashville. Les cuivres de Muscle Shoals apparaissent sur certaines pistes. "Love Me Tender" est une reprise de la chanson rendue célèbre par Elvis Presley.
L'incursion de B.B. King dans la musique de Nashville n'est pas une réussite. Ce n'est pas la musique que l'on peut attendre de la part de B.B. King qui délaisse trop le Blues pour une musique qui n'est pas faite pour lui: Il suffit de l'entendre chanter "Love Me Tender" devant un parterre de musiciens les plus génériques de Music Row pour s'en rendre compte!
Ce n'est pas un mauvais disque, mais ce n'est, en aucun cas, un disque de B.B. King!...

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1974 - 'Unk' In Funk
L'album "Unk in Funk" de Muddy Waters, paru en 1974, est le dernier enregistrement que Muddy Waters a publié au cours de son association de près de 30 ans avec Chess Records. Waters est épaulé par le groupe qui l'accompagnera jusqu'à la fin de sa carrière: Pinetop Perkins (piano), Luther "Guitar Junior" Johnson (guitare), Bob Margolin (guitare), Calvin "Fuzz" Jones (basse) et Willie "Big Eyes" Smith (batterie).
Ils passent en revue une sélection de classiques de Waters, meilleure que la moyenne, avec des compositions plus récentes plus ou moins intégrées. Waters s'attaque à son ancien catalogue avec l'énergie et la maîtrise d'un homme qui met tout en jeu.
Cet esprit de qualité et d'authenticité façonne sa énième révision de "Rollin' and Tumblin'", alors que la guitare de Waters ravive ses frettes au son singulier. Démontrant pourquoi ils étaient des alliés rythmiques parfaits pour Waters, la synchronisation grinçante de Jones et Smith maintient parfaitement le groove méthodique et glissant qui se déroule sous la mise à jour de "Just Had to Be with You". Cela permet à Muddy de se laisser aller à quelques improvisations vocales inspirées. Les morceaux "Trouble No More" et "Drive My Blues Away" offrent la présentation la plus authentique de Waters d'hier et d'aujourd'hui.
Les chansons plus récentes, "Katie" et "Waterboy, Waterboy", montrent que le vieux bluesman possède encore un peu de punch. "Electric Man" est l'un des deux morceaux de la petite-fille de Waters, Amelia Cooper et de Terry Abrahamson, typiques du style de lyrisme auto-congratulant sur des changements de Blues génériques.
Tout n'est pas perdu, cependant, grâce à une interaction ludique entre Waters et l'harmonociste Carey Bell Harrington. L'autre contribution de Cooper et Abrahamson, "Unk in Funk", partage son crédit avec l'agent artistique Ted Kurland. Encore une fois, bien que le sentiment soit bien intentionné, le jeu est marginalisé avec peu ou pas de gain de terrain substantiel...

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1970 Ry Cooder
A l'âge de 22 ans, Ry Cooder est sorti de l'ombre de Jackie DeShannon, Taj Mahal, les Rolling Stones et Captain Beefheart en signant son propre contrat avec Warner Brothers Records en 1969.
Son premier album, éponyme, sorti en 1970, est une intrigante fusion de Blues, de Folk, de Rock et de Pop, filtrée par sa propre guitare complexe et syncopée, par la production de Van Dyke Parks et Lenny Waronker et par les arrangements de cordes de Parks et Kirby Johnson. Alors qu'il est encore en train de chercher ses marques en tant que chanteur, Cooder fait passer ce mélange unique en combinant des chansons formidables, un jeu virtuose et des arrangements excentriques, mais imaginatifs.
Pour le matériel, il a déniché dix petits joyaux couvrant six décennies et remontant aux années 1920, de légendes telles que Woody Guthrie, Blind Blake, Sleepy John Estes et Leadbelly, ainsi qu'une composition actuelle de Randy Newman. Pourtant, aussi excellents que soient ses choix extérieurs, c'est le charme exubérant de son propre instrumental, "Available Space", qui vole presque la vedette.
L'interaction joyeuse entre la slide de Cooder, le piano de music-hall de Van Dyke Parks et la batterie crée un morceau à la fois décontracté et sophistiqué. Si "Available Space" est le moment le plus enjoué du disque, son final, "Dark Is the Night", est l'inverse, avec la slide acoustique austère de Cooder qui extrait chaque once de tourment du chef-d'œuvre endeuillé de Blind Willie Johnson. Certains des arrangements excentriques peuvent s'avérer un peu trop pour les puristes et le public Pop, mais le besoin de Cooder de s'étendre, tempéré par une révérence pour le passé, aide à créer une œuvre complètement originale qui devrait récompenser les auditeurs aventureux.

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Whatevershebringswesing 1971
L'album "Whatevershebringswesing" de Kevin Ayers enregistré sans le collectif Whole World), paru en janvier 1971, est mélancolique et réfléchi.
C'est l'album d'Ayers le plus accessible commercialement à ce jour.
Le morceau d'ouverture, la suite "There Is Loving" reprend l'album précédent, liée par son son Soft Machine / Prog Rock et reprenant les paroles du single "Butterfly Dance", mais il s'agit d'une ouverture trompeuse pour un album qui est très éloigné du sous-genre du Prog.
Remplaçant parfaitement Lol Coxhill, Malherbe et sa flûte se distinguent sur ce morceau, avec des arrangements orchestraux émouvants de Dave Bedford sur la partie centrale de "Among Us". Initialement sorti en single, le morceau phare de l'album et incontournable des concerts, "Stranger in Blue Suede Shoes", est un classique d'Ayers.
Dans la lignée des compositions les plus séduisantes et les plus réussies d'Ayers, "Stranger" et la majorité des morceaux du disque sont simples et francs, permettant à l'auditeur de s'y plonger immédiatement. "Oh My" et "Champagne Cowboy Blues" sont d'excellents exemples de la capacité d'Ayers à attirer immédiatement l'auditeur grâce à son approche légère et légèrement biaisée. "Champagne" présente le son / style caractéristique de Mike Oldfield, qui allait bientôt vendre des millions de disques en tant qu'artiste solo. Il convient de noter "Song From the Bottom of a Well" et "Lullaby". Inspiré par l'obscurité et le pressentiment, "Song From the Bottom of a Well" rappelle "Why Are We Sleeping" de Soft Machine. Mais comme une grande partie du matériel expérimental de son précédent album, Et l'instrumental "Lullaby" (qui porte bien son nom) clôt l'album sur une note vraiment étrange. Rappelant "Cadence and Cascade" de King Crimson ("In the Wake of Poseidon") et mis en valeur par la flûte fluide de Malherbe, "Lullaby" est un exemple précoce d'ambiance New Age, avec un ruisseau qui coule en arrière-plan.
"Whatevershebringswesing" n'atteint pas les sommets ambitieux de l'album précédent d'Ayers, mais le matériel est beaucoup plus cohérent et concentré.

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2020: The Absence of Presence
En 2020, Kansas a repris le chemin du studio avec un nouvel album, "Absence of Presence" qui s'appuie sur les points forts de son prédécesseur, tout en approfondissant l'esthétique prog. La popularité de Kansas repose sur un savant équilibre entre prog et rock mélodique.
Le violon omniprésent de David Ragsdale, les guitares hard rock de Rich Williams et Rivzi, les claviers arpégés et rythmiquement riches du nouveau membre Tom Brislin, la ligne de basse de Billy Greer et la batterie majestueuse de Phil Ehart sont toujours aussi intéressants. Le chant de Platt, bien qu'il ne ressemble pas à celui de Steve Walsh est cristallin, évocateur et profondément expressif.
Les fans trouveront dans "Absence of Presence" un ajout bienvenu au catalogue de Kansas, comparable à leurs meilleurs enregistrements. Pour les autres, il s'agit d'un excellent exemple musical et stylistique du Prog Rock Américain du 21e siècle.

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Planet Waves (1974)
En retrouvant le Band, Bob Dylan se retrouve avec un album qui rappelle davantage New Morning que The Basement Tapes, puisque Planet Waves adopte un ton intimiste et détendu, d'autant plus approprié pour une collection de chansons modestes sur la vie domestique.
En tant que tel, l'album peut sembler un peu anticlimatique puisqu'il n'a rien de la sauvagerie des meilleures musiques de Dylan et du Band des années 60 - juste une approximation de la rusticité domestique.
Si l'on considère que le disque a été réalisé en trois jours, sa nature modeste ne devrait pas être une surprise, et c'est parfois autant un défaut qu'une vertu, puisque plusieurs morceaux flottent dans l'éther. Pourtant, c'est une vertu par endroits, car il y a des moments - " On a Night Like This ", " Something There Is About You ", l'adorable " Forever Young " - où ça colle, rendant presque acceptable la nature diffuse du reste de l'album.

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Grateful Dead 1980: Go to Heaven
"Go to Heaven" marque le début du mandat du claviériste Brent Mydland, qui a rejoint le groupe au Printemps de l'année précédente et y restera pendant une décennie. Les huit chansons, sans compter "Antwerp's Placebo (The Plumber)" qui est une piste instrumentale de 38 secondes, avaient déjà fait leur chemin dans le répertoire des concerts du Dead, ou le feraient en temps voulu.
Il s'agit notamment de "Althea", "Feel Like a Stranger" et "Saint of Circumstance", ainsi que du morceau d'ouverture Rock "Alabama Getaway", qui était également souvent le morceau d'ouverture du groupe en concert au début des années 80.
(Dans un sens quelque peu ironique, le dernier morceau du disque, "Don't Ease Me In", a également clôturé de nombreux premiers sets à cette époque; ce morceau est d'autant plus remarquable qu'il a été l'une des premières chansons interprétées par le groupe en 1965, sous le nom de Warlocks.
En termes de qualité du matériel, l'album contient quelques perles. La principale est le duo "Lost Sailor" et "Saint of Circumstance" de Bob Weir. Bien qu'elle ne soit pas aussi développée qu'elle le deviendra en concert, la mélodie douce et les tempos fluctuants rappellent "Weather Report Suite" de l'album "Wake of the Flood" de 1973. La ballade groovante "Althea" chantée par Jerry Garcia est un autre exemple d'un morceau qui allait prendre des teintes plus audacieuses et plus lumineuses en tant qu'élément de base des concerts pendant le reste de la vie du Dead...

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Blues 'N' Jazz (1983)
L'album "Blues 'N' Jazz" de B.B. King de 1983 a remporté un Grammy pour le meilleur enregistrement de Blues de l'année.
Il est une formidable documentation sur le big band de B.B. King dans les années 80, agrémentée de guest stars de choix. La présence du saxophoniste ténor Arnett Cobb a été dûment remarquée par les hipsters dans une décennie où les saxophonistes soulful, autrefois considérés comme acquis, ont commencé à être fêtés, et même loués par des films documentaires. Bien que la gloire des Grammy ait dû déteindre sur eux, les compagnons de route de l'entreprise King road band ont largement contribué à l'éclat de ce projet.
Le trompettiste Calvin Owens a été le premier directeur musical de King trois décennies avant l'enregistrement de "Blues 'N' Jazz." Le second règne d'Owens en tant que chef d'orchestre de King, à partir de 1978, a en quelque sorte été couronné par ce Grammy. Le trompettiste s'est chargé de tous les arrangements et a fait une tentative efficace pour retrouver le son des années 50 avec "A Broken Heart", un morceau qui remonte à la relation entre King et le producteur Joe Bihari, alors qu'il était jeune. Le saxophoniste ténor Donald Wilkerson est un autre des musiciens, qui méritent tous d'être mentionnés. Contrairement à un habitué du groupe de King tel qu'Owens, Wilkerson était une sorte de reclus qui jouait presque exclusivement dans la région de Houston; l'album de King semble être l'un des rares enregistrements réalisés par le Texan au cours de la dernière partie de sa carrière. Le producteur Sidney Seidenberg doit être félicité pour les efforts qu'il a déployés afin de s'assurer les services de Wilkerson, ce qui est une bonne chose.
On trouve aussi un vibraphoniste, Warren Chiasson, et la combinaison de la guitare électrique et de cet instrument de percussion accordé et joué avec des maillets a un air des années 50 et 60. Cette combinaison fonctionne bien, soulignant les influences qui vont et viennent entre le Swing et le Rhythm & Blues. C'est précisément cette combinaison que King a voulu présenter dans ce set de neuf titres, dont un seul dépasse les cinq minutes.
Le Jazz est bien plus qu'une simple influence dans une section rythmique composée des vétérans Major Holley à la basse et Oliver Jackson à la batterie. Le trompettiste Woody Shaw est plutôt un moderniste. Ses interprétations sont des moments de fierté pour le jazz moderne, montrant que les musiciens progressistes peuvent tout aussi bien s'attaquer au Blues et qu'ils ont en fait beaucoup à apporter au genre.

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1974 - The Muddy Waters Woodstock Album
De toutes les tentatives post-"Fathers & Sons" d'actualiser le son de Muddy Waters en collaboration avec de jeunes musiciens blancs, "The Muddy Waters Woodstock Album" est celui qui a le mieux fonctionné parce qu'il a permis à Waters d'être lui-même, produisant une musique qui se compare favorablement à ses concerts de l'époque, qui étaient merveilleux.
Cet album a été enregistré au studio Woodstock de Levon Helm avec Helm et Garth Hudson, membre du Band, qui font équipe avec l'orchestre de tournée de Waters.
Waters reprend des chansons qu'il connaissait déjà à l'époque, notamment "Caldonia" et "Let the Good Times Roll" de Louis Jordan, joue de la slide guitare et s'amuse généralement beaucoup sur cet album récompensé par un Grammy.

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1972 Into the Purple Valley
Ry Cooder est un virtuose de presque tous les instruments à cordes, et sur "Into the Purple Valley", il démontre cette capacité sur une grande variété d'instruments.
La musique est principalement axée sur l'époque du Dust Bowl et sur ce qui se passait en Amérique à l'époque, tant sur le plan social que musical. Les chansons de Woody Guthrie, Leadbelly et bien d'autres montrent la connaissance encyclopédique qu'a Cooder de la musique de cette époque, combinée à un sens instinctif des chansons.
'Phénoménal' est le mot qui décrit son jeu, que ce soit à la guitare, à la guitare hawaïenne "slack key", à la mandoline ou aux instruments plus obscurs qu'il a trouvés.
C'est un must pour ceux qui aiment la virtuosité instrumentale, les reprises authentiques d'une époque, ou tout simplement la bonne musique.

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Bananamour 1973
"Bananamour", paru en 1973, est le fruit des compositions les plus matures et les plus accessibles de Kevin Ayers à ce jour. Il s'est entouré d'un trio nouvellement formé. Avec le bassiste Archie Leggett et le batteur Eddie Sparrow au centre, Ayers a choisi des artistes invités pour une poignée de morceaux: Dave Bedford, collègue de Whole World sur "Beware of the Dog", Steve Hillage, nouveau guitariste de Gong sur "Shouting in a Bucket Blues", Robert Wyatt sur "Hymn" et Mike Ratledge sur "Interview" qui est facilement l'un des morceaux les plus forts et les plus originaux de l'album, chargé d'un son de guitare rugueux et positivement électrifiant de la part d'Ayers, et de fioritures d'orgue psychédéliques de Ratledge.
"Shouting in a Bucket Blues" est le groove Pop / Blues inspiré d'Ayers. Armé de quelques paroles mordantes, ce morceau est devenu un incontournable des concerts, interprété par un certain nombre de guitaristes célèbres au fil des ans, dont Mike Oldfield et Andy Summers. Hillage livre une interprétation brûlante dans cet enregistrement studio original de la chanson. La chanson "Decadence" est la pièce maîtresse de l'album et sa plus grande réussite. Ayers, Leggett et Sparrow y créent une musique progressive et atmosphérique qui ne ressemble à rien d'autre sur l'album. Un travail original avec des paroles puissantes concernant Nico, "Decadence" est une sorte de préfiguration supérieure à l'épopée "Confessions of Dr. Dream" de l'année suivante, qui comprend une collaboration vocale avec Nico sur "Part One".
Les compositions de "Bananamour" mettent l'accent sur les aspects vocaux du matériel: Ayers s'est assuré le concours des meilleurs chanteurs de session de l'industrie pour l'accompagner: Liza Strike, Doris Troy et Barry St. John. Dans diverses configurations, le trio étoffe les chansons, ajoutant une profondeur fascinante à l'album qui élargit agréablement le répertoire éclectique d'Ayers. En particulier, ils confèrent une qualité gospel à l'ouverture de l'album teintée par les Beatles, et imprègnent "When Your Parents Go to Sleep" d'un style plutôt Soul de Ray Charles.
Destiné à faire connaître Ayers à un public plus large, "Bananamour" a été son dernier album chez EMI / Harvest avant de changer de label pour Island, et de manager (l'influent John Reid, manager d'Elton John à l'époque).
Les idées de "Bananamour" sont sans doute l'œuvre la plus aboutie d'Ayers...

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1994 The Brian Setzer Orchestra
Sur cet album, Brian Setzer, le guitariste du groupe de Rockabilly, the Stray Cats, dirige étonnamment un big band swinguant. Lui et son groupe de 17 musiciens traversent une série de standards et d'originaux, tous accompagnés de sa guitare et de sa voix grondantes.
Le disque démarre en trombe avec une trompette stridente et un quintette de saxos doux avant que Setzer ne s'instale avec les originaux "Lady Luck" et "Ball and Chain". Ces deux chansons comportent des paroles pleines d'esprit qui rappellent les bars enfumés et les salles de danse des années 40 et 50, tout en restant contemporaines.
C'est l'astuce que Setzer maintient tout au long de l'album: le style fait référence à Louis Jordan et Louis Prima en passant par Count Basie et Henry Mancini, mais le groupe est puissant et soudé. Le swing est naturel et jamais daté, et le son est aussi direct que les Stray Cats l'ont toujours été.
Cependant, sur les morceaux plus lents, les limites vocales de Setzer sont évidentes. "Route 66" et "A Nightingale Sang in Berkeley Square" font pâle figure par rapport à d'autres versions récentes de Natalie Cole ou du Manhattan Transfer. Mais, alors qu'il reprend Carl Perkins, Al Jolson et même son propre passé avec les Stray Cats, Setzer se balance d'une manière qui montre clairement qu'il aime et comprend la musique.
Plus vital que n'importe quel autre groupe fantôme, et plus agréable aussi, cet enregistrement a ouvert la voie au mouvement swing des années 90, qui incluait Royal Crown Revue et Big Bad Voodoo Daddy...

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Before the Flood (1974)
Bob Dylan et the Band avaient tous deux besoin de la célèbre tournée de retrouvailles de 1974, puisque la fortune de Dylan avait vacillé depuis "Self Portrait' et que le Band avait trébuché avec "Cahoots" en 1971. La tournée, avec la publicité qui l'accompagnait, a définitivement ramené les deux artistes sur le devant de la scène, et elle a été couronnée de succès, battant des records au box-office et recevant d'excellentes critiques.
"Before the Flood", un double album souvenir de la tournée, suggère que ces spectacles étaient généralement dynamiques, mais pas parce qu'ils se délectaient du passé, mais parce que Dylan luttait contre la nostalgie de son public, une nostalgie qui était présentée comme la raison même de ces spectacles. C'est pourtant ce qui donne à cette musique un tel élan: Dylan retravaille, réarrange, réinterprète ces chansons d'une manière qui reste désarmante, des années après leur sortie initiale.
Il n'aurait pu réaliser des interprétations aussi radicales qu'avec un groupe aussi sympathique, connaissant ses traits de caractère, que le Band, dont les propres enregistrements ici sont des répits dans la tempête. Et c'est une tempête, le son d'un grand rocker, surprenant son groupe et son public en déchirant ses plus grandes chansons d'une manière qui n'est peut-être pas réconfortante, mais qui garantit qu'il s'agit de l'un des meilleurs albums live de son époque.

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1981: Reckoning
À l'Automne 1980, le Grateful Dead avait donné une série de concerts au Warfield Theater de San Francisco et au Radio City Music Hall de New York afin de les filmer et de les enregistrer.
Le groupe avait ouvert ces concerts spéciaux par un set acoustique spécial au cours duquel Jerry Garcia et Bob Weir avaient joué des guitares acoustiques, Brent Mydland avait joué du piano, les batteurs Bill Kreutzmann et Mickey Hart avaient joué sur des kits réduits, Phil Lesh s'en est tenu à sa basse électrique, mais à un volume modeste.
La set list était spéciale: Un lot de vieilles chansons Folk et Country jamais incluses sur un album de Grateful Dead constituent la moitié des 16 chansons, mélangées à des originaux. En fait, trois de ces chansons originales, "Cassidy", "To Lay Me Down" et "Bird Song", n'étaient apparues auparavant que sur des albums solo de Garcia ou de Weir. La musique renvoie délibérément à une période que la plupart des Deadheads n'ont pas connue, les origines du groupe dans les groupes folk, bluegrass et country que Garcia a dirigés à Palo Alto, en Californie, au début des années 60, et qui ont culminé avec les Mother McCree's Uptown Jug Champions, le groupe qui est devenu électrique et a donné naissance aux Warlocks, rebaptisés le Grateful Dead.
Garcia semble particulièrement à l'aise avec ce matériel, et il prend les deux tiers du chant principal, Weir le remplaçant tous les deux morceaux, généralement avec une chanson au moins légèrement plus rapide, bien que, par exemple, sa version de "The Race Is On" n'ait pas le rythme effréné de l'original de George Jones.
De tous les membres du groupe, Garcia est celui qui a montré le plus d'affection pour les racines Folk et Country du Grateful Dead, les réintroduisant continuellement, que ce soit avec le groupe ou dans ses projets parallèles, et son aisance avec des sélections telles que "Jack-A-Roe" et "Deep Elem Blues" est évidente. En même temps, la juxtaposition de ce matériel traditionnel avec des compositions originales de Garcia et de son parolier Robert Hunter, comme la chanson d'ouverture, "Dire Wolf", et la conclusion, "Ripple", souligne l'effort délibéré des auteurs pour évoquer et remodeler l'idiome folklorique dans leurs compositions.
Le Grateful Dead a publié de nombreux albums live, mais celui-ci adopte une approche différente et plaira particulièrement aux nombreux fans de "Workingman's Dead" et d'"American Beauty".

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Six Silver Strings (1985)
Pour un enregistrement annoncé avec ferveur comme une occasion spéciale (le 50e album de B.B. King), celui-ci est étonnamment inégal dans son concept et erratique dans son exécution.
Cinq des titres sont des sessions de Miami produites de manière prosaïque par Dave Crawford, un collaborateur de longue date de King, qui a également coécrit la plupart d'entre eux avec Luther Dixon. Les accompagnements Pop / Rock routiniers produisent une réponse souvent apathique de la part de King; même le "Big Boss Man" de Dixon est d'une routine déprimante. Curieusement, les seuls morceaux qui ont un peu de piquant sont les trois coproduits par le cinéaste John Landis et son collègue de la bande originale du film "Into the Night", Ira Newborn.
En effet, "My Lucille" de Newborn, l'apothéose ultime de la guitare bien-aimée de King, est un classique sous-estimé car même Lucille elle-même a beaucoup d'espace pour chanter, et "In the Midnight Hour" est également un succès.
N.B.: L'album est incroyablement court avec un peu moins de 34 minutes.

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1977 - Hard Again
Muddy Waters s'est associé à Johnny Winter pour "Hard Again" en 1977, un retour saisissant qui démontre avec force les pouvoirs du maître.
À la tête d'un groupe comprenant des sommités telles que James Cotton et "Pine Top" Perkins, il n'est pas seulement au sommet de son art, mais il s'amuse comme un fou pendant qu'il le fait. Les bribes de conversation en studio qui clôturent "Mannish Boy" et ouvrent "Bus Driver" le montrent détendu et manifestement enthousiaste. Cela s'explique en partie par la qualité du son de l'album.
Johnny Winter a opté pour un style de production extrêmement dépouillé, visant clairement à capturer Waters en conversation avec un groupe dans ce qui semble être une simple pièce de studio. Cela signifie que les chansons menacent parfois d'exploser dans le chaos lorsque deux ou trois musiciens commencent à jouer en solo simultanément.
Un tel désordre est en fait parfaitement en accord avec la nature brute de cette musique; il ne peut en être autrement. Il y a quelque chose d'incroyablement gratifiant à entendre Waters crier pour différents solistes, à entendre le groupe rater des hits ou jouer avec les tempos. Ce n'est pas de la musique pop, c'est du blues, et un peu de saleté n'a jamais fait de mal à personne. La star méconnue de cette session est le batteur Willie "Big Eyes" Smith, dont les grooves profonds donnent vie à ce disque.
Le morceau "Mannish Boy", qui dure cinq minutes et ne comporte qu'un seul accord, serait loin d'être aussi convaincant s'il n'y avait pas la pochette colossale de Smith. Du grand blues par l'une des voix dominantes du genre.